El hijo

Hay recomendaciones que merecen la pena y en este caso cine pastor mejor dicho un tuit de cine pastor me ha encantado a ver esta película del año 2019  que en español se llama El hijo, aunque en inglés se llamó Brighburn. Y con ella nace un nuevo género, el terror de superhéroe. 

Se trata de una película dirigida por David Yarovesky que mezcla fenomenalmente terror y ciencia ficción para esta inquietante película protagonizada por Elizabeth Banks, David Denman y el niño Jackson A. Dunn como Brandon, que hace unos años protagonizó al pequeño Ant-Man en Vengadores Endgame. 

En 2006, Kyle y Tori Breyer (David Denman y Elizabeth Banks) son una pareja de agricultores que viven en la ciudad ficticia de Brightburn, Kansas. En el hijo la pareja formada por Tory y Kyle Breyer que han tratado desperadamente tener un hijo durante años pero que no han podido concebir,  consiguen por fin ser padres de un niño al que llaman Brandon Una noche, la pareja es sorprendida por un meteorito que cae del cielo cerca de su granja con un bebé adentro. Ambos deciden adoptarlo, llamándolo Brandon. 

A través de una serie de vídeos, se muestra a Brandon creciendo como un niño feliz, amado y mimado por sus padres. Aparentemente es un niño adorable cariñoso extremadamente inteligente pero que poco antes de cumplir doce años sobre todo en una noche comienza a actuar de manera cada vez más extraña en relación a algo que pareces escondido en un granero. 

Diez años más tarde, Brandon (Jackson A. Dunn), ahora de doce años, descubre que tiene fuerza sobrehumana después de que unas extrañas voces en su cabeza le dicen que meta su mano en la cuchilla de una cortacésped en marcha. 

Para sorpresa de Brandon, la cortacésped se destruye al contacto con su mano. Esa misma noche, Brandon camina dormido hacia el granero de la granja, tratando de abrir la trampilla que contiene la nave espacial en la que llegó. Tori interviene y lo despierta, con Brandon sin acordarse de lo que pasó. 

Después de esto, Brandon se vuelve más desobediente e irrespetuoso hacia Kyle y Tori. Para sorpresa de su padre, Brandon mastica y dobla un tenedor con los dientes durante su desayuno, de nuevo, sin saber que ha sucedido. Kyle comienza a sospechar que algo está mal con Brandon. 

Pasados algunos días, Tori encuentra dibujos extraños e inquietantes, lo que lleva a Kyle a hablar con Brandon sobre la pubertad y las niñas, mientras van a acampar al bosque. Esa noche, Brandon descubre que también tiene la habilidad de volar y una velocidad sobrehumana, y se dirige a la casa de su compañera Caitlyn Connor (Emmie Hunter), mirándola a través de una ventana hasta que ella lo nota. 

La noche siguiente, Kyle descubre que sus gallinas han sido horriblemente asesinadas. Tori sugiere que fue un ataque de un lobo; sin embargo, Kyle insiste en que Brandon podría ser el responsable, puesto que antes se había quedado mirando a las gallinas mientras estas parecían asustadas por su presencia, lo que hace que Tori se enoje con él y le dice que deje de imaginarse cosas. 

A la mañana siguiente, en la escuela, los estudiantes hacen un ejercicio para reforzar la confianza entre compañeros, dejándose caer y agarrándose unos a otros, pero Caitlyn no agarra a Brandon, dejándolo caer, para después llamarle pervertido por espiarla. Tras esto, un furioso Brandon le rompe la mano a Caitlyn cuando trata de recogerlo bajo las órdenes del profesor de gimnasia (Terence Rosemore). 

Tras el incidente la directora suspende a Brandon durante dos días, y luego informa a su tía Merilee (Meredith Hagner), la psicóloga de la escuela, para que le asesore. 

Más tarde, Tori encuentra a su hijo levitando sobre la trampilla abierta que contiene la nave espacial oculta en la que llegó a la Tierra, repitiendo bajo un trance la frase "Take the World" (Apodérate del mundo) en una lengua extraña. 

Es aquí donde Tori decide contarle la verdad acerca de su pasado, donde al pensar que él lo entendería, hace que Brandon se enfurezca y rompa todas las fotos de él con sus padres llamándolos mentirosos; pese a las súplicas de Tori, Brandon sale del hogar en plena lluvia, haciendo que repita las palabras "Apodérate del mundo", disparando y liberando su visión de calor en un arrebato de ira. 

