Safari

Safari es una película británica rodada en Cinemascope del año 1956 dirigida por Terence Young y que cuenta en su reparto con un sólido Víctor Mature, Janet Leight como figuras estelares, así como Young Justin y Liam Redmond. Rhonda Fleming fue anunciada inicialmente para la protagonista femenina y los productores esperaban que Humphrey Bogart protagonizara, pero evidentemente eso no ocurrió.Victor Mature había firmado un contrato para dos películas con Warwick Films y le asignaron el papel principal. Se suponía que iba a hacer Zarak pero terminó haciendo Safari primero. 

Safari parte de un guion escrito por Robert Buckner basándose en una historia de Anthony Veiller. La película fue producida por Irving Allen y Albert R. Broccoli para la Warwick Films aunque fue distribuida por la Columbia Pictures.

La historia comienza con unos títulos de crédito que nos remiten a la fauna africana y presentan una historia que pudiera parecer Hatari u otras en las que la caza de un determinado  animal pudiera centrarse en eso. Nada más lejos de la realidad.

La historia comienza cuando conocemos a un cazador blanco estadounidense Ken Duffield (Victor Mature) se encuentra dirigiendo un safari en Kenya. Llega a casa, salida a su hijo, pero sale de inmediato para dirigir otro safari.

Mientras está fuera los rebeldes Mau Mau atacan su granja y masacran a los trabajadores y su ganado, pero en la refriega también mueren el hijo pequeño de Duffield, Charlie, y la tía May (Estelle Brody) que defienden su hogar contra el ataque masivo, pero lo sorprendente es que uno de sus criados Jeroge  o Njoroge (Earl Cameron) es en realidad un general Mau Mau. 

Dentro de la granja, Jeroge asesina a la tía May con un machete y Charlie muere con el rifle de May. Cuando Duffield regresa a su casa destruida, la policía le pasa la información sobre el papel de Jeroge en el asunto. 

Suponiendo que Duffield utilizará su experiencia en caza para localizar y vengarse de los terroristas en general y de Jeroge en particular, lo escoltan de regreso a Nairobi y revocan su licencia de caza hasta que la situación y Duffield se enfríen. Duffield pasa su exilio en Nairobi bebiendo y recopilando información sobre Jeroge de sus amigos africanos. 

Sin embargo, la fortuna le sonríe cuando un hombre rico e impertinente, Sir Vincent Brampton (Roland Culver), acompañado por su lacayo Brian (John Justin) y de su joven prometida estadounidense Linda (Janet Leigh), llegan a Nairobi. Están interesados en contratar a Duffield para que dirija un safari y que Sir Vincent pueda matar a un legendario león devorador de hombres llamado "Hatari" (en swahili, "arriesgado" o "peligroso"). 

Duffield sabe que Hatari reside en un área que se sabe que frecuenta Jeroge y que Sir Vincent puede usar su influencia para recuperar su licencia de caza. Al emprender un safari con su jefe, Jerusalem (Orlando Martins) y Odongo (Juma), Sir Vincent sospecha que Duffield no está interesado en cazar leones cuando descubre que el guía lleva una pistola Sten; Duffield explica que "nunca se sabe qué tipo de animales puedes encontrar". 

Sir Vincent ve confirmadas sus sospechas cuando Duffield salta de su Land Rover para unirse a la policía en un tiroteo contra los Mau Mau y está ansioso por extraer información de los prisioneros. Duffield cumple su promesa de llevar a Sir Vincent y su grupo al territorio de Hatari en la tierra de los masai, donde los extranjeros presencian una tradicional caza del león masai. 

Pero sus planes corren peligro cuando un informe de radio de la policía revela que un miembro del safari y del equipo que lleva es un Mau Mau. Además, el obsesivo Sir Vincent está decidido a quedarse con el crédito exclusivo por matar a Hatari. Eso le lleva a enfrentarse a Duffield, a humillar a Brian, entre otras cosas. Pero lo peor es que es un momento dado descarga el rifle de Duffield, aprovechando que Duffield marcha a ayudar a Linda quien decide hacer una excursión por un río infestado de cocodrilos en un bote de goma. 

Si la atracción que desde el principio hemos percibido entre la pareja protagonista desde este momento es absoluta. 

Otro informe de radio de la policía advierte que 200 prisioneros Mau Mau han escapado y se dirigen hacia el safari de Duffield para unirse con Jeroge. Pero eso a Sir Vincent no le interesa y está tan obsesionado con matar al león que le dispara a Duffield. 

En medio de esta situación, el león Hatari aparece por detrás de  Sir Vincent y salta sobre él. Aunque matan al león, hiere de muerte a Sir Vincent. A pesar de ser un indeseable Duffield organiza la salida de Sir Vincent para llevarlo a un hospital. Pero el convoy se detiene a ayudar a unos policías y después es retenido por los Mau Mau. 

El grupo y la policía local tienen que tomar armas para defenderse de un ataque de los atacantes Mau Mau, y se utiliza la pistola electromagnética de Duffield.

El rodaje comenzó el 1 de agosto de 1955 en los estudios Elstree de Londres. Cinco semanas después, la unidad fue trasladada a Kenia para realizar el rodaje comenzando en junio de 1955 antes de que se emitiera la película. Andy Worker dijo que tenía que emborrachar a Victor Mature antes de que el actor subiera al avión porque tenía mucho miedo de volar.

La película se rodó en Kenia simultáneamente con Odongo de John Gilling y el niño actor, Juma, nacido en Zanzíbar, repitió su papel de Odongo, algo que ocurre igualmente con el malvado de la película el bermudeño ( fallecido en 2020), Earl Cameron.

En una entrevista en 1997, Janet Leigh recordó que la segunda unidad de la película en realidad fue atacada por los Mau Mau.  

El presupuesto fue de £299,609 más honorarios para Mature, Leigh, Allen y Broccoli, obteniendo unos beneficios de 1,4 millones de dólares.

La película se estrenó el 6 de abril de 1956 en el Empire Cinema de Londres, y la crítica de The Times no fue muy favorable, en una reseña titulada "'Safari': una película estadounidense sobre los Mau Mau": "Seguramente no es ni mojigato ni pomposo encontrar algo desagradable en la idea de que un episodio tan horripilante como el terrorismo Mau Mau en Kenia sirva como material para una película cuyo propósito es únicamente entretener: otra película, hecha con un elenco británico sobre el mismo tema tiene un propósito que va más allá de eso. Una vez más, no es intolerablemente insular adoptar la postura de que está completamente mal que un estadounidense, interpretado por un actor estadounidense, sea el héroe y se muestre como el único capaz de Por último, están aquellos que son lo suficientemente aprensivos como para no sentirse del todo cómodos al ver cómo disparan a un elefante, un león y un rinoceronte (es de esperar que las escenas sean falsas) para provocar en el público una emoción indirecta. .- Una película que deja un sabor desagradable en la boca.

En Twitter - ahora X- he leído un critica de un historiador y escritor especializado en temas de África, James Hall que dice lo siguiente: "Cine imperialista. Anoche vi una película de propaganda británica de 1956, "Safari", ambientada en Kenia y que presenta escenas de elefantes, rinocerontes negros y leones reales asesinados a tiros. Los Mau Mau son los villanos: se los muestra como "terroristas" sedientos de sangre y asesinos de bebés sin agenda política. " Para Fausto Fernández en X - antes Twitter- considera que la película es excelente y todo un divertimento, y añade que esta sólida producción británica , bien dirigida por Terence Young, con "aventuras africanas con un plus de thriller" que "Ya no se ruedan películas sobre cacerías en África (o donde haya piezas salvajes que cobrarse), así que títulos como Safari , de lo top de Victor Mature en Inglaterra a las órdenes de Terence Young, son especies a proteger".La película es más interesante de lo que parece pues pudiera parecer una película de aventuras en África y sin embargo nos cuenta un episodio del movimiento Mau Mau y su acciones contra la población colona blanca en Kenya a los que atacaba sin piedad. 

La película es violenta como pocas, no esconden la barbarie ocurrida en algunas granjas de colonos. Vemos desde el inicio la traición de un trabajador con respecto a su jefe del asesinato sin piedad de su hijo y de una mujer, la hermana del protagonista, y a lo largo de la película esa violencia se sigue transmitiendo sin ningún tipo de freno.

