jueves, 30 de abril de 2015

La segunda caída


A finales del año 2013 tuve la fortuna de disfrutar de una serie de televisión norirlandés que entró en mi círculo visual sin hacer grandes ruidos y resultó una de las grandes sorpresas de ese año, y , a nivel de difusión, al siguiente año. Se trataba de una serie tan dramática como policíaca que nos anunciaba una caída, en concreto, en Belfast, la de la aparente locura de un psicólogo de oscuro pasado y criminal presente y una inspectora de policia no menos traumatizada, pero determinada a acabar con este asesino en serie de mujeres. La serie que era producida por Gub Neal y Julian Stevens, y que contaba como productores ejecutivos al director y guionista Allan Cubitt, asíi como Patrick Irwin y Justin Thomson-Glover.
La serie se había estrenado en Irlanda el 12 de mayo de 2013 por la cadena RTÉ One, y en el Reino Unido al día siguiente en la BBC Two y estaba protagonizada por la actriz estadounidenses Gillian Anderson y el actor británico (norirlandés) Jamie Dornan y Gerard McCarthy como Kevin McSwain, Archie Panjabi como Paula Reed Smith, Emmett Scanlan como el inspector Glenn Martin y Karen Hassan como Annie Brawley. Más tarde se anunció que Niamh McGrady, Bronagh Waugh, John Lynch, Simon Delaney y Séainín Brennan se había unido a la serie. Os recuerdo que el 3 de febrero de 2012, BBC Two anunciaba que realizaría The Fall , una miniserie de cinco episodios.

La serie fue escrita por Allan Cubitt y producido por BBC Two y la BBC de Irlanda del Norte, con financiación de North Ireland Screen y el Fondo Europeo de Desarrollo Regional. La primera serie sería filmada en Belfast, entre marzo y junio de 2012. El 21 de octubre de 2013, se anunció que Jakob Verbruggen no regresaría a dirigir la segunda temporada de The Fall, siendo su sustituto Allan Cubitt que inició su trabajo en febrero de 2014.

Se dice que el guionista Allan Cubitt se inspiró en marcas de guitarra eléctricas para nombrar a algunos de sus personajes como son Gibson, Spector, Martin, Hagstrom, Eastwood, Stagg, Kay, Paul Reed Smith, Breedlove y Burns, Bacon & Day todos nombres de los fabricantes de guitarras eléctricas.

Ya sabemos que la historia de The Fall comienza cuando la detective superintendente Stella Gibson (Gillian Anderson) del Servicio de Policía Metropolitana (conocido popularmente como Scotland Yard aterriza en Belfast, la capital de Irlanda del Norte, para investigar el asesinato de una joven arquitecta. La investigación del asesinato está estancada desde hace tiempo y los detectives están perdidos al respecto.
Sabemos que Gibson ha sido transferida temporalmente al Servicio de Policía de Irlanda del Norte (PSNI por sus siglas en inglés, la policía autónoma regional de Irlanda del Norte) para que realice una inspección de la investigación policial del crimen, para ver sí ha habido fallos en la misma y eventualmente establecer una nueva línea de investigación que conduzca a la resolución del crimen.
Nada más llegar Gibson es advertida por el Jefe de Policía Auxiliar de la PSNI, Jim Burns (John Lynch) , antiguo amante de Stella, por si hay componentes políticos como todo lo que ocurre en Irlanda del Norte Paralelamente, desde el mismo inicio del episodio Piloto se da a conocer que el responsable del crimen es un asesino en serie, un depredador sexual, llamado Paul Spector (Jamie Dornan); un psicólogo casado y con dos hijos pequeños, que lleva una doble vida y que trabaja como ‘consejero de duelo’.
Gibson pronto establece una relación entre el crimen de la arquitecta y otro anterior que había pasado desapercibido al PSNI, y deduce que se trata de un asesino en serie que persigue a mujeres jóvenes y bellas, de alrededor de treinta años de edad y profesionales. Mientras tanto Spector con una vida diurna muy convencional investiga y acecha a sus próximas víctimas.
La historia se desarrolla entre la caza del asesino por parte de Gibson y la caza de sus víctimas por parte de Spector, mostrando un paralelismo entre la detective y el asesino, cada uno sumido en su propia y particular caza. 'The Fall fue una de las series que mejor acogida recibió entre las estrenadas por BBC Two el año pasado.

En marzo de 2015 se daba a conocer que The Fall - según, The Guardian y Variety- , tendría una nueva temporada por parte de la BBC. Las expectativas para la segunda temporada estaban muy altas, después de la primera entrega pues fue el mejor estreno para el canal BBC Two en casi una década, siendo vista por más de tres millones de personas. También marcó un exitoso regreso para Gillian Anderson a la que también seguimos en Hannibal como la psicoterapeuta.

Esta segunda temporada se presentó en la República de Irlanda, así como en Irlanda del Norte y el Reino Unido en diciembre de 2014.

La producción de la segunda temporada terminó en junio de 2014. En esta segunda temporada , además de los tres actores citados - Gillian Anderson, Jamie Dornan y John Lynch- que llevaron el peso de la temporada anterior asumen un mayor protagonismo , se le suman Bronagh Taggart y Colin Morgan como los Detectives Gail McNally y Tom Anderson, así como Stuart Graham como el inspector ayudante Eastwood. También asume más papel Niamh McGrady como la agente Danielle Ferrington la mano derecha de Stella.

En esta segunda temporada se incorporó en abril de 2014 el actor irlandés Colin Morgan se unió al elenco para el papel del sargento Tom Anderson, Allan Cubitt se mantiene como productor ejecutivo, como director de los seis episodios y como guionista de los mismos, a saber "Walk the Line" , "One Named Peter", "It's Always Darkest" , "Strangler", "The Fall" y "In Summation".

Con "Walk the Line" volvemos a la historia dejada en la temporada anterior. Se inicia diez días después de la llamada telefónica del asesino, a la superintendente Gibson. Esta , a su vez, intenta ayudar a la última víctima de Spector, Annie Brawley para que recupere la memoria y sobre todo los recuerdos del ataque que la dejó hospitalizada.
Por su parte la doctora Rose Stagg (Valene Kane), recibe la llamada de Stella Gibson pues está interesada que haga una declaración formal sobre su aventura con un chico en la universidad que casi le lleva a la muerte. Ella es la persona que ha descrito la imagen que , posteriormente, se ha transformado en imagen robot del asesino en serie.
Rose, de esta forma, es colocada en el centro del huracán del caso, obligándola a revelar los secretos de su pasado a su marido, por entonces novio, Tom (Jonjo O'Neill).
Mientras tanto, después de una ruptura con su mujer, Sally-Ann, Spector vuelve a Belfast desde Escocia para atar cabos sueltos.
El retorno a Belfast del asesino reavive el interés de Katie sobre Peter, y para consternación de su esposa embarazada, que cree que su marido violó a Katie, la niñera de sus hijos, y es la causa de la ruptura matrimoniall.

 "One Named Peter" es el segundo capítulo. Mientras que Stella asume la dirección de la Junta de Vigilancia del PSNI, el equipo sufre algunos cambios que llevan a inspector Eastwood (Frank McCusker) a ser asignado como adjunto de Stella.
El jefe del la PSNI, Gibson, declara la investigación se centrará en un solo individuo que por cierto , sigue siendo un desconocido para la policía, aunque el círculo se va cerrando en parte por la inmediata declaración de Rose Stagg.
 Spector , conocedor de su posible identificación, entra en la casa de Rose Stagg, y a esar de que es descubierto por la hija de Rose, la engatusa con un trabalenguas y secuestra a la doctora.

"It's Always Darkest" es el tercer capítulo. En este episodio Gibson siente responsable del secuestro de Rose , al igual que la forense, que Reed Smith que fue la persona que le pasó la información sobre Rose. Quedan en verse
Por su parte, Stela ordena una extensa vigilancia sobre el sospechoso, al que se identifica sobre Peter Spector y su familia.
Tras ir de cena Gibson y Reed Smith comparten un momento íntimo, pero la médico no quiere ir a más y , a pesar de acompañarla a su hotel, opta por irse. Stela sube sola a la habitación, aunque desconoce que Peter está dentro, que ha entrada para conocer a su perseguidora.

De hecho ha escrito en su diario, que previamente ha leído para conocer sus debilidades. En esto que el jefe Jim Burns se presenta. Está angustiado por sus errores al filtrar información de un caso de la temporada anterior (Morgan Monroe y su hijo). Además quiere sexo con Stella y agresivamente intenta besarla, pero ella lo mantiene a raya.

Mientras tanto, Spector convence a Katie para que le ayude en sus crímenes. Stela descubre que Spector quiere jugar al gato y al ratón con ella. Es algo personal.

