Tres padrinos

Hay películas que me remiten a los sitios en los que fue rodada. Esta es una de ellas. Y es que el haber estado en los mismos pisándolos, viéndolos "in situ", pasando el calor o viendo la maravilla del paisaje solo se remiten a mi emoción. Antes de nada señalaré que la película en cuestión, The Three Godfathers o 3 Godfathers, un western del año 1948 y dirigida por John Ford fue filmada principalmente en Death Valley, uno de los Parques Nacionales más interesantes de California . 

Allí pude ver un amanecer en el llamado Zabriskie Point de resonancia cinematográficas - Antonioni tiene una película precisamente llamada así. Pero además de allí se ruedan en otros puntos de este Death Valley National Park inserto en pleno desierto del Mojave, que comparten tanto Nevada como California.

Pero para alucinación mía se rodó igualmente en Alabama Hills, en otra localidad cinematográfica de Lone Pine que también pude disfrutar junto a mi mujer y mis hijos con su impresionante Mount Whitney. Después en aquel mes de mayo de 1946 el director decidió rodar en otros puntos como Carson & Colorado Railroad, sito en la californiana Owens Valley, así como en la cercana Keeler, zona por la que pude llevar mi Toyota Sienna . Se inserta en el condado de Inyo que está en el lado este de Sierra Nevada y al sureste del Parque Nacional Yosemite. Contiene el valle del río Owens ; está flanqueado al oeste por Sierra Nevada y al este por las Montañas Blancas y las Montañas Inyo. Un paisaje , simplemente, espectacular.

El único punto en el que no estuve de la película es en el RKO Encino Ranch en Balboa Boulevard & Burbank Boulevard, en Encino, cerca de Los Ángeles.

Pues , precisamente en estos espacios, se decidió llevar a la gran pantalla el guión escrito por Frank S. Nugent y Laurence Stallings así como Robert Nathan y que partía de la novela del mismo nombre escrita en 1918 por Peter B. Kyne .

Ford ya era conocedor de la misma pues había adaptado la película una vez antes , en 1919 , como Marked Men . Se cree que la adaptación silenciosa original de Ford se ha perdido hoy. Ford decidió rehacer la historia en Technicolor y dedica la película a la memoria del viejo amigo Harry Carey , quien protagonizó la película de 1919 Marked Men siendo uno de los tres padrinos precisamente el hijo de Carey, Harry Carey, Jr. , uno de los papeles principales en esta película de 1948.

John Ford para ello contó con la producción de Merian C. Cooper que junto a él había fundado la Argosy Pictures a la que se sumó la productora Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). La película tuvo un presupuesto de $ 1,243,000.

La película cuenta con la música de Richard Hageman, la fotografía de Winton Hoch y el montaje de Jack Murray.

El reparto lo encabeza John Wayne como Robert Marmaduke Hightower, Harry Carey Jr. como William Kearney "The Abilene Kid" y y Pedro Armendáriz como Pedro "Pete" Rocafuerte. Junto a ellos aparecen Mildred Natwick como Madre moribunda, Ward Bond como el Sheriff Buck Sweet, Mae Marsh como Mrs. Sweet, Jane Darwell como Miss Florie, Guy Kibbee como juez, Hank Worden como ayudante Curley, Dorothy Ford como Ruby Latham, Ben Johnson como uno de los ayudantes, Charles Halton como Oliver Latham, Jack Pennick como Luke, Fred Libby como ayudante. Junto a ellos están igualmente Michael Dugan , Francis Ford uno del bar , el compositor Richard Hageman como el pianista de salón, Gertrude Astor como una de las mujeres de la ciudad, Ruth Clifford como una mujer en el bar, y los camareros Jack Curtis y Harry Tenbrook . También sale Eva Novak y la pequeña Amelia Yelda como Robert William Pedro Hightower (el bebé).

Tres bandidos de Texas, Robert Hightower ( John Wayne ), Pedro "Pete" Rocafuerte ( Pedro Armendáriz ) y William Kearney ( Harry Carey, Jr. ) que recorren Arizona , deciden asaltar un banco en la ciudad de Welcome, Arizona , antes llamada Tarántula, una aldea que es la puerta del gran desierto de Arizona.

Antes , mientras diseñan el asalto, se paran en una casa de la localidad. Allí reside, aunque ellos no lo saben el sheriff Buck Sweet ( Ward Bond ) que junto a su mujer (Mae Mars) están a la espera de ka llegada de una de sus sobrinas desde otra localidad. Vienen en carromato desde el norte, pero a pesar de que ellos no la han visto, pues vienen recorriendo el desierto les mienten a la pareja y les dice que sí. El líder del trío es Robert Hightower quien se rie del nombre de Buck Sweet sin saber que se trata del sheriff.

Esa es la razón por la que uno de ellos William Kearney (Harry Carey Jr.) da, sin querer, dar referencias su lugar de nacimiento Abilene.

Tras tomar el té que le ofrece la señora Sweet, los tres forajidos asaltan el banco de la pequeña localidad y huyen luego de las fuerzas de la ley montando un gran alboroto.

Durante la fuga, son perseguidos por Sweet y sus hombres, que momentos antes del golpe había identificado a uno de los tres "The Abilene Kid" como uno de los integrantes de la banda.

Estos alcanzan a William Kearney en el hombro ademas de dar un certero disparo a la bolsa de agua que completamente llena para el golpe lleva Pedro, aunque no se dan cuenta hasta después de que se haya filtrado toda el agua.

Robert Hightower ( John Wayne ), Pedro "Pete" Rocafuerte ( Pedro Armendáriz ) y William Kearney ( Harry Carey, Jr. ) tienen huir al desierto, con un hombre herido, sin agua y con un caballo menos, perseguidos por la cuadrilla montada por el sheriff Buck Sweet ( Ward Bond ).

A esta desgracia se suma que Buck Sweet es un hombre inteligente que conocedor de las circunstancias monta un dispositivo en los puntos estratégicos donde hay agua. como en un depósito del ferrocarril que recorre el Mojave y algún punto más del recorrido del ferrocarril.

Ante esas circunstancias los tres en dos caballos han de cruzar sin agua el desierto. Eventualmente pierden sus caballos en una tormenta de arena del desierto y terminan caminando.

Desesperados por la falta de agua y la herida sangrante de William, se dirigen a un pozo de agua que, sin embargo, y para su desagradable sorpresa ha sido destruido por los esfuerzos equivocados de un torpe hombre que tras intentar sacar agua con un barreno lo que hizo fue destrozar el manantial y luego por el estruendo perseguir a su ganado y , posiblemente morir al no regresar.

Para aumentar u desgracia en un carromato cubierto cercano al manantial reventado se topan con una mujer moribunda. Se trata de la esposa del hombre (la sobrina del sheriff Sweet), que está a punto de dar a luz.

Finalmente da a luz un bebé. Antes de su muerte, los tres le juran a la madre que llevarán a su hijo a un lugar seguro, aunque tengan que dar sus vidas para ello. La mujer muere y con la ayuda del trío, se hacen cargo de un chico que llaman Robert William Pedro por sus benefactores.

Movidos por cumplir su promesa a pesar de la aguda falta de agua deciden atender al chaval. William está seguro de que un poder superior los guió allí y compara su situación con los Tres Reyes Magos que encuentran al niño Jesús en un pesebre. Él convence a los demás, especialmente después de haber visto leído , primero un manual de atención a bebés y luego una Biblia que al abrirse lo hace por un pasaje que habla de los tres magos y del Nuevo Jerusalén, de que se dirijan a la ciudad de Welcome o Nueva Jerusalén, que se encuentra a una amplia extensión de desierto.

Como el calor aumenta y el agua mengua, deciden cruzar el desierto andando. Mientras cruzan un salar , William muere.

Más tarde, Pete cae y se rompe la pierna. Le pide a Robert que le deje su pistola, para "protegerse de los coyotes ".

Cuando Robert se aleja, escucha un solo disparo. Este sabe lo que ha ocurrido y decide seguir avanzando con el bebé.

Finalmente, Robert al límite de sus fuerzas, casi pierde la esperanza, pero en su delirio, aparecen los fantasmas de sus dos amigos y se niegan a dejarlo rendirse.

Despreciativamente tira la Biblia de la mujer, luego vuelve a buscarla y lee un pasaje que cuenta la aparición de un burro y un potro. Justo entonces, una par de animales realmente aparecen. Con su ayuda, finalmente llega a Nueva Jerusalén y entra en una cantina donde la gente está cantando villancicos pues es Navidad y luego se derrumba justo cuando el Sheriff Sweet entra en la sala. 

Robert es arrestado, pero debido a su heroísmo y su negativa a ceder la custodia de su ahijado a los Sweets (de quienes ahora se ha hecho amigo), la gente del pueblo lo ve como un héroe incluso antes de que concluya el juicio.

Al final,Robert Marmaduke Hightower (John Wayne), lo que genera el regocijo del sheriff Perley "Buck" Sweet (Ward Bond) dado su nombre - y lo mucho que se rió el anterior del suyo- es sentenciado a un mínimo de un año y un día y, cuando se va a servir con la promesa de regresar, toda la ciudad le da una despedida entusiasta.

Estamos ante uno de los grandes western de la carrera de John Ford, quizás uno de los menos conocidos del maestro, aunque a la misma altura de sus mejores películas, si bien el tradicional tono épico de sus producciones del género es sustituido aquí por otro registro: al trasformar la historia de tres fugitivos que huyen en una relectura de la historia de Los Tres Reyes Magos en un contexto del western estadounidense.

Esta película fue dedicada al amigo de John Ford y estrella temprana, Harry Carey , quien murió en 1947. Su hijo, Harry Carey, Jr., desempeñó uno de los papeles principales. John Ford hizo que un jardinero regara un cactus durante la noche para permitir que cuando fuese exprimido saliese agua.

Para la escena en la que el ayudante Curly (Hank Worden) tiene problemas para tirar de una mula a bordo de un tren, el director John Ford manipuló las riendas para tirar hacia atrás en dirección contraria a la que Worden realizaba.

El personaje de John Wayne, Robert Marmaduke Hightower, fue nombrado por el director John Ford en honor a su especialista favorito, Bryan 'Slim' Hightower, quien también trabajó en esta imagen. John Wayne sufrió graves quemaduras solares durante el rodaje de esta película y fue brevemente hospitalizado.