Brandon visita luego a Caitlyn pidiéndole perdón por haberle roto la mano, y aunque muy asustada por su presencia, ella lo perdona, pero le dice que su madre Erica (Becky Wahlstrom), le ha prohibido hablar con él. Brandon le dice a Caitlyn que se encargará de eso. 

Luego Brandon acude al restaurante donde trabaja Erica, vestido con una espeluznante máscara y una capa roja y asesina sin piedad a Erica en el restaurante. El cuerpo de Erica además desaparece.

Merilee intenta aconsejar a su sobrino en vano, al ver los comentarios que él hace sobre sus padres y sobre el lugar en el que vive. Ella se molesta y decide amenezarle con contar a la policía sobre la situación, lo que hace que Brandon la siga a su casa y la amenace. 

Mientras tanto el marido de Merilee - y tío de Brandon-, Noah (Matt L. Jones), al llegar a casa, lo encuentra escondido en el armario, y tras llevarse un buen susto, decide decírselo a sus padres mientras lleva a la fuerza a Brandon a su casa. 

Poniéndose la máscara de nuevo, Brandon ataca a Noah lanzándolo con su fuerza sobrehumana; sumido en el pánico, Noah intenta huir en su camioneta, pero en medio del camino la camioneta se detiene y falla. Noah intenta arrancar el vehículo, pero es en vano. Brandon lo alcanza y súbitamente levanta su camioneta en el aire, acto seguido la deja caer brutalmente al piso, haciendo que Noah se rompa completamente la mandíbula inferior y muriendo desangrado, enormenmente mutilado.

Kyle y Tori se enteran de la muerte de Noah, pero cuando deciden contárselo a Brandon, él no reacciona emocionalmente y en cambio reacciona como si no le importara la muerte de Noah. Convencido de que Brandon mató a Noah, Kyle lo lleva de cacería con la intención de matarlo. Kyle, pese a estar abrumado emocionalmente por dispararle a su propio hijo, le dispara a Brandon en la cabeza, pero la bala simplemente rebota. 

Con el corazón completamente roto, Brandon persigue a Kyle, nuevamente usando su máscara y su capa y al encontrarlo y desarmarlo, lo sujeta fuertemente. Kyle intenta disculparse, pero un totalmente enfurecido Brandon le dispara sin piedad su visión de calor en la cabeza y lo mata después de que ésta lo atravesara. 

Mientras tanto, el sheriff del Condado Deever (Gregory Alan Williams) visita a Tori, después de que investiga la desaparición de Erica y al encontrar un mismo signo en el restaurante destruido y en la carretera. Tori no cree que Brandon haya cometido esos asesinatos, pero cuando el Sheriff se va, rápidamente se dirige a la habitación de Brandon donde encuentra en una libreta los símbolos encontrados por la policía, pero eso no es todo, sino que además encuentra dibujos que representan los diversos asesinatos en la libreta que usaba para anotar sus iniciales (Brandon Breyer) o tal vez su verdadero nombre (Brightburn), y descubre que Brandon solía usar su bolígrafo de color azul cuando aún era tranquilo e inocente, pero poco a poco llega a usar el color rojo, que representa la sangre, y presa del espanto, llama a la policía.

Tori intenta contacta telefónicamente con Kyle, pero descubre que Brandon tiene el teléfono de Kyle, y escucha del mismo Brandon que éste asesinó a Kyle, y que ya se encuentra de vuelta en casa. 

Acto seguido, Brandon estalla en rabia y volando a gran velocidad, embiste varias veces su casa y la destruye mientras asesina brutalmente a los oficiales de policía que habían llegado a la casa ante la llamada de Tori. Ésta escapa al granero luego de lanzarse de una ventana y baja a la escotilla donde se encuentra la nave espacial; ahí, horrorizada, descubre el cuerpo totalmente mutilado de Erica. 

Tori toma una pieza afilada como un cuchillo, esperando que le sirva como debilidad a Brandon, ya que anteriormente lo había hecho sangrar al golpearse contra ella. Brandon encuentra a Tori, ella lo confronta y se disculpa con él por no ser la madre que él quiere y necesita. Ella le quita la máscara y le dice que sabe que aún hay bondad en el. 