"Strangler" es el cuarto episodio. El equipo de vigilancia coordinado por Gibson empieza a seguir a Spector y su familia. De hecho se centra en la casa de Spector. Los investigadores Martin (Emmett J. Scanlan) y McNally (Bronagh Taggart) encabezan un equipo asignado para la instalación de cámaras de circuito cerrado y micrófonos en la casa del sospechoso, una tarea que tiene consecuencias inesperadas al caerse el techo del cuarto de matrimonio.
Mientras esto ocurre aparece en el monte el cuerpo de una mujer joven que , a grandes rasgos responde a la descripción de Rose Stagg, por lo que Stella Gibson aprovecha la oportunidad para utilizar el cuerpo de la joven chica – que resulta no ser la doctora Rose- por lo que convence al detective Tom Anderson (Colin Morgan) para engañar al asesino en serie tras sus imprecisas declaraciones a la prensa.
Mientras tanto, Spector vuelve a casa para encontrar su casa destruida por el operativo policial fallido. Al pedir a su mujer que se fuese a casa de su madre, viendo el desaguisado formado por la policía – que por cierto, no ha descubierto sus cuadernos que vimos en la primera temporada contacta con Katie.
La chica cada vez más alienada por su enamoramiento de Peter. Katie se ofrece a preparar una falsa coartada para el asesino, buscando en Internet información sobre los asesinatos y describiendo en un falso diario sus vínculos afectivos con Peter. Éste le explica la fealdad del mundo y le pide que disfrute de una deformidad intentando convencer a la Katie en hacer daño a su mejor amigo.

El quinto episodio es "La Caída", es decir, The fall. Stella sigue supervisando el asesino, mientras que Burns visita a un viejo conocido, un sacerdote pederasta en prisión desde hace años por abuso de niños (Sean McGinley) ya que puede haber tenido contacto en su juventud con el sospechoso.
El sacerdote no le cuenta gran cosa, pero entre ambos saltan chispas y , finalmente, accede a dar alguna información Por su parte, la agente Ferrington recibe un disparo, pero el chaleco antibalas lo amortigua. Mientras tanto, mientras que Katie trabaja para destruir pruebas en el hotel en el que se aloja Spector. Por su parte, Hagstrom (Kelly Gough) encabeza un equipo para interceptarla y detenerla.
Por su parte, Martin y McNally arrestan Sally Ann, mientras que Anderson arresta a Spector y le acusa del secuestro de Rose Stagg, entre otros muchos delitos. Stella supervisa el progreso de las entrevistas realizadas, tanto a Katie realizada por Tom Anderson (Colin Morgan), como a Sally Ann como a Spector. Mientras esto se produce descubren un par de vides, uno sexual de la relación a distancia entre Katie y Paul, y otro, sorprendente. Se trata este último de un video que muestra a Rose suplicando por su vida, con la cara del sospechoso claramente en la cámara.
El equipo de búsqueda, por su parte, descubre el coche quemado de Spector con pruebas contradictorias dentro de él.

"En resumen" o "In Summation" es el último episodio – y el de más larga duración, noventa minutos- de esta magnífica temporada. En el mismo vamos descubriendo el por qué que ha llevado a Paul a cometer sus crímenes, siempre vinculado a un pasado de pérdida en su infancia, pero también el de Stella vinculado con los sentimientos hacia su padre. Son dos mundos que chocan y qe acaba con un cara a cara entre Stella y Spector.
Este último accede a ayudarle a decir el paradero de Rose. Mientras esto se produce un policía pasa la información de que un convoy policial se dirige a un bosque cercano a la capital norirlandesa.
Al mismo se desplaza el periodista, así como el activista del IRA que odia profundamente a Paul, y al que responsabiliza de la separación con su esposa. Mientras que Stella se desplaza por el bosque buscando indicios, el miembro del IRA se va acercando a Paul.
Finalmente, el coche de Rose es localizado y en su portamaletas aparece el cuerpo casi sin vida y helado de Rose. Accede a ese punto los policías y ambulancias que intenta recuperar de la muerte a Rose, mientras Stella se desplaza cabizbaja al lugar en el que se encuentra Paul. En ese momento, el del IRA se aproxima y dispara a bocajarro sobre el policía que lo custodia, Tom Anderson (Colin Morgan) y sobre Paul, acabando así esta magnífica segunda e intensa temporada.

Se trata de una serie premiada en sus dos temporadas. En esta última ha sido nominada en los Satellite Awards a la mejor actriz de televisión (Gillian Anderson) y a la mejor serie de televisión (The Fall).

En el 2014 obtuvo importantes premios en el Irish Film and Television Awards a la mejor serie de televisión, al mejor actor (Jamie Dornan) y al mejor Original Score (Film / TV Drama) para David Holmes, una noninación para Jamie Dornan en los BAFTA 2014, y en la National Television Awards dos nominaciones a Gillian Anderson a la mejor detective y al mejor Drama y en los Broadcasting Press Guild Awards ganó Jamie Dornan, mientras fue nominada Gillian Anderson y Allan Cubitt como guionista, premio que consiguió en los Edgar Allan Poe Awards. En 2013 la nominación fue en los Crime Thriller Awards para Gillian Anderson.

Se trata de una serie pausada, intrigante y llena de matices, con planos que se detienen en los rostros o en los detalles de los dibujos. Para algunos es el thriller del momento, en el que destacan sus dos espectaculares protagonistas, especialmente Gillian Anderson con su Stella Gibson, y con Jamie Dornan como el psicópata Paul Spector, magníficamente acompañados por la bella Archie Panjabi.
En esta segunda temporada el trasfondo del IRA y el de la corrupción policial y política pasan a un muy segundo plano a lo largo de los aproximadamente 400 minutos de esta segunda temporada. Espectacular cara a cara entre Stella y Paul en este último episodio en la que los planos se van enfrentando entre sí para buscar el más intimo detalle de esta magnífica serie que volverá el próximo año.

Zombies en la Habana Vieja


Es la primera presencia del cine cubano en este blog. No es que no haya vista nunca mucho cine cubano. De hecho recuerdo como me vi algunas película del influyente cineasta cubano Tomás Gutiérrez Alea, apodado Titón, y Juan Carlos Tabio especialmente su Fresa y Chocolate, película del año 1993, con Mirta Ibarra – creo que era su esposa- Jorge Perugorría y Vladomir Cruz, allá por los noventa en el último cine de pantalla gigante, el Santa Rosa, o su último trabajo, Guantanamera (1995) , un año anterior a su muerte. Desde entonces el cine cubano se limitaba a la enseñanza, allí se formó Benito Zambrano, el director de Solas, o a la referencia literaria de un amante del cine como Guillermo Cabrera Infante , recogido por ejemplo en su libro Cine o Sardina. No mucho más, hasta la sorpresa del día de ayer: Juan de los Muertos.

Se trata del primer filme cubano de zombis, aunque en realidad es una comedia de terror con cargas de profundidad a la realidad política que se vive en la isla. 
La película está dirigida por Alejandro Brugués y es del año 2011. Realmente hablamos de una coproducción en la que participan Alejandro G. Tovar y Laura Alvea como directores de la misma y Gervasio Iglesias, Inti Herrera y Claudia Calviño en la producción ejecutiva, siendo asumida por las productoras La Zanfoña Producciones (España), Producciones de la 5.ª Avenida (Cuba), y con la participación del ICAIC, Canal Sur y Televisión Española. 
La película sigue el guión de Alejandro Brugués En el apartado técnico destacar la labor de Carles Gussi en la dirección de Fotografía, el montaje o la edición de Mercedes Cantero, la música original de Sergio Valdés,a dirección artística de Derubín Jácome, el diseño de vestuario de Esther Vaquero, el sonido de Sonido: Daniel de Zayas, además de Olga Sánchez como asistente de Dirección y Vanesa Portieles como jefa de producción. A estos se suman y más tomando como referencias una película de zombies la supervisión de los efectos especiales por parte de Juan Carlos Sánchez, los efectos de maquillaje de Cristian Pérez Jauregui y Marco Hernández., el maquillaje de Catalina Montero. 
Del elenco de actores y actrices que fueron seleccionados por Libia Batista comno dirección de casting destacan Alexis Díaz de Villegas (Juan, el protagonista y que da nombre a la película), Eliécer Ramírez (El Primo), Andros Perugorría (Vladi California), Jorge Molina (Lázaro), Jazz Vilá (La China), Andrea Duro (Camila), Antonio Dechent (el americano). Además de ellos, Blanca Rosa Blanco, Elsa Camp, Luis Alberto García, Susana Pous. 

