domingo, 23 de noviembre de 2014

El graduado y el futuro de los plásticos


Los caminos del cine son inescrutables y una llega a las películas por las vías más insospechadas. Nos acercan a ellas las críticas que aparecen en prensa, un director determinado, una obra literaria y , en ocasiones, - no suele ser mi caso- un actor o una actriz. Sin embargo, reconozco que a mí me llevó a conocer esta película su banda sonora, que , por supuesto, yo no vinculé a esta película hasta años después. Comento el caso. 

En mi casa tuvimos la suerte de tener un tocadiscos desde finales de los sesenta, pero al inicio de los setenta mis padres compraron para la casa un pedazo de equipo HIFI integrado que incluía radio, casette , por supuesto, lo más importante, el tocadiscos. El primer disco que llegó a ese tocadiscos, aparte de los de que publicaba Mirinda de Miguel Ríos, Karina o Alberto Cortez , fue el de una de versiones de los Beatles. Después llegaron otros más. Entre ellos alguno de Victor Jara, sí, sí, el músico chileno represaliado por Pinochet, de Janis Joplin, uno de un músico que llegó a ser grande y cayó en el olvido, Al Stewart, así como otros. 
Entre esos otros, hubo uno que causó furor entre mis hermanos y yo. El disco tenía en la portada a dos músicos, uno moreno con pelo largo y bigote, y otro de pelo rubio, muy rizado y vaqueros , así como unas botas que me encantaban. Ellos eran Simon y Garfunkel , más tarde, Paul Simon y Art Garfunkel. Por detrás muchas y buenas canciones: The Boxer, "Bridge Over Troubled Water o Puente sobre aguas turbulentas, The Sound of silent, Cecilia , Scarborough Fair y una canción tremenda: Mrs Robinson. 
Años más tarde descubrí que era la canción central de una película : El graduado (The Graduate) una película estadounidense de 1967 basada en la novela del mismo nombre de Charles Webb que escribió poco después de graduarse de la universidad de Williams . El guión es de Calder Willingham y Buck Henry , que aparece en la película como uno de los empleados del hotel. Tenía como protagonista a un actor , un icono de mi tiempo: Dustin Hoffman. ¿Por qué saco esta película del baúl de los recuerdos? Pues debido a que este jueves recibimos la noticia de la muerte del director de la película: Mike Nichols. 
Juan Luis Caviaro en la entrada que firma en el blog en el que escribe: blog de cine publicaba ese mismo día 20 de noviembre que James Goldston presidente de la ABC News anunciaba esa misma noche que este cineasta, que contaba con 83 años, y que apasionado del teatro y brillante director de actores había muerto tras sufrir un ataque al corazón, dejando atrás un buen ramillete de películas tales como '¿Quién teme a Virginia Woolf?' ('Who´s Afraid of Virginia Wolff,'1966,), Silkwood (1983) 'Armas de mujer'('Working Girl', 1988), 'Lobo' ('Wolf', 1994), 'Jaula de grillos' ('The Birdcage', 1996) o 'Closer'(2004) o su última película, 'La guerra de Charlie Wilson' ('Charlie Wilson´s War').del año 2007, y que pude disfrutar tiempo antes de iniciar este blog.

Y es que Mike Nichols , nacido en Berlín en el año 1931, como Michael Igor Peschkowsky, en el seno de una familia judía llegó a Nueva York en 1939 con 7 años cuando su familia escapó del horror nazi. "Fue un verdadero visionario, ganó los premios más importantes del sector por su trabajo como director, escritor, productor y cómico y fue uno de los pocos que se hizo con un Emmy, un Grammy, un Oscar y un premio Tony a lo largo de su carrera", afirmó Goldston en el comunicado, "tenía un ingenio chispeante y una mente brillante". Era, pues, uno de los pocos que completó el EGOT: ganó el Emmy, el Grammy, el Oscar y el Tony. Llegó a América sin casi hablar inglés, pero eso nunca fue un problema. 
Se graduó de la Escuela de Walden (Nueva York), y empezó a sumergirse en el teatro mientras asistía a la Universidad de Chicago para estudiar medicina, eran los 50. Entre tanto drama hospitalario encontró su verdadera vocación: la comedia. Se unió a una compañía de esa misma ciudad y se asoció con la artista Elaine May. El dúo ganó popularidad nacional y se consolidó como dúo innovador de la comedia en Estados Unidos. 
La estatuilla de la Academia de Hollywood la recibió por la dirección de 'El graduado'('The Graduate', 1967), una historia que hoy pasaría desapercibida, pero estábamos en 1967. Atrevimientos como ese lo ayudaron a arrollar en una carrera triunfal durante más de seis décadas, tarea que termina como director en 2007 con La guerra de Charlie Wilson , junto a Julia Roberts y Philip Seymour Hoffman; en teatro, Hoffman también le acompañó. El dramaturgo obtuvo un Tony hace dos años por su versión de La muerte de un viajante, de Arthur Miller, una certera obra universal con la que Miller ganó un Pulitzer. 

Hablando ya de la película en cuestión que ví este pasado sábado noche, la más valorada de Mike Nichols, El graduado, la historia entre Dustin Hoffman y Anne Bancroft , una historia que se adentró sin miedo en las relaciones sexuales de una mujer adulta con un joven confundido y desorientado, hijo del socio de su marido, que no sabe cómo afrontar su futuro y salir del cascarón de una familia rica y conservadora que sólo busca el éxito profesional para su hijo. 
De la producción se encargaron Joseph E. Levine y Lawrence Turman como representantes de las productoras MGM y la Embassy Pictures. El guión, como ya hemos señalado, fue obra de Calder Willingham y Buck Henry partiendo ambos de la obra The Graduate de Charles Webb. La banda sonora fue diseñada por Dave Grusin pero contando con las canciones de Simon & Garfunkel, y la fotografía fue filmada por Robert Surtees. 

El elenco de actores y actrices lo encabezaba un desconocido Dustin Hoffman como Ben Braddock y una estrella consagrada Anne Bancroft como Sra. Robinson. Participaba igualmente una guapísima Katharine Ross – la protagonista femenina de Dos hombres y und destino comentada hace un mes , como Elaine Robinson, así como un actor de fuste como Murray Hamilton como Sr. Robinson, William Daniels como Sr. Braddock, Elizabeth Wilson como Srta. Braddock, Buck Henry como Room Clerk, Brian Avery como Carl Smith y un irreconocible Richard Dreyfuss (no acreditado, pero residente en una casa de estudiantes).

La historia empieza con la llegada en avión de Benjamin Braddock (Dustin Hoffman), un joven estudiante a punto de cumplir los 21 años, y que acaba de graduarse de una universidad sin nombre en el nordeste de Estados Unidos y vuelve a casa a pasar unas vacaciones y, por deseo de sus padres, celebrar su graduación en la casa de sus padres en Pasadena , California. 
En la fiesta en honor a un Benjamín, visiblemente incómodo, que hace más ilusión a sus padres que a él, sus padres comentan que le han comprado un coche, un Alfa Romeo Spider. A la misma acuden amigos de ellos, que no paran de preguntar acerca de sus planes futuros o darle recomendaciones como aquella que le recomienda dedicarse a los plásticos “El futuro está en los plásticos”. 
Entre los asistentes está la señora Robinson, amiga de sus padres desde hace años, que también se interesa por él. Benjamín sabe que tanto sus padres como el marido de ella quieren que salga con su hija Elaine (Katharine Ross). Sin embargo, Benjamín está incómodo, y se mete en su cuarto para escapar de todo. Al mismo llega la señora Robinson (Anne Bancroft), la esposa de un socio de su padre, que tras un breve comentario le pide que le lleve a casa. Este deseoso de salir de allí, accede. 
Una vez en la casa de Robinson, Benjamin se siente coaccionado y es casi obligado a tomar una copa mientras la señora Robinson intenta seducirlo. La señora Robinson desea tener relaciones sexuales con él, pero Benjamín la rechaza, especialmente ante la llega del señor Robinson (Murray Hamilton). Su primer intento, pues, para tener un romance fracasa. 

Al día siguiente, el absurdo se apodera de los Braddock, especialmente de su padre, que regala un equipo de buceo para la piscina. Sin embargo, Benjamin se lo piensa y después de unos días, y desde un hotel, llama a la señora Robinson.

No obstante, él se muestra muy torpe, pero finalmente comienza así su relación sexual que se mantiene en el tiempo Benjamin, ante la desesperación de sus padres, se pasa el resto del verano a la deriva en la piscina durante el día, con el propósito de descuidar tener que elegir una escuela de posgrado, y viendo la señora Robinson en el hotel por la noche. 
Un día, consciente de que él y la señora Robinson no tienen nada de qué hablar y que ella sólo quiere sexo, Benjamín está a punto de romper con ella. Sin embargo, después de que la señora Robinson revela que ella vive un matrimonio sin amor debido a que ella equivocadamente se quedó embarazada de su hija, Elaine, Benjamin se queda con ella. 
Mientras tanto, la hija de los Robinson retorna de la Universidad. Tanto el Sr. Robinson, que no tiene conocimiento de la aventura de su esposa, y los padres de Benjamin le animan a quedar con Elaine (Katharine Ross). Después de encontrarse varias veces más, la señora Robinson, le prohíbe ver a su hija,. Sin embargo, Benjamin no tiene más remedio que satisfacer a sus padres y al señor Robinson. 
Benjamin se ve obligado a quedar con Elaine, pero conscientemente de lo que supone para la madre, intenta sabotear su primera cita ignorando a la chica, condiciendo como un loco y, sobre todo, llevándola a un club de striptease. Elaine tras salir corriendo del club de striptease se pone a llorar. Benjamin tiene un cambio de actitud, y se da cuenta de lo grosero que ha sido con ella, y descubre que Elaine es alguien con quien se siente cómodo. 
Esa misma noche se enamora de Elaine. Tratando de evitar a una celosa señora Robinson, que amenazó con revelar su aventura para destruir cualquier oportunidad con Elaine, Benjamin decide precipitadamente que tiene que decirle a Elaine todo. 