Pedro Armendáriz aparece hablando en castellano, - he visto en parte la película en inglés- y haciendo por momentos cabriolas con su caballo al inicio de su película que son espectaculares. Tristemente Pedro Armendáriz, quien interpreta al personaje de Pedro, y que se suicidará con un tiro en esta película, quince años después, Armendariz se suicidaría con un disparo, tras ser diagnosticado de un cáncer terminal.

La película fue lanzada el 1 de diciembre de 1948 e hizo una taquilla de $ 2,841,000 según los registros de MGM. Bosley Crowther en The New York Times comenta que "Hay humor y lágrimas honestas en esta película visualmente hermosa. "

Ya en España, Luis Martínez en El País nos dice que "Ford hace que tres cuatreros se rediman de sus pecados. Para ello, les coloca delante de un inmenso desierto con un bebé huérfano entre sus brazos. Definitivamente, pocos trabajos del director rezuman tanta simpatía".

En Fotogramas se señala que es una " Adaptación de una novela de Peter B. Kyne que John Ford ya había llevado al cine en 1919. Demuestra como una historia abiertamente folletinesca -tres bandidos se regeneran después de hacerse cargo de un bebé huérfano- puede convertirse en una obra vigorosa y nada blanda. El talento de su director transformó este material en un film especialmente inspirado en el retrato coral. Film inédito en España."

En ABC defienden que se trata de una "Enérgica, sentimental y, en ocasiones, hermosa crónica de la redención de tres forajidos que 'adoptan' a un recién nacido con el que se topan en el desierto. John Ford dedicó esta película a su primera estrella, Harry Carey. Sr. John Badham (“Procedimiento ilegal”) realizó un remake para la TV de este film, en 1974, titulado “The Godchild”, con Jack Palance como protagonista. "

Ford crea aquí lo que se podría denominar como "western sentimental", en una película que el genial director dedicó al actor Harry Carey, su mentor y amigo personal fallecido un año antes de la producción de "Tres padrinos". De hecho la película incluye la siguiente dedicatoria: "Dedicada a Harry Carey, una brillante estrella en el cielo de los primeros años del western"

"Tres padrinos" fue la primera película que John Ford rodó en color, con la fotografía del excelente operador Winton C. Hoch ("El Hombre Tranquilo (1952)", "Centauros del Desierto (1956)" y "La Legión Invencible (1949)") el cual hizo un trabajo admirable fotografiando el desierto de una manera que pocos films han conseguido.

La cinta reincide en uno de los temas favoritos de Ford, las relaciones humanas en un grupo variopinto durante una situación extrema, que el maestro trató sobre todo en films como "La Diligencia (1939)", "Centauros del Desierto (1956)" y "La Patrulla Perdida (1934)".

Además, lanza interesantes notas sobre la necesidad de formar una familia, la resistencia del ser humano y el espíritu de sacrificio. Los diálogos son especialmente inteligentes y en ocasiones, divertidos quedando al final un western muy atípico, donde apenas se dispara una bala.

Ford narra a modo de cuento y con muchos detalles humorísticos la aventura de los tres protagonistas que corre en paralelo a algunos relatos evangélicos relacionados con la Navidad: un niño, una mujer, tres hombres, una estrella que los guía, un asno y su cría...

Los tres forajidos convertidos en padrinos del niño recién nacido (Robert William Pedro) tendrán que alimentarlo y dar de beber leche condensada y han de sufrir antes , durante y después todo tipo de peripecias, ( tormentas de arena,, falta de agua, persecución a  caballos y sin los mismos, falta de alimentos, desconocimiento,  y se irán despojando de sus maldades para convertirse en buenos hombres en lo que será un viaje de redención donde  fluyen valores como la amistad, el compañerismo y el amor al prójimo, delatando la bondad que habita en el corazón de estos nobles bandidos .

Y al final, John Wayne con el niño en brazos, desnudo y protegido  llega para la adoración final justamente el día de Navidad, a una localidad denominada Jerusalén. Es un nuevo concepto de Navidad.

Corriente de amor

Señalaba Terenci Moix en su tercera entrega de La Gran Historia del Cine comienza el capítulo que le dedica en una de sus secciones a los independientes que surgen escuelas de cineastas independientes , germen de lo que en los sesenta se conocería como el cine underground, como reacción a los grandes fastos de Hollywood en la ciudad de Nueva York. 

El origen de su actitud es fácil  de detctar en el neorrealismo italiano que había demostrado la posibilidad de conseguir obras alejadas de las exigencias comerciales, buscando el llamado "cine de autor"  al margen de las exigencias de los grandes estudios .

Se intentó así un cine concebido sin nombres estelares , decorados abusivos e incluso equipo técnico. Todo ello equivalía una revolución de tipo económico que determinaría los aspectos casi documentales del nuevo cine. 

Uno de los primeros títulos surgido en los Estados Unidos  respondiendo a este esquema es Little Fugitive película dirigida por Morris Engel en 1953. A esta obra y a este autor le siguieron otros como Lionel Rogosin autor de "On the Bovery" (1957) y "Come back Africa" (1959) .

No fue el único pues otro integrante de esta llamada Escuela de Nueva York fue Shirley Clarke , cuyo filme más conocido "The Connection" (1960) aplicaba los postulados del cine verité y de la sinceridad cinematográfica. 

Junto a Clarke , un trío formado por Ben Maddow, Sidney Mayers y Joseph Strick con "The Savage Eye" mezclan experimentación con o experimentalismo con el contacto con la realidad de la vida en una gran ciudad americana. Del trío es Strick el que más recorrido tuvo aunque acabara trabajando para la Fox.

A este vertiente nueva, experimental e independiente se sumó un joven y prestigioso actor. Su  nombre era John Cassavetes (1929 - 1989) que llevó todas experiencias previas a un drama filmado en 16 mm y ampliado después a 35 mm para su exhibición normal . En ella se mostraba con todo realismo , sin nada de sofisticación como era la sociedad norteamericana. La película se llama Shadows o Sombras y era del año 1960. 

Cassavetes destacó entre sus contemporáneos por la atención dedicada a los intérpretes , encabezados casi siempre por su esposa Gena Rowlands en películas como "Too late Blues" (1961), Faces (1968) , Husbands ( 1970), A woman under influence (1974) o Gloria (1980). Cuatro años más tarde realizará 

Love Streams, la que será su undécima y penúltima del escritor, actor y director que, más tarde hizo su úllima Big Trouble , una obra mucho más convencional.

Según Martin Scorsese, Cassavetes fue su mentor. Nacido en 1929, Cassavetes fue una figura paradójica: una punta de lanza radicalmente modernista del arte de los años sesenta y setenta, cuyo temperamento y hábitos pertenecían a los años cuarenta y cincuenta. 

Para muchos Love Streams es  la última película de John Cassavetes, la última película que escribió y protagonizó con su esposa, Gena Rowlands, y la última que coincide con el tono de su primer largometraje," Shadows.

Este autor que perseguía la estética total que ya descubrió en su segunda película totalmente independiente y primera completamente autoimplicada: Faces  en el año 1968.

Pero antes de su fallecimiento en 1989 le dio tiempo a terminar de dirigir una película que se quedó sin director a medio rodaje, un proyecto que no tiene nada que ver con sus preocupaciones artísticas, que aceptó por el salario y que terminó odiando (Big Trouble, 1986).

Llevó a escena una obra de teatro y estuvo a punto de filmar un guión titulado She's Delovely, dirigido más tarde por su hijo Nick titulado She's So Lovely (1997). 

Sin embargo, Love streams es otro concepto. Dirigida por John Cassavetes fue producido por Al Ruban como productor ejecutivo y Menahem Golan y Yoram Globus ante la sorpresa mundial por parte de una de las productora que se presentaron como alternativa a las majors, The Cannon Group, Inc. , un grupo estadounidense integrado por varias compañías, incluidas Cannon Films , que produjeron una línea distintiva de películas de bajo y medio presupuesto desde 1967 a 1994.

La película responde a un guion escrito por Ted Allan y John Cassavetes inspirada en una obra teatral, en Love Streams de Ted Allan. La película contaría con la música de Bo Harwood, la fotografía de su habitual colaborador Al Ruban y el montaje de George C. Villaseñor.

En cuanto al grupo de actores y actrices lo encabezan Gena Rowlands como Sarah Lawson, John Cassavetes como Robert Harmon, Diahnne Abbott como Susan, Seymour Cassel como Jack Lawson. Junto a ellos aparecen Margaret Abbott como Margarita, Jakob Shaw como Albie Swanson, Eddy Donno como el padrastro Swanson, Joan Foley como Juez Dunbar, Al Ruban como Milton Kravitz, Tom Badal como Sam el abogado, Doe Avedon como Mrs. Kiner y Leslie Hope como Joanie.

Es una película en la que el director y actor vuelve a contar con su mujer y traslada aspectos personales con otros procedentes del relato. De hecho hasta la mitad de la película no sabemos que Sarah Lawson ( Gena Rowlands ) y Robert Harmon (John Cassavetes ) son realmente hermanos.

De hecho la película nos cuenta la historia de un hermano y una hermana de mediana edad que se encuentran cuidando el uno al otro después de que los otros amores en sus vidas los abandonan.

Robert, el hermano, un escritor, vive a la deriva rodeado de alcohol, de mujeres fáciles que les hacen compañía a cambio de dinero y que ocupan toda la casa, a veces, incluso con sus hijos y que vive de lleno sumergido entre copas, locales de vida nocturna a la que van cantantes y homosexuales por doquier.

Robert justifica esta vida por su actividad. Es un novelista exitoso que habla en sus libros sobre prostitutas, borrachos y demás seres de la noche; no solo describe la soledad que acarrea ese estilo de vida, sino que la encarna. Una noche en uno de esos locales nocturnos se fija en una cantante de color Susan (Diahnne Abbott ) a la que acompaña a su casa en una noche de farras. Le dice al hablar con ella “Necesitas a alguien con quien estar para pasar un buen rato. Dime que es un buen momento ” Están tan borracho que se cae en su puerta y la mujer que deja pasar la noche hasta que se recupere. A la mañana siguiente conoce a la madre de Susan , Margaret (Margaret Abbott ) a la que engatusa para verla otro día.

Al llegar a su casa en las colinas de Los Ángeles vemos que en ellas hay todo tipo de mujeres desde muy jóvenes como Charlene ( Julie Allan) a las que besa , invita y que pululan por la casa.