Al oír esto, Brandon le dice que quiere hacer el bien, y la abraza emotivamente. Sin embargo, Tori entre lágrimas le dice que siempre será su hijo, y a sus espaldas trata de apuñalarlo con la pieza afilada de la nave, pero Brandon logra detenerla. Enfurecido, Brandon levanta a Tori sobre las nubes, y viéndola ya sin ningún tipo de afecto, la arroja para que caíga al vacio propiciendo así su muerte justo cuando un avión vuela hacia él. Brandon hace que el avión se estrelle y todos los que están a bordo mueran. 

Los informes de noticias hablan sobre el avión estrellado indicando que Kyle y Tori murieron en el accidente cuando el avión cayó sobre su casa, y que Brandon fue el único sobreviviente. 

La película termina con Brandon sonriendo, ahora que no tiene nada ni nadie que se interponga en su camino de tomar o conquistar el mundo. 

Durante los créditos, el último informe de noticias muestra a Brandon destruyendo ciudades y matando a numerosas personas. Después aparece un video con un youtuber de teorías conspirativas llamado "The Big T", diciendo que en videos anteriores al descubrimiento de Brandon, afirma que él tampoco es el único que quiere destruir y conquistar el mundo, y muestra seis imágenes de diferentes seres en los que se incluye a Brandon (como una referencia a Superman), una criatura mitad hombre mitad pez, que destruye barcazas en el océano (Aquaman), una "bruja" que asfixia a sus víctimas con cuerdas y sogas (Wonder Woman), Crimson Bolt, personaje interpretado por Rain Wilson en Super, una de las primeras películas de James Gunn (Flash), un marciano con una especie de traje (Martian Manhunter), y el último siendo un misterio (probablemente sea Batman). Al final, The Big T concluye que "Todos están en la Tierra", "Todos están esperando" y "Todos nos convertiremos en su almuerzo si no hacemos algo y actuamos"

El hijo pretendió ser algo así como el Superman de los cómics pero en versión terrorífica , producida por Screen Gems, Stage 6 Films, Troll Court Entertainment y The H Collective, y distribuida y estrenado por Sony pictures, y qué transfoma el “¿Quién soy?”, pregunta Brandon, el niño extraterrestre, a su madre adoptiva. “Eres un regalo”, responde el personaje interpretado por Elisabeth Banks, la mujer que recuerda a Martha Kent de Superman. Pero ese niño que parece que lo ha pasado mal y que se siente diferente del resto de sus compañeros de clase no tiene la misma intención que Clark Kent de ayudar a los humanos. Su misión en la Tierra es justo lo contrario. 

Producida por James el que fuese director y guionista de la saga guardianes de la galaxia y escrito por su hermano Bryant y su primo Mark Gunn autores del guión de viaje al centro de la Tierra a dos la isla misteriosa., Transforman una película que en principio parece de corte familiar a una película cada vez más terrible en el sentido de terrorífica y más gore siendo una vuelta de tuerca los filmes de superhéroes. 

La cinta fue anunciada como James Gunn Horror Project sin título en diciembre de 2017. Aparte de Gunn como productor, su primo Mark y su hermano Brian escribieron el guion, que adapta el concepto de Superman al horror explícito. La fotografía principal comenzó en marzo de 2018 y terminó en mayo de ese mismo año. De hecho James Gunn llegó a declarar que "El hijo' es 100% una película de terror y una película de superhéroes" 

Personalmente me ha encantado en parte por lo inesperado y en parte por no dar tregua a nada y menos a la esperanza, al remordimiento o la piedad. Golpea cada vez y en cada momento que pasa con más fuerza, como dice, Ernesto J. Pastor va de menos a más, como debe ser en una película. 

Estoy en la línea defendida por Jordi Costa en El País cuando defendió que "Un epílogo parece anticipar que quizá sea el comienzo de una saga que podría darse la mano con el heterodoxo tríptico superheroico de Shyamalan, pero lo más importante es la convicción con que Yarovesky desarrolla la premisa" o Yago García en Cinemanía al afirmar que "Uno se queda solo con la brutalidad, la guarrería y el disfrute. (…). Efectivamente , estoy de acuerdo con eso, y especialmente agradezco a Ernesto J. Pastor y a lo escrito en X como Cinepastor por su valoración que no ha dejado de ser una recomendación. Gracias.