Molesta por escuchar la relación de Benjamin con su madre, Elaine escapa a Berkeley, negándose a hablar con Benjamin. Benjamin se encuentra solo y abandonado. Y tras anunciar a sus padres que se va a casar con Elaine decide ir en su búsqueda a la Universidad de Berkeley, después de acecharla, revela su presencia y le expresa sus sentimientos. 
Elaine acusa a Benjamin – según la señora Robinson- de violar a su madre, mientras ella estaba borracho, negándose a creer que, de hecho, había sido la señora Robinson la que astutamente lo sedujo e inició la aventura. Después de alguna confusión y otras discusiones, Benjamin y Elaine se acerquen cada vez más, y éste le pide casarse con ella. Ella accede. 
Sin embargo, se va a producir un hecho de importancia. El Sr. Robinson llega Berkeley, con todos los detalles de la aventura de su esposa, y le espera a oscuras en el apartamento de Benjamin. El Sr. Robinson lo amenaza con encarcelarlo si vuelve a verse con su hija de nuevo. Su padre obliga a Elaine a abandonar la escuela y se la lleva a casarse con Carl, un compañero de Berkeley estudiante de medicina con el que brevemente había tenido un “affaire”. 
Volviendo a Pasadena en busca de Elaine y el Sr. Robinson, Benjamin va a la casa de los Robinson, pero se encuentra con la señora Robinson. Ella fríamente le dice que no será capaz de detener la boda y luego llama a la policía, alegando que su casa está siendo robada. Benjamin vuelve a Berkeley. Después de contactar con los hermanos de la fraternidad de Carl se entera de que la boda será en Santa Bárbara, California, esa misma mañana. Se dirige allí y se apresura a detener la boda. Tras llegar a la iglesia, Benjamin llega justo cuando los novios están a punto de besarse. Pensando que es demasiado tarde, golpea en el cristal del coro de la iglesia y grita "Elaine!" repetidamente. 
Después de una breve vacilación, Elaine grita "Ben!" y comienza a correr hacia él. Una reyerta sobreviene entre Benjamin y los invitados que tratan de detener a Elaine y Ben e impedir que salgan juntos. Elaine logra liberarse de su madre, quien afirma "Es demasiado tarde!" pues Elaine ya ha dicho sus votos de matrimonio y besado, a la que Elaine le responde: "No es para mí!" Benjamin mantiene a raya a los invitados con una cruz que ha arrancado de la pared, y luego la usa para cerrar la puerta exterior, mientras escapan. 
Paran un autobús y suben al mismo sentándose en el asiento de atrás, eufóricos por su victoria. Sin embargo, en el plano final, la sonrisa de Benjamin se desvanece poco a poco a una expresión enigmática, neutral mientras mira hacia adelante sin mirar a Elaine. Elaine primero mira amorosamente a Ben, pero se da cuenta de su comportamiento por lo que nos tememos que los dos amantes tienen un futuro incierto. 

La historia de El graduado comienza cuando Lawrence Turman, en el que sería su debut como productor, compró los derechos de una novela menor de igual título firmada por Charles Webb y que, al parecer, era autobiográfica. Webb cobró un total de 25.000 dólares a cambio de perder para siempre todos sus derechos sobre cualquier porcentaje de taquilla. 
A Turman se une con su escaso dinero Mike Nichols, un hombre procedente del teatro y que sólo había realizado una película, la adaptación de la obra de Albee ¿Quién teme a Virginia Woolf?, con Elizabeth Taylor y Richard Burton como protagonistas. Los dos modestos productores reúnen un equipo técnico excelente en el que sobresalen el guionista Calder Willingham y, sobre todo, el veterano director de fotografía Robert L. Surtees, pieza clave en los innovadores planos de la película. 

El reparto fue otra de las grandes apuestas y aciertos sólo concebibles desde una producción al margen de los grandes estudios: el desconocido y feo actor Dustin Hoffman se hizo con el papel protagonista, inicialmente propuesto a Robert Redford o Warren Beatty. Fue su gran rampa de lanzamiento junto a la consolidación de una gran actriz, Anne Bancroft (sólo seis años mayor que Hoffman en la vida real), y el descubrimiento de una hermosa joven, Katharine Ross. 
Según Robert Osborne de la TCM, " Mike Nichols quería a Doris Day como la señora Robinson, a Robert Redford para Benjamin Braddock, y a Gene Hackman para el Sr. Robinson. " Según Osborne Doris Day rechazó la oferta por la desnudez requerida, algo que le ofendía, pero parece ser que fue Jeanne Moreau la primera opción de Nichols como señora Robinson. Joan Crawford Lauren Bacall y Audrey Hepburn fueron planteadas como posibles opciones. Hubo otros rechazos como el de Patricia Neal o Geraldine Page "Mientras tanto, Natalie Wood rechazó no sólo el papel de la señora Robinson, sino también el de Elaine. 

Para el personaje de Elaine también fue problemático. Patty Duke lo rechazó mientras que Faye Dunaway también fue considerada para Elaine, pero tuvo que rechazarlo, a favor de otra película Bonnie y Clyde Curiosamente protagonizará el papel de “En manos de la mujer madura”. Sally Field y Shirley MacLaine rechazaron igualmente el papel también. No así Raquel Welch y Joan Collins, pues ambas lo querían, pero no lograron conseguirlo. Carroll Baker, Candice Bergen Goldie Hawn y Jane Fonda también se barajó su participación como hijas de Anne Bancroft. Cuando Dustin Hoffman interpretó en la prueba el papel de Benjamin, se le pidió realizar una escena de amor con Ross. Hoffman pensó que aquello iba a ser un desastre". 
El productor Joseph E. Levine admitió que gran parte del éxito de la película radica en la interrelación de Hoffman, y eso que ara el papel optaban Robert Redford y Warren Beatty – este pasó igualmente a Bonnie y Clyde - .Redford prueba para el papel de Benjamin (con Candice Bergen como Elaine), pero no convenció a Nichols , junto a otros como George Hamilton , Albert Finney , Gene Wilder, Steve McQueen, Robert Wagner o Jack Nicholson. 
En el papel de Mr. Robinson, inicialmente fue elegido Gene Hackman , pero justo antes de empezar el rodaje, el director decidió que era demasiado joven y decidió reemplazarlo, y que finalmente obtuvo Murray Hamilton. 
Susan Hayward fue la primera opción para la madre de Benjamín, la señora Braddock, pero el papel fue dado a Elizabeth Wilson. 
Y para jugar Sr. Braddock, se pensó en Yul Brynner, Kirk Douglas, Jack Lemmon , Robert Mitchum , Karl Malden , Christopher Plummer e, incluso, y Ronald Reagan, pero el papel fue para William Daniels. 
De cualquier manera hay considerables discrepancias de edad entre los papeles principales y los actores . Por ejemplo, Anne Bancroft tenía 35 años, sólo seis años mayor que Hoffman. Elaine tiene formalmente 19 años , pero Katharine Ross, tenía ya 27. La poderosa MGM compró los derechos de exhibición del filme, una vez terminado, todo hay que decirlo, en un alarde de adaptación a los nuevos gustos del mercado.

Gran parte del rodaje se realizó en el campus universitario de USC en Los Ángeles, mientras que otras escenas fueron filmadas en Durant Avenue y College Avenue. 
Algo se grabó en Berkeley, así como en su campus. Las escenas del hotel fueron filmadas en el Ambassador Hotel. La iglesia que vemos en una de las últimas escenas fue en realidad la Iglesia Metodista Unida de La Verne. En un comentario de audio del DVD, Hoffman reveló que era incómodo interpretar la escena de la ventana de la iglesia, con el ministro de la iglesia observando el rodaje con desaprobación. 
Las residencias utilizadas para la casa de los Robinson y los Braddocks se encuentran en North Palm Drive en Beverly Hills . La escena con Benjamin y Elaine por la noche en su coche en el restaurante “drive-in” fue filmada en Westwood Village, Los Angeles. Las escenas de Benjamin en coche hacia Berkeley se realizaron en San Francisco – la Oakland Bay Bridge filmadas desde el nivel superior del puente - que conduce a San Francisco – en la dirección , precisamente, opuesta de Berkeley. 
El dúo Nichols-Turman tuvo también la feliz idea de encargar y utilizar algunas composiciones de Simon y Garfunkel para incluirlas en la banda sonora. Paul Simon compuso Mrs. Roosevelt a petición del realizador, quien dispuso que sería Mrs. Robinson, como el papel de Anne Bancroft. 
La película lanzó al estrellato al dúo formado por Simon & Garfunkel. Originalmente, Nichols y O'Steen utilizaron sus canciones existentes como " The song of Silent / El Sonido del Silencio" simplemente como un dispositivo de estimulación para la edición hasta Nichols decidió que la sustitución de la música original no sería eficaz y decidió incluirlas en la banda sonora, un movimiento inusual en ese momento. 
La Columbia Records decidió lanzar el disco The Graduate unas semanas después de su estreno y poco antes de que Nichols recibiera el Oscar al mejor director, único galardón de las siete nominaciones que tuvo la película. Mrs. Robinson y The Graduate estuvieron nueve semanas en el número 1 de los más vendidos y la canción recibió dos premios Grammy. 
De acuerdo con un artículo publicado en Variety por Peter Bart, el 15 de mayo de 2005, Lawrence Turman , su productor, hizo un trato para que Simon escribiese tres nuevas canciones para la película. En el momento en que habían casi terminado de editar la película, Simon sólo había escrito una nueva canción. Nichols le rogó más, pero Simon, que estaba de gira constantemente, le dijo que no tenía el tiempo. Dado el éxito de " Mrs. Robinson", el álbum de la banda sonora llegó a la cima de las listas de éxitos en 1968 (superando incluso al disco blanco - White Album- de The Beatles . 
Muchos años más tarde, el grupo de derechos de interpretación BMI elaboró una lista con los cien temas más interpretados en la historia de la música popular."Mrs. Robinson está entre los 10 primeros, con más de seis millones de interpretaciones, desde Sinatra a Lemonheads, además de las del dúo compositor. También desde entonces Hollywood comprobó el valor añadido de las bandas sonoras para el lanzamiento de sus productos. 
Según algunos, el argumento esconde una historia oculta entre Elaine y Benjamin, historia que parece conocer muy bien Mrs. Robinson, y que parece ser la verdadera razón de su oposición a la relación entre ambos. Cuál sea esta historia oculta es un misterio 
Como anécdota señalar que en el famoso cartel anunciador de la película, la pierna de mujer en primer plano no es de la protagonista (Anne Bancroft) como siempre se pensó, sino de una modelo, ya que por problemas de agenda Bancroft no pudo acudir a la sesión fotográfica. La modelo fue Linda Gray, popular en décadas después por su papel de Sue Ellen en la teleserie Dallas. Gray confirmó este secreto en 2013. 
El 15 de diciembre de 2007 Ángel S. Hanguindey rendía un cálido homenaje a los 40 años de la película El graduado, una película que cambió la concepción social de la época. En la actualidad se han cumplido los 47 años del estreno en Estados Unidos de El graduado, una película que por muy diversas razones se convirtió en emblema generacional y punto de inflexión de la potente industria norteamericana.
Decía Harguindey que “En la historia del cine de Hollywood hay un antes y un después del filme de Nichols porque fue la demostración de cómo una película de un muy modesto presupuesto, con un protagonista feo, bajo y desconocido, una banda sonora infrecuente y una historia hasta cierto punto rompedora podía convertirse en uno de los grandes éxitos de taquilla en todo el mundo. La industria cinematográfica demostró una vez más sus reflejos ante lo nuevo y a partir de entonces comenzó a prestar una gran atención a los proyectos marginales: el cine independiente, o una parte de él, pasaría a integrarse en los grandes estudios que hasta ese momento estaban dominados por la vieja escuela de los Zanuck, Warner o Zukor. (…) Naturalmente, en el mundo del cine, Mike Nichols no fue el primero en romper los esquemas establecidos. 
En Europa la vieja, (...) nombres como Rossellini, De Sica y Fellini, en Italia, Truffaut y Godard, en Francia, y Reisz, Richardson, Anderson o Clayton en el Reino Unido, ya habían sorprendido a la crítica varios años antes, pero El graduado fue un torpedo en la línea de flotación del buque insignia de lo establecido. 
El año 1967 fue excelente en diversos campos artísticos, unos tiempos intensos que anunciaban la gran fiesta del Mayo del 68 desde Berkeley hasta París. (…) 
Pese a todo, el filme de Nichols tardaría aún un par de años en estrenarse (abril de 1969): el que una señora bien mantuviera una relación pecaminosa con el hijo de sus amigos y futuro novio de su hija necesitaba bastantes meses para ser asimilado por el Régimen. (…) 
En realidad, El graduado fue premonitorio en casi todo. Quién le iba a decir a Mike Nichols que 40 años después, y tras haber roto muchos de los esquemas vigentes del tradicional Hollywood, la historia le daría la razón en la frase de uno de los amigos paternos del graduado: "El futuro está en los plásticos". La industria del cine descubrió el merchandising, las chucherías y el cine para púberes. El futuro y los plásticos ya están aquí". 

