Al limite

Siempre creo haber visto toda la filmografía de Scorsese pero cada día descubro que siempre tiene otra que no he visto y que por lo tanto me parece que la obra de Scorsese tiene huecos en mi conocimiento. 

En este caso la película es del año 1999 y se llama al límite, aunque su título en inglés es Bringing out The Dead. Una vez vista la película considero que la misma tiene muchos elementos de escoceses como esa adoración por la ciudad por su bajo fondo por la noche por aquello que nunca se ven por la cara B pero también tiene mucho de su guionista Paul Schrader con el que ya trabajó al fin y al cabo es un colaborador habitual en películas como La última tentación de Cristo; Toro Salvaje, Taxi driver, etc.

Hay mucho de este guionista en esta película por ejemplo en el carácter del protagonista principal de la historia un atormentado Nicolas Cage que aborda un papel dramático de gran entidad. De hecho este es uno de los mejores trabajos del actor ítaloamericano y integrante de la familia Coppola siendo uno de esos trabajos que combinan junto con otros mucho más comerciales aunque son estos los que les dan de comer les proporciona la fama son los otros los que le dan un mayor prestigio como es el caso de Leaving Las Vegas hechizo de amor, Birdy , Peggy su se casó, Arizona baby o La ley de la calle. La idea de contactar con Nicolas Cage para interpretar al personaje principal se le ocurrió a Scorsese tras una conversación con Brian De Palma, que había trabajado con el actor en Snake Eyes.En 2022, Nicolas Cage destacó Bringing Out the Dead como una de las mejores películas que jamás haya hecho. 

Junto a Cage, en esta producción de Scott Rudin y Barbara De Fina para la Touchstone Pictures, en el que inviertieron la friolera de 55 millones de dólares, intervienen dos intérpretes de renombre como son Patricia Arquette y John Goodman. Tanto uno como otro juegan un papel secundario en la historia aunque Patricia Arquette aparece como la protagonista femenina, Mary Burke. 

Junto a ellos se encuentran Ving Rhames, Tom Sizemore, Cliff Curtis como un traficante Cy Curtis, y sorprendentemente también aparece el cantante Marc Anthony como Noel, un latino algo pirado.

La historia se desarrolla en 1990, antes de la última renovación vivida por la ciudad de Nueva York. Por sus calles deambulan personas en la zona alta y en la zona baja pero sobre todo vivencias alguna de las cuales se mueven en ambulancia a toda velocidad. 

En una de ellas trabaja Frank Pierce ( Nicolás Cage) un paramédico que sufre de depresión, insomnio y agotamiento ocupacional y no ha salvado a ningún paciente en meses después de arruinar la reanimación de Rose, una adolescente sin hogar. Ha comenzado a alucinar al fantasma de Rose. Atiende las urgencias junto a sus compañeros Larry, Marcus o Tom Wolls ( John Goodman y Ving Rhames o Tom Sizemore, respectivamente), cada uno con una personalidad muy distinta. 

Rodeado de moribundos y heridos Fran se mueve en el mundo urbano nocturno y está quemado por los años que ha pasado salvando alguna vida pero sobre todo viendo morir a mucha gente. A lo largo de cincuenta y seis horas dos días y tres noches de trabajo Frank vivirá al borde de una crisis moral y espiritual pero también sentirá que puede ser un redentor. Los fantasmas de las personas que no ha podido salvar empiezan a atormentarle. No puede dormir por las noches e incluso intenta que le echen del trabajo. Al borde de la crisis vital, Frank conoce a Mary Burke (Patricia Arquette), la hija de un hombre al que ha tenido que asistir una noche, junto a su colega Larry, cuando responden a una llamada en la que se informa de que el padre de familia, el Sr. Burke, ha sufrido un paro cardíaco. 

Allí, en la casa familiar, del mismo barrio en el que se crió, Frank reconoce a Mary, la angustiada hija de Burke, una ex drogadicta, y descubre que Mary era amiga de Noel, un drogadicto y delincuente que es enviado con frecuencia al hospital.

Después de algunas llamadas,  Frank y Larry responden a las secuelas de un tiroteo, donde Frank nota que están relacionadas con una nueva droga derivada de la heroína como la "Red Death" que salen de la manga de una víctima sobreviviente. 

Mientras está en la parte trasera de la ambulancia con Frank y Noel, la víctima intenta arrepentirse de su forma de traficar con drogas, pero muere antes de que puedan llegar al hospital. 

Al día siguiente, Frank es emparejado con el carismático y ferviente religioso Marcus. Los dos responden a una llamada de un hombre que, según se informó, sufrió un paro cardíaco en un club. Cuando llegan, Frank diagnostica que, de hecho, sufre una sobredosis causada por la Muerte Roja. 

Mientras Frank le inyecta Narcan al hombre, Marcus comienza un círculo de oración con los desconcertados asistentes al club, y justo cuando su predicación llega al clímax, el hombre con sobredosis recupera la conciencia. 

En el camino de regreso al hospital, Frank visita el departamento de Mary para decirle que la condición de su padre está mejorando. 

Frank y Marcus luego responden a una llamada de un joven cuya novia está dando a luz a gemelos. Frank y Marcus llevan a los dos bebés y a la madre al hospital, donde Marcus lleva a la madre y al gemelo sano a la sala de maternidad, mientras Frank intenta revivir al otro gemelo con el personal del hospital. El hospital no puede revivir al gemelo más pequeño y Frank, consternado, comienza a beber antes de que Marcus se le una y estrelle la ambulancia contra un automóvil estacionado. Salen ilesos y se ríen del incidente. 

A la mañana siguiente, Frank ve a Mary salir del hospital y la sigue hasta un bloque de apartamentos; Mary le dice a Frank que está visitando a una amiga y él la acompaña a la habitación. 

Después de esperar un rato, Frank irrumpe y descubre que es un garito de drogas dirigido por un traficante llamado Cy Coates. Mary admite que ha vuelto a las drogas para hacer frente a la situación de su padre y, mientras Frank intenta que ella se vaya, Cy le ofrece algunas pastillas. En un momento de desesperación, Frank toma las drogas y comienza a alucinar, viendo más fantasmas de sus pacientes. 

Una vez sobrio, agarra a Mary y la saca del edificio. Mientras visita a un Burke en coma en el hospital, Frank comienza a escuchar la voz de Burke en su cabeza, diciéndole que lo deje morir, pero en su lugar resucita a Burke. 

En su tercer turno, Frank forma pareja con Tom Wolls, un hombre con tendencias violentas. La pareja responde a una llamada al antro de drogas de Cy, donde ocurrió un tiroteo, y encuentran a Cy empalado en una barandilla. Frank sostiene a Cy mientras los servicios de emergencia cortan la barandilla, pero ambos casi salen disparados por el borde antes de ser levantados nuevamente. Cy luego agradece a Frank por salvarle la vida y se convierte en el primer paciente que Frank salva en meses. 

Luego, Frank acepta ayudar a Tom a golpear a Noel y perseguirlo. Frank comienza a alucinar nuevamente y se recupera justo cuando se encuentra con Tom golpeando a Noel con un bate de béisbol. Frank salva a Noel. 

Cuando Frank visita a Burke nuevamente, la voz suplica por la muerte una vez más y Frank le quita el aparato respiratorio a Burke, lo que provoca que sufra un paro cardíaco fatal. Frank luego se dirige al apartamento de Mary para informarle que ha muerto. Alucina al fantasma de Rose por última vez y obtiene su perdón. 

