miércoles, 19 de junio de 2019

On the Bowery


Tela marinera el bofetón en el alma que me he llevado hoy!!! Un bofetón en el alma pues he visto como el ser humano se degrada ante un vaso de vidrio lleno o mejor aún vacío , y como esa misma oquedad se transforma en destrucción física y mental hasta llegar a la degradación más absoluta. Qué poco se parece el New York que conocí hace cuatro años al de aquel del año 1956!!! 

Situada entre situada entre Chinatown y Little Italy en el Sur de Manhattan en la antigua carretera que llevaba a la granja del colono neerlandes Peter Stuyvesant fue la calle que se transformó en el símbolo de la depresión económica. Durante la década de 1920 a 1930, esta zona se había empobrecido considerablemente. 

A partir de los años 40, el barrio se ganó la reputación de ser frecuentado por alcohólicos y vagabundos como hemos visto en la película de Lionel Rogosin. Entre 1960 y 1980, se encontraban los alquileres más bajos y la tasa de criminalidad más alta del sur de Manhattan al contrario de hoy en la que la calle es uno de los mejores modelos de Gentrificación 

En 2012 tuvo a bien apostar por restaurar Milestone Films lanzó On the Bowery la película que fue el debut de neoyorkino Lionel Rogosin , 12 años después de su muerte. Rogosin trabajó en lo que se llegó a llamar cine político de no ficción o docuficción , influenciado por el neorrealismo italiano y Robert Flaherty . 

Hijo del magnate y filántropo de la industria textil Israel Rogosin , Lionel asistió a la Universidad de Yale y obtuvo un título en ingeniería química. Tras trabajar para su padre, sirvió en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial . 

Al terminar el conflicto viajó por Europa e Israel , así como un viaje a África en 1948. Luego trabajó en la compañía de su padre hasta 1954, mientras aprendía cine con el uso de una cámara Bolex de 16 mm. Preocupado por cuestiones políticas como el racismo y el fascismo, Rogosin participó en una película de las Naciones Unidas llamada Out , un documental sobre la difícil situación de los refugiados húngaros . 

Para denunciar el racismo quiso lanzarse con una película previa rondando On the Bowery un docudrama influenciado por el concepto ideado de Robert J. Flaherty . La película fue la primera película estadounidense en recibir el Gran Premio de Documental en el Festival de Cine de Venecia en 1956. También recibió un Premio de la Academia Británica de Cine.en 1956, y fue nominado para un Premio de la Academia. 

On the Bowery recibió una aclamación crítica y causó una gran impresión en Europa del Este e Inglaterra. Una vez cumplido con su objetivo de la formación fílmica se centró en el tema del apartheid rodando el director con un pequeño equipo y bajo el pretexto de hacer una película comercial sobre música africana , la vida de un trabajadora migrante negra en Johannesburgo . 

Realizado en 1958 con actores no profesionales y con una joven cantante africana llamada Miriam Makeba , rodó Come Back, África película que ganó el Premio de la Película de los Críticos en el Festival de Cine de Venecia . Rogosin hizo los arreglos para que Makeba saliera de Sudáfrica sobornando a los funcionarios. La colocó bajo contrato y organizó su primera aparición en la televisión estadounidense, en The Steve Allen Show para denunciar el racismo en Sudáfrica. 

Consciente de las dificultades de distribuir películas independientes en los Estados Unidos, Rogosin compró el Bleecker Street Cinema en la ciudad de Nueva York en 1960. El Bleecker se convirtió en una referencia cultural en la ciudad integrándose como miembro fundador y activo del movimiento New American Cinema y The Film-Makers 'Cooperative , junto con Jonas y Adolfas Mekas , Shirley Clarke .Robert Downey Sr. y muchos otros, cuyas películas se mostraron en el cine Bleecker Street. 