La película obtuvo diversos premios en ese año 1967. Por lo pronto en los premios de la Academia, los Oscars, fue nominada en siete apartados, para Mejor Película (Lawrence Turman), mejor actor (Dustin Hoffman), mejor actriz (Anne Bancroft), Mejor actriz de reparto (Katharine Ross), Mejor guión adaptado (Buck Henry y Calder Willingham) y Mejor Fotografía (Robert L. Surtees). Mike Nichols ganó el premio de la Academia al mejor director .
La película también recibió un Globo de Oro nominaciones para Mejor Actor - Película Musical o Comedia (Hoffman), y Mejor Guión (Henry y Willingham). Bancroft ganó el Globo de Oro a la Mejor Actriz - Película Musical o Comedia , Nichols ganó el Globo de Oro al Mejor Director , Turman y Joseph E. Levin ganó el Globo de Oro a la Mejor Película - Musical o Comedia , Hoffman ganó el oro Premio Globo de Nueva Estrella del Año - Actor , y Ross ganó el Globo de Oro a Nueva Estrella del Año - Actriz . 
Además, la película ganó el premio BAFTA a la Mejor Película , Premio BAFTA a la Mejor Dirección (Nichols), el Premio BAFTA a la Mejor Edición ( Sam O'Steen ). Bancroft fue nominado para el premio BAFTA a la mejor actriz en un papel principal . El Círculo de Críticos de Nueva York premió a Mike Nichols como mejor director.
El graduado fue recibido con críticas positivas por parte de los críticos desde su lanzamiento. AD Murphy de Variety y Roger Ebert del Chicago Sun-Times elogiaron la película, Murphy de hecho la describió como un "encantador satírica comedia-drama" y Ebert dijo que era la "comedia más divertida de América del año". Por trigésimo aniversario reedición de la película, Ebert se retractó de algunas de sus elogios anterior para la película, y señaló que ahora sentía que la película había envejecido y que ahora sentía más simpatía por la señora Robinson que por Benjamín, a quien consideró " insufrible." Él, junto con Gene Siskel, dio a la película una crítica positiva si poco entusiasta en el programa de televisión Siskel y Ebert. Los críticos modernos continúan alabando la película, especialmente por sui carácter trasgresor. 
En 1996, El graduado fue seleccionada para su preservación en los EE.UU. Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa", además de ser una de las más taquilleras películas en Estados Unidos y Canadá. 
En España, Carlos Boyero desde el Diario El País la calificó como "Joya cómica y sentimental (...) Todo es gozoso en 'El graduado' (...) las emocionantes canciones de Simon y Garfunkel, la creación de Hoffman, la potencia cómica, mordaz y lírica de esta comedia perfecta" 
Para Carlos Boyero, Nichols no poseía un sello de autoría y un estilo narrativo que te permitiera identificar de una película a otra eso tan enfático y prestigioso denominado universo propio, pero sí demostró capacidad y talento para realizar algunas películas memorables, y concluye: No vivirá en el panteón de los más grandes, pero sí en el de los que vinieron justo detrás. 
Años más tarde, en las entrevistas, Bancroft admitió que, para su sorpresa, la señora Robinson era el papel con el que se identifica más, y añadió "Los hombres todavía se me acercan y me dicen 'Usted fue mi primera fantasía sexual.'"
Para terminar comentaré que yo sí he notado el paso del tiempo en algunos momentos de la película. Entiendo que supuso un terremoto en la línea de flotación de la moral americana, pero esta historia de amor entre la mujer madura y el joven aprendiz amoroso creo que responde a un ritmo narrativo que hoy ya no existe, esencialmente en la relación entre Elaine y Benjamin que pasa en un segundo de la nada al todo en varios momentos a lo largo de la película. Lo que sí permanece para mí es la imortancia que han tenido en nuestras vidas, a veces - muchas- para mal los plásticos, y sobre todo, y la prueba es que en estos momentos la estoy tatareando, esa letra que dice:
 " And here's to you, Mrs. Robinson
Jesus loves you more than you will know. 
God bless you, please God bless you, please Mrs. Robinson.
Heaven holds a place for those who pray,
Hey, hey, hey
Hey, hey, hey

We'd like to know a little bit about you for our files
We'd like to help you learn to help yourself.
Look around you all you see are sympathetic eyes,
Stroll around the grounds until you feel at home.

And here's to you, Mrs. Robinson,
Jesus loves you more than you will know.
God bless you, please, Mrs. Robinson.
Heaven holds a place for those who pray,
Hey, hey, hey
Hey, hey, hey
... 

sábado, 22 de noviembre de 2014

Los secretos de Houdini


Tras ver la serie sobre Harry Houdini procedía ver un documental sobre él, para calibrar lo que era cierto y lo novelado. Visto ya el documental leída su biografía parece que el documental y la serie se equilibran entre sí. El documental ha sido Houdini: Unlocking The Mystery , que en España se transfrmó en Los secretos de Houdini. 

Se trata de un documental del año 2005 producido por New Wave Entertainent y distribuido por The History Channel. El documental es una obra de Michael Meadows , basándose en el guión de Richard Brehm Parece ser que se emitió por primera vez el 31 de octubre 2005, coincidiendo con la fecha del aniversario de la muerte del escapista. 

Participan en el mismo magos de reconocido prestigio como Lance Burton o David Copperfield, así como biógrafos e historiadores como María Corey, Patrick Culliton, Paul Draper, Glen David Gold, Henry Muller, Sidney H. Radner o Kenneth Silverman, así como la última colaboradora viva en aquel momento, Anna Thurlow. 
En la producción estuvieron Paul Apel, Alan Baral, Richard Brehm, Chris Harty Barry Alegría, Lissandrello Katz, Michael Meadows, Michelle Sylvester Susan Werbe. La jefa de roducción fue Dana Riddick La música estvo compuesta por Jeffrey Hepker, mientras que el montaje lo fue de Saltar Robinson, Suzanne Sternlicht y Rob Taylor. El encargado de sonido fue Chris Colley.
Se trata de un documental de hora y media larga en la que los magos e historiadores, así como personas con alto conocimiento biográfico del mago nos van contando la historia de Erik Weisz, nacido en el Budapest integrado en el Imperio Austrohúngaro, más tarde americanizado como Harry Houdini, y como pasa de ser un hombre sin formación, o mejor dicho autodidacta, a una superestrella de renombre mundial. 

Fue uno de los primeros hombres del siglo XX en el mejor sentido del término, puesto que se incorporará en su vida no sólo los inventos sino sobre todo la mercadotecnia que tanto trunfó en el asado siglo, pero también en el presente.
Cuenta con algunas entrevistas interesantes a un sobrino nieto de Houdini, nieto del otro hermano mago de la familia, así como de la última asistente con vida que ayudó a realizar algunos de sus trucos. 

También aparecen magos famosos como David Copperfield y Teller (de Penn & Teller) alabando influencia de Houdini en el mundo de la magia. Todo la historia viene trufada por la venta en pública subasta de pertenencias - artefactos y objetos- de Harry Houdini (cadenas, llaves, carteles, máquinas que van desde la lechera hasta la máquina de tortura china) que se vendieron por, cantidades sorprendentes. 

El documental nos habla de las distintas fases vitales de Harry Houdini, que no se llamaba ni Harry ni Houdini, desde aprendiz de todo, con sus espectáculos iniciales, la metamorfosis, pasando hasta la última fase frente a los espiritualistas, actividad surgida tras la Primera Guerra Mundial, inspirada en el deseo de contactar con los muertos , especialmente, por parte de los muchos que  habían perdido familiares durante el conflicto bélico. 