La película empieza con Juan (Alexis Díaz de Villegas) y Lázaro en un rosco de aire frente a las costa de La Habana cuando encuentra el cuerpo de un naufrago. Al aproximarlo a la barca descubren que el cadáver está vivo.
Tras el susto inicial regresan a su casa. Juan tiene cuarenta años, de los cuales la mayoría los ha dedicado a vivir en Cuba sin hacer absolutamente nada. Ese es su modo de vida, y está dispuesto a defenderlo a cualquier precio, acompañado de su socio y compinche, Lázaro (Jorge Molina), otro perdedor, que es igual de vago pero el doble de tonto y vacío de cariño femenino, que no aspira a nada. . Nada más arribar al malecón marchan a casa. De camino vamos descubriendo a sus amigos. 
Ya en la vivienda nos enteramos que Juan tiene algún que otro rollo con chicas del vecindario, pero que también muestra un gran corazón ayudando a sus vecinos, especialmente a una anciana a la que lleva la bolsa de la compra y la saca del ascensor. No tienen grandes vínculos emocionales, salvo con hija Camila (Andrea Duro), una joven y bella muchacha española que vive con su madre en Madrid, pero que mientras está en La Habana está con su abuela, la suegra de Juan del que no tienen ninguna consideración positiva. La chica, Camila, por su parte no quiere saber nada de su padre porque lo único que él hace es o nada útil o meterse en problemas dando golpes de poca monta y tirándose a las vecinas. De pronto comienzan a suceder una serie de extraños acontecimientos. Empezando por el marido de la anciana vecina, que aparentemente ha muerto. 
Cuando está siendo auxiliado por Juan y Lázaro, el viejo revive. Ante la sorpresa, decide Juan llamar a una ambulancia , pero el anciano se ha puesto de pie – a pesar de llevar veinticinco años en silla de ruedas – y avanza hacia la anciana, Juan y Lázaro. Este último le lanza un arpón acabando tanto con él como con su esposa. 
Ya en la calle descubre que el fenómeno se ha generalizado. Caen vecinos por la ventanas, algunos atacan a otras personas violentamente y se atacan unos a otros. Después de algunas dudas, Juan llega a la conclusión de que se trata de zombies – o disidentes como les llama Lázaro- . Es una horda de zombis ávidos de carne humana la que asola las calles de La Habana. Se extiende el rumor de que los responsables de la situación son grupos al servicio de los Estados Unidos. 
Tras salvar a su hija Camila- no sin dificultades, enfrentándose a su suegra y a unos zombies voraces que suben por las fachadas- agrupar a su alrededor a una variopinta fauna formada por Lázaro, su ¿adolescente hijo? Vladi California (Andros Perugorría) a un inmenso musculitos de nombre El Primo (Eliécer Ramírez ), un forzudo que se desmaya ante la visión de la sangre, y a la chica de éste, un travestido llamado La China (Jazz Vilá ).
Decide que la situación es una oportunidad de negocio y que la mejor manera de enfrentarse a la situación es prosperar con ella y comienza un negocio con el slogan: 'Juan de los Muertos: Matamos a sus seres queridos'. Se ofrece a la gente para eliminar, por un módico precio, a sus familiares infectados. Eliminando a los infectados, Juan y sus amigos comienzan a hacer fortuna. 
Sin embargo, la situación se complica cada vez más. Nadie sabe de dónde proviene la infección, ni mucho menos cómo acabar con ella, mientras el gobierno cubano insiste en que son disidentes pagados por los Estados Unidos para acabar con la Revolución, al cumplir esta su 50 aniversario de la Revolución Cubana.

De hecho vamos viendo como los edificios más significativos de la ciudad van cayendo poco a poco así como los vecinos del bloque de la capital habanera. 
La Habana se ve infestada por un brote de infección zombie que se extiende sin control. La situación es tan penosa que supera lo que Juan y Lázaro llaman el Periodo Especial e incluso los marielitos.

Al encontrase cuando ya vagan por la ciudad dado que se ha acabado tanto el negocio como los alimentos y la bebida se encuentra el grupo con un americano (Antonio Dechent) , aunque muere a manos de Lázaro de forma involuntaria , a pesar de que este sigue identificando a los no vivos con disidentes y enemigos yankis.

Tras algunos avatares que llevan a la muerte tanto a La China como al Primo, al inicio de un romance entre Camila y Vladi, y a la formulación de un posible interés de Lázaro hacia Juan – y no sólo de amistad- el grupo monta con una balsa un coche. 
Sin embargo, el Apocalipsis zombie ya es total como se ve en el ataque que sufre el de los informativos y en esa inmensa presencia en la plaza de la revolución ante los ojos del Che Guevara. Juan y su grupo monta una balsa adaptando un coche, ingenio absoluta cubano para escapar, pero el herido decide dar su vida para que el grupo pueda huir.

La película acaba al sonido de “My Way” versión cubanizada del clásico de Frank Sinatra pero aquí interpretada por Sid Vicious. Y hasta allí la película. 

Mi hijo tiene un amigo cubano , al día siguiente le comentó que había visto – parcialmente- una película de zombies de Cuba. Cuando le dijo que se trataba Juan de los muertos le comentó que había una película muy famosa en la isla. 

Lo cierto es que fue una película muy premiada. De hecho en los Premios Goya 2012 consiguió el Goya a la mejor película Iberoamericana, un apartado en que también competían '7 Cajas' (Paraguay), de Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori, 'Después de Lucía' (México), de Michel Franco e 'Infancia clandestina' (Argentina). Los Goya premiaron esta particular comedia apocalíptica en la que un pequeño escuadrón tratará de huir de la isla caribeña. Se trató del cuarto Goya para el cine cubano. 

La película en el aspecto técnico y con crecer, especialmente en lo referentes a los efectos especiales, al guión que lleva la película hasta el final de manera muy ligera. Además lo hace de forma divertida, en algunos momentos, aunque en otros – el pajillero Lázaro, lo hace de forma burda- e irónica con otros, gracias o costa del conflicto entre Cuba y Estados Unidos, el gobierno castrista y al bloqueo imperialista, dejando la crítica socio-política en un amable segundo plano y siempre bajo la sátira y el chiste. Interesante es igualmente el peso del maquillaje algo tan común en el mundo zombie mediante unos maquillajes y efectos visuales en el que la sangre, las tripas, combinan bien con el tono de comedia surrealista. 
Para el productor Gervasio Iglesias “el objetivo de la cinta no es solamente la risa y la diversión ya que su trama es "muy inteligente y seguramente tendrá muchas lecturas", "Se trata de la primera producción independiente autorizada por el Gobierno cubano. Hicimos todo como se hace en una película europea, cortamos el malecón por cinco días y filmamos por las calles de La Habana sin ningún problema, al contrario, nos apoyaron mucho". 
Comercialmente fue lanzada tras el Festival de Toronto el próximo 9 de septiembre. Para Gervasio Iglesias quien dirige la productora La Zanfoña de Sevilla “hay simbolismos muy sutiles que irá descubriendo el espectador". "Yo no quería que fuera una crítica directa, hay momentos que puedes ver la sutileza, la nostalgia y el cariño con que Burgués cuenta la historia. Tiene mucho talento y es un amante del género", dice el productor que conoció a Burgués en 2008 en Guadalajara. "Me contó que tenía escrito el guión de una nueva película, me lo prestó y lo leí esa misma noche. Al día siguiente le propuse hacerla. Tenía muy buen color y era posible hacerla. Pero significaba un desafío, la idea era compleja y había muchos riesgos".
Finalmente consiguieron el permiso del Gobierno de Cuba y comenzaron el rodaje en 2010. Brugués después de recibir el galardón de manos de Marta Etura y Judith Collel, ambas vicepresidentas de la Academia de Cine declaró que "Al hacer esto han abierto una puerta para el cine independiente cubano que nadie va a poder cerrar”. "Juan de los muertos", dijo que era un Goya para todos los cubanos que hacen cine. "Los zombis han triunfado. Debería ser terrible, pero es una alegría muy grande", ha asegurado Brugués a Efe. Además, el director cubano, creyó que con esta película el cine independiente de su Cuba natal va "por un camino muy lindo" 

La película se presentó igualmente en la Sección oficial largometrajes a concurso del Festival de Sitges del 2011 y obtuvo el Premio del público en el Fantastic Fest de Austin (septiembre, 2011),. Obtuvo un segundo Premio del Público (Runner Up), y el Premio Fanomenon Audience Award en el Festival Internacional de Cine de Leeds en , así como el Premio Copa Airlines del Público a la Mejor Película del Festival Internacional de Cine de Panamá (IFF Panama por sus siglas en inglés) en abril de 2012. 

La crítica fue generosa con el filme. Para Jordi Costa en el Diario El País se trataba de una película "Desvergonzada y tonificante comedia zombi (...) no es una película redonda, pero sí una rareza a celebrar". Por su parte, Jordi Batlle Caminal del Diario La Vanguardia dijo de ella que era "Curiosa aunque a la postre fallida (...) Grotescamente paródica, el humor es basto y elemental. Su empaque es solvente y a ratos sorprendente (...). 
En ABC Javier Cortijo escribía que "El conjunto, mezcla entre videojuegos como 'Dead Island' y películas como 'Zombies party' es tan demencial, gamberro y cachondo que merece laureles desinhibidos", mientras que Carmen L. Lobo del Diario La Razón afirmaba que era "Divertida y salvaje (...) la pena es que el director no haya decidido llevar la parodia al extremo".
En Fotogramas Jesús Palacios dejaba por escrito lo siguiente: "Juega su mejor baza no gracias a unos eficaces efectos especiales, que los tiene. Ni a sus escenas de acción, más que aceptables. No la tiene en sus muertos, sino en sus vivos. En la figura de ese Juan de los Muertos y su grupo de pícaros supervivientes", mientras que en Cinemanía Andrea G. Bermejo comentaba que se trataba de "Un ejercicio de gamberrismo y autohumor al que es imposible resistirse (...) Vence su falta de presupuesto a base de valentía y frescura y gana lo que pierde (da la sensación de que el guión se ha estirado demasiado), gracias a un par de escenas de las de carcajada limpia". 
Para Jordi Revert de la butaca.net afirmaba que “Juan de los Muertos” tiene un prometedor punto de partida, pero lo que podría derivarse en una espléndida sátira político-social sobre la realidad cubana acaba diluyéndose en una caótica repetición de gags y situaciones. Para Revert ese arranque, sin embargo, pronto se revela como un chiste de corto recorrido y se diluye en una realidad tan descorazonadora como la que envuelve al expeditivo grupo de cubanos exterminadores de zombis por negocio y ralea. 
Yo opino que es una sorprendente película. Mordaz, irreverente, audaz y con dosis afortunadas de humor disidente. Tiene alguna sombra, pero entretiene. Ese ha sido mi tweet - también se escribe tuit, pero me gusta más en inglés- que he enviado a la cuenta del canal 24 horas de televisión a la carta cuando informaban que estaría hasta el próximo 13 de mayo en su programación, magnífica por otro lado.