Entre 1960 y 1965, Rogosin viajó por el mundo para reunir material para su película antinuclear Good Times, Wonderful Times que fue presentada en el Festival de Cine de Venecia en 1965. También se mostró en muchas universidades estadounidenses durante la Guerra de Vietnam. 

Rogosin fundó igualmente Impact Films en 1965 para distribuir muchas películas políticas e independientes. Ese mismo año, Rogosin organizó, junto con otros, Bertrand Russell , la Protesta de artistas británicos, en agosto de 1965, y la Protesta de artistas europeos, en diciembre de 1965, contra la guerra de Vietnam. 

En 1966 probó la comedia filmando dos películas cortas, de bajo presupuesto, tituladas How Do You Like Them Bananas and Oysters Are in Season, mientras dirigía Bleecker Street Cinema e Impact Films. 

En la década de 1970, con crecientes dificultades financieras, Rogosin hizo películas de bajo presupuesto para las televisiones europeas como Black Roots y Black Fantasy. Continuó con Woodcutters of the Deep South , sobre una cooperativa , y finalmente el Diálogo Árabe-Israelí , un intento de dar voz y encuentro a ambas partes a través de una discusión entre un poeta palestino y un periodista israelí.Rogosin vendió el teatro Bleecker Street en 1974 y puso fin a Impact Films en 1978. 

Aunque continuó desarrollando muchos proyectos cinematográficos sobre temas como los indios navajos , la brutalidad policial , Paul Gauguin y un musical sobre niños de la calle en Brasil. A pesar del éxito crítico en Europa y entre otros cineastas independientes estadounidenses, en general no fue reconocido ni apoyado en los Estados Unidos. Se mudó a Inglaterra en la década de 1980, donde comenzó a escribir. Con el deterioro de su salud, regresó a Los Ángeles a fines de los años noventa. Murió en Los Ángeles en diciembre de 2000. 

Como ya hemos dicho la película fue el debut de Lionel Rogosin como director, productor - en este caso por medio de las productoras Film Representations y Rogosin Films - , aunque también guionista y fotógrafo. Lo cierto es que en el guión lo vemos junto a Richard Bagley y Mark Sufrin (aunque éste no está acreditado) y en la fotografía junto al mismo Richard Bagley. En la música aparece Charles Mills. 

En cuanto a los protagonistas además de anónimos que transitaban o malvivían en Bowery aparecen con nombre propio Ray Salyer como Ray y Gorman Hendricks como Doc o Gorman, así como Frank Matthews como Frank. 

La película comienza descubriendo como es la calle Bowery uno de los punto más pobres y degradados de Manhattan. La película nos muestran inicialmente a la fauna humana que hay en "The Bowery" , el barrio de los vagabundos. Entre ellos destacando por su normalidad aparece un hombre, Ray, un recién llegado al Bowery que pasea junto a su maleta por el Bowery entrando en uno de los bares frecuentados por irlandeses que hay en la zona. 

Tras pedir una cerveza nos enteramos que Ray Salyer, es un trabajador ferroviario que acaba de dejar su trabajo y que busca una oportunidad en el Bowery . 

Tras esto se le acerca un tipo al que parece conocer y le pide que le invite a una copa. Ray lo hace  y tras eso ve junto a la gente con la que estaba sentado en una mesa y hacia allá se dirigen. Ray decide invitarles a una botella de vino.

A la mesa se acerca un hombre mayor que se suma. Se trata de Gorman Hendricks, un residente de Bowery desde hace mucho tiempo, y que tras ser invitado se queda hablando con él de las posibilidades de trabajo y de dormir en la zona. Le dice un sitio llamado el mercado de los ladrones donde puede vender alguna de sus pertenencia. Ray busca en su maleta y encuentra un reloj, pero se niega a venderlo, seleccionando un pantalón que logra vender con la ayuda de Gorman por un par de pavos.

Ya ha caído la noche y tras pasar por varios garitos, Ray alcoholizado con lo que ha bebido va perdiendo el conocimiento en la calle y se tira a dormir en Bowery Street. 