La parte final del reportaje nos habla de un grupo de personas que siguen la tradición de espiritismo, iniciada por la mujer de Harry, con el fin de contactar con su marido, algo que dejó tras diez años de contacto infructuoso e insatisfactorio. 
Para acabar el presentador Lance Burton, explora el experimento de la camisa de fuerza, poniendo así, junto a David Copperfield, comprador de gran parte de la colección de Houdini, fin al documental. 


viernes, 21 de noviembre de 2014

Houdini, una gran serie


Si me hubiesen preguntado hasta hace unos días por la cara cinematográficas del mago escapista Houdini, hubiese dicho que la de Tony Curtis, al fin y al cabo todavía recuerdo la película que la interpretó al gran Houdini, precisamente así se llamaba El gran Houdini. Se trataba de una película del año 1953 que dirigida por George Marshall, contaba igualmente con Janet Leigh, Torin Thatcher, Angela Clarke, Stefan Schnabel, Ian Wolfe, Sig Ruman. 

Sin embargo, desde hace un día la cara cinematográfica de Houdini será la de Adrien Brody. ¡Qué buenos trabajos estoy últimamente viendo interpretados por este actor!. El peso de la miniserie de dos capítulos que he visto en estas dos últimas noches del último serial que ha realizado el Canal Historia (History Channel) lo asume un buen guión escrito por por Nicholas Meyer, la buena dirección de Uli Edel, pero también la gran interpretación que de Harry Houdini Adrien Brody. 
Tuve noticias de la misma a través de Twitter, pues la miniserie se estrenó el 1 de septiembre de 2014. Y lo cierto es que últimamente este canal y su apuesta por la ficción ha dado en la diana. Recordamos como productos de la misma la serie Vikings, pero también Hardfields & MacCoys o The Kennedy, que todavía no he tenido posibilidad de verla. .

Según The Hollywood Reporter, la miniserie sigue al hombre que había detrás de la magia hasta que encuentra la fama, se involucra en el espionaje, inicia tras la muerte de su madre una batallas contra los espiritistas y se encuentra con los más grandes nombres y hombres, pero también mujeres, de la época. 
El drama es  el hilo conductor en la vida de este legendario artista ilusionista, desde que escapa de la pobreza hasta tocar la fama en todo el mundo, y su trayectoria vital será una crónica de la vida de un hombre que quería , muy a pesar de su esposa, desafiar a la muerte a través de sus trucos, sus visiones y su dominio de la ilusión. De ahí su lema: "Él no conocía límites". 
La producción por parte de este canal temático estuvo controlada por Gerald W. Abrams, Andras Hamori e Ildiko Kemeny que representan a las compañías A&E Television Networks, Cypress Point Productions y Lionsgate Television. 
Como he dicho anteriormente la historia ha sido llevada a la pequeña pantalla bajo la dirección de Uli Edel y con el guión de Nicholas Meyer que toma como referencia el libro Houdini: A Mind in Chains: A Psychoanalytic Portraitby Bernard C. Meyer, M.D. 
La música de la serie es obra de John Debney, mientras que la grandiosa fotografía corresponde a Karl Walter Lindenlaub, mientras que el montaje lo es de Sabrina Plisco y David Beatty. Los efectos especiales fueron realizados por la empresa Spin VFX, y como ayuda técnica trabajaron la Chapman/Leonard Studio Equipment , la Sky Media Travel y la Lakeshore Records como estudio de grabación. La serie ha sido distribuida por History Channel en los Estados Unidos, Channel 4 en Gran Bretaña. 

Además del muy bien interpretado papel de Harry Houdini interpretado por Adrien Brody trabajan en la miniserie Kristen Connolly como Bess Houdini, la mujer de Harry y Evan Jones como Jim Collins, el asistente Harry. Eszter Ónodi interpreta a Cecilia Weiss, la madre de Harry, mientras que Tom Benedict Knight es Dash Houdini, el hermano de Harry. Louis Mertens es Erich Weiss, o lo que es lo mismo el joven Harry. 
De su etapa adulta destacan relaciones como los espías William Melville – director del servicio de inteligencia británico -MI5- interpretado por Tim Pigott-Smith y Shaun Williamson que interreta el papel de Riley, otro agente del MI5. De su importante vida social destaca sus relaciones , buenas, al principio y nefasta más tarde con Sir Arthur Conan Doyle interpretado por David Calder y la mujer de éste, la clarividente Lady Doyle interpretado por Linda Marlowe. 

La historia del primer episodio parte del momento en que Houdini mostró de una manera su facilidad para el escapismo utilizando unas auténticas esposas de la policía en un burdel. 

Desde ese momento, Houdini nos va mostrando su vida desde sus humildes comienzos cuando todavía usaba su verdadero nombre, Erich Weiss, que se apoya en su hermano Dash para ayudarle a practicar la magia después de ver con impresión al primer mago que pasó por la ciudad natal que le acogió a él y a su familia, la localidad de Appleton, Wisconsin. Descubrimos sus humildes comienzos y, desde el primer momento, su estrecha cercanía con su madre, así como su alejamiento del padre, un judío ortodoxo que , tras varios años en los Estados Unidos, no sabe hablar inglés, lo que le cuesta el puesto de rabino en Appleton y casi la vida. Más tarde, y gracias a las lecturas cambia su nombre por el de "Harry Houdini" después de leer un libro sobre su mago favorito, Robert Houdin. 
Como desde ferias ambulantes y carromatos comienza la realización de trucos de cartas en actos secundarios en un circo ambulante, lugar donde conoce a su esposa Bess (Kristen Connolly, bailarina y cantante de otro espectáculo. Su carrera pronto empieza a ser seguida por periodistas, especialmente alabada como un maestro ilusionista. 

Importante en ella está el contactar con un admirador y creativo vendedor que se convertirá en su primer asistente, Jim Collins (Evan Jones). como Bess Houdini, la mujer de Harry y como Jim, el asistente Harry Tras el éxito de su fuga de la cámara de tortura china , alcanzará fama mundial como artista de escapismo, y que le lleva a conocer a la realeza europea y a celebridades en los años previos a la Gran Guerra. 

De hecho, por indicaciones del servicio de espionaje, a gracias a su fama, incluso a su conocimiento del alemán como austriaco de origen , Harry es reclutado por el MI5 para ejecutar misiones de espionaje para William Melville llegando a espiar al mismísimo Kaiser Guillermo II en Berlín Él se convierte en el maestro mago de fama mundial "El Gran Houdini". 

Pero, mientras que por un lado, se juega la vida como espía, por otro se la juega en sus actuaciones que desafían a la muerte delante de las audiencias masivas. Ha pasado desde sus humildes inicios hasta llenar grandes salas de conciertos en Europa. Es el vivo ejemplo del sueño americano el cual abre su camino profesional durante la locura del vodevil a principios del siglo 20, para luego perfilarse como la primera superestrella de renombre mundial de los Estados Unidos. 
Pero tras el estallido de la guerra y , debido a la competencia del cine, especialmente de Chaplin, tiene que volver a inventarse. Y lo hace lanzándose a un río helado encadenado, escena que pone inicio al primer capítulo y fin al mismo. 
La segunda parte nos presenta cómo Harry Houdini debe adaptarse al mundo moderno en constante cambio. Con la invención de imágenes en movimiento le amenaza con de ser de ser el centro de atención del mundo de espectáculo en 1914, opta por realizar escapes extraordinarios para que su audiencia retornara, y decide llevar el espectáculo ante ellos. 
Con la resolución del salto en San Luis comienza esta segunda parte, en la que vemos a un hijo devoto absoluto de su madre, su guía incluso cuando está bajo los hielos de un río congelado. Houdini debe afrontar su nuevo lugar en un mundo que cambia rápidamente. De ahí sus actuaciones públicas ante miles de personas como en San Francisco para reinventarse una y mil veces. 
Cuando su madre muere, mientras él está de gira, Harry está decidido a comunicarse con ella a través de médiums y clarividentes, pero fracasa en todos y cada uno de sus intentos. Esta desesperación le lleva a desenmascarar y desacreditar a estos falsos espiritistas. Especialmente sonora es su ruptura y denuncia de la esposa de Arthur Conan Doyle, lo que le lleva a un enfrentamiento directo entre los espiritistas y él. 
En los últimos años de su vida, Harry le promete a su esposa, Bess, ya cansada de que se juegue la vida por tan poco que vuelva a la magia. 

No obstante, algunos de sus números peligrosos como la cámara de tortura china le dejan secuelas en el pie. Con todo, su duro entrenamiento para ser un hombre ágil y fuerte le abre las puertas de la muerte, especialmente cuando un fan disgustado le da un serie de golpes mortales en el abdomen en su camerino después de realizar su última representación en Detroit. Aparentemente una peritonitis una gangrena interna le llevan a la tumba, pero nunca al olvido. 

History Channel anunció el desarrollo de una miniserie biográfica sobre Houdini que tendrá como estrella a Adrien Brody el 10 de abril de 2013. 
La serie fue oficialmente presentada el 19 de agosto de 2013, cuando se anunció que Kristen Connolly sería la segunda estrella y Uli Edel el director. El guión iba a ser escrito por el veterano autor y cineasta Nicholas Meyer, basándose en el libro de 1976 Houdini: Una mente encadenada: Un Retrato Psicoanalítico realizado por su adre, Bernard C. Meyer. También fueron anunciados Patrizia von Brandenstein y Karl Walter Lindenlaub como diseñadores de producción y director de fotografía, respectivamente. El 17 de septiembre de 2013, se anunció que el actor Evan Jones había sido añadido al elenco como Jim Collins, el ayudante de Houdini. El rodaje de la miniserie se inició el 30 de septiembre de 2013. 
Fue filmada en su totalidad en Budapest, Hungría (casualmente lugar de nacimiento del verdadero Harry Houdini). El productor ejecutivo Gerald W. Abrams consideró la caital húngara como la ciudad escenario más adecuada para una película ambientada en el siglo XIX. Para la música se contactó con el veterano compositor de cine John Debney. Como fan de Harry Houdini, Debney se unió al proyecto, a instancias de un productor con quien había colaborado previamente en la miniserie de A & E, Bonnie & Clyde. 
Brody, que había estudiado la magia como un niño, realizó muchos de los trucos de la demostración, incluyendo el escape camisa de fuerza suspendido en el aire en san Frascisco y la famosa escena de la cámara de tortura china. Como se ha dicho, para Brody ha sido una experiencia mágica teniendo en cuenta que a los 6 años ya había habido un acercamiento con la obra del ilusionista, y a los 11 se hacía llamar "The Amazing Adrien". 

