martes, 23 de abril de 2013

De esas recomendaciones


Como casi siempre tiro de recuerdos. En este caso me acuerdo de un compañero de clase, ya fallecido. El fue quien me hablaba de esta película. Le encantaba lo bélico. Tenía sus cosas, sus neuras, fueron ellas las que acabaron con él. Siempre recordaré que fue en su casa, junto con otros compañeros de clase donde vi Aliens 2. 
Sería el año 1986. Yo de la Colina de la hamburguesa (Hamburger Hill) no sabía ni de que iba. Tras verla me enteré que era una película bélica norteamericana del año 1987 y que se centraba en una historia real ocurrida en la guerra de Vietnam, hace hoy cuarenta y cuatro años. 
La batalla de la Colina de la hamburguesa es un episodio ocurrido dentro de la guerra de Vietnam. No fue la batalla más larga ni la más sangrienta; pero sí una de las más inútiles. El protagonista fue el 3 º o 4 º batallón de la 101ª División Aerotransportada "Screaming Eagles", perteneciente al 187 Regimiento de Infantería de los Estados Unidos. La Sexta3 tuvo a bien volver a emitirla en la noche del 22 de abril. El 11 de mayo de 1969 el 4º batallón de la 101ª División Aerotransportada informó de la presencia de tropas enemigas en lo que entonces se denominaba simplemente colina 937, ya que así lo designaba su mapa por presentar 937 metros de altura., en el Valle de Ashau, a pocos kilómetros de la frontera con Laos, y el alto mando ordenó que dicha posición fuera tomada a cualquier precio. Era una posición bien fortificada, incluyendo trincheras y bunkers, que tenía el Ejército de Vietnam del Norte en Ap Bia, una montaña cerca de la frontera laosiana.

La película refleja la serie de ataques (que dio lugar a numerosas bajas tanto para las fuerzas de Vietnam del Norte y América) que comenzaron el 10 de mayo de 1969, hasta el fin de la campaña con la toma de la colina el 20 de mayo. 
La película está dirigida por John Irvin, y se basa en una obra de James Carabatsos. El mismo será uno de los productores junto con Marcia Nasatir para la RKO Pictures. 
La música es obra de Philip Glass, y se escucha de manera nítida tanto al principio, con los títulos de crédito, como en los momentos finales de la batalla. Presenta una limitada música, que sólo hace presencia cuando es totalmente indispensable, creando escenas tan poderosas como en la que se sobrevuela Vietnam en helicóptero al ritmo del “We gotta get out of this” de The Animals, la que se escucha por los soldados desde las radios en la base con temas de la época como el “The dock of the bay” del bueno de Ottis Redding o el “Subterranean Homesick Blues” de Bob Dylan. A esto se le une la música del compositor Phillip Glass que ofrece un soberbio tema para los créditos finales, que se convierte en lo mejor de este apartado. 
La fotografía fue de Peter MacDonald y la edición o montaje fue labor de Peter Tanner. La película no tiene aspecto de haber manejado mucho presupuesto, pero la distribuidora, la Paramount Pictures, obtendrá desde agosto de 1987 unos cerca de 14 millones de dólares, en concreto, 13839404 dólares ($). 
La película protagonizada por unos jovencísimos y casi debutantes Dylan McDermott , Steven Weber, Courtney B. Vance , Don Cheadle y Michael Barquero. La música de Phillip Glass pone la banda sonora al inicio de la película. 
La película abre con un prólogo: "El 10 de mayo de 1969 las tropas de la 101 División Aerotransportada se enfrentaron al enemigo en la base de la colina 937 en el valle de A Shau. Diez días y once sangrientos asaltos después, las tropas que lucharon allí la llamaron....colina de la hamburguesa".

Durante los títulos de créditos vamos viendo a través de una ventanilla el Capitolio y otros lugares de Washington como queriéndonos decir que la película se debe a ellos. Tras la música de inicio nos metemos en el Vietnann del año 1969. Mientras que un pelotón del Batallón 3 de la 101 División Aerotransportada se prepara para ser enviados de nuevo en acción, recibe cinco novatos (FNGs, como veremos más tarde) como sustitutos. 

 Los protagonistas absolutos de esta historia son el teniente Terry Eden (Tegan West), líder del pelotón. El Sargento de primera Dennis Worcester (Steven Weber) El sargento mayor Adam Frantz (Dylan McDermott). El sargento y lanzagranadas Elliott McDaniel (Don James) . El soldado médico Abraham Johnson (Courtney B. Vance), el soldado Ray Motown (Michael Barquero), el fusilero Michael Duffy (Harry O'Reilly), el soldado Frank Gaigin (Daniel O'Shea), el encargado de radio Harry Murphy (Michael Dolan) , el soldado de primera Paul Galvan (Michael A. Nickles), el soldado de primera David Washburn (Don Cheadle), el soldado Joseph Beletsky (Tim Quill), y los soldados Martin Bienstock (Tommy Swerdlow) y Vincent Languilli (Anthony Barrile) o alfabeto como se le llama en repetidas ocasiones.

Rápidamente se nos presentan a todos y sus personalidades e inquietudes. Se trata de los soldados Beletsky, que constantemente se inquieta porque no va a ser capaz de recordar todo lo que se enseña, el soldado Languilli, quien se molesta cuando la gente mal pronuncian su nombre, y los soldados Washburn, Beinstock y Galván, el más tranquilo, pero el más prometedor. 

Tomado bajo el ala de su líder de escuadrón, un suboficial ya cansado de la guerra, el sargento Frantz, los reclutas toman a través de un curso intensivo en técnicas de campo de batalla que lo abarca todo, desde la higiene oral a una demostración de un soldado capturado NVA en cuanto a cómo hábilmente tropas enemigas pueden penetrar las defensas del perímetro.

El pelotón tiene un nuevo comandante, el inexperto teniente Edén que va a necesitar las habilidades y experiencia de ambos los sargentos Adam Frantz y sargento del pelotón Worcester. El resto del pelotón está compuesto por los ya nombrados: dos especialistas,  el corpulento Pvt. Duffy y y por su amigo Pvt. Gaigin. Además hay tres veteranos afroamericanos de la unidad que son Motown, 'Doc' Johnson y el sargento McDaniel. Todos tienen conocimiento de primera mano de la discriminación racial que todavía se practica en el ejército. 

Los FNGs (ya sabréis lo que significa) consiguen su primera experiencia repentina de la guerra cuando están descansando tranquilamente al lado de un río y se ven interrumpidos por una andanada de artillería enemiga. 

En el ataque Galván es asesinado al recibir un disparo en la cara, que lo deja irreconocible. Más tarde, la compañía es aereotrasportada en helicópteros. 
El pelotón entra de inmediato en el valle de A Shau y se encuentra con una patrulla enemiga. Este encuentro desata un tiroteo en el que el sargento McDaniel es asesinado. Esto provoca un pérdida considerable y la amargura y tensión ya que McDaniel estaba a punto de licenciarse y, al ser negro, se le negó cualquier posibilidad de ir en la trasera del pelotón. Motown y Doc se consuelan, a los que se une el soldado de primera David Washburn. 
El batallón comienza un asalto a la colina en poder del enemigo. Se trata de la colina 937 y lo que parece una acción rutinaria de pronto se convierte en una gran batalla al encontrar fuerte resistencia de la NVA, ya que en lugar de utilizar tácticas de golpear y correr, se defiende posiciones muy arraigadas. El pelotón se vio obligado a atacar la colina varias veces contra la obstinada oposición y EE.UU. 

Los ataques aéreos de napalm van dejando cada vez menos vegetación, dejando la colina como un espacio yermo, baldío, quemado. En uno de los múltiples asaltos, Duffy va a enloquecer. Para contrarrestar las defensas la aviación sigue actuando, pero un ataque mal dirigido desde la artillería de los helicópteros van a causar muchas bajas por fuego amigo, para horror del Teniente Edén y de su hombre de Murphy quien pide que cesen los ataques. Entre las bajas está Duffy, que es una de las víctimas mortales del fuego amigo. 
Entre los ataques, el pelotón para con el fin de descansar y hablan de las convulsiones sociales de vuelta a casa. Beinstock lee una carta de su novia, en cuya universidad sus amigos le han dicho que es inmoral seguir siendo novia de un soldado. Beletsky recibe una carta en una cinta de su chica en la que le dice que comprende que pueda tener relación con otras chicas en Viertnann. Frantz se sorprende. El Sargento Worcester confiesa a sus compañeros acerca de la alienación y la hostilidad que encontró en su último viaje a casa, junto con el colapso de su matrimonio y cómo a su regreso a casa un buen amigo, cuyo hijo había muerto en Vietnam en 1965, había sido humillado tras recibir llamadas telefónicas de estudiantes universitarios contra la guerra y alegrándose de la muerte de su hijo. 
Poco a poco el sargento Frantz se va desgastando. Un día llega a un choque con un reportero de televisión, y en un momento dado vemos como un reportero pregunta a los soldados de que cuántas veces habían subido la colina y el teniente le responde que unas diez, pero la respuesta del Sargento Frantz (17 de mayo) le dice que mueva su culo fuera de la zona de Operaciones, además añade que él tiene más respeto por el NVA en la colina, porque "al menos se de que lado están". 
El pelotón cada vez más agotado sigue tratando de tomar la colina. El décimo asalto tiene lugar entre lluvias torrenciales, convirtiendo la ladera en un río de lodo. Gaigin es asesinado y Doc Johnson cae mortalmente herido. Antes de que se evacue, le dice a Frantz y Worcester que tomen la colina, para que al menos puedan sentirse orgullosos de aquello. 
El undécimo asalto está montado por los sobrevivientes del pelotón cuya amargura y el cansancio se ve superado por la ira y el orgullo de la unidad. Las posiciones finales enemigos son tomadas, pero el coste es demasiado pesado. El Teniente Eden está herido, perdiendo su brazo. Murphy, Worcester, Motown, Beinstock y finalmente Languilli mueren antes de que unos pocos supervivientes llegan a la cumbre. 
Frantz, herido por una bayoneta enemiga, descansa en la cima de una colina junto Beletsky y Washburn. El como el campo de batalla, finalmente, queda en silencio. La imagen final es la cara envejecida y desencantada de Beletsky que mira la carnicería que han dejado atrás. 

Esta película se acaba con un epílogo. "La Colina de la hamburguesa se aseguró el 20 de mayo 1969. La guerra por las colinas y los senderos continuaron, los lugares y los nombres olvidados, sino por los que estaban allí." En los créditos finales incluyen un famoso poema sobre la guerra escrito por el Mayor Michael Davis O'Donnell el 1 de enero de 1970. Es el siguiente poema: Si le es posible, guardar para ellos un lugar dentro de ti y guardar una mirada hacia atrás cuando se está saliendo de los lugares a los que ya no pueden ir. No os da vergüenza decir que los amabas, aunque usted puede o no puede tener siempre. Tome lo que les queda y lo que le han enseñado con su muerte y seguir con su propio. Y en ese momento cuando los hombres deciden y se sienten seguros de llamar a la guerra loca, tome un momento para abrazar a los héroes suaves que dejaste atrás. 
El escrito está firmado por el Mayor Michael Davis O'Donnell el 01 de enero 1970 Dak To, Vietnam. Más tarde, O'Donnell fue declarado desaparecido en acción el 24 de marzo 1970 después de pilotar un helicóptero en una misión de extracción dentro de Camboya. Fue declarado muerto en combate en 1978. Sus restos fueron recuperados e identificados con pruebas de ADN muchos años más tarde, y fueron enterrados en el cementerio nacional de Arlington en 2001. 
La versión novelada de la película, está escrita por William Pelfrey. Ya sabemos que la película a su vez se basa en el guión de John Carabatsos, y contó con varias escenas adicionales que no aparecen en el montaje final de la película. Estas escenas se incluye en el prólogo y en el epílogo. Se refieren a los años después de la guerra en la que Frantz, ya un civil y felizmente casado y con hijos, visita el Memorial de Vietnam Wall en Washington DC, y le pide a su hijo pequeño que coloque una bandera pequeña debajo del nombre de Languilli. Otra escena adicional se refiere durante una noche en medio de los ataques a la colina 937, donde la NVA lanzar una sorpresa el contraataque. 
El guionista James Carabatsos había luchado en la guerra de Vietnam. Y esa es una de los razones por la que el productor Marcia Nasatir se había incorporado al equipo, al igual que el peso que tenía que su hijo también había luchado en Vietnam. 

 El guionista de la película conoció la guerra de primera mano. James Carabatsos había servido en Vietnann con la División de Caballería Aérea primera entre 1968-69 y pasó cinco años entrevistando soldados involucrados en el combate. Realizó igualmente una investigación sobre la Batalla de colina de la hamburguesa . 
En menor grado, John Irvin, un cineasta Inglés de nacimiento, trabajó en varios documentales en Vietnam en 1969. 
La realidad de la batalla de la Colina de la hamburguesa es la siguiente, y así se recoge en la Wikipedia. Es un episodio ocurrido dentro de la guerra de Vietnam. No fue la batalla más larga ni la más sangrienta; pero sí una de las más inútiles. Y es que el alto mando ordenó que dicha posición fuera tomada a cualquier precio. La victoria norteamericana fue pírrica. 
Los paracaidistas de la famosa División Aerotransportada 101 del Ejército de EE.UU., protagonistas de la película, eran conocidos como "The Screaming Eagles", debido al distintivo que llevaban en el hombro de sus camisas (un oro de pico rojo del águila o de cabeza blanca en un escudo negro). Eran temidos y respetados por los enemigos norvietnamitas, especialmente por el Viet Cong en Vietnam. Por el mismo motivo los vietnamitas llamaban a estas tropas la " Hombres Pollo ", y tenía una cautelosa frase de "ten cuidado con los hombres pollo." 
Los tres batallones de la 101ª División Aerotransportada atacaron durante días sucesivos, desde el día 10 de mayo al 20 de mayo. En esos diez dias el resultado no puedo ser peor. Por ejemplo, los días 12, 13 y 14 de mayo de 1969 y los americanos al mando del ¿Cabo 1º? Weldon Honeycutt sufrieron grandes pérdidas. Se solicitó apoyo aéreo y la Fuerza Aérea realizó un fuerte bombardeo con napalm y alto explosivo, pero los norvietnamitas se encontraban bien protegidos en refugios excavados un poco por debajo de la cima, de modo que resistieron la embestida. 

Con la incorporación de otros dos batallones norteamericanos y tropas survietnamitas se volvió a intentar la toma, pero nuevamente los norvietnamitas aguantaron el envite. El día 19 se habían lanzado ya diez ataques. La defensa comenzaba a flaquear y la posición estaba perdida, pero un helicóptero artillado norteamericano equivocó las coordenadas y barrió casi por completo a la columna que trepaba entre los árboles y la maleza. La toma no se produjo. 
El undécimo ataque, el día 20, culminó con la conquista de la colina. Sin embargo, unos días después se ordenó abandonar la posición y los norteamericanos se marcharon llevando los cuerpos de sus compañeros que pudieron encontrar. Además de la dureza del combate y de la resistencia de las tropas norvietnamitas que defendían la posición, hubo que tener en cuenta la lluvia y las bajas temperaturas. Sin embargo, nada de esto indujo al oficial al mando, el cabo primero Weldon Honeycutt, a dudar de su obligación de tomar la posición. 
 El número de víctimas norteamericanas fue de 272 (si bien sólo se pudieron recuperar 260 cadáveres) y 372 heridos. Los norvietnamitas perdieron algo así como 1.675 efectivos. Fue este elevado número de bajas el que hizo que los soldados denominaran a la colina como Colina de la Hamburguesa, un chiste macabro en el que identificaban los cuerpos de sus compañeros muertos y heridos como picadillo para hamburguesa, y en referencia a una batalla de similares características durante la Guerra de Corea. 
Cuando esta batalla se hizo conocida, el senador Edward Kennedy, en representación de miembros del Senado opuestos a la guerra, protestó alegando que "se continuaba enviando a los muchachos al matadero para capturar posiciones que carecen de relevancia para el desarrollo de la guerra”. 
El Pentágono respondió asegurando que la colina 937 "tenía gran importancia estratégica en el control de la ruta de infiltración a través de Laos de las tropas de Hanoi" y que según informaciones de los servicios de inteligencia, "sería utilizada próximamente por los norvietnamitas para lanzar un ataque contra la ciudad de Hué". Sin embargo, dos días después de haber sido tomada, a las tropas norteamericanas se les ordenó abandonarla. 
El combate de la Colina de la Hamburguesa entraba dentro de la estrategia elaborada tras el desastre de la ofensiva del Tet. Según esta nueva estrategia, se multiplicaba el número de ataques llevándolos a cabo con unidades de menor tamaño. Así, al reducirse el número de soldados, se daba la sensación de que la ofensiva norteamericana se había reducido (cuando en realidad el número de ataques se había triplicado). Por otra parte, el elevado número de bajas hacía parecer que se debían al aumento de ataques norvietnamitas. 
Después de esta batalla las tropas norteamericanas no volvieron a realizar ataques masivos de búsqueda y destrucción, dejando esa tarea a los survietnamitas. 
La acogida entre los veteranos de Vietnam fue muy positiva hacia la autenticidad y la brutalidad de la película. 
Las críticas sobre la película fueron medianamente positivas. Vincent Canby del diario The New York Times calificó La colina de la hamburguesa como una "película sobre la Guerra de Vietnam que está bien hecha y que centra su atención en los hombres de un solo pelotón y en una operación específica." Esta película a diferencia de Platoon de Oliver Stone y que ganó el Oscars a la Mejor Película ese año, "se niega a poner a sus personajes y sus acontecimientos en un marco más amplio. Podría haberse hecho una semana después de la conclusión de la operación …”. Hal Hinson del Washington Post atribuye un éxito en el cineasta por crear un "afecto profundo, es uno de los grandes aciertos de la película", pero consideró que "Carabatsos y sus colaboradores parecen sentirse obligados no sólo a mostrarnos su guerra, sino que nos obligan a pensar en ella ", lo que permite que estemos ante una" gran película de guerra". 
La película fue filmada en Filipinas, así como en la Constitution Avenue & Bacon Dr, así como en el Memorial de Veteranos de Vietnam. Durante el rodaje algunos de los extras eran Marines EE.UU. que estaban estacionados en la Bahía Subic, en Filipinas. 
Como dato lamentable y anecdótico señalar que un electricista se electrocutó y murió en frente del reparto y del equipo. Debido a esto, la producción estuvo a punto de parar, pero finalmente continuó después de un funeral. 
Fue el debut de muchos de los actores en el cine. Entre los que destaca Don Cheadle (quien iba a protagonizar Crash y Traffic, Boogie Nights, Hotel Rwanda), Dylan McDermott (que dará en el cine sus mejores papeles en Magnolias de acero y En la línea de fuego, y en la televisión en las dos temporadas de American Horror Story) y Courtney B. Vance (conocido principalmente por sus papeles en serie como Ley y Orden). 
Varios asesores vietnamitas ayudaron para garantizar la autenticidad del pueblo vietnamita. John Irvin, en particular, se aseguró de que la película pareciera real. 
Cerca del final de la película, hay una escena en la que un soldado, con el rostro cubierto de vendas y cegado totalmente. Esto está tomado de una fotografía tomada en la famosa colina de la hamburguesa real.

Estamos ante una película realista sobre el Vietnam, y posiblemente la más equilibrada de Vietnam dentro de los excesos mentales provocados por las condiciones ambientales de humedad y el propio stress de la guerra. Con reclutas novatos que comparten entre ellos sus ilusiones y preocupaciones, sargentos y tenientes de experta mirada que refleja el dolor y la dificultad del terreno sobre el que trabajan y dejan sus vidas, música de la época retumbando en las radios que se distribuyen por las bases militares, prostitutas vietnamitas prestando servicio a los soldados, cruentas y escalofriantes batallas en mitad de lo frondoso de la jungla. El dolor, el sufrimiento, el deseo de evadirse y de volver a casa… 

 Todo se narra y se ofrece con la sencillez que permite el hecho de trabajar con un material basado en hechos reales, que si bien debe adaptar su conjunto a un formato cinematográfico que no pretende ser infiel con la realidad escrita sobre la batalla conocida popularmente con el mismo nombre que el de esta película: “La colina de la hamburguesa”, uno de los mayores ejemplos en la historia bélica de hasta cuán de inútil puede resultar en ocasiones una guerra, y de lo insignificantes, vulnerables y amantes de la vida que somos en realidad los humanos. 

En la película no se sigue un plan lineal, sino que se combate y se vuelve al campamento, manteniendo de esta manera despierta la sensación de cercanía y credibilidad que los soldados inspiran al espectador, ante una infinita batalla que se presenta dosificada. 
La película retrata la lucha, el combate, la valentía, compañerismo y dedicación a la misión de las tropas. También trae a colación preguntas dolorosas sobre la guerra de Vietnam, como la estigmatización de las tropas de reemplazo (" novatos "o, más crudamente," FNGs ", para" Fuckin 'New Guys ") y del capricho aparente de alto mando en el conflicto, específicamente la falta de valor estratégico de la colina y bajas innecesarias posteriores. Otros temas incluyen el efecto de la anti-guerra sentimiento de la moral, y las tensiones raciales entre las tropas (especialmente la superación de las tensiones raciales por la amistad gradual y se ha ganado el respeto). 
Un aspecto de la guerra retratado es como los soldados en el campo se sintieron traicionados por la gente de vuelta en los Estados Unidos, en particular los estudiantes universitarios. En una escena, un soldado recibe una carta de su novia diciendo que no va a seguir escribiendo porque sus universidades amigos le dijeron que era inmoral estar involucrado con un militar al que se refieren como "asesinos". En otra escena, el sargento. Worcester (Steven Weber) del Sur dice a sus compañeros que cuando llegó a casa de su primera misión en 1968, frente a la discriminación por ser un veterano. Cuando se bajó del avión, hippies lanzaron bolsas de excrementos de perro en él y otros soldados que regresan. Cuando llegó a su casa, su esposa estaba teniendo relaciones sexuales con otro hombre, y no tenía nada más que desprecio por él. Dondequiera que iba, la gente lo trataba con hostilidad y desprecio. Aunque parezca increíble, nada de esto molestó Worchester hasta que descubrió que su camarero local (la única persona que lo recibió en casa con un tono de voz amigable) había perdido a su hijo en el 1965 batalla de Ia Drang Valley y fue enviado a casa en "una bolsa de goma con 'miembros desaparecidos' etiquetados en él ". Para empeorar las cosas, los estudiantes universitarios mantienen llamando al camarero en su casa diciendo que estaban contento de que su hijo fuese asesinado por el "ejército heroico del pueblo ", haciendo que el camarero a sufrir un colapso mental y empezar a usar heroína. Este evento causó la Worchester enojado y alienado para inscribirse en otro viaje en Vietnam.
Con razón la guerra de Vietnam marcó la historia de la sociedad norteamericana en el último cuarto del siglo XX y generó todo un volumen de películas que todavía del que hicimos en enero algún comentario. . 




lunes, 22 de abril de 2013

Tyler y la verdad en el espejo


No sé que pensar. He terminado de ver esta película y me he quedado un poco fuera de juego. Si me preguntaras si me ha gustado o no, no podría dar una respuesta. Eso sí, me ha dejado un poco noqueado. No tanto por el desenlace, sino por la historia de ese yo deseado, que es más poderoso que el yo real. En el fondo, es una historia que en algún momento de tu vida te hubiese gustado (en este caso, eliminando la violencia, o no). No lo sé. Esta claro que el subconsciente casi nunca es tan poderoso, aunque el que se manifiesta en esta historia sí que lo es, o sí que le gustaría serlo. Yo había empezado a ver esta película hace un par de años, sin embargo, la deje inconclusa. El lunes pasado, aprovechando la coyuntura de que la ponían en la Sexta3, y – lo más importante- que había enviado ya a mis hijos a la cama, pude verla de tirón  - eso es un decir dado esa puñetera publicidad de “nos vemos en 6 minutos”- el Club de la lucha. Sí, sí, de eso hablábamos. 

Fight Club es una película de 1999 basada en la novela homónima de Chuck Palahniuk, aunque en España se conoció con el nombre de El club de la lucha. Pasados 14 años de su estreno, no es una película a la que el tiempo le haya provocado ninguna arruga. 
La cinta fue dirigida por – para mí, excelente- David Fincher, quien contó con el guión de Jim Uhls para adaptar al cine la obra de Palahniuk. Como ayudantes con un equipo formado por Allen Kupetsky, Michael A. McCue, Mike Topoozian y Bob Wagner. 
La dirección artística estuvo a cargo de Chris Gorak, mientras que la producción fue labor de Art Linson, Ross Grayson Bell y Cean Chaffin para las empresas Art Linson Productions, Fox 2000 Pictures, Regency Enterprises y Taurus Film. Invirtieron la muy estimable cuantía de más de 63 millones de dólares en el filme. Para el diseño de la misma se contó con Alex McDowell. La música fue cosa de tres: Dust Brothers, Michael Simpson y John King. 
En otros apartados técnicos tenemos a David C. Hughes encargado del sonido y una gran fotografía (especialmente oscura, en algunos momentos) de Jeff Cronenweth. Un aspecto a destacar en esta película es el montaje que fue asumido por James Haygood. La estética también llamativa en el vestuario de Michael Kaplan y un papel relevante, sobre todo, al final , el de los efectos especiales, de Derrick Crane. 
La película está protagonizada por Edward Norton, Brad Pitt y Helena Bonham Carter en sus principales papeles. Participan igualmente como secundarios Meat Loaf, Jared Leto, Van Quattro, Markus Redmond, Michael Girardin, Rachel Singer y Eion Bailey. La distribución quedó en manos de la 20th Century Fox y que logró recaudar unos 100 millones de dólares. 

Contar la película es complicado. Más aún cuando se inicio con el posible protagonista atada a una silla y con un revolver en la cabeza. En ese momento comienza a contarnos su atropellada y compleja historia. Edward Norton interpreta al protagonista, un "hombre común", cuyo nombre no se revela en ningún momento de la película, y que está aburrido con su actividad ejecutiva en una empresa de seguros. 

Está insatisfecho con su trabajo, con jefe, con sus compañeros, con sus viajes de trabajo, con su vida. No hay nada que le satisfaga. Además éste es un empleado de una empresa automovilística que sufre de insomnio. Su médico se niega a recetarle medicación y, al quejarse de que está sufriendo, le replica que vaya a un grupo de apoyo para ver lo que es el sufrimiento de verdad. 

El narrador asiste a un grupo de apoyo de víctimas de cáncer testicular y, después de convencerles de que él también está aquejado de la enfermedad, encuentra una liberación emocional que le cura el insomnio. Se convierte en un adicto a los grupos de terapia y a la farsa de pasarse por víctima, pero la presencia de otra impostora —Marla Singer (Helena Bonham Carter)— le molesta, por lo que negocia con ella para evitar encontrarse en las mismas reuniones. 

Un día conoce - durante un viaje de negocios en un avión- a un tipo llamado Tyler Durden (interpretado por Brad Pitt), con un vendedor de jabones, y con el que tiene una conversación rutinaria, pero atractivo con él.

Al llegar a su piso descubre, que su proyecto personal formado por sus muebles, recuerdos y otras referencias que el consideraba imprescindibles, se ha quemado o destrozado por una explosión. Toma el número de teléfono que le dio Tyler y lo llama. Se reúnen en un bar. Esa noche se ven, toman unas cervezas. Una conversación sobre consumismo hace que Tyler invite al narrador a quedarse en su casa. Tyler acepta con la condición de que lo golpee. Tras darse un par de golpes, tras pegarse y hacerse daño deciden fundar un "club de pelea" clandestino. 

Desde esa noche siempre se dan una pelea, a la que se unen otros más. Ambos se enfrascan en una pelea a puñetazos fuera del bar, para que el narrador posteriormente se mude a la demacrada casa de Tyler. Viven en una extraña casa abandonada en la periferia de la ciudad y se unen en una extraña y dependiente amistad. 
Continúan teniendo más peleas fuera del bar, cosa que atrae a un par de curiosos. Las peleas pasan al sótano del bar, donde se forma un club de lucha regido por una serie de reglas. 

A esta extraña historia se le agrega la de Marla Singer, Marla inicia una relación intensa sexualmente hablando con Tyler. Marla sufre una sobredosis de pastillas y telefonea al narrador para que la ayude; él la ignora, no obstante Tyler toma la llamada de Marla y va por ella. Tyler y Marla comienzan una relación, en la que Tyler avisa al narrador de que nunca le hable a Marla sobre él. 
Mientras tanto, se van formando más clubes de lucha a lo largo del país, convirtiéndose en una organización anticapitalista y anticorporativista llamada Project Mayhem (Proyecto Caos), con Tyler como líder. Al proyecto cada vez se van sumando más y más personas, entre ellas Bob (Meat Loaf), la primera persona que conoció en una terapia. 
El narrador se queja a Tyler de que quiere estar más involucrado en la organización, tras lo cual Tyler desaparece. 
Tras la muerte de un miembro (Bob, el primer amigo de las sesiones de terapia) del Project Mayhem, el narrador intenta dar por cerrada la organización, e intenta seguirle la pista a Tyler. Marcha por todo el país en su búsqueda. En una de las ciudades, ¿Cincinatti?, y en bar, un miembro del proyecto llama al narrador por el nombre de Tyler Durden. 

El narrador llama a Marla desde su habitación de hotel y descubre que Marla también cree que es Tyler. De pronto ve a Tyler Durden en la habitación, y éste le explica que ambos son personalidades disociadas dentro del mismo cuerpo. Tyler controla el cuerpo del narrador cuando éste está dormido. En el fondo el narrador es Tyler en el espejo. Su yo anhelado. 
Después de la conversación el narrador se queda inconsciente. Al despertar, descubre por el registro de llamadas de teléfono que Tyler había hecho llamadas durante su desvanecimiento. Desenmascara los planes de Tyler de producir una situación de caos social a base de destruir los edificios que contienen registros de compañías de tarjetas de crédito. De este modo, los ficheros de deudas bancarias de gran parte de la población serían destruidos. El narrador intenta contactar con la policía, pero los agentes con los que habla también son miembros del Proyecto. Intenta desactivar explosivos en un edificio, pero Tyler le somete y se desplaza a otro edificio para contemplar la explosión. 
El narrador, hostigado a punta de pistola por Tyler, se da cuenta que al compartir cuerpo con Tyler, él también está sujetando la misma pistola. Por ello, acepta su personalidad (Tyler Durden) y se dispara en la mejilla haciéndole saber a su otro yo (Brad Pitt) que no lo necesita más en su vida. Tyler se desploma con un orificio de bala en la parte trasera de la cabeza, por lo que el narrador deja de proyectarle mentalmente. 
Después miembros del Project Mayhem le traen a Marla secuestrada, creyendo que es Tyler, por lo que les dejan a solas. Se detonan los explosivos, tirando abajo los edificios, mientras el narrador y Marla observan la escena, cogidos de la mano. Bueno hasta aquí la aparente caótica película. 

La historia sobre la película comienza con la novela de Palahniuk. Ésta fue escogida por Laura Ziskin, productora de la 20th Century Fox, quien contrató a Jim Uhls para escribir el guión de la adaptación cinematográfica. Del mismo hubo múltiples modificaciones. El punto de partida es la novela Club de lucha de Chuck Palahniuk que se publicó en 1996. 
Antes de esto, un empleado de la productora 20th Century Fox envió un preliminar de la novela al creativo de la compañía Kevin McCormick. Éste mandó que se revisase la novela para ver las posibilidades de hacer una adaptación cinematográfica, pero finalmente fue desestimada. 
Después McCormick se lo mandó a los productores Lawrence Bender y Art Linson, quienes también lo desestimaron. Sin embargo, los productores Josh Donen y Ross Bell le vieron potencial y expresaron su interés. Arreglaron unas lecturas no remuneradas del guión con actores para determinar la longitud del mismo, y la lectura inicial duró seis horas. Los productores cortaron secciones para reducir el tiempo de ejecución y después grabaron la versión corta de los diálogos. Bell mandó la grabación a Laura Ziskin, jefa de Fox 2000, quien después de oír la cinta compró los derechos de Fight Club a Palahniuk por 10.000 dólares. 

Ziskin inicialmente consideró contratar a Buck Henry para la adaptación del guión, por las similitudes de Fight Club con la película de 1967 El Graduado, cuya adaptación corrió a cargo de Henry. Donen y Bell recibieron presión de un nuevo guionista, Jim Uhls, y finalmente lo escogieron por encima de Henry. El guionista Jim Uhls comenzó a trabajar en el primer borrador del guión, que excluía la utilización de voice-over, o sea, del narrador, ya que la industria lo percibía como una técnica de la que se había abusado en el pasado. 

Cuando Fincher se unió al proyecto, pensó que la película requería de esa técnica, ya que creía que "la gracia" de la película provenía de la voz del narrador. El realizador dijo que la película sin voice-over aparentaba ser "triste y patética". Fincher y Uhls trabajaron el guión entre seis y siete meses y para 1997 ya contaban con un tercer borrador que reordenaba la historia y dejaba fuera algunos elementos de la novela. Cuando Pitt comenzó a trabajar su personaje, estaba preocupado, ya que creía que su personaje, Tyler Durden, era demasiado unidimensional. Fincher buscó la ayuda del escritor y director Cameron Crowe, quien sugirió otorgarle al personaje más ambigüedad. Fincher también contrató al guionista Andrew Kevin Walker para ayudar. 
El realizador invitó a Pitt y Norton para que ayudasen a revisar el guión, con lo que el grupo completó cinco revisiones en un año. Chuck Palahniuk elogió la adaptación cinematográfica de su novela y cómo la trama estaba más racionalizada que la del libro. Recordó cómo los escritores debatían si el público de la película creería el giro de la trama de la novela. Fincher apoyó incluir el giro, argumentando que "si acepta todo hasta este punto, aceptará el giro de la trama. Si siguen en la sala de cine, se la quedarán". 

Tanto la novela de Palahniuk como la película contiene temática homoerótica, las cuales se incluyeron en la película para hacer que el público se sintiese incómodo y para acentuar la sorpresa de los giros en la trama. La escena en la que Tyler Durden se baña estando cerca el narrador es uno de los ejemplos; la frase, "I'm wondering if another woman is really the answer we need" ("Me pregunto si otra mujer es realmente la respuesta que necesitamos") fue para sugerir responsabilidad personal más que homosexualidad. Otro ejemplo es la escena del principio de la película en la que Tyler Durden inserta un cañón de pistola en la boca del narrador. Igualmente hay diferencias con respecto al libro. Por ejemplo, el narrador encuentra redención al final de la película al rechazar la dialéctica de Tyler Durden, un camino que diverge del final de la novela cuando el narrador es internado en una institución mental. Fincher pensó que la novela estaba demasiada encaprichada con Tyler Durden y cambió el final para que se apartase de él: "Quería que la gente quisiese a Tyler, pero también quería que aceptasen su derrota". 

El productor Ross Bell mantuvo contactos con cuatro directores para realizar la película. Consideró a Peter Jackson como la mejor opción, pero éste estaba filmando en Nueva Zelanda. Mandaron el libro a Bryan Singer, pero éste ni siquiera lo leyó. Danny Boyle llegó a leer el libro y a reunirse con Bell, pero finalmente se decantó por otra película. David Fincher, quien había leído Fight Club e incluso llegó a intentar comprar los derechos del mismo, habló con Ziskin sobre dirigir la cinta. 
Al principio tuvo dudas de aceptar trabajar para 20th Century Fox, debido a una mala experiencia a la hora de dirigir la película de 1992 Alien 3. Para arreglar su relación con el estudio, se reunió con Ziskin y el director del estudio Bill Mechanic. En agosto de 1997, 20th Century Fox anunció que sería Fincher quien dirigiese la adaptación de Fight Club. Fincher optó por el desarrollo del guión con Uhls y solicitó la ayuda en su escritura a actores y otros miembros de la industria del cine. Fincher intentó que la violencia de la cinta sirviese como metáfora del conflicto entre las generaciones jóvenes y el sistema de valores de la publicidad.

Sobre los actores hubo también mucho trasiego. El productor Ross Bell se reunió con el actor Russell Crowe para discutir la posibilidad de interpretar el papel de Tyler Durden. El productor Art Linson, quien se unió tarde al proyecto, se reunió con otro candidato, Brad Pitt. Linson era el productor jefe, por lo que los estudios decidieron dar el papel a Pitt en lugar de a Crowe. Pitt buscaba una nueva película tras el fracaso de su película de 1998 ¿Conoces a Joe Black? Meet Joe Black?, además de que los estudios creían que Fight Club sería un mayor éxito comercial contando con una gran estrella. Finalmente la Fox contrató a Pitt y le ofreció un salario astronómico, o eso a mi me parece, por la película. 

Para el papel del narrador sin nombre, el estudio deseaba un "actor más sexy" como Matt Damon para incrementar las posibilidades comerciales; también consideraron a Sean Penn. Fincher, sin embargo quería a Edward Norton para el papel, gracias al anterior trabajo del actor en la película de 1996 The People vs. Larry Flynt. La 20th Century Fox ofreció a Norton otra brutalidad de dinero – a mí me lo parece- para que trabajase en Fight Club. Norton no dudo en tar inmediatamente, ya que aún debía una película a Paramount Pictures. Para poder trabajar en Fight Club tuvo que firmar un contrato con la Paramount que estipulaba que aparecería en una de las futuras películas de la compañía por un salario menor. La película en cuestión fue The Italian Job de 2003. 

En enero de 1998, 20th Century Fox anunció públicamente que Brad Pitt y Edward Norton serían los protagonistas de la cinta. Los actores prepararon sus papeles tomando lecciones de boxeo, taekwondo, grappling y elaboración de jabón. Pitt visitó, de forma voluntaria, a un dentista para que le picara los dientes de delante para que el personaje no tuviese la dentadura perfecta. Las piezas se restauraron después de la grabación de la película. 

Para el papel de Marla Singer, los productores consideraron a Courtney Love y Winona Ryder como primeras candidatas. El estudio pensó en Julia Neme, pero Fincher se opuso alegando que Julia era demasiado joven para el papel. Él escogió hacer una audición con Helena Bonham Carter basándose en su actuación en la película de 1997 Las alas de la paloma. 
Un papel curioso en la película es el que interpreta el para mí cantante Meat Loaf, ese músico de finales de los 70 e inicios de los 80 al que conocíamos como el “cacho Carne” y que es quien interpreta el papel de un luchador del club con "tetas". Para esos volúmenes usó un arnés de más de 40 kg de peso para simular los pechos para el papel. También hizo uso de unas alzas de unos 20 cm en su escena con Norton para parecer más alto. 

Después de los visto, ese 17 millones de uno más 2’5 millones de otro, no es de extrañar que los directivos del estudio Mechanic y Ziskin pensaron en el presupuesto inicial de 23 millones de dólares para la financiación de la película se quedara corto. Pero al comienzo de la producción, éste se incrementó hasta los 50 millones. New Regency pagó la mitad, pero durante la filmación, el proyecto escaló hasta los 67 millones. El directivo de New Regency y productor ejecutivo de la película Arnon Milchan pidió a Fincher que redujese los costes por lo menos 5 millones. El director se negó, por lo que Milchan amenazó a Mechanic con abandonar el proyecto. Mechanic buscó reafirmar el apoyo de Milchan mandándole cintas de las partes filmadas. Después de ver tres semanas de filmaciones, Milchan restableció la financiación de New Regency. El presupuesto final de la película fue de 63 millones de dólares. 
En el apartado técnico comentar que esta película como en las de kárate, las escenas de lucha están coreografiadas y los actores tuvieron que "darlo todo" para capturar efectos realísticos como ser apaleados. La maquilladora Julie Pearce, quien había trabajado para el director en la película de 1997 The Game, estudió artes marciales mezcladas y boxeo para retratar a los luchadores de forma precisa. Diseñó una oreja para representar la pérdida de cartílago, citando como inspiración la pelea en la que Mike Tyson le arrancó un trozo de oreja a Evander Holyfield. 
Los maquilladores diseñaron dos métodos para crear sudor al momento: vaporizando agua mineral sobre una capa de vaselina y usando el agua sin adulterar para el "sudor mojado". 
La filmación duró 138 días, durante los cuales Fincher llenó más de mil quinientos rollos de película, tres veces más de lo habitual para una película de Hollywood. Las lugares de grabación estaban todos ubicados en Los Ángeles y alrededores, además de en el estudio Century City. El diseñador de producción Alex McDowell construyó más de setenta decorados. El exterior de la casa de Tyler Durden se construyó en San Pedro, California, mientras que el interior se construyó en el estudio insonorizado. Al interior se le dio un aire deteriorado para ilustrar el mundo fraccionado de los personajes. El apartamento de Marla Singer se basó en unas fotografías de los apartamentos Rosalind Apartments ubicados en la zona baja de Los Ángeles. La producción final se compuso de 300 decorados, 200 localizaciones y efectos visuales. 

Para la imagen y la grabación, Fincher usó el formato Super 35 para filmar Fight Club, ya que le daba máxima flexibilidad hacer las composiciones de las escenas. Contrató a Jeff Cronenweth como fotógrafo; el padre de Cronenweth, Jordan Cronenweth, trabajó para Fincher en la producción de la película de 1992 Alien 3 falleciendo a mitad de rodaje. Fincher exploró diversos estilos visuales en sus anteriores películas Se7en y The Game, por lo que Cronenweth trazaron elementos de ambas para Fight Club. Usaron un estilo chillón, haciendo que los personales "brillasen". Las escenas en que aparece el narrador sin Tyler Durden son realistas e insulsas. Se usaron colores. Helena Bonham Carter usó maquillaje opalescente para retratar su personaje nihilista y romántico. Fincher y Cronenweth cogieron aspectos de la película American Graffiti de 1973, que retrata los exteriores nocturnos de forma mundana mientras, a la vez, incluye una gran variedad de colores. 

El equipo aprovechó la luz natural y del entorno mientras rodaba en las locaciones exteriores. El director buscó varios acercamientos a la iluminación de la cinta, por ejemplo escogiendo varias localizaciones urbanas en las que se aprecia las luces de la ciudad en los fondos. El equipo y él también se apoyaron en luces fluorescentes en otras de las locaciones para mantener el elemento de realismo e iluminar las heridas de los personajes. 

Por otro lado, Fincher se aseguró de que las escenas no tuvieran demasiada luz para no ver demasiado los ojos de los personajes, citando la técnica del cinematógrafo Gordon Willis como influencia. Fight Club se filmó mayormente de noche y Fincher rodó las escenas de día en lugares con sombra. El equipo equipó el sótano del bar con luz de trabajo para crear brillo en los fondos. Fincher evitó usar técnica complejas de trabajo de cámara para las primeras escenas de lucha en el sótano y en su lugar optó por cámara fija. En escenas posteriores de lucha, Fincher movía la cámara desde el punto de vista de un espectador lejano hacia el del luchador. Las escenas con Tyler Durden se escenificaron para ocultar que el personaje es una proyección mental del narrador sin nombre. El personaje no se filmó junto al narrador con otra gente. En las escenas anteriores a que el narrador conozca a Tyler, insertan la presencia de Tyler en tomas en solitario para crear un efecto subliminal. Tyler aparece en el fondo y desenfocado, como "un pequeño diablo en el hombro del narrador". Aunque Cronenweth generalmente trató la película de cine Kodak con normalidad en Fight Club, usó varias otras técnicas para cambiar su apariencia. Se usó flashing en la mayor parte de las imágenes tomadas de noche, se estrechó el contraste para afearlo a propósito, las letras escritas se ajustaron para parece estar poco expuestas, se usó una técnica para incrementar la densidad del negro en la película, entre otras. 
Fincher contrató al supervisor de efectos visuales Martín Hawks, con quien había trabajado previamente en la película The Game, para crear los efectos de Fight Club. Haug asignó a cada uno de los artistas de efectos visuales y a los expertos en diferentes instalaciones para trabajar en los distintos tipos de efectos visuales. 
A Fincher le preocupaba la banda sonora y creyó que grupos experimentados en componer bandas sonoras no supieran atar bien las pistas de la película, así que buscó una banda que nunca hubiese hecho algo similar. Se interesó por Radiohead, aunque finalmente escogió el dúo de productores breakbeat Dust Brothers para el trabajo. El dúo creó una banda sonora post-moderna que incluye loops de batería, scratches electrónicos y samples computerizados. Michael Simpson lo explicó: "Fincher quería romper moldes con todo lo relativo a la película, y una banda sonora poco convencional ayudaba a conseguirlo". 

Fincher dijo que Fight Club era una cinta de «sobre la mayoría de edad» al igual que El Graduado (1967), aunque destinada para treintañeros. Fincher describe al narrador como un "hombre común", el personaje que es identificado en el guión como "Jack", pero es dejado sin nombre en el filme. Igualmente el narrador no puede encontrar la felicidad, así que recorre el sendero de la iluminación en la cual debe "matar" a sus padres, su Dios, y su maestro. Al principio del filme, ha matado a sus padres. Con Tyler Durden, mata a su Dios haciendo cosas que se supone no debe hacer (mear en la sopa, por ejemplo). Para completar el proceso de maduración, el narrador tiene que matar a su maestro, Tyler Durden. 

En la película se observan gran cantidad de tomas en las cuales el director, de manera voluntaria, incluye pequeñas escenas que en un principio pueden parecer un error o blooper pero en realidad son puestas a propósito. Lo interesante de esto es que cada vez que se observa la película, se descubren más. Además, estos "errores" van totalmente con la línea discursiva de la película: la ruptura del sistema tradicional y la proposición de lo irreverente, lo auténtico y lo único. Algunas de estas tomas son por ejemplo, el personaje de Tyler Durden (Brad Pitt) que aparece una serie de veces cuando aún no ha sido presentado. Son pequeños fotogramas en los cuales se ve al personaje ridiculizando la escena. Se puede observar a Tyler en la oficina, en el hospital cuando el narrador (Edward Norton) acude al doctor, en el grupo de apoyo o cuando Marla se pierde por primera vez en un callejón entre otros. Cuando el apartamento del narrador explota, este se ve forzado a llamar a su nuevo amigo, Tyler Durden. Sin embargo, al no recibir respuesta, cuelga el teléfono. Segundos más tarde, el teléfono empieza a sonar y la cámara hace un zoom in al teléfono donde se lee claramente: "Este teléfono no acepta llamadas entrantes". Es decir, no podía estar sonando el teléfono, por lo tanto esa llamada nunca existió. Cuando el narrador le está pidiendo a Marla que se vaya de la ciudad, hay una valla publicitaria donde se anuncia la película Siete años en el Tíbet, una de las películas en las cuales Brad Pitt es el protagonista. Segundos después también se pueden apreciar vallas donde se anuncian las películas Las alas de la paloma (Helena Bonham Carter) y The People vs. Larry Flynt (Edward Norton). En la versión de DVD, cuando aparece el aviso de precaución (donde normalmente se estipulan las leyes anti-piratería) hay un mensaje de Tyler. 
Una de las escenas más conocidas de esta película es la introducción de algún elemento pornográfico en la peli. Hay que recordar cuando Tyler le explica al narrador que él de manera ocasional introduce fotogramas pornográficos en los rollos de las películas que proyecta, con el fin de generar una incomodidad inconsciente dentro del espectador. Pues bien, eso pasa el final de la película. Justo cuando los edificios están cayendo y Marla (Helena Bonham Carter) y el narrador se encuentran observando, la imagen "vibra" y por una fracción de segundo se muestra la imagen de un pene ocupando toda la pantalla. 
La película tuvo sus compensaciones. Y eso que a los ejecutivos del estudio no les gustó la película y reestructuraron la campaña de marketing para tratar de reducir las posibles pérdidas. Con todo en ese año 1999 fue nominada al Oscar a los mejores efectos de sonido. Fight Club no cumplió las expectativas del estudio en taquilla y recibió reacciones polarizadas por parte de la crítica. 

La crítica fue dura con el filme. En España, por ejemplo, Jordi Batlle Caminal en el Diario La Vanguardia afiermó sobre ella “Su contundencia y radicalidad levantó ampollas". Por su parte, el siempre crítico Carlos Boyero, por entonces en el Diario El Mundo afirmaba que “El club de la lucha era una "Pretenciosa gilipollez (...) Todo resulta un disparate con pretensiones de gran espectáculo". En el Diario El País Fernando Morales decía "De todos es sabida la predilección de Fincher por la violencia. Pero en esta ocasión se ha pasado. El filme es un puro despropósito, un canto fascista al salvajismo". 
Pese a eso fue nominada a un Óscar y a otras quince nominaciones, además de ser considerada la mejor película en la que ha actuado Brad Pitt, incluso por encima de Se7en. Lo más extraño es que la película no considerada lo grande que era hasta muchos años después de su estreno. 
La película se convirtió en una de las más controvertidas y de las que más se hablaba en 1999. The Guardian la vio como un presagio de un cambio en la vida política estadounidense y describió su estilo visual como innovador. La película encontró el éxito comercial con su lanzamiento en DVD, lo que facilitó que se convirtiera en una película de culto. Actualmente se encuentra en el décimo puesto de la IMDB de las mejores películas de la historia. 
Bueno, esta ha sido la película y lo que he encontrado sobre ella. Ahora, después de leerlo todo me ha gustado más que cuando la he visto, que – posiblemente por la hora, posiblemente por la duración, posiblemente por no haberme gustado mucho- no me ha aparecido tan interesante. Eso sí, transgresora sí que fue y nunca sabes si Tyler está en el espejo, o lo importante es únicamente el espejo.

De pictos y escotos


Hay películas que te cuestan un sueño o dos. Me refiero que la intentas ver una vez, y te duermes. A la segunda, te vuelves a dormir en el mismo sitio. Lo peor es que, ya en otro minuto, te vuelves a dormir por tercera vez. La primera vez que esto me pasó tuvo que ser sobre el año 1987 y con una película: Acorralado, la primera de la saga con el protagonista de John Rambo, o sea, Sylvester Stallone. Pero estas cosas pasan en la vida y me ha vuelto a pasar, esta vez con una película británico-estadounidense que en España se llamó La legión del águila y que, internacionalmente, es conocida como The Eagle, o sea, El águila. Y es raro, pues la película está bien, al menos, en sus inicios, aunque después decae un pelín. Pero nada, la edad y el sueño no perdonan ni aunque estemos hablando de una película épica – histórica. 

La película es de 2011 y fue dirigida por Kevin Macdonald y está basada en una novela antigua , de 1954, de El Águila de la Novena firmada por Rosemary Sutcliff. El guión adaptado es de Jeremy Brock. La película fue producida por Duncan Kenworthy que representaba a las productoras Focus Features, Toledo Productions y Film4 Productions. La película contó con un presupuesto de 25 millones de dólares ($), es decir, 15 millones de libras esterlinas (£) . 
Kevin Macdonald dirige un guión de Jeremy Brock, quien adaptó la novela de aventuras históricas 1954 del mismo nombre por Rosemary Sutcliff. El director de fotografía fue Anthony Dod Mantle , mientras que diseño de producción fue de Michael Carlin, el diseño de vestuario es de Michael O'Connor, y Justine Wright editó la película de Macdonald. 
En el 62 edición del Festival de Cine de Cannes (mayo, 2009) El Águila de la Novena llegó a acuerdos de distribución garantizados "para todos los mercados mundiales”. 
La adaptación cinematográfica de la novela se ha rodado en las localizaciones donde se supone transcurrió la acción, reconstruyéndose los escenarios, maquillajes y vestuario de la manera más fidedigna posible a fin de mostrar al espectador aspectos poco conocidos de la Historia. La fotografía principal comenzó el 24 de agosto de 2009 en Hungría, que se duplica para Inglaterra. En octubre, la producción se trasladó a Escocia, donde la filmación tuvo lugar en Wester Ross y al Loch Lomond, entre otros lugares. Por ejemplo se grabó en Achiltibuie, un pueblo en el noroeste de Escocia, que fue utilizado como lugar de rodaje para el pueblo Focas. Es cerca de allí donde se ubicó el pueblo de los pictos, la tribu Focas, en concreto en Fox Point Old Dornie y se utilizó en la mayoría de los días de la filmación. Otros sitios incluyen la Playa Achnahaird, donde se filmó una persecución a caballo y Loch Lurgainn. Macdonald intentaba utilizar a los locales como extras cosa que realmente ocurrió. La música es de Atli Örvarsson, mientras que la buena fotografía es de Anthony Dod Mantle . 
El montaje fue llevado a cabo por Justine Wright. Se distribución empezó en los Estados Unidos en febrero 2011 por parte de la Focus Features, aunque la distribución a escala británica y – puede- mundial fue cosa de la Universal Pictures a partir de marzo 2011. En España su estreno se demoró un mes más, en abril de 2011. Eso sí, no tuvo una repercusión enorme de taquilla, pues apenas superó el coste total, unos 27 millones de dólares ($). 
Está protagonizada por Channing Tatum, Jamie Bell, Mark Strong y Donald Sutherland, en sus principales papeles, así como Denis O'Hare, Tahar Rahim, James Hayes, Lukács Bicskey, Julian Lewis Jones, István Göz.
La película cuenta la historia de un joven oficial romano que busca recuperar el estandarte, el águila, de la legión de su padre perdida en el norte de Gran Bretaña . En el fondo la historia nos cuenta la supuesta historia de Novena Legión, la Hispana, y su supuesta desaparición en Gran Bretaña. 

La película se inicia en el año 140 d C, 20 años después de que la Novena Legión, la Hispana, desapareciera en el norte de Gran Bretaña. Un joven centurión romano, Marco Flavio Aquila, acaba de llegar a Gran Bretaña para servir como comandante de un guarnición que estará a su cargo. Es su primer destino. Poco después nos enteramos que el padre de Marcus desapareció con el estandarte del águila de la legión nefasta, y Marcus espera redimir el honor de su familia, sirviendo valientemente en Britania, una tierra por romanizar. 

La legión de su padre marchó hacia el norte, a Caledonia. Jamás volvieron. La legión y el emblema desaparecieron entre las brumosas montañas. Furioso, el emperador Adriano mandó levantar un muro para sellar el territorio. El Muro de Adriano se convirtió en la frontera más septentrional del Imperio Romano, en el límite del mundo conocido. 

Al poco de su llegada, tras unos recelos iniciales por parte de los oficiales a su cargo que disienten de su política de enviar expediciones fuera del campamento, presiente el peligro y gracia a su estado de alerta y a la decisión de Marcus se salvará la guarnición de ser invadido por las tribus celtas en la noche. 

A la mañana siguiente las tribus se manifiestan brutales y preparan una emboscada para la agrupación militar que va en ayuda de los legionarios que están siendo maltratados por los bárbaros. El ataque por carros es repelido dada su actuación, pero a pesar de ser condecorado con honores por su valentía, debe dejar la legión debido a una lesión grave en la pierna. 

En su forzoso retiro es llevado a vivir en la finca de su tío cerca de Calleva (actual Silchester) en el sur de Bretaña. Marcus tiene que hacer frente al fin de su carrera militar después de haber sido interrumpido y sobre todo de restaurar el nombre de su padre que todavía vive bajo el descrédito, sobre todo por parte de aquellos que quieren hacer carrera política. Dando por buenos algunos rumores de que el estandarte del águila se ha visto en el norte de Gran Bretaña, Aquila decide recuperarlo. A pesar de las advertencias de su tío(Donald Sutherland) y otros compañeros de armas, que creen que ningún romano puede sobrevivir al norte de la Muralla de Adriano. 

Para ir allí se hace acompañar de un esclavo, comprado por su tío tras un encuentro en la arena frente a un gladiador. Ya que Marco salió en su defensa para salvarle la vida se tío se lo compra como acompañante. El esclavo, de nombre Esca, le ayuda en su recuperación y será la única compañía al norte en el territorio de los pictos para conseguir su objetivo de recuperar el águila, si es que existe. 

Esca es, además, hijo de un cacique fallecido de los Britannos o Brigantes, y detesta a Roma y lo que representa, pero como britano es fiel a la palabra dada a amo, por haberle salvado la vida durante el espectáculo del anfiteatro. Pero Esca jura servir al hombre que le ha salvado la vida. Tras decidir buscar el estandarte se va Marcus acompañado sólo por su esclavo Esca britano. 
Tras superar el Muro de Adriano y después de varias semanas de viaje a través del desierto del norte y en las desconocidas colinas de Caledonia, en la que Esca y Marcus se encuentran con pastores y bandidos recibirán noticias de que existen por allí antiguos soldados romanos, que pudieran ser desertores o supervivientes de la Novena Legión. 

Esca y Marcus se encuentran con Guern, uno de los romanos que sirvió con su padre y que huyó durante el hostigamiento de los pcitos. Atribuye su supervivencia a la hospitalidad de la tribu Selgovae. Guern recuerda que todos murieron, salvo un pequeño número de desertores, en una emboscada tendida por las tribus del norte - incluyendo Brigantes de Esca - y que el estandarte del águila fue llevado por una de las tribus, la más brutal de todas las tribus pictas. Esca y Marcus marchan más al norte, sin embargo, la camaradería desaparece desde que Guern reconoció a Esca como el hijo de un cacique que huyen el dominio romano. Tras echarse en cara esto y acusar Marcus a Esca de no colaborar se enzarzan en una pelea. Mientras se pelean van a ser rodeados por la tribu salvaje, los Foca, encabezado por su príncipe (Tahar Rahim). Para salvar la vida de Marcus, Esca dice que Marcus es su esclavo. Al ver ellos a un esclavo romano en manos de un britano, Esca será bien recibido por la tribu. 

Después de permitir que algunos niños maltraten a Marcus, Esca finalmente revela que su acción es una estratagema para escapar y ayudar a su amo a encontrar y recuperar el águila. A medida que se asientan en la tribu, van descubriendo que, efectivamente, el águila la tienen ellos. Dicho estandarte sale a la luz en una noche de fiesta y bebida, que será aprovechado por Esca y Marcus para escapar con el águila. Antes de huir serán descubiertos por Seal, el hijo del príncipe, pero este se calla a cambio de un pequeño juguete de madera regalado por Esca al niño. Con la ayuda del hijo del príncipe Seal, Esca y Marcus logran escapar con el estandarte del águila, aunque previamente dejan víctimas entre los guerreros bárbaros... 
Los dos huyen al sur con el estandarte, esforzándose por llegar a la Muralla de Adriano. Sin embargo, los pictos le persiguen. Marcus, frenado por su vieja herida de guerra que se ha abierto de nuevo, concede al esclavo su libertad aunque Esca todavía se niega a abandonar a su amigo y en su lugar se dirige a buscar ayuda. 



Esca regresa con los supervivientes de la legión novena y los antiguos legionarios desertores todos, con el deseo de redimirse, aceptan al portador del estandarte, a Marcus Aquila como su comandante y se preparan para defender el estandarte del águila. Tras esto llegan los pictos. 

Para reflejar su brutalidad y lo que significa para ellos la traición mata a Seal, el hijo del Príncipe frente a Esca, Marcus, y los legionarios. Él entonces ordena a sus guerreros para atacar. Estalla una brutal batalla entre pictos y romanos . Todos los guerreros pictos mueren, junto con la mayoría de los soldados de la Legión Novena. 

Después de enterrar a los legionarios caídos - incluyendo a Guern - Marcus, Esca, y los pocos supervivientes de la novena vuelta a territorio romano, donde Marcus Aquila entregan el águila a un atónito gobernador de Londinium. Con ello y restaurada la empañada reputación de su padre, Flavio Aquila, se identifica a Marcus como su comandante. Pero cuando Marcus y Esca se preguntan qué van a hacer después, Marcus deja la decisión de Esca. Fuerza y Honor y se marchan ambos con ciudadanos libres. Fin de la historia, aunque pudo tener otro final como luego contaremos. 
A finales del 2010 la noticia saltaba a la prensa de todo el mundo, unas obras en la autopista A1 entre Dishforth y Leeming, en el norte de Yorkshire, Inglaterra, sacaban a la luz los restos de un asentamiento militar de época romana. Unas ruinas que los arqueólogos consideran pudieron ser el campamento de la Legión IX”Hispana”, una de las legiones más antiguas y aguerridas del Imperio Romano de la que la leyenda dice que había desaparecido tras luchar en Britania. 

En torno a su misteriosa y poco clara desaparición en el año 120 dC. se han barajado numerosas teorías, muchas de las cuales han servido de base para varias novelas, películas y series de televisión. Este fue el punto de partido de la novela de la escritora británica Rosemary Sutcliff (1920-19992), The Eagle of the Ninth, publicada por primera vez en 1954. 

El relato de Sutcliff arranca 20 años después de la desaparición de la IX Legión tras haber sido enviada a luchar a las montañas de Escocia, traspasando el muro de Adriano, considerado en su época como límite del mundo conocido. Es el año 140 dC., Marcus Aquila es enviado por Roma a Britania para resolver el misterio de la desaparición de la Legión que comandaba su padre y en busca del águila de oro, símbolo de la IX Legión. En su búsqueda contará con la única compañía de un esclavo britano, Escla, quien le conduce hacia las ignotas tierras de Caledonia. Allí encontrará a la indómita tribu celta de los pictos, se reconciliará con la memoria de su padre y recuperará el águila de la Legión. La novela fue un éxito desde su publicación, traducida a 16 idiomas y adaptada para la televisión en dos ocasiones. La legión del águila fue la primera de una saga de cinco novelas.

Las investigaciones históricas y arqueológicas han desmontado la teoría de que la IX Legión desapareció tras ser enviada a luchar contra las tribus celtas de Escocia y no volvió nunca más. Ya en la década de los setenta se descubrieron unas inscripciones en las que se hablaba de la Legio VIIII, detallándose cómo se había trasladado desde Britania a Noviomagus, ciudad de la tribu de los Bátavos (Nimega, Holanda), ubicación donde estuvo asentada hasta el año 131 d C. De allí fue enviada a luchar a Oriente, momento en el que se pierde su pista, no apareciendo más referencias documentales de la misma. Se supone que entonces pudo ser cuando pudo haber sido aniquilada en el campo de batalla y disuelta (puede que en Judea, Armenia o Capadocia), hecho que solía silenciarse por los historiadores y cronistas de la época del Imperio para no generar un clima de inseguridad y miedo. 
Los vestigios arqueológicos localizados el año pasado se localizan dentro del área de la antigua frontera romana en Britania. En las excavaciones se han localizado un molino de agua utilizado para el abastecimiento de las tropas, ropa, restos de comida, tumbas y piezas de cerámica. Todo parte del área industrial que abastecería la cercana fortaleza imperial de Healam, al norte de Yorkshire y puesto militar avanzado en el que se habría asentado la mítica legión perdida. 

El director de la película,  Macdonald, pretendía que la película fuera históricamente auténtica. Por ejemplo, las tribus pictas hablaban gaélico , a pesar de que la lengua probablemente no entró en uso generalizado en la región hasta el siglo V d. C. Con todo es muy probable que el idioma que tuvo uso más allá del muro de Adriano. En la actualidad sólo el 1% de los escoceses hablan gaélico. Hubo problemas para seleccionar al personaje de Seal, el hijo del príncipe de la tribu de los Focas. En agosto de 2009, varios niños de habla gaélica había hecho una audición para el papel este papel pero sin éxito. Fue finalmente dado a un chico de nueve años de edad, Thomas Henry de Newbarnsley , Belfast , que había sido educado en gaélico irlandés .
Igualmente Macdonald pretendía describir una visión de la gente del sello, o sea, el pueblo de los Focas. Eran un pueblo indígena. Probablemente eran más pequeños y oscuros, que vivían juntos y vestían con pieles de foca. Se basó en las pistas obtenidas de lugares como Skara Brae y la Tumba de las águilas en Orkney , y abrían adorado símbolos paganos, como el sello y el águila. Esa era la razón por la que han aprovechado el emblema del águila romana de la legión. 
El director dijo de su película que “ La legión del águila es una historia sobre la desaparición en la antigua Escocia de una legión entera... pero también habla de la amistad, de lo que supone que lleguen a tu casa y te conquisten, de lo que puede significar a veces en la vida el honor. Puse a actores estadounidenses a encarnar a los romanos y a europeos a interpretar a los britanos y a los miembros de la tribu de los Foca, porque...la noción de imperio muchas veces tiene que ver más con la actitud". 

El director, que -por cierto- es escocés, señaló igualmente en una entrevista que "Soy uno de esos bárbaros. Sí, tenemos nuestra lengua especial y tú. Sin embargo, en realidad, hoy en día todos venimos de la cultura latina. Los escoceses somos muy arrogantes, porque hemos construido nuestro orgullo sobre nuestras múltiples derrotas... E incluso sospecho que en los inicios nadie nos ocupó ¡porque a nadie le interesábamos! No es una zona cómoda para vivir". 

Macdonald apostó por dos actores de aspecto muy diferente Channing Tatum, frente a Jamie Bell. "Era muy importante este choque. En un golpe de vista ya hemos enviado miles de datos. El personaje de Tatum es directo, sincero. Bell encarna otra cosa: intrigante, extraño... En un parpadeo entiendes el choque de las dos culturas. De acuerdo con Channing Tatum, los actores fueron entrenados 4-5 horas al día para cada rol. 
La críticas sobre esta película fueron muy variadas. Recibió de hecho críticas que pueden definirse como mixta, unas buenas y otras no tanto.

Roger Ebert del Chicago Sun-Times dijo que The Eagle "evoca la energía de las películas tradicionales de espada y escudo" y alabando a sus escenas de batalla realistas y el uso limitado de CGI, el 3-D y demás acrónimos acabasen con la diversión de ir al cine. 
Michael Wilmington en otro diario del Estado de Illinois, el Chicago Tribune escribió: "Excitante e incluso emocionante, esta robusta película épica está llena de acción, camaradería masculina y un espeluznante sentido del salvajismo". Scott Bowles en Usa Today señaló "Una película que busca mezclar 'Arma letal' y 'Gladiator' y termina sin ser ni una fracción de ninguna de las dos (...). En Variety Todd McCarthy afirmaba que era una película: "Atractiva, aunque sencilla y unidimensional", mientras que Helen O'Hara: en Empire señalaba que “Tiene buenas escenas de luchas, pero su amalgama de argumentos, culturas y acentos hacen de esta un ejemplo menor del cine épico de romanos. 
En España destacamos tres críticas. La de Javier Ocaña en el Diario El País que dijo que "El retrato de caracteres y la calidad de los diálogos están muy por debajo de su aspecto formal. (...) al final la personalidad y el recuerdo solo lo dejan las solemnes miradas de tres grandes secundarios". Por su parte, Carmen L. Lobo en el Diario La Razón señaló que se trataba de "Un peplum descafeinado, una película introspectiva y de ritmo en ocasiones bradicárdico (...) Filmada con (demasiadas) pretensiones epopéyicas, le falta aire mediado el metraje” . Por último, Toni Vall en Cinemanía decía que era una "Obra sin excesivas alegrías más allá del puro entretenimiento, pero aderezada con agradable sabor añejo (...)”. 
En taquilla la película tuvo una recaudación mundial de algo más de 35 millones de dólares ( al menos, en el 2011), por encima de su presupuesto de 25 millones de dólares. 

Más tarde la película fue lanzada en en DVD y Blu-ray (junio de 2011) y, curiosamente, en el DVD parece ser que existe un final alternativo. Marcus decide quemar el estandarte del águila en el altar donde se produjo la batalla final, en vez de entregarlo al gobernador romano de Britannia. Él le dice a Esca que hace esto porque el águila pertenece a los hombres que lucharon por ello. Marcus y Esca se muestra entonces acercando la Muralla de Adriano a pie y hablan sobre sus planes para el futuro. 

La película nos muestra un mundo tan cercano a nosotros, el romano, pero desde la óptica fronteriza. Con dos personajes que van en una búsqueda tan obsesiva como peligrosa, y que les llevará hasta los límites de la lealtad y la traición, de la amistad y el odio, del desengaño y el heroísmo. La película es, no obstante,  una historia espectacular, llena de intriga, de lucha y de misterio, en la que la amistad entre dos hombres de dos culturas distintas, la romana y la celta, están destinados a cooperar y entenderse. Entre medias escenas de luchas bien rodadas, y dos mundos, el aparentemente civilizado – que admite la muerte en la arena y el esclavismo- , frente al de los salvajes- que , evidentemente lo son en algún caso- , pero que admiten a los diferentes y los acogen con normalidad, desde el respeto.
Lo curioso es ver una de esas historias que completan en el plano teórico lo que yo estudié en su momento en un libro que llevaba por título "Las invasiones", y que lo firmaba Lucien Musset, en aquella magnífica editorial que era Nueva Clio. Hablaba el libro de muchas cosas, pero entre otras, de historias de pictos y escotos.