Tom Jones

En el año mil novecientos sesenta y tres Tony Richardson (1928-1991) optó por hacer una adaptación de la novela de Henry fielding un clásico de la literatura del siglo XVIII. Richardson era uno de esos jóvenes directores británicos airados que en la década de los 60 apuesta por el llamado free cinema inglés. Pasa de ser un director que se centra en el realismo y en la crítica social para convertirse en un concepto totalmente nuevo de estilo británico y para ello se basó en un guión adaptado de John Osborne. Es significativo que Richard son que había desarrollado una carrera teatral ya había adaptado al cine la célebre fiesta de John Osborne mirando hacia atrás con ira (Look Black in Ángel, 1959) o pocos después, en 1961, la de Shelagh Delanay Un sabor a miel (A traste of Honey). 

Tom Jones consiguió un gran éxito comercial y crítico y dio pie a una infinidad de imitaciones. La película logró cuatro Óscar entre ellos el de mejor película mejor dirección mejor banda sonora firmada John Addison, y mejor guión adaptado.

El reparto estuvo encabezado por Albert Finney, que junto a Susannah York, Hugh Griffith, forman los grandes protagonistas en esta película que además fue el debut de la actriz Lynn Redgrave. 

La película nos narra la historia del hijo legítimo de una mujer que vive en una casa no iliaria trabajando en ella que se ve obligada abandonar poco después a su hijo tras nacer. El chico que responde al nombre de Tom Jones fue criado por el señor Allworthy, el propietario de la mayor Hacienda de la comarca, como si fuese hijo suyo aunque siempre teniendo presente que lo ven como una persona ajena a la familia. 

Cuando el chico crece se enamora de una joven hermosa, Sophie Western (Susannah York) pero es incapaz de resistirse a otras mujeres. 

Su vida cambia cuando el celoso sobrino y heredero de su benefactor decide poner fin a su estancia en la agenda familiar. 

Tom Jones , señala Román Gubern, " es una adaptación ejemplar de una novela clásica, satírica y libertina de Henry fielding ( un escritor de la puritana Inglaterra del siglo XVIII) en donde Tony Richardson recrea por vez primera un ambiente histórico con la agilidad y desenvoltura formal del free cinema (cámara llevada a mano como empleo de fotos fijas,...), Lo que quiebra la tradición académica e encorsetada del género y confiere actualidad a sus sátira mordaz y saludablemente grosera, porque groseros eran los clásicos ingleses como lo han sido algunos españoles del siglo de oro". 

Toc toc

Eli Roth es el responsable de esta película del año 2015 que en inglés sería knock knock que tiene el aliciente principal es encontrarnos con Keanu Reeves y con Ana de Armas en un Thiller psicológico y con altas dosis de moralina.

La película escrita por el mismo director junto a Guillermo Amoedo y Nicolás López basado en la obra Death Game escrita por Anthony Overman y Michael Ronald Ross, nos presenta a Evan Webber, un arquitecto al que todo le parece ir sobre ruedas. Vive en una casa fabulosa está felizmente casado con una mujer una artista de éxito tiene dos hijos estupendos y vive en una lujosa urbanización. 

Tiene la casa para él y su perro, Monkey, el fin de semana del Día del Padre debido al trabajo y a una cita de fisioterapia por una lesión en el hombro, mientras su esposa e hijos se van de viaje a la playa planificado en familia. Su esposa Karen, una artista exitosa, deja a su asistente Louis a cargo de su escultura que debe trasladarse a una galería de arte para su exposición. 

Como ese fin de semana en el que se ha quedado solo ya que su mujer y sus hijos salen fuera su pacífica existencia quiere aprovechar para trabajar. Pero esa misma noche ve como su tranquilidad queda interrumpida por la presencia de dos chicas jóvenes , Génesis y Bel, que llegan repentinamente y que aparentemente han sido invitadas a una fiesta en una casa de la organización pero se han perdido. 

Como llegan bajo un chaparrón Evan decide invitarlas a entrar en la casa se ofrece a darles de cenar a secarle la ropa y a tomar a un taxi. Al estar empapados, y con la necesidad de buscar la dirección de una fiesta, y como su teléfono no funciona, Evan les permite secarse y usar Internet para comunicarse con el anfitrión de la fiesta. Les da batas para que puedan secar su ropa en su secadora. Las chicas se sienten como en casa y coquetean con Evan mientras él les pide un Uber y pone algunos de sus viejos discos de vinilo de sus días como DJ. 

Pero la historia se complica enormemente cuando las chicas empiezan a tontear con él y finalmente se lo f***** (los asteriscos son creados por la inteligencia artificial al haber dictado desde el móvil lo que querían que pusiera, follan) vivo. ya que cuando Evan les trae su ropa y los encuentra desnudos. Intenta convencerlas de que se vayan, pero cuando empiezan a imponerse a él, él se rinde y hace un trío con ellos. 

Las chicas resultan ser dos psicópatas que afirman ser menores de edad por lo que Evan pasaría de inmediato a engrosar el listado de pederastas del planeta. Y de eso se da cuenta a la mañana siguiente, cuando Evan descubre que las chicas han destrozado la escultura de su esposa. Cuando Evan amenaza con llamar a la policía, las niñas afirman que son menores de edad. 

Vivian (Coleen Camp), una amiga de Karen, pasa a ver si Evan necesita ayuda. Al ver a Génesis, Vivian se marcha enojada. 

Cuando Evan amenaza con denunciar un robo, ellas ceden y aceptan que los lleven a casa. Luego regresa a casa, limpia el desorden que han hecho las niñas e intenta volver a su trabajo. 

Esa misma noche, justo cuando se acerca a completar su proyecto, escucha un ruido destrozado. Cuando se agacha para recoger un marco roto de su familia, Génesis lo noquea con una de las esculturas de su esposa. Bel se sube a él en un intento de excitarlo mientras interpreta el papel de una colegiala con el uniforme escolar de su hija. Evan inicialmente se niega, pero las chicas amenazan con hablar por una aplicación con su esposa a menos que él acepte hacer lo que exigen. Está atado a su cama y Bel lo viola mientras Génesis registra todo, llamándolo pedófilo. Sin embargo, Evan se libera y tira a Bel al suelo. Él ataca a Génesis, pero ella lo apuñala con un tenedor; ella y Bel lo atan a una silla con un cable eléctrico.

En esto que aparece Louis que llega para recoger la escultura y , a pesar de que ambas dicen ser las sobrinas de Evan, el chico sospecha así que se mueve por la casa y encuentra a Evan atado. Pero antes de que pueda ayudarlo, escucha a las chicas rompiendo la escultura destrozada. Corre para detenerlos, pero luego sufre un ataque de asma y se da cuenta de que le han quitado el inhalador. Mientras intenta recuperarla, resbala con un trozo de la escultura, se golpea la cabeza al caer y muere. 