Según el actor, fueron los trucos de Houdini los que lo motivaron a aprender magia cuando niño y lo que posteriormente lo llevaría a convertirse en actor. "Mi carrera de actuación comenzó con una obsesión por la magia y la ilusión. De niño encontré fascinante la idea de crear algo que puede o no existir; capturar la atención de otros y – no sólo entreteniéndolos, sino también incluyéndolos", comentó Brody. "De alguna forma él me inspiró la idea de la actuación – he ahí el comienzo de mi carrera - antes de que yo supiera que iba a tener una carrera como actor de películas". 
Durante el rodaje, Adrien Brody debió realizar algunas de las ilusiones y acrobacias, lo que describió como un riesgo y hermosa experiencia de aprendizaje. "El primer día estábamos en el estudio y tenía que aprender y practicar la cámara de la tortura en el agua y ese proceso fue increíble, muy desafiante y tuvo mucho riesgo. No hay mucho lugar para equivocarse. Hay una ruta de escape, pero la clave es aprender a controlar la respiración. Fue muy desafiante y fue el primer momento en que me di cuenta que iba a ser muy difícil", comentó el actor. 

Houdini recibió una respuesta mixta de los críticos. Allison Keene del The Hollywood Reporter elogió el papel que hace Brody como Houdini y sobre todo su "entusiasmo contagioso" y destacó igualmente "... la dirección refrescante y dinámica de Edel y rendimiento de Brody y sus trucos de Houdini que nos mantienen con asombro, incluso al espectador moderno ya hastiado. Eso es, de hecho, una hazaña mágica”. 
Marcus Perigard del Boston Herald dijo de la serie que si “Usted casi cree en la magia -. la magia de esta miniserie para capturar los tics y los trucos de un hombre complicado" Neil Genzlinger del The New York Times valoró el trabajo de Brody "una delicia de ver", pero criticó el guión y la dirección. Y añadió: "Una mejor versión de esta increíble vida..." 
Brian Lowry de Variety, sin embargo, habló en un tono menos favorable de la serie, que describe la actuación de Brody como " abrumado", criticando especialmente el guión de Meyer ", guión espurio, (...) y la dirección igualmente molesto de Uli Edel." Emitida en septiembre 2014, ha sido la miniserie de televisión por cable más vista en los Estados Unidos en 2014 por más de 3,7 millones de espectadores 
A mí, reconozco que me ha gustado. Y eso que la he visto en horarios intempestivos. Me gusta que se nos presente "Houdini" como la historia de un hombre que con sus trucos desafió a la muerte pero también realidad, demostrado que ser mago es mucho más que sacar un conejo de un sombrero, pues hace desaparecer un elefante en una carpa, hace sonar las mudas campanas del Kremlin o escapa de un río helado. 

martes, 18 de noviembre de 2014

De aquí a la eternidad


El pasado 2 de noviembre escuché en la radio que ese día se cumplía el 101 aniversario del nacimiento de uno de los grandes del cine, un atlético hombre del circo que acabó siendo uno de los grandes del cine. En mayo de 2013, se celebró en su ciudad natal un homanaje hacia el hombre y sus películas, desde The Killers (1946) hasta Atlantic City , película del año 1980. Sabemos que pasó por el cine italiano siendo un conde gatopardiense o por la televisión, en esete caso con más pena que gloria, las series no eran lo que son. Sin embargo, entre sus muchas y sus grandes actaciones debemos incluir la que vi en la tarde de ayer: De aquí a la eternidad (From Here to Eternity). 
La película estadounidense de 1953 basada en la novela homónima de 1951 escrita por James Jones y que fue dirigida por el vienés Fred Zinnemann- paisano de Billy Wilder-, uno de los considerados, según Terenci Moix, autores realistas de Hollywood. La película participó en la selección oficial del Festival de Cannes de 1954.
Zinneman lleva al cine las hustorias cruzadas de tres soldados, interpretado por Burt Lancaster, Montgomery Clift, y Frank Sinatra, estacionados en Hawai en los meses previos al ataque a Pearl Harbor. Deborah Kerr y Donna Reed retratan a las mujeres en sus vidas. Entre los cinco , una impresionante cohorte de actores secundarios que incluyen desde el gran Ernest Borgnine, Philip Ober, Jack Warden, Mickey Shaughnessy, Claude Akins, hasta George Reeves. 
El título del filme proviene originalmente de un poema de Rudyard Kipling del año 1892 cuando se refiere a los "Gentlemen-Rankers", soldados del Imperio Británico que habían "perdido [su] camino" y que estaban "condenados de aquí a la eternidad". 
La película contiene algunas de las escenas más tórridas llevadas al gran cine hasta ese momento como es el beso apasionado entre las olas las arenas de la playa de Oahu, en Hawaii, así como frases y diálogos llenos de contenidos directo o indirectos que insinúan o determinan entre ellas la aquella que pronuncia Karen Holmes (Debarah Kerr) “Llevo puesto el bañador”, al que el sargento Warden (Burt Lancaster) responde: “Yo también”. … de aquí a la eternidad. La producción estuvo controlada por Buddy Adler para la Columbia Pictures. El director ejecutivo de la compañía Cohn había comprado en 1951 los derechos de la novela homónima escrita por James Jones. 
Posteriormente entregó el libro a Daniel Taradash, quien trasladará la novela al guión. La productora invirtió una importante cifra para el época, algo más de millón y medio de dólares (1,650,000$) que fueron recompensados por el éxito en las taquillas que alcanzaron los 30,500,000. $. Todo un éxito. 
La música, que fluye en los momentos esenciales de la película, escenas de amor, tensión , pero también en los momentos de relajación con especial referencia al blues y con algunos toques polinesios y jazzísticos corresponde a la dirección de George Duning. Como el grado de inspiración para la película fue elevado destaca la magnífica fotografía en blanco negro de Burnett Guffey. 

El reparto lo encabeza Burt Lancaster como el Sangerto primero Milton Warden , que se posiciona junto a Montgomery Clift que interpreta al soldado Robert E. Lee "Prew" Prewitt y a Frank Sinatra como el soldado Angelo Maggio. A este trío le responde un gran duo femenino el que presenta a Deborah Kerr como Karen Holmes Donna Reed como Alma "Lorene" Burke . 
Como secundarios de lujo aparecen Philip Ober como el capitán Dana "Dynamite" Holmes, Mickey Shaughnessy como el auxiliar Leva, Harry Bellaver como el soldado de primera clase Mazzioli, Ernest Borgnine como el Sargento de la policia militar James R. "Fatso" Judson, Jack Warden como Buckley, John Dennis como el sargento Ike Galovitch, Merle Travis como el soldado Sal Anderson, Tim Ryan como el Sargento Pete Karelsen , Arthur Keegan como Treadwell, Barbara Morrison como Mrs. Kipfer, George Reeves como el sargento Maylon Stark, Claude Akins como el sargento 'Baldy' Dhom, Alvin Sargent como Nair, Joseph Sargent como un soldado, Robert J. Wilke como el sargento Henderson, Carleton Young como el Coronel Ayres Tyler McVey como el Mayor Stern. 

Estamos en 1941, el soldado Robert E. Lee Prewitt (Montgomery Clift) ha solicitado el traslado de acuartelamiento y ha dejado su cómodo puesto de corneta para centrarse en su carrera como soldado profesional. Prewitt pasa ahora a la compañía de fusileros en Schofield Barracks en la base militar de Pearl Harbor sita en la isla de Oahu (Hawai). 
Su nuevo capitán Dana "Dinamita" Holmes (Philip Ober) ha oído que es un boxeador de peso medio con talento, un buen boxeador, y lo quiere unirse a su equipo de boxeo del regimiento con el fin de asegurarse su promoción en la oficialidad y quiere que luche representando a la compañía. 
Sin embargo, Prewitt es un antiguo boxeador . Se ha retirado definitivamente del ring. Ha dejado el boxeo y se niega a participar. Prewitt tiene una razón que explicase su negativa: cegó a su compañero de entrenamiento, uno de sus mejores amigos hace aproximadamente un año. Holmes es firme, pero también lo es Prewitt. El capitán da orden a sus subordinados de que le hagan la vida imposible, con la idea de que cambie de parecer.
Holmes da órdenes al sargento mayor Milton Warden (Burt Lancaster) para preparar los documentos de la corte marcial generales después sargento Galovitch (John Dennis) insulta primero Prewitt, luego da un orden razonable que Prewitt se niega a obedecer. Warden, sin embargo, sugiere que trata de hacer cambiar de opinión a Prewitt doblando los castigos. El objetivo de Warden no es tanto castigar Prewitt, sino para evitar que una corte marcial frene su vida como soldado de carrera. Los otros suboficiales ayudan en la conspiración. 
Prewitt sólo lleva bien con un compañero, el soldado Angelo Maggio (Frank Sinatra). Entretanto, el sargento Warden (Burt Lancaster) comienza a verse con Karen la descuidada esposa del capitán Holmes (Deborah Kerr), dispuesta a entablar una relación con otro hombre debido a los problemas existentes en su matrimonio. 
Mientras tanto, Warden comienza un romance con la esposa (Deborah Kerr). Viven una historia de amor adúltera. Warden le comenta a Karen que la pena por su relación adúltera puede ser una pena de prisión de veinte años. Además, el Sargento Maylon Stark (George Reeves) le one en aviso a Warden sobre muchos asuntos anteriores de Karen en Fort Bliss, incluyendo una aventura con él. 