El protagonista es un cazador profesional que es contratado para organizar un safari pero lo que le mueve a participar en ello no es otra cosa que la venganza para acabar con el jefe de una organización como los Mau Mau y no tanto la caza

Sierra

Western del año 1950 producido por Michael Kraike para la Universal Pictures que lleva por título tanto en castellano como en inglés de sierra dirigido por Alfred E. Green, uno de estos directores veteranos que habían pasado por todo entrando en el cine en 1912 como actor de la Selig Polyscope Company, que se convirtió en asistente del director de Colin Campbell y que luego comenzó a dirigir películas de dos bobinas hasta que comenzó a trabajar en largometrajes en 1917. 

Esta la hizo diez años antes de su muerte y que la hizo como unos de los últimos productos activo - se retiró a mediados de los 50- para la mayor gloria de Audie Murphy. Y eso que Green había dirigido a grandes estrellas como Mary Pickford, Wallace Reid, Barbara Stanwyck, William Powell y Colleen Moore. En Ella Cinders, de 1926, también interpretó a un director. 

En 1935, Green dirigió Dangerous, protagonizada por Bette Davis, que ganó el premio a la Mejor Actriz por su actuación. Mucho más tarde llegó el éxito de Green The Jolson Story (1946) y el afectuoso western Four Faces West (1948), conocido fuera de Estados Unidos por el título de They Passed This Way o "Cuatro caras del oeste"..

La película cuenta como un acusado de un crimen que no cometido de nombre, Jeff Hassard (Dean Jagger) y su hijo Ring (Audie Murphy) llevan una existencia aislada en las montañas domando caballos, porque a Jeff lo buscan por un asesinato que no cometió. Viven escondidos en las montañas y de atrapar Mustangs.

La llegada inesperada de una joven Riley Martin (Wanda Hendrix) por la que el joven Ring se siente atraído, pone en peligro la tranquilidad en la que viven los dos vaqueros. Al poco tiempo de llegar ella, Jeff resulta herido por un caballo al caer sobre él y tirarlo por el suelo y atraparlo, Ring tiene que ir a la ciudad a buscar ayuda. Así que baja de las Rocosas a la localidad de Sierravista, ya que de poco le sirve el reposo y las cataplasmas que le aplican. Además la chica descubre lo poco que Roing sabe de las mujeres. 

Es urgente traer a un médico y devolver a la ciudad a Riley ante la oposición de los Hassard, "En la ciudad hay gente pero no amigos". Nuevas complicaciones surgen con la mordedura que una serpiente cascabel a la joven por lo que Ring acaba por disparar sobre la herida por cauterizarla y sanarla al menos hasta que el Dr. Robins atienda a los dolientes. 

Los Hassard cuentan con un aliado, Lonesome ( Burl Yves ) que les vende los caballos. Tras dejar a la chica en su casa, busca al médico al que le fuerza a ir y al que le planteará su secreto profesional, aunque el recuerda que ha de denunciar si atiende a un fugitivo de la justicia. 

El médico atiende finalmente al padre y consigue que su situación mejore temporalmente , pero cuando vuelve a Sierravista los ciudadanos deducen que se trata de Ring Hassard así que lo detienen. 

Los recelos de Murphy con respecto al funcionamiento de la ley resultarán de lo más acertados ya que, a pesar de que todos en la ciudad parecen observar un escrupuloso respeto ante ella y sus mecanismos,  a un deseo de linchar a los dos integrantes de la familia que son acusados de quemar la ciudad para cometer un delito. El juicio al que someten al protagonista es vergonzoso . También que ella en calidad de  abogada formada en el Este no es respetada por nadie durante el juicio. Incluso su tía le conmina a que se deje de tonterías de abogacías, a pesar de que está versada en leyes,  pero es ridiculizada por su condición de mujer en el juicio, "Tienes que dejar esa tontería de la abogacía" le conmina la tía,  

Finalmente, Ring escapa y retoma la vía de la montaña formando una partida - aparentemente de malhechores- para hacerse con la totalidad de los Mustang que por allí vagan siendo a un caballo negro que los guía. Esa partida contará con el apoyo logístico y humano de la chica que ya está enamorada de Ring y que rompe con su prometido, un rico local. Riley descubre la verdad sobre Ring y su padre y ayuda a aclarar las cosas con las autoridades.

Con su partida se enfrentarán contra otra de ladrones de caballos en la que están los que buscaban a los Hassard para redimir sus propios destrozos ya que el jefe de la banda fue el responsable del incendio atribuido al mayor de los Hassard. Por su parte, el sheriff sale en busca de los Hassard pues su idea es ahorcarlo al considerarle culpable y su reaparición alienta el odio contra ellos por lo ocurrido en el pasado. 

El punto culminante es cuando la partida de los Hassard logra reunir todos los Mustang en un refugio natural, pero la partida de los que quieren quedarse con los animales provoca un estampida que es frenada por Ring. Mientras eso ocurre el sheriff da con Jeff Hassard y lo detiene. Cuando van a ahorcarlo uno de los que habían intentado robar los caballos que ha sido atropellado por los mismos junto con uno de sus colegas, reconoce que los Hassard no fueron responsables del incendio, su pecho quemado, atestigua que fue él. Esto sirve como declaración exculpatoria y desde ese momento los Hassard quedan sin responsabilidad de lo ocurrido mientras Ring y Rileu se besan. The end. 

Sierra es uno de los primeros títulos de un Tony Curtis acreditado todavía Anthony Curtis. Junto a él Wanda Hendrix , espeso de Audie Murphy, que pocos meses después pusieron fin a su matrimonio.

Este filme de Alfred E. Green es un remake de una película de 1938 titulado el Valle Prohibido que a su vez está inspirado en una novela de Stuart Hardy, Mountain are muy kingdom. Milton Gunzberg fue el encargado de incluir diálogos adicionales , aunque el guion fue escrito por Edna Anhalt.  

La película creía que había sido rodada en Yosemite, pero no parece ser que se rodó en Kanab Canyon, Aspen Mirror Lake, Duck Creek, Cascade Falls, y Cedar Breaks en Utah.

La película cuenta con las baladas y canciones de Burl Ives que ameniza a Ring, a Ripley y a los chicos de la comunidad de Sierravista. 

Wanda Hendrix apareció en lugar de Audie Murphy en los créditos. Estaban casados cuando se hizo la película, sin embargo, su matrimonio fue breve y tumultuoso, y los dos se separaron incluso antes de que se estrenara la película. Según varias entrevistas y artículos sobre la película, Murphy sufría lo que eventualmente se conocería como trastorno de estrés postraumático, lo que resultó en su comportamiento a menudo errático e impredecible. 

La película contó con la fotografía de Russell Metty, el montaje de Ted J. Kent y la banda sonora de Walter Scharf.

De lo escrito de la película destaco las palabras de Fausto Fernández enunciadas en Twitter . ahora X- hace unos días "De los westerns más bonitos (un gusto y cuidado estético que acaso no veremos en la copia que echen) y primeros westerns protagonizados por el chaparro Audie Murphy". Y tenía razón con imágenes muy bellas como la del caballo negro a toda velocidad   y la del entorno en el que se desarrolla la historia que me remitía a los paisajes del californiano Yosemite. aunque no lo era, la copia era de muy baja calidad, no ayuda mucho a valorar más las película. Un western más para la gloria del militar Murphy. 

Goyescas

Un clásico del cine español del año 1942 y que cuenta como estrella estelar - nunca mejor dicho- con Imperio Argentina y la dirección del principal director de la época, Benito Perojo que contó como ayudante con Fernando Alonso Casares. El guion fue escrito por Fernando Periquet y Benito Perojo. La película es una adaptación de la ópera Goyescas de Enrique Granados, que a su vez se inspiró en los cartones para tapices de Francisco Goya. Fue rodada en los Estudios Chamartín y contó como técnicos con Michel Kelber y Cecilio Paniagua en la fotografía, en el montaje con Petra de Nieva y en el vestuario con Manuel Comba Sigüenza.

La historia se desarrolla en el castizo Madrid de Goya y en uno de los momentos de revueltas sociales. La condesa de Gualda que es Imperio Argentina y un aristócrata que siempre anda en boca del pueblo por sus amoríos y una cantaora coma una maja llamada petrilla también interpretada por Imperio Argentina que es en ese momento la más famosa a tonadillera de la capital son tan parecidas físicamente que las personas más allegadas a ellas las confunden.

Un día Petrilla descubre que el hombre al que ama el marqués Luis Alfonso de Nuévalos ( Armando Calvo) también está viviendo una apasionada relación y romance con la condesa.

A partir de ese momento petrilla dedicará todas sus energías a perjudicar a su rival incluso cuando la condesa consigue un nuevo amor el capitán Pizarro.