El muchacho de Oklahoma

The boy from Oklahoma es una desconocida película al menos para mí de Michael Curtiz - una obra menor, realizada por la Warner Bros., de hecho fue su última película para la Warner con la que estuvo trabajando en exclusividad desde 1926- estrenada en 1954 para la gloria de uno de los vaqueros por antonomasia del espectáculo norteamericano como fue Will Rogers Jr, que solo hizo tres películas, cantante prestigioso por el uso del lazo e hijo del gran Will Rogers, periodista, actor y humorista muy famoso en Estados Unidos a principios del siglo XX. 

Se trata de una película basada en un guion escrito por Frank Davis y Winston Miller que se inspiraron en la novela "The Sheriff was Scared" de Michael Fessier. La película cuenta con la música de Max Steiner, la fotografía de Robert Burks. La película cuenta la historia de Tom Brewster (Will Rogers) un atolondrado estudiante de leyes contrario al uso de las armas y del alcohol, que muy a pesar suyo es nombrado sheriff de Bluerock, una ciudad de Oklahoma controlada por un magnate local, el mayor Barney Turlock (Anthony Caruso), dueño del saloon más importante de la localidad de la que a su vez es alcalde. Su intención es la de controlar la ciudad a su antojo, creyendo que siendo tan joven se dejará manejar.  

A pesar de no saber utilizar el revólver ha de enfrentarse a la llegada de un peligroso pistolero buscado en varios estados como él William Bonnie, alias Billy the kid (Tyler MacDuff) que resulta ser el primo del alcalde ( Anthony Caruso). 

Entonces aferrará a la estricta aplicación de la ley para poner orden y con ello se gana en el corazón de la mujer más hermosa de la ciudad, Katie Brannigan (Nancy Olson) hija del antiguo sheriff que metido en turbios temas es asesinado en circunstancias extrañas. A su vez y sin hacer uso de la violencia se enfrenta a borrachos que se pelean con su mujer y que son estrictos seguidores de la Biblia como Crazy Charlie(Lon Chaney, Jr), con sicarios del alcalde como Slim Pickers como Shorty, o veteranos como Wallace Ford en el papel del jefe de correos y sicario de Turlock, Wally Higgins o Merv Griffin como Steve,uno de los hombres de Turlock frente a James Griffith como el malvado Joe Downey o Louis Jean Heydt como el opositor concejal Paul Evans, o el servil concejal interpretado por Sheb Wooley como Pete Martin. Junto a él aparece otro veterano actor como Clem Bevans en el papel de Pop Pruty,como Juez de Paz . 

La película cuenta con un excelente pulso narrativo, a pesar, en este caso, de ser un film más apoyado en los diálogos que en la acción. Will Rogers Jr., como Tom Brewster irradia simpatía, una bondad que le brota por todos los poros y un ideario tan bien posicionado que, sólo una soga y un efectivo uso del lenguaje edificante, el sentido común le servirán como armas para bajarle el ímpetu a los prepotentes y a los inadaptados. Eso sí, algunos de sus comentarios sobre la vestimental de la mujer no pasarían los filtros del feminismo. 

La historia de Michael Fessier, como inspiración, la convirtió en una serie televisiva titulada, “Sugarfoot”, un serial de 69 episodios, estrenado en 1957, con la cual obtuvo un notable éxito popularen la que Will Hutchins reemplazó a Rogers como el personaje principal con Tom Brewster.Tres de los miembros originales del elenco de la película, Louis Jean Heydt, Sheb Wooley y Slim Pickens, fueron trasplantados directamente al piloto del programa de televisión posterior, "Brannigan's Boots", interpretando sus papeles de la película. El primer episodio de Sugarfoot sigue bastante fielmente el guión de la película. Dennis Hopper sucedió a James Griffith como Billy the Kid en la versión televisiva, Merry Anders asumió el papel de Katie Brannigan de Nancy Olson y Chubby Johnson reemplazó a Wallace Ford como Wally Higgins en la pantalla televisiva.