Esta situación es aprovechada por Gorman que le quita a Ray su maleta mientras Salyer está inconsciente después de beber en exceso. Con esta va a un hotel de mala muerte y consigue convencer a portero de noche de dormir a cambio de custodiar la maleta. El portero le da la opción de dormir un par de noche al viejo Gorman.

A la mañana siguiente Ray se despierta cuando su compañero de la calle , un anciano Frank Matthews, quien colecciona trapos y cartones en una carretilla y sueña con escapar a los mares del sur , se despierta y juntos comienzan el día tomando una copa en un bar. 

Ese misma mañana Gormar  va en primer lugar a un centro en el que hay jubilados que juegan al domino. Habla con algunos de ellos y luego va al bar en el que están Ray u Frank, aunque éste último se dirige a encontrar un trabajo. Salyer, sin dinero ni posesiones, se ofrece como  mano de obra y es recogido por un camión . Tras trabajar y conseguir unos dólares se encuentra con Gorman - al que no le reprocha nada-  y le dice que esta noche buscará refugio en la Misión Bowery . 

Inicialmente Gorman se pone junto a Frank y le pregunta por su paso en prisión, comenta que en ella, al menos, se comía bien. Después Frank se despide pues va iniciar su rutina recogiendo cartones por el barrio. 

Ray por su parte cumple inicialmente con lo proyectado. A las seis de la tarde está en la cola de entrada a la misma, escucha el servicio de un reverendo que lleva décadas trabajando en la Misión , y luego toman un bocadillo y una sopa, tras lo cual escucha las directrices de pasar la noche allí: han de ducharse y después, lo que no tienen cama , han de dormir en el suelo, pero no podrán salir para beber. 

Tras sentarse y lavarse un poco Ray decide que no pasa allí la noche y vuelve al bar a  beber. Esa noche se gasta todo lo que había ganado, invitando a unos y a otros, incluso a una mujer , también alcoholizada. 

Tras salir con ella a la calle ella se ve que busca algo más, pero Ray, ya borracho, la rechaza. Esta acción es vista por dos tipos que siguen a Ray a un callejón y le dan una paliza , tras lo cual le roban todo el dinero que le queda.

A la mañana siguiente, Gorman , que ha vuelto a dormir al hotel sale con la maleta y tras abrirla vende el reloj de mano que allí había, volviendo tras ello a la zona. 

Va al bar y allí se encuentra con Ray, que ha sido recogido del suelo , por unos transeúntes tan alcoholizados como él. 

Hacia el final de la película, Gorman Hendricks, que nos enteramos que fue Doctor , pero que bebió en exceso decide compartir con Ray Salyer una pequeña cantidad de dinero en efectivo que había obtenido. Le dice a Salyer que recibió el dinero de un compañero que se lo debía. En realidad, sin embargo, Hendricks obtuvo el dinero al vender los artículos que encontró en la maleta de Salyer. 

Salyer está agradecido y jura usar el dinero para comprar una camisa y pantalones nuevos, "limpiarse" y escapar de la vida en Bowery. 

Tras volver a ver a Gorman y a los muchos alcohólicos que rondan el bar, la película concluye con la de Salyer apoyada en una farola Bowery. 

Como ya hemos contado hablando de la vida del director al acabar su servicio en la Marina de los Estados Unidos  Rogosin trabajó primero como ingeniero químico y ganó lo suficiente para financiar su primer largometraje. 

En el misma trasmite parte de lo que había visto en la obra documental de Robert Flaherty y el cine neorrealista de Vittorio De Sica. Su plan original era hacer una película sobre el apartheid en Sudáfrica. Con $ 30,000 en financiamiento, pero , antes de ello, decidió enrolarse en Bowery como un proyecto de práctica y formación fílmica.