Aun así petrilla no dejará de incordiar a la condesa puesto que por su culpa el marqués tuvo que huir de la justicia por matar al corregidor en un duelo por eso desea hacerle la vida imposible teniendo o moviendo sus contactos en la corte concretamente con un ministro del rey para que envíen a Fernando Pizarro (Rafael Rivelles ) a un nuevo destino en las Indias Cartagena de Indias.

Al final con el regreso del marqués las dos mujeres se hacen amigas y cada una será feliz con su respectivo amor.

Las dos protagonistas la condesa y la tonadillera encarnada por Imperio Argentina que hace un trabajo magistral son dos exponentes netos de las dos España la España aristocrática y la España humilde.

Goyescas supuso la reincorporación de Imperio Argentina al cine español después de su andadura internacional, sobre todo en la Alemania nazi que volvió para interpretar dos papeles en esta adaptación cinematográfica inspirada en la obra "Goyescas," compuesta por Enrique Granados que se inspira en las pinturas y la época del pintor español Francisco de Goya. 

La película "Goyescas" está ambientada en la España del siglo XVIII y está llena de elementos históricos y visuales que evocan la estética de la época de Goya. 

La película combina la narrativa de amor y drama con interpretaciones de fragmentos de "Goyescas" de Granados, lo que añade canciones musical importante a la trama. Los elementos visuales y estilísticos de la película, como los vestuarios y la recreación de la España del siglo XVIII, también son destacables y contribuyen a la atmósfera romántica y nostálgica de la historia. 

Es una película emblemática en la historia del cine español con la que Benito Perojo, el director, logró capturar la esencia de la ópera de Granados y la época de Goya en esta producción cinematográfica. 

La película recibió el premio en el Festival de Cine de Venecia en 1942.La banda sonora estuvo basada en la danza andaluza números cinco de Granados pero las canciones fueron compuestas por Rafael de León y Manuel Quiroga destacando entre ellas la que se convirtiera un gran éxito en la voz de la propia Imperio Argentina: Olé, Catapúm. 

En ABC Play dice de ella que "Ambas lucharán por su amor, resolviéndose su rivalidad entre coplas y diversos episodios que recrean la iconografía de las pinturas de Goya. Un filme de gran éxito en el momento de su estreno, con banda sonora de los entonces popularísimos Quintero, León y Quiroga. Imperio Argentina logró uno de sus mayores hits".

Benedetta

Producida por Saïd Ben Saïd, Michel Merkt y Jêrôme Seydoux, encabezando las productoras de SBS Productions, Pathé, France 2 Cinema, France 3 Cinéma, Topkapi Films, Belga Productions, dirigida por Paul Verhoeven, el director holandés que nunca deja indiferente a nadie y que tiene el buen gusto de contarnos historias donde el sexo es también importante. En el año 2021 se lanzó a rodar la película Benedetta. Como siempre la película no pudo pasar desapercibida porque en una historia de monjas la combinación entre sexo, erotismo - casi pornografía- ,autoridad eclesiástica y ansia por el poder en una historia basada en hechos reales evidentemente no puede, ni debe, dejar indiferente a nadie. 

La historia se desarrolla en la ciudad de Pescia una localidad toscana, donde en un convento de teatinas ingresa una joven niña que al crecer va a tener, o al menos dice ella, contactó directo con Dios. Podríamos pensar que su fin tenía que ser en la hoguera pero no fue así tal y como dice el relato al final de la película: la hermana Benedetta Carlini no fue martirizada. Vivió hasta los setenta años enclaustrada en el convento de las teatinas de Pescia. Podía asistir a misa y en ocasiones comer con sus hermanas pero sentada en el suelo, y por supuesto de había dejado de ser la autoridad del convento la madre superiora. Eso sí, como ella señalaba tras sus encuentros con Jesús,  la ciudad de Pescia se libró de la peste negra. 

La película es morbosa, subversiva, sensual, provocadora, crítica, erótica y satírica, todo eso y mucho más, se va a dar en esta película sobre esta monja del siglo XVII  sus éxtasis sexuales que removieron los cimientos de la Iglesia católica de la época.

Con su peculiar estilo transgresor el director holandés utiliza esta historia real para hablar del poder de las mujeres, de la doble moral y de la represión sexual con la ferocidad y la ácida sátira del realizador neerlandés.

Presentada en el Festival de Cannes de 2021 - con gran éxito, de hecho nfue Palma de Oro- la cinta está basada en el libro de no ficción escrito en 1985 por Judith Brown titulado "Immodest Acts: The Life of a Lesbian Nun in Renaissance Italy" Afectos vergonzosos: la vida de una monja lesbiana en la Italia del Renacimiento" y adapta unos manuscritos sobre la religiosa italiana benedetta carlini encontrados por casualidad en la biblioteca de Roma. 

El reparto lo encabeza la bella Virginie Efira, Charlotte Rampling, Daphné Patakis, Lambert Wilson, Olivier Rabourdin. Su producción incluyó a la mayoría de los miembros clave del equipo de la película anterior de Verhoeven, Elle (que también coprotagonizó Efira), como el productor Saïd Ben Saïd, el escritor David Birke, la compositora Anne Dudley y el editor Job ter Burg. 

La historia se desarrolla en Pescia, una pequeña localidad de la provincia de Pistoia en la Toscana durante el siglo XVII. Allí vemos como unos padres dejan a una niña, la joven Benedetta Carlini, en un convento teatino dirigido por la abadesa Felicita ( Charlotte Rampling) para convertirse en monja. Desde el principio vemos que la chica tiene fijación con las imágenes y milagrosamente una estatua de la Virge cae sobre ella y no le daña.

Dieciocho años después, mientras interpretaba a la Virgen María en una obra de teatro, Benedetta tiene una visión de Jesús llamándola. Un día, una joven campesina llamada Bartolomea busca refugio en el convento de su padre abusivo. A Benedetta se le asigna la tarea de supervisar la integración de Bartolomea (Daphné Patakia ) en la vida del convento. 

Esa noche, Bartolomea, que ha recibido abusos y palizas sistemáticos por parte de su padre - un pastor- cuando éste enviudó,  besa a Benedetta. 

Benedetta comienza a tener visiones recurrentes de Jesús. Después de una visión particularmente tensa, en la que un hombre al que confunde con Jesús la salva de una violación en grupo, Benedetta cae enfermedad. La abadesa Felicita encarga a Bartolomea que la cuide. 

Benedetta tiene otra visión de Cristo, pidiéndole que se desnude y le toque las manos. A la mañana siguiente, se despierta con estigmas en las palmas y los pies. Se produce una investigación interna. La abadesa Felicita se muestra escéptica porque los estigmas de Benedetta se manifestaron mientras dormía, no durante la oración, y su frente carece de las marcas de una corona de espinas. Fuera de los aposentos de Felicita, Benedetta se desploma. Luego comienza a hablar con una voz masculina enojada, castigando a quienes dudan de ella, mientras aparecen heridas sangrantes en su frente. 

La hermana Christina (Louise Chevillotte ), la hija de Felicita, sospecha que las heridas de Benedetta son autoinfligidas, después de ver un fragmento de cerámica o cristal. Tras una disputa entre Felicita y los líderes de la iglesia local sobre la forma en que se debe manejar el interés popular en las visiones de Benedetta, Benedetta es elevada al puesto de abadesa en lugar de Felicita. 

Benedetta y Bartolomea se mudan al antiguo alojamiento de Felicita y comienzan una relación sexual, luego usando un consolador tallado por Bartolomea en la estatuilla de madera de la Virgen María de Benedetta. 

En confesión, Christina le miente al sacerdote al decirle que ella fue testigo de cómo Benedetta se infligía heridas en la frente. Al día siguiente, el sacerdote obliga a Christina a decir públicamente sus acusaciones. 

Cuando el sacerdote la interroga, Felicita refuta las afirmaciones de Christina porque Christina le había admitido previamente que en realidad no vio las heridas autoinfligidas. Benedetta, aparentemente poseída por el espíritu de Jesús, ordena a Cristina que se flagele. 

Más tarde, Felicita observa a Benedetta y Bartolomea teniendo relaciones sexuales a través de una mirilla en sus habitaciones. Humillada, Christina ésta salta al vacío desde el tejado del convento justo en el momento en que un cometa cruza el cielo, lo que es tomado como una manifestación divina. 

Casi de inmediato , la peste comienza a asolar el campo, Benedetta tiene la visión de que Pescia se salvará y ordena cerrar la abadía para evitar infecciones. 