Mary acepta la muerte de su padre, con el que tenía una malas relaciones, por eso se sentía mal. Frank es invitado a pasar y se queda dormido con Mary.

Al límite representó el regreso de Martin Scorsese a las calles de Nueva York pero esta vez desde otro punto de vista. El realizador de películas como New York New York, Taxi driver, Malas calles, El rey de la comedia, Uno de los nuestros, Jo qué noche, Historia de Nueva York o La edad de la inocencia, se acerca en esta ocasión a las avenidas de la Gran manzana a través de las ambulancias de los servicios de urgencias de la ciudad que se extiende por todos los distritos y en una dimensiones tales que resultan inabarcables. 

La película se inspiró en parte en una novela Bringing Out the Dead de Joe Connelly. La película contó con la música de Elmer Bernstein, la fotografía de Robert Richardson y el montaje de Thelma Schoonmaker. 

La película fue un fracaso en pantalla . De los 55 millones invertidos apenas ganó 16 millones. Thelma Schoonmaker, la editora de la película, reflexionando sobre la misma, la elogió  y dijo: "Creo que es la única de las películas [de Scorsese] que no ha recibido su merecido. Es una película hermosa, pero creo que fue difícil para la gente aceptarla". Para ella la película  fue comercializada erróneamente, como una película de persecución de autos: "Lo que pasó fue que esa película trataba sobre la compasión, y creo que se vendió como una película de persecución de autos. Cuando vi el tráiler dije: "¡Espera un minuto! ¡De eso no se trata la película!" . 

En cuanto a la crítica señalar que no fue unánimemente valorada en positivo. Según el crítico del Chicago Sun Times, Roger Ebert, «El film sabiamente no tiene un argumento real, porque el día a día de los paramédicos no tienen un comienzo o un destino. (...) Contemplar Bringing Out the Dead —contemplar, de hecho, cualquier film de Scorsese— es recordar que el cine puede tocarnos de forma inmediata, profundamente».

Años más tarde, Scorsese le reflexionó a Ebert que Bringing Out the Dead "fracasó en taquilla y fue rechazado por muchos críticos". Sin embargo, agregó: "Tuve 10 años de ambulancias. Mis padres, entrando y saliendo de los hospitales. Llamadas en medio de la noche. Estaba exorcizando todo eso. Esos paramédicos de la ciudad son héroes, y santos, son santos". Crecí junto al Bowery, observando a las personas que trabajaban allí, el Ejército de Salvación, el Movimiento de Trabajadores Católicos de Dorothy Day, todos ayudando a las almas perdidas. Son el mismo tipo de personas". 

Janet Maslin The New York Times dijo de ella que es "Un intenso y volátil film lleno de tristeza y de salvaje y mordaz humor. (...) Cage, con la mirada de un angustiado santo medieval, ofrece una sutil y atormentada interpretación que hace la crisis espiritual de Frank muy real." 

Para  Emanuel Levy en Variety la película contiene "Humor negro, pirotecnia visual e interpretaciones valientes, ayudan a hacer más digerible una película intensa y llena de detalles sangrientos" 

Mike Clark del USA Today escribió que "En un papel tan hecho a medida para él, como la historia para su guionista y director, Nicholas Cage potencia la película con una de sus mejores interpretaciones" 

Al otro lado del país, Bob Graham de SFGATE consideró que "Scorsese y el guionista Paul Schrader regresan a lo que parece la otra cara de 'Taxi Driver'. Es igualmente impactante. También es sorprendentemente divertida y muy conmovedora" 

Retornando a la costa atlántico en las páginas del Boston Globe Jay Carr señaló que "Aunque sentida y bellamente realizada, está demasiado cargada con el fallido complejo de salvador de su protagonista y sorprendentemente, carece de impacto primario"

Y en la capital federal,  Rita Kempley en las páginas del The Washington Post afirmó, menos generosa,  que "Carece del impacto de las mejores colaboraciones de Scorsese y Schrader" 

De la prensa británica destacan las valoraciones de Ian Freer en Empire que señaló que "La apasionante maestría como director de Scorsese está a máxima potencia, encontrando una fantástica variedad en una película enfocada en el interior y exterior de una ambulancia (...); y la crítica de Time Out que dijo de ella que "Está muy bien realizada y tiene un ritmo trepidante, pero al final, nunca llega a implicarte emocionalmente como podría y debería" 

Ya en España, destaco dos críticas aparecidas en las dos revistas de cine especializadas, Cinemanía y Fotogramas. María Casanova que escribió en la revista que la película presentaba un "Extraordinario reparto y extraordinario Scorsese que, después de mojarse en cada plano, da una vuelta de tuerca en la escena más hermosa de la película: una eutanasia"; mientras que en la revista Fotogramas Jordi Costa señaló: «una de las más ásperas, incómodas y perturbadoras obras del único director americano de su generación que no ha perdido ni coherencia, ni atrevimiento». 

En cuanto a premios, el Círculo de Críticos de Cine de Florida galardonó la fotografía de Robert Richardson y el Sindicato de Cineastas Italianos valoró los diseños de producción de Dante Ferretti. En los IV Premios Sattellite Awards Ving Rhames fue nominado a mejor secundario.

Para algunos críticos esta película se integraría en una no reconocida - o sí, realmente no lo sé- trilogía neoyorkina de la noche de Scorrsese junto a Jo, que noche! o Taxi Driver. 

Desde mi punto de vista la película vuelve a ser un canto a su ciudad, a sus bajos fondos, tras haber mostrado previamente a la alta sociedad a finales del XIX en La edad de la inocencia y volvería a los bajos fondos del XIX en 2002 con Gangs of New York. Tiene grandísimas actuaciones, pocas veces todos los que salen hacen un trabajo tan soberbio destacando sobremanera los papeles asumidos por Nicolas Cage, Patricia Arquette, Ving Rhames , Cliff Curtis, o el mismísimo Marc Anthony: una película que habla de lo que gusta a Schraeder, los traumas y la redención, magníficamente filmada y excepcionalmente dirigida, como sabe hacer siempre, maese Scorsese. 

Pánico en el Transiberiano

Existen películas que llevas años esperando a ver, pues un trailer visto en un cine en el momento o una pequeña presentación de la misma  en televisión, te dejan el interés activo. Este es el caso de esta película que también se le conoce con su nombre inglés - Horror express o El expreso del horror- y lo ha sido así desde los años 70. Y así fue pues esta película del año 1972 y de la que tuve conocimiento posiblemente con unos doce años, alrededor de 1977, pues vi un comentario de la misma en el programa 625 líneas, vinculando esta película con la recién estrenada entonces por Chicho Ibáñez Serrador, ¿Quién puede matar a un niño? Desde entonces he esperado a verla como agua de mayo. 

Hoy he cumplido el deseo y he descubierto que he sido un lelo por esperar tanto ya que se trata de una película que, actualmente, es de dominio público y eso que fue una coproducción hispano británica, que consiguió ser uno de los exponentes más representativos del cine de terror español, que adquirió un gran auge a principios de los años setenta. 

Con un reparto internacional encabezado por Christopher Lee, por Peter Cushing y Telly Savalas,  los dos primeros representantes clásico de la productora de terror gótico, por antonomasia, la Hammer británica, y el tercero de la exitosa serie Kojak que en ese momento era lo más en televisión. Los tres fueron dirigidos por un director de peso como Eugenio Martín, director especializada en este tipo de producciones de género - fallecido en enero de 2023- y que realiza una película impactante sabiendo utilizar muy bien el tren donde transcurre la acción y en el que se trufan las maquetas , grandes caracterizaciones de los actores y los efectos especiales, logrando que la película no solo no tenga nada que envidiar a un clásico del cine de terror, sino que se asemeja a una de esas producciones de época que fueron marcas de esta empresa británica. 

La película cuenta con el guion de Arnaud d'Usseau y Julian Zimet inspirado en una adaptación apócrifa en un tren del mismo relato que dio origen a La Cosa, producción de Bernard Gordon y Gregorio Sacristán para la Benmar Productions y la Granada Films. 

Como ya he dicho, estamos con una película del año 1972 que cuenta igualmente con Alberto de Mendoza, la recientemente fallecida en este 2024, Silvia Tortosa, Helga Liné y Julio Peña, entre otros. 

La historia se desarrolla en el año 1906, Saxton (Cristopher Lee), un renombrado antropólogo y geólogo británico, que ha realizado una expedición en el área de Manchuria y que ha descubierto en una cueva un interesante hallazgo apresado en un glaciar decidiendo de inmediato regresar a Europa para presentarlo a la comunidad científica en el Transiberiano desde China a Moscú. 

Con él lleva una caja que contiene los restos congelados de una criatura humanoide primitiva que descubrió en una cueva en Manchuria. Él espera que sea un eslabón perdido en la evolución humana. 

En la misma estación se encuentra con el doctor Wells (Peter Cushing), un rival amistoso de Saxton y colega suyo en la Real Sociedad Geológica, y que va acompañada de una prestigiosa forense , Miss Jones ( Alice Reinheart) y que también tiene intenciones de subir a bordo de un tren en el que aparentemente no quedan plazas, pero que con dinero todo se consigue. 

Tras ver como lo hace Wells, Saxton genera un incidente para que llegue la policía y el expendedor en ese momento dedscubre que tiene compartimentos libres. Ambos viajarán en el tren, pero por separado. 

Antes de que el tren salga de Shanghái, un ladrón es encontrado muerto en la plataforma. Sus ojos se hallan completamente blancos, sin iris ni pupilas, y uno de los testigos inicialmente lo confunde con un ciego. 

Un monje Ortodoxo, que nos ha de recordar a Rasputín, el Padre Pujardov (Alberto de Mendoza), consejero espiritual del Conde polaco Marion Petrovski (George Rigaud) y de la condesa Irina Petrovski (Silvia Tortosa), quienes también están esperando abordar el tren, advierte que el contenido de la caja que quiere trasladar Saxton está amenazado por una profecía, algo que Saxton rechaza tachándolo de superstición. 

Una vez el traen parte de la estación, el afán de Saxton por mantener en secreto su descubrimiento científico despierta el interés de Wells, quien soborna a un operario del ferrocarril para que investigue el contenido de la caja. 

Tras haber un agujero y ver lo que contiene el humanoide que está en su interior (Juan Olaguivel), fruto de la descongelación, se despierta y asesina al portero para después escaparse. 

El humanoide, mientras recorre el tren, encuentra más víctimas en su camino. Cada nueva víctima presenta los mismos ojos opacos y blancos. 

Las autopsias realizadas por Miss Jones y Wells, sugieren que los cerebros de las víctimas se están drenando de los recuerdos y el conocimiento por lo que todos los bancos de memoria de los muertos han desaparecido. Todas las víctimas son personas que poseen determinados conocimientos científicos. 

El humanoide que campa por sus respetos por el tren generando un temor enorme cuando sus ojos se convierte en antorchas de fuego va atacando a unos y a otros. En un momento dado acaba con la vida de Natasha, una espía y ladrona, que había buscado refugio entre los protagonistas, y cuando está a punto de atacar a la condesa Irina, el humanoide sufre los disparos del inspector de policía Mirov (Julio Peña).

La amenaza parece haber sido eliminada. Sin embargo, los muy curiosos Saxton y Wells descubren que las imágenes externas son retenidas por un líquido que se encuentra dentro de los ojos de los cadáveres y que revelan no sólo las caras de sus víctimas últimas entre ellas aparece la de Natasha, pero también la de Miiroy, aunque éste sigue vivo, sino que además aparecen imágenes de una Tierra prehistórica como se ve desde el espacio y de un mundo ya desaparecido con dinosaurios. 

Entonces deducen que la verdadera amenaza es de alguna manera un ser extraterrestre amorfo que habitaba el cuerpo del humanoide y ahora reside dentro del inspector. 

El mesiánico Pujardov, sintiendo la presencia dentro del inspector y, creyendo que es la de Satanás, renuncia a su fe, prometiendo lealtad a la entidad. 

Mientras tanto, y gracias al telégrafo del tren las autoridades rusas obtienen noticia de los asesinatos. Un intimidante oficial cosaco, el capitán Kazan (Telly Savalas), aborda el tren con un puñado de sus hombres. 

Kazan cree que en el tren se están transportando rebeldes y solo se convence de la existencia del alienígena cuando Saxton apaga las luces y los ojos de Mirov brillan, revelando que es el anfitrión del alienígena. El alienígena ha absorbido las memorias de la asistente de Wells, pero también de otro de los viajeros, un ingeniero de trenes y de otras víctimas a bordo, y ahora busca el conocimiento metalúrgico del conde polaco para construir una nave con la que escapar de la Tierra. 

Kazan dispara y mata a Mirov, y el alienígena se transfiere al Padre Pujardov. Los pasajeros huyen hacia el vagón de carga mientras Pujardov asesina a Kazan, a sus hombres y al conde, agotando todos sus recuerdos. 

Saxton rescata a la condesa y detiene a Pujardov a punta de pistola. Saxton, después de descubrir que la luz brillante impide que el alienígena drene las mentes o la transferencia a otro cuerpo, obliga a Pujardov a entrar en un área bien iluminada. 

El alienígena Pujardov explica que es una forma colectiva de energía de otra galaxia. Atrapado en la Tierra en un pasado distante, después de haber sido dejado atrás en un accidente, sobrevivió durante millones de años en los cuerpos de protozoos, peces y otros animales. No puede vivir fuera de un ser vivo por más de unos breves instantes. 

El extraterrestre suplica ser salvado, puesto que es un inmenso depósito de información que le sería muy útil a la humanidad entre ellas acabar con el hambre, las enfermedades incluso revivir a los muertos. y sigue tentando a Saxton con su avanzado conocimiento de la tecnología y la cura de enfermedades. Mientras Saxton se distrae con la oferta, el alienígena resucita el cadáver del conde y lo ataca con él. 

Saxton y la condesa huyen pero el alienígena resucita a todas sus víctimas como zombis, pues esa es una de sus capacidades. Batallando por el tren, Saxton y la condesa finalmente llegan al furgón de cola donde se han refugiado el resto de supervivientes liderados por Wells. 

Saxton y Wells trabajan desesperadamente para desenganchar el vagón de cola del resto del tren. El gobierno ruso envía un telegrama a una estación intermedia, ordenándoles la destrucción del tren desviándolo por una vía cortada. Creyendo que ha estallado la guerra el personal de la estación inicia las maniobras. 

El alienígena toma el control de la locomotora. Saxton y Wells, finalmente, logran separar el furgón de cola del resto del tren. El alienígena intenta frenar la locomotora pero no logra hacerlo, atravesando una barrera de espuelas, y sumergiéndose en un profundo acantilado. El furgón de cola rueda precariamente al final de la pista antes de detenerse a escasos centímetros del acantilado. 

Los supervivientes se van rápidamente mientras Saxton, Wells y la condesa contemplan el barranco y son testigos de la explosión que envuelve al tren y su habitante sobrenatural. 

Así acaba esta curiosa historia que comenzó hace dos mil millones de años cuando unos seres de otra galaxia visitaron la Tierra y uno de ellos se quedó. Este ser que lo único que pretende regresar a su planeta necesita usar toda la ciencia técnica que los hombres puedan darle. 

La película fue rodada en Madrid y sus alrededores sobre todo en Navacerrada que se transforma en nuestra particular Siberia. 

En la 29.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos fue la ganadora al premio de Mejor ambientación para Ramiro Gómez. En Argentina la película se estrenó en febrero de 1982, tras estar censurada durante una década, bajo gobiernos civiles y militares.

La revista Gente de Buenos Aires, en su edición del 4 de marzo de 1982 (luego de su estreno en Argentina), comentó el film con mordacidad: "Hay una historia traída de los pelos donde una especie de antropólogo descubre un fósil, algo así como un cadáver petrificado que vendría a confirmar la teoría de Darwin. Lo ata, lo embala y finalmente lo envía a la sección cargas del expreso Transiberiano. En medio del viaje, la "criatura" empieza a hacer de las suyas y arremete contra todos. El fósil "sorbe" el cerebro y la memoria de las víctimas a través de la mirada. Este disparate seudo-científico fue dirigido por Eugenio Martín (Gene Martin para los íntimos y para la versión inglesa) con toda la ineptitud de que es capaz. Creyó que el terror sólo se logra con grandes dosis de maquillaje. Se equivocó porque todo mueve a risa. CONSEJO: No vaya. Aunque le juren que el cine tiene una refrigeración excelente." Otro consejo: ¡No lea esta crítica!

Esta joya del "fantaterror" que reunió a dos de los grandes talentos de ese cine surgió cuando la mujer de Cushing falleció, Lee le convenció para participar en la película española de terror "Pánico en el transiberiano", dado lugar a una obra capital del cine de terror y fantástico en las palabras del crítico Fausto Fernández y una de las grandes obras del terror mundial en palabras del historiador cinematográfico Ernesto J. Pastor.

El esqueleto de la señora Morales

Comedia negra dirigida por Rogelio A. González en el año 1959 y que está dentro de lo que se conoce el gran cine mexicano de los años cincuenta o la Época dorada, los que centraban su trabajo en los Estudios  Churubusco -Azteca y realizaba películas de gran calidad, y en la misma pues trabajaban guionistas de la talla de Luis Alcoriza que se inspira en un cuento del escritor galés, Arthur Machen, titulado El misterio de Islington. En estas películas trabajaban actores y actrices de peso  como Arturo de Córdova o Amparito Rivelles. Junto a ellas nos encontramos a Elda Peralta, Guillermo Orea, Rosenda Montero y Luis Aragón. 

El director tuvo como jefe de producción a Armando Espinosa y como asistente a Jaime Contreras. La encargada de maquillaje fue Ana Guerrero y de la unidad técnica universal. Jorge Bustos como editor, Eduardo Fitzgerald encargado de la escenografía contando además con un asesor en taxidermia como Mario Aguilar Reed. 

La composición musical fue de Raúl Lavista que trabajó con la orquesta sinfónica de filarmónicos de la radio mexicana. La fotografía fue de Víctor Herrera. 

La historia nos acerca a la vida conyugal de una mojigata, puritana y frígida Gloria (Amparo Rivelles) y expansivo, campechano y afable Pablo Morales (Arturo de Córdova ) que es un auténtico infierno. La mujer atormenta a su marido con sus celos, sus quejas y un puritanismo enfermo y además de encontrarse condicionada por un defecto en la pierna que tendrá trascendencia en toda la película. 

Pablo Morales, es un taxidermista esencialmente optimista, ama a los niños, añora tener hijos y un hogar luminoso, pero se enfrenta a diario con el fanatismo y la amargura de Gloria, su hermosa mujer, que vive amargada, obsesionada, fanatizada y acomplejada por un defecto en la rodilla. Ambos viven en una casa tenebrosa y obscura, en un ambiente lúgubre y ominoso, magnificado por el carácter de Gloria y sus amistades, formado por algunas beatas y un cura, así como un historiador pelmazo, que agobian a Pablo y acaban por convertir la vida de ambos en un verdadero infierno.

Debido al trabajo de Pablo, a Gloria le da asco la carne y no tolera ver a su esposo comer carne. De hecho, a escondidas,  Pablo le pide a escondidas a la sirvienta un trozo de carne "de este grueso", señalando con los dedos índice y pulgar el grosor del filete.

Gloria tampoco permite que Pablo tenga acceso a su intimidad y, pese a que el cuerpo de esta lo vuelve loco, la negativa nunca se hace esperar. Es más, Pablo elogia la belleza de Gloria y la firmeza de su cuerpo, pero sus avances románticos son detenidos cuando Gloria le indica que se «lave las manos y se ponga alcohol», como señal del asco que le da su profesión.

Gloria se distingue por aparentar frente a la sociedad una piedad y una caridad religiosa que la hace ser muy apreciada entre sus amistades devotas y pías y el siempre antipático y entrometido padre Artemio Familiar. 

El padre Familiar y Pablo no se soportan. Este último cuestiona a Gloria y al mismo padre Familiar que su esposa quiera proporcionar más caridad que el resto del grupo, lo que Pablo califica como pecado de soberbia; el padre Familiar, forzado por el peso del argumento, se ve obligado a coincidir con el esposo de Gloria.

Pablo es además hostigado por el matrimonio formado por Clara, la hermana de Gloria, y Elodio, el bronco concuñado. Esto llega a un extremo cuando Gloria se lastima a sí misma para culpar a Pablo de haberla golpeado y Elodio le golpea a él. 

Las cosas se precipitan cuando Pablo decide matar a su mujer, recordando una conversación que había tenido con sus amigos en el bar acerca del crimen perfecto. Él había asegurado que una persona puede cometer el crimen perfecto si después es juzgada y absuelta, evitando así sentir la culpa que de otra manera la pondría en evidencia.

Pablo lleva adelante sus planes, pues la situación es cada día peor.  y termina con la vida de Gloria, envenenándola, y después de cometer el asesinato, exhibe en un aparador un esqueleto con un defecto en la rodilla que hace sospechar a todos de Pablo como el asesino, por lo que es arrestado y juzgado. 

Pese a la vigorosa acusación del padre Familiar y del grupo de amigos de Gloria, es absuelto debido a que el registro médico de Gloria mostraba que su deformación no era ósea.

Ya libre, Pablo se confiesa con el padre Familiar, y en secreto de confesión admite haber asesinado a Gloria. 

Cuando el padre Familiar amenaza con denunciarlo ante las autoridades por el crimen, Pablo le réplica que no puede ser juzgado dos veces por el mismo crimen y, además, lo revelado se había dicho en secreto de confesión. 

Finalmente la victoria no duro mucho tiempo, pues Pablo y los amigos de Gloria mueren al tomar por error de la bebida envenenada, como símbolo de que su asesinato no podía quedar impune.

Una película que está considerada como un clásico del cine mexicano como parte de su mejor comedia negra y que se muere se mueve entre el tono siniestro los satírico y lo cómico. Que habla de el crimen perfecto aunque el crimen perfecto como dice en la película no existe. La película fue producida por la productora Alfa Films SA 

El esqueleto de la señora Morales ocupa el lugar 19 en la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, publicada en julio de 1994 por la revista Somos.

La película cínica, divertida, ácida magistralmente interpretada por las dos estrellas absolutas, Arturo de Córdova y Amparo Rivelles, con grandes diálogos, es una fuerte crítica hacía lo pacato en lo religioso.

The Limey

No había oído hablar de esta película y eso que es de un director muy solvente como Steven Soderberg, y cuenta con un actor solvente como Terence Stamp. Pero lo cierto que el halcón inglés no me sonaba de nada y eso que era una película del año 1999. 

El protagonista de la película escrita por Lem Dobbs es Wilson que se ha pasado en media vida en la cárcel. Un día recibe una nota de uno de los amigos de su hija en la que le cuenta que su única hija ha muerto en Los Ángeles en misteriosa circunstancias.  Tras salir de prisión viaja desde Londres hasta Los Ángeles para descubrir quién es y qué esconde tras la muerte accidental de su hija. 

La película que fue filmada en locaciones de Los Ángeles y Big Sur, tuvo en su estreno crítica positivas, pero la película no fue un éxito financiero tras su estreno. Está interpretada por Luis Guzmán, Leslie Ann Warren y el hijo de Henry Fonda, Peter, y Barry Newman, entre otros. 

Un criminal inglés de apellido Wilson (Terence Stamp) viaja a Los Ángeles para investigar la muerte de su hija, Jenny, quien, según le informaron, murió en un accidente automovilístico; sin embargo, Wilson sospecha que fue de un asesinato. Recién liberado de prisión después de nueve años, es un hombre endurecido. 

Al llegar a Los Ángeles, y con muy pocas referencias como el remite de una carta, interroga a los amigos de Jenny, Ed, que resulta ser Eduardo (Luis Guzmán) y Elaine (Lesley Ann Warren). Al descubrir que dudan de la versión oficial, el padre solicita su ayuda para investigar la muerte de Jenny. 

Un sospechoso que surge es Terry Valentine (Peter Fonda), un rico productor discográfico con el que salía Jenny. Valentine estuvo brevemente involucrado en el tráfico de drogas que estaba contralado por su asesor de seguridad, Avery (Barry Newman). 

Con la ayuda de Ed, Wilson localiza un almacén utilizado por el narcotraficante y pregunta por Valentine. El encargado de las distribución de la droga insulta a su hija y lo golpean. Wilson regresa tras la paliza al almacén y mata a tiros a todos los empleados menos uno que deja vivo para dar un aviso. Wilson y Eduardo se cuelan en una fiesta celebrada en casa de Valentine. 

Una vez allí, Wilson busca pruebas de la participación e incriminación de Valentine. Encuentran y roba una foto de Jenny. Atrayendo las sospechas de Avery, Wilson es abordado por un guardia de seguridad que está en la fiesta al que le da un cabezazo y lo arroja por encima de una barandilla hasta su muerte. 

Wilson y Eduardo huyen, sólo para ser perseguidos por Avery, quien embiste su auto por la carretera de Mullholland y les dispara. Él y Eduardo escapan, pero no antes de que Avery escuche a Eduardo gritar el nombre de Wilson. 

De vuelta con Elaine y Eduardo, Wilson recuerda su vida anterior con su hija, a quien recuerda sólo cuando era niña. Es consciente de que no ha sido un buen padre. Ella preocupada de que enviaran a su padre a prisión, a menudo amenazaba con llamar a la policía cada vez que encontraba evidencia de los crímenes en los que él estaba involucrado o planeando. Él recuerda que ella nunca cumplió sus amenazas porque lo amaba y eventualmente se convirtió en una broma triste entre ellos. Sin embargo, su vida criminal puso a prueba a su familia. Terminó en prisión después de que los hombres con los que estaba involucrado lo vendieran a la policía. 

Avery malintencionadamente contrata a un sicario, Stacy (Nicky Katt ), para localizar y matar a Wilson, al que conocemos jugando a un billar y , que sacude con brutalidad a otro jugador, cuando el compañero de Stacy, Tío John reclama iniciar la partida.  

Sin embargo, los agentes de la DEA, que han estado vigilando a Valentine, impiden que Stacy dé el golpe. Luego, Wilson y Elaine son llevados a encontrarse con el agente principal, quien deja en claro que la DEA está detrás del traficante que usó a Valentine para lavar dinero de las drogas, y que los agentes no tienen la intención de interferir con la misión personal de Wilson. Le permite a Wilson ver su expediente sobre Valentine, incluida una fotografía y la dirección de una segunda casa en Big Sur. 

Mientras tanto, Stacy y su compañero, Tito John (Joe d´Alessandro ) enojados por la paliza que les propinaron los agentes de la DEA, planean traicionar a Avery. Avery traslada a Valentine a la casa de Big Sur. Esa noche, Wilson entra al recinto. 

Los guardias de Avery disparan a un intruso que resulta ser Stacy y se involucra en un tiroteo con su compañero, el tío John. El resultado es que varios vigilante mueren y también hiere fatalmente a Avery. Valentine le quita el arma a Avery y lo deja morir mientras huye a la playa con Wilson persiguiéndolo. 

Traicionado, Avery saca su arma de repuesto y apunta a Wilson, pero la baja, lo que le permite perseguir a Valentine. Valentine dispara a Wilson, luego cae y se rompe el tobillo. Continúa disparando a Wilson que se acerca, pero falla y, después de quedarse sin balas, suplica por su vida. 

Valentine le cuenta lo ocurrido realmente. Le dice a Wilson que Jenny se enteró de sus vínculos con las drogas y amenazó con llamar a la policía (recordándole a Wilson lo que le había hecho cuando era niña) y en su intento por detenerla. Valentine golpeó a Jenny contra una pared, matándola accidentalmente. . En un esfuerzo por desviar la atención de Valentine, Avery fingió el accidente automovilístico. 

Wilson sabe que Jenny nunca habría entregado a Valentine. Se da vuelta y permite que Valentine viva. Por último, Wilson se despide de Elaine y Eduardo y regresa en avión a Londres. Un Wilson más joven toca la canción folk "Colors" en la guitarra, mientras una mujer le acaricia el pelo. 

The Limey se presentó por primera vez en mayo de 1999 en el Festival de Cine de Cannes. El único reconocimiento que tuvo esta película fue el Premio Satélite de Oro a la mejor interpretación dramática de un actor en una película, Terence Stamp, aunque obtuvo 5 nominaciones, entre otras a mejor película, director, actor guion y secundario en la persona de Guzmán en los Independent Awards de ese año. 

Me preguntaba por el título original de la película y que relación podría tener con el que le dieron en español, El halcón inglés, y se trata de una palbra en jerga estadounidense, "Limey", que viene a ser como se refieren a los británicos.

Steven Soderbergh utiliza secuencias de flashback atípicas e incluye varias escenas (en gran parte sin diálogo) de una película mucho más antigua de Terence Stamp, el debut como director de Ken Loach en 1967, Poor Cow. Soderbergh usa las escenas para crear una historia confusa que muestra el personaje de Stamp cuando era joven, su pasado criminal, su relación con la madre de Jenny y las actitudes de desaprobación de Jenny hacia su estilo de vida corrupto. Wilson habla a menudo en una jerga cockney que rima. La película que tuvo como productores a John Hardy y Scott Kramer que desembolsaron 10 millones de dólares cuenta con la fotografía de Edward Lachman y la música, imperceptible - que en ocasiones, se agradece- de Cliff Martínez  

Soderbergh y la editora de cine Sarah Flack utilizan una variedad de técnicas de edición poco ortodoxas en The Limey. La película, que fue un sonora fracaso en taquilla, presenta frecuentemente diálogos y sonido de fondo de escenas anteriores o futuras yuxtapuestas a una escena actual. El diálogo de una conversación, por ejemplo, puede encontrarse disperso a lo largo de la película, articulado por primera vez mucho después de que haya pasado su momento cronológico, como una especie de flashback narrativo superpuesto a una conversación posterior, para completar el pensamiento de un personaje o puntuar el énfasis de un personaje . El sonido de fondo puede estar desarticulado en la película y desplazado para realzar otra escena sugiriendo continuación, similitud o diferencia. Por ejemplo, Wilson está en una habitación de hotel y abre la ducha, y luego Wilson está en un avión mirando por la ventana, mientras se escucha la ducha. 

Roger Ebert de The Chicago Sun-Times describió la trama como "Ross Macdonald básico", una referencia al escritor de misterio cuyos best-sellers de los años 50 y 60 ambientan en el sur de California típicamente presentaba un destino fatal para los hijos adultos jóvenes de padres ricos con oscuros secretos. Stamp y Fonda, ambos íconos envejecidos de la década de 1960, representan diferentes lados de la contracultura: "Es una agradable ironía que tanto Valentine como Wilson (el personaje de Stamp) ganaran dinero con la música rock: Valentine vendiendo entradas, Wilson robando los ingresos de un concierto de Pink Floyd." Y añadió, tal y como se indica en rogerebert.com que "La dirección de Soderbergh coge la historia y usa las imágenes para crear un entretenimiento irónico (...)". 

Otro crítico de Illinois, Jonathan Rosenbaum, del Chicago Reader comentó que era "Un thriller muy entretenido y poco convencional" . 

El crítico de cine de la revista Variety, Emanuel Levy, elogió el drama criminal y le gustó la dirección de la película, las actuaciones y el guión, pero consideró que la película "carece de personajes secundarios y tramas secundarias". Escribió: "The Limey, la nueva película criminal de Steven Soderbergh, continúa la renovación artística del director, evidente el año pasado en la magníficamente realizada Out of Sight. El elemento más interesante de la película es la ubicación de dos íconos del cine de los años 60, el muy británico Terence Stamp y el muy estadounidense Peter Fonda, como enemigos desde hace mucho tiempo en lo que es básicamente un thriller de venganza de rutina... [y] uno no tiene problemas en elogiar la valentía de la actuación de todo el conjunto y los impresionantes aspectos técnicos de la película que Warren, Guzmán y Barry Newman presentan con madurez y moderación. actuaciones en línea con la textura dominante de la película. Un giro secundario de Joe Dallessandro, el habitual de Andy Warhol y Paul Morrissey, acentúa la naturaleza reflexiva de la película como un comentario sobre una era pasada del cine". Y añade que "Una obra conseguida que se sobrepone a sus elementos rutinarios. El guion poco desarrollado y flojo de Lem Dobbs (...) no cumple con lo que promete" 

Janet Maslin en las páginas del The New York Times señala que "De entre todas las películas del director (...) esta tiene potencial para convertirse en una de las favoritas de los espectadores." 

Desson Thomson en el The Washington Post escribe que "En manos de este director, una historia sencilla de venganza se convierte en algo que tiene varias capas" 

James Berardinelli en ReelViews afirma que "Stamp ha realizado unos trabajos maravillosos en una larga y variada carrera. Esta no es su mejor película, pero puede ser la interpretación más convincente que ha realizado (...) " 

Marjorie Baumgarten del texano Austin Chronicle escribió que "El trabajo de un excelente artesano y artista (...) "

 Edward Guthmann, crítico de cine del San Francisco Chronicle, elogió la dirección y el guion y escribió: "The Limey... es un thriller policial de primer nivel y una prueba más de que Soderbergh es uno de nuestros grandes estilistas cinematográficos contemporáneos. Tenso, imaginativo y compleja, esta es una de las mejores películas estadounidenses del año y un maravilloso antídoto contra la paralizante uniformidad de [algunas] películas". 

La crítica Janet Maslin escribió sobre el trabajo de Terence Stamp: "Stamp interpreta el papel principal con furia, con Intensidad decidida, ojos azules salvajes y un rugido estentóreo que se muestran en los primeros momentos de la película... Soderbergh utiliza con conmovedora eficacia vislumbres del joven y bellamente soñador Stamp y su no menos imponente presencia moderna. 

ParaVikram Murthi en IndieWire sostiene que es "Una obra maestra absoluta (...) El espíritu colaborativo de Soderbergh es lo que hace que 'The Limey' sea elegante y tenga fuerza a nivel emocional." 

Chuck Bowen en Slant señala que "Soderbergh no planeó todas las facetas del filme. Fue una tormenta perfecta: Al casar la técnica con la intuición y el gusto personal, abrió un vórtice, dando forma a una obra de género como objeto de arte y oda a la nostalgia" 

Scott Tobias de AV Club afirma que "Es un homenaje inteligente y significativo a los clásicos de finales de los años 60".

En Time Out se dice de ella que es "Divertida, conmovedora y con una seguridad absoluta (...) Stamp está soberbio (...) El guion de Lem Dobbs es ingenioso (...) El habitual juego de Soderbergh con la narrativa subraya hábilmente la obsesión de Stamp. Una gozada" 

Ya en el Reino Unido, en las páginas de Empire, Andrew Collins, escribe que "La idea suena bien en el papel, pero no consigue equilibrar la tensión brutal y la comedia (...) Una pantomima con poca trama y demasiado estilizada (...) "

En El Mundo se dice de ella que "Steven Soderbergh. ''El halcón inglés'' es justo la película anterior, en la filmografía del director, a ''Erin Brockovich'' y ''Traffic'', las dos películas que le dieron el impulso definitivo en Hollywood y que disiparon las dudas sobre su calidad y rentabilidad en taquilla. Lo más interesante del filme, aparte de sus bien rodadas secuencias de acción, es la presencia del británico Terence Stamp como protagonista indiscutible, que le da a su personaje un tono sombrío, dolido y agresivo como pocas veces hemos visto en pantalla. "

Por mi parte señalar que la película de Artisan Entertainmenth ha cumplido con creces las expectativas que tenía al saber que era un thriller, que me ha parecido contundente la actuación de Stamp, brillante la dirección y especialmente la complejidad de la historia escrita por Lem Dobbs así como el montaje de una historia llena de flashbacks en las que se añaden fragmentos de otras películas para recuperar en tiempo que ya no es. 

Los casos del departamento Q: el efecto Marcus

Quinta película de la saga, tras Misericordia, Profanación, Redención y Expediente 64, que vuelve a estar producida por Mikael Rieks para la Nordisk Film, Nadcon Film, y en este caso, nos encontramos que han cambiado los actores protagonistas de la saga y ahora tanto Carl Merck como Assad y su equipo del departamento Q,  son otro actores y actrices. 

Con todo la película sigue teniendo el mismo tono que marca en su novela Jussi Adler Olsen, aquí transformada en guion por Anders Frithiof August y Thomas Porsager. La música fue compuesta por Sune Martin. En este caso la dirección fue de Martin Zandvliet siendo los protagonistas son Ulrich Thomsen y Zaki Youssef.

En el efecto Marcus - que se publicó en 2012 como el quinto trabajo del autor en una serie de libros sobre crímenes de la serie Carl Mørck Dezernat Q- el protagonista, es involuntariamente, un chico gitano de catorce años de nombre Marcos que es detenido en el control fronterizo danés por estar en posesión del pasaporte de un funcionario desaparecido y que, en su momento, fue acusado de pederastia , y es por esto por lo que el asunto es asumido por el Departamento Q que no lo tiene tan claro lo que pudo pasar a uno, y lo que le puede pasar a otro, y por lo que decide encontrar la conexión que une ambos hechos. 

El caso contiene varios elementos sospechosos ya que el funcionario que trabajaba para una ONG poco antes de desaparecer, fue acusado de pederastia y su caso caso, que llamó la atención a la opinión pública se cerró con una rapidez inusitada a pesar de la desaparición del presunto culpable. Pero es que el silencioso y traumatizado Marcus tampoco aporta gran información y de hecho se niega a dar los detalles de lo que sabe - que es mucho - y no tarda en huir de donde está retenido judicialmente como menor ya que sabe que puede ser la próxima víctima de quienes pretenden matarlo por toda la información que conoce. 

Los integrantes del Departamento Q descubren que Marcus pertenece a una familia gitana que vive de la mendicidad y el robo, y que el cabeza de clan romaní de origen rumano, es el cínico Zola (Zdenek Godla), que planea dejar a Marcus inválido para que pueda despertar lástima cuando mendigue. Por lo tanto, decide huir, lo cual no es fácil, ya que no es fácil esconderse en Copenhague cuando tanto la familia, como la policía en la forma de Carl Mørck y el mundo criminal de Copenhague están persiguiéndose. 

El caso es que Marcus que intentó entrar ilegalmente en el país, es detenido por la policía y lo llamativo es que tiene en su poder el pasaporte de un funcionario, ahora desaparecido, que había sido acusado de pedofilia , pero que finalmente le habían dejado en libertad.  Se trata del pasaporte de William Stark, desaparecido hace cuatro años. En aquel entonces, siendo entrenador de natación, fue acusado de haber violado a una estudiante y guardó pornografía infantil en su ordenador. 

El inspector Mørck no logra que hable Marcus, que permanece en silencio y parece traumatizado. Pero Marcus, asustado, no dice una palabra durante el primer interrogatorio en su alojamiento. Días después el chico huye.

Sin embargo, el caso se cerró rápidamente tras la desaparición de Stark. A partir de la nueva información, Carl Mørck comienza la investigación con su socio Assad y su asistente Rose. 

Los investigadores interrogan ahora a la nadadora Jeanne y luego también a la esposa de Stark, Malena, que está convencida de la inocencia de su marido, al igual que su pequeña hija. Ella le habla de que Stark participó en proyectos caritativos y ayudó a establecer hospitales en África. 

Los investigadores se enteran por un periodista de que Stark estaba tras la pista de un gran escándalo de fraude antes de su desaparición y que las donaciones no se invirtieron en proyectos de ayuda, sino que se malversaron para su propio beneficio. Esto parece llegar a altos círculos como el Ministerio de Asuntos Exteriores. 

Después de la desaparición de Stark, Teis Snap continuó trabajando en la investigación interna, pero no llegó a ninguna parte. Snap ahora tiene una alta posición oficial. 

Mientras tanto, Marcus que se ha escapado del alojamiento para ir  en busca de su padre, que trabaja para el líder del clan criminal Zola, al encontrarse con el chico le dice que se mantenga al margen ya que Zola verá en él un peligro y hace que lo busquen. 

Sus secuaces finalmente localizan a Marcus en una obra en construcción, al igual que Mørck y Assad, lo que conduce a un enfrentamiento entre la policía y los criminales. Al intentar huir, Marcus resulta herido y los hombres de Zola logran escapar. 

Una investigación más profunda revela que el padre de Jeanne recibió grandes remesas de dinero después de denunciar la violación y luego murió en un accidente. Cuando quieren volver a interrogar a Jeanne, la encuentran muerta en la bañera. Están convencidos de que la mataron. 

Mørck habla con Malena y su hija Thilde,  y por ellas se entera de que Marcus le regaló un collar de su padre. Más tarde, Marcus le dice a Mørck que Stark está muerto y lo lleva hasta su cuerpo. El niño descubrió el cuerpo y se llevó el collar. 

Mørck y Assad interrogan a Teis Snap, pero su abogado, de nombre Jacobsen interrumpe el interrogatorio y el jefe de policía suspende a Mørck de servicio. 

Mientras Mørck empaca sus cosas, le pregunta a Rose sobre el dueño del bosque donde yacía el cuerpo de Stark. Pertenece a una empresa de construcción e inmobiliaria cuyo fundador, Jens Brage-Schmidt, vive allí.

Teis Snap también forma parte del consejo de administración de la empresa. Mørck conduce hasta la propiedad con Assad. Allí, Snap acaba de asfixiar al viejo Brage-Schmidt antes de que Rene Eriksen, su cómplice del Departamento de Estado, le dispare. 

Mientras se aleja, pasa junto a los investigadores que llegan, quienes solo pueden observar cómo la villa se incendia. Zola ha secuestrado a Marcus, pero los investigadores logran atraparlo al amanecer en un sendero del bosque. 

Assad dispara a Zola cuando toma como rehén a Mørck. Cuando Mørck ve el coche de Eriksen en los reportajes de televisión, comprueba las imágenes de la cámara de su coche. Reconoce a Eriksen en el coche que encontró delante de la villa de Brage-Schmidt. Luego lo arrestan. Marcus regresa a su tierra natal con su padre.

El rodaje de Marco Effecten (2021)- que es su título original-  tuvo lugar en Praga y fue realizado por Martin Zandvliet. Estaba inicialmente programado para estrenarse en 2020 en Dinamarca y la República Checa, pero el rodaje se interrumpió en marzo de 2020 debido a la pandemia del p*t* Covid, y se reanudó y completó después. 

Y aunque en su país - supongo - que se estrenó en cines, aquí la apariencia es que se estrenó en televisiones. La película presenta un tono sombrío en la que parece que ni el director ni los actores se han visto las anteriores entregas y todos parecen mostrar una relación entre los protagonistas gélida. La película o episodio - vete tú a saber- tiene dosis de suspense, emoción, giros argumentales y bastante acción, en ese sentido cumple sobradamente, pero el hecho de que no aparezcan los integrantes con los que comenzaron parece tener responder a un formato de telefilm.  Pero, lo dicho, se deja ver. 

De ella el portal alemán Filmdienst.de señaló que “El thriller, diseñado exactamente según el modelo del Nordic Noir, utiliza los clichés del género de forma eficaz pero también algo predecible, pero olvida los intersticios de la humanidad como base de la historia. procedimiento investigativo” . Hay una sexta entrega: ‘Sin límites’.

Gold

Tremenda película la protagonizada por Zack Efron, un Efron que , finalmente, - esto es un spoiler como la copa de un pino- devorado por unos perros. Así de brusca es esta distopía futurista, este thriller  lleno de suspense y soledad, así como polvo. 

Esta película futurista del año 2022 dirigida - -y en parte protagonizada - por Anthony Hayes, en la que Efron lleva la voz cantante y protagoniza este denso thriller de supervivencia sobre lo que el ser humano está dispuesto a hacer cuando la codicia llama a su puerta. Se trata de un film australiana que se estrenó en un canal, Stan, pero en la que participan varias productoras como Deeper Water Films, Rogue Star Pictures, South Australian Film Corporation, Screen Australia, Ingenious Media, Altitude Film Distribution y la misma Stan y que tiene como nombres propios de productores los de Anthony Hayes, John y Michael Schwarz. El omnipresente Anthony Hayes aparece junto a Polly Smyth como guionista; mientras que los técnicos australianos Ross Giardina, Sean Lahiff y Antony Partos están presentes en la fotografía, montaje y música, respectivamente.  