A medida que se desarrolla su tórrida apasionada relación, Warden le pregunta a Karen el motivo de su infidelidad para poner a prueba su sinceridad. Karen le relata que su marido, el Capitán Holmes le ha sido infiel desde el inicio de su matrimonio. Ella, incluso, tuvo un aborto del que podía haber sido su primer hijo. Ella empezó a tener contracciones, pero el le dijo que tenía una reunión con otros militares, pero , en vez de hacerlo, se reunió con su amante. Holmes regresó a casa, de madrugada , después de verse con una chica del guardarropa, borracho e incapaz de llamar a un médico mientras ella sangraba. No sólo perdió a su hijo, que nació muerto, sino que quedó incapacitada para tener más hijos. A continuación, Warden la abraza.

Prewitt y Maggio salen cuando les dan permiso. Tras tomar unas copas se pasan por el club del que es socio el segundo, el New Congress Club, un club de caballeros donde puede bailar con las chicas. Prewitt, de inmediato, se enamora de Lorene (Donna Reed). Ella quiere casarse con un hombre "adecuado" con un trabajo "adecuado" y vivir una vida "adecuada". Pero en el club hay un sargento que aporrea el piano saca a Maggio de sus casillas. Maggio y el sargento James R. Judson (Ernest Borgnine) casi llegan a las manos en el club por tocar el piano. Judson, además, interfiere en el baile de Maggio. 

Una tarde en la cantina militar, Judson provoca a Maggio. Lo hace quitándole una fotografía de su hermana, besándola, y susurrando algo al oído de Prewitt. Maggio le rompe un taburete sobre la cabeza de Judson. Judson saca una navaja, pero Warden interviene. Cuando Judson avanza sobre Warden, Warden le rompe una botella de cerveza con la que improvisa una arma, provocando que Judson de marcha atrás. 
Sin embargo, Judson advierte a Maggio que tarde o temprano va a terminar en el calabozo, donde Judson es el sargento de la Guardia. Mientras Karen le pide a Warden que si él se convierte en oficial, ella podría divorciarse de Holmes y casarse con él. Warden acepta a regañadientes el considerarlo. 
A pesar del castigo por desobediencia al sargento Galovitch (John Dennis), Warden da a Prewitt un pase de fin de semana. Aprovechando la coyuntura va a ver a Lorene al club. 
Mientras esto ocurre a Maggio le han encargado la guardia, pero éste se escapa. Maggio es encontrado por Prewitt en estado de ebriedad, después de haber abandonado su puesto. 
Los policías militares arrestan a Maggio, y este es condenado a seis meses en el calabozo donde Judson está esperando. 
La detención de Maggio amarga notablemente a Prewitt. En este estado, una provocación del sargento Galovitch supone el inicio de una pelea con Prewitt. Al principio, Prewitt se niega a luchar, entonces recurre a sólo golpes al cuerpo, pero sin tocar la cabeza. Su espíritu de lucha vuelve a emerger, y Prewitt ota al final por golpear sin reparos a Galovitch antes de que Holmes finalmente detenga la pelea. Galovitch acusa Prewitt de comenzar la pelea, pero un suboficial desmiente este versión al afirmar que comenzó Galovitch. Holmes dispersa la multitud. Pero todo el incidente es observado con estupor por el comandante de la base, que ordena una investigación al Inspector General. 
Después de descubrir los motivos que han llevado a Holmes a castigar desproporcionadamente a Prewitt y fomentar la violencia hasta éste, el comandante de la base ordena un consejo de guerra. Cuando el Consejo condena a Holmes un ayudante le sugiere a Holmes que renuncie a su puesto. 
El nuevo Capitán que sustituye a Holmes es el capitán Ross (John Bryant) que reprende a los otros involucrados y ordena quitar las fotografías y trofeos enmarcadas del equipo de boxeo. Luego degrada a Galovitch a soldado y lo pone a cargo de las letrinas. 
Maggio, una noche, escapa del calabozo, pero en la huída se hiere mortalmente y fallece en los brazos de Prewitt después de decirle los abusos que sufrió a manos de Judson. 

Prewitt dolido con el estamento militar y su justicia- a se sabe, la justicia militar es a la justicia, lo que la música militar es a la música-  busca una noche a Judson y lo mata con la misma navaja de Judson con las que se enfrentó a Maggio, pero sufre una grave herida en el estómago. Prewitt se esconde en la casa que ha alquilado Lorene. Son las ocho menos diez de la mañana del domingo 7 de diciembre de 1941. En el cuartel falta Prewitt. 
Mientras la mayoría de los soldados desayunan con tranquilidad. En ese momento la tranquilidad se quebranta por el rugir de unos motores. Ellos piensan que es muy temprano para unas maniobras. Sin embargo, la sorpresa es mayúscula. Son aviones japoneses atacando Pearl Harbor. El ataque genera las primeras bajas. La resuesta, tímida ante la sorpresa no se hace esperar. Prewitt, herido, intenta reunirse con su compañía al amparo de la oscuridad, pero es interceptado por sus compañeros que piensan que puede ser un saboteador. Warden señala la ironía de que el torneo de boxeo se ha cancelado a causa del ataque. 
Tras el ataque Warden se reúne con Karen. Cuando Karen se entera de que Warden no se ha matriculado en el curso de oficial, se da cuenta de que no tienen ningún futuro juntos. Ella regresará en barco a los Estados Unidos junto a su marido. 
Lorene y Karen se encuentran en el barco. Lorene le dice a Karen que su prometido era un piloto de bombardero que murió heroicamente durante el ataque. Karen reconoce el nombre de Prewitt, pero no dice nada. Y lanzan sus collares floridos al Pacífico, y el océano los lleva al interior del océano con lo que según la tradición nunca volverán a Hawaii. Hasta aquí la película.



Habían existido dudas sobre la viabilidad de esta película cuando el que mandaba en la Columbia, el jefe del estudio, Harry Cohn, compró los derechos de la novela por 82.000n dólares en 1951. Las dudas partían por la dificultad de presentar críticamente al estamento militar, el lenguaje descarnado de la novela y el papel central del adulterio. Sin embargo, Cohn tenía olfato de éxito y lo consiguió. La Columbia con esta película y con otras posteriores (“Picnic”) contribuyó a ensanchar los estrechos límites impuestos por la censura. 

"De aquí a la eternidad" es una de las películas más laureadas y queridas de la historia del cine, después de haber ganado ocho premios de la Academia, incluyendo los de Mejor Película y Mejor Director. Con un elenco de estrellas que incluye a Burt Lancaster, Montgomery Clift, Donna Reed, Deborah Kerr y Frank Sinatra, como soldados mujeres estacionados / varadas ellas en Hawai en los días previos a Pearl Harbor. Contiene algunas de las escenas y diálogos más famosos de la historia del cine. 

De entre estas destaca la pareja de Sargento Milton Warden / Lancaster y Karen Holmes / Kerr besándose a orillas de una playa con olas espumosas del Océano Pacífico. Se rodó en escenarios naturales y reales de Hawaii (EEUU) durante 41 días. La censura previa de la propia Columbia y las preocupaciones morales de la época llevan un encuentro sexual en la playa a una secuencia, con su marea. 'De aquí a la eternidad "  fue filmada en Halona Cove – no en Hanauma Bay-, también conocida por "The Peering Place". Desde la película su nombre es "De aquí a la eternidad Beach." .

La película fue producida por Buddy Adler (“Bus Stop”, Logan, 1956) para la Columbia, se proyectó por primera vez en público el 5 de agosto de 1953 en Nueva York. La adaptación de una novela de éxito que plantea, 6 años después de la IIGM y al comienzo de la Guerra de Corea (1951-53), la denuncia y crítica de la brutalidad, corrupción, sadismo y mezquindad que se da en el Ejército en tiempos de paz. En busca de emociones fuertes, al gusto del público del momento, contextualiza la crítica antimilitarista en un ambiente marcado por el adulterio, la prostitución y la ninfomanía. Son sólo seis segundos antes de saltar y correr a un terreno más seco. 
La leyenda de Hollywood dice que Frank Sinatra consiguió el papel en la película debido a sus supuestas conexiones con la Mafia. Sin embargo, esto fue desmentido en varias ocasiones por el elenco y equipo de la película. El propio Fred Zinneman comentó que "... la leyenda sobre la cabeza de un caballo después de haber sido cortada es pura invención, una licencia poética por parte de Mario Puzo, que escribió El Padrino". 
Más plausible es la teoría de que la entonces esposa de Sinatra Ava Gardner convenció a la esposa del jefe del estudio Harry Cohn para usar su influencia con él. Parece ser Joan Crawford y Gladys George se le ofrecieron papeles para la película, pero Gladys George perdió su papel cuando el director decidió reducir el peso del papel femenino en la película, mientras que Joan Crawford que exigía la presencia de su propio fotógrafo llevó al estudio a dar una oportunidad a una bellísima Deborah Kerr. La química en la pantalla entre Lancaster y Kerr se mantuvo tras la misma y se comentó que ambos mantuvieron una relación sentimental durante el rodaje. 

De aquí a la eternidad resultó ser un éxito de crítica y público. Obtuvo una recaudación de 30,5 millones de dólares ($) y no sólo fue una de las películas más taquillera de 1953, sino una de las diez películas más taquilleras de la década.

En la revista Variety se llegó a escribir lo siguiente: "El éxito de ventas del libro de James Jones, 'De aquí a la eternidad", se ha trasformado en una adaptación cinematográfica excepcional. (…) . Los nombres del elenco son excepcionalmente buenos… 
El New York Post aplaudió el trabajo de Frank Sinatra, remarcando que "Él demuestra que es un actor interpretando al infortunado Maggio con una alegría tan real como conmovedora." Newsweek también declaró que "Frank Sinatra, un cantante melódico desde hace mucho tiempo se ha trasformado en actor..." 

James Jones, autor de la novela, y también de“La delgada línea roja” hace una aparición sin acreditar charlando con azafatas y otros soldados de la escena en la que Ernest Borgnine (Fatso) toca el piano en el Congress New Club. En este sentido señalar, y hablando de la música de la película, señalar que contiene canciones hawaianas (“Chattanooga Chao Chao”), festivas (“Beer Barril Polka”, al piano en el Club) y sensuales (“Serenade in blue”, “Re-enlistment Blues”) con peso de Robert Wells y Fred Karger. 
La fotografía, de Burnett Guffey hace uso del Blanco y Negro para acentuar el realismo y el dramatismo de la acción. Crea imágenes bien contrastadas y perfiladas con maestría, que evocan aspiraciones documentalistas. Añade filmaciones documentales del ataque japonés. 