Antes de cerrar el convento y horrorizada por el fallecimiento de Christina y por la negligente actuación de su antigua pupila, Felicita viaja en secreto a Florencia para denunciar las indiscreciones sexuales de Benedetta al nuncio papal local. 

Mientras tanto, Benedetta muere repentinamente por causas desconocidas. Poco después de que Felicita regresa a la abadía con el nuncio (Lambert Wilson), que mientras le va poniendo los óleos sobre los párpados, Benedetta revive, diciendo que estaba en el cielo y había visto el destino de todos los presentes. 

El nuncio, como representante del Papa, abre un tribunal de investigación sobre la conducta de Benedetta. Bartolomea inicialmente niega cualquier relación sexual con Benedetta, pero después de ser torturada por los hombres del nuncio confiesa la verdad, llevando al nuncio al consolador de madera escondido en una Biblia. Hace arrestar a Benedetta. Hablando nuevamente con voz masculina, arremete contra quienes la persiguen, anunciando que el nuncio pronto enfermará. 

El nuncio descubre que Felicita tiene la peste y ordena ocultar su estado. Bartolomea es expulsada de la abadía casi sin ropa. 

En la plaza del pueblo, antes de ser ejecutada, Benedetta revela nuevos estigmas y, hablando con voz masculina, anuncia que el Ángel de la Muerte se acerca. Felicita, al revelar su enfermedad, culpa al nuncio de llevar la peste a Pescia. Se produce el caos cuando la gente del pueblo impide que los hombres del nuncio quemen a Benedetta en la hoguera. Bartolomea desata a Benedetta y descubre un tiesto ensangrentado a sus pies. El nuncio es asesinado por una turba enfurecida.

Benedetta y Bartolomea huyen de la ciudad y Felicita se autoinmola en el fuego encendido para la ejecución de Benedetta. En un establo abandonado a las afueras de la ciudad, después de pasar la noche con Bartolomea, Benedetta insiste en que debe regresar al convento. Bartolomea le ruega que se quede y trata de que admita que fingió sus estigmas, pero Benedetta se niega y regresa a Pescia. 

Una tarjeta de título revela que Benedetta vivió en la abadía hasta su muerte a la edad de 70 años, y que la peste no afectó a Pescia. 

Tras el éxito de crítica y comercial de su anterior película Elle (2016), el director Paul Verhoeven desarrolló varios proyectos entre ellos uno sobre Jesús basado en su propio libro Jesús de Nazaret, otro sobre la Resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial y una historia medieval ambientada en un monasterio escrito por Jean-Claude Carrière. 

En abril de 2017, el productor Saïd Ben Saïd reveló que el tercero había sido el elegido como próximo proyecto de Verhoeven. La película, entonces titulada Blessed Virgin, marcó la segunda colaboración del productor y del director después de Elle. 

En el apartado de guionistas, Gerard Soeteman, que trabajó con Verhoeven en ocho películas anteriores, incluidas Turkish Delight (1973), The Fourth Man (1983) y Black Book (2006), reemplazó a Carrière para adaptar el libro de no ficción de 1985 Immodest Acts: The Life of a Lesbian.Soeteman finalmente se distanció del proyecto y le quitaron su nombre de los créditos porque sentía que gran parte de la historia se centraba en la sexualidad. Saïd Ben Saïd anunció que Verhoeven había coescrito el borrador final con David Birke, quien anteriormente escribió Elle. Brown afirmó que "Paul Verhoeven y David Birke han escrito un guión imaginativo y fascinante que explora la intersección de la religión, la sexualidad y la ambición humana en una era de plaga y fe". Verhoeven explicó en una entrevista que gran parte del final era ficticio: agregó la revuelta de los ciudadanos y el intento de quemar a Benedetta en la hoguera fue tomado de la historia de Juana de Arco, cuyo suplicio se menciona en la película por parte del Nuncio.. 

Para componer la música se contrató a Anne Dudley, mientras que el responsable de la fotografía de Jeanne Lapoirie. 

La actriz belga Virginie Efira, que interpretó un papel secundario como católica devota en Elle, fue elegida para el papel principal de Benedetta Carlini. marzo de 2018. El 3 de abril de 2018, Lambert Wilson le dijo al periódico francés Le Journal du Dimanche que tenía un papel en la película. El 1 de mayo de 2018, Deadline Hollywood reveló que Charlotte Rampling inició negociaciones para desempeñar un papel secundario clave. El 4 de mayo de 2018, se anunció que la película pasaría a titularse Benedetta. Aunque Verhoeven esperaba convencer a Isabelle Huppert para que desempeñara un papel secundario en la película, el productor Saïd Ben Saïd declaró el 31 de mayo de 2018 que la actriz no se uniría al proyecto. Ben Saïd también confirmó que Louise Chevillotte, Olivier Rabourdin, Clotilde Courau y Hervé Pierre habían sido elegidos para la película. 

El rodaje comenzó en julio de 2018 en la localidad italiana de Montepulciano. Otros lugares incluyeron Val d'Orcia y Bevagna, también en Italia, así como la Abadía de Silvacane y la Abadía de Le Thoronet, en Francia. La producción fue seguida por una fuerte campaña de secreto y nadie, a menos que trabajara en la película, podía entrar al set. 

El productor Saïd Ben Saïd admitió que la historia estaba "sujeta a polémica" y temió reacciones de las asociaciones católicas fundamentalistas. Un ejemplo concreto era la presencia de un consolador. En entrevistas el director afirmó que se requería que el consolador fuera "históricamente exacto", porque para ser quemado en la hoguera se requería el uso de un "instrumento". 

Tras su estreno- con éxito incluido en Cannes- la película inició su recorrido por pantallas y por los premios. En los franceses Premios César fue Nominada a Mejor actriz (Virginie Efira). En la National Board of Review (NBR) se incluyó como una de las Mejores películas extranjeras del año. 

En cuanto a la crítica en general fue positiva, aunque en ocasiones con matices. Justin Chang en las páginas de Los Angeles Times dijo de ella que er4a "Sexi, satírica y espiritual (...) Hace falta una destreza especial para que una película lleve su inteligencia y su irreverencia con tanta ligereza. Incluso se podría llamar gracia"

Jordan Mintzer del The Hollywood Reporter comentó que era "Una película sobre una mujer que se abre camino en el poder en un mundo dominado por hombres (...) Su belleza reside en que nunca ofrece una respuesta directa a nuestras preguntas, convirtiéndola, sobre todo, en un asunto de fe". 

Peter Debruge en Variety no es tan partidario de ella y nos dice que "Es una película erótica, punto. Y aunque es más inteligente, en algunos aspectos, que otras explotation de monjas como 'Put Your Devil Into My Hell' o 'The Killer Nun', en otras, es mucho más tonta" 

En España la prensa especializada se ha movido entre el aplauso y un reconocimiento tibio. Entre los primeros se encuentran, entre otros, Nando Salvá de El Periódico al decir que "Recrea con una deliciosa mezcla de rabia y humor sardónico las miserias de un clero corrupto (...) qué loca y qué macarra es ‘Benedetta’, qué maliciosamente divertida" 

En La Razón Sergi Sánchez escribió que la película era "Irresistible (...) Articula un atrevido discurso sobre la espiritualidad (...) Es difícil imaginar una película más a contracorriente, sucia y terrenal que «Benedetta»" 

Javier Zurro en El Español reconoce que "Verhoeven demuestra, a sus 82 años, que el cine todavía puede provocar, ser irreverente y descarado (...) Es un disfrute lúbrico y lúdico. (...) Dividirá, escandalizará y se hablará de ella". 

Luis Martínez en El Mundo escribe que es "Chirriante, 'kitsch' y genial fábula sobre la mentira y el poder (...) es hortera y es sencillamente irresistible." Y en Javier Ocaña en El País considera que sí que "Hay depravación, sacrilegio y provocación. Pero también deseo, pasión y amor, siempre sobre la base del éxtasis del cuerpo. Y Verhoeven (...) lo representa alejándose del realismo en actitudes y hasta en físicos." 

Esta opinión contrasta con la del primer espada de la crítica en ese diario, Carlos Boyero, al decir que es "Irregular (...) Verhoeven juega fuerte en esta apuesta con una temática muy retorcida (...) Sigo Benedetta durante parte del metraje con cierto interés, pero termino cansándome de tanto grito y de su desmadre argumental" 

También se desmarca en las páginas del ABC, Oti Rodríguez Marchante que dejó por escrito que "Es el carácter visionario del personaje, su fe y fuerza interior, lo que sutilmente se resalta en la película, aunque hay diversos momentos chorras donde se trivializa y se pretende diluir con algún chascarrillo erótico o pseudorreligioso"

Yo reconozco que tenía interés en vez esta película que habla del amor divino, pero sobre todo que desarrolla el amor mundano. Tiene mucho de erotismo, hecho con buen gusto como ya conocemos a Verhoeven, un maestro. Por otro lado, es una película atrevida, bien hecha, ajena a estándares tradicionales, pues no deja de ser una historia deb amor y de poder que en muchas ocasiones están enlazados, ¿o no es así? 