De ella Fausto Fernández en Twitter ha escrito en varias ocasiones destacando algunos aspectos como " risueño y humilde western 50s en Technicolor con la firma, siempre una garantía, de un Michael Curtiz en la etapa final de su carrera, y que aunque nunca alcanzó los niveles de popularidad (en Estados Unidos; aquí ni sonará ya quienes eran) de su padre, Will Rogers Jr. siguió sus pasos, también en el western: EL MUCHACHO DE OKLAHOMA , o el bonachón y pacifista sheriff que no creía en las pistolas, con un subtexto sobre la amistad muy certero, y buen uso del color y del paisaje.

Mujeres

El año 1939 fue un año de la gran cosecha del cine norteamericano. Títulos como Lo que el se llevó o como La diligencia marcarán la Historia del Cine, pero ese año hubo otros títulos valientes y rupturismo, especialmente, si se miran desde la distancia y el tiempo. Prueba de ello fue la película The Woman una película del ese mítico año, 1939 que llevó en España el titulo de "Mujeres" y que contó con George Cukor como director de una película en la que no sale un solo hombre y que tiene un reparto estelar de las grandes damas del cine de la época como Norma Shearer, Joan Crawford y Rosalinda Russell en los principales papeles.

A lo largo de cuarenta y ocho películas, la carrera de George Cukor (1899-1983), estando en activo 51 años (1930-1981), aparece como el ejemplo perfecto de un cine plenamente adscrito a la política del sistema de estudios. Sin embargo, sería erróneo reducir la importancia de esta obra aún nos intereses de tan corto alcance y encerrar a su autor y el limitado coto de los artesanos vulgares, como hizo demasiado a menudo Pauline Kael, a quien Cukor, no sin razón, reconoció detestar. Es más lógico afirmar con Henri Agel que, al principio, "había en este cineasta algo de modista, pero su oficio se ha refinado y desprovisto de retórica hasta el punto que es necesario ver en él mucho más que aún psicólogo elegante. A través de la purificación, el estilo de George Cukor kukour ha llegado a la interioridad absoluta". Y mientras Henri Langlois invoca la elegancia y "la ética del saber vivir, propia de las civilizaciones refinadas", el espectador actual comprende que en la obra de George Cukor siempre hubo algo más. 

Se presenta como uno de los grandes narradores del cine y el que, desde sus primeras experiencias, fechadas en mil novecientos treinta, establece con mayor rigor el equilibrio entre la imagen y la palabra. Nada sorprendente si pensamos que procedía del teatro y que pertenece a esa época en que las necesidades del sonoro obligaron a los estudios de Hollywood a buscar en Broadway el relevo de los grandes artesanos del pasado. Es así como Cukor, clásico por vocación narrativa, pudo presentarse como un moderno. 

Por su especial y significativa predisposición al universo femenino este maestro ha sido a menudo encasillado bajo el epíteto de " director de mujeres". Es significativo que la mayor parte de estas mujeres inolvidables diesen. Bajo la dirección de Cukor, sus mejores interpretaciones en los personajes más agradables de sus respectivas carreras. 

Cuenta además con Cora Whiterspoon, Florence Nash, Hedda Hopper, Paulette Goddard, Phyllis Povah, Joan Fontaine,Virginia Weidler,  Lucille Watson, Marjorie Maine, Mary Boland y Muriel Hutchison. Marjorie Main y Phyllis Povah también participan, retomando su roles de la pieza teatral. También lo hacen Ruth Hussey, Virginia Weidler, Butterfly McQueen, y Hedda Hopper en pequeños papeles. 

La película de la Metro Goldwyn Mayer, fue producida por Hunt Stromberg y está basada en una comedia de Clara Boothe que fue adaptado por la guionista Anita Loos, junto a  Jane Murfin. Siendo en blanco y negro cuenta con una secuencia en Technicolor, un desfile de modas, con los diseños del modisto Adrian. 

En todo el filme, ningún personaje masculino se ve o se oye. aparte del director, los hombres se limitan a ser técnicos en la película como en la dirección artística Cedric Gibbons, en la música Edward Ward y David Snell. En la fotografía Joseph Ruttenberg y Oliver T. Marsh y en el montaje Robert Kern .

Al inicio de la película las simbolizan con animales siendo Norma Shearer una cervatilla (Mrs Mary , esposa de Stephen Haines ), Joan Crawford como una pantera ( Cristal Allen), Rosalinda Russell como una gata siendo Sylvia o Mrs. Howard,  Fowler, Mary Boland como Flora - un mono aullador-  la Condesa De Lave , Paulette Goddard como una zorra siendo Miriam Aarons, Joan Fontaine como un corderito Peggy o Mrs. John DayLucile Watson como una lechuza siendo Mrs Morehead, Phyllis Povah como Edith o Mrs. Phelps Potter (una vaca) y Virginia Weidler como un cervatillo siendo la pequeña Mary, la hija de la protagonista, Marjorie Maine ( una yegua relinchando) como Lucy la granjera de Reno ( Nevada) donde van todas a divorciarse. 

La película sigue la idea de la obra teatral de que todos los personajes son femeninos y así el elenco completo se compone de 130 mujeres. Situada en los sofisticados departamentos de Manhattan de la alta sociedad, y en Reno, Nevada, presenta un mordaz comentario de las vidas regaladas y de las luchas de poder de varias mujeres casadas, ricas y hastiadas, y de otras mujeres que entran en contacto con ellas. 

La historia se resume en la dialéctica entre Mary Haines (Norma Shearer) cuando esta se plantea divorciarse de su marido al enterarse de la aventura que este mantiene con una vendedora de perfumes, Crystal Allen (Joan Crawford), de unos grandes almacenes. Esto se convierte en el cotilleo de moda en su círculo de amistades. Tal vez, si la historia no se hubiese divulgado ella no habría tomado esta decisión, pero siendo de dominio público, no tiene más remedio que poner fin a su matrimonio. 

Mujeres sigue las vidas de las mujeres de Manhattan, centrándose en particular en Mary Haines (Norma Shearer), una mujer alegre y feliz, esposa de Stephen y madre de la dulce e ingenua Little Mary (Virginia Weidler). 

Después de que se oyen algunos cotilleos, un grupo de mujeres visitan a esta mujer adinerada y afortunada, entre ellas la prima de Mary, Sylvia Fowler (Rosalind Russell) que va a un salón para obtener el nuevo y exclusivo color de uñas: Jungle Red. 

Ella oye de una persona que trabaja en la manicura que el marido de Mary ha estado teniendo una aventura amorosa con una chica vendedora de perfume llamada Crystal Allen (Joan Crawford). Siendo un chisme notorio, 

Sylvia se complace en compartir las noticias con las amigas de Mary; un día queda con Mary en la misma manicura para que escuche el rumor sobre la infidelidad de Stephen. 

Mientras la madre de Mary (Lucile Watson) le insta a que ignore los chismes, Mary comienza a tener sus propias sospechas sobre las afirmaciones cada vez más frecuentes de su marido de que necesita trabajar hasta tarde. 

Ante esto decide Mary viajar a las Bermudas con su madre para pensar y darse un tiempo sobre la situación y esperar a que los rumores se desvanezcan. 

A su regreso, Mary se dirige a un desfile de moda y descubre que Crystal está presente, probándose la ropa en un vestidor. Mary, ante la insistencia de Sylvia, se enfrenta a ella, pero Crystal no se disculpa y sugiere astutamente que Mary mantenga el statu quo a menos que quiera perder a Stephen en un divorcio. 

Con el corazón destrozado y humillado, Mary se va rápidamente. El chisme continúa, exacerbado por Sylvia y su amiga Edith (Phyllis Povah), quienes convierten el asunto en un escándalo público al contar la versión de Sylvia de la historia a una columnista de chismes. Mary, tras pensar y mucho tanto en su matrimonio como en su hija, decide divorciarse de su marido a pesar de sus esfuerzos para convencerla de que se quede y salve su matrimonio. 

En el tren a Reno, Mary se encuentra con varias mujeres con el mismo destino: la extravagante condesa de Lave (Mary Boland); Miriam Aarons (Paulette Goddard), una corista; y, para su sorpresa, su amiga Peggy Day (Joan Fontaine), una joven tímida. Mary y sus nuevas amigas se establecen en un rancho de Reno, donde obtienen un montón de consejos no solicitados de Lucy (Marjorie Main), la mujer que dirige el rancho. 

La condesa cuenta historias de sus múltiples esposos y parece haber encontrado otra perspectiva en Reno, un vaquero llamado Buck Winston. Miriam revela que ha tenido una aventura con el esposo de Sylvia Fowler y planea casarse con él. Antes de que Mary pueda decidir, suena la llamada de Stephen, quien le informa que Crystal y él se han casado. 

Pasan dos años. En el apartamento de los Haines, Crystal, ahora la Sra. Haines, está tomando un baño de burbujas y hablando por teléfono con su amante, que resulta ser Buck Winston, ahora marido de la condesa y una exitosa estrella de radio. 

La pequeña Mary escucha por casualidad la conversación antes de ser ahuyentada por Crystal, quien, como era de esperar, no tiene tiempo ni paciencia para la niña. Sylvia descubre con quién está teniendo una aventura amorosa Crystal. Sylvia guarda esta información para usarla más tarde. 

Mary organiza una cena para sus amigos de Reno para celebrar el aniversario de dos años de la condesa y Buck, después de lo cual la condesa, Miriam y Peggy van a un club nocturno e instan a Mary a que vaya. Mary decide quedarse en casa. 

Pero esa noche charla con Little Mary, quien sin querer revela lo infeliz que es Stephen y menciona la conversación de Crystal con Buck por teléfono. Esta noticia cambia la opinión de Mary sobre la fiesta. Se viste, con la intención de luchar para recuperar a su ex: "¡He tenido dos años para cultivar garras" 

En el club nocturno (en la sala de mujeres), Mary vitorea los detalles de la aventura de Sylvia, luego se asegura de que se le avise a un columnista de chismes (interpretada por una de la vida real, Hedda Hopper). Mary le dice a la condesa que su marido, Buck, ha estado teniendo una aventura con Crystal, luego le informa a Crystal que todos saben lo que ha estado haciendo. 

A Crystal no le importa y le dice a Mary que puede recuperar a Stephen, ya que ahora tendrá a Buck para mantenerla. 

La condesa revela que ha estado financiando la carrera de la radio de Buck y que con Crystal, estará sin dinero y sin trabajo. Crystal se resigna al hecho de que volverá al mostrador de perfumes, y agrega: "Y, por cierto, hay un nombre para vosotras, pero no se usa en la alta sociedad, sino en una perrera". 

Terence Moix señaló en el segundo volumen de su Gran Historia del Cine publicada por Blanco y negro en los años 80 que "al enfrentarse a la comedia de Claire Boothe" Mujeres" , Cukor velaba sus armas ante el altar de la frivolidad absoluta. Estuvo perfectamente a sus anchas entre un reparto exclusivamente femenino encabezado por auténticas reynonas todas ellas con la mirada puesta en Reno, capital del divorcio, y el oído en todas partes. Shearer fue la única que se permitió hacer una incursión en el reino de la lágrima, claro que a fin de cuentas tenían motivos para la tristeza: ¡Seguía amando a su marido pese a que este tenía amoríos con la perversa Joan Crawford! Pero acaso sabiendo que las completamente buenas tienen todas las de perder ante las fribolonas- y todas las actrices estaban magistrales en este aspecto-, Norma norma se permitió un estallido de temperamento, despertando de su letargo doméstico para luchar por el hombre amado. Enfrentándose directamente a la cámara, sacó las uñas y exclamó con mi expresión de fiera: "En estos dos años me han crecido las uñas, son rojo jungla!". En una salida muy parecida a la de Constance Bennet, la protagonista de potra de sus obras" la mujer de las dos caras"(Two faced Woman, 1941). 

Sobre la película se ha escrito por parte de la crítica  valoraciones que fueron consideradas  positivamente como por ejemplo, Jeanette Winterson del The Guardian escribió que "Te lo pasarás muy bien y entenderás por qué el feminismo tenía que surgir." 

Por su parte, Jeremiah Kipp en la revista Slant comentó que "Como en una fiesta sobrecargada, no hay espacio para respirar, pero los espectadores pacientes y resistentes podrán saborear algunos de sus mejores momentos (...)" 

Ted Shen del Chicago Reader dijo de ella que "George Cukor dirigió con su característica teatralidad y con amor por sus actrices" Tony Sloman en Radio Times comentó que los "Diálogos maravillosos (...) Disfrutable e ingeniosa (...) George Cukor estaba en su elemento con este reparto y con un material original tan sólido (...)" 

Por último, en  Time Out se publicó que The Women era "Una película más excéntrica que 'The Philadelphia Story', con la que comparte algunas caras, y es casi igual de fabulosa."