En paralelo conocemos a su hermana, Sarah (Gena Rowlands )  que está en pleno divorcio , que vende , según dice ella felicidad, y que va de ciudad en ciudad junto a su joven hija Debbie (Risa Blewitt) y que, finalmente, acaba por perder la tutela de su única hija ante su exmarido (Seymour Cassel) que le ofrece más estabilidad vital. Mientras que ella lo ha dado todo por su familia a un nivel de intensidad tan profundo que ha terminado alejándose de su esposo y su hija.

Sarah siempre ha sido un ama de casa, y ahora que está sola no sabe qué hacer. Ella dice que "Soy una persona muy alegre" "¡Hemos tenido experiencias del corazón que ni siquiera podrías imaginar!" . Cuando la juez Dunbar (Joan Folley) escucha su declaración no puede admitir los consejos de Sam su abogado  (Tom Badal )

Tras este divorcio desordenado, Sarah Lawson hace caso a su psiquiatra y se marcha a Europa para marcarse nuevos objetivos. El viaje a París es un desastre y desde Londres llama a su hermano para decirle que va junto a él.

Por su parte, a la casa de Robert se persona su ex mujer ahora Swanson de apellido. Pero no va sola. Va junto a un niño de unos ocho años , Albie ( Jakob Shaw ) , que no es otro que su desconocido hijo. Ella le pide a Robert que ciude por una vez en la vida de su hijo de ocho años, a quien nunca ha conocido antes, durante veinticuatro horas.

Tras decir al resto de chicas que se vayan de casa, mientras les paga religiosamente, a Robert no se le ocurre otra cosa que llevarse al niño a Las Vegas a disfrutar de la noche. Robert se lo monta esa noche con un par de chicas no siendo consciente que ha dejado solo toda la noche al chico.

Nada más llegar le pide volver a casa pues busca el refugio que su padre no le ha dado. Tras prepararle una copa, el chico sale corriente colina abajo . El hijo de Robert está aterrorizado por el mundo hedonista y decadente de su padre, y pide que lo lleven a casa luego de un viaje nocturno a Las Vegas. Después de dejarlo, Robert es golpeado por el padrastro del niño (Eddy Donno ) , después de lo cual su hijo testifica su amor por Robert.

Robert Harmon vuelve a casa y al poco tiempo llega su hermana su "mejor amiga". Después de viajar a Europa para distraerse, Sarah llega a casa de su hermano sin avisar, y su visita coincide con la del hijo no deseado. Sarah cree que el amor es un continuo flujo que no se detiene: love streams.

A Robert la vida sentimental le cuesta más trabajo. De hecho llega a llamar a Susan y una noche se persona en la casa aunque , aunque la joven no estña y se monta una fiesta con la madre bailando con ella. Por vías muy distintas, ambos personajes van en declive.

Solos, se ven forzados a preocuparse el uno por el otro, sin nadie más a quien atender. Sarah intenta con cierto éxito frenar la autodestrucción nihilista de la vida de Robert y simultáneamente lidiar con su propia depresión y divorcio, mientras Robert lucha entre su intenso deseo de proteger a su hermana y el desafío de aceptar su libertad como el costo necesario del amor.

Conviven una temporada buscando ese calor, pero también enloqueciendo, alcoholizándose, realizando las más disparatas extravagancias como comprar todos los animales que se le ocurren: perros, caballos, cabras, ... Están sólos y viven bajo un mismo techo. Eso es todo.

La película se rodó principalmente en Los Ángeles, en la casa de la pareja Cassavetes - Rowlands. Aunque hay algunas escenas que se ruedan en Las Vegas. Todo ello en la primavera de 1983.

En algún momento entre 1982 y 1983 John Cassavetes "el padre del cine independiente" se enteró que le quedaban seis meses de vida. Debido a la mala salud de John Cassavetes, Peter Bogdanovich ayudó a dirigir algunas escenas.. No le dijo a nadie la noticia de su próxima muerte, ni siquiera a Gena Rowlands, su esposa y más cercana colaboradora. Había decidido ponerle punto final a su carrera con una cinta reveladora, una amalgama de su filmografía y un retrato de sí mismo.

Al mismo tiempo, la productora Cannon buscaba proyectos de calidad para levantar su imagen ante el público, acercándose a figuras como Jean-Luc Godard, Robert Altman y Cassavetes, quien decidió adaptar al cine Love Streams, una obra de teatro original de Ted Allan que juntos habían montado en 1980. Jon Voight era inicialmente el actor destinado a ser Robert Harmon tal y como había sido en la obra de teatro y originalmente estaba programado para repetir su papel en la película, pero abandonó la producción debido a conflictos de programación y "diferencias creativas" con John Cassavetes.

Recientemente Juan Patricio Riveroll en Letras libres afirma que "Cassavetes se mantuvo alejado de los grandes estudios, y aunque al inicio de su carrera pensó en poder llegar al gran público, al hombre común, hacia el final sabía que su obra estaba destinada a foros más reducidos de lo que hubiera querido. Nunca estuvo dispuesto a simplificar sus ideas ni a dejar de explorar la condición humana desde su perspectiva y sin concesión, y aunque es verdad que siempre estuvo interesado en el ciudadano común y corriente, la estructura de sus películas y su manera cruda y directa de filmar fueron un obstáculo para atraer a una audiencia más numerosa (además de la poca publicidad y la limitada distribución). Él mismo financió sus películas utilizando la paga de cuantos trabajos de actuación pudo conseguir, pues antes de tomar una cámara de cine para hacer Shadows (1957-1959), su principal interés fue la actuación. "

Love Streams es una recapitulación de gran parte de la obra de su creador: la relación filial viene desde Shadows. Igualmente ,  Sarah recuerda al personaje amoroso pero psicótico de A Woman Under the Influence (1974) y a Minnie de Minnie and Moskowitz (1971), tres papeles interpretados por Rowlands; el actor Seymour Cassel hace el personaje de Moskowitz, la pareja de Minnie, y también es el marido de quien se divorcia Sarah: la unión sentimental de Minnie and Moskowitz es disuelta en Love Streams.

La vida nocturna y la compañía femenina de Robert Harmon son una continuación del tema de The Killing of a Chinese Bookie (1976), y el aislamiento del escritor —el artista— es un eco de Opening Night (1976).

Robert posee la libertad con la que sueñan los tres amigos de Husbands (1970), la única película además de Love Streams en la que Cassavetes es uno de los protagonistas. Estas referencias fueron un esfuerzo consciente de su parte, guiños de despedida ante su arte y su público.

Con respecto a la obra de Ted Allan, la correlación entre el guión y la obra es mínima. En la producción teatral, el papel de Robert Harmon fue interpretado por Jon Voight ; Cassavetes asumió este papel para la versión cinematográfica.

El estilo visual de la película es decididamente diferente de las otras obras de Cassavetes, ya que no contiene trabajo de cámara de mano (que era una marca registrada de su estilo visual). Gran parte fue filmada dentro del hogar personal de Cassavetes. John Cassavetes.

Ahora como Harmon  da albergue a varias mujeres en su residencia en un entorno casi familiar; Cassavetes primero creó un grupo de actores y actrices en su taller de actuación, y más tarde los mezcló con su familia, su esposa y sus tres hijos: una cofradía fraternal.

El segundo aspecto que tienen el común el personaje y su creador es la afinidad por el alcohol. Robert vive de fiesta y con copa en mano; Cassavetes fue tan asiduo al licor que murió de cirrosis en 1989.

Love Streams se lanzó originalmente con un tiempo de ejecución de 141 minutos.

Confesó el director que sus personajes sólo podían presidir sus vidas con la falta de amor o compañía porque su status social les dejaba el tiempo libre.

La película obtuvo algunos premios La película entró en el 34 ° Festival Internacional de Cine de Berlín, donde ganó el Oso de Oro . Obtuvo igualmente el Premio Internacional de la Crítica FIPRESCI.

El director de cine japonés Shinji Aoyama mencionó a Love Streams como una de las mejores películas de todos los tiempos en 2012. Él dijo: "Cuando pienso en Cassavetes, siempre me siento feliz. Me alegra que me gusten las películas. Estoy seguro de que siempre Me siento así hasta el día de mi muerte, y tengo la intención de sentirme así también. Al final de Love Streams , Cassavetes sonríe cuando ve al perro a su lado, que se convirtió en un hombre desnudo. Vivo mi vida siempre deseando puede sonreír así ".

Roger Ebert señaló que "los espectadores criados en películas entrenadas y domesticadas pueden ser incómodos en el mundo de Cassavetes; sus películas se basan en una gran cantidad de charlas y el movimiento de los brazos y la invocación de los dioses ... A veces (como en los maridos ), el enfoque salvaje de decir la verdad se evapora en muchas conversaciones vacías y actitudes teatrales. En Love Streams , funciona ".

Richard Brody de The New Yorker afirma que "Cassavetes estaba gravemente enfermo (con cirrosis) en ese momento, y "Love Streams" es tanto una mirada reveladora de una forma de vida liberalmente alcohólica como una despedida consciente de la vida misma. " Y añade "pocos directores han filmado tan tímidamente y mordazmente como lo hizo Cassavetes en "Love Streams". La película es un resumen poderoso, íntimo, caleidoscópicamente subjetivo, valientemente egoísta de una carrera, una era y una vida".

Los escritores William Boyle y Jimmy Cajoleas pasan el rato y hablan sobre películas en la revista Southwest. William Boyle señala que  John Cassavetes es mi director favorito, y Love Streams fue una de las últimas películas que vi . "Según él, por estar perdiendo a su familia, ella perdió su centro, mientras que Robert intentó vivir sin un centro. Sarah sabe y cree que el amor no termina, lo cual es definitivamente heroico". Y acaba diciendo en las páginas de Southwest es "Profundamente desgarradora y hermosa".


Por su parte Jimmy Cajoleas afirma que esta " Es una película sobre la desesperación y la soledad, pero me consuela mucho porque nos dice que está bien estar desesperado, perdido y solo, solo seguir tratando de sobrevivir. Es un trabajo que explora lo que eso significa". Y añade "  que love streams es , con mucho, la más surrealista de sus películas. Desde el desfile de animales hasta los sueños y visiones de Sarah, hasta la forma en que la casa de Robert parece estar separada del mundo real, flotando en este extraño lugar donde todo es posible. Ya sabes, como un perro que se convierte en hombre. Eso encaja con Cassavetes en general, incluso si obtiene la etiqueta "realista", porque lo que es real sobre sus películas (para mí, de todos modos) es cómo se sienten. Sus películas son las más cercanas a la forma en que se siente estar vivo, a la naturaleza tensa, a veces sublime, de existir en un cerebro humano y un cuerpo humano, de una manera que el "realismo" estricto nunca podría ser. Es como si él supiera lo que realmente está sucediendo en tu corazón, y en lo más profundo de tu cerebro, y simplemente lo proyecta allí y te reta a decirle que no es cierto. (...)  También es una película muy divertida, incluso cuando es triste.