Brainwashed: Sex-camera-power

Documental del año 2022 dirigido por Nina Menkes. Trata sobre una investigación de cómo el diseño de las formas cine cinematográficas se cruza con el abuso recién sexual y discriminación laboral contra las mujeres. Participan entre todas técnicos y actrices muchas de ellas vinculados con un movimiento metoo, donde por supuesto aparece el caso Weistein planteado por Patricia Arquette. 

El peso del documental lo llevó la directora y siempre criticando lo que se denomina la mirada masculina. 

La "mirada masculina" en el cine ha sido objeto de críticas y debates en los últimos años, y hay un movimiento creciente hacia la diversidad y la inclusión en la industria cinematográfica. La noción de la "mirada masculina" en el cine es un concepto que se ha discutido y analizado en el campo de la teoría cinematográfica y los estudios de género. 

Se refiere a la forma en que las películas, en su mayoría dirigidas y producidas por hombres, a menudo presentan al mundo desde una perspectiva masculina y reflejan los deseos, las preocupaciones y los puntos de vista de los hombres como el enfoque dominante. En esa "mirada masculina"  aparecen algunos elementos como 

La objetificación de la mujer: En muchas películas, las mujeres son representadas a menudo como objetos de deseo sexual o como personajes que existen principalmente para servir como interés romántico o sexual de los protagonistas masculinos. Esto puede manifestarse a través de la sexualización de los personajes femeninos, la cosificación o la simplificación de sus motivaciones y personalidades. 

La perspectiva centrada en el hombre: Las películas a menudo se centran en las experiencias y los puntos de vista de los personajes masculinos, lo que puede llevar a la subrepresentación de personajes femeninos complejos y bien desarrollados. La historia principal tiende a girar en torno a los logros y desafíos de los hombres, mientras que los personajes femeninos a menudo se utilizan en función de su relación con los protagonistas masculinos. 

Los estereotipos de género: La "mirada masculina" o el "male gaze" en el cine a veces perpetúa estereotipos de género, como la idea de que los hombres son fuertes, valientes y lógicos, mientras que las mujeres son emocionales o frágiles. Estos estereotipos pueden influir en la forma en que se representan y se tratan a los personajes de género en las películas. 

El control detrás de escena: La "mirada masculina" en el cine también se relaciona con el hecho de que la mayoría de los directores, productores y guionistas en la industria cinematográfica han sido históricamente hombres. Esto significa que la perspectiva masculina a menudo domina en la toma de decisiones creativas y la representación en pantalla. 

El peso del relato en Brainwashed lo lleva la cineasta Nina Menkes. Ella, a través del documental y sus películas, casi todas de carácter experimental-, que defiende como el cine ha perpetuado el machismo, ha desafiado las normas cinematográficas convencionales y ha abordado directamente la cuestión de la "mirada masculina" en el cine a través de su obra, contribuyendo así a la discusión y la crítica de las representaciones de género en la industria cinematográfica incluso en obras maestras como Erase una vez en Hollywood de Tarantino, La Dama de Shanghai de Orson Welles, Toro Salvaje de Scorsese o Carrie de Brian de Palma pasando por Vértigo del tito Alfred o la primera gran película que muestra explícitamente esa mirada, Metrópolis de Fritz Lang. Pero que incluso obras consideradas valientes por su transgresión están altamente sexualizadas como La vida de Adèle de Abdellatif Kechiche - cuya obra parece detestar- o El desprecio de Godard. Algunas feministas han visto en todo esto el fomento de la cultura de la violación. 

El "male gaze" o "mirada masculina" es un concepto acuñado por la crítica de cine británica Laura Mulvey en su influyente ensayo "Visual Pleasure and Narrative Cinema" (Placer visual y cine narrativo), publicado en 1975. Se refiere a la forma en que las películas, en su mayoría producidas y dirigidas por hombres, tienden a presentar al mundo desde una perspectiva masculina y a objetivar a las mujeres en pantalla. Sus rasgos más representativos son ver a la mujer como objeto de deseo, como espectáculo, como sujeto pasivo o como "Otro", es decir, como seres misteriosos o incomprensibles desde la perspectiva masculina, lo que puede reforzar la idea de que las mujeres son enigmáticas y difíciles de entender. 

Menkes, a través de sus películas experimentales, tales como "The Bloody Child" o "Queen of Diamonds" a menudo se alejan de las narrativas convencionales y se centran en explorar la psicología de los personajes, la sensualidad y la alienación. Esto le permite abordar las representaciones de género de manera inusual y provocativa. En algunas de sus películas es su hermana la actriz principal. 

A través de su obra y su activismo, Nina Menkes ha contribuido a elevar la conciencia sobre las cuestiones de género en el cine y ha abogado por una mayor diversidad y representación en la industria cinematográfica. Su trabajo ha sido influyente en el movimiento feminista en el cine y en la reevaluación de la "mirada masculina" en la cinematografía. Es profunda su crítica a la cosificación y conversión de la mujer en objeto frente al papel de sujeto de los hombres. 

Ella apuesta por "devolver la mirada" lo que es una idea clave en su trabajo y se refiere a la idea de empoderar a las mujeres en el cine para que cuenten sus propias historias y desafíen las representaciones convencionales de género en la pantalla.

En lugar de simplemente criticar la "mirada masculina" en el cine, Menkes aboga por "devolver la mirada" o "revertir la mirada" como una forma de empoderar a las mujeres en el cine y permitir que sus experiencias y perspectivas sean exploradas y expresadas de manera auténtica. 

La idea de "devolver la mirada" implica que las mujeres, como espectadoras y creadoras de cine, tienen el poder de cuestionar y subvertir las representaciones convencionales de género en la pantalla. En lugar de ser pasivas en la recepción de imágenes y narrativas que refuerzan estereotipos de género o que están diseñadas desde una perspectiva masculina, las mujeres pueden "devolver la mirada" al cine, es decir, crear su propio cine y su propia narrativa que refleje sus propias experiencias y puntos de vista. 

La noción de "devolver la mirada" busca transformar la dinámica tradicional en la que las mujeres son a menudo representadas como objetos pasivos de la mirada masculina en el cine. En su lugar, las mujeres pueden asumir un papel activo al crear películas que desafían las normas de género y que presentan personajes femeninos complejos y empoderados. Este enfoque contribuye a una mayor diversidad y representación en el cine, lo que a su vez puede enriquecer la cultura cinematográfica al incluir perspectivas más variadas y auténticas. Y aunque toma como referencia del poder que pueden tener las mujeres en su representación cinematográfica siempre que detenten ellas el poder o la autoridad en una situación de desigualdad social como hace con poniendo como ejemplo la película de Mandingo (1975) una película de serie Z que apuesta por la representación racial y sexual, y que se ha considerado como un ejemplo de cómo el cine puede perpetuar estereotipos y prejuicios perjudiciales.

Lo cierto es que ella, así como otras mujeres que aparecen en este film documental considera que el cine está cambiando y que esa mirado que ha estado en el cine - casos explicitos son"Anatomy of a Murder" (1959) de Otto Preminger, Orlando (1992) de o Sally Potter o Thelma y Louise (1991) de Ridley Scott - estará cada vez más presente desafiando las convenciones de género y ofrecer perspectivas diversas y auténticas como ocurre en "Girlhood" (2014) de Céline Sciamma, "Monster" (2003) de Patty Jenkins, la maravillosa y durísima "Mustang" (2015) dirigida por Deniz Gamze Ergüven, "Belle" (2013) dirigida por Amma Asante o "Fish Tank" (2009) de Andrea Arnold.

De ella Indienwire señaló que era “Un documental destinado a cambiar la forma en que los espectadores ven películas”

A vida o a muerte

A Matter of Life and Death o como he leído Highway to Heaven es la mítica película de Michael Powell y Emeric Pressburger - aquí directores, productores y guionistas- que  el historiador de cine británico Mark Cousins considera como determinante para explicar por dónde evoluciona el cine británico de posguerra. 