Ambientada en un futuro cercano o marcado por la desesperanza y la violencia, Gold sigue a Virgil, un viajero solitario que llega a una puesto avanzado para trabajar de una mina. Allí ha quedado con el conductor, Keith, que lo llevará al área conocida como El Complejo en la que espera hallar un futuro mejor. Mientras llegan y viajan por el inhóspito desierto los dos hombres descubren una enorme cantidad de oro. 

La historia nos lleva a un futuro cercano aunque distópico, en la Virgil (Zac Efron) llega a un puesto de avanzada preguntando por un lugareño que responde al nombre de Keith (Anthony Hayes) para que lo transporte a un área conocida como The Compound o El Complejo. 

Descubrimos que Keith quiere cobrar por todo. Por el transporte, pero también por el agua y la gasolina que se consuman. Viajando a través de un desierto inhóspito. Cuando paran , Virgil descubre que de los pocos seres vivos que hay en el desierto se ha de preocupar de los hombres y de los perros. En una parada forzada, dado que al poner el aire acondicionado Virgil, el coche se ha sobrecalentado y se para, el foráneo descubre mientras mea una enorme pepita de oro en este área remota. 

Después de no poder extraerlo con sus herramientas básicas y su camión la roca de oro, Keith sugiere quedarse con el oro mientras Virgil ha de ir a intentar encontrar una excavadora, sugiriendo que no tiene lo necesario para sobrevivir solo. Virgil sostiene que debería ser él quien se quede con el oro tal como lo encontró. 

Tras unos momentos de tensión en los que Keith le dice a su compañero que no sobrevivirá al desierto, deja a Virgil con los suministros restantes, con un teléfono por satélite, una mínima cantidad de agua y la promesa de regresar en 5 días. 

A medida que pasa el tiempo, Virgil comienza a deteriorarse tanto física como mentalmente a medida que aparece la paranoia relaciona con la soledad y el calor extremo. En su búsqueda de leña para mantener alejados a los perros salvajes, se encuentra con un avión estrellado. Virgil pudiendo elegir el avión como refugio, opta por construirse un refugio junto al oro recogiendo piezas del avión. 

Durante ese tiempo se encuentra con un escorpión al que deja en paz, y una serpiente, a la que en sus intentos de matar con su navaja de bolsillo, accidentalmente tira agua de todo un día. Después de varios días esperando el regreso de Keith, mientras el duerme en el avión se persona una mujer solitaria (Susie Porter) que se encuentra con Virgil mientras busca más comida en el avión. 

La mujer inmediatamente sospecha de Virgil y su razonamiento para estar solo en el desierto, y también anuncia que conoce su campamento junto al árbol. Ella se acerca para investigar y Virgil la sigue. Ella mientras se dirige al campamento primario levantado por Virgil le habla de su odio hacia las personas que huyen de las ciudades en busca de los recursos de su tierra y comienza a acusar a Virgil de ocultar algo. Éste la sorprende y la mata con su pala, enterrando luego su cuerpo. 

Más tarde, un perro salvaje desentierra su tumba poco profunda, así que Virgil la arrastra fuera del campamento y quema su cuerpo durante la noche. Un día después, una tormenta de arena destruye el campamento y el árbol, dejando a Virgil herido de una rama clavada en la barriga y sin suministros. 

La salud de Virgil se deteriora aún más por la herida ya que pierde sangre por la herida de la rama del árbol y la exposición adicional al sol. 

Despierta después de un período de inconsciencia y otra mujer, que aparenta ser la misma que se acercó a su campamento, le apunta con una ballesta, antes de volver a caer inconsciente y tener extrañas visiones del escorpión y la chica carroñera. Poco después se despierta y la chica carroñera le ofrece lleva a un abrevadero y le ofrece comida. Virgil le grita que se vaya. La mujer le pregunta si conoce a su hermana y, luego, desaparece. 

Virgil se pone en contacto con Keith por radio, quien le informa que está cerca. Sin embargo, Virgil, que está rodeado de pequeñas hogueras de fuego y que sigue gravemente herido, es atacado y asesinado por una jauría de perros salvajes. 

Descubrimos, casi de inmediato, que Keith está mirando cerca, esperando con el equipo de excavación. Mientras avanza para extraer el oro, Keith recibe un disparo en el pecho con una flecha acabando así la película. En noviembre de 2020 se anunció que Zac Efron había firmado para la película, que sería dirigida por Anthony Hayes, quien también interpretaría uno de los papeles principales. Más tarde se anunció que Susie Porter se había unido al elenco y que la película se proyectaría en Stan en Australia. 

El rodaje comenzó en noviembre de 2020 en el interior de Australia del Sur, en Flinders Ranges y la ciudad de Leigh Creek. Con sólo tres protagonistas - o cuatro- según se mire, la película se convierte en una sombría parábola sobre los implacables que pueden llegar a ser los seres humanos tan implacables como la naturaleza extrema en la que se enfrentan los protagonistas. 

Como curiosidad la angustiosa escena de la tormenta de arena está rodada durante una tormenta real.Efron se rompió un hueso de la mano a mitad del rodaje, pero se lo ocultó al equipo para evitar detener la producción. 

En cuanto a la crítica Luke Buckmaster en las páginas del The Guardian dijo de ella que "Anthony Hayes y su famoso coprotagonista ofrecen actuaciones sólidas, pero esta visión distópica se vuelve cada vez más endeble (...). Elogió la fotografía y la actuación de Efron, pero encontró la trama escasa " 

Craig Mathieson en Flicks señaló que se trata de "Una película de género firme que no intenta apuntar demasiado alto. Hayes y Efron son capaces de sacar adelante este drama sólido." 

Susannah Gruder en IndieWire destacó el papel de "Zac Efron ofrece una actuación vibrante (...) 'Gold' intenta generar tensión transmitiendo una sensación de vacío (...) y acaba ella misma vacía (…) " 

Mark Hanson en Slant sostuvo que "Apenas descubrimos nada de su estoico protagonista (...) No profundiza más allá de lo que es evidente en la superficie (…)" 

Jordan Hoffman en AV Club escribió sobre Gold que "Genera tensión y ofrece una conclusión satisfactoria, pero hay algunas partes considerables en las que el globo pierde bastante aire." 

Sarah Jane en Austin Chronicle defendió que "No está mal. Tiene buen aspecto (...) Tanto Efron como Hayes hacen un buen trabajo (…) " 

John Serba de Decider admitió que "Por si no lo he dejado del todo claro, 'Gold' es de todo menos divertido" 

Ya en España,  Fausto Fernández señala que " Zac Efron defiende una señora pepita de oro (y no, malpensados, no la esconde como el reloj de PULP FICTION) de malos malasombra en un desierto sin ella, survival sesteable". 

Habrá que reconocer que es una película interesante, muy física, con un rodaje que parece especialmente duro, que te mantiene en tensión durante los 90 minutos que dura, con únicamente tres actores, y en el que Zac Efron hace un auténtico papelón, y que junto al desierto - magníficamente rodado por Ross Giardina, y la locura de la codicia son los grandes protagonistas de la película.