Ya en España el crítico Diego Galán en El País, publicó una crónica en 1984 en el mismo dijo en la que decía  "A la película presentada el mismo día de la entrega de premios se le ha concedido el Oso de Oro del Festival de Berlín. Love streams (que en España será rebautizada como La extravagante Sara), del nortemericano John Cassavetes, clausuró por ello el festival, siendo la primera vez que en la última sesión se proyecta precisamente el filme premiado". Y añadió "La película fue acogida por el público nocturno con fuertes pateos, aunque en la proyección matinal para la Prensa tuvo mejor acogida, lo que no impidió que, junto a los aplausos se oyeran también abucheos cuando Liv Ullman, como presidenta del jurado, leyó los premios.Love streams es una película que, aunque alargada más de lo necesario -dos horas y cuarto- por incluir pesadas y absurdas ensoñaciones de los protagonistas, mantiene un ritmo narrativo de cierto interés abriéndose además a sugerencias y matices. "

Y acabó diciendo que es una "Comedia en momentos brillantes, pero en otros sólo sostenible por la calidad de los actores. En cualquier caso, película que llegó tarde, se metió en el concurso sin previo aviso y ha ganado el Oso el último día., tras lo que invitó a los asistentes al festival a una carísima fiesta".

En 2015, la BBC nombró a la película la 63a mejor película estadounidense jamás realizada siendo un melodrama en el que se abordan cuestiones como el amor y la soledad, a través de la historia de un escritor y su hermana.

La ciudad blanca y el silencio.

Una ciudad blanca que se va quedando descolorida conforme se desarrolla la película. Una historia plana, sin matices, sin personajes que demuestren nada. Unas historias que terminan siendo huecas y que podrían haber dado mucho de sí, pero que se quedan en nada. Este es el secreto de la ciudad blanca. Posiblemente hemos perdido una buena serie, pues historias y personajes podrían desarrollarse más, ser más profundas, para conseguir una película que a mí no me ha legado. 

Mi mujer estaba convencida de que de la obra de Eva García Sáenz de Urturi, El silencio de la ciudad blanca, (2016) se podía sacar una gran película. Pero lo que se ha concretado por parte del director, Daniel Calparsoro, un hombre con oficio , con lo transformado en guión por parte de Roger Danès y Alfred Pérez Fargas , es una película nada creíble, de la que se sabe todo a los veinte minutos.

Intriga poca, tensión menos, Los traumas de los aparente malvados, nos son trasmitidos a nosotros pensando que nos hemos equivocado de película. No llega a ser de suspense, más bien es de suspenso.

Una película que podría tener más valor como documental deportivo, por lo que corren sus protagonistas, aunque se corran poco, o como documental urbano.

No me ha convencido nadie entre los actores. Ni Belén Rueda ni Javier Rey ni la siempre diligente Aura Garrido, ni Manolo Solo, ni tan siquiera los actores en pequeños papeles como Àlex Brendemühl, Kandido Uranga, Sergio Donado aportan , salvo profesionalidad, poca cosa más.

Una película que podría haber dado mucho, pero que cumple el dicho: quien mucho abarca , poco aprieta.

Eso sí, qué bonita es Vitoria y qué  bien fotografiada está por Josu Inchaustegui sobre todo en esas imágenes nocturnas con las carreras por sus calles o esas carreras sobre el tejado catedralicio . Y puede que ka ciudad sea silenciosa, pero silencio es lo que se ha escuchado , a pesar de la música de Fernando Velázquez, al final de la película, pues gustar me temo que no ha gustado a muchos de los que allí estábamos. Personalmente, nada de nada. Pero para gusto, colores, incluido el silencioso blanco vitoriano.

A danish war

This film is a danish war . In danish war is Krigen. Hvilken krig? Krigen i Irak og Afghanistan. Sí, sí aquella que nos lanzó a la calle a millones de personas en el mundo para decir un NO a la guerra, y que algunas organizaciones políticas y sindicales convirtieron en un escaparate político de réditos electorales cuando algunos ilusos, como yo, no salíamos a la calle por la consideración política del conflicto, sino por ser una cuestión de ética.

Unas y otras han conseguido - después de la manipulación de un tema ético - que yo me haya alejado tanto del mundo de la política como de la fe sindical que, desgraciadamente, nunca tuve.

Desde aquellos días de la primavera de 2004 no he vuelto - ni creo que vuelva a salir - a protestar contra nada en manifestación pública.

De aquella inmoralidad, todas las guerras me lo parecen, por muy buenos que aparentemente sean sus fines, recuerdo hoy un hecho que me llamó altamente la atención: la participación de algunos países. Posiblemente los que más me llamaban la atención  en aquella coalición internacional era el tanto el contingente danés como el polaco. Pintaban creo tampoco como nosotros a los italianos. 

Desconocía que años después de aquellos lodos se transformaran en el barro que un director danés  supo transformar en una gran película. El director se llama Tobias Lindholm , un hombre que se dio a conocer principalmente por estar detrás de una serie de televisión que triunfó en todo el mundo como fue Borgen en su doble condición de guionista y director.

Luego, en 2011, Lindholm recibió un Premio Bodil especial tras estrenar dos largometrajes, Submarino (como coguionista  que ha escrito junto al director de cine Thomas Vinterberg en alguna ocasión que fue más allá de esta película pues volvieron a reunirse para estar en The Hunt - 2012- y The Commune - 2016- ) así como  R (en calidad de director y guionista) que compitieron por la Mejor Película Danesa de ese año , que ganó la última película.

Su posterior drama de rehenes A Hijacking(2012) se estrenó en el Festival de Cine de Venecia 2012 en la sección Orizzonti. Y años después, en 2016, con The Commune es una película dramática danesa de 2016 dirigida por Thomas Vinterberg. Fue seleccionado para competir por el Oso de Oro en el 66º Festival Internacional de Cine de Berlín aunque en la capital germana el único reconocimiento fue para la actriz Trine Dyrholm ganó el Oso de Plata a la Mejor Actriz.

Sin embargo, la película que le dio a conocer para el gran público fue A War, una película del año 2015, producida por René Ezra y Tomás Radoor para la Nordisk Film Production , Danmarks Radio , Det Danske Filminstitut , Nordisk Film- & TV-Fond y Studio Canal y que contó con un presupuesto de 8 millones de coronas danesas unos $ 1.2 millones.

La película parte de un guión escrito por el mismo Tobias Lindholm. Cuenta en el apartado técnico con la música de Sune Rose Wagner, la fotografía de Magnus Nordenhof Jønck y el montaje de Adam Nielsen,

En cuanto al reparto lo encabeza el actor Pilou Asbæk como Claus Michael Pedersen, Søren Malling como Martin R. Olsen, Dar Salim como Najib Bisma, Tuva Novotny como María Pedersen, Charlotte Munck como Lisbeth Danning, Dulfi Al-Jabouri como Lutfi "Lasse" Hassan. Y junto a ellos aparecen Alex Høgh Andersen, Jakob Frølund, Phillip Sem Dambæk y Petrine Agger.

La película cuenta la historia de una compañía militar danesa en Afganistán que lucha contra los talibanes mientras intentan proteger a los civiles y de cómo se acusa al comandante de haber cometido un crimen de guerra.

Comienza en concreto cuando un soldado danés que patrulla junto a su escuadrón en la provincia de Helmand activa sin darse cuenta en una marcha una mina. El soldado de inmediato pierde las dos piernas y muere debido a las graves heridas, mientras que su comandante, Claus, que está a la escucha , lamenta como algo personal la pérdida de su soldado, pero lo cierto es que poco puede hacer para ayudar desde el campamento base.

Después de eso, Claus Michael Pedersen (Pilou Asbæk ) - ese es su nomre completo-   con autorización de su superior Najib Bisma (Dar Salim ) decide unirse a sus hombres en sus patrullas.

Tras ayudar a una niña herida, la familia afgana llega a la base danesa ya que los talibanes han amenazado con matarlos por pedir ayuda. Claus toma la decisión de enviarlos de regreso a su aldea. 

Mientras, en Dinamarca, la mujer de Claus, María intenta mantener una vida cotidiana con un marido en el frente y con sus tres hijos extrañando a su padre. La ausencia de su padre hace que la tensión caiga sobre su esposa María (Tuva Novotny ) que tendrá que asumir todas las responsabilidades familiares en la escuela de sus hijos, donde el mayor da problemas con sus compañeros, o en casa, donde el pequeño en un descuido se toma unas pastillas que le obligan a ir de urgencias a un hospital.

Al día siguiente, Claus y sus hombres alguno de ellos todavía muy afectado como Lutfi "Lasse" Hassan (Dulfi Al-Jabouri) regresan a la aldea para encontrar en ella a una familia. Cumplen con su deber de auxiliar a la población civil y curan las heridas a una hija de la familia de un campesinos que les comentan que los talibanes van todas las noches.

Durante sus actividades tienen a bien llevarse bien con la población , especialmente, con los niños. A los que ayudan a volar cometas o están pendientes de ellos para que no caigan en una refriega. El contingente danés encuentra una mina y vigila desde la distancia para ver quién la ha puesto. Mientras vigilan ven como se acerca una moto con un talibán, desmonta la mina y se lleva a un niño como escudo humano. Pensando que no hay nadie oteando el horizonte bajan al chico de la moto. Y , desde la distancia, un francotirador danés lo abate tras disparar dos veces.

Un día se persona en el campamento danés, un lugar en mitad del desierto, la familia a la que habían auxiliado y estos piden refugio a los daneses, auxilio que Claus rechaza hasta el día siguiente que irán a la aldea.

Tras discutir con ellos y entre los daneses sobre dejarlos o no, Claus, respetuoso con las instrucciones les dice que no pueden acogerlos que mañana irán a ver como se encuentran e intentarán sorprender a los talibanes.

Al día siguiente cumple Claus se palabra y se llega a la aldea. Una vez allí no ve a nadie, pero cuando se acerca a la casa ve a todos los integrantes de la familia brutalmente asesinada. Sin previo aviso, se produce una emboscada. Lasse cae herida grave en el cuello.