Es una película del año 1946 producida con The Archers. Cuanta con la participación de David Niven y Kim Hunter, Robert Corte, Katheleen Byron - el ángel de la recepción- , un jovencísimo Richard Attenborough como joven piloto derivado, Roger Livesey como el Doctor Frak Reeves , Raymond Massey.

La película comienza con una imagen del Universo y como nosotros en el mismo somos nada, y que una historia humana es menos que nada, sin embargo nos cuenta la historia de un aviador británico Peter Carter (David Niven) que está a punto de de morir en un avión incendiado. El 2 de mayo de 1945, el líder de escuadrón Peter Carter, un piloto de la RAF, está volando un bombardero Lancaster muy dañado y en llamas sobre el Canal de la Mancha, después de una misión sobre Alemania.

Antes de morir contacta con la central y habla con la operadora norteamericana June (Kim Hunter). Carter espera morir, después de ordenar a su tripulación que se retire, sin revelarles que su propio paracaídas ha sido destruido. El único operador de radio que lo recibe es June, en una base de la USAAF en la costa de Inglaterra. 

Tras una breve conversación en la que le confiesa sus pensamientos más íntimos, casi de despedida, en la que él le pide que se ponga en contacto con su madre y con sus hermanas para decirle que las quiere en un segundo comienzan a enamorarse. 

Después de esto el aviador se despide y se lanza al vacío sin paracaídas a más de mil pies de altura. Peter debería haber muerto en ese momento, pero el conductor 71 (Marius Goring), el guía enviado para escoltarlo al Otro Mundo, lo extraña en la espesa niebla sobre el Canal de la Mancha.

La caída supone su muerte segura pero cuando vemos la playa se recupera aunque debería estar muerto. Pero tras ver sobrevolar un avión , un "mosquito" De Havilland vuela bajo, descubre, desconcertado, que todavía está vivo. Peter se encuentra con June regresando en bicicleta a su habitación después de su turno de noche y se enamoran. 

Tras eso nos enteramos que en el cielo lo están esperando. Un enviado del cielo, el conductor 71, un aristócrata francés guillotinado en la Revolución, parando el tiempo mientras se encuentra junto a June, le explica que debería estar muerto, pero él renuncia a ingresar en el cielo por haberse enamorado en el último momento de la radiotelegrafista americana, consiguiendo que su caso sea llevado al juicio apelando su muerte ante un tribunal celestial y finalmente consiguiendo unos días, tres, de prórroga para su incorporación. Mientras el conductor 71 consulta a sus superiores, Peter sigue viviendo. 

El conductor 71 le informa en otro momento que debe elegir un abogado defensor entre todas las personas que han muerto alguna vez, pero tiene dificultades para elegir uno. Mientras June recurre al Dr. Reeves para que ayude al piloto. 

Las visiones de Peter son diagnosticadas por el doctor Reeves, como un síntoma de una lesión cerebral (aracnoiditis adhesiva crónica por una conmoción cerebral leve dos años antes) y está programado para una cirugía.

Reeves muere en un accidente de motocicleta mientras intenta encontrar la ambulancia que llevará a Peter al hospital. La muerte de Reeves le permite actuar como abogado de Peter. Durante el juicio, y simultáneamente a esta situación sobrenatural, un equipo de médicos lucha en el quirófano para curar a Peter una lesión en el cerebro. 

Durante el juicio Reeves sostiene que, sin ser culpa suya, a su cliente se le dio tiempo adicional en la Tierra y que, durante ese tiempo, se enamoró y ahora tiene un compromiso terrenal que debería tener prioridad sobre el reclamo de la otra vida sobre él. 

El asunto llega a un punto crítico, en paralelo con la cirugía cerebral de Peter, ante una corte celestial; la cámara se aleja de un anfiteatro para revelar que es tan grande como una galaxia espiral. 

El fiscal es el estadounidense Abraham Farlan, que odia a los británicos por convertirlo en la primera víctima de la Guerra Revolucionaria Estadounidense. Reeves cuestiona la composición del jurado, que está formado por representantes que tienen prejuicios contra los británicos. Para ser justos, el jurado es reemplazado por una mezcla multicultural de estadounidenses modernos cuyos orígenes son tan variados como los de aquellos a quienes reemplazan.

Reeves y Farlan hacen comparaciones con la nacionalidad del otro para respaldar sus posiciones. Al final, Reeves hace que June suba al estrado (el  enviado o conductor 71 la hace quedarse dormida en el mundo real para que pueda testificar) y le demuestra que ama genuinamente a Peter diciéndole que la única forma de salvar su vida es ocupar su lugar. 

Después de lo cual sube la escalera al Otro Mundo sin dudarlo y se deja llevar, dejando atrás a Peter. La escalera se detiene abruptamente y June regresa corriendo a los brazos abiertos de Peter. Como explica triunfalmente Reeves, "... nada es más fuerte que la ley en el universo, pero en la Tierra, nada es más fuerte que el amor". 

 El jurado falla a favor de Peter. El juez muestra a Reeves y Farlan la nueva esperanza de vida otorgada al acusado; Reeves lo llama "muy generoso", y Farlan se queja en broma y luego acepta.

Luego, los dos se involucran en bromas de apoyo entre sí y contra el severo registrador jefe, quien protesta contra la violación de la ley. En el quirófano, el cirujano declara que la operación fue un éxito. 

Se filmó en D&P Studios y Denham Studios en Denham, Buckinghamshire, Inglaterra, y en locaciones de Devon y Surrey. La escena de la playa se rodó en Saunton Sands en Devon, y el pueblo que se ve en la cámara oscura era Shere en Surrey. La escena en la que Carter se lava en la playa, la primera escena filmada, donde el director de fotografía Jack Cardiff empañó la lente de la cámara con su aliento para crear la apariencia que quería. 

La película tuvo un extenso período de preproducción debido a la complejidad de la producción. Por ejemplo, la enorme escalera mecánica que une este mundo con el otro, llamada "Operación Ethel" por la firma de ingenieros que la construyó bajo los auspicios del Ayuntamiento de Londres. La producción se llevó a cabo del 2 de septiembre al 2 de diciembre de 1945. Tardó tres meses en fabricarse y costó una millonada. El ruido de la maquinaria impidió grabar la banda sonora en vivo; todas las escenas con la escalera mecánica fueron dobladas en posproducción. 

La decisión de filmar las escenas del Otro Mundo en blanco y negro, ese 'Cielo' surrealista y en blanco y negro, y con  esa escalera eterna producto de un grandioso diseño de producción, aumentó las complicaciones. Fueron filmadas en technicolor, pero no se agregó color durante la impresión, lo que dio un tono nacarado a las tomas en blanco y negro, un proceso citado en los créditos de pantalla como "Color y tinte monocromático procesados en technicolor".

Otras secuencias también presentaron desafíos, como el juego de tenis de mesa con acción detenida para el cual Hunter y Livesey fueron entrenados por los campeones Alan Brooke y Viktor Barna.

Los dos directores juegan durante todo el metraje con la fantasía y la realidad en esta extraña película de ciencia ficción romántica que pasa del color el mundo terrenal al blanco y negro celestial. 

Los Archers contaron como ayudantes de dirección con Parry Jones Jr., Paul Kelly, Laurie Knight y Pat Marsden. En la dirección artística estuvieron acompañados de Arthur Lawson, Joseph Bato, William Hutchinson, William Kellner, Terence Morgan II, Don Picton y Roger Ramsdell y en la producción de George R. Busby. 

La película fue reconocida por el Círculo de Críticos de Nueva York con un premio a la mejor película y mejor dirección. Para la crítica estamos ante una obra maestra. Más de 50 años después de su estreno, en 1999, Una cuestión de vida o muerte ocupó el puesto 20 en la lista de las 100 mejores películas británicas del British Film Institute; ocupó el puesto 90 en la encuesta The Sight and Sound Greatest Films of All Time 2012 considerada por algunos como la más autorizada del mundo, y el 78.º en 2022. 

Para la crítica es una película llena de elogios. Tras su estreno en la ciudad de Nueva York, Bosley Crowther dijo que la película realizada por Michael Powell y Emeric Pressburger era la mejor película navideña jamás realizada, y la elogió por su encanto elegante, humor inteligente y sorprendente arte visual. 

En tiempos más cercanos, por ejemplo, Roger Ebert en su web antes de fallecer nos dejó en rogerebert.com que se trata de "Una de las películas más audaces jamás hechas, por su visión grandiosa y por la manera inglesa acogedora en la que está expresada (...) La historia es magnífica e íntima (…) "

Dave Kehr en The New York Times nos dice que "Los elementos compositivos parecen haber sido escogidos con mucho cuidado (...) 'A Matter of Life and Death' está inundada de ideas". 