Investigó el área durante seis meses antes de filmar y entrevistó a médicos en el Hospital Bellevue.. La intención original era crear una película crítica de la sociedad capitalista. Para ejecutar su obra contactó con el escritor Mark Sufrin, quien colaboró ​​con Rogosin en la película, dijo que la idea "era extraer una historia simple del propio Bowery".  Rogosin se metió en la calle y contactó con los hombres de la zona, se hizo amigo de Ray Salyer mientras buscaba el trabajo de día y estaba encantado de descubrir que su historia personal era la que los cineastas querían contar. También conoció a Gorman Hendricks, un habitual residente de Bowery.

Mientras investigaba la película, conoció al citado escritor, Sufrin y al director de fotografía Dick Bagley. Bagley era alcohólico y murió cinco años después de rodarla. 

Rogosin también obtuvo la cooperación de la Misión Bowery, donde se filmó una secuencia. El rodaje tuvo lugar en la calle durante un período de tres meses, a partir de julio de 1955. 

Bagley escondió su cámara Arriflex de 35 milímetros debajo de un paquete para filmar algunas escenas de bares. Otra filmación fue hecha desde el asiento trasero de un auto. 

Los actores de la película fueron sacados de la calle, y hablaron en su propio argot, solo guiaron qué decir. La dirección de la película estaba definida , pero no " no el gesto o la inflexión", dijo Sufrin más tarde en un artículo en Sight and Sound .

Los cineastas encontraron muchas dificultades al hacer la película. Los miembros del reparto fueron arrestados y regresaron a la calle afeitados y cortes de pelo, lo que dificultó la combinación de material nuevo con lo que se filmó. Algunos simplemente desaparecieron. Hubo interferencias por parte de la policía y de los que aparecen destacan dos: Ray y Gorman.


Señalar que Ray Salyer  , un veterano del servicio de combate en el ejército de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial de 40 años (1916–1963) natural de Kentucky y criado en Carolina del Norte, como afirma en la película, era un auténtico habitante de Bowery al que el mismo Salyer   le ofreció un contrato de Hollywood de $ 40,000 después de que apareciera la película, pero se negó y pronto desapareció muriendo siete años después, posiblemente el Bowery, a causa de los efectos del alcoholismo . Por su parte, Gorman Hendricks  fallecido de cirrosis del hígado apenas unas semanas antes de que se estrenara la película y había sido reportero de un periódico en Washington DC y, una vez, había ido a la cárcel en lugar de revelar sus fuentes para un artículo sobre la locuras  .  Rogosin ayudó a ambos hombres y se ocupó del entierro de Hendricks. 

Rodar de noche sin luces era difícil, y además parte de lo que en la película vemos como la estructura enorme que aparece estaba en proceso de ser demolida mientras se filmaba la película.

La edición de la película tomó seis meses, aproximadamente el doble de la cantidad de tiempo que debería haber tomado, debido a la inexperiencia de Rogosin. Contrató a Carl Lerner para completar la edición. 

Para la música consiguió a Charles Mills, que había ganado una beca Guggenheim y fue el encargado de hacer la partitura. 

En septiembre de 1956, Rogosin se convirtió en el primer director estadounidense en ganar el Premio al Mejor Documental en el Festival de Cine de Venecia con On The Bowery, pero fue rechazado en el festival por Clare Boothe Luce , la embajadora estadounidense en Italia por presentar lo que representaba. 

La distribución de la película fue extremadamente difícil debido a la temática tenebrosa y a una crítica desdeñosa del influyente crítico del New York Times , Bosley Crowther , tras ser presentada en  Nueva York en marzo de 1957, y Crowther criticó la película como "una exposición sombría". Mientras que elogia la fotografía, la edición y la música, Crowther dijo que la línea de la historia era "un poco demasiado ficticia que se cree", y llamó a la película "  un buen montaje de buenas fotografías de los borrachos y vagos, escrutados y escuchados hasta la saciedad". 