De repente, el grupo de soldados se siente aislado y abandonado. Piden ayuda por parte de un helicóptero para trasladar al herido, pero el intenso fuego lo impide. Claus, sin una identificación adecuada, llama para iniciar un ataque aéreo en un complejo cercano, desde donde la parece surgir el fuego enemigo. El área 6.

El lugar es bombardeado por la aviación británica. Al volver a la base, la alegría es absoluta por salvar a su amigo. En una videoconferencia desde Londres ven los compañeros como se va recuperando de sus heridas.

Sin embargo, de inmediato uno de sus comandante que visita el puesto avanzado y tras preguntar si él fue quien dio la orden de atacar el área 6, le informa de la muerte de una decena de civiles por lo que es acusado de matar a 11 civiles por lo que es de inmediato enviado de vuelta a casa.

Las graves consecuencias de estas acusaciones lo sacuden a él y a su familia. Su abogado defensor afirma que necesita preguntar sí tenía la identificación necesaria para evitar una sentencia de prisión.

Aunque Claus planea admitir su culpabilidad, María le pide que piense en su familia pues la condena podría ser de 4 años. Así que insiste en que ha de pensar en la vida de sus hijos sin un padre así que decide reconocer que llamó a un ataque aéreo porque tenía la identificación.

Durante el juicio las evidencias se van acumula en su contra incluso cuando los hombres de Claus testifican en la corte. Su mejor amigo, su superior Najib, que lo conocía desde su etapa en la Academia, declara que sabía que Claus, a pesar de ser un buen oficial, estaba sintiendo la tensión del liderazgo y no estaba tomando últimamente buenas decisiones.

Llamado a declarar Claus mantiene su posición. Este, enfadado testifica que cualquiera que no haya estado en combate, no puede entender lo que se necesita para tomar decisiones de vida o muerte. Tras eso declara uno de sus compañeros, Carnicero, inesperadamente, el ex operador de radio de Claus testifica que identificó los destellos de un arma en el complejo seis. Aunque esta evidencia es dudosa, es suficiente para convencer al juez y al tribunal de que Claus tenía la identificación necesaria. Es declarado no culpable desestimando la opinión de la fiscalía.

Más tarde, cuando Claus acuesta a su hijo, se da cuenta de que sus pies se parecen a los de la niña asesinada así que sale la calle a fumar solo , reflexionando sobre la vida y sobre la muerte.

Esta película fue producida por Nordisk Film con el apoyo de l televisión danesa, la DR TV. Recibió 8 millones de coronas danesas del Instituto de Cine Danés. El rodaje tuvo lugar en Copenhague, en Konya al sur de Turquía y en España (Almería). El rodaje terminó en enero de 2015.

A excepción de los personajes principales, los soldados son interpretados por soldados daneses reales que habían servido en Afganistán. La película consiguió una taquilla de $ 880,073, por debajo de lo invertido. La película fue nominada a Mejor Película Extranjera en la 88.ª edición de los premios de la Academia al igual que le ocurrió en los Premios del Cine Europeo , nominada al Premio del Público.

Olly Richards, de la británica revista Empire, dijo de ella "Es una película fascinante, cautivadora y compleja que hace una pregunta simple: ¿qué haces cuando no existe una respuesta correcta?". Así es cómo acaba la presentación que hizo sobre la película el crítico Raúl Alda.

Clayton Dillard de la revista Slant hizo una crítica mixta al señalar que "Tobias Lindholm presenta sus reclamos a través de escenarios dramatúrgicos torpes, con las costuras expuestas a cada paso".

Boyd van Hoeij en The Hollywood Reporter señala que "Con su estilo documental y su estilo visual ligeramente nervioso, Lindholm hace otro drama modesto, pero efectivo, que hace más preguntas incómodas de las que responde"

Tom Long en Detroit News comenta que es "Éticamente desafiante y en ocasiones, brutal, 'A War' explora la peligrosa naturaleza de las decisiones tomadas en el calor de la batalla y las tristes consecuencias que las siguen"

Desde las páginas de Variety Guy Lodge defiende que "'A War' no busca abrir nuevos territorios en la investigación en curso sobre el conflicto de Afganistán: más bien escruta el terreno en el que se desarrolla con consumada sensibilidad y detalle"

Tirdad Derakhshani en el para mi desconocido Philadelphia Inquirer escribe que "La maestria de Lindholm en cuanto a la forma, está a la par con su voluntad al comprometerse con algunos de los dilemas morales más complicados de la vida contemporánea"

Ya en España Javier Ocaña en El País dice que la película "Abarca cuatro guerras distintas (...) se desarrollan con notable convicción y trascendencia, a través de ágil una puesta en escena con cámara en mano que, en todo momento, está presidida por la sutileza, el pudor y la mesura."

En El Mundo Alberto Bermejo defiende que es una "Original propuesta (...) poderosa reflexión moral antibelicista con una puesta en escena de precisión austera y unos intérpretes que realizan un trabajo contenido (...)"

Para Oti Rodríguez Marchante en ABC comenta que "Lo que sí aporta esta película es una temperatura fría (nórdica) a la calentura del combate (...) mantiene la atención y el interés sin apenas disloques emocionales (...) "

Beatriz Martínez en El Periódico deja negro sobre blanco la siguiente afirmación : "Son muchos los dilemas morales que se ponen de manifiesto en esta película que funciona tanto dentro del género bélico (...) como a la hora de describir el drama humano por el que atraviesan los protagonistas (...) " 

En Cinemanía se señala que "Solvencia danesa para cargar el dilema moral de un soldado (y su familia). (...) "

En Argentina Fernando López en La Nación dice de ella que "Puede ser considerado uno de los más inteligentes, si no de los mejores tratamientos que el cine ha dedicado en los últimos tiempos al tema de la guerra."

Pablo O. Scholz habitual crítico de cine de Clarín que "Para mejor, Lindholm es riguroso en la presentación del probable crimen de guerra. Es sensible y detallista, (...) La película (...) inquieta como un buen thriller legal."

Diego Brodersen crítico argentino de origen danés de Página 12 señala que "Quizá la mayor virtud de esta película modestamente inquietante sea el no dejarse tentar por una mirada admonitoria sobre los personajes o recubrir la historia de un anti belicismo de manual."

Roger Koza desde el cordobés La Voz del Interior sentencia que " La ambivalencia es constante y no está claro si se trata de una virtud o una deficiencia. (...) " En Infobae Alexis Puig afirma que es un "Conmovedor drama bélico, filmado con pulso realista, gracias a la utilización de una cámara en mano documental y una iluminación naturalista que agudiza la experiencia en el campo de batalla." 

Diego Batlle de OtrosCines.com declara que "Sin llegar a una puesta en escena brillante, Lindholm maneja la narración, las actuaciones y los sucesivos conflictos (militares, legales y familiares) con recato, solvencia y no poca solidez. (...)"

En ese país arrasado por las protestas sociales, Chile , y enfrentado al Presidente Piñera , Ernesto Garrat de El Mercurio comenta que "Esta producción danesa marcha a la guerra de Afganistán sin el hedor patriotero de Hollywood ni la división entre buenos y malos. Estudio de personajes afilado y peligroso, pese a su aparente discreción estética."

Buena película, perfectamente ejecutada por el director que hace un buen estudio de personalidades y da vida y personalidad a todos los protagonistas, especialmente a ese rostro cada día más conocido como es Pilou Asbæk , uno de los protagonistas de la serie danesa de  1864, pero también presente en otras como Juego de Tronos, así como gran parte de las obras que vienen de los países nórdicos.

La película presenta dos partes bien definidas. La primera centrada en Afganistán , rodada básicamente en exteriores,  con buenas acciones perfectamente planificadas , estudiadas al detalle y  filmadas, en parte, con la cámara al hombro, sobre todo, en las escenas de acción; mientras que la segunda, se centra en el pantanoso terreno de los jurídico y en las dudas que se remiten a la  ética en el sutil mundo en el que las cosas pudieran parecer adecuadas , ante lo que parece estar bien. Pero cuando  descubrimos  una nueva dimensión,  cuando una ve la cara "B" de nuestras acciones,  cabe plantearse si hemos obrado bien o no lo hemos hecho. En la guerra, en cualquier guerra,  nunca se obra bien, pues si  en vez de estar ellos , estuviésemos nosotros ,  no existe una respuesta correcta, ya que , simpemente, no existe. Gran película.

La presa en los pantanos de Luisiana

Hace unos día hablábamos de Walter Hill como responsable de un guión, el de Hombre de Mackintosh, y de las dificultades que tuvo con el mismo. Hoy hablamos de él como director , uno de los directores que en los setenta y en los ochenta, dejó obras que si bien no fueron apoyadas por el gran pública la crítica vio en ellas una dirección diferente, una intención de decir más cosas de las que realmente veíamos, una lectura más profunda. Sus metáforas están llenas de cargas de profundidad pues no sólo es un conocedor de lo que se hace , sino de lo que se dice. Por ejemlo, esta historia que he visto, 

La presa o Southern Comford desarrollada en Lousiana es una traslación de lo vivido por muchos soldados en la Guerra de Vietnam. Y eso que que Southern Comford es mucho más que una marca de buen bourbon y aunque refiriéndose a la comodidad sureña la historia va por otro lado. Este californiano de Long Beach y de 77 años se sintió , en parte como John Ford, un hombre que hace western. 

Alguna vez ha declarado que "todas las películas que he hecho han sido westerns", y explicó en otra que el "Western es en última instancia un universo moral despojado , y que cualesquiera que sean los problemas dramáticos, van más allá de las vías normales de control social y el alivio social del problema, y ​​me gusta hacerlo incluso dentro de las historias contemporáneas". 

Efectivamente esto el lo concretó en películas tales como The Warriors , Last Man Standing , o en La presa o Southern Comfort . Algo parecido vimos cuando trasladó al guión lo escrito por Jim Thompson en La huída o The Getaway dirigida por Sam Peckinpah. Y se hicieron evidentes en sus western como The Long Riders - aquí forajidos de Leyenda- , Geronimo y Wild Bill con Jeff Bridges , así como en la serie Deadwood, con la que empezó este blog. 

Con Southern Conford ocurre algo parecido . La realizó en 1981 y en principio es una película de acción, con estética de filme bélico , pero acaba siendo una historia casi de terror .La película, ambientada en 1973, presenta a un equipo de la Guardia Nacional en los pantanos bayou que tendrán que enfrentarse a una amenaza inesperada. 