La película ganó ocho premios de la Academia de las 13 nominaciones, incluyendo para Película, Mejor Director (Fred Zinnemann), actor de reparto (Frank Sinatra) y actriz de reparto (Donna Reed), al mejor guión adaptado, a la mejor fotografía, al mejor montaje, y al mejor sonido. Las 8 estatuillas eran un récord que hasta entonces sólo tenía lo que El viento se llevó. Fue nominada a otros cinco, al mejor actor principal (Burt Lancaster), al mejor actor principal (Montgomery Clift), a la mejor actriz principal (Deborah Kerr), a la mejor música y al mejor vestuario. 
En 1953 consiguió además dos Globos de Oro, al mejor director y actor de reparto (Frank Sinatra). También Círculo de críticos de Nueva York premió a la película como la mejor película, director y actor (Lancaster). En los Premios BAFTA fue nominada a la mejor película. Además ganó el Premio especial en el Cannes Film Festival y fue nominada al Grand Prize of the Festival. 
La Directors Guild of America premió a Fred Zinneman, así como la Writers Guild of America al mejor guión y la Photoplay Award la Gold Medal. William Holden, quien ganó el Oscar al mejor actor por Stalag 17, consideró que Lancaster o Clift deberían haber ganado. Sinatra, años más tarde comentó que pensaba que su actuación de Frankie Machine como adicto a la heroína en El hombre del brazo de oro era más merecedor a un Oscar que su papel de Maggio. 
Fernando Morales en el Diario El País comentó que "La vida castrense salta de nuevo a escena en este clásico, dirigido maravillosamente por Zinnemann y protagonizado por un inconmensurable But Lancaster (...) Imprescindible". Terenci Moix, en su Historia del Cine, publicada por el diario ABC,  destaca la audacia del director por desmitificar el ejército americano. Mientras que Inocencio Arias comenta en la trasera del videocasete correspondiente a la colección la historia más grande jamás filmada afirma que “La película es una obra impecable, el guión sólido y el ambiente creada por la ajustada dirección de Zinnerman sobresaliente. 
La película es buen cine. Junto al trabajo envidiable del director, el film cuenta, gracias a la mano de la providencia, con un reparto fabuloso”.  Un magnífico reflejo sobre la vida en un acuartelamiento y sus aledaños. Descubrimos a los militares por fuera y por dentro con sus pasiones y sus miserias, sus puntos fuertes y sus debilidades. 
En el acuartelamiento de Schofield, y en sus bares van a estallar todas las pasiones humanas, que convierten la vida en el archipiélago en un espacio de injusticias, abusos de poder, envidias, odios, venganza, romances dadas las personalidades de cada uno de los protagonistas: Prewitt es testarudo, Maggio es bromista y bebedor, Warden es un trabajador eficiente, Judson es un salvaje, el capitán Holmes es déspota, Lorena es una chica interesada y soñadora, Karen Holmes es una mujer insatisfecha y frustrada.
El film huye de parte de lo escrito por James Jones – que formaba parte de una trilogía sobre la guerra junto con “La delgada línea roja” (1962) y la inacabada “Silbido” (1978)- , aunque Jones es también el autor de la novela “Como un torrente” (1957), llevada al cine (1958) por Vincent Minnelli-, manteniendo el drama, el romance y la inesperada guerra. La película, al objeto de evitar problemas con la rígida censura del Código Hayes, rebaja la crítica antimilitarista, incorpora elogios a las instituciones militares y elimina las blasfemias y el prostíbulo. 
El film centra la atención en cinco temas principales: el adulterio, la prostitución, la corrupción, los castigos sádicos y el alcoholismo. Sin abandonar nunca el tono mesurado y contenido, el realizador y el guionista se apoyan más en la sugerencia y en las indicaciones veladas, que en la demostración directa y explícita. Construyen con el apoyo de unas interpretaciones convincentes y un gran guión, unas atmósferas de tensión y dramatismo de gran nivel. No desarrollan una acción dramática única, sino un entramado de dramas paralelos y simultáneos.En definitiva, una gran película, un clásico imprescindible.

Parade´s End


Una mirada a las mejores series del pasado año en el diario digital de Expansión, y uno descubre que, entre las bélicas, aparece una serie realizada conjuntamente por la HBO y la BBC y que se desarrolla durante la Primera Guerra Mundial. Uno piensa - y reconoce- que este año se ha cumplido el centenario del inicio de la “Gran Guerra” y se ve en la obligación de ver la serie recomendada. Su título es Parade's End (algo así como “El final del desfile”), tetralogía escrita entre 1924-28, sobre la vida inglesa antes y durante la guerra, compuesta por las novelas: Algunos no lo hacen (1924), No más desfiles (1925), Un hombre podría resistir (1926) y La última posición (1928). Se trata de una adaptación de la tetralogía de novelas del mismo nombre escrita por el escritor británico Ford Madox Ford, pionero de la complicados técnica literaria de los flashbacks. Para la descripción de la guerra utilizó sus propias experiencias en el frente, donde sirvió como oficial en el cuerpo de Reales Fusileros Galeses. 
Son sólo cinco los capítulos de esta miniserie dramática realizada para la televisión entre la más prestigiosa cadena pública, la británica BBC y el más laureado canal por cable estadounidense, HBO en asociación con la Mammoth Screen, que la estrenaron respectivamente - en la BBC Two - el 24 de agosto de 2012, y en HBO el 26 de febrero de 2013. Entre una y otra fue proyectada en el 39º Festival de Cine de Gante el 11 de octubre de 2012. 
Sus cinco episodios están dirigidos por Susanna White y escritos por Tom Stoppard. Cuentan con la producción de David Parfitt y Selwyn Roberts; estando como Productores ejecutivos Michel Camilo y Damien Timmer. La fotografía fue de Mike Elley y la música de Dirk Brossé. La distribución ha correspondido con la Entertainment One 

El reparto está encabezado por Benedict Cumberbatch como Christopher Tietjens y Rebecca Hall como Sylvia Tietjens, junto con Adelaide Clemens como Valentine Wannop, Participan igualmente Rupert Everett como Mark Tietjens, Miranda Richardson como Mrs Wannop, Anne-Marie Duff como Edith Duchemin, Roger Allam como General Campion, Janet McTeer como Mrs Satterthwaite, Frederick Fox como Edward Wannop, Jack Huston como Gerald Drake y Steven Robertson como el Coronel Bill Williams. Junto a ellos como secundarios de lujo Ned Dennehy como Padre Consett, Alan Howard como el Señor Tietjens, Rufus Sewell como Reverendo Duchemin, Lucinda Raikes como Evie, Tom Mison como “Potty” Perowne, Jamie Parker como Lord Brownlie y Anna Skellern como Bobbie Pelham 

La película nos cuenta la historia de un triángulo amoroso que se desarrolla entre Christopher Tietjens, su vengativa esposa Sylvia y la joven sufragista Valentine Wannop, en medio de la Primera Guerra Mundial y en una Europa al borde de un cambio radical. 
Esta figura geométrica es la que enmarca no sólo los títulos de crédito, sino también las caras de sus protagonistas al inicio de los cinco episodios que pivotan sobre el personaje de Christopher Tietjens, su mujer Sylvia y de una joven como Valentine , y que tiene como contexto el carácter eduardiano de los británicos: "Se ha dicho que la peculiar costumbre de reprimir las emociones coloca a los ingleses en desventaja en los momentos de gran presión inesperada. En las cuestiones menos importantes del curso general de la vida se comportarán de modo impecable sin inmutarse por nada, pero ante la súbita confrontación con cualquier cosa que no sea un peligro físico es fácil – de hecho es casi seguro – que se vengan abajo. Esa es al menos la opinión de Christopher Tietjens" 

La historia empieza en Francia con Sylvia como protagonista de una historia de amor traicionado, teniendo una relación con su amante Gerald Drake. Casi de inmediato conocemos al segundo protagonista, Christopher Tietjens, que comenta con su amigo MacMaster que se va a casar aunque no está seguro de la paternidad de su hijo que está a punto de nacer tras haber tenido un encuentro fugar en un vagón de tren. 

El es un hombre de la nobleza rural cuya madre le pasaba un renta personal; cobraba un sueldo del Departamento Imperial de Estadística; se había casado con una mujer con posibles, y, como buen tory, dominaba lo bastante los sarcasmos y desdenes para que le escuchasen cuando hablaba” 
Ella es una chica católica de la alta sociedad británica , tremendamente manipuladora Sylvia Satterthwaite que busca emparentar con una casa aristocrática la de Tietjens. 

Desde el principio vemos que su matrimonio es infeliz y Sylvia lo deja por otro hombre , “Potty” Perowne, su amante, con el que huye a Francia y, tras abandonar a éste a Alemania, lugar en que su madre, Mrs Satterthwaite, está en un balneario junto al Padre Consett, un sacerdote irlandés , antibritánico y católico. 
Mientras deja a su hijo bajo la protección de su hermana para que reciba una educación anglicana y acorde con la tradición familiar, prosigue con su trabajo estadístico, especialmente importante para los Ministerios británicos que reconocen en él a una eminencia, una persona que sabe todo, de todo. A pesar de que su familia y su amigo MacMaster le hablan de la posibilidad del divorcio, “Chris” se niega pues no quiere arruinar a su mujer y dejar a su hijo sin formación. 
Tras marchar de vacaciones con su amigo MacMaster se encuentran jugando al golf, un juego que él detesta, pero que es interrumpido por el “atentado” de dos chicas pertenecientes al movimiento sufragista. El, a pesar de su raíz conservadora, racionalmente de acuerdo con las peticiones ayuda a ambas a escapar de la policía. 
Poco días más tarde, en una visita que tiene lugar en la casa de una escritora de cierto éxito, Mrs Wannop , Christopher, se encuentra con la joven y bella sufragista Valentine Wannop. Tras hablar de lo divino y de la humano, especialmente de la militancia de ella en el movimiento de la señora Emmeline Pankhurst, se siente atraído por Valentine , pero es demasiado honrado para serle infiel a su esposa que acaba de regresar de Alemania. 