Por mi parte señalar que la película se mueve entre la sororidad y la lucha entre mujeres de la alta sociedad neoyorkina, pero también, lo más destacable es ver como existe una auténtica fractura entre el mundo de arriba, con sus problemas convencionales entre ricos, y el de abajo, con sus sirviente y criadas que igualmente toman partido.  

El blanco, el amarillo y el negro

 

Samurai el blanco el amarillo y el negro con Giuliano Genna, Tomás Milian, Eli Walach, Manuel de Blas, Jacques Berthier, Francés Nuyen o Mirta Miller, entre otros, pues aparecen algunas caras conocidas del cine español, es un film de Sergio Corbucci (1974) emitido en Somos el 21 de marzo de 2023. 

"El blanco, el amarillo y el negro" (también conocida como "Il bianco, il giallo, il nero" en italiano) es una película de comedia western dirigida por el director italiano Sergio Corbucci. Fue estrenada en 1975 y se caracteriza por ser una parodia de los spaghetti westerns, un subgénero del cine western popularizado en Italia.

La película cuenta con la música de Guido y Mauricio d´Angelis, basado en una historia de Antonio Troisio y Marcello Coscia, y cuenta con el guión escrito por Amendola y Sergio Corbucci, Santiago Moncada y René Asseo, en una coproducción en la que están las productoras Tritone cinematográfica SRL (Roma), Mundial film SA (Madrid) y Filmel SRL (París) en Coproducción concAluid Cuadrado de director de Fotografía. 

La pude ver en el verano del año 1975 o en el 76, con diez u once años, pero me parecía y me pareció en su momento una maravilla. Me ratifico. El blanco el amarillo y el negro es una genialidad de película de Sergio Corbucci que cuenta con Giuliano llena Tomás Miriam y Eli Walach. Era un placer ver cine bajo las estrechas, tomando una Mirinda de naranja, viendo las estrellas fugaces , con los amigos más amigios del momento - algunos siguen siendo los mejores amigos- en silla plegables de madera y sobre la pared de una Iglesia que era el espacio de proyección. 

Es un spaguetti western del año 1974, que se estrenó en 1975 y que nos cuenta la historia de unos supuestos indios que roban un pony que ha sido enviado por el embajador de Japón y para el presidente de los Estados Unidos como regalo presidencia. Una nota del jefe de los apaches informa de que si no han recibido un millón de dólares antes de 4 días el pony sagrado. 

El cónsul japonés pone el millón a disposición del banquero Butler. Para transportar el dinero confían la misión a los más honrado o infeliz chery de condado conocido con el nombre de Jack el negro. Pero el arca con el millón se convierte en una obsesión para un simpático y audaz bandido conocido como el suizo y también intervienen en el asunto un japonés llamado Sakura cuidador del animal. Desde ese momento el suizo el negro y Sakura juntan su fuerza para rescatar al animal. 

Como ya he señalado  se trata de una coproducción y tan  italiana como hispano francesa que es un cruce entre película del Oeste y comedia. También es una sátira del espagueti western y del bueno el feo y el malo la película de Sergio leone protagonizada por Clint Eastwood. Tras la cámara Sergio Corbucci,  un habitual del género y uno de los tres grandes "Sergios" - Leone , Corbucci y Sollina- del cine italiano del momento.

La película utiliza la comedia y la parodia para satirizar los estereotipos culturales y las convenciones del género western. A medida que los tres personajes se embarcan en su búsqueda del tesoro, se enfrentan a una serie de situaciones cómicas y absurdas que desafían las expectativas del género. "El blanco, el amarillo y el negro" es conocida por su estilo humorístico y su enfoque irreverente hacia el western clásico. 

Sergio Corbucci, quien también autoparodia una obra propia ya que dirigió el famoso spaghetti western "Django" en 1966, y aquí vemos al Suizo portando su ataud por el desierto, muestra su habilidad para mezclar acción y comedia en esta película. Aunque no es tan conocida como algunas de las películas más icónicas del género western, sigue siendo una opción interesante para aquellos que disfrutan de la parodia y la sátira en el cine. Con unas actuaciones prodigiosas por parte de los tres protagonistas : Genna, Milian y Walach. 

Tanto influyó en los que fuimos a verla que durante varios años uno de nosotros hablaba como Sakura para divertimento de todos los demás. Lo dicho, imborrable.