Por contra los críticos actuales la han elogiado  Michael Phillips del Chicago Tribune dice que " On the Bowery" ofrece algunas de las caras más indelebles en un docudrama estadounidense, caras devastadas por el alcohol y la pobreza, arrugadas por la derrota y el autoengaño, rodeadas por una ciudad de Nueva York que no le importa. Sin embargo, nadie en la pantalla pide compasión. " 

Por su parte, JR Jones en Chicago Reader dice de ella que "On the Bowery solo se ejecutan 65 minutos, pero al final puedes sentir una línea de derrape en tus huesos. " 

Wesley Morris en Boston Globe destaca que fue "Rodada en 16mm en blanco y negro con una cámara Bolex, los resultados siguen siendo increíblemente auténticos". 

Por su parte, Kenneth Turan de Los Angeles Times señala que " Este documental histórico perturba y obliga tanto hoy en una nueva restauración de 35 mm como lo hizo cuando se abrió en 1956 tanto para la crítica como para la aclamación. La película fue nominada para un Premio de la Academia a Mejor Película Documental y estrenada en los Estados Unidos en 1957." 

En las páginas del Wall Street Journal Nicolas Rapold " es una imagen en grano fino de los rostros de los que viven en la vida y se arrastran hacia los molinos de ginebra y las taberneras. " 

On the Bowery ha sido considerado como un examen incisivo del alcoholismo, y  una obra de arte del cine documental que colocó a Rogosin como un de los más brillantes cineasta documentalistas del cine independiente. 

Algunos directores influenciados por Rogosin y esta película son  John Cassavetes y Shirley Clarke , quienes emplearon muchas de sus técnicas en la filmación de The Cool World (1963). 

La película consiguió algunos  Premios al año siguiente de su estreno . Fue nominada al Oscar: Mejor documental  y en los Premios BAFTA fue valorada como el Mejor documental de 1956 por la Academia de Cine Británico. Consiguió el Gran Premio en la categoría de documental y cortometraje del Festival de Cine de Venecia del año 1956. Obtuvo además el premio Robert Flaherty, y el Premio de la medalla de oro, Convención sociológica, Universidad de Pisa 1959. La película fue seleccionada como una de las "Diez mejores películas de los diez años entre 1950 y 59" por Richard Griffith, de la Biblioteca de Cine del Museo de Arte Moderno del Festival de Popoli, 1971.

En 2008, On the Bowery fue seleccionado para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente importante". Es normal que así sea, pues está película parece la prolongación social de los desmanes económicos y sociales que surgieron en los Estados Unidos tras el crack de 29. De hecho , hay fotogramas que podían haber salido de los habitantes de aquellas Hoovervilles surgidas durante la Gran Depresión. 

La película es una bofetada a la conciencia de aquellos americanos que vivían al margen de los desposeídos, personas muchas ellas llegadas desde Europa, esos irlandeses que reclaman ser auténticos, o los americanos que podrían haber dado su vida por defender a su país en la Gran Guerra. Pero ahora vemos sus caras derrotadas, destrozadas, arrugadas en unos primeros planos que impresionan. Ahora el golpe no lo da tanto la crisis sino la bebida que los condena a vivir en un ambiente marginal y degradado. Una gran película de la cara oculta de aquellos felices cincuenta que sólo lo eran para algunos. Desde luego, para los de la película sólo hay un No Future!!!  Lo dicho , tremenda.


domingo, 16 de junio de 2019

Revisión del despertar de la fuerza


Vista en su estreno y próxima  la tercera entrega he decidido ver esta película una vez más. Ya he señalado que soy de la generación que hizo colas en los cines para ver el inicio galáctico. No la recuerdo como la primera película , pero sí como una de las sagas que más he seguido desde niño.

De hecho reconozco que tengo camisetas , libros, tuve en su momentos videos, naves de Lego al por mayor  e incluso tres espadas láser compradas en la Exposición que hubo en el Canal de Isabel II sobre Star Wars , allá por la primera década de este milenio, en concreto en febrero de 2009. 