En su país Emma Cochrane en la revista Empire señala que ""Una película de su tiempo pero con un atractivo universal (…) " y en The Guardian Brian Dillon escribió que "Su extravagancia la hace una obra maestra (...) El elemento más seductor de la relación mágica entre cielo y Tierra es el tratamiento del color. David Parkinson en Radio Times dijo de ella que "Su franqueza política, su audacia visual y sus amaneramientos la convierten en una de las películas británicas más agradables de recordar (…) ".

Finalmente, Noel Murray defendió que "'Life And Death' muestra a Powell jugando con el cine, trasteando con fotogramas e interludios vanguardistas para crear una realidad en la pantalla más vívida que la propia vida." 

En España comenta Terenci Moix en el tercer volumen de su Gran Historia del Cine esta película surgida del tándem The Archers, que una vez realizada " A Canterbury Tale" (1944) en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial " A vida o muerte" , surgida una vez terminada la guerra y una vez que la inevitable propaganda se convirtió en una no menos inevitable reflexión dice de esta película que" es una incursión en la temática del más allá por medio del piloto de las fuerzas aéreas que debe enfrentarse a un tribunal celestial defendido por un médico inglés, el papel asumido por Roger Livesey, ante un fiscal estadounidense interpretado por Raymond Massey como el fiscal Abraham Farlan. Pese a lo enfático del argumento, no necesariamente creíble, la realización sorprende hoy en día por su constante tendencia a la inventiva visual y a la exacerbación del tecnicolor con la fotografía de Jack Cardiff en sentido expresivo". 

En palabras de Fausto Fernández "Aunque Orson Welles detestara el cine de Michael Powell y Emeric Pressburger pocas maravillas celestiales (en años en los que el Cielo y segundas oportunidades copó Hollywood y el resto de cinematografías) como en A vida o muerte"

Lo cierto es que después de la Segunda Guerra Mundial, surgió una notable oleada de producciones cinematográficas, como esta y It's a Wonderful Life que reflejaban el sentimiento colectivo de una población que lidiaba con la profunda pérdida de sus seres queridos durante la guerra, brindando una fuente de consuelo y consuelo a muchas personas, algo que también recalca en su documental Mark Cousins. 

Película con un diseño de producción prodigioso, llevado con el buen gusto estético y narrativo de Powell y Pressburger, que nos transforma una historia irreal en una gran historia de amor. 

The dogs of War

Los ingleses son como son, como los españoles son como son. Si nuestras referencias literarias muchas veces están en nuestros escritores del Siglo de Ooro y sobre todo en Cervantes y en El Quijote para los ingleses están en la obra de William Shakespeare. Y parece ser que está en Julio César la aparición de este término, "Perros de guerra" con "Grita:... y suelta a los perros de la guerra".

The Dogs of War es una película de bélica estadounidense de 1980 producida por Larry DeWaay, Norman Jewison y Patrick J. Palmer para la United Artist, en la que invirtieron $8 millones de dólares, basada en la novela homónima de 1974 de Frederick Forsyth. Aquí con un guion adaptado por Gary DeVore, George Malko y un no acreditado Michael Cimino, la película fue filmada en gran parte en Belice, fue dirigida por John Irvin y protagonizada por Christopher Walken y Tom Berenger junto a Collin Blakely, Colín Friels, George W. Harris, Hugh Millais y Paul Freeman.

Nos cuenta la historia del mercenario Paul ¿o es Jamie? Shannon (Christopher Walken) un profesional de la guerra que tras escapar de Centroamérica con sus camaradas Drew (Tom Berenger) , Derek (Paul Freeman), Michel (Jean François Stevenin) , Terry y Richard,  recibe una oferta de Roy Endean (Hugh Millais) , un empresario británico que trabaja para un importante magnate. 

La empresa de Endean está interesada en "ciertos recursos" en la pequeña nación africana de Zangaro, gobernada por el brutal dictador, el presidente Kimba. 

Shannon emprende una misión de reconocimiento a Clarence, la capital de Zangaro, y conoce a un documentalista británico llamado North, quien le informa sobre la situación política en Zangaro. Sin embargo, las actividades de Shannon despiertan las sospechas de la policía (especialmente un presunto coqueteo con una mujer que resulta ser una de las amantes de Kimba) y es arrestado, brutalmente golpeado y encarcelado. 

Sus heridas son tratadas por el Dr. Okoye (Winston Ntshona ) , un médico y prisionero que anteriormente fue un líder político moderado. North hace campaña por la liberación de Shannon y dos días después es deportado. 

Cuando Shannon le dice a Endean que no hay posibilidad de un golpe interno, Endean le ofrece 100.000 dólares para derrocar a Kimba invadiendo Zangaro con un ejército mercenario. 

El empleador de Endean tiene la intención de instalar un gobierno títere liderado por el coronel Bobi, el codicioso ex aliado de Kimba, permitiendo al empleador de Endean explotar los recursos de platino recién descubiertos del país, un acuerdo garantizado por el coronel Bobi. Shannon rechaza la oferta y, en cambio, le propone a su ex novia Jessie que comiencen una nueva vida en el oeste de los Estados Unidos, pues le han hablado muy bien de los paisajes de Colorado y Montana. 

Cuando ella rechaza su propuesta, él acepta el contrato de Endean con la condición de que tendrá el control total de la operación militar. Provisto de un millón de dólares para gastos, Shannon contacta a algunos de sus socios de Centroamérica y se reúnen en Londres para planificar la invasión. 

El grupo se abastece ilegalmente de metralletas Uzi, municiones, lanzacohetes, minas y otras armas a traficantes de armas. North (Colin Blakely) se encuentra con Shannon por casualidad en Londres y sospecha que es un agente de la CIA. Shannon le pide a Drew que asuste a North sin lastimarlo, pero North es asesinado por un sicario contratado por Endean para seguir a Shannon y su tripulación. Drew captura al asesino, y cuando Shannon, furioso, se entera de que Endean había enviado al sicario pero que el sicario había matado a North por su propia iniciativa, mata al asesino a su vez y deja el cuerpo en la casa de Endean durante una cena celebrada para el coronel Bobi. 

Para transportar al grupo y el equipo a la costa de Zangaro, Shannon contrata un pequeño carguero y una tripulación. En el mar, al equipo se une una fuerza de exiliados Zangaran entrenados como soldados por un ex colega mercenario. 

Una vez en tierra en un ataque nocturno, los mercenarios y sus tropas usan su variedad de armas para atacar la guarnición militar donde vive Kimba. Drew irrumpe en una choza en el patio del cuartel y sólo encuentra a una mujer joven con un bebé; cuando él se da vuelta para irse sin hacerles daño, ella le dispara por la espalda con una pistola. 

Después de que los mercenarios asaltan las ruinas de la guarnición en llamas y marcadas por las balas, Shannon se abre camino hacia la mansión de Kimba. 

Allí encuentra al dictador metiendo fajos de billetes en un maletín; Cuando Kimba, que llora, le ofrece a Shannon parte del dinero para perdonarle la vida, Shannon lo mata. 

A la mañana siguiente, Endean llega en helicóptero con el coronel Sekou Bobi (George Harris) y entran a la residencia presidencial, donde encuentran a Shannon y al Dr. Okoye esperando su llegada tardía. Shannon presenta al Dr. Okoye como el nuevo presidente de Zangaro, y cuando Endean protesta ("¡Todo este país está comprado y pagado!"), Shannon le dice: "Vas a tener que comprarlo todo de nuevo", y lo silencia diciéndole disparando a Bobi. 

Shannon, Derek y Michel cargan el cuerpo de Drew en un Land Rover, de acuerdo con el brindis que brindaron al planificar la operación: "Todos vuelven a casa". La película concluye con los mercenarios conduciendo por las calles desiertas de Clarence hasta que quedan fuera de cuadro. 

Parece ser que la United Artists compró los derechos de la novela en 1974 y que Don Siegel iba a dirigir pero no le gustó el guión. Abbey Mann escribió un nuevo guión. Luego Michael Cimino escribió otro borrador. Norman Jewison se incorporó como productor y director, y Gary Devore reescribió el guion. Jewison decidió producir, no dirigir, y buscó otro director. 

Inicialmente, Jewison contrató a Michael Cimino para dirigir con Clint Eastwood y Nick Nolte como protagonistas, pero abandonó la película para trabajar en Heaven's Gate. 

John Irvin se convirtió en director. Este fue sólo el segundo largometraje internacional del director John Irvin, quien anteriormente trabajó como realizador de documentales durante la Guerra de Vietnam y que hace nada puede ver Hamburger Hill. 

La película cuenta con la fotografía de Jack Cardiff, el montaje de Antony Gibbs y la múysica de Geoffrey Burgon. El director de fotografía Jack Cardiff había dirigido anteriormente un relato sobre mercenarios en África titulado Dark of the Sun conocido aquí como ültimo tren a Katanga. El compositor Geoffrey Burgon concluye la película con el Epitafio de un ejército de mercenarios de A. E. Housman cantado sobre los títulos finales. 

El rodaje comenzó el 18 de febrero de 1980. y la primera escena centroamericana se filmó en el Miami Glider Port, al suroeste de Miami, Florida. Posteriormente, se filmaron escenas de países africanos en la ciudad de Belice, Belice y sus alrededores, ya que Irwin decidió filmar las escenas en África en la vida real sería demasiado arriesgado. El puente giratorio manual que se muestra durante el ataque es uno de los más grandes de su tipo en el mundo. 

La película presenta varias armas que fueron prominentes en la cultura popular durante la década de los ochenta, y aunque no triunfó en taquilla, quedando muy por debajo de lo invertido, si obtuvo cierto éxito entre los interesados del cine bélico. No obstante, el concepto de perro de guerra se popularizó para identificar a los mercenarios.

El país africano ficticio inspirado parece estar inspirado en distintos países que en esa década no dejaban de ser Gobiernos militares y corruptos como Guinea-Bissau, Guinea-Conakry, Guinea Ecuatorial y Angola. Mirando hoy el mapa, parece que poco ha cambiado y esos perros de presa no serán británicos o americanos o incluso españoles - algunos fueron a las guerras coloniales portuguesas en los años 70)  y franceses sino rusos del grupo Wagner. El mundo no ha cambiado tanto. La guerra y sus perros persisten. 

La Carmen de Saura

Si tu gusta la música clásica, la ópera, el flamenco en cualquier de sus manifestaciones, incluyendo las sevillanas, el pasodoble, la guitarra de Paco de Lucía, llevar el compás como hacen unas canasteras o la misma Pepa Flores, la danza, el ballet, el zapateo, la pasión, la fuerza, las miradas, el envite, la clase, el ARTE, así en mayúsculas, esta es tu película. 

Carmen es una adaptación al cine de la famosa obra de Próspero Mérimée, en este caso contó con el apoyo del productor Emiliano Piedra para Televisión Española. Su novedad es que construye una historia de cine dentro del cine o de teatro dentro del cine para ser más exactos y que forma parte de la trilogía musical emprendida por su director, Carlos Saura, con Bodas de sangre y complementada posteriormente con El amor brujo. 

El guion fue cosa de Carlos Saura y Antonio Gades. La música fue tanto de Paco de Lucía como de Georges Bizet. El maquillaje fue labor de Julián Ruiz, la fotografía de Teodoro Escamilla, el montaje de Pedro del Rey y el vestuario de Teresa Nieto.

Fue una película que lanzó al estrellato a la entonces desconocida Laura del Sol hoy absolutamente olvidada - parace ser que Laura del Sol debuta como actriz en un papel al que optaron Ángela Molina y María José Cantudo- e irónicamente al igual que la actriz la película tuvo una mayor repercusión a nivel internacional que en España llegando a ser premiada en los BAFTA como Mejor película de habla no inglesa donde también fue nominada a Mejor banda sonora (Paco de Lucía) y Mejor sonido (Carlos Faruolo, Alfonso Marcos, Antonio Illán). 

Además, la película tuvo nominaciones a los premios Globo de Oro, y tres nominaciones a los Óscar de Hollywood (1984) y César francés. Recientemente, el Festival de Cannes, donde la película recibió el Gran Premio Técnico y una mención especial, homenajeó a Carlos Saura en 2023 al proyectar la película 'Carmen' en formato 4K.

El filme sirvió como homenaje del certamen francés al fallecido director aragonés, cuya carrera estuvo muy vinculada al Festival, donde seleccionaron y premiaron varias de sus películas. El aperitivo del recuerdo a Saura sucedió en la alfombra roja de esta 76 edición: sonó Porque te vas (Jeanette/José Luis Perales), de la banda sonora de Cría cuervos (1975), ganadora del Gran Premio Especial del Jurado en el Festival en 1976. El Festival le rindió homenaje ahora con una película que él “llevaba especialmente en el corazón”. 

En España el reconocimiento estuvo en la 39.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos al reconocerla como Mejor película, Mejor director (Carlos Saura) y Mejor actriz de reparto (Cristina Hoyos)

La película es del año 1983 y está interpretada por Antonio Gades, Laura del Sol y sale Paco de Lucía, Pepa Flores y Cristina Hoyos entre otros.

La historia se centra en un director de una compañía de baile clásico que busca una bailaora para protagonizar su nueva versión de la famosa ópera de Bizet, Carmen. Cuando la encuentra se enamora de ella y entre ambos se repite la misma historia que representa sobre el escenario. Inician, pues, una relación turbia y tormentosa, en la que se mezclan las ambiciones artísticas de ambos, su mutua atracción y los celos patológicos de Antonio, además del carácter indomable de la propia Carmen. La historia de los bailaores y amantes se va mezclando poco a poco con la de los personajes que interpretan. 

"Carmen" es una historia de amor y celos en donde el deseo aniquilador conduce a los personajes inexorablemente a la destrucción. Esta producción utiliza la intensidad de la partitura de Bizet y la contrapone a la sensualidad, pasión, amor y rivalidad reflejados en el flamenco más auténtico. En 2014 en unas jornadas de la SGAE dedicadas precisamente al personaje de Merimée y sus distintas representaciones hizo unas declaraciones que recogió el Diario de Sevilla donde reconoció "que no había vuelto a ver Carmen desde que la rodé". 

Y ese mismo diario señalaba que "el director comenzaba un discurso aparentemente improvisado en el que la única batuta que regía la ponencia eran las múltiples preguntas que los asistentes le hacían. En cuanto al origen de su Carmen particular, Saura siempre se remontaba al primer filme de su trilogía, Bodas de sangre, con el que junto a Antonio Gades y el productor Emiliano Piedra revolucionó el concepto de musical. Conseguirían sacar adelante una propuesta diferente al canon anglosajón, fusionando el ballet a ritmo de flamenco con el cine. 

Después de aquella obra inspirada en Lorca, vino inevitablemente Carmen. "Yo quería hacer una película con ese personaje. Esto, unido a mi pasión por los musicales y a mi experiencia como director de ópera, es lo que me llevó a rodarla", afirmaba Saura. 

El director hizo hincapié en ese intercambio de roles, en esa relación "extraña" en la que Laura del Sol interpreta a una mujer fuerte y Gades es el enamorado, el arrodillado a los pies de alguien que juega con los sentimientos de él y sólo mira por sus intereses. Es la explicación que da al "cambio" de sexo en los personajes, que acabará irremediablemente en el trágico final, donde él cumple con su papel y acaba matándola. " 

El cineasta contaba lo difícil, y fácil a la vez, que fue elegir a Laura del Sol como protagonista de su obra. Mientras Gades suplicaba la continuación de la por entonces primera bailarina de su compañía Cristina Hoyos, Saura tenía claro desde el primer momento que la elegida para ese papel sería Laura, a la que definía entre risas como la "descarada y maravillosa joven que salía y se divertía por las noches", algo que unido a su hermosura le convertían en la actriz, y no tanto bailarina, perfecta para encarnar a Carmen. 

Recalcaba esa búsqueda de "una mujer fuerte y bella" frente a la "perfección en el escenario" de Hoyos. De ahí surgirá la tensión entre las dos mujeres en la famosa escena de los espejos. 

Sin música, el cineasta fue capaz de darle sentido a una escena, centrándose exclusivamente en la importancia del ritmo; una nueva concepción del género musical que prolongará en El amor brujo, y más tarde, en Flamenco.

En cuanto a la calidad técnica de la película, se pone de manifiesto la experiencia previa como fotógrafo de Saura, el cual, aunque no se encarga de este apartado en sus películas, siempre intenta exprimir la grabación de cada escena como si fuera la última, consiguiendo una iluminación y escenografía fabulosas. Se considera no obstante un "vampiro de su profesión", alguien que se alimenta de los conocimientos de la gente que le rodea para enriquecer su visión de cineasta. Saura confesó que ha buscado en Carmen a la mujer de su vida. Aquí desde luego, la encontró.