Las chicas, se ríen de él y convierten el cadáver de Louis en una escultura roja y cavan una tumba improvisada en el patio trasero para Evan. También usan los teléfonos de Evan y Louis para enviar mensajes de texto y hacer que parezca que Evan descubrió que Louis tuvo una aventura con la esposa de Evan y, debido a esto, fue asesinado por Evan. 

Las chicas sádicas destrozan la casa, atormentan y torturan a Evan, le cortan el pelo y lo obligan a jugar al escondite. Cuando Génesis y Bel comienzan a intentar encontrar a Evan, él escapa de la casa, sólo para ser detenido y apuntado con una pistola por Génesis. Las chicas le dicen que han matado a otros hombres y le anuncian que morirá al amanecer. 

Al amanecer, atan a Evan con una manguera, lo entierran en el hoyo, dejando solo su cabeza sobre el suelo, y le dicen que le aplastarán el cráneo con una piedra grande. No alcanza su cabeza por centímetros, y las chicas, riendo histéricamente, luego revelan que toda la terrible experiencia fue simplemente un "juego", ya que nunca tuvieron la intención de matar a Evan, ni ninguno de los dos es menor de edad, y que todo lo que hicieron fue parte de un pasatiempo perverso de seducir, victimizar y arruinar los hogares de hombres casados con hijos. 

Génesis le muestra a Evan el video que grabó anteriormente con su teléfono de Bel violándolo. Mientras Evan observa, ella lo sube a su perfil de Facebook. Parten en busca de otra víctima dejando a Evan a su suerte. 

Karen y los niños llegan y encuentran la casa en ruinas; El hijo de Evan, Jake, dice: "Papá tuvo una fiesta", acabando así la película, al menos, la versión que he visto, pues parece ser que hay otra con otro final. 

La película es un remake de Peter Traynor titulado Los sádicos del año 1977 y que contó como chica a Sondra Locke y Coleen Camp - que, por cierto, hace aquí un cameo como la fisioterapeuta que ha de tratar en su casa a Evan, según he leído fuera rodada en Chile, país en el que gusta estar Eli Roth por lo que se ve en sus películas. 

La película no deja de ser sino un vehículo para el lucimiento del actor hawaiano y de esas dos pedazos de chicas que son Ana de Armas y la chilena Lorenza Izzo que lucen palmito a lo largo de estas casi dos horas de thriller psicológico. 

Comentar que la película salvo la presencia de las chicas, poco más. Los diálogos son muy flojos, al nivel de la interpretaciones, aunque Eli Roth parece divertirse puteando a Keanu Reeves, que imagino se divirtió igualmente en los juegos sexuales de mitad de la película pasando luego a formar parte de la necesaria, no conseguida, redención. 

No he sido el único en llegar a esa conclusión, pues según he visto las valoraciones que de ella hay no son especialmente positivas. Destaco por lo contundente la valoración de Pablo González Taboada en Cinemanía al calificarla como "la peor película hasta el momento de Eli Roth". Por contra me sorprende la visión quie de ella tiene Glenn Kenny al decir en las páginas del The New York Times que "Termina de manera insatisfactoria, pero el camino hasta ahí es bastante impactante y perverso" ; o Ben Kenigsberg en Variety cuando escribió que "Eli Roth actualiza de una manera entretenida, un film exploitation de los 70 con mejores interpretaciones y nuevas tecnologías" Para gustos, colores.  

La pianista

Michael Haneke es un director alemán inmenso. Un arquitecto desde el punto de la vista de la composición - que planos cenitales de las manos con el piano o la imagen final, rodada desde el exterior de la sala de conciertos- y un "enfermo" desde el punto de vista de la intensidad narrativa. Tanto es así que en ocasiones es brutal, sin medida, sin límites. Eso ,lo hacer controvertido, pero inmenso e intenso. Esto es así en La pieniste, Cuanto rueda no le importa dar auténticos puñetazos en sus narraciones. 

Y en el caso de La pianista, la película basada en la novela homónima de Elfriede Jelinek, - autora que ganó el Premio Nobel de Literatura en el 2004- transformada en guión por el propio Haneke, con la que Isabelle Huppert, la protagonista absoluta de esta película, física, sexual, brutal, con la que consiguió el Premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes de 2001 , no podía ser de otra manera en esta historia de una mujer llena de secretos y debilidades, pero también de perfeccionismo, obsesión represión y masoquismo. 

Es coherente con lo que suele hacer la actriz francesa quien alguna vez declaró que "No interpreto personajes, cuento estados mentales". En este caso representa a Erika Kohut una mujer que llega a decir "No tengo sentimiento Walter. Métetelo en la cabeza. Y aunque algún día los tenga nunca triunfarán sobre mi inteligencia" 

La película se centra en Erika Kohut, una profesora de piano en un prestigioso conservatorio de Viena. Vive con su madre, una mujer dominante que controla todos sus movimientos y con quien mantiene una relación de amor-odio con aristas violentas. 

Bajo su aspecto serio y disciplinado, Erika mantiene ocultos comportamientos sexuales de naturaleza diferente y parafílica donde el morbo está siempre presente , pero junto a ello aparece el voyerismo , el sadomasoquismo y las autolesiones. Y eso a pesar de sus aires mostrándose en público como una mujer segura, distante, aunque su soledad y represión sexual se despierta en la intimidad. 

Tras escucharla tocar en un concierto privado, organizado por el Doctor Blonskij y su esposa, Erika conoce a Walter Klemmer, un joven con aspiraciones de ingeniero, que también toca el piano y que expresa su admiración por el talento de Erika para la música clásica. Ambos comparten su amor por la música de Schumann y Schubert. 

Walter intenta ingresar al conservatorio para recibir lecciones de Erika. Su audición impresiona a los demás profesores, pero Erika, aunque visiblemente conmovida por su actuación, vota en su contra; cuestiona sus motivos y su interpretación del Andantino de Schubert . A pesar de esto, Walter se convierte en uno de los estudiantes de Erika. 

Mientras tanto, Anna Schober, otra estudiante, sufre de ansiedad por la presión que Erika y su exigente madre. Cuando Erika ve a Anna y Walter tonteando y entendiéndose, la profesora se introduce en el vestuario del conservatorio, rompe un vaso y pone los fragmentos en uno de los bolsillos del abrigo de Anna. Esta última se corta la mano con el cristal, lo que le impedirá tocar en un concierto que se aproxima. 

El joven Walter Klemmer que ha estado presente en el incidente, y ve la reacción de Erika, busca seducirla en un baño público. Allí él la besa apasionadamente, pero ella responde con una frialdad extrema , frustrándolo y humillándolo repetidamente. Luego lo masturba antes de hacerle sexo oral , pero de repente se detiene cuando él no cumple con sus obligaciones. Ella le dice que le escribirá una carta para un próximo encuentro. 