domingo, 26 de abril de 2015

Un amish como único testigo


Es curioso ver como pasa el tiempo. Lo digo en el sentido de que Único Testigo, una película ochentera este año cumple sus treinta años, algo de lo que ya informó el programa de TVE “Días de Cine. Recuerdo que al Videoclub, en su momento, a alquilar esa película por varios motivos. La primera razón estribaba en que Harrison Ford actuaba en ella, y hasta ese momento, el que era la cara de Han Solo e Indiana Jones, no se había equivocado ni una sola vez a la hora de participar en una película. La segunda se debía al tema, un asesinato, la policía implicaba aquello prometía. También , prometía la presencia de una actriz que en ese momento tenía una carrera espléndida y además me parecía de una belleza tremenda, Kelly McGillis. 
Sin embargo, una vez vista la película lo que me capturó y la hizo imborrable fue la presencia de la comunidad amish, y su forma de vida en la coste este de los Estados Unidos y en esa década. Como dice Álvaro Pombo en la parte posterior de la carátula del VHS que fue vendido con el diario El mundo en esa colección llamada La historio más grande jamás contada (nº135), “Su elemental trama policíaca no tendría el menor interés, ni siquiera la presencia de Harrison Ford conseguirá salvarla, si no fuera porque el niño (Samuel) y su madre (Rachel) fuesen amish, colonos de origen holandés que conservan las costumbres y trajes del siglo XVII - XVIII.” Los "amish" habían pasado desapercibidos hasta entonces y descubrimos con interés a esta comunidad religiosa que vive siguiendo como vivían sus antepasados holandeses cuando llegaron a Estados Unidos. 
Witness o Ünico Testigo como se presentó en España es una película estadounidense de 1985, del género thriller, dirigida por el austriaco Peter Weir, del que hace nada vimos Gallipolli. Se trató de una producción de Edward S. Feldman de la Paramount Pictures y para su desarrollo se basó en el guión de Earl W. Wallace y William Kelley, inspirado en el relato de William Kelley, Earl W. Wallace y Pamela Wallace. 
La parte técnica tuvo igualmente peso en el éxito de la película pues contó con uno de los grandes de la época, Maurice Jarre, con la fotografía de John Seale y el montaje de Thom Noble o la dirección artística Stan Jolley y John H. Anderson. 


La película estuvo protagonizada por Harrison Ford como el Detective John Book, Kelly McGillis como Rachel Lapp, Lukas Haas como Samuel Lapp, Danny Glover como el Teniente James McFee, Alexander Godunov como Daniel Hochleitner, Josef Sommer como el jefe de policía Paul Schaeffer y Viggo Mortensen- en su primer papel- como Moses Hochleitner en los papeles principales. 
Junto a ellos Jan Rubeš como Eli Lapp - suegro de Rachel- , Brent Jennings como el sargento Elton Carter, Patti LuPone como Elaine, Angus MacInnes como Fergie, Frederick Rolf como Stoltzfus.

Rachel Lapp (Kelly McGillis) es una mujer de la comunidad amish de Pensilvania que acaba de enviudar, y junto a su pequeño hijo Samuel Lap (Lukas Haas) de ocho años, realiza su primer viaje a Philadelphia en tren para desde allí dirigirse a Baltimore y visitar a una pariente, la hermana de Rachel residente en Baltimore, en el estado de Maryland. 
Samuel está sorprendido por el interés en el mundo exterior Durante un transbordo, el niño va al baño de la estación de Filadelfia y allí es testigo del brutal asesinato de un hombre, que resulta ser un policía por parte de dos hombres que lo atacan. 

El inspector al que le es asignado el caso es John Book (Harrison Ford). Él y su compañero, el sargento Elton Carter (Jennings), pregunta a Samuel y descubren que el niño es el único testigo. John Book (Harrison Ford) será el policía encargado de protegerles, a él y a su madre. De hecho John se lo lleva a casa de su hermana. 
Inicialmente Samuel es incapaz de identificar al autor mediante las fotos policiales, pero se da cuenta en un recorte de periódico con una foto de oficial de narcóticos James McFee (Glover) al que reconoce como uno de los asesinos. John recuerda que McFee anteriormente fue responsable de una redada de drogas en la que se incautó un costoso cargamento de productos químicos utilizados para fabricar anfetaminas, pero el cargamento desapareció misteriosamente. 
John le confiesa sus sospechas a su superior, el jefe Paul Schaeffer (Sommer), y éste le pide a John para que mantenga el caso en secreto y poder así seguir adelante. De regreso al trabajo y mientras que en el garaje, John sufre una emboscada de McFee y John aunque mal herido, escapa. 
Dado que sólo Schaeffer sabía de la participación de McFee, John se da cuenta Schaeffer también es corrupto y que es la persona que ha advertido a McFee. El asesinato está relacionado con una trama de corrupción en el seno de la policía. 
John llama a su compañero Carter y le ordena quitar el archivo Lapp de los registros. A continuación, esconde su coche y se utiliza el coche de su hermana para volver con Raquel y Samuel al condado de Lancaster, al poblado amish. 
Nada más llegar Book que está herido se desmaya, así que Rachel opta por darle refugio en su casa a pesar de la fuerte oposición de su suegro Eli (Rubes) quien finalmente acepta a regañadientes en la vivienda a John.  
Los sanadores Amish utilizan remedios tradicionales con John y cuando éste mejora empieza a sentirse atraído por Rachel. Como sigue sin estar recuperado se refugia en la comunidad amish e intenta pasar desapercibido. Poco después el policía descubre que no es un lugar tan seguro como pensaba... 
Mientras un miembro de la comunidad, Daniel Hochleitner (Godunov), empieza a cortejar a Rachel, lo que se convierte en una causa de fricción. 

Conforme la estancia se prolonga Rachel y John se van acercando más y de hecho son pillados por el suegro bailando. Eli la lleva a un lado y advierte que si continúa así la cosa, ella podría ser rechazada por la comunidad. 
La relación de John con la comunidad Amish crece y mejora a medida que el participa de la rutira diaria, por ejemplo, ordeñando vacas a las cautro de la madrugada, o mostrándose como un experto en carpintería. 
Es invitado a participar en la construcción del granero para una pareja de recién casados y así se gana el respeto de Hochleitner. Sin embargo, la atracción entre John y Rachel es evidente y a ello se refiere claramente Eli y otros, especialmente cuando ella sirve a John por primera vez en una comida. 
Esa noche, John se encuentra con Rachel mientras se baña, la atracción es mutua, pero uno y otro se frenan. John a la mañana siguiente si hubieran hecho el amor él tendría que quedarse o ella tendría que salir. 
Mientras tanto John va a la ciudad con Eli para usar el teléfono. John se informa a través de una llamada desde un teléfono público que Carter ha sido asesinado y deduce de su muerta están Schaeffer y McFee, que intensifican sus esfuerzos para encontrarlo. A ellos se unen un tercer oficial corrupto, "Fergie" Ferguson (MacInnes), quien ayudó a McFee a cometer el asesinato en la estación. 

En la ciudad, Hochleitner y los otros hombres Amish son acosados por turista y lugareños. Rompiendo con la tradición amish de la no violencia, John toma represalias con un tipo y de la lucha informa un policía local, con lo que la noticia llega a Schaeffer. Debido a la publicidad John sabe que debe irse. Rachel está molesto por lo ocurrido y cuando ella está sola se quita el sombrero y se va a John, y se besan apasionadamente. 
Al día siguiente, los oficiales corruptos llegan a la granja de los Lapp. John ordena a Samuel a ir a casa de unos vecinos buscando protección. John se esconde en el granero, pues no tiene el arma y allí frente a Fergie le aplica el truco de peligrosidad que le enseñó Samuel en el silo de maíz y que le impide respirar bajo toneladas de maíz. John recupera la escopeta de Fergie y mata a McFee. 
Mientras Schaeffer entonces fuerza a Rachel y Eli fuera de la casa a punta de pistola. Mientras Elí hace señales a Samuel para hacer sonar la campana de alarma. Con tantos testigos, Schaeffer se da cuenta que no puede escapar, y se da por vencido. 
La policía local llega y arresta a Schaeffer. Como John se prepara para salir, le dice adiós a Samuel, Rachel, y Eli, quien a su vez, que le deseo lo mejor " entre los ingleses." Al alejarse, pasa junto a Hochleitner e intercambia un saludo de despedida acabando así la película. 

El productor Edward S. Feldman, que estaba vinculado con la 20th Century Fox en ese momento, recibió por primera vez el guión de testigo en 1983. Originalmente llevaba como título Called Home (que es el término de Amish sobre la muerte). Se trataba de un guión de 182 páginas de largo, equivalente a tres horas de pantalla. El guión, que había estado circulando en Hollywood desde hace varios años, se había inspirado en un episodio de La ley del revólver de William Kelley y Earl W. Wallace que había escrito en la década de 1970. 
A Feldman le gustaba el concepto, pero sentía que el guión estuba centrado en la cultura y las tradiciones Amish, diluyendo los aspectos thriller de la historia. Feldman le ofreció a Kelley y Wallace 25,000 $ para una opción de un año y una reescritura, y un adicional de $ 225.000 si la película se hacía realidad. Presentaron el guión revisado en menos de seis semanas, y Feldman lo entregó a la Fox. Joe Wizan, cabeza del estudio de la Fox lo rechazó con la afirmación de que Fox no hacía "películas rurales". 
Feldman envió el guión al agente de Harrison Ford, Phil Gersh, que contactó con el productor cuatro días más tarde y le aconsejó a su cliente que estaba dispuesto a comprometerse con la película. La incorporación de una estrella como Harrison Ford hizo que Feldman volviese con su proyecto a Wizan, pero este insistió en que no estaban interesados en hacer una "película rural." 
Feldman envió el guión a numerosos estudios y fue rechazada por todos ellos, hasta que Paramount Pictures finalmente expresó su interés. La primera elección de Feldman como director fue Peter Weir, pero que estaba involucrado en el trabajo de pre-producción de La costa de los mosquitos con Harrison Ford , precisamente, y le pasó el proyecto. 
Weir se comprometió a dirigir Único Testigo, su primera película americana. Para Weir y Ford, que se quedaron sin Oscar, fue un importante punto de inflexión en las carreras de ambos. Para el realizador australiano supuso su entrada en Hollywood por la puerta grande, mientras que el papel del integro policía John Book permitió a Ford demostrar que podía hacer algo más que interpretar a Hans Solo o a Indiana Jones y seguir así la senda trazada por Blade Runner. 
"Para ser honesto, acepté el encargo porque decidí que era una buena idea no sólo hacer filmes que me obsesionaran. Quería ser como los directores de los años '40 que aceptaban encargos de sus estudios y lo llevaban bien,” explicó Weir en una entrevista con “Los Angeles Times”. Y prosigue "Era una gran oportunidad mostrar un choque entre dos mundos. Un hombre del siglo XX para quien la violencia era un hecho forzado por su vida que tiene que refugiarse en una sociedad pacífica inalterada desde el siglo XVIII,” explicó el director. 

La película fue filmada en locaciones de la ciudad de Filadelfia y en los pueblos de Pennsilvania de Intercourse, Lancaster, Strasburg y Parkesburg. Las comunidades de Amish locales estaban dispuestos a trabajar como carpinteros y electricistas, pero se le negó a aparecer en la película, por lo que muchos de los extras en realidad eran menonitas. 
A mitad de la filmación, el título fue cambiado de Called Home a Único Testigo a instancias del departamento de marketing de la Paramount, que sintió que el título original planteaba demasiado de un desafío promocional. Como anécdota diremos que aparece un dialecto de los alemanes de Pensilvania, popularmente conocido como el holandés de Pennsylvania. Pero más a menudo los personajes Amish se escuchan hablar alto alemán, el idioma estándar de la mayoría de habla alemana los europeos, que en realidad se utiliza muy poco en los Amish en general, y en los de Pennsylvania, en particular . 

La película se proyectó fuera de concurso en el Festival de Cine de Cannes 1985 y se estrenó oficialmente el 8 de febrero de 1985. La película fue nominada a ocho premios de la Academia incluyendo Película y Director, actor para Ford , fotografía , dirección artística y BSO, y ganó dos, Mejor Guión Original y Mejor Montaje. “Out of Africa” acaparó siete estatuillas. 
También fue nominado para siete premios BAFTA, incluyendo Película, Actor y Actriz, ganando uno para Maurice Jarre, y también fue nominada a seis Globos de Oro incluyendo Drama, Director y Actor.. William Kelley y Earl W. Wallace ganó el Writers Guild of America Award al Mejor Guión Original y el Premio de Edgar 1986 a la Mejor Película guión presentado por los escritores de misterio de América. 
La película fue un éxito de público. Se estrenó en 876 salas de cine en los Estados Unidos el 8 de febrero de 1985, y recaudó cerca de cinco millones de dólares en su primer fin de semana, con el tiempo se alcanzó los 68 millones sólo en los Estados Unidos, al final multiplicó por siete  lo invertido.
La crítica también la valoró positivamente. Por ejemplo en Estados Unidos Único Testigo fue generalmente bien recibido por la crítica. Roger Ebert del Chicago Sun-Times calificó la película de "ante todo, una historia de amor electrizante y conmovedor. (...) Es un thriller que Alfred Hitchcock hubiera estado orgulloso de hacer. 
Para Vicent Canby del New York Times dijo de la película, "No es realmente horrible, pero no es muy divertido. Es bonito verla y contiene una serie de buenas actuaciones, pero hay algo agotador sobre su equilibrio ordenada de las costumbres opuestas y los valores ...". 
En Variety el columnista dijo que la película "era la historia de dos amantes limitados dentro de la comunidad Amish fascinante". 
En Time Out New York observó, "Potente, segura, lleno de hermosas imágenes y (...) ofrece un rendimiento de sorprendente habilidad y sensibilidad de Ford." En Radio Times se le describe como ", en parte una historia de amor, y en parte un thriller, pero sobre todo un estudio de colisión culturales" 

Sin embargo, la película no fue recibida por la comunidad Amish donde se rodó. El Comité Nacional para la Libertad Religiosa Amish llamó a un boicot de la película poco después de su lanzamiento, en parte, por la posibilidad de ver aumentado el turismo expositivo en la zona. 

En España, Omar Khan en el Diario El País dijo que "Los usuales códigos estéticos del director dotan a la película de una gran elegancia formal, sin desvirtuar sus cualidades narrativas" . En ese mismo diario Miguel Ángel Palomo añade que es "Excelente thriller que diserta acerca del conflicto de las identidades culturales" .
Por su parte, Álvaro Pombo en la citada parte posterior de la carátula del VHS nos cuenta lo siguiente “ La plasticidad de esta localización , la bellaza de las imágenes que recuerden los cuadros de los pintores flamencos, la sorpresa de la que participa tanto John Book como el propio espectador, de descubrir estos amish aún viviendo como en el siglo XVII, este estupendo hallazgo del director Peter Weir, constituye el gran encanto de la pelícuila (…). Y prosigue ¿Cuál es, en resumen, mi opinión acerca de único testigo? Me parece una obra maestra que basa toda su eficacia dramática, que cobra toda su intensidad, de eso que solía llaarse suspensión of disbelief (suspensión de la incredulidad). Como espectadores del siglo XX, la vida de los amish me parece inverosímil, forzada probablemente inauténtica (…) La vida de los amish nos parece válida porque, como espectadores, a efectos de la película, efectuamos una suspensión de nuestra incredulidad. Sólo de este modo, el encanto anticuado de Rachel y Samuel y los demás amish nos parece encantador y moralmente bueno. 
Sergio Benítez, en su artículo, Peter Weir: 'Único testigo', la mirada de un niño en blog de cine escrito en junio de 2013 comienza con unas palabras de Peter Weir “Siempre pensé que sería estupendo hacer películas en Hollywood, pero bajo mis condiciones. Las películas deben venir de mi, aunque no las haya escrito yo. Tengo que apasionarme por ellas, o sentir que son parte de mi de alguna manera. Nunca he querido llegar allí como un pistolero a sueldo y decir, “denme un trabajo”. 
Para Sergio Benítez ‘Único testigo’ permitió a Weir explorar con inusitada fortaleza, y de forma simultánea, tanto el conflicto entre opuestos como la inserción del extraño, en el colectivo Amish. El cineasta planteaba una simetría magistral entre el comienzo del filme y su dramático final, fundamentado en las miradas y gestos que intercambian los actores y en un juego de encuadres perfectamente planificados que dejan muy poco lugar a las dudas que uno pueda plantearse al respecto de la genialidad que siempre ha acompañado al cineasta. 

Dicho juego queda estructurado en dos secuencias que basculan sobre aquella en la que John descubre a Rachel bañándose en su habitación o en la que Rachel atiende a John mientras este yacía en la cama preso del dolor provocado por una herida de bala. Reforzada la naturalidad de ambas escenas —iluminadas por la luz de un quinqué— por la espléndida fotografía de John Seale, esta misma naturalidad se repite en el momento en que John baja la vista para dar a entender a Rachel que su relación es imposible es exactamente igual a la que ésta le devuelve cuando ambos se dicen adiós sabiendo que nunca podrán estar juntos. 

Sergio Benítez destaca en la película la economía narrativa y el clasicismo de formas que quedan enriquecida con los silencios y con la música que Maurice Jarre completa con maestría, revelando la sensibilidad de Weir para con el ajuste sonoro de sus filmes. 
Para Juan Antonio Martín en su bsospirit es precisamente la banda sonora lo más destacable , con mención especial para Maurice Jarre, no fue solamente la nominación al Oscar sino también al Globo de Oro y acabaría alzándose con el BAFTA a la Mejor Banda Sonora Original. De hecho mis hijos me comentaban anoche si la música que se oía era de los ochenta. Y efectivamente, no solo hay que valorar el peso de los acordes en el padre de Jean Michel Jarre sino la influencia de la música electrónica en la carrera con su uso habitual de las Ondas Martenot, unida a la llegada de la década de los 80 supuso para el compositor la rendición de su música casi totalmente a los sonidos sintetizados. 
Peter Weir y Maurice Jarre mantendrán una relación profesional que se iba a prolongar durante cinco títulos más a lo largo de casi quince años. Jarre abandona su habitual carga melódica a favor de fragmentos de largas notas y disonancias en aquellos pasajes de mayor tensión. A pesar de ello, el compositor galo no pierde su inconfundible estilo, e incorpora varios temas sobre los que pivota toda la obra. 
Creo que ya queda dicho casi todo de esta buena película ochentera que trajo al presente una comunidad anclada en el pasado.

Manolete, más "cornás"da el cine


29 de agosto de 1947, mi padre, un chico de trece años, como cientos de cordobeses, asiste desde el edificio  de la Unión y el Fénix - en el centro de Córdoba, en las Tendillas, para aquel entonces Plaza de José Antonio- a la manifestación pública que supuso en la ciudad la muerte de Manolete .

Un día antes el Miura Islero le había dado una “corná”, aquella tarde, en uno de tantos festejos que empezaban a esa hora torera, a las cinco de la tarde, había recibido una mortal cornada del miura de casi 500 kg que le atravesó el muslo derecho con uno de sus pitones. La herida le produjo una hemorragia incesante y el matador falleció la madrugada del día siguiente. 

Pasado el mediodía llega a Córdoba la ambulancia que traslada los restos de Manolete. Los cordobeses se echan a la calle para recibir los restos mortales del diestro. Todos quieren entrar en la casa del torero, en la Avenida de Cervantes, para rezar en la capilla ardiente instalada en el salón central de su casa. 

El torero muerto está envuelto en un blanco sudario, su rostro expresa serenidad, parece como dormido, entre sus manos tiene un pequeño crucifijo. El salón está completamente lleno de flores y coronas. Poco más de media tarde había llegado la madre del torero con las esperadas escenas de dolor . Los compañeros, miembros de su cuadrilla, periodistas, amigos, apoderado, mozos de estoques y otros velaban el cadáver de Manolete y rezaban por su alma: Camará, Cantimplas, Pinturas, Gabriel González, Chimo, Guillermo, Antonio Bienvenida, Gitanillo de Triana, El Pipo, Álvaro Domecq, El Pimpi, Antonio Bellón, José Luis de Córdoba etc. etc. Llegan autoridades, representaciones, más amigos. 

A la hora del entierro –las cinco de la tarde-, Córdoba entera, está en la calle de luto por su ídolo. Cerraron los comercios y las industrias y un silencio respetuoso se extendía por todas las calles. La iglesia que recibiría los restos mortales de Manolete era la de San Nicolás que se hallaba abarrotada de fieles. El momento desgarrador y de mayor emoción se produjo cuando el féretro con los restos del torero caído, se disponían a salir de la que fue su casa. Doña Angustias, su madre, se derrumba de dolor en aquél instante penoso. Bajan el féretro –de caoba con apliques de plata- sus amigos y miembros de la cuadrilla. A la salida del féretro el Marqués de la Valdavia le impone la Cruz de Beneficencia, otorgada por el Gobierno dadas las muestras de solidaridad con los pobres y necesitados que dio Manolete al torear, gratis, muchas corridas de Beneficencia. 

Luego, la comitiva parte hacia el cementerio de la Salud. Estaba formada por el clero; después, el féretro llevado a hombros de sus fieles amigos; seguidamente las coronas; por último la presidencia y la muchedumbre que acompaña –como en las tardes de triunfo – a Manolete por última vez. Desde la torre de la Malmuerta, mujeres enlutadas echan flores al paso del ataúd. Sobre las nueve de la noche entra en el cementerio de Nuestra Señora de la Salud. Una imágenes del NODO apenas reflejan lo que supuso la muerte del diestro para la ciudad. 

Algunas de esas imágenes están recogidas en la película que sobre el torero fue dirigida por Menno Meyjes – yo siempre había pensado que en ella había participado el ahora senador Franco Zeffirelli- y protagonizada por Adrien Brody y Penélope Cruz. Poco , realmente poco, presenta la película sobre el torero, personaje y califa en mi ciudad. 

La película, uno de los grandes fracasos de la historia del cine, está producida por Guy Collins, Tarak Ammar, Ximo Pérez y Andrés Vicente Gómez para las productoras Iberoamericana Films Producción , Future Films, Manolete Productions, Quinta Communications, Pierce y Williams Entertainment. La película contó con un presupuesto de 28.000.000 millones de dólares. Se basó en el guión de un director holandés, Menno Meyjes, una persona ajena a la cultura taurina, algo que parece que respira en la película, y por la fotografía de Robert Yeoman. Sin embargo, un aspecto a destacar de la misma es la música de la que se encarga en productor y autor Javier Limón. 

El elenco estuvo formado por Adrien Brody como Manuel Laureano Rodríguez Sánchez "Manolete", Penélope Cruz como Lupe Sino, Nacho Aldeguer como Luis Miguel Domínguín, Pedro Casablanc como el General, Juan Echanove como Pepe Camará, Josep Linuesa como Enrique de Ahumada, Santiago Segura como Guillermo, Anne Mitchell como Doña Angustias y Enrique Arce como el Apoderado de L.M. Dominguín. 

El film comienza con el despertar del torero (Adrien Brody) en la cama de un hotel. Ya está sólo. La chica con la que ha compartido la noche se ha marchado. Se trata de Lupe Sino (Penélope Cruz). El torero tras leer en el espejo un mensaje en carmín que dice “Follas como un niño”. Se desayuna con una copa y una raya de cocaína y dispuesto a pegarle un tiro a su amante, aunque es frenado por Guillermo, su asistente personal (Santiago Segura), aunque este le entrega una pistola su intención es matar a Lupe, que en ese momento está en la cama de otra chica. El torero llega pero no le dispara. 

Tras eso comienza un viaje por la campiña que lleva al torero de Sevilla a Linares para torear esa tarde, la que será última corrida y poner así fin a su carrera. Por el camino, aparentemente el torero se para en Córdoba – algo imposible pues su madre estaba en San Sebastián el día del accidente- para ver a su madre. 

Mientras se traslada el torero cordobés, el gran califa, irá rememorando su vida. A partir de ahí el filme se sucede entre ese viaje final, con un Manolete aferrado a su perro salchicha y a su fatal melancolía, y los recuerdos de una historia de amor que arranca una noche en Madrid en la que la bella y mundana Lupe le dice al inseguro torero: “Aquí nada es real hasta que no sangra: santos, toros y mujeres”. Vemos a lo largo de hora y medía los comienzos del torero, como el Pipo lo toma bajo su cargo y le pide que cumpla con unas normas básicas para un torero, entre ellas no chicas y no morfina. Tras eso, sus triunfos por España y, sobre todo, en Madrid . Allí conoce a Lupe Sino, una puta para su apoderado. 

La entrada en la vida de la chica lleva al torero a descentrarse y a fijarse sólo en ella, y menos en el toreo, algo que preocupa a su entorno familiar, profesional y político. De hecho, ella mientras trabaja como actriz es detenida por comunista. Esta detención permite al torero conocerla más, pero , a la vez, distanciarle de su profesión. 

Así hasta que llega el día infausto, un 29 de agosto de 1947, en Linares, allí, en su plaza de toros – que visité en octubre de 1988-, Manuel Laureano Rodríguez Sánchez, más conocido como Manolete y uno de los grandes toreros de España en la década de 1940 mientras compite con una estrella refulgente del arte del torero Luis Miguel Dominguín y de un ignorado en la película Rafael Vega de los Reyes "Gitanillo de Triana II" tiene lugar su encuentro con la muerte, causada por la profunda cornada que le asestó el miura Islero al entrar a matar. Horas más tarde, moría el torero y nacía el mito. Unas imágenes del NODO antes citado ponen fin a la película mientras salen los títulos de crédito. Nada de su estilo elegante y vertical sale en ella, nada de cómo evolucionó el arte de la muleta, toreando de frente y citando de perfil. 

La película se centra en una historia de amor difícil y complicado, y en un morbo adecuado para el “Salvame deluxe”, drogas incluidas. 

La película que se distribuyó en inglés como "A Matador's Mistress" comenzó a rodarse el 31 de marzo de 2006 en Madrid, en la ciudad alicantina de Alcoy, en Córdoba, en Jerez de la Frontera y en la Plaza de Toros de Alicante así como en los Estudios de Ciudad de la Luz. Terminó su rodaje en El Puerto de Santa María, Cádiz en julio del mismo año. También cabe destacar que se grabó gran parte del filme en la ciudad sevillana de Carmona. Algunas escenas fueron grabadas en los interiores del Palacio de Orleans-Borbón de Sanlúcar de Barrameda. Parece ser que también en Guadalajara y Salamanca. 

En la filmación de la película, el torero Cayetano Rivera se encargó de asesorar al protagonista de la película, Adrien Brody; además de esta labor, también aparece en la película interpretando un pequeño papel como espectador de postín con el que se va , literalmente a tomar, una copa Lupe Sino. «Manolete» nació como una ambiciosa producción internacional con rutilantes estrellas - Adrien Brody, en 2006, era todavía una estrella impulsada por el entonces reciente éxito de su Oscar a mejor actor por «El pianista»- , gran presupuesto- 28 millones de dólares- y la elección del personaje retratado, el mítico torero. 

Diferentes problemas con la productora hicieron que la película no fuera estrenada ni tuviera fecha de estreno prevista durante mucho tiempo. 

El 28 de agosto de 2008 se anunció su estreno en el Festival Internacional de Cine de Toronto para el 6 de septiembre del mismo año, pero finalmente no fue estrenada durante este festival. El 7 de noviembre se anunció una nueva fecha para su estreno, esta vez febrero de 2009, sin embargo, también fue cancelado. Seis años después de su rodaje, una vez estrenada en varios países y hasta editada en DVD, su proyección ahora por fin en los cines españoles está totalmente descafeinada. 

Finalmente se estrenó en Francia el 31 de marzo de 2010. Rubén Amón , hoy periodista de Onda Cero, y para entonces, corresponsal del diario El Mundo en París, dijo de ella lo siguiente: "La cuestión no es que fuéramos diez espectadores en el cine. La cuestión es que sólo resistimos la mitad. En mi caso prevaleció la estupefacción ante la parodia y se convirtió la película en un concurso enciclopédico de tópicos." 

La película se estrena en España tras haberse proyectado en Italia, Francia, Japón, Inglaterra o Estados Unidos. Existen ocho versiones del filme y la que verá el público español será la séptima. “La octava es la versión del director, la que se estrenó en Francia”, explica Andrés Vicente Gómez. “Mi condición con él fue que si en Francia era un fracaso en España se estrenaría la séptima versión, montada al margen suyo” 

Las críticas fuera de España han rozado el desastre, pero hasta eso le añade cierto morbo al filme. En 2010, Variety apuntaba, entre otros problemas de guión, que Manolete pasa por alto el paisaje político de aquellos años: “La película retrata a Lupe Sino como la Yoko Ono del toreo, responsable en términos generales de la caída del diestro. Pero deja de lado la que quizá fue la principal razón para ser tan odiada en el entorno del matador: sus simpatías por la izquierda mientras en su ambiente eran fervientes seguidores del franquismo. Sin explicar el trasfondo político a lo más que llegamos es a pensar que Lupe es una ‘puta’, como todo el mundo abiertamente la llama a lo largo de toda la película”. 

El 24 de agosto de 2012, fue distribuida  en España por una pequeña empresa Premium Cine. Los críticas ya planteada por Rubén Amón en la versión francesa, la octava, se volvieron a repetir en esta séptima. Javier Ocaña en el Diario El País dijo de ella que no era una película "Maldita no, mala. (...) Pomposa y de estructura incomprensible (...) personajes de cartón-piedra". 
Por su parte, Carmen L. Lobo del Diario La Razón decía "Los actores torean los papeles como van pudiendo (...) pero la película no hay por dónde pillarla desde los primeros minutos de metraje" En su crónica que lleva por título "Menudo capotazo" Dice de ella que Todo falla o pega trompicones: desde el guión, centrado excesivamente en el idilio que mantiene Manolete con la mujer que lo volvió loco y de espaldas casi por completo a las circunstancias personales que vivieron ambos personajes y las de aquel país nuestro tan difícil entonces, al montaje, la ambientación y el vestuario (esas camisas de Brody que parecen cosidas por Armani...). Sin olvidar tampoco las repetidas tomas de capotazos que sirven como transición al cineasta para narrar la historia y la machacona repetición de escenas, quizá porque no había nada más decente que utilizar en la sala de montaje... Entre un tono paródico no premeditado, supongo, y los bandazos de la cinta por culpa de los «flashback», el filme se desliza hacia un final como merece, o sea, de auténtica traca, con la dramática muerte del matador desangrado en una enfermería de Linares y el nombre de su amante en la boca. Cierto: lo raro de esta producción no es que haya tardado seis años en llegar a las carteleras españolas (algunos no tendrían valor...), sino que se haya estrenado en algún país del mundo. 

Elsa Fernández-Santos publicaba el 21 de agosto de 2012 un artículo publicado con el título de El último paseíllo de ‘Manolete’. Para Fernández Santos Manolete es simplemente una mala película, pomposa y de estructura incomprensible, plúmbea y absurda por momentos con palomas a cámara lenta incluidas. La película , en la línea Deluxe, acude a las partes más oscuras de la existencia del mito (su supuesta adicción a la cocaína y las relaciones bisexuales de su amante, Lupe Sino). 
Para J. M. Cuéllar en ABC, «Manoleta» era el más grande, y , por lo tanto no se merecía, este infame bajonazo que un holandés inepto e incapaz ha perpetrado a su historia. (…) No tiene guión ni ritmo ni personajes. Todo es plomizo, insulso, sin vida. La historia trata, con repetidos «flashbacks», los últimos meses de Manolete y los centra en su historia de amor con Lupe, un romance turbio y tormentoso que fue más allá de lo que se refleja en la película (mucho alcohol, coca y engaños dicen algunos biógrafos que hubo en ese asunto). 
Todo queda confuso, enrevesado y, sobre todo, poco creíble, con escenas que sobrepasan con creces el ridículo. Así que desastre total del que solo se salva una impecable maquinaria técnica, con gran fotografía y recreación andaluza ciertamente aceptable. El resto es un puro olvido. Y que pase pronto, como los desamores, ese maquiavélico invento creado por el alma humana. Luís Martínez en El Mundo presenta la película con el título ´Manolete´, más cornadas da el cine Califica la película de cursi y engolada (y), finalmente, inexpresiva La razón de tanto despropósito, según sea la versión del productor o del responsable de la dirección artística, varía. O, mejor, desvaría. Para el primero, el desacuerdo entre él y el director sobre el montaje final es la única causa de tanto penar. Para el segundo, denuncia mediante, los impagos del primero estarían detrás del, ya se puede decir, sainete. Ahora, lo único que queda por ver es la propia cinta. En su mediocridad, la película ni siquiera consigue ser la catástrofe categóricamente absoluta que promete. El director, antes acreditado guionista de trabajos como El color púrpura, consigue mantener la cinta en una tibieza monocorde tan falta de rigor como ausente de sentido. 

Al final, descartado todo lo demás, quedaba la esperanza para la última y la única de las metáforas posibles: la del desastre. Una película de la que se ha hablado tanto y con tanta inquina merecía ser, cuanto menos, la peor de todas. Y eso gusta. Pocas formas tan acreditadas de disfrutar como la de los placeres culpables. Pues no, la película antes que mala es mediocre, intrascedente, pueril. Y eso, no hay remontaje, por drástico que se quiera, que lo salve. No es tanto una película como un dolor, una simple cornada. La película no tuvo promoción alguna con los protagonistas y se ha transformado en una película maldita. Los problemas surgieron desde el comiendo del rodaje en un proyecto que parecía gafado. La diferente visión de la película entre el productor y el director fue uno de los primeros obstáculos del rodaje.
El productor, Andrés Vicente Gómez, explicó a ABC que «un extranjero tiene siempre una visión distorsionada del hecho nacional, sobre todo tan indígena como son los toros». La disparidad de criterios se eternizó en la posproducción de la película. De hecho, hay ocho versiones de montaje. El motivo principal de su retraso, sin embargo, ha sido económico que dio lugar a denuncias por impagos. La dificultad de rodar con toros reales retrasó la filmación, y retuvieron a Adrien Brody, con sueldo de estrella, asesorado en el toreo por Espartaco y Cayetano Rivera. 
Y, sobre todo, estaba la cuestión de los impagos. Construcciones Escénicas Moya, empresa responsable de los decorados de «Manolete», demandó judicialmente a la productora de Andrés Vicente Gómez, Iberoamericana Films, por 900.000 euros. El productor del proyecto de 21 millones de euros rebaja esa cifra litigiada a 200.000 euros. Moya consiguió embargar la cinta hasta 2011, pero la disputa judicial no se zanjó con comodidad hasta 2011. 
El estreno en España, después de varios intentos fallidos, fue posible gracias al acuerdo entre las productoras de la película, Iberoamericana Films y Era Audiovisual, con la distribuidora Premium Cine y hubo una exigua distribución en 51 salas, muy por debajo del habitual para una película de ese coste. 
Digamos que "Manolete" es superficial. Todo se toca muy por encima, de su trayectoria como torero, poquísimo, sólo sale el encuentro con su mentor y su muerte. El resto de la película, narra su historia de amor con Lupe Sino, no destaca por nada , ni por la decoración ni por el vestuario, , ni por múltiple montaje ni la fotografía. 
Una película que nació para la gloria, con estrellas internacionales en su reparto y un presupuesto de 11 millones de euros, pero acabó tachada de maldita, costando más del doble y con una suerte parecida a la de su legendario personaje. Para su productor, Andrés Vicente Gómez, se cierra “el mayor fracaso” de su carrera: “Estoy hasta el gorro de esta película. Pero me alegro de que se estrene: al menos mi madre dejará de preguntarme que cuando se estrena Manolete”. 
Félix Velázquez, cuya pequeña distribuidora, Premium Cine lleva el filme afirma que “Al principio insinuamos la posibilidad de hacer un estreno al uso, pero no ha podido ser por compromiso de los actores. Es complicado vincularles después de tantos años y tantas vueltas”. “Nos la ofrecieron los productores en mayo, justo antes del verano. Al principio fuimos reticentes porque todo el mundo en el gremio sabe que es una película maldita, pero al final aceptamos. Elegimos la fecha pensando que queda cerca del aniversario de la muerte de Manolete, un 28 de agosto”. 
Son 50 copias frente a las 250 copias habituales de la media española. "Es mi mayor fracaso", admite el productor Andrés Vicente Gómez Las escenas de toros (se rodaron 13 horas de corridas y se usaron 14 isleros) fueron el principal obstáculo. El uso de reses reales complicó en extremo el rodaje, cuyos retrasos suponían más y más gastos. Hasta 2011. 
Ese año 2011, el Ministerio de Cultura califica la película para su exhibición en salas. “Con lo cual entendemos que está libre de cargas, de otro modo no hubiese sido posible esa calificación”, explica el distribuidor Félix Velázquez. 
“El problema no se ha resuelto”, explica José Luis Moya, gerente de la empresa de decorados, hoy en periodo de liquidación con la que la productora seguía- según ellos en 2012-  debiendo 500.000 euros, es una deuda que tenemos reconocida. Solo pagó en parte, en uno de los juzgados, hace dos años. Lo justo para poder estrenar ahora. Pero seguimos teniendo dos demandas interpuestas por lo penal desde hace año y medio. Una admitida a trámite y la otra pendiente de admisión. En uno de los juzgados está embargada la taquilla, así que por lo que a nosotros respecta, mejor estrenarla de una vez, a lo mejor así cobramos”.
“Nunca volveré a hacer una película de toros”, asegura Andrés Vicente Gómez. “Cuando empezaba en el cine, trabajé en El espontáneo, de Jorge Grau, y luego en Más cornadas da el hambre, y siempre con problemas. Tendría que haber recordado lo que decía Orson Welles. Sencillamente, los toros y el cine no son un buen matrimonio”.
Lo cierto es que mi padre vio la película antes que yo y dijo de ella  como buen senequista "Bueno, se han pasao un pelín con la historia". Yo añado aquí lo que cantábamos de niños y de "coña" siguiendo su pasadoble algo que le viene ni como pintado a Andrés Vicente Gómez "Manoletea, Manolete, si no sabes torear, pa' que te metes" porque ya sabemos una cosa, más "cornás" da el cine.

sábado, 25 de abril de 2015

El Tatuaje visto por Bigas LUna


Fue una sorpresa para mí encontrar que Tatuaje, la novela de Manuel Vázquez Montalbán leída la semana pasada, se había llevado al cine, y que su responsable era , nada más y nada menos, que Bigas Lunas, ese gran director narrador de historias bizarras y altamente cargadas de erotismo. De inmediato pensé que debía de ser un episodio sobre el personaje de Pepe Carvalho que presentó televisión española en los ochenta, y con Eusebio Poncela como el investigador privado gallego radicado en Barcelona. Pero nada de eso. 
El investigador lo asume un hoy olvidado Carlos Ballesteros y se trata de una obra cinematográfica “sensu stricto”. Estamos hablando de una película filmada en 1976 y estrenada en 1979, dirigida por Bigas Luna, un spanish thriller, realizada en España, y basada muy textualmente en la obra de Manuel Vázquez Montalbán. De hecho en el guión participa el mismísimo autor de la novela, Manuel Vázquez Montalbán, al que se suman Bigas Luna y José Ulloa. 
La producción recae en el mismo director a través de la productora Luna Films con la que accede a su primer largometraje que, por cierto, le costó trabajo estrenar, pues rodado en el verano de 1976 acaba siendo estrenado tres años más tarde, en 1979. La música de la película, a partir de piezas de Toni Miró, está interpretada por una reunión de componentes de Música Urbana, Blay Tritono y La Rondalla de la Costa, y dirigida por Joan Albert Amargós, aunque a mí me recordaban a Iceberg, aquella banda catalana de los setenta. La fotografía, muy granulada, propia del cine de la época es de Tomás Pladevall.

El actor zaragozano Carlos Ballesteros, Pilar Velázquez y Terele Pávez son los actores y actrices que encabezan el reparto, asumiendo el papel de Pepe Carvalho, Charo y la Andaluza. A esta su une Mónica Randall, Luis Ciges y Carlos Lucena. A estos dos , Mónica y Ciges, lo hemos visto esta semana en la película de Berlanga. 

Estamos en la Barcelona, preolímpica, portuario y cutre , pero también cosmopolita que tiene como epicentro Las Ramblas, la Barceloneta y la Diagonal donde las prostitutas, los bares y billares de carajillo conviven con la alta burguesía. En esa Barcelona del año 1976 aparece en una playa el cadáver de un hombre joven, alto y rubio con la cara comida por los peces, y portadora de una tatuaje, como algo inhabitual y extraordinario en ese momento, en el brazo con la frase: "He nacido para revolucionar el infierno". Así comienza un extraño enigma. 

La historia narrada sigue casi literalmente el libro. A saber Pepe Carvalho, detective gallego, ex agente de la CIA y escéptico vocacional, recibe un encargo de investigar la identidad del cuerpo hallado en la playa por parte de un oscuro empresario dueño de una peluquería que vive en la peluquería de la Queta. La única pista es un tatuaje que llevaba el muerto, donde se leía la frase "He nacido para revolucionar el infierno". La aparición del cadáver da lugar a una redada de chulos y prostitutas por parte de las autoridades policiales de la Ciudad Condal. 
A pesar de las pocas pistas, un tatuador le pone en camino de Holanda. Entre los canales de Ámsterdam, otro tatuador lleva a Carvalho a la fábrica de Phillips en La Haya, en la que dos trabajadores españoles, le dan el nombre. Sin embargo, la necesidad de saber algo más lo lleva aun hotel , el de Las Palmas, en Ámsterdam, regentado por un alemán. 
Efectivamente , tras negar su conocimientos y tras sufrir pepe una paliza como aviso, el dueño del hotel le pone en contacto con una mujer, la escamante del fallecido, que a su vez encauza al detective con la amante catalana que ha encontrado a su regreso a España. 
El investigador no tarda en dar con la respuesta y con la claves del caso que lo llevan a una casa de Caldetas, con la Queta y con el hombre que lo contrató, última víctima de un caso que acaba con la Charo, con Pepe y la Andaluza en un chiringuito comiendo una paella pasada. 

Juan José Bigas Luna , el “Bigas” para sus amigos dirige aquí su primer largometraje. De hecho recibimos información de cómo el está de la producción a través de un cartel anunciador llevado por un avión, así como las imágenes de los títulos de crédito. 

Estamos ante una película que se deja ver, con una magnífica banda sonora que refleja la sonoridad de estos mediados de los sesenta con aires de jazz. En cuando a las actuaciones no puedo destacar los de Carlos Ballesteros con su pipa-cigarrillo, pero ver a esta joven Pilar Velázquez y a una ordinaria Terele Pávez dando buena muestra de lo que más tarde desarrollará. 
Tatuaje fue el debut tras las cámaras del catalán Bigas Luna, que pone fin a su vida de forma involuntaria el 6 abril 2013 a los 67 años. La trama no es lineal, pero sí muy literaria. Bigas Luna (1946 - 2013) a los 67 años de edad, ha sido el director de casi una veintena de películas, a cada cual más especial, descubridor de nuevos talentos, fotógrafo y artista visual… 
José Juan Bigas Luna –el Bigas- como señalaban en su reportaje de Imprescindibles - de TVE a la carta- y firmado por Gemma Soriano y Sergi Castelar era un director de cine, un artista, un intelectual, un ecologista convencido, un filósofo, un seductor… pero sobre todo, Bigas, con estudios de arquitectura e interiorismo, era un buen anfitrión especialmente en los últimos años estaba instalado en la localidad de Virgili (Tarragona), donde había creado junto a su mujer una empresa de productos ecológicos..