En el segundo Christopher y Sylvia se comprometen a reanudar su vida de casados en público, aunque en privado todavía estén distanciados. Como se avecina la guerra, Christopher trata de luchar contra sus sentimientos por Valentine. 

En el tercero la serie entra de lleno en la guerra y con el advenimiento de la guerra, Silvia y Christopher descubren que sus enemigos han estado difundiendo falsos rumores sobre él y Valentine, sobre su simpatía hacia la causa alemana o sobre la colaboración de la familia Satterthwaite, junto al Padre Consett con los enemigos. 

En el cuarto, Christopher es herido en el frente. Una vez recuperado en casa, y tras pasar por una convalecencia desagradable pues se entera de los infundidos hacia su persona que han sido recogidos por su hermano Mark Tietjens y que han llegado a los oídos horrorizados de su padre, el cual ha optado por pegarse un tiro, le dan un puesto lejos de las líneas del frente, en Rouen. 

En esas circunstancias recibe la visita de una Sylvia que le confiesa que no lo ha traicionado desde hace cinco años y que va a la localidad Normanda con el fin de discutir su futuro. 

En el quinto, Sylvia intenta evitar que Christopher, al regresar vaya con Valentine cuando la guerra llega a su fin. De todas maneras el en el frente sólo tiene memoria para Valentine, a la que incluso llega a ver en una trinchera. En la trinchera descubre las más bajas miserias humanas y hasta la locura. Finalmente es herido nuevamente en el frente. 
Una vez terminada la guerra debe decidir quién ha de permanecer durante todo el período de su vida: la hermosa pero manipuladora Sylvia o la adorable Valentine. Finalmente decide que quien merece todo su respeto es la persona que más lo ha respetado. Un desfile militar, el último desfile, pone fin a la serie. 

Fue el productor Damien Timmer quien le pidió al dramaturgo Tom Stoppard escribir la adaptación, después de leer las novelas. Stoppard accedió a escribir el guión, en lo que suponía se retorno a la televisión después de una ausencia de 30 años. Stoppard desde el principio pensó en el actor británico del momento, Benedict Cumberbatch para el papel de Christopher Tietjens, mucho antes de que la serie Sherlock lo convirtiera en una estrella mundial. A Adelaide Clemens se le dio el papel de Valentine después de llegar a la audición con ropa de época. Inicialmente, los productores se mostraron reacios a contar con una actriz australiana, pero les convenció el echo de que el padre de Clemens fuese un ciudadano británico. 
Una parte importante de la película fue filmada en locaciones de Kent en Dorton Casa y la iglesia de St. Thomas Becket. Escenas adicionales se rodaron en el Freemasons 'Hall en Covent Garden londinese y Duncombe Park en Helmsley como la mansión de los Tietjens, Groby, en el norte de Yorkshire. También en Harpsden Court, en Oxfordshire. El resto de la serie fue filmada en Nieuwpoort, Veurne, Vorselaar todas ellas en Bélgica, incluyendo el Castillo de Poeke en la ciudad de Aalter, al igual que las escenas que nos llevan al el frente occidental recreado en Flandes. 
Stoppard hizo cambios con respecto a la obra original, racionalización de la trama para centrarse en el triángulo amoroso, incluye algunas escenas de sexo y excluye arte de la cuarta novela. El propio Ford a veces se hace referencia a ella como una trilogía. "Él pudo haber escrito el cuarto para cumplir un contrato o porque necesitaba más dinero", dijo Michael Schmidt, el albacea de la herencia literaria de Ford. La serie recibió elogios de la crítica y, a menudo se cita como "la versión intelectual de Downton Abbey ". 
En su estreno en BBC Two, atrajo a 3,5 millones de espectadores, por lo que es el drama más visto en la BBC2 desde la serie Roma en 2005. El segundo episodio tuvo un descenso en las calificaciones con 2,2 millones de espectadores. 

La serie recibió numerosos elogios de los medios británicos como el The Independent en el que Gracie Dent señala que la serie era "una de las mejores que de la BBC ha hecho nunca". Otros elogiaron a Cumberbatch y a Hall en los papeles principales, Cumberbatch por su habilidad para expresar el dolor reprimido. Sobre su trabajo Gerard Gilbert del The Independent señaló que "Tal vez ningún otro actor de su generación es tan capaz de sugerir el tumulto debajo de una costra, una superficie aparentemente inerte". 
Emma Dibdin encuentra "la actuación de Cumberbatch ... impecable … conmovedora, una yuxtaposición dolorosa de rigidez emocional y profunda, una vulnerabilidad paralizante". Hall fue elogiada como "uno de los grandes personajes femeninos de la última década" y por Caitlin Moran , quien señaló que "el guión y la dirección se elevan al nivel de genio ". The Guardian llamó a esta serie “el Downton Abbey de los pijos”.

La miniserie recibió críticas generalmente favorables también por parte de los críticos de televisión estadounidenses y canadienses por parte de HBO. Roger Ebert en su columna del Chicago Sun-Times la alabó, mientras que Brad Oswald del Winnipeg Free Pres la calificó como "una obra maestra de la televisión" Esas mismas fueron las palabras escritas por David Wiegand en el San Francisco Chronicle . Sara Vilkomerson del Entertainment Weekly dijo de ella que "Estarás suspirando por más una vez se haya acabado". 
En el Detroit News Tom Long destacó que "La desconexión entre honestidad y realidad mantiene la miniserie constantemente al límite. Todo el elenco está muy bien, pero Hall es la gran sensación de la serie". En el The New York Times Alessandra Stanley dejó por escrito lo siguiente: "La serie no es fácil de seguir y no te encantará al instante, pero es imposible apartarse de ella". 
Tim Goodman en el The Hollywood Reporter señalaba que "La estructura narrativa de Stoppard tiene un ritmo extraño, y la dirección de White puede resultar a la vez majestuosamente hermosa y discordante. Pero combinadas, sus opciones permiten que 'Parade's End' logre la exquisitez". 
Algo más crítica es la opinión de James Poniewozik en Time cuando comenta que "Esta miniserie no te dice cómo te debes sentir, y no está precisamente llena de personajes encantadores y adorables. Pero en la historia se percibe la angustia de una gente que se da cuenta que su ordenado desfile está acabando con todo a su alrededor"; algo que también refleja en USA Today Robert Bianco afirmaba que "Sin duda, grandes talentos y nobles ambiciones están en juego aquí, pero en alguna parte del proceso, esos talentos parecen haber confundido 'bueno' con 'aburrido' y 'serio' con 'tedioso' (...). Por último en el The Washington Post Hank Stuever afirmaba que era "Difícil de identificarse con ella y con ritmo de caracol, 'Parade’s End' parece que dure el doble de su metraje. Y sin embargo es una obra exquisita y bien pensada, con pedigree británico y una fuerte estructura” . 

La miniserie fue premiada en seis nominaciones a los BAFTA incluyendo el de Mejor Actriz por Rebecca Hall. Ganó Mejor Diseño de Vestuario en los BAFTA. También obtuvo cinco nominaciones a los Premios Primetime Emmy incluyendo Mejor Guión Adaptado para Tom Stoppard y el Mejor Actor de Reparto por Benedict Cumberbatch . 
Tom Stoppard ganó el Premio de Escritores. La miniserie de televisión recibió muchas nominaciones a los premios BAFTA, incluyendo Mejor actriz principal (Rebecca Hall), Mejor miniserie (Tom Stoppard, Susanna White , David Parfitt , y Damien Timmer), Mejor maquillaje y peinado (Jan Archibald), Mejor diseño de producción (Martin Childs), Mejores Efectos Visuales y Diseño Gráfico (Rupert Ray), Mejor guión (Tom Stoppard), venciendo por el Sheena Napier por el Mejor Diseño de Vestuario. 
En el Biarritz Festival Internacional de Programación Audiovisual fue nominada a la Mejor serie de televisión o de serie y ganó Tom Stoppard al Mejor guión. La Sociedad Británica de Directores de Fotografía nominó a Mike Eley por su fotografía en un drama para la televisión. Benedict Cumberbatch consiguió el premio de Radiodifusión Press Guild Awards al Mejor Actor. 
En los Televisión Premios Critics 'Choice se nominó a Benedict Cumberbatch y Rebecca Hall. La Royal Television Society Awards la nominó a la mejor Serie de Drama, Mejor diseño de producción – Drama y Mejor Diseño Gráfico – Títulos, ganando el premio Rupert Ray. Para quien conoce la obra literaria postedurardiana estamos ante una adaptación descomunal de un intervalo de 4 años, mérito del guión de Tom Stoppard. 
Especialmente elogioso es el tortuoso declive de un hombre en un mundo que en lel que la decencia es un bien en extinción. Y lo hacen en un entorno de luz y colores que se alternan con otras entre el humo de las bombas o entre la niebla británica que hacen a este miniserie una obra elegante y bella. 
Tiene una excelente puesta en escena. ‘Parade’s End’ aspira casi a convertirse en la miniserie definitiva sobre ese período prebélico y bélico y una oda a la hipocresía de la sociedad eduardiana. A destacar sobremanera el trabajo de Cumberbatch como el señor Tietjens, un hombre que se debate entre dejarse llevar por su amor por Valentine y mantener las tradiciones de su familia y sus propios valores. 
Los personajes que rodean a Valentine, sobre todo, son los que más exponen la hipocresía detrás del educado y aparentemente perfecto comportamiento de los miembros de la buena sociedad de la época, que escondían perversiones sexuales, estafas económicas varias y los mismos pocos escrúpulos y envidias que podemos ver actualmente. Destaca sobremanera una bellísima Rebecca Hall, como Sylvia, su mujer prototipo de mujer superficial. 
La serie y los protagonistas viven un antes y un después con el estallido de la Primera Guerra Mundial y las experiencias de Tietjens en las trincheras francesas, dónde experimenta un cúmulo de sentimientos desconocidos sobre ideas como la patria, el concepto de matrimonio, el deseo o su nuevo e incipiente amor por la sufragista y feminista Valentine Wannop. Una gran serie desarrollada a ritmo lento.