Aquí Walter Hill contó con la producción de David Giler y el respaldo de Cinema Group y Ventures Phoenix así como el apoyo en la distribución de 20th Century Fox. La película contó con un presupuesto de $ 7.6 millones. 

Tanto Walter Hill como David Giler y Michael Kane son los responsables del guión. La película cuenta con la música del enorme Ry Cooder , la fotografía - del igualmente enorme- Andrew Laszlo y el monatje de Freeman A. Davies. 

En cuanto al reparto tenemos a Keith Carradine como Spencer, Powers Boothe como el texano - de El Paso, Charles Hardin, Fred Ward como Lonnie Reece, Franklyn Seales como Simms, T.K. Carter como Tyrone Cribbs, Lewis Smith como Stuckey, Les Lannom como Casper , Peter Coyote como Crawford Poole y Alan Autry como Bowden. Frente a ellos están los bayou o cajún Brion James como el manco y los cazadores que persiguen a los integrantes de la Guerdia Nacional de Lousiana integrados por Sonny Landham , Allan Graf , Ned Dowd y Rob Ryder. 

La película está ambientada en 1973 y narra la odisea de un grupo de integrantes de la Guardia Nacional de Lousiana que está haciendo maniobras en Louisiana. Un pequeño pelotón de ellos debe atravesar a pie 38 km hasta llegar a un punto donde les recogerán sus compañeros. 

La película comienza cuando se unen los nueve integrantes de un escuadrón de la Guardia Nacional,constituida por una tropa de soldados no profesionales , del Ejército de Louisiana cerca de un pantano local para unas maniobras de fin de semana. Ha llegado un soldado nuevo al escuadrón, un texano de El Paso como es el cabo Hardin ( Powers Boothe ) que antes estaba en la Guardia Nacional del Ejército de Texas . Éste , sin sentido del humor , pronto se siente molesto con el comportamiento arrogante y las actitudes de los hombres que lo acampañan. 

Hardin, ingeniero químico felizmente casado en su vida civil, los ve como ignorantes sureños que sólo quieren divertirse y no quiere participar en una cita con unas prostitutas con las que contactado el soldado Spencer ( Keith Carradine ) para él y sus compañeros de escuadrón. 

Sin embargo, es precisamente con Spencer con el que rápidamente entable buena relación al ver que es uno de los soldados más sensatos de su escuadrón. Los nueve soldados, tras llenar sus armas con munición de fogueo que suena real, pero no alcanza ni hiere a nadie, se disponen a patrullar por el pantano. Pero el líder del escuadrón, el sargento del personal Poole ( Peter Coyote ), pronto se da cuenta que se han perdido en el pantano. 

Cuando son conscientes de ello dudan entre dar la vuelta o buscar la zona humanizada, pero cuando se encuentran con un campamento de caza y pesca de los bayou locales en el que hay varias piraguas necesarias para vadear el área. El sargento Poole ( Peter Coyote ), ordena a los soldados que entren en tres de las piraguas, aunque dejando una nota informando que las han usado y que la dejarán al otro lado del lago. 

Cuando salen y se acercan a la otra orilla del pantano, un grupo de cazadores-cazadores cajún regresa y grita a los soldados por haberles quitado sus piraguas. 

En respuesta, uno de lo soldados, el joven Stuckey ( Lewis Smith ) dispara con balas de fogeo de su M-60 ametralladora sobre los tramperos Cajún. Estos responden con munición real alcanzando a Poole en la cabeza y matándolo. Este es el inicio de una pesadilla que no olvidarán jamás. 

Ahora en la cadena de mando le corresponde al sargento Casper ( Les Lannom ), un estricto, inexperto e impopular segundo al mando, quien ordena, por un lado, llevar el cuerpo del sargento fallecido y segundo, que el escuadrón continúe su "misión" de llegar al destino que había designado previamente los mandos. 

Al cabo de un rato se da a conocer que el cabo Reece ( Fred Ward ) ha traído consigo una caja de munición real para cazar, algo que siempre lleva consigo. Aunque Reece ya había llenado un cargador con munición real , ahora Casper ordena que lo saque y que divida la munición de manera equitativa entre los soldados, para su defensa personal. 

Pasan la noche con dudas y , a la mañana siguiente, descubren una cabaña con un cazador , que presumen que estaba con el resto de cazadores cajenes. Este tiene la particularidad de tener un solo brazo ( Brion James ), y que, aparentemente, solo habla francés . Casper lo arresta como un prisionero de guerra . 

En la casa del cajún , además de pieles, descubren dinamita para la pesca , armas , judías y más comida. Sin embargo, la intervención de un emocionalmente inestable "entrenador" Bowden ( Alan Autry ) prepara un explosivo con gasolina quemando la cabaña que explosiona como el TNT y con toda la comida y posibles pruebas de delito dentro. 

Los soldados se sienten cada vez más amenazados, sin municiones, sin armamento, sin comida, sin apoyo externo , pues todavía no les han echado en falta. Al cabo de un rato dando vueltas comienzan a escuchar el ladrido de unos perros. 

Los Guardias suponen que están a punto de ser rescatados. Sin embargo, los perros pertenecen a los Cajuns, que ahora están acosando a los soldados debido a lo acontecido con Stuckey. Los guardias se defienden como pueden y no sin dificultades de los perros atacantes, tres rottweilers. 

Tras lograr hacer que se marchen , aunque heridos, envía el soldado de color Cribbs (TK Carter) para que inicie la marcha. Poco después es asesinado cuando tropieza con una trampa letal con pichos donde muere al empalarse en una trampa que se ha activado por un resorte. La desesperación ahora del grupo es total. Deciden enterrar a sus compañeros y acampan en la noche. 

Durante la noche, Bowden comienza a tener un colapso mental grave, negándose a hablar con nadie o a moverse. El grupo decide atarlo por la noche. Casper por su parte prepara un explosivo doméstico para enfrentarse si hubiese un nuevo ataque. 

A la mañana siguiente, Charles Hardin descubre a Reece torturando al Cajún de un solo brazo sumergiendo su cabeza en el lago. Hardin trata de detenerlo y ambos soldados se pelean hasta que Hardin mata a Reece después de una lucha con su bayonetas. 

Lamenta lo pasado y sabe que será juzgado por un tribunal militar, pero no se arrepiente. Luego entierran a Reece junto a los otros y salen en busca de un camino que no encuentran. Poco después escuchan un helicóptero que pasa por encima. Los soldados intentan frenéticamente avisarles pero al volver al pasar por donde han pasado la noche descubren los cuerpos de sus compañeros que han sido desenterrados y expuestos al aire libre. 

Luego salen corriendo tras el helicóptero , mientras avanzan Stuckey se adelanta en exceso y se hunde hasta la muerte en arenas movedizas. Al no tener confianza en Casper después de su liderazgo inepto, Spencer lo releva del mando pues tiene claro como llegar a una carretera. Se separan con el fin de buscar a Stuckey. 

En cambio, Casper y Simms localizan a los Cajuns asesinos y les diparan. Casper , primero lanza su bomba domestica y luego fija su bayoneta en su rifle y carga contra ellos. 

Sin embargo, tanto él como Simms son asesinados a tiros de los bayoux. Spencer, Hardin y el ahora catatónico Bowden levantan un campamento para pasar la noche. 

A la mañana siguiente, Bowden ha desaparecido. Hardin y Spencer escuchan algo extraño. Se trata de un tren de carga y proceden a seguir las vías. Sin embargo cuando ven al tren pasar se fijan en algo especialmente trágico. Encuentran a Bowden colgado y muerto de un puente. Y , por encima de él, está cajun de un solo brazo que ha regresado y que está sobre las vías. En inglés les advierte a Spencer y Hardin que abandonen el territorio de los Cajun mientras puedan. Él les da instrucciones sobre cómo escapar del pantano y, lo hacen , por la única razón que Hardin y Spencer lo salvaron del asalto físico de Simms y Reece. 

Siguiendo el consejo del cajún, Spencer y Hardin siguen un camino de tierra y terminan viendo un camión cargado con dos cerdos que es conducido por una amigable pareja cajún. Son conducidos a una fiesta local.

Consiste en el asado de cerdos en un pueblo cajún cercano. Mientras Spencer se mezcla felizmente con los aldeanos, bebe una cerveza y baila con una chica, un cauteloso Hardin ve la llegada de los tres cazadores que masacraron a su escuadrón. 

Uno de los posibles asesinos persigue a Hardin hasta un cobertizo y lo hiere en el brazo. Afortunadamente para él, Spencer aparece de repente, disparando al Cajun con armas de fogeo, dándole a Hardin la oportunidad de apuñalarlo en la ingle. Los otros dos Cajuns llegan, y Spencer corre, llevándolos lejos del herido Hardin. Spencer, escondido en una esquina, golpea a uno de los Cajuns en la cara con la culata de su M-16., noqueándolo. El Cajun restante lo persigue, pero cuando está a punto de dispararle a Spencer, Hardin lo agarra por detrás. Esto le da a Spencer la oportunidad de matarlo a puñaladas con su bayoneta. 

Dejando atrás el pueblo, Spencer y Hardin se escapan sin ser vistos en el pantano. A medida que el dúo avanza hacia el pantano, vemos que otro helicóptero llega a la zona y parece quedarse en las cercanías. Regresan al camino de tierra justo a tiempo para ver un camión del Ejército de los EE. UU. que va hacia hacia ellos. Se miran, sabiendo que finalmente están a salvo. 

Walter Hill en la película hace un desdeñable estudio sobre la violencia y además de un estudio psicológico de grupo expuesto a un peligro exterior que les acosa y que es prácticamente invisible y les hacen vivir una pesadilla. 

El primer guión fue escrito en 1976.1​ Se titulaba provisionalmente como el título que recibió en España: La Presa. 

El argumento se parece al de la anterior película del director, The warriors, un grupo de pandilleros neoyorkinos perseguidos por un número grande de enemigos a través de un territorio traidor para lograr llegar a su casa; en aquel caso, tenían que llegar a su zona, Coney Island. 

La referencia clásica de la historia pudo ser el Anabasis de Jenofonte que cuenta la historia de los Diez mil, un ejército de mercenarios griegos que habían luchado para Cyro el Joven en su intento de usurpar el trono del Imperio persa de su hermano, Artaxerxes II. Cuándo Cyro murió en la Batalla de Cunaxa, los griegos estuvieron forzados a huir. 

Según Hill, él y David Giler tuviernon un trato con la 20th Century Fox para "adquirir y desarrollar guiones interesantes y comerciales que podrían ser producidos con poco dinero. De hecho, Alien (1979) era uno de ellos, y La Presa era otro . Quisimos hacer una historia de supervivencia en Luisiana." 

Así pues, contrataron al escritor, Michael Kane, para hacer un borrador qué Giler y Hill reescribieron. Según Hill, "Ningún estudio lo quiso hacer, pero un tipo independiente relacionado con Fox lo financió." En concreto estuvo financiada por Cinema Group, una compañía al mando de William J. Immerman, cuya cabeza de producción era Venetia Stevenson, hija del director Robert Stevenson. 

Power Boothe fue elegido después de que Hill y Giler le vieron en la miniserie Guyana Tragedy . Hill dijo que el personaje de Keith Carradine es el más elegante y despreocupado mientras que el de Boothe es más racional y como resultado no se puede creer que esto les este sucediendo a ellos. 

La película estuvo rodada en Luisiana en 55 días en el área del lago Caddo, en las afueras de Shreveport. En este sentido Hill comentó que : Eramos conscientes de que la gente lo vería como una metáfora de Vietnam. El día que leímos al elenco, antes de entrar en los pantanos, les dije a todos: 'La gente va a decir que se trata de Vietnam. Pueden decir lo que quieran, pero no quiero escuchar nada más al respecto ". 

La película cuenta con una atmosférica música compuesta por Ry Cooder. La canción "Parlez Nous à Boire," es cantada durante la escena al final de la película, por el músico Cajun Dewey Balfa. La película dio su primer papel importante a muchos conocidos actores como Fred Ward y Peter Coyote habituales como secundarios. 

Walter Hill dijo que la película "no era una simple película de acción en la que la gente que persigue al otro es mala y añadió " Es claramente, en cierto sentido, el tipo de culpa de nuestros muchachos por entrar en esta situación. En el grupo colectivo, hay individuos que no están tan evolucionados como los demás. Y las respuestas al dilema, me refiero a los dos nobles de la naturaleza, los de carácter superior a través de alguna cualidad innata. Y hay personas que operan en una escala descendente hacia el nivel bruto en su respuesta a la situación en la que se han metido. Todo lo cual creo que es una especie de guerra es terrible. Es una situación de guerra. Con resultados mixtos y paranoia acompañante incluso por aquellos que son los mejores y los más brillantes del grupo ... Ninguno de nosotros es tan bueno o malo como los construimos. Southern Comfort está tratando de no ser un drama fácil. 

Hill dijo que disfrutó la experiencia de hacer la película, pero que fue difícil comentando que "Estaba muy orgulloso de los actores en él. Fue una película difícil de hacer, y soportaron mucho. Probablemente te dirían que soportaron mucho de mí. Pero realmente lo hicieron sin quejarse. Y pensé que era muy afortunado de tener el elenco que tenía. Jesús, fue una película difícil de hacer ... Creo que cuando ves la película puedes ver que esta no era una discoteca en Las Vegas. Pero era solo lugares muy difíciles para llegar allí. Muy difícil rodar. Recuerdo tantas veces que solo teníamos unos minutos para configurar la cámara porque el fondo del pantano cedería. Y así, para las posiciones de tu cámara, en muchos casos tenías que organizar y disparar muy rápido. Fue duro y el clima era miserable. Sin embargo, diré esto: si eliges hacer una película en un pantano en pleno invierno, probablemente te mereces lo que obtienes". 

Powers Boothe recuerda que el rodaje fue realmente duro, sobre todo para los cámaras que tenían que cargar con ellas por el lodo del pantano. "Los actores saldrían del fango justo a tiempo para volver a entrar. La situación era aún más difícil para el equipo. Instalaron una plataforma de cámara y se hundió lentamente en el pantano. O con un trípode, uno la pierna se hundiría. ¿Y cómo pueden los actores dar en el blanco en dos pies de agua? ... Tengo que darle crédito a Walter Hill por hacer que los tres meses sean lo más soportables posible. No perdimos el sentido del humor hasta el la última semana de rodaje. Tener dos semanas libres en Navidad ayudó a mantener nuestra cordura ". En cuando a la crítica señalar que el primer crítico fue el mismo Walter Hill que se asombró de que la recepción fuese mucho mejor en el resto del mundo que en America. 

​Walter Hill dijo que estaba "siempre asombrado" por la recepción de la película. "La recepción estadounidense no fue nada real. Pero fue muy bien recibida en todo el mundo". De hecho en Francia hizo una taquilla de 262,625 espectadores. Agregó que la película "no ganó ni un centavo en ningún lado. Pero estaba orgulloso de la película ... Pero me decepcionó la falta de respuesta. Fue un fracaso universal de la audiencia ... Por lo general, se puede decir que les encantó en Japón o algo así. No creo que nadie lo haya amado en ningún lado ". Hill concluyó diciendo que la película "no hizo un jodido centavo." 

Roger Ebert "​Algunos críticos achacan lo peor del film a sus muchas semejanzas con la película de John Boorman de 1972 Deliverance. 

Ya en España en Fotogramas se dijo que estaba " construida con precisión y un notable sentido de la tensión, aunque su resultado final se ve ìoscurecido por las brumas de la ambigüedad." 

Alberto Abuín comenta que "'La presa' ('Southern Comfort', 1981) es uno de los films más sólidos de Walter Hill, y aquel que logra un equilibrio extraño y difícil de conseguir entre lo que se supone debe ser un film comercial —siempre sujeto a ciertas concesiones— y el cine personal, o de autor, o como queráis llamarlo, y en el que el director en cuestión se siente más libre filmando lo que a él le apetece de verdad. " 'The Warriors, los amos de la noche' ('The Warrios', 1979) por cuanto los protagonistas son un grupo reducido que en terreno hostil intenta salvar la vida y regresar a casa. Al igual que en el film citado, Hill realiza un estudio sobre la violencia. Y concluye diciendo : "Andrew Laszlo en la fotografía y Ry Cooder en la música prestan sus talentos, indiscutibles, a este cuento de terror cotidiano, una aventura sin parangón de conclusión nada complaciente que se permite además hablar sobre la estupidez humana, " 

Curioso fue no sólo que el año de referencia fue el de 'Deliverance' sino que existe una versión manipulada iraní y que emitió en la televisión iraní estatal IRIB. En su versión , es el gobierno de EE.UU. quien planea matar a sus propios soldados que no quieren ir a la Guerra de Vietnam enviándolos a una trampa en los pantanos. Spencer y Hardin se supone que también mueren en esta extraña versión.

Contrapunto

El contrapunto es la relación entre dos o más voces que son independientes en ritmo y contorno y que implica la creación de líneas musicales que se mueven independientemente unas de otras pero que guardan una relación armoniosa entre ellas. Es normal que esas voces o esos instrumentos vayan cada uno por su cuenta, pero que al final la composición musical resulte armónica. 

En inglés contrapunto se dice Counterpoint para expresar lo mismo, pero lo que no sabía es que con ese título se había realizado una película curiosa desarrollada en un contexto bélico como fue la ofensiva alemana en las Ardenas , entre diciembre del 44 y enero del 45, pero que realmente habla del enfrenamiento entre dos hombres que tienen el común denominador de amar la música, pero que están en bandos contrarios y que reflejan valores ideológicos contrapuestos. 

Esta película ha sido conocida con otros títulos como The Battle Horns o The General siendo su título en España la de la “Una tumba al amanecer” o en portugués "Os Heróis Não Se Entregam".

Es una película épica en un contexto de guerra realizada en 1968 dirigido por Ralph Nelson y que está basado en la novela "El general" de Alan Sillitoe .

Se trató de una producción de Richard Berg amparada por la Universal Pictures que desarrolla el guión escrito por James Lee y Joel Oliansky partiendo de lo escrito por Alan Sillitoe. 

Parece ser que el director entre otras de Los lirios del valle (1963) con la que Sidney Poitiers ganó un Oscar al mejor actor, Father Goose (1964) una comedia romántica situada en la Segunda Guerra Mundial con Cary Grant, Leslie Caron y Trevor Howard, Charly, (1968) producción por la cual Cliff Robertson ganó un Premio Oscar, de la mítica Soldado Azul - Soldier Blue (1970) protagonizada por Candice Bergen, Peter Strauss y Donald Pleasence - o Embryo, una película estadounidense de 1976 de ciencia ficción y terror con on Rock Hudson y Barbara Carrera , y productor , pero también guionista y actor , Ralph Nelson estaba interesado en esta película ya que mientras estaba en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial en la que era instructor de vuelo , participó en diferentes obras de teatro en Broadway para entretener a los soldados que estaban en el frente.

La música , que juega un papel esencial en la misma, fue realizada por Bronislau Kaper. La película contó con la fotografía de Russell Metty y el montaje de Howard Epstein.

El reparto estuvo integrado por Charlton Heston como el director de orquesta Lionel Evans, Maximilian Schell como el general Schiller, Kathryn Hays como Annabelle Rice y Leslie Nielsen como Victor Rice. Junto ellos aparecen Anton Diffring como el coronel Arndt, Linden Chiles como Teniente Long, Peter Masterson como el sargento Calloway, Curt Lowens como el Capitán Klingermann, Neva Patterson como Dorothy, Cyril Delevanti como Tartzoff y Gregory Morton como Jordon.

La acción nos sitúa en Bélgica, en diciembre de 1944. En esa fecha con la ofensiva contra Alemania está muy avanzada y a la espera de pisar las tropas aliadas el país germano , ya hay muchos artistas que vienen a entretener a las tropas en el frente. Han llegado con ese fin Bob Hope, Marlene Dietrich , pero igualmente un afamado pianista y director de una orquesta sinfónica como Lionel Evans (Charlton Heston) que actúa para las tropas del frente.

Mientras su actuación antes las tropas aliadas tiene lugar , se inicia la ofensiva alemana en Las Ardenas. El director ne niega a contar y hasta que no acaba la sinfonía no recogen para buscar un refugio ante el aviso de invasión.

Cuando los miembros de la orquesta intentan escapar por carretera en su autocar son capturados por los alemanes y trasladados como prisioneros a un castillo medieval donde tiene su cuartel el General Schiller (Maximilian Schell), un autoritario y melómano oficial que resulta ser admirador de Evans al que pudo escuchar antes de la guerra en Viena.

Mientras Schiller trata de reanudar la ofensiva de sus fuerzas pues se han quedado sin gasolina, le propone a Evans que junto con los miembros de su orquesta le ofrezca un concierto para entretener a los oficiales alemanes. Sin embargo, por dignidad, Evans se niega en trabajar para el enemigo, pues como civiles están siendo tratados como prisioneros de guerra.

A pesar de que pide que se aplique la Convención de Ginebra, es testigo de como los alemanes tienen la orden de no hacer detenciones, iniciando una política de fusilamientos masivos de todos aquellos que son detenidos.

La negativa de Evans a ceder a las intenciones de sus captores hará que se enfrente al resto de sus músicos de su orquesta, encabezados por Victor (Leslie Nilsen) que al igual que su esposa,  la violoncelista Annabelle Rice(Kathryn Hays) que desean tocar para los alemanes para salvarse del despiadado Coronel Arndt (Anton Diffring ) , empeñado en cumplir las órdenes de ejecutar a todos los prisioneros.

Insertados en la orquesta hay dos militares ocultos que se subieron al autocar en el último momento para salvar sus vidas el teniente Long (Linden Chiles ) y el sargento Calloway (Peter Masterson) que, indudablemente, apenas saben tocar y que han de disimular sus incapacidad con los instrumentos ante los alemanes.

Ante la reiterada negativa de Evans la famosa orquesta sinfónica norteamericana es retenida en las mazmorras del castillo , pasando todo tipo de penalidades como hambre y frío. Conocedores de la oferta del General Schiller (Maximilian Schell), que implica salvar sus vidas a cambio de que interpreten para él un concierto exclusivo durante una reunión de altos oficiales alemanes comienzan a sentirse molestos con Evans y sus principios éticos que le impiden doblegarse a la voluntad de un nazi. Su obstinación está poniendo en peligro a todos los miembros de la orquesta como le echan en cara Victor y su esposa así como otros instrumentistas.

Mientras un molesto coronel Arndt pregunta al alto mando si han cambiado las órdenes pues bajo la autoridad del del General Schiller no se están cumpliendo. Es más el mismo general baja al calabozo y le propone al resto de la orquesta un lugar más acogedor así como un espacio para ensayar en la capilla del Castillo.

Todos salen a ese nuevo espacio y tras comer algo Victor comienza un ensayo con la Inacabada de Schubert que es escuchada desde su despacho por Schiller. Sin embargo, los deseos del general es la que orquesta toque bajo la batuta en manos de Evans. Tras escuchar el ensayo Evans decide salir , especialmente cuando uno de los intregrantes de la orquesta quiere denunciar la presencia de dos militares camuflados en el grupo, uno de Kansas y otro de Oklahoma.

Al salir corriendo de la capilla es asesinado por los guardias pensando que huía. Tras esto y para evitar más muertes y seguir con los ensayos Evans decide subir a la nave de la Iglesia. Allí vuelven a ensayar a la par que los militares diseñan un plan de escape para ver si pueden informar a los aliados que no están lejos. Igualmente algunos de los músicos son llamados a pasar por un interrogatorio. 

Mientras ensayan con una obra de Tchaikovsky, uno de los militares, el sargento Calloway, sube a la torre y ve las posibilidades de escapatoria. Son mínimas , además están a punto de ser descubiertos por el coronel Arndt que ve como uno de los músicos, el teniente Long, es más joven y que aparenta tocar el trombón. Cuando le exige que toque ante él, tras mucha tensión decide interpretar un solo con lo que se sabía: el himno de los Estados Unidos .

Tras eso el militar se marcha , aunque persiste su idea de han de ser ejecutados. Evans sigue en sus trece ante Schiller que , al enterarse de la denuncia de Arndt, sabe que , al final, no tendrá más remedio que ordenar la ejecución, aunque Evans lo único que quiere es ganar tiempo .

Mientras los dos militares con la colaboración de todos los músicos ayudan a montar una cuerda enorme para escapar por el tejado y saltando el muro. Durante la salida la orquesta ensaya uno de las obras sinfónicas de Brahms que será utilizada sobre todo la parte más sonora y estruendosa para evitar ruidos en la fuga.

Sin embargo, cuando ya están en los tejados el teniente Long es asesinado por los nazis que lo esperaban en el patio. Lo que implica que alguien los ha delatado.

Por su parte, Calloway consigue esconderse en los bajos de un camión cisterna que va a salir a por gasolina.

El cuerpo de Long es llevado por Arndt al general Schiller, y éste da un ultimatum a Evans: él y su sinfonía que se preparen un concierto especial para los nazis. Aunque tiene duda de sus compañeros, incluso de Annabelle, que pasó una velada junto al general alemán o de Victor, pero también de los belgas que le llevan leche caliente y sopa. Sin embargo, cuando uno de ellos no sólo le entraga un arma, perteneciente a un fallecido Calloway, cuyo cuerpo fue hallado cerca de una mina explosionada, sino que le confía que es miembro de la resistencia y que esa noche los suyos a asaltar el castillo y sabotear el convoy alemán para que no puede seguir con su avance,

Evans decide dar el concierto ante Schiller, sabedor de que en el momento en que termine el concierto, él y sus músicos serán asesinados. La materialización de esta realidad es que en el patio se ha levantado una enorme fosa para acoger los cuerpos de los integrantes de la Sinfónica.

Evans intenta retrasar el comienzo del concierto que , para satisfacer al melómano, comenzará con la Obertura del Tanhaüser de Richard Wagner. Los belgas a las nueve en punto comienzan en el exterior el sabotaje, mientras el general Schiller escucha la obertura, pero , finalmente, ha de salir.

Viendo que se ha ido los soldados, los  músicos dejan de tocar esperando que no haya nadie en el patio. Salen en tropel a pesar de que Evans les pide que no salgan. No ven que los hombres de Arndt están apostados bajos la arcada y salen para fusilarles.

Cuando todos están delante de la fosa , una de las instrumentista les dice que ella no puede morir que se lo prometieron , pero es la primera en ser asesinada.

Tras esto parece que a sus vidas no le quedan nada y cuando van a disparar los belgas hacen su aparición y los músicos que refugian en la fosa. Evans toma una ametralladora que ha caído de uno de los belgas mientras ordena a Victor que monte a toda la orquesta en el autocar. Consiguiendo salir intactos del castillo. Los disparos continúan .

Evans busca refugio en la capilla. Cuando es descubierto por Arndt y está para ser asesinado, se persona Schiller, sabedor de que nada se puede hacer tras el sabotaje y mata a su compañero de armas. Tras hablar Evans con el general éste le habla que lo suyo ha sido un conflicto entre dos concepciones de la moral.

El general cree que la moral siendo está al lado de la Artillería pesada , como decía Napoleón, pero Evans le replica diciendo que recuerde como acabó Napoleón. Luego sale de allí y va junto a su asistente , que lo ha acompañado toda la película, el Capitán Klingermann (Curt Lowens).

Tras él va Evans que recoge una batuta se ve junto a la fosa mira todo en soledad mientras termina la Quinta Sinfonía de Beethoven que suena de fondo. De esta forma tan peculiar acaba este filme tan bélico como bastardo marcado por la música y por los contrapuntos morales.

La película fue filmada en los Universal Studios, y se incluye un set construido para la película de 1923 El jorobado de Notre Dame . La película comenzó a rodarse el 21 de noviembre de 1966 y concluyó el 24 de enero de 1967. Dos días fueron retirados del cronograma de producción y el guión fue reescrito sin consultar al director Ralph Nelson.

La música es realmente relevante en la película e incluyen obras de Tchaikovsky como la Obertura del Lago de los Cisnes, Beethoven y su V Sinfonía , Brahms y su Sinfonía N°1 Wagner y la Inacabada de Schubert que fueron interpretadas por la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles dirigida por Lawrence Foster.

El estreno de la película tuvo lugar en marzo de 1968 en Nueva York. Y se incluyó en un programa doble junto con la película El Sargento Ryker, dirigida por Buzz Kulik protagonizada por Lee Marvin y Vera Miles, una película en la que un sargento norteamericano (Lee Marvin) realiza un acto heroico durante la guerra de Corea, que se vuelve contra el, y acaba encarcelado por traición, y condenado a la horca.

El paso de Heston como actor llevó al apoyo del actor de las actrices Anne Heywood o Jessica Walter para el papel que finalmente fue de Kathryn Hays. Charlton Heston se pasaba hasta 5 horas al día en ensayos dirigiendo la Quinta de Beethoven ... En sus diarios, lo describe como mejor que abrir el Mar Rojo.

En cuanto a la crítica Rogert Ebert dijo de ella , tras verla , en 1968 " "Counterpoint" es posiblemente la película de guerra más improbable de 1968, pero tiene un encanto perverso y muy buena música clásica. También tiene atmósfera: un castillo belga capturado, sombrío y premonitorio, con telas de araña en las bodegas y maestros monomaníacos y generales alemanes que se precipitan en capas negras con forros rojos." Y concluye diciendo "A pesar de su absurda historia, "Contrapunto" no es exactamente una mala película. Schell se convierte en una actuación atractiva, y Anton Diffring , que siempre recibe estas partes, interpreta espléndidamente al malvado tipo SS ".

En El mundo se dice de la película que es " Un drama bélico que contrapone la belleza de la música a la crueldad de una guerra. De hecho, la música es uno de los puntos fuertes de este filme, que cuenta con piezas de Tchaikovsky, Beethoven, Brahms, Wagner y Schubert, interpretadas por la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles. Pero dejando a un lado la banda sonora, la película cuenta también con un reparto de gran calidad encabezado por Charlton Heston y Maximilian Schell (''El juicio de Nuremberg''), y secundado por un joven Leslie Nielsen (''Agárralo como puedas''), entre otros. Al frente de la producción encontramos al director Ralph Nelson (''La ira de Dios''), un hombre proviniente del mundo del teatro que debutó en el cine en 1962. "

Con una puesta en escena algo deficiente muy condicionada por grabarse en un estudio como el de Universal Plaza , por mi parte diré que se trata de una película cine bélico yo diría que bastarda; en la que se combina por un lado la admiración la dualidad moral, una historia de amor que no fluye y que fue entre el personaje de Hays y el de Heston, pero en la que la primera acaba por casarse con un - aquí dramático- Leslie Nielsen.

Es una profunda película que , por un lado , hace un homenaje a la pasión por la música clásica y sobre todo es un contrapunto en la moral. Con el diálogo final de lo más interesante , con una despedida fría , hacia la incertidumbre sobre el futuro de los dos protagonistas en este duelo a gran altura entre los dos actores. Una película mucho más interesante de lo que parece.