Lo bonito de esta relectura de la historia galáctica , ahora asumida por Disney, -tras la venta de Lucasfilm a Walt Disney Company- pero que intenta ser coherente con la historia de George Lucas es recuperar la esencia de la primera incluso , las caras y personajes de aquella entrega de mi juventud, pero con treinta años más.

En este caso , como lo fue en la primera, la primerísima de la saga , es la historia de una búsqueda. Pero no es que vayan en busca de Obi Wan Kenobi , sino del último discípulo aventajado que tuvo la fuerza , Luke Skywalker que hace años ha desaparecido. 

La clave de su paradero puede estar en un mapa que contiene un droide. No no es R2D2, aunque al final lo encontramos activado como en también le ocurre al mítico C3PO, todavía un eficaz androide de protocolo, su momento fue   sino que el que es encontrado por una chatarrera, la que pinta como protagonista de esta saga , vista desde los nuevos tiempos, Rey. 

Ahora el mal y la fuerza oscura no reside en el Imperio sino en la siniestra Primera Orden surgida de sus cenizas y no descansará hasta que Skywalker, el último Jedi, sea destruido. Es por eso que treinta años después de ese último Jedi y de la Victoria de la Alianza Rebelde sobre la segunda Estrella de la Muerte , la historia se reinicia y en ella se recuperan a todos los que fueron en la primera entrega. Desde la Princisa Leia (Carrie Fisher) , ahora Leia Organa, que lidera a la Resistencia, que intenta de forma desesperada encontrar a su hermano Luke para restaurar la paz y la justicia en la galaxia pasando por todos los héroes de juventud : Han Solo (Harrison Ford), Luke Skywalker (Mark Hamill), C-3PO (Anthony Daniels) o Chewbacca (Peter Mayhew). 

A ellos se unen los nuevos héroes , el piloto de cazas Poe Dameron (Oscar Isaac), un desertor de la Primera Orden llamado Finn (John Boyega), la joven chatarrera Rey (Daisy Ridley), el androide rodante BB-8 , el miembro de la Iglesia de la Fuerza Lor San Tekka (Max Von Sydow) y los integrantes del lado Oscuro de la Fuerza, el Mal, representado por el nieto de Dark Vader, Kylo Ren (Adam Driver) , un temible y misterioso personaje que resulta ser indigno hijo de sus padres y que empuña un sable de luz roja que se hacen acompañar del líder supremo Snoke (Andy Serkis), la capitán de la Primera Orden Phasma (Gwendoline Christie). 

Recuperados unos, desde la emoción, incorporados otros , desde las nuevas expectativas, el director J. J. Abrams monta esta Star Wars: El despertar de la Fuerza", primera entrega de la tercera trilogía. 

Nos vuelve a acompañar, como no podía ser de otra manera, la música de John Williams enmarcando todo el espectáculo galáctico.

Ni que decir tiene que es todo un reencuentro  con la esencia de la vieja saga, con lo de original y que en la misma lo que importa es el espectáculo de luz , sonido,  música y efectos especiales que  fueron premiados con múltiples premios en los Oscar y otras sitio que valoraron su  música, su montaje, los impresionantes efectos visuales y  el montaje de sonido y muchas cosas más que todavía debo escribir en la entrada correspondiente.


viernes, 14 de junio de 2019

Rifles de Bengala


Hay un tipo de cine que de pequeño me encantaba y que no me importa volver a ver o simplemente ver. Era el cine de aventuras que se desarrollaba en el contexto del imperialismo. Películas como Beau Geste, Tres lanceros bengalíes , Las cuatro plumas, o La jungla en armas de Hathaway son buenos ejemplos de ello. Muchas de estas películas se desarrollan entre los años 30 y 50, languideciendo al final de la época con la llegada del proceso de descolonización. 

Rifles de bengala o Bengal Brigade es un buen ejemplