viernes, 8 de noviembre de 2019

Trumbull Land y su puerta estelar


Concluye esta semana de efectos especiales y de cómo fueron utilizados por algún grande como John Huston para unas máscaras en El último de la lista,  en una trama completa con FX, efectos mortales y culmina con un homenaje al más grande en el documental, Trumbull Land, La tierra de Trumbull,  realizado el pasado año que se centra en Douglas Trumbull un ilustrador, técnico de efectos especiales y director de cine que ha trabajado en pocas películas, pero todas fundamentales en la historia del cine. Entre estas están 2001: una odisea del espacio, Encuentros en la tercera fase, Blade Runner o El árbol de la vida, aunque de esta no se habla en ningún momento. 


Descubrimos en el documental por sus propias palabras que llegó al cine casi por casualidad, y eso que su padre, ingeniero, fue uno de los responsables de los efectos de El mago de Oz. Fueron unas ilustraciones para una película de la NASA que se exhibió en una pantalla de 360 grados en la Feria Internacional de Nueva York de 1964 la que llamó la atención de Stanley Kubrick y Arthur C. Clarke, que preparaban lo que ellos llamaban "la primera película buena de ciencia ficción" de la historia. 

El responsable de este documental es Gregory Wallet , un profesor e investigador de estudios cinematográficos en la Universidad de Rennes (Francia) que tiene siempre presente que "En mi trabajo estoy interesado en el modo en que los espectadores perciben las imágenes en movimiento y más concretamente en la inmersión del público". Se fijó en él por su trayectoria. "Su carrera es atípica y apasionante. Es un técnico desconocido para el gran público porque casi siempre ha estado en la sombra, pero es un verdadero mago del cine" Y añadió que "Su carrera es atípica y apasionante. Es un técnico desconocido para el gran público porque casi siempre ha estado en la sombra, pero es un verdadero mago del cine", explica Wallet. 

Fue el mismo canal del que lo grabé,  TCM Cinema, más Trumbull Ventures y Vivement Lundi las que producen este documental acerca del pionero y especialista en efectos especiales. La película documental cuenta con el apoyo en la producción de Sabine Jaffrennou y Jean-François Le Corre. La banda sonora fue elaborada por Rurik Sallé, mientras que la fotografía corresponde a Guillaume Kozakiewiez con la ayuda de Didier Allouch y la edición de Sandra Ach. Wallet se encontró con director de la segunda unidad con Joël Lehman. En cuanto al sonido destaca la presencia de Kévin Feildel , Francisco Latorre, Christelle Louet y James Nolan. 

Trumbul ha dirigido dos películas, ambas dos pequeños hitos en la ciencia ficción cinematográfica, en las que participó también en los efectos especiales y en la invención de nuevas técnicas: Naves misteriosas (1972) y Proyecto Brainstorm (1983). 

Para el director francés que dirige el documental se fijó en él por el hecho de que "Me encantan las imágenes que emanan de Naves misteriosas: sus robots [que a su vez sirvieron de inspiración a George Lucas para La guerra de las galaxias], sus barcos que transportan bosques bajo cúpulas. Esta es una de las primeras películas de ciencia ficción que aborda el tema del ecologismo", cuenta Wallet. "Proyecto Brainstorm es una película muy interesante que trata sobre la inmersión, es fascinante. Sus efectos visuales son sublimes. También es una película que prefigura el uso de tecnologías inmersivas como la realidad virtual o la realidad aumentada". 

La película cuenta con una interesantísima entrevista a Douglas Trumbull, pero en la misma salen fragmentos procedentes de declaraciones de Ridley Scott, Denis Villeneuve, Gaspar Noé así como imágenes de algunos que trabajaron con él Bruce Dern , Stanley Kubrick, Steven Spielberg ,Christopher Walken y su adorada , la malograda Natalie Wood que participaba en Proyecto Brainstor. Trumbull habla de un supuesto comentado triángulo amoroso entre Wood, su esposo Roger Wagner y Christopher Walken que culminó con la muerte de la actriz. 

Como he leído en algún sitio , todos hemos visto alguna vez una "secuencia Trumbull" . De hecho reconozco haber visto todas en las que trabajó , desde su debut en 2001 A Space Odyssey de Staley Kubrick, y que fue contratado por este genio tras ver en la Feria Mundial de 1964 su documental To the Moon and Beyond , Blade Runner de Ridley Scott o Close Encounters of the Third Kind de Steven Spielberg como el más valorado maestro del SFX. 

Pero además pude ver sus dos largometrajes de ciencia ficción que fueron trascendentales en la historia del cine como el discurso ecologista de "Silent Running" producida por Universal con el irrisorrio presupuesto de un millón de dólares y que tanto influirá en George Lucas y su Star Wars así como en el mítico "Brainstorm" cuyo concepto de imagen y su fascinación por la realidad virtual llegó hasta las obras futuristas de Spielberg como Minority Report o Inteligencia Artificial. Wallet se fijó en Trumbull hace tiempo "Él está también interesado en la inmersión de los espectadores cuando ven cine. Es uno de sus temas favoritos y, de hecho, ha inventado varios dispositivos que permiten que el espectador tenga una experiencia más sensorial y envolvente en la sala de cine cuando ve una película". 

En su actual estudio, Trumbull vemos en el documental como experimenta con luces, agua e inventos tecnológicos. Escuchamos como defiende el uso de efectos materiales en vez de los hechos con un ordenador, incluso para efectos como el pasillo de colores del final de 2001 y que reverbera reflejada en la máscara de la escafandra. 

Wallet afirmó que "Trumbull lamenta que las imágenes sintéticas estén cada vez más presentes. Él no se opone a las innovaciones. Defiende, por ejemplo, las posibilidades que ofrece la fotografía digital tanto para la filmación como para la proyección" Y añade que "Las técnicas tradicionales dan más organicidad a la imagen. Él piensa que los efectos digitales hacen que la imagen del cine sea cada vez más fría, que carezca de consistencia. El hecho de que sus propios efectos visuales hayan resistido el paso del tiempo, especialmente los de 2001, Blade Runner y Encuentros en la tercera fase, sea probablemente la prueba de que tiene razón".

Trumbull  nacido curiosamente en Mars , Pennsylvannia, aunque angelino de adopción, a sus 78 años, hijo del mítico ingeniero Don Trumbull, después de trabajar con Terence Malick y su Árbol de la vida , a pesar de haber abandonado el mundo del cine afectado por la muerte de Wood , mientras rodada Proyecto Brainstorm, aspira ahora a rodar su tercera película: Lightship. En el mismo, Wallet comenta que "Quiere usar sus inventos para esta una película de ciencia ficción. En los últimos años ha desarrollado una cámara digital y un dispositivo de proyección llamado MAGI. Un dispositivo que sumerge al espectador en la película a través de una imagen 3D más fluida y brillante. También ha desarrollado salas inmersivas para 60 espectadores que permiten que el espectador se sumerja en la película en cualquiera de las butacas de la sala". 

Y termina Wallet con la idea de que "Él está constantemente en ebullición creativa. En el documental también quería que se viera al hombre, sus dudas… Y eso es lo que fui a buscar. Y me encontré con un hombre que transmite emoción y pasión. Espero que los espectadores digan lo mismo cuando vean Trumbull Land", finaliza Wallet. 

Álvaro P. Ruiz de Elvira en el País comenta que " Trumbull Land es una historia sobre soñadores. Entre ellos, uno que quería explorar el espacio, bajarlo a la Tierra y mostrarlo en las pantallas de cine; un segundo que fantaseaba con contactar con alienígenas; un tercero que ansiaba mostrar el futuro con cierto anhelo del pasado; y otro que ayudó a los tres primeros con su magia cinematográfica. Los soñadores son Stanley Kubrick, Steven Spielberg, Ridley Scott y el hechicero fantasioso, Douglas Trumbull."  

La película fue presentada en septiembre de 2018 en Sitges y al mes siguiente en Francia. Señalar que también trabajó para Star Trek: The Motion Picture, y se involucró en la creación de los efectos especiales de El Síndrome de Andrómeda (1971). así como ha elaborado tras romper con el cine con la tecnología para la industria de la exhibición y los parques temáticos, como la atración del Back to the Future Ride en el parque temático de Universal Studios en Florida. 


Trumbull ha sido nominado para los Premios Oscar en 5 ocasiones y ha recibido un Oscar honorífico por su carrera y ha sido el inventor del Showscan, un proceso cinematográfico en pantalla ancha o wide-screen, que utiliza película de 70mm, y la diferencia estriba en el aumento de la velocidad de fotogramas por segundo a 60, 2,5 veces más rápido que en el proceso de cine tradicional—la misma fluidez posible que el video—, siendo capaz de procesar una imagen que no solamente es grande en cuanto a resolución sino que es además dramáticamente más suave y realista que su proyección ordinaria y que todavía puede aún puede verse en un hotel que visité en Las Vegas: el Luxor Hotel. 

Fue el hombre que nos abrió la Puerta estelar y con ella revolucionó el mundo del cine, al menos, el de la ciencia ficción.


martes, 5 de noviembre de 2019

Julia de Fred Zinnemann


Yo que me guío en parte por los escritor de Terenci Moix y la visión cinematográfica de un crítico como Guillermo Cabrera Infante, reconozco la autoridad moral en lo cinematográfico que tuvo el cine clásico. Fred Zinnermann fue uno de ese largo listado de directores integrantes de lo que se llamó el Hollywood clásico. Lista enorme que contiene a Howard Hawks, Frank Capra, Nicholas Ray, John Ford, Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Rossen, Alfred Hitchcock, Raoul Walsh, Elia Kazan, Billy Wilder, Robert Siodmak, William Wyler, John Huston, Anthony Mann, George Cukor, Joseph L.Mankiewicz, Orson Welles, Otto Preminger, Michael Curtiz, Jacques Tourneur, Leo McCarey, Henry Hathaway o Preston Sturges, entre otros muchos.

Fred Zinnemann nació en el seno de una familia judía en Viena, 29 de abril de 1907. Mientras estudiaba en la Universidad de Viena trabajó como operador de cámara. Trabajó después en Alemania junto con otros vienés como Billy Wilder y con un joven alemán de Dresde, Robert Siodmak, también principiantes; los tres intervinieron en Los hombres del domingo (1929). Posteriormente emigró a los Estados Unidos para estudiar cine.

Uno de sus primeros trabajos en Hollywood sería como extra en Sin novedad en el frente (1930), aunque sería despedido de la producción por criticar al director del film, Lewis Milestone. Después pasó a la dirección, pero como señala Terenci Moix apostó por el realismo especialmente tras ver los efectos devastadores de la guerra; aunque ese realismo ya estaba presente en el quehacer de Zinnemann como se aprecia en su primer corto de ficción Redes (1935), rodado en México , influido por la manera de rodar de Eisenstein e interpretado por actores no profesionales.

Después de haber triunfado con diferentes cortometrajes, se graduaría en 1942, dirigiendo dos películas alimenticias, de terror de serie B cuyos títulos fueron Eyes in the Night y Kid Glove Killer .

Dos años más tarde obtiene su primer éxito para la Metro La séptima cruz (1944), protagonizado por Spencer Tracy. La película mostraba un mensaje antinazi, desarrollando la historia de siete hombres intentado escapar de un campo de concentración alemán y siendo acosados por la Gestapo.

Tras ser despedido del rodaje de El Reloj (1945) por diferencias con la actriz Judy Garland, -la película la terminaría Vincente Minnelli- realizó el melodrama Little Mister Jim (1946) y la comedia My brother talk to horses (1947).

Al año siguiente lo encontramos dirigiendo The Search - aquí presentada como Los ángeles perdidos (1948)-, drama bélico con tono casi de documental que sirvió para descubrir a Montgomery Clift. El director volvió a escoger auténticas localizaciones y extras del Berlín de la inmediata posguerra, en lugar de decorados de Hollywood.

En The Men, Hombres (1950), el director coincidió por primera vez con el guionista Carl Foreman y amparado por el productor Stanley Kramer, siempre interesados en conceder a sus trabajos una perspectiva y reflexión social. El film dio a conocer a Marlon Brando, quien encarnaba a un héroe parapléjico de la Segunda Guerra Mundial que necesita su reinserción. Con este título, por el cual Foreman fue nominado al Óscar, Zinnemann exhibía su excelente tacto para definir sentimientos y psicologías. Fiel a su costumbre, filmaría muchas escenas en un hospital de California, junto a pacientes reales como extras.

En 1951, rodó Teresa (1951), un drama con Pier Angeli y John Ericson, el director ganaría su primer Óscar con el documental Benjy (1951), un corto narrado por Henry Fonda sobre un niño con graves problemas físicos desde su nacimiento. Pero en 1952 fue su año. Realizaría quizás su trabajo más conocido "High Noon" o Solo ante el peligro (1952). Un intento de renovar el western Con un examen psicológico y moral de un hombre de la ley, protagonizado por Gary Cooper, la alegoría política recuerda a la caza de brujas del macartismo. También destaca su innovadora cronología en la que el filme dura 80 minutos, exactamente lo que dura la cuenta hacia atrás antes del duelo final.

Al año siguiente, 1953, Zinnemann volvería a estar en boca de todos con dos títulos: "The Members of the Wedding" , pero sobre todo por From Here to Eternity - "De aquí a la eternidad -, un intento de desmitificar a los integrantes del Ejército norteamericano , situada en los días anteriores al ataque de la aviación japonesa a Pearl Harbor. Sería uno de los primeros papeles principales de Frank Sinatra, además de contar con un excelente reparto con Montgomery Clift, Burt Lancaster, Ernest Borgnine y Deborah Kerr. De aquí a la eternidad sería un éxito de taquilla, de crítica y también en la ceremonia de los Óscar, siendo la película la gran triunfadora de la noche, logrando Fred Zinnemann su primera estatuilla como mejor director.

Después de esta, llegarían otros éxitos, aunque Moix lo señala como un sonoro fracaso, como fue el musical Oklahoma (1955), con Gloria Grahame, Gordon MacRae y Shirley Jones en su debut en el cine, o una serie de películas ejemplares por su clasicismo narrativo como Un sombrero lleno de lluvia (1957), estupendo drama sobre un adicto a las drogas encarnado por Don Murray, e Historia de una monja (1959), adaptación de la novela de Kathryn C. Hulme protagonizada por Audrey Hepburn.
En 1966, tuvo un resonante éxito con A Man for All Seasons, película histórica escrita por Robert Bolt y protagonizada por Paul Scofield en el papel de Tomás Moro. El film consiguió alzarse con el Óscar a la mejor película del año y Zinnemann alcanzaría su segundo Óscar al mejor director.

En la década de 1960, se incorporó a la producción cinematográfica. Su primer largometraje como productor fue Tres vidas errantes un drama ambientado en Australia protagonizado por Deborah Kerr, Robert Mitchum y Peter Ustinov y, posteriormente, Behold a Pale Horse, llamada en España "... Y llegó el día de la venganza (1964)", con Gregory Peck integrante de un maquis enfrentado a un capitán de la Guardia Civil interpretado por Anthony Quinn, donde se narra la vida de los maquis exiliados en Francia tras la Guerra Civil Española. La película supuso el boicot del franquismo a todo el material de la Columbia.

En la década de 1970 estrenaría el thriller político Chacal (1973), basado en la novela de Frederick Forsyth y protagonizado por Edward Fox, que centraba su trama en un complot para acabar con la vida de Charles de Gaulle; Tras eso llegó la película que comentaré , Julia (1977) que tuvo como asistentes a Alain Bonnot y Anthony Waye.

El director se despediría cinco años después del cine con Five Days One Summer (1982), - Cinco días, un verano- una investigación de un complejo romance de mayo a diciembre ambientado en 1933 de un triángulo amoroso ambientado en los Alpes en la década de 1930. El film estaba interpretado por Sean Connery como el médico protagonista, Betsy Brantley y Lambert Wilson.

Alejado de la pantalla grande, fallecería el austriaco a la edad de 89 años el 14 de marzo de 1997 de un ataque al corazón en Londres, tras haber ganado cuatro premios Óscar.

A lo largo de su obra había demostrado que su cine era una demostración de talento y de oficio. Y , en ese sentido, Julia será uno de los mejores ejemplos. Julia pasa por ser una historia sobre la amistad. Sin embargo, aunque puede parecerlo, no es así. Es mucho más y la amistad no deja de ser un vehículo narrativo y la naturaleza del relato.

Julia es una película dramática del año 1977 a partir de un guión de Alvin Sargent . Se basa en un capítulo del libro de Lillian Hellman publicado en 1973 , titulado Pentimento , precisamente la película comienza hablando de lo que es un Pentimento, un arrepentimiento por parte de un pintor en un cuadro que le lleva a alterar , manifestando el cambio de idea del artista acerca de aquello que estaba pintando. Lillian Hellman colaboró en el guión junto a Zinnemann y Alvin Sargent, y fue ella la que impuso a la actriz Vanessa Redgrave para interpretar a su amiga Julia.

Es una película producida por Richard Roth, un productor y escritor angelino, recientemente fallecido - muere en New York en 2017- responsable de algunas películas como The Way We Were, Julia, Manhunter y Blue Velvet para la Twentieth Century Fox con un presupuesto de $ 7.84 millones. También aparecen como productores Tom Pevsner, Julien Derode así como Bruno Kirby y Jean-Pierre Spiri-Mercanton.

En el apartado técnico contó con la música de Georges Delerue, la fotografía de Douglas Slocombe y el montaje de Walter Murch y Marcel Durham. Los responsables de decorados fueron Gene Callahan, Carmen Dillon y Willy Holt. La responsable de vestuario fue Anthea Sylbert, mientras que los maquilladores Bernadine M. Anderson y George Frost, así como Ramon Gow como productor. Las responsables del casting fueron Margot Capelier, Jenia Reissar y Juliet Taylor.

El reparto lo integran Jane Fonda como Lillian Hellman, Vanessa Redgrave como Julia, Jason Robards como Dashiell Hammett y Maximilian Schell como Johann. Igualmente aparecen Hal Holbrook como Alan Campbell, Rosemary Murphy como Dorothy Parker, Meryl Streep en su debut cinematográfico como Anne Marie, John Glover como Sammy y Lambert Wilson como Walter Franz. Igualmente aparecen las jóvenes Lisa Pelikan como Julia y Susan Jones como Lillian. Fue la película final de cine de Cathleen Nesbitt que hace de abuela de Julia.

Tras explicar lo que es un Pentimento , mientras vemos a una persona- posiblemente Lilliam en una barca- que es la que nos va a narrar la película. La película salta en el tiempo pues la historia pasa desde la juventud de las dos protagonistas hasta los años previos a la Segunda Guerra Mundial. 

Descubrimos quiénes son joven Lillian ( Susan Jones ) y su amiga Julia (Lisa Pelikan ). Esta última es la hija de una familia adinerada criada por sus abuelos , pues su madre se ha divorciado y vive alejada de su hija.

Ambas disfrutan juntas de una infancia como vemos en sus paseos, desplazamientos en coche, juegos de palabras . Vemos en paralelo como Lillian (Jane Fonda) vive en una casa en la playa junto a su marido , el escritor retirado Dashiell Hammett (Jason Robards ) que le han instado a escritor. Sin embargo, ella en una crisis creativa, ve que no puede así que Das le dice que marcha a Europa a París. Ella duda, pero tras pensarlo opta por salir a Francia con la posibilidad de ver a su amiga Julia.

Antes de eso, en una adolescencia tardía, descubrimos como Julia ( Vanessa Redgrave ) ha decidido comenzar sus estudios de medicina en Oxford . Allí alguna vez va de visita Lillian y su amiga le comenta que irá a culminar los mismos en la Universidad de Viena.

Tras la llegada de Lillian ( Jane Fonda ) a París, siendo una escritora en dificultades, intenta en ponerse en contacto con su amiga, pero vemos que es prácticamente imposible. La situación en Europa como comprueba Lillian se complica en Francia, pero más aún en Austria y sobre todo en la capital, Viena, pues los nazis lo van controlando todo.

En una de las brutales acciones de los nazis Julia está gravemente herida al tratar de proteger a sus colegas. Lillian recibe noticias de la situación de Julia y corre a Viena para estar con ella. Julia es llevada a un hospital, pero de la noche a la mañana desaparece para un "tratamiento", y Lillian no puede encontrarla nuevamente ya que el hospital niega tener conocimiento de que la hayan tratado allí. Ella permanece en Europa para tratar de encontrar a Julia nuevamente, pero no tiene éxito.

Más tarde, Lillian se convierte en una famosa dramaturga. En una fiesta con sus amigos y editores como Alan (Hal Holbrook), Dottie (Rosemary Murphy) o Anne Marie (Meryl Streep) celebra su éxito.

Su primera obra se convierte en un éxito así que es invitada a una conferencia de escritores en la URSS , junto a sus amigos Alan y Dottie. Lilliam al poco de llegar , recibe un mensaje de Julia, que ha emprendido su batalla contra el nazismo , recluta a Lillian en el camino para pasar dinero unos 50.000 dólares de contrabando a la Alemania nazi para ayudar a la causa antinazi .

Se entrevista con un amigo de Julia , Johann (Maximilian Schell) y le dice que es una misión peligrosa, especialmente para una intelectual judía que se dirige a Rusia.

Lillian parte hacia la URSS a través de Berlín, y su movimiento es seguido por servicios secretos. En su vagón coincide con dos chicas , una mayor (Dora Doll ) y otro más joven (Elisabeth Mortensen ) que la ayuda. Ella guarda la información en un sombrero y en una caja de dulces.

Todo su viaje por Francia y Alemana hasta Polonia son guiados por compatriotas de Julia a través de cruces fronterizos e inspecciones.

En Berlín, le dicen a Lillian que vaya a un café donde se encuentra con Julia. Solo pueden hablar brevemente. Julia divulga que el "tratamiento" que recibió en el hospital de Viena fue la amputación de su pierna. Julia le dice que el dinero que ha traído salvará de 500 a 1,000 personas, muchas de ellas judías. Lillian también se entera de que Julia tiene una hija, Lily, que vive con un panadero en Alsacia .

Después de que Lilian deja a Julia en el café y sube al tren a Moscú, donde asiste a una obra de teatro, una representación de Hamlet, un hombre le dice que evite pasar por Alemania nuevamente después de que abandone la URSS. De cualquier forma le desvalijan parte de lo que lleva.

Cuando Lillian llega a Londres, recibe la noticia de que Julia ha sido asesinada en el apartamento de un amigo en Frankfurt por agentes nazis, aunque los detalles de su muerte están ocultos. Tras no ser recibida en la casa de la abuela de Julia (Cathleen Nesbitt ) , no siendo ni reconocida decide ir Lillian buscar, aunque sin éxito, a la hija de Julia en Alsacia.

Ella regresa a los Estados Unidos y se reúne con Dashiell Hammett. Ella está obsesionada por sus recuerdos de Julia y está angustiada por no haber encontrado al bebé de Julia. Ella está sorprendida de que la familia de Julia finja no recordar a Lillian, claramente queriendo eliminar de su memoria a una nieta que se negó a conformarse en un momento en que la conformidad causó el asesinato de muchas personas inocentes.

La película termina con una idea establecida entre la comunidad de intelectuales en la que se mueve Lillian quien siempre han creído que ella mantuvo una relación amorosa con Julia como le echa en cara Walter Franz (Lambert Wilson ). una imagen de Lillian Hellman sentada en un bote sola, pescando. Ella revela en voz en off que continuó viviendo con Hammett durante otros treinta años y sobrevivió a él por varios más.

La película fue filmada en Inglaterra y Francia entre el verano y el otoño de 1976. En Inglaterra se rodó en Winterton on Sea en Norfolk , en la Isla de Wight, en los EMI Elstree Studios de Borehamwood en Hertfordshire. En Francia se rodó en París en el Hôtel Meurice de Rue de Rivoli,la Gare du Nord, en la Central Station de Estraburgo en el Bas-Rhin, así como en los Studios de Boulogne-Billancourt/SFP en la Rue de Silly de Boulogne-Billancourt en Hauts-de-Seine.

Aunque Lillian Hellman afirmó que la historia se basó en hechos reales que ocurrieron en su juventud, los realizadores más tarde llegaron a creer que la mayor parte era ficticia. Fred Zinnemann manifestaba sobre la película: “Me interesaba mucho mostrar los orígenes del nazismo. Yo mismo fui testigo en Viena, mi ciudad natal, de cómo comenzó todo aquello. Estudiaba en el Liceo y siempre pensé que la gente, en aquellos primeros años, subestimaba a Adolf Hitler, a quien consideraban una especie de payaso. Un día, un compañero de clase llegó con una cruz gamada en el brazo. Le increpé y discutimos. Seis meses después nos peleamos y un año más tarde tiraban a la gente por las ventanas de la Universidad”.

El director Fred Zinnemann comentaría más tarde: "Lillian Hellman en su propia mente poseía la mitad de la Guerra Civil española, mientras que Hemingway era propietario de la otra mitad. Se retrataría a sí misma en situaciones que no eran ciertas. Una escritora extremadamente talentosa y brillante, pero que era una personaje falso, siento decirlo. Mis relaciones con ella fueron muy cautelosas y terminaron en puro odio ". Curiosamente , la persona no muy perceptible sentada en el barco de pesca al principio y al final de la película es en realidad Lillian Hellman.

Jane Fonda hizo la voz en off. Al principio, el director Fred Zinnemann en realidad consideró elegir a Meryl Streep en el papel principal. Sin embargo, como Streep era casi totalmente desconocida como actriz (solo tenía una obra de teatro en su haber y nunca apareció en una película), Zinnemann decidió elegir a Vanessa Redgrave. Lo curioso es que Jane Fonda fue originalmente la elegida como Julia. Sin embargo, cuando los productores tuvieron problemas para interpretar el papel de Lillian Hellman, a la que ya había conocido al ser la guionista de La jauría humana, película que había interpretado, pero decidieron cambiar a Fonda por el papel de Lilliam.

Lo cierto es que cuando se publicó que Jane Fonda y Vanessa Redgrave iban a ser las posibles estrellas para la película, los productores las vetaron siguiendo el consejo del departamento de publicidad, temiendo que elegir a Fonda y Redgrave, ambas conocidas por sus creencias políticas abiertas.

A Jack Nicholson se le ofreció el papel de Dashiell Hammett, y en realidad estaba ansioso por asumirlo. Fred Zinnemann luego se retractó de la oferta, sin embargo, cuando se sintió desanimado por la cantidad de tiempo que le tomó a Nicholson leer el guión, poco menos de una semana.

Fred Zinnemann eligió a Walter Murch para editar la película después de ver su trabajo en The Conversation. Afortunadamente, Murch estuvo disponible cuando la producción de The Black Stallion se suspendió (solo se reinició en el verano de 1977). Según Murch, el día que estaba en una llamada telefónica con el productor Richard Roth y su amigo Matthew Robins, escucharon a Zinnemann preguntando por la disponibilidad de Murch en voz alta en la oficina de al lado de Roth en Nueva York. "Dijeron: '¡Rápido! ¡Escribe una carta a Fred para decir que escuchaste el proyecto!' Entonces afilé mi lápiz, escribí una carta, afortunadamente recibí una carta y luego volé a Nueva York para encontrarme con él. Estaba en Nueva York en abril de 1976. Nos llevamos bien, y cuatro meses después, Aggie, yo ... estaban en Londres. Era mi primera película trabajando fuera de la burbuja estadounidense Zoetrope ".

La película de 1977 Julia se basó en el capítulo "Julia" de las memorias de Hellman recogidas en Pentimento .

Alvin Sargent fue inicialmente bastante reacio a escribir el guión, pero finalmente cedió después de mucha persuasión del productor Richard Roth. Admitió que finalmente se interesó en el trabajo solo después de que escribió la secuencia de flashback de Lillian y Julia jugando juntas como niñas.

El 30 de junio de 1976, cuando la película entraba en producción, Hellman escribió sobre el guión a su productor: Esto no es una obra de ficción y ciertas leyes deben seguirse por esa razón ... Su mayor dificultad para mí es el tratamiento de Lillian como el personaje principal. La razón es simple: no importa lo que haga en esta historia, y no niego el peligro en el que estaba cuando llevé el dinero a Alemania, mi papel era pasivo. Y nada ni nadie puede cambiar eso a menos que escribas una historia ficticia y diferente ... ¿No es necesario saber que soy judía? Eso, por supuesto, es lo que principalmente hizo el peligro.

En una entrevista televisiva de 1979 con Dick Cavett, la autora Mary McCarthy , larga adversaria política y literaria de Hellman , dijo de Hellman que "cada palabra que escribe es mentira, incluyendo 'y' y 'el'". Hellman respondió presentando una demanda por difamación de US $ 2,500,000 contra McCarthy, el entrevistador Dick Cavett y la PBS . McCarthy afirmó que, según ella, demostró que Hellman había mentido en algunos relatos de su vida. Cavett dijo que simpatizaba más con McCarthy que con Hellman en la demanda, pero "todos perdieron" como resultado de ello. New York Times . 

En el momento de su muerte en 1984, Hellman todavía estaba en litigio con McCarthy. En 1983, la psiquiatra de Nueva York Muriel Gardiner que se había involucrado en la demanda por difamación entre McCarthy e Hellman, afirmó ser la modelo para el personaje llamado Julia en Pentimento , y en la película Julia basada en un capítulo de ese libro. Hellman, que nunca conoció a Gardiner, dijo que "Julia" era otra persona. Gardiner escribió que, aunque nunca conoció a Hellman, a menudo había oído hablar de ella por su amigo Wolf Schwabacher , quien era el abogado de Hellman. Según la cuenta de Gardiner, Schwabacher había visitado a Gardiner en Viena. Después de que Muriel Gardiner y Joseph Buttinger se mudaron a su casa en Brookdale Farm en Pennington, Nueva Jersey en 1940, dividieron la casa en dos. Le alquilaron la mitad a Wolf y Ethel Schwabacher durante más de diez años. Mucha gente cree que Hellmann basó su historia en la vida de Gardiner. El editor de Gardiner citó la improbabilidad de que hubiera dos mujeres estadounidenses millonarias que eran estudiantes de medicina en Viena a fines de la década de 1930.

Julia fue estrenada en cines el 2 de octubre de 1977 por 20th Century Fox . De la misma destaca la fotografía de Douglas Slocombe que intenta buscar el realismo más absoluto, pero, al mismo tiempo, los primeros planos en los que, con el uso de filtros, realza la brillantez o la decadencia de los personajes dependiendo del estado de ánimo de cada uno de ellos y el momento de su vida que les hace pensar en un futuro más o menos aciago o luminoso.

Como narración clásica de un director que procede del clasicismo destacan los fondos oscuros iluminados por un foco de luz posterior así como los focos en la cara con grandes primeros planos que destacan los luminosos rostros de Jane Fonda y Vanessa Redgrave.

A esa idea de clasicismo se une la incorporación de la música ambiental procedentes de composiciones surgidas de a finales de los años 20 e inicios de los treinta del talento de Cole Porter como su Night & Day , de Walter Donaldson  con su My Blue Heaven o alguna composición de Ray Henderson como Bye, bye, blackbird que se une a la de Georges Delerue.

Destaca igualmente otros aspectos técnicos como el elaborado vestuario responsabilidad que recayó en Anthea Sylbert así como el peinado responsabilidad de Ramon Gow.


Tras su lanzamiento, obtuvo en taquilla unos ingresos de $ 20.7 millones . La película recibió críticas generalmente positivas y una buena cantidad de premios.

Recibió una de las 11 nominaciones en los Oscars de aquel año. Entre ellos ganó el Oscar Jason Robards al mejor actor en un papel secundario, Vanessa Redgrave a la mejor actriz en un papel secundario y Alvin Sargent por Mejor guión adaptado. Jason Robards ganó así su segundo Oscar como mejor actor de reparto, pero no pudo asistir debido a un conflicto de horarios con una obra de teatro que estaba representando. El presentador de aquel año Bob Hope bromeó diciendo que "debe estar jugando póker con George C Scott y Marlon Brando", quienes ambos rechazaron sus Oscar a principios de los 70. Nominada fue a la Mejor película (Richard Roth), al mejor director (Fred Zinnemann) ,a la mejor actriz en un papel principal ( Jane Fonda), al mejor actor en un papel secundario (Maximilian Schell), a la mejor fotografía (Douglas Slocombe ) ,por Mejor diseño de vestuario ( Anthea Sylbert ), a la mejor edición cinematográfica ( Walter Murch) y a la mejor música de partitura original (Georges Delerue). Como vemos el director austríaco sería nominado en la categoría de mejor director, aunque el galardón se lo llevaría Woody Allen por Annie Hall.

Después de que Redgrave fue nominada a Mejor Actriz de Reparto, la Liga de Defensa Judía se opuso a su nominación porque había narrado y ayudado a financiar un documental titulado The Palestina , que apoyaba a un estado palestino. También hicieron boicot a la ceremonia del Oscar de aquel año.

Igualmente ganó el premio BAFTA a la mejor película así como tres más, de sus 10 nominaciones principales en la 32a edición de los Premios de la Academia Británica de Cine.

Por su parte, la hija de Henry Fonda recibió  un Globo de Oro por esta película.

En cuanto a la crítica en Variety le dio una crítica positiva, elogiando a Jane Fonda y Vanessa Redgrave por ser "dinamita juntas en la pantalla", la producción de Richard Roth como "bonita y de buen gusto", así como los trajes de época y el diseño de producción.

Roger Ebert calificó la película como una "historia fascinante", pero sintió que el punto de vista de Lillian Hellman contaba que la película estaba sufriendo. "La película nunca establece una relación entre las dos mujeres", escribió. "Es incómodo, la forma en que la película tiene que suspenderse entre Julia, su tema aparente, y Lillian Hellman, su tema real". Le dio dos y media de cuatro estrellas.
El conocido y ya anciano crítico cinematográfico formado en Havard , John Simon -opositor del  crítico anterior- con publicaciones como en el New York , Esquire , The Hudson Review , National Review , Opera News , The New Leader , Commonweal , The New Criterion y The New York Times Book Review . dijo de Julia: "Muy poco de lo que sucede en la película es intrínsecamente interesante".

TV Guide se publicó que "Bellamente diseñado, nominado para once Premios de la Academia, un gran éxito en la taquilla y un fracaso dramático ... Si te gusta el esmalte de uñas rojo, el falso cinismo, dolorosamente valientes sonrisas y estaciones de tren europeas, Julia puede ser tu tipo de cóctel ".

En Time Out se describe que la película es apta para "Fanáticos del drama fronterizo, que disfrutarán de los trenes, la sociedad literaria de Nueva York y los años 30 . Zinnemann lo arruina sobre todo en la relación Fonda-Redgrave, y no se le da credibilidad al feroz talento y la personalidad dominante de Hellman. Reverencial hasta el final, una sugerencia de homosexualidad se ríe en una escena brillante. Nadie se molesta en mencionar que el lesbianismo es fundamental para 'The Children's Hour', la obra que Hellman intenta escribir mientras que, según la sinopsis, 'su memoria volvía una y otra vez' a Julia.

En Radio Sefarad Daniela Rosenfeld señala que "La película consta de tres partes. La primera y más breve, cuenta la amistad entre Lillian y Julia. Desde este momento es evidente la admiración de Lillian hacia su amiga, lo que le dará las fuerzas necesarias para hacer lo imposible por satisfacerla. La segunda parte, se centra en el desarrollo de esa amistad desde la distancia: Julia se ha ido a estudiar al extranjero y Lillian intenta seguirle la pista, aunque en ocasiones sus cartas parecen no llegar a su destino. Por último, la tercera parte, se convierte en un relato de suspense en toda regla: es el viaje que hace Lillian en tren hacia Moscú, con trasbordo en Berlín cumpliendo con un encargo de su amiga que consiste en transportar 50.000 dólares destinados a comprar la libertad de una gran cantidad de judíos. A lo largo de este viaje Lillian demuestra su valentía y, sobre todo, su fidelidad hacia Julia. ".

Ya en España Luis Martínez en El País comenta que Julia es un "Hiriente retrato de unos tiempos de sangre (...) Fiel y candente radiografía de la amistad exprimida hasta el último aliento. Redgrave emociona"

Gabriel Ramírez en El Correo " Zinnemann, que durante la cinta no deja de sugerir, se cuida de no traspasar una línea que, quedando difuminada, hace que el espectador tenga que sacar sus propias conclusiones. Así, la película se entiende de otro modo, esa lectura permite que las piezas encajen mejor. De pronto, las actitudes comienzan a tener un sentido que va más allá de lo que nos enseñan en pantalla. Zinnemann demuestra su talento y su honestidad narrativa. Jane Fonda y Vanessa Redgrave están espléndidas. Ambas encarnan a sus personajes con una seriedad y una profesionalidad arrasadora. Creíbles a más no poder. Jason Robards, con un papel más corto (encarna al escritor Dashiell Hammett) cumple y, tal vez, no se explota demasiado bien ni al personaje ni al actor. En cualquier caso, Zinnemann hace una demostración magistral de lo que debe ser la dirección actoral. " 

En ABC "La novela autobiográfica “Pentimento”, de la famosa dramaturga norteamericana Lillian Hellman, sirve de base para el guión de “Julia”, dirigida por Fred Zinnemann (“De aquí a la eternidad”). El filme tuvo once nominaciones, de las cuales consiguió finalmente tres estatuillas (mejor actor y actriz de reparto para Jason Robards y Vanesa Redgrave, respectivamente, y mejor guión adaptado para Alvin Sargent). La cinta significó también el debut en el cine de Meryl Streep. Curiosamente, “Julia” es un filme en el que se intuye un sutil lesbianismo, sin que ello provocara ningún escándalo en la época. Además de la especial relación que hay entre Lillian y Julia, la sospecha se reafirma aún más si se tiene en cuenta que la novela que Hellman intenta escribir a lo largo del filme es “La calumnia”, en la que dos maestras son acusadas de mantener una relación lésbica" .

Julía responde a la idea cinematográfica de  Zinnemann  en su búsqueda implacable del realismo y su exploración de lo que supone una crisis  moral que implica que las personas se tengan que enfrentar a su conciencia y que no tengan más remedio que elegir entre mantener su integridad personal o conformarse con las normas externas.

Julia , indudablemente , juega entre lo que insinúa y lo que realmente dice. Para mi es una gran película que mantiene el ritmo, el estilo y la serenidad de un director que nuca dejó de ser un clásico.


lunes, 4 de noviembre de 2019

Jamestownm, tercera y última entrega


Fin de la tercera y última temporada de una serie que es un folletín bien diseñado y fenomenalmente fotografiado pero cuya historia ha sido muy blandita. Eso sí, como señalé en la primera y segunda entrega de la misma, virtudes tiene, y muchas. Especialmente el carácter antropológico y la forma de presentarnos el que fue primer gran asentamiento que hubo en Virginia.

Se trataba de una serie de época y muy femenina cuyo protagonismo asumían básicamente la mujeres en un mundo de hombres , mujeres que salen de Gran Bretaña para , de alguna marea, rehacer sus vidas al otro lado del mar. Las protagonistas hasta el final de la segunda temporada eran son Jocelyn (Naomi Battrick), una mujer de buena posición cuyo marido es uno de los líderes de la colonia y Verity (Niamh Walsh), una mujer que huye de un complicado pasado y que en la colonia se casa con el tabernero, que es totalmente opuesto a ella. Al final de la segunda se nos cayó la fucking Peaky Blinders como era Alice (Sophie Rundle), granjera que se casa con un hombre violento e intenta encontrar su lugar en un mundo que la considera una ciudadana de segunda.

Hasta el momento en el que ellas ponen un pie en el lugar, en la colonia sólo han vivido hombres que han peleado para conseguir que no fracase como otros muchos asentamientos fundados a lo largo de la costa de Virginia. Jamestown, de hecho, es el primero que logra ser permanente, pero no está exento de vivir marejadas y marejadillas entre sus habitantes, pues la historias de enemistad, de odio, de traición, de envidias es una constante como hemos ido comprobando a lo largo de las tres temporadas.  

La productora de la misma, Carnival Films, reprodujo una colonia inglesa del siglo XVII en Hungría, cerca de Budapest. Jamestown se construyó con un gran cuidado por el detalle y teniendo en cuenta que aquellas poblaciones vivían en gran contacto con la naturaleza circundante. Como ya comencél la serie ha tenido mucho de antropológica.

De hecho, Bill Gallagher, productor ejecutivo de Jamestown, explica que “lo que supuso todo un reto para mí fue reflejar en el guión a los nativos americanos. Fue fascinante, pero tenía mucho miedo y quería mostrar bien su cultura (…). También me preocupé de mostrar la historia desde la perspectiva de aquellos que van a ser colonizados. Contábamos con un asesor que revisaba el guión y estaba presente durante la grabación”

Esta tercera temporada y última temporada ha pretendido mantener varias vías: la del delegado de su majestad , un contrahecho individuo; la del chico, Tam, sin padre que es adoptado y no querido por el bebedor Meredith, en parte; las visiones de María, la esclava negra, y la tenacidad de Pedro; los amores entre el herrero y la chica ; o la salida de la chica Peaky, Alice Sharrow (Sophie Rundle ) abandonando con ello a su partenaire; así como el progresivo protagonismo de Henry Sharrow (Max Beesley). 

La bella y ambiciosa Jocelyn (Naomi Battrick ) está decidida a vengarse, centrando su esfuerzo en conseguir el mismo trato que se les da a los hombres. 

Tras la expulsión de Silas Sharrow (Stuart Martin ), éste decide iniciar una nueva vida al lado de los Pamunkey, viendo al guerrero Chacrow (Kalani Queypo ) como un hermano. Su transformación física sorprende incluso a su propia familia. 

La floreciente relación entre Mercy (Patsy Ferran ) y el menor de los Sharrow , Pepper (Luke Roskell ) crece con fuerza . Sin embargo, el rencor de Jocelyn choca con los intereses de Mercy y con las ansias de venganza del Secretario de la Compañía de Virginia, Farlow (Burn Gorman ). Su venganza implicará la pérdida de la vida para el Secretario. 

Llega además de un nuevo mercader llamado Wilmus Crabtree ( Ben Starr) un ser deforme y con un extraño comportamiento con el que se inician rumores en el pueblo. 

Poco después el hijo de Henry y Winganuske (Rachel Colwell ) se pone enfermo y la familia se dividirá entre utilizar la medicina inglesa o usar los remedios tradicionales de Pamunkey. 

La intervención del doctor Priestly se enfrentará a un difícil dilema: seguir sus instintos profesionales o respetar la política de la familia. Henry tomará una decisión con la que tendrá que vivir el resto de su vida., pues el resultado será doloroso para Henry. 

Un grupo de niños huérfanos serán enviados a Inglaterra para trabajar en las plantaciones y Verity ( Niamh Walsh) al ver esto, sacará su lado más maternal sin contar con Meredith (Dean Lennox Kelly ) que sigue con sus problemas con la bebida. 

Mientras que el pueblo celebra el día de St.George, Jocelyn ve en el desfile una forma para intimidar al líder de Pamunkey y volverse a ganar la aprobación del Gobernador Sir George Yeardley (Jason Flemyng ) un hombre cada día más ambicioso y con menor sentido de la realidad.

Silas decide enfrentarse al gobernador después de la ruptura de su familia y organiza una trampa para vengarse. Cuando Pedro (Abubakar Salim ) se encuentra enredado en la idea de Silas y conviviendo con María (Abiola Ogunbiyi ) trama un plan con la ayuda de los Rutters que le asegura una vida mejor a ella y a Pedro, pero escapar de las garras de Yeardley no les será fácil ya que este ha decidido cosificar a sus trabajadores convirtiéndolos de hecho en esclavos. 

Un barco cerca de la costa anunciará la llegada de la nueva esposa de James Read, aunque llega fallecida durante la travesía. 

Por otra parte, Jocelyn usará un plan retorcido para hacer explotar la relación especial entre Sharrows y Pamunkey, y así obtener beneficios políticos. Chacrow , además, se va a vivir a Jamestown y es citado para trabajar como cazador de Yeardley y enlace con la tribu. 

El gobernador tiene dudas sobre el verdadero objetivo del guerrero, así que envía a su mujer , Temperance (Claire Cox ) para convertirlo al cristianismo. Por otro lado, Yeardley reta a Silas para que pruebe su lealtad, tentando a Chacrow con un recurso muy deseado, pólvora. 

Por su parte, Chacrow recibe una orden de Openchacanough, lo que realmente prueba su lealtad, así que solo es cuestión de tiempo que la tensión entre Silas y Chacrow se convierta en algo peligroso. 

Mientras Mercy recibe algunos consejos sobre como cometer pecados carnales de parte de Verity, la cual saca su lado más pasional y se deseo de quedarse con Peter. Pedro descubrirá las intenciones del gobernador sobre su futuro e ideará un plan que afectara directamente a la conciencia de Yeardley. 

Cuando éste recibe un extraño reloj por parte de Willmus, hace que su deseo por la libertad se haga más fuerte. Después de herirse gravemente, Mercy cuidara a Meredith, tras caer por la muralla, porque Verity estará demasiado dolorida como para ver al hombre luchar con sus demonios otra vez. Temperance se enterara por Chacrow que su gente ha recibido una profecía sobre el impacto de los colonos ingleses en la descendencia de Pamunkey. 

Por último , el viaje que emprendieron Jocelyn, Pedro, Verity y James para buscar a los marineros, y todo ello acabará en una prueba de supervivencia, ya que deberán enfrentarse a los peligros del hombre y a las dificultades de la madre naturaleza. 

María y Temperance tienen un plan para manipular a Yeardley. El gobernador recurre a métodos extremos para obtener la verdad de Willnus, como encarcelarlo, pero tiene un as bajo la manga que enfurece a Yeardley, un anillo real que demuestra que el es Consejero del rey. 

En el episodio final Jocelyn descubrirá la intención del herrero James Read de dejar el pueblo y hará un plan para evitar que se marche. Verity estará en tensión cuando se cruce con el pequeño y huído Tam en plena la naturaleza, mientras los Pamukey idean un ataque , pero arreglar el daño entre él y será muy difícil. Jocelyn, por su parte, se sentirá frustrada, con Wilnus aún desaparecido al estar encarcelado, y sus esperanzas de derrotar a Yeardley desaparecerán. 

Finalmente, Opechancanough se reunirá con los líderes y sacerdotes de sus tribus aliadas. En su encuentro el jefe revelará un plan estratégico que cambiará la historia de Jamestown. 

La serie acaba en 1622, con el inicio de la conocida como "masacre indígena" en la que los colonos fueron atacados en sus plantaciones por los indígenas powhatan muriendo alrededor de 400 en el enfrentamiento. La respuesta por parte de las autoridades británicas de Virginia fueron tremendas contra los indígenas que serán expulsados del estuario del James y , finalmente, de lo que convertirá en el Estado, una de las primeras trece colonias. Fue el fin de una civilización y el inicio de otra historia que implicó entre otras cosas el abandono de un mítico fuerte de Jamestown  y por extensión de esta serie que si no ha sido imborrable o memorable , si que ha sido entretenida.


domingo, 3 de noviembre de 2019

Mientras dure la guerra


Últimamente Alejandro Amenábar me genera dudas. Y eso no me gusta, pues lo considero como el director potencialmente más brillante de su generación desde que se dio a conocer con Tesis (1996) hace ya 23 años. 

Sin embargo, otros le van superando tanto a su derecha como a su izquierda. Habrá que reconocer que estamos ante una generación de grandes cineastas nacidos a partir de 1970, aunque hay algunos como Jaume Balagueró , nacido en el 68 , al igual que Daniel Monzón o Juan Carlos Fresnadillo, un año antes, que irrumpieron hace años en el cine español y que, en realidad, potencialmente todos ellos tienen una proyección geométrica. 

Esta "generación del 70" estaría formada por directores como Juan Antonio Bayona, Paco Plaza, Koldo Serra, Nacho Vigalondo, Alberto Rodríguez, Mateo Gil, Paco R. Baños o Daniel Sánchez Arévalo , siendo Rodrigo Sorogoyen, del 81, el último en integrarse en ese selecto grupo. 

Para mi el más aventajado de todos, por lo que demostró en sus comienzos, era sin duda Alejandro Amenábar. Pero desde la magnífica Los otros considero que su capacidad como director y como guionista ha ido a menos. Es cierto que muchas de sus obras han sido avaladas por premios y por grandes productoras que han cimentado su carrera, pero reconozco que ya no me convence como al principio. 

Para mi la razón pudiera estar en los bandazos en el uso de los géneros. Esperaba, deseaba que hubiese apostado por uno que creo que maneja más y mejor que otros, el thriller o la intriga. Con todo su ultima obra en este género , Regresión (2015) , y protagonizada por Ethan Hawke, Emma Watson y David Dencik, tampoco me convenció. 

Pero el hecho de haber picoteado en otros géneros como el cine histórico , el drama planteado desde un biopic le ha hecho descentrar una potencial impresionante carrera. 

No obstante, tras haber visto ayer Mientras dure la guerra, su último gran proyecto , creo que he vuelto a recuperar la fe en el que yo considero el pionero , junto a Monzón , Fresnadillo y Balagueró, de esta "generación del 70". 

La película está inspirada en unos hechos tan reales como desgraciados. Todo lo que rodea a la guerra incivil se remite a la desgracia. La gran virtud de Aménabar es que no hace propaganda de la desgracia. La muestra , la relata y abre la posibilidad para que los actores y actrices de la misma hagan un retrato magnífica y un trabajo prodigioso. 

Como buen conocedor de la Historia de España que me considero , al fin y al cabo los estudios han de servir para algo, Amenábar rescata una episodio de la historia de la España de 1936: el apoyo del primer intelectual español en el sentido moderno, en palabras de Ana Chaguaceda, Don Miguel de Unamuno al alzamiento y su inmediato desencanto. 

Pero también muestra la personalidad compleja de un hombre apasionado, que defendía sus ideas, que como cualquier hijo de vecino tiene ideas cambiantes desde la juventud hasta su muerte el último día del año 36. 

De esta conocida historia, Alejandro Amenábar y Alejandro Hernández realizaron un magnífico guión , y el primero vuelve a lo que sabe hacer también con maestría, la música. 

Amparado por la producción de Fernando Bovaira como productor ejecutivo por medio de su empresa Mod Producciones, Movistar+, Himenóptero, la compañía fundada por Alejandro Amenábar para la producción de sus películas , y la argentina K&S Films y la distribución de Buena Vista International , Alejandro Amenábar hace una película histórica para narrarnos el desencuentro que dará lugar a una de los más famosos desencuentros entre un intelectual , Unamuno, y uno de los fundadores de la Legión, Millán Astray al que hecha en cara su intransigencia con su famosa frase: Venceréis, pero no convenceréis. 

La película cuenta con la fotografía de Alex Catalán y con Juan Pedro de Gaspar en la dirección de arte. Se suman igualmente Sonia Grande como diseñadora de vestuario, Eva Leira y Yolanda Serrano como directoras de casting, Carolina Martínez en montaje, Nacho Díaz a cargo del diseño de maquillaje especial, Ana López-Puigcerver y Belén López-Puigcerver como responsables de maquillaje y peluquería, Juanma Nogales como supervisor de efectos digitales, Aitor Berenguer y Gabriel Gutiérrez en sonido. 

El reparto lo encabeza un magistral Karra Elejalde como Miguel de Unamuno junto a otro no menos magistral Eduard Fernández como José Millán-Astray. Junto a ellos Santi Prego como un impresionante - por su parecido- Francisco Franco. Junto a ellos salen Patricia López Arnáiz como María de Unamuno Lizárraga, Inma Cuevas como Felisa de Unamuno y Luis Zahera como Atilano Coco y Carlos Serrano-Clark como Salvador Vila Hernández, como los amigos del escritor. Igualmente aparecen Tito Valverde en un gran papel como Miguel Cabanellas, Luis Bermejo como Nicolás Franco, Mireia Rey como Carmen Polo, Luis Callejo como Emilio Mola, Miquel García Borda como General Kindelán, Nathalie Poza como Ana Carrasco, esposa del alcalde Casto Prieto Carrasco, Pep Tosar como el cardenal Enrique Plá y Deniel. Igualmente tienen un papel Ainhoa Santamaría, Itziar Aizpuru y Luka Peroš como el representante nazi Johannes Bernhardt. 

Como redactar lo visto sería muy extenso opto por lo que viene en la página de Movistar +, junto a algún añadido, que dice : 

España. Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la sublevación militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca. 

Mientras, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros provoca que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios. 

Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado en la zona nacional, Unamuno acude a su Palacio, decidido a hacerle una petición. 

Y al final vemos el momento más conocido ocurrido en aquel Día de la Raza, 12 de octubre de 1936. Allí, rodeado por Carmen Polo de Franco, esposa del luego dictador, el obispo Enrique Plá y Deniel y por el general sublevado José Millán Astray, improvisó unas líneas que le sirvieron para rebatir aquel acto de exaltación de los golpistas. Y lo hizo en el reverso de una carta que tenía en el bolsillo escrita por Enriqueta Carbonell, mujer del pastor protestante y afiliado a la masonería (una institución que Franco odiaba especialmente) Atilano Coco, uno de los mejores amigos de Unamuno. En la misiva le pedía que intercediera por su marido, encarcelado por los sublevados, petición que se debió volver imposible tras la caída en desgracia del rector. 

La película fue rodada en Salamanca entre la primavera ( mayo ) y el verano de 2018. El director escribió dedicatoria en el Libro de Honor de la Biblioteca Histórica de la Universidad de Salamanca (USAL) , que el año pasado celebró su 800º aniversario, «Un abrazo y muchas gracias, Salamanca». La Universidad de Salamanca fue uno de los emplazamientos más recurrentes en el film . 

También se rodó en la Casa Museo de Unamuno un edificio histórico y los interiores de la casa museo de Unamuno, una casa del siglo XVIII, fue donde residió Unamuno en su época de rector, y se ubica junto a la fachada plateresca del edificio de Escuelas Mayores. Otros lugares de rodaje fueron el puente romano,  la barroca Plaza Mayor, que el propio Miguel de Unamuno definió como «un cuadrilátero. Irregular, pero asombrosamente armónico» , y en uno de los locales de sus soportales, el histórico Café Novelty, es el más antiguo de la ciudad. Igualmente set de rodaje lo fueron algunas calles como Bordadores, Compañía, Cervantes, de la Vera Cruz y Tavira. 

Por último se rodó en la iglesia románica de San Martín y en la plaza de San Benito y en la Catedral Vieja. 

El rodaje en el hospital de Tavera en Toledo y se rodó en el Colegio Oficial de Médicos de Madrid como recreación del paraninfo salmantino. 

Y las escenas en las que Don Miguel está leyendo o durmiendo con libro en brazos de su joven esposa, Concepción Lizárraga, mientras ésta le acaricia el pelo hasta quedarse dormido se rodaron en la localidad de Zeanuri , desde la que se contemplan las preciosas cresterías de la cima Aldamin. 

“Hemos rodado en las mismas calles por las que se movieron nuestros personajes y hemos tratado de devolverlas a su tiempo. Esto ha requerido de intervenciones físicas y digitales, porque muchas cosas han cambiado desde 1936, incluso en una ciudad tan bien conservada como Salamanca”, apunta Juan Pedro de Gaspar, director de arte. 

El director de la película declaró que "Mientras dure la guerra no es una película más sobre la Guerra Civil, tampoco el biopic de Miguel de Unamuno, aunque este sea el personaje principal sobre el que recae la trama cuando decide apoyar públicamente la rebelión militar en el verano de 1936. Es más bien un retrato sobre el drama personal y colectivo de las dos Españas, las de siempre, las de ahora". Y añadió en un entrevista en Esquire : " Quiero que la película funcione como catarsis, que sea integradora. No es una cinta revanchista ni victimista". 

Alejandro Amenábar declaró que “Esta película es muy especial para mí al tratarse de la primera que ruedo en mi país después de mucho tiempo. Pero sobre todo es especial porque, pese a contar hechos históricos que muchos habrán olvidado y otros ni siquiera conocíamos, apela muy directamente a nuestro presente y nuestra condición como ciudadanos que conviven, discuten y a veces, lamentablemente, se destruyen. Siento que la historia de Unamuno está hoy más viva que nunca, y él parece seguir dudando y hablándonos sobre cuestiones tan esenciales como quién o qué nos representa, de dónde venimos y, sobre todo, hacia dónde queremos dirigir esa enorme y compleja comunidad de vecinos llamada España”. 

Amenábar, se tomó el proyecto "no solo como una película sobre Unamuno, sobre su pensamiento y su espíritu, sino como una película sobre la España de aquellos días" . Agradeció especialmente la colaboración de la familia: “Siempre mostró respeto por nuestro trabajo”. 

Con respecto a Franco el director declaró que lo que vemos es el "el momento en el general se convierte en el emperador". 

Amenábar aseguró en alguna entrevista que intentó no encasillar al personaje en el cliché y reflejar a un militar que podía ser sosegado, incluso amoroso con sus familiares: "Lo peor puede anidar en las mejores intenciones. Franco estaba dispuesto a cargarse a media España para lograr la España que él quería". 

Sobre el título Amenábar declaró que “La frase forma parte de un documento firmado por el bando nacional al comienzo de la guerra que fue clave en la toma de poder de Franco. Pero sobre todo es una reflexión lanzada al público. Somos nosotros los que parecemos seguir sin entendernos, en guerra constante […]. Quizá incomode más a quienes están en los extremos, porque yo no soy extremista. Espero que sea entendida tanto por gente de izquierdas como de derechas”. 

Por su parte, Karra Elejalde declaró al El País que “Soy de los que piensan que los espacios, los lugares quedan impregnados de aquellos que los transitaron, de aquellos que convivieron en ellos”, y añade “yo alguna vez pensaba ‘este hombre igual me pega un soplido en la oreja y me dice impostor, puñetero, lo estás haciendo como el culo” . 

Sobre el trabajo del actor vasco, más identificado con la comedia , que con la tragedia dice uno de los descendientes del escritor vizcaíno que “Karra lo hace muy bien. No es un parecido extraordinario extraordinario, pero es una fiel reproducción de su figura”, asegura un nieto, Pablo de Unamuno (hijo de Pablo, segundo de los nueve vástagos del filósofo). También declaró que “Salí [de la proyección] un poquitín con el corazón arrugado porque yo veía a mi abuelo muy sumiso, muy sumiso a Franco, muy sumiso al ejército, muy sumiso a los niñatos falangistas; pero claro, seguramente es como estaba en aquel momento de pánico en toda España, de pánico en Salamanca, una ciudad tomada totalmente por los sublevados, y a lo mejor tuvo que ser así”. Y sigue comentando “Él estaba contra unos y contra otros, o no estaba ni a favor de hunos ni de los hotros, con hache, como ya se ha dicho [así lo escribió Unamuno en una carta], y ese 12 de octubre fue la guinda final de toda su lucha para que terminara aquella pelea entre hermanos, aquella guerra incivil, como él la llamaba”. 

El historiador salmantino Severiano Delgado que ha estudiado las fuentes de la época y ha matizado en sus trabajos la literalidad del discurso de Unamuno aquel Día de la Raza en que se enfrentó con la palabra a la amenaza de jóvenes armados enardecidos. “Llevo muchos años profundizando en los hechos de la Guerra Civil en Salamanca y, como historiador, creo que hay que ser muy riguroso pero entiendo que el señor Amenábar, como autor de películas, más que reflejar con rigor histórico los hechos, su intención fue reflejar un espíritu de una época, no la literalidad de unas palabras o el rigor de unos hechos al minuto”. 

La película fue estrenada el 6 de septiembre de 2019 en el Festival de Cine de Toronto. Además, fue incluida en la sección oficial en la 67ª Edición del Festival de San Sebastián de ese año. 

Durante la rueda de prensa posterior a la proyección de la película tanto Santi Prego, encargado de dar vida a Franco como el director hablaron de cómo fue la preparación al personaje. Un personaje que tuvo una preparación de meses. "El enfoque de Alejandro fue encontrar la voz, y ya con ella se consiguió la máscara. Una vez encuentras la voz, tienes al personaje", comentaba Prego, añadiendo que quisieron una versión profunda e intentar que se metiera en la cabeza para la película. 

Por su parte, el director declaraba que "Queríamos jugar con las cosas de Franco. Vemos como poco a poco esa mosquita muerta no tiene nada de eso y va subiendo de escalón. No queríamos renunciar a esa parte ridícula. Tenía un gran tesón y tenía que enfrentarse a esa vocecita". Y añadió "Era un gran pensador que cuestionaba todo lo que veía y lo que se encontraba. Un inconformista. Lo que me llamó la atención es que me pareció conmovedor lo que hizo en ese momento de su vida, el más inoportuno, yo como personaje público me pregunto si lo hubiera hecho o no". 

Karra Elejalde, por su parte señaló que  "Yo no sé de equidistancias, eso es cosa del director. Me interesó más lo que se decía de él. Mi cerebro es de izquierdas pero mi cuerpo es de derechas, así que fui vago y me preocupé con lo que me dijo Alejandro a la hora de trabajarlo", bromeaba. 

Por último , Eduard Fernández que hace de Millán-Astray: "Esta era una gran oportunidad, te ofrecen un gran personaje histórico y había que ajustarse y llegar ahí sin ser histriónico. Me fijé en la infancia, en cómo cambió su apellido, es alguien ideológicamente muy distante. No tengo que juzgar al personaje, hicimos un mix para que pueda pasar a ser un personaje real y no una caricatura". Y añade "Tenemos un problema de identidad con nuestros símbolos. ni siquiera nos hemos puesto de acuerdo para cantar una canción. Como la bandera. Yo lo dejó ahí como diciendo eso es lo que hay, retratando a esa comunidad de vecinos que es España". 

La película fue estrenada para el público en general el 27 de septiembre de 2019. En cuanto a los premios llegarán. Sin duda el Goya para algunas de las actuaciones de los protagonistas como es el caso de Karra Elejalde, Eduard Fernández y Santi Prego, impresionantes. En cuanto a la crítica señalar que han sido mixtas. 

En Estados Unidos Dennis Harvey de Variety nos dice que "No es lo suficientemente conmovedora (...) y carece de la urgencia y el suspense necesarios para dar vida a los acontecimientos de enjundia (...) No obstante, es más una decepción que un producto fallido, dado que es tan notable a nivel técnico que todo fluye con facilidad." 

Jonathan Holland del The Hollywood Reporter sigue sin ser positivo y señala que "A pesar de la loable seriedad de sus intenciones (...) la impresión final es que sus posibilidades dramáticas quedan inexploradas" 

Jared Mobarak de The Film Stage añade que se trata de "Una historia poderosa que trasciende el tiempo y lugar independientemente de su impecable diseño de producción." 

Desde el Reino Unido Fionnuala Halligan de Screendaily sostiene que se trata de "Una película estable, firme, profundamente inteligente, con una escalofriante resonancia actual, y un significativo cambio de tercio con respecto al anterior trabajo de Amenábar" 

Ya en España Miguel Ángel Palomo de FilmAffinity dice que "Cine que analiza la historia para intentar entender el presente a partir de la comprensión del pasado, que muestra que muchos conflictos actuales ya existían, larvados unos, vivos otros, hace más de ochenta años (…) Su narrativa pausada, casi lánguida, encuentra un acomodo impecable en una puesta en escena que resalta el uso dramático del primer plano (…) Monumental trabajo de Karra Elejalde, que modela su interpretación no para mimetizarse con el personaje, sino para recrearlo (…) " 

Para Carlos Boyero en El País estamos ante un "Complejo y veraz retrato de una España sombría. (...) una buena, contenida y también arriesgada película, narrada con cerebro y corazón" 

Luis Martínez en las páginas de El Mundo destaca que "Karra Elejalde, lo mejor del pulcro y rígido [filme] (...) se agradece la sensibilidad y el oído de Amenábar para, de nuevo, leer y tocar lo que más nos duele." 

Desde la páginas de Oti Rodríguez Marchante sostiene que "Amenábar mete sin miedo la mano en el avispero (...) Su película es poliédrica y puñetera como el propio Unamuno y contiene a un grandísimo Karra Elejalde (...) muy sorprendente el tratamiento, tan lejano a los clichés de la «memoria histórica», de Franco" 

Desde Cataluña - o Catalunya   como quieras, pues  a mi no me molesta ni una cosa ni la otra - Quim Casas desde la edición barcelonesa de El Periódico nos dice que "Es el estigma de las dos Españas, aunque representado de una forma distinta en la que el director, elegante y a la vez tenso, no carga las tintas sino que busca ese punto medio perfecto. (…) " 

Andrea G. Bermejo en Cinemanía comenta que contiene "Algunas secuencias funcionan mejor que otras pero el conjunto convence. (...) El espíritu de 'Mientras dure la guerra' no puede ser más conciliador (…) " 

El veterano crítico Carlos F. Heredero de Caimán dice que es una "Burda simplificación del pensamiento de Unamuno (...) reconstrucción historicista que resbala también en el retrato de Franco y de Millán Astray (reducidos a una simplista caricatura llena de anacronismos) (...) destila naftalina por casi todos sus fotogramas" 

M. Torreiro de Fotogramas comenta que "Para interesados en los retratos íntimos no hagiográficos. (...) Se diría que lo que busca (y logra) el director es la humanización de un personaje moralmente dudoso, cascarrabias, contradictorio y a menudo equivocado como fue Unamuno. (...) " 

En el diario La Razón Carmen L. Lobo añade que "De forma sorprendente, combina la trama principal, los encarcelamientos y las ejecuciones con momentos oníricos sobre la juventud de Unamuno, unas escenas muy sentimentales y, a lo mejor, una forma de «pretextar» al protagonista que no hacía falta." 