Más tarde, en el conservatorio, Erika finge ser empática con la madre de Anna, diciéndole después que en esa etapa, ella es la única que puede reemplazarla. Walter insiste cada vez más en su deseo de tener una relación sexual con Erika, pero esta última quiere que él satisfaga sus fantasías sadomasoquistas . 

Una noche mientras él la espera en el portal y tras entrar en la habitación que cierran con un mueble, ella le hace entrega de la carta que contiene los actos que ha de hacer, pero la lista molesta a Walter. Más tarde, ella vuelve junto a la cama de su madre y se le lanza sobre ella. 

Otro día, después de la práctica de hockey sobre hielo del estudiante, Erika llega para disculparse con él y comienzan a tener sexo en el vestuario; sin embargo, Erika se siente incapaz y vomita. Él la rechaza y le dice que huele y que le resulta repugnante. 

Más tarde esa noche, Walter llega al apartamento de Erika y, tras golpear a la madre y encerrarla en su cuarto, la ataca siguiendo lo que ella describió en su carta. Tras pegarle repetidas veces, y a pesar de que ella le pide que no lo haga acaba violando a Erika . 

Al día siguiente, Erika , que tiene un importante concierto, sustituyendo precisamente a su alumna por ella herida, toma un cuchillo de cocina y lo introduce en el bolso con el que ha de acudir al concierto. Cuando llega espera la llegada de Walter, que parece despreocupado por lo ocurrido. parece estar feliz y riendo con su familia, y saluda alegremente a Erika. Momentos antes del inicio del concierto, Erika se apuñala en el hombro y sale del conservatorio. Acabando así la película 

la película está producida por Veit Heiduschka por medio de MK2, Les Films Alain Sarde, Arte Francia Cine y Wega Film. Responsables técnicos de la misma son Christian Berger en la fotografía, en el montaje, Monika Willi, en la escenografía , Christoph Kanter y en el vestuario, Annette Beaufaÿs. A destacar además de Huppert, la actuación de Benoît Magimel que no sabía tocar el piano ni leer partituras. Aprendió durante cuatro meses especialmente para la película. En el caso de Isabelle Huppert toca el piano en la película; anteriormente asistió a clases durante doce años. 

Para el papel de la madre de Erika se asignó primero a Jeanne Moreau . Mientras se probaba el vestuario, la actriz canceló su participación en el rodaje diez días antes y fue sustituida rápidamente por Annie Girardot. Jeanne Moreau no se arrepentirá de su elección a pesar de los tres premios de Cannes y el César a la mejor actriz de reparto obtenido por Girardot . 

La película consiguió el Gran Premio del Jurado , aunque no la Palma de Oro, y su pareja protagonista fue galardonada con los dos premios a la mejor interpretación, así como un gran reconocimiento en los Premios del Cine europeo de ese año. 

De ella escribieron tras su estrenos grandes críticas. Lisa Schwarzbaum en Entertainment Weekly que "Aquellos que sigan a Haneke en sus espeluznantes exploraciones, serán recompensados por unas interpretaciones brutales y entregadas de Huppert y Magimel" y Jan Stuart en Newsday que era "Una historia de anti-amor desconcertante y fascinante". 

Por su parte, Peter Traves dijo de ella en Rolling Stone que "Verla es, a un tiempo, un desafío y un castigo. Pero ver a Huppert, una gran actriz, arrancándose en un papel trascendental, es fascinante" ; mientras que Desson Thomson en The Washington Post comentó que "Un tango entre ternura y brutalidad, perturbadoramente desenvuelto". 

Ya en España Carlos Boyero, por entonces columnista de El Mundo dijo de ella que era una "Película muy atractiva, inquietante, violenta, triste" y Ángel Fernández Santos en El País que era un "Cine poderoso y punzante". 

Yo opino que es mucho más que eso, es una película contundente, dura y profunda como la vida del que no quiere mostrarse a los demás. 

Lo cierto es que con Haneke y tanto en esta como en Elle de Paul Verhoeven (2016) y con esta misma actriz, no había visto algo tan intenso en lo emocional y en una relación tan destructiva desde El último tango en París de Bertolucci.  Impresionante

Errementari

Había algunas razones que me habían atraído a esta película, una adaptación de un cuento del folklore vasco, Patxi Errementari. Como paisano -en parte- del Aita Barandiarán me atraía la figura del herrero, el Errementari, un personaje de los cuentos populares vascos: un herrero tan terco que el propio demonio no fue capaz de arrastrar al infierno, a pesar de que ya le había vendido su alma y que consigue mantener alejado hasta al mismísimo diablo, a quien mantiene en cautiverio y le hace sufrir una continua tortura. 

A esto se sumaba otra realidad. Y es que la película se rodó en algo desconocido para mi, el llamado euskera antiguo (una variante euskera del alavés que se hablaba en la zona alrededor de los inicios del siglo XIX), ya que se quería rodar en la lengua en la que está escrito el cuento. Para ello se consultó con filólogos que pudieran recuperar este idioma. Curiosa historia que contrasta con la que me contaba con un amigo del propio aita, mi tío, Félix Eskisabel, que fue enviado a Álava para aprender castellano, pues en el pueblo de mi abuela, no se hablaba sino en euskera. 

Todo ello sirvió para el debut del director Paul Urquijo Alijo, de la que no hace mucho puede ver Irati. se trata de una película del año 2017 que nos cuenta una historia que se inicia la Primera Guerra carlista pero que año más tarde continua.

La historia se desarrolla en un pueblo de Álava a mediados del siglo XIX. La película se inicia con el fusilamiento por parte de unos carlinos de tres carlistas. Uno de los carlistas tiene un recuerdo de su amada, que es arrebatado por uno de los militares. Mientras se desarrolla el mismo, uno de los recién fusilados, Patxi (Kandido Uranga) sale de entre las tinieblas y se enfrenta al capitán que ha dirigido el fusilamiento, pero ahora descubrimos que se ha transformado en un diablo. 

Han pasado 10 años desde de la primera Guerra Carlista de 1833 y en una pequeña y perdida aldea entre montañas en la que corren rumores sobre un siniestro herrero que parece tener conexiones con el mismo diablo llega un comisario del gobierno - realmente de la Diputación- llamado Alfredo Ortiz (Ramón Agirre) que busca a Patxi, que ahora vive en una fragua en ruinas en el bosque que los aldeanos evitan debido a que se rumorea que Patxi asesinó a su esposa y secuestra a niños pequeños. 

El herrero se muestra como un anciano huraño, no solo por su rechazo al resto, no solo ha fortificado su terreno con cruces y trampas de hierro, sino también demuestra poseer una fuerza y resistencia sobrehumana que incluso le permiten forjar metal al rojo vivo usando sus puños en lugar de un martillo. 