Desde la prensa vasca , en concreto desde El Correo,  Oskar Belategui nos dice que es "Una didáctica lección de Historia que va más allá del biopic del filósofo bilbaíno (...) Amenábar no carga las tintas ni cae en el maniqueísmo (...) Deslumbrante Elejalde" 

Marta Medina en El Confidencial que la película es "Es el reverso tenebroso de ese cine transgresor y transformador [de 'Tesis'], una narrativa inocua y sin ambición que, además, peca de falta de imaginación a nivel formal. (…) " 

Por mi parte comentar que la película me ha gustado sobre todo como se acerca a la parte humana de este pensador que , posiblemente , sea el reflejo de lo que somos: cambiante, contradictorio, peleón, idealista y realista capaz de lo mejor y de los peor en el mismo momento. Además la labor de los actores y actrices es impresionante. 

A esto se suma el hecho de que Amenábar haya filmado la historia con cierta distancia, sin mojarse y subrayando algunos aspectos de esa historia tan real como triste que no gustará a extremistas de cualquier parte.

Impresionante me parece lo que ha hecho Karra Elejalde, al igual que Eduard Fernández con un Millán Astray espectacular. No puedo dejar atrás el trabajo de Santi Prego haciendo el mejor retrato de Franco que he visto, superior al que realizó el sevillano Juan Diego en Dragón Rapide. En igual medida quiero resaltar a Tito Valverde como el canoso General Cabanellas, o el papel de las dos actrices que hacen de hijas de Unamuno: Patricia López e Inma Cuevas así como una dolorida y dolorosa Nathalie Pozas, que grande es esta actriz.

Debo señalar que ya hay historiadores que han criticado la película por ciertas licencias cinematográficas que no son rigurosamente ciertas como es lo habitual cuando el cine hace cine y no hace historia, sino una aproximación a la misma. Son detalles , con o sin importancia, según vea cada uno.

Entre los mismos se encuentran: el número de fallecidos en la Plaza Mayor de Salamanca pues hubo un tiroteo entre los soldados golpistas (que llegaron desde Valladolid y estaban compuestos por un piquete de infantería y un escuadrón de caballería) y los miembros de grupo armado de militantes de las Juventudes Marxistas Unificadas en el que murieron un mayor número de los que en la película se señala - dos-; o cuando se muestra al bando nacional cambiando la bandera republicana por la monárquica, como algo improvisado cuando Franco tenía su cuartel establecido en Cáceres. En realidad, este cambio se llevó a cabo en acto celebrado el 15 de agosto en Sevilla, festividad de la Virgen de los Reyes, con un breve discurso de Franco y arriando la bandera republicana, sustituyéndola por la rojigualda al son de la Marcha Real; igualmente el tema del dinero entregado por Unamuno a los sublevados que publicó tras la muerte de Unamuno que no fueron 5.000, sino 15.000 pesetas lo que el escritor depositó en favor del golpe militar ; en la película sostiene que Franco se desvió de su objetivo principal, conquistar Madrid, para rescatar a los militares asediados en el Alcázar de Toledo solo porque quería alargar la guerra con fines particulares, pero algunos historiadores defienden que no la conquistó porque no pudo con 20.000 hombres conquistar una ciudad de un millón de personas; tampoco es cierto que la "baraka" desviara las balas, pues Franco recibió un disparo en el bajo vientre en 1916, provocando que perdiera un testículo cuando solo era un capitán; tampoco es correcto el orden de la mesa presidencial del día de la Raza que ee izquierda a derecha, era Carmen Polo, Unamuno, el cardenal Plà y Millán Astray; nunca se pronunció el mítico «venceréis pero no convenceréis», no al menos literalmente, sino «vencer no es convencer», tal y como descubrió el historiador Severiano Delgado Cruz, bibliotecario de la institución salmantina; también que el escritor pudo abandonar el recinto de manera tranquila y sin temer por su vida; Unamuno y un sonriente Millán Astray se estrecharon la mano a la salida del claustro, lo que parece desmentir que hubiera una hostilidad más allá de la dialéctica; el incidente en el paraninfo de Salamanca sí tuvo consecuencias para Unamuno, esa misma tarde fue expulsado del casino e incluso recibido entre improperios de «¡rojo!» y «¡traidor!»; no es cierto que Millán Astray bramase «España Una, Grande, Libre» tras la arenga del escritor, ya que esta frase nacionalista todavía no se pronunciaba en actos estatales, tan solo en los celebrados por la Falange; tampoco se tiene clara la supuesta admiración de Carmen Polo de los poemas cristianos de Unamuno; el entorno familiar de Unamuno está representado por sus hijas Felisa, María y un nieto suyo, que viven en Salamanca con el filósofo. Sin embargo, el vasco tenía cuatro hijos más vivos como Rafael ; igualmente la salud del escritor no era buena desde 1931 , de hecho la muerte de su Salomé, «la hija de su alma», a causa de una tuberculosis ósea, le sumió en 1933 en una profunda depresión de la que le costó recuperarse.

Con respecto a Millán Astray , el Glorioso Mutilado no participó en el Golpe de Estado y, de hecho, estaba fuera de España en su gestación, Franco reservó a su antiguo superior y camarada un puesto en su camarilla privada. Millán Astray ejerció como jefe de Prensa y Propaganda, pero no tuvo mando efectivo sobre ninguna unidad militar ni participó en combates de la Guerra Civil.Junto a Orgaz, Kindelán, Yagüe y Nicolás Franco formó una especie de equipo de campaña político dedicado a conseguir que Francisco Franco se convirtiera primero en jefe de la Junta de Burgos y luego en jefe del Estado.Así lo consiguieron tras sendas reuniones en Salamanca, celebradas en el aeródromo de San Fernando, el 21 y el 28 de septiembre de 1936, en las que asistieron los generales Cabanellas, Queipo de Llano, Orgaz, Gil Yuste, Mola, Saliquet, Dávila, Kindelán y el propio Franco, junto a los coroneles Montaner y Moreno Calderón. Incorporó en los reglamentos del Tercio lo mejor de la literatura técnica castrense de los años veinte, recogida de ambientes franceses en los que se desenvolvía con soltura, sino que, como admirador de la cultura oriental, tradujo del inglés textos clave del Bushido e impartió cursos de historia militar, geografía y táctica en la Academia de Infantería. Al igual que muchos delos falangistas que se ven en la película , dentro de ese partido había personas formadas como Pedro Laín, Antonio Tovar, Dionisio Ridruejo o Sánchez Mazas. Unamuno fue, en general, alguien muy admirado por los falangistas, que le vieron como una especie de padre intelectual. Uno de ellos organizó su entierro Víctor de la Serna, fue quien organizó su entierro, donde estos militantes gritaron: «Miguel de Unamuno y Jugo, ¡Presente!».  

Decir que si bien la película en su conjunto me ha gustado, y , especialmente ,  los diálogos que son brillantísmos, también tengo que destacar que , a mi juicio, hay aspectos que pudieron mejorarse  como el aspecto de la producción y su puesta en escena. 

La inclusión de una cronología de los hechos ayudaría, pues hay muchos españoles que no son conscientes que todo esto se produce en cinco meses. Entiendo que aquellos que esperaban ver un alegato y no lo han visto hayan salido defraudados. Nadie ni nada puede salir bien parado de lo que fue una muestra de barbarie, el triunfo de la intolerancia y de la sinrazón. 

La negación del diálogo y la estrategia de una guerra que acaba con lo que acabó: el franquismo. Un régimen que duró para mi hasta 1975 con la muerte del dictador. Después se mantuvo un franquismo sociológico, aunque no político. 

Es un error que aquellos que no hicieron nada contra el franquismo , en parte, por no tener la edad oportuna para enfrentarse al régimen, como es mi generación- y ya que hablamos al inicio de generaciones-  nacida a partir de 1960,  haya conseguido revitalizar una idea que estaba muerta y enterrada. Una desgracia para un país que no sabe dialogar, que no se pone de acuerdo con nada, que es intolerante con los que no piensan como ellos. Creo que ese es el gran acierto de la película: dar con la clave de lo que somos , "de los hunos y de los hotros",  y cómo actuamos en consecuencia. 

Lo interesante, posiblemente de la figura y de lo que hay que reivindicar de la película lo señala Enrique Cabero, vicerrector de la universidad y responsable de los actos del Octavo Centenario, y que declaró en el diario El Pais: “Miguel de Unamuno en uno de nuestros referentes contemporáneos, por lo que supuso como rector, como intelectual comprometido con todos los problemas y conflictos de su tiempo y por lo que supuso para la Universidad y su imagen. Su intervención en el paraninfo en 1936 representa la libertad, la democracia, representa una lucha permanente contra el fascismo y la dictadura”. Como diría el fundador de la legión: Ahí dejo eso.