Los aldeanos también desconfían de Ortiz ya que el gobierno fundió todo su metal durante la guerra para fabricar armas, incluida la su campana de iglesia. En la taberna a la que llega Alfredo, los aldeanos de la zona cuentan oscuras historias sobre él relacionadas con robos, asesinatos y pactos demoníacos.

Con todo poco después se enteran que realmente ha ido al pueblo en busca de un mítico tesoro , un cargamento de oro desaparecido tras la Primera Guerra Carlista, el denominado "oro de Zumalacárregui", a mediados del siglo XIX, y enseguida se da cuenta de que los rumores que corren por el pueblo son ciertos, ya que en lo profundo del bosque, donde vive un peligroso y solitario herrero llamado Patxi, parece residir la clave de este misterio. 

Mientras una niña, una huérfana de nombre Uxue, con la cara desfigurada por quemaduras, que vive en la parroquia a cargo de Mateo, el sacerdote; sin embargo, es una niña rebelde y poco apegada a la iglesia ya que se dice que su madre era una suicida y por lo tanto su alma fue al infierno. 

Una mañana la niña es intimidada por Benito, quien lanza su muñeca por encima de la cerca de Patxi. La niña consigue colarse en la misteriosa herrería, destapando la terrible verdad que se esconde tras Patxi el Herrero.  

Uxue entra a la forja a recuperar su muñeca mientras Patxi se deshace del cadáver. Dentro, encuentra a un niño cautivo en una jaula de hierro, que le ruega que robe las llaves de Patxi para liberarlo. Cuando lo hace, el niño recupera una horqueta y se revela como el demonio Sartael. 

Cuando el herrero lo descubre, el demonio secuestra a Uxue y promete regresar por el alma de Patxi, pero antes de que pueda escapar, cae en otra trampa para osos mientras que Uxue queda inconsciente. Patxi rompe uno de los cuernos del demonio y lo vuelve a encerrar. Uxue se despierta y encuentra a Patxi torturando a Sartael, quien revela que hizo un pacto con Patxi cuando era soldado para que no muriera y pudiera volver con su esposa. 

Patxi rápidamente simpatiza con la niña y le explica que atrapó a Sartael y lo mantiene encerrado para evitar que cobre su alma y lo lleve al infierno, también le enseña cómo torturar demonios arrojando garbanzos al suelo, ya que no pueden resistir el impulso de intentar contarlos, y también haciendo sonar una campanilla de oro bendecidas por la iglesia, cuyo sonido les significa un sufrimiento indescriptible.

Al desaparecer la niña desde la taberna han de organizar una búsqueda, Ortiz, aprovechando las circunstancias, puede empezar a desvelar los secretos que esconde el temido herrero, y convence a algunos hombres de la aldea para asaltar la forja donde sospecha que Patxi tiene el oro perdido. 

Cuando llega la partida Patxi los enfrenta y ahuyenta, excepto a uno que accidentalmente cae en una trampa para osos y muere a pesar de los intentos del herrero por ayudarlo.

Mientras Uxue le pregunta a Sartael si puede liberar del infierno a Maite, su madre, ya que ella se suicidó. Sartael revela que los humanos se ven motivados a entrar al infierno por su propia culpa y una vez allí no pueden salir nunca. 

Los aldeanos llegan y capturan a Patxi mientras el sacerdote revela la verdad; Maite era la esposa de Patxi, pero cuando él regresó de la guerra, descubrió que Maite, asumiendo que moriría en la guerra, había tomado un amante, dando a luz a Uxue con ese hombre. 

Al regresar de la guerra Patxi perdió la cordura y en un arrebato quemó la cara de Uxue y asesinó a su padre, mientras que Maite, afligida por el dolor, se ahorcó. 

Avergonzado y de vuelta en sus cabales, Patxi entregó a Uxue al sacerdote, junto con una campana de reemplazo que forjó para la iglesia a cambio del favor. 

Los aldeanos encuentran a Sartael y Ortiz ordena que Patxi sea torturado hasta que devuelva el oro, también convence al sacerdote de mantener preso al demonio y llevarlo al Vaticano para ser reconocido como el hombre que pudo probar la existencia del Otro mundo. 

Una vez a solas con Sartael, Ortiz revela que en realidad es el demonio Alastor, el superior de Sartael del infierno. Éste revela que el oro nunca le ha sido relevante más que como un motivo para tentar a los lugareños ya que su labor es otra: como Sartael no ha podido regresar al infierno con el alma de Paxti, ha sido degradado y él ha venido a encontrarlos, posteriormente ordena a los aldeanos que Patxi sea ahorcado para recoger su alma en lugar de Sartael, a quien no piensa rescatar en castigo por su fracaso. 

Los aldeanos, llevados por la codicia y la histeria religiosa, incendian la fragua, pero Sartael hace un trato con Uxue para buscar a su madre en el infierno si ella lo libera y toca la campanilla de oro. Uxue toca la campanilla haciendo que Ortiz revele su rostro de demonio. 

Los dos hombres que cuelgan a Patxi huyen dejándolo libre. Uxue libera a Sartael pero es capturado por los aldeanos mientras el sacerdote, molesto por haber puesto en peligro su oportunidad de ganar reconocimiento, la abofetea e insulta la memoria de su madre. 

Uxue, furiosa y descorazonada, hace un trato con Alastor: le entrega su alma a cambio de ser llevada junto a su madre en el infierno. Alastor acepta y la mata. 

Apesadumbrado, Patxi acepta dejar que Sartael lo lleve al infierno a cambio de salvar a Usue. Sartael está de acuerdo porque quiere vengarse de Alastor, pero comenta al herrero que necesitará más que su pequeña campana dorada para sobrevivir al infierno. Patxi revela que la campana gigante que forjó para la iglesia está hecha con el oro que Ortiz estaba buscando, por lo que le es devuelta para llevarla al otro mundo. 

Sartael mata a Patxi con su horquilla, llegando ambos a las puertas del infierno donde miles de almas malditas esperan para entrar. 

Patxi encuentra a Uxue y se enfrenta a los demonios que protegen la puerta y a Alastor, pero Usue lanza el frasco de garbanzos de Patxi a Alastor, quien se ve obligado a intentar contarlos. 

Con la derrota de Alastor, las puertas comienzan a cerrarse. Patxi envía a Uxue de regreso con Sartael mientras él decide permanecer en el infierno para buscar a Maite. Uxue se despierta de nuevo en la tierra. 

Sartael, agradecido con la niña por salvarlo en la jaula, convence a los aldeanos de que fue rechazada del infierno porque es una verdadera Santa y debe ser tratada con respeto. 

Mientras los aldeanos se reúnen alrededor de Uxue, Sartael se transforma en un joven humano y se dirige a la siguiente ciudad. 

En el camino, Sartael encuentra a un viajero a quien comienza a contar la historia de El herrero, un hombre tan despiadado y cruel que incluso el Diablo mismo llegó a temerle y respetarlo. 

En el infierno, Patxi fuerza a que se abran las puertas del infierno mientras comienza a viajar buscando a su esposa mientras golpea con su martillo la campana dorada en la espalda atormentando a los demonios por la eternidad. 

Así es Errementary, la ópera prima de este director vasco, dialogada completamente en vasco, y qué bien hacer una exploración sobre el género del terror en la que se combinan monstruos pesadillas y parte de la mitología vasca así como su historia.

Antes de este filme del año 2017 Urkijo se centró en cortometrajes que iban sobre el terror como el caso de "Jugando con la muerte" o Monster do not exist. Junto con Asier Guerricaechevarría, Paul Urkijo aparece acreditado como guionista de la película.

Los protagonizan de la película son Cándido Uranga como el herrero, Ramón Aguirre en el papel de Alfredo y le acompañan otros actores como Eneko Sagardoy como Sartael, José Ramón Argoitia como el insufrible y soberbio sacerdote Mateo, así como Josean Bengoetxea como el tabernero Santi, Gorka Aguinagalde como el teniente y Uma Bracaglia como la pequeña Uxue .

La película en la que estuivo implicado Alex de la Iglesia como productor, cuenta con una atmósfera de terror buenos efectos especiales y consigue su objetivo entretener al espectador. Se trata de una producción bajo Errementari Films, a la que se suman A.I.E., The Project Film Club, Gariza Produkzioak, S.L., Kinoskopik Film Produktion, S.L., Nadie es Perfecto P.C., Pokeepsie Films, S.L. 

El rodaje duró 37 días que se repartieron entre finales de 2016 y octubre de 2017 y se rodó íntegramente en el País Vasco, en localizaciones como Corres, Antoñana, el Convento de Pierola, la iglesia de San Bartolomé de Amezketa, la Ferrería de El Pobal o el Parque tecnológico de Miñano. Por su parte, el conjunto monumental Agorregi (Álava) fue el escenario de la herrería.

La película fue nominada en los Goya de ese año 2019 a los "Mejores efectos especiales" realizados por Jon Serrano, David Heras. 

Además de la nominación en los Goya, Errementari obtuvo, entre otros premios, el Premio del Público a Mejor Largometraje en la Semana del Terror de Sebastián. Y estuvo presente en 15 festivales de cine de todo el mundo, como el Festival de Sitges, en el Seattle International Film Festival o en el FilmQuest de Utah, donde se llevó cinco premios incluidos los de mejor película y mejor director, además de mejor actor (Sagardoy), vestuario y maquillaje. 

En cuanto a los mismo señalar que se incluyeron monstruos animatrónicos, niebla, fuego, multiplicar gente, eliminación de los elementos actuales de los espacios para poder ambientar la película en el siglo XIX… 

La película supuso todo un reto para los equipos de efectos especiales (FX) y VFX y fue nominada a Mejores Efectos Especiales en los Premios Goya.  

Una de las grandes dificultades de Errementari fue la creación de Sartael. La construcción de este diablo es una mezcla de la espectacular interpretación de Eneko Sagardoy, que ensayó durante 2 meses para conseguir crear un ser que resultara verosímil, y el brutal trabajo del equipo de caracterización y efectos visuales (VFX). La película cuenta con la música de Pascal Gaigne y la gran fotografía de Gorka Gómez Andreu. Sagardoy tenía que ser capaz de moverse con una máscara y, por su parte, el equipo de VFX tenían que añadirle una cola que respondiese a las emociones del personaje y pareciese real.

En cuanto a la crítica Alberto Bermejo en El Mundo escribió sobre ella señalando que " La belleza fotográfica que realza la singularidad de la naturaleza del paisaje vasco, la pulcritud de los efectos especiales, la solidez formal de una cuidada realización y la credibilidad de una meticulosa ambientación de época invitan a esperar un relato fascinante " y añade que es " una meritoria producción, seguramente más habilidosa que sobrada de medios, sobre la que no resulta fácil decidir si va en serio o no, dado que no consigue proyectar a este lado de la pantalla emociones convincentes en un sentido o en otro". Destaca de la misma el trabajo contundente de Kandido Uranga y Eneko Sagardoy, éste casi irreconocible por el maquillaje, aunque en contra destaca "La acumulación de tantos ingredientes al servicio de unas pretensiones que no llegan a materializarse."

Ricardo Aldarondo en Fotogramas señala que " "Film en principio fantástico, pero muy apegado a la Historia, a las leyendas que tienen mucho de realidad (...)  "

Poco más que decir, un film vistoso, y reconozco el valor de su director quien en la ETB declaró que decidió abordar la historia desde la inocencia y la fascinación de un niño por los cuentos (…) 'Partí de ese amor que yo tenía hacia los mitos y los cuentos del folclore vasco'. Estupenda. entretenida, auténtica, Mille esker, Urkijo. 

Asedio

 

Ayer vi #asedio en Prime. Me gustó, y mucho. El viaje a las tinieblas de la protagonista, que, a su vez, vive un infierno interior, nos lleva al inframundo de la pobreza, la violencia, la corrupción y la extorsión en una atmósfera claustrofóbica y de alta tensión. Un disfrute.

Dirigida por Miguel Ángel vivas la película cuenta con un reparto en el que destaca Natalia De Molina como protagonista absoluta que lleva el peso de la película de principio a fin. Junto a ella se encuentra Bella Agossou y Francisco Reyes, en los principales papeles. 

La protagonista es Danny una Policía Nacional adscrita al grupo de antidisturbios y que entró con la idea de servir a su país para hacer cumplir la ley pero que una vez dentro no les satisface su trabajo ya que de alguna manera descubre que están para servir a los poderosos. Dani acaba de entrar en el cuerpo de antidisturbios y tras un desahucio en un bloque de viviendas del extrarradio de una gran ciudad se ve envuelta en una trama de corrupción policial cuando un extorsionador es linchado por la policía y así se y asesinado por uno de los mandos cuando se quiere quedar con su dinero. Ella escondida en un hueco graba toda la escena, pero al ser descubierta su vida pende de un hilo. Esto le lleva a huir por el bloque por los agujeros que permiten el paso de una habitación a otra y que finalmente le lleva al sótano donde descubre la inhumanidad que supone la presencia en condiciones de probable de un buen número de inmigrantes. 

La única ayuda que recibe será la de Nasha (Bella Assagou) , una inmigrante ilegal a la que acaban de echar de casa y que está preocupada por su hijo little que le ha quitado el móvil a Dani y cuya vida ahora parece vender igualmente de un hilo. 

Hombres al borde de un ataque de nervios

Hommes au bord de la crise de nerfs es una película francesa reciente que en tono de comedia planteé una idea de autoayuda sobre todo para un grupo de hombres que se encuentran cada uno de ellos en una situación lamentable. Película reciente de 2022 con guion y dirección de la también actriz Audrey Dana y que recibe la colaboración en el guion de Claire Barré. La película cuenta con la música de Maxime Desprez y Michaël Tordjman y la fotografía de Pierre Aïm. 

Se trata de un peculiar grupo de siete hombres de entre dieciocho y setenta años muy diferentes entre sí que van a ser los protagonistas de esta alegre comedia sobre un conjunto de individuos que tendrán que vivir una típica terapia grupal como forma de seguir adelante con sus vidas.

Entre la variedad de personajes se encuentran Michel, un solitario conductor de metro (Laurent Stocker); Noé (Michel Gregorio), un padre agotado de la vida familiar; Antoine, un homosexual que vive reprimido por culpa de su familia (François Xabier); Hippolite , un jubilado que vive una existencia anodina desde la muerte de su esposa (Thierry L´hermitte), un chico joven de dieciocho años que parece tener trece de nombre Eliott(Max Bassiette de Malglaive), un escritor, Ivan Lenoire (Pascal Demolon) venido a menos cuyo familia se largó a Los Ángeles hace cinco años y un exitoso director médico con extensa familia pero que tiene problemas con la erección como le ocurre a Romain (Ramzy Bedia) , etcétera. 

A todos ellos les tocará vivir un viaje interior en esta terapia liderada por una impredecible mujer , Omega (Marina Hands) que está a punto de cambiar sus vidas . Han de seguir una terapia de grupo en plena naturaleza. Este misterioso taller, "exclusivamente reservado para hombres", se supone que hace milagros. Se trata de una pretendida comedia que no es ni especialmente divertida ni tampoco muy emotiva.

Durante el curso de la película los actores irán dejando sus dudas, incertidumbres y miedos a un lado pasando de ser un grupo de imposible cohesión a un grupo de amigos. 

Se trata de una película en la que está involucrado el productor Olivier Delbosc, a través de Curiosa Films y en coproducción con France 2 Cinema , Marvelous Productions, Ouille Productions , Umedia que invirtieron en ella 5,61 millones de euros. El rodaje de la película tiene lugar principalmente en Drôme desde mediados de agosto hasta mediados deseptiembre 2019. Algunas escenas de la película también se rodaron en Ile-de-France.

En enero de 2022 fue presentada en el desconocido para mi Festival de Cine d´Alpe d´huez, Los diálogos están bien. Presenta algunas situaciones divertidas como la de las setas alucinógenas. Hay buenos trabajos individuales en esta comedia coral que pretende ser conmovedora y bienintencionada y nos coloca a los hombres en el centro de un universo emocional y del que habitualmente quedamos relegados. Para pasar un buen entretenido, aunque no tronchante. 

Una mujer de París

En mi línea, y como procuro hacer todos los años, siempre veo una película centenaria. En este caso la seleccionada ha sido Una mujer de París, una película de Chaplin, pero de un Chaplin distinto, pues aparece únicamente como director y guionista- fue la primera vez que apostó por ello- y además lo hace en un género contrario a la comedia, el género que lo había hecho alcanzar el Olimpo cinematográfico por otro bien distinto: un drama. Se trata de un drama romántico impregnado de un realismo que escandalizó a la puritana sociedad de su época. Mostraba algo que existía pero que prefería ignorarse como que en el París de inicios del siglo XX, el París bohemio, había mujeres, cortesanas de lujo que vivían como amantes de hombres ricos. En definitiva estamos ante un rareza, a la que suma otra, descubrir a un Adolphe Menjou, uno de los grandes actores franceses del cine clásico como un galán del cine mudo.  

A Woman of Paris: A Drama of Fate (Una mujer de París: un drama del destino, - aunque en un principio, iba a titularse "Destino" o "La mujer inmortal"- nos dice Chaplin en una cartela que es un "drama serio". 

Comienza mostrándonos a una joven, Marie St. Clair (Edna Purviance), y a su novio, Jean Millet (Carl Miller), que viven en una aldea francesa que desean trasladarse a París para casarse, aunque sus respevctivas familias, especialmente sus padres, se oponen a ello. De hecho, el padre de ella (Clarence Geldart) cuando ve que su hija está dispuesta a irse con su novio le impide la entrada al hogar familiar. El padre de Marie ya había encerrando a su hija en el cuarto para que no escapara, y cerrando la ventana para que no pueda volver. 

Cuando regresa de su paseo con Jean le cierra la puerta de su casa abandonándola a su suerte. Todo ello incita a que Marie y Jean adelanten sus planes para salir esa misma noche en la que todo comienza. 

Pero antes de partir Jean de su casa, el padre (Charles K. French), tras discutir con su hijo, enferma de inmediato, lo que impide que puede acudir a la estación de tren; sin que ella conozca los motivos de la ausencia. Ante la ausencia de Jean en la estación ella parte a París sin su prometido. 

Un año después, ella se ha adaptado a la vida bohemia de París, una ciudad en la que la fortuna y la suerte lo es todo, y donde "la mujer se juega la vida". Vemos que Marie, en un ambiente de  decadente riqueza en la que gigolós cenan con mujeres mayores y chicas jóvenes con hombres mayores, se ha hecho amante de un hombre rico y "ocioso", gourmet, el "soltero más rico de París",  que gusta salir con muchas mujeres: Pierre Revel (Adolphe Menjou). Vemos que ella se ha lanzado a una vida fácil, de lujo y fiestas y acompañantes diversos. 

Un día ella, ignorante de que Pierre ha anunciado en prensa su boda con una chica de la alta sociedad, es invitada a una fiesta en el Barrio Latino, pero se equivoca de dirección y se encuentra con Jean, que ahora está en París trabajando como pintor y viviendo junto a su madre. Éste, que vive en la pobreza, la invita a entrar a su casa estudio y le pide que le deje pintarle un retrato. Tras esto ella sale del estudio y se marcha a casa. 

A la mañana siguiente Jean se persona en el lujoso apartamento de ella. Allí ella le pregunta el por qué del brazalete negro y Jean le cuenta la razón por la cual no había partido junto a ella: su padre había muerto, lo que le impidió emprender el viaje. En ese momento se persona Pierre en la casa y ella oculta al pintor. Con todo sigue mostrándose fría con él. 

El inicia el cuadro de Marie, que a pesar de salir regularmente con Pierre, de cualquier manera sigue algo enamorada de Jean, quién un día le propone reiniciar lo que habían tenido. Ella, no se sabe muy bien la razón,  parece aceptar la petición de matrimonio. Pero ya nada es lo que era ya que las cosas han cambiado y ellos han perdido la inocencia del amor puro, más aún siendo "la otra" de Pierre.  

Sin embargo, Marie, que parece no saber lo que quiere, oye una conversación de Jean con su madre (Lydia Knott), que no quiere que se case con la chica, a la que afirma no querer casarse con Marie y que si lo hizo se debió a un momento de debilidad. Ante lo que escucha ella vuelve con Pierre, aunque éste ya ha buscado alguna sustituta de Marie, entre sus amistades y las de ella como Paulette. 

Cuando Jean se entera de que ha vuelto con Pierre, introduce las balas en un revolver y va a enfrentarse a éste en un restaurante habitual al que va Pierre junto a Marie, y tras una breve y escandalosa escaramuza con las manos, Jean sale al vestíbulo sacando un arma de su abrigo y se suicida. 

Tras esto vemos que Marie regresa al campo y vive con la madre de Jean, cuidando huérfanos. Un día, montada en una carreta, se cruza en un camino con un coche en el que viaja Pierre, que no la ve y le cuenta a un acompañante que nada ha vuelto a saber de Marie. Parece que se van a encontrar pero no. Solamente los vemos yendo en direcciones opuestas en vehículos contrapuestos y compañías distintas, acabando así la película. 

Fue la primera película de la United Artist , productora y distribuidora creada entre otros por él mismo que dirigió Chaplin sin actuar - en colaboración con A. Edward Sutherland - , producida con entera libertad y aportando la música de la película, junto a Louis F. Gottschalk, lo que podría explicar que no hiciera la recaudación de taquilla habitual en las de este cineasta, únicamente 634 000 dólares estadounidenses, porque el público no se imaginara una película suya sin él. 

Fue rodada entre agosto y noviembre de 1922, y parece ser que Chaplin comenzó a escribir un esbozo de argumento, ya que rodó la película sin un guion previo, fiándose más de su intuición. 

Rechazada por escandalosa, parece ser que fue prohibida en quince estados de los EE.UU, y no aclamada por el público de la época, pero apreciada por cineastas como Lubitsch. 

Se rumorea, no obstante, que representa a un mensajero (del que no se ve el rostro) que deja un paquete en una escena del filme. 

Tras su fracaso la película salió de los circuitos de distribución y permanecido en el armario del cineasta por más de medio siglo. No obstante, Chaplin la restauró dos años antes de morir con una nueva banda sonora. También suprimió un rótulo inicial que decía: “La humanidad no se compone de héroes y villanos, sino de hombres y mujeres, y todas sus pasiones, buenas o malas, les han sido dadas por Dios. Su pecado es sólo ceguera y el ignorante condena sus errores, pero el sabio se apiada de ellos”. 

Se dice que esta película tuvo dos finales diferentes. Para el público estadounidense, - la que yo he visto- un final moral: Después del suicidio de Jean, Marie dejó París con su madre y comenzó un pequeño orfanato (intertítulo, «el secreto de la felicidad está al servicio de los demás». Para el público europeo un final inmoral con Marie volviendo a su vida de rica ociosidad con Pierre. El caso, sin embargo, es que el público no estaba dispuesto a prescindir de la diversión que les proporcionaba el personaje de Charlot y, a pesar de que se avisaba al comienzo de la proyección que "en la película no trabaja Charles Chaplin", 

Una mujer de París fue un considerable fracaso comercial. Pero de la misma se puede destacar la brillante puesta en escena con la dirección artística de Arthur Stibolt, rodándose en los Estudios Chaplin de Hollywood, siendo el primer film en utilizar un decorado de cuatro paredes y techo, para dar sensación a los actores de estar dentro de una auténtica casa. 

Se rodaron igualmente algunas escenas exteriores filmadas en los apartamentos Ansonia y Lake Street (Los Ángeles), recreando el lujo de la clase alta, sus lujosos restaurantes, apartamentos, mansiones, vestimentas, todo bien la fotografiado por dos de sus colaboradores: Roland Totheroh (“La quimera del oro”), y Jack Wilson (“El chico”). 

La actriz principal es la joven Edna Purviance, en el último trabajo que hizo para él. La fotografía fue labor de Roland Totheroh y el montaje de Monta Bell, pero la película fue un trampolín en su trabajo para Adolphe Menjou. 

Se trata de un melodrama sencillo con redención final de la protagonista que contiene una crítica a la hipocresía, la vida sin sentido de los que todo lo tienen, el clasismo, el conservadurismo, el mundo de ricos y de pobres, en la que el jefe de servicio cuando le sirve trufas a los ricos les dice que son "una manjar para los cerdos (las trufas) y los hombres" en el que destacan la sensible Edna Purviance, como Marie, - se dice que hizo esta película para promocionar a Edna Purviance a su carrera en solitario - y un Adolphe Menjou, un hombre rico, un crápula, un millonario frívolo, un mujeriego empedernido y soberbio que aplica en cada sonrisa y un movimiento de cejas le da un toque de superioridad. 

Técnicamente nos regala algunas escenas magistrales de síntesis como la caída al suelo de la pipa humeante del padre de Jean para expresar la gravedad de la situación o la elipsis que vemos al final, una vez ocurrido la muerte de Jean o la llegada del tren únicamente a través de las luces y sombras que se reflejan en ella. 

Esta película se suma a otros dramas posteriores como "Monsieur Verdoux", "Candilejas" y "Un rey en Nueva York", películas que he visto en estos dos últimos meses. 

El propio Chaplin en su autobiografía, afirmaba: "Algunos críticos afirman que la psicología no podía expresarse en la pantalla muda; que una acción clara como, por ejemplo, el héroe apretujando bellas damas contra troncos de árboles y aspirándoles hasta las amígdalas, o bien el tirarse sillas a la cabeza en las escenas de riñas, eran sus únicos medios de expresión. Una mujer de París, fue, por lo tanto, un reto." Afortunadamente en 1976 la recuperó para todos nosotros y su nieta Kiera  Chaplin la restauró este mismo año donde fue presentada en la Berlinale, y cien años después he podido disfrutarla. 

Otra ronda

Druk es la historia de cuatro profesores de instituto escrita y dirigida por Thomas Vinterberg en 2020, que se embarcan en un experimento sociológico en el que cada uno de ellos deberá mantener la tasa de alcohol en su cuerpo al mismo nivel, durante su vida diaria, intentando demostrar de esa manera que pueden mejorar en todos los aspectos de su vida.

Esta película se llevó al oscar en el año 2021 a la mejor película extranjera así como cuatro premios del cine europeo entre ellos mejor película mejor director mejor guión y mejor actor así como la Concha de Plata al mejor actor para los cuatro protagonistas en un festival de cine de San Sebastián así como infinidad de galardones.

Presentada como comedia dramática o drama con tono de comedia según se mire que se convirtió en una de las grandes triunfadoras del año 2021.

Dirigida por el danés vinterberg y protagonizada por Mads mikkelsen la película se se centra en cuatro profesores de secundaria que siguiendo la teoría de que una ligera envidia guezez abre la mente disminuye los problemas y aumenta la creatividad se embarcan en un experimento para mantener un nivel constante de alcohol en sangre durante su jornada laboral.

Una celebración de los altibajos de la vida con el exceso de alcohol como telón de fondo y un mensaje totalmente abierto. 

Babylon

Excesos del viejo Hollywood, antes de la introducción del Código Hays, cuando el "Jardín" era -o parecía- ser una ciudad llamada malicia. Por esa ciudad californiana pululan estrellas sin voz del firmamento cinematográfico

El almirante: mar de fuego

 

El cine coreano está de moda. Un ejemplo lo tenemos en ver como su cine, en cualquier género, nos va llegando poco a poco. En lo que nos llega hay película de la década pasada que hubiesemos ignorado, posiblemente, pero que hoy se ven. Simplemente, por ser cine coreano. Este al igual que el cine ruso o el chino de hoy tienen, según creo, una componente nacionalista sobre todo en su cine histórico. Este es el caso de Myeong-ryang, una película del año 2014, con el título y que nos ha llegado con el nombre de El almirante: Mar de fuego o en inglés , The Admiral: Roaring Currents. 

Su director es Kim Han-min hy nos cuenta básicamente la historia la del intento de Japón de apoderarse de Corea en la última década del siglo XVI, ya que la renacida Japón pretendió lanzarse a la conquista de todo oriente, comenzando por Corea del almirante Yi Sun-Sin (1545-1598), aquí Choi Min-sik, el militar más venerado por los coreanos. 

En la Batalla de Myongnyang (1597), con tan sólo 13 barcos, venció a la armada japonesa, compuesta por unas 300 naves al mando del comandante Kurushima (Ryu Seung Ryong). Una hazaña sin precedentes en la historia militar mundial. Esta película narra los preparativos y la batalla naval de Myeongryang (1597). 

Al comienzo de la batalla en su base en Haenam, los invasores japoneses bajo el mando de Tōdō Takatora confían en que su planeada expedición a Hansong para capturar al Rey Seonjo tendrá éxito. Sin embargo, la disminuida flota coreana cuenta con el intrépido y temerario almirante Yi Sun-sin, quien se enfrentaría al japonés Kurushima Michifusa, quien no goza de demasiado respeto por los demás Daimios por su pasado como pirata. 

Durante la batalla Yi Sun-sin logra superar todas las amenazas repeliendo varios abordajes simultáneos de los japoneses sin ayuda de los demás capitanes, a un ninja al servicio de Michifusa entrenado como francotirador específicamente para eliminarlo, un brulote - una embarcación plana,  cargado al máximo de pólvora y lanzado contra su galera, su idea de disparar una andanada con toda su artillería para quitarse de encima al enemigo.

La acción contra esta nave revitaliza la resistencia y anima incluso a los remeros a unirse al combate en la cubierta, mientras los campesinos y pescadores salen en su socorro, cuando la traicionera corriente marina lo arrastraba ya que se había deshecho de las anclas antes del combate.

Por el lado japonés varios comandantes, por sus propios prejuicios y prefiriendo salvar los escuadrones a su mando, deciden dejar a su cuenta y riesgo a Michifusa, y éste, desesperado, decide enfrentarse directamente al barco de Yi Sun-sin y lo busca en el fragor de la batalla, siendo decapitado por el almirante no sin recibir antes una lluvia de flechas y espadas.

Las demás galeras coreanas salen finalmente a socorrerlo lo que provoca una reacción de fuga por parte de los japoneses.

La victoria resultó tan espectacular que los aldeanos que la presenciaron desde tierra reverenciaron al almirante con júbilo. 

La película producida por CJ Entertainment y Big Stone Pictures, parte del guion escrito por Jeon Cheol-hong y el propio director, Kim Han-min, curiosamente cuenta con la música y la fotografía de la misma persona, Kim Tae-seong. El reparto está compuesto por Choi Min-Sik (almirante), Ryu Seung-Ryong y Cho Jin-Woong, 

Esta cinta que se estrenó en las salas de cine de Corea del Sur el 30 de julio de 2014, logró ser la más más exitosa de su país, al superar los 15 millones de espectadores y recaudó más de cien millones de dólares.

En los Blue Dragon Film Awards, los premios del cine coreano, del año 2014 obtuvo dos premios Mejor dirección (Kim Han-min) y Premio del Público, siendo nominada en otras categorías como Mejor película, Mejor actor (Choi Min-sik)- actor que interpretó Old Boy y Lucy-, Mejor fotografía y Mejor música con un alto sentido múiscal de lo épico por partida doble para Kim Tae-seong, mejor dirección artística (Jang Choon-seob) y Premio técnico. 

En cuanto a la crítica decir que es mixta. Ben Kenigsberg de The New York Times escribió sobre ella que "La película ya es un éxito en Corea del Sur, pero carece del interés de los personajes que podría hacer que se conectara en otros lugares". 

Martin Tsai de Los Angeles Times elogió los efectos especiales, afirmando: "Las batallas navales son absolutamente épicas, más realistas que las presentadas en Red Cliff de John Woo o Master and Commander: The Far Side of the World de Peter Weir". 

William Schwartz del portal HanCinema declaró sobre el director: "Aunque la película tiene los rasgos obvios de una historia patriótica sobre la hora más oscura de la historia de Corea, el director Kim Han-min decide sabiamente centrarse en el factor miedo".  

Lewton Bus en VyceVictus, afirmó que "The Admiral es un buen ejemplo de esas cualidades en la batalla, y una excelente muestra de una de las grandes batallas navales de la historia de la que la gente de todas las naciones puede aprender".

David Noh de Film Journal International elogió el largometraje de la siguiente manera: "Un gran éxito de taquilla en el extranjero, esta epopeya en todos los sentidos impresiona por su gran masa y volumen". 

A destacar la coreografía, el ritmo trepidante, la acción, los combates, la música, el derroche de medios, de efectos especiales de extras, de maquillaje, ambientación, la recreación de las naves de la época, la estrategia naval. Como la he visto con subtítulos llama la atención las actuaciones propias del cine oriental, muy artificioso, con gusto por remarcar la corporeidad y las expresiones faciales con muchos primeros planos. 

Para conmemorar un aniversario del nacimiento del almirante, Kim y Jung Se-kyu hicieron un documental, en el 2015, en el cual los protagonistas de la cinta del 2014 realizaron la travesía de 450 kilómetros que hizo el almirante para preparar la batalla

Por último, señalar que a esta siguió otra estrenada en 2022 y que lleva por título Hansan: Rising Dragon. Se trata como esta de una película bélica surcoreana  dirigida por Kim Han-min. Viene a ser la segunda película de la trilogía de Kim sobre batallas lideradas por Yi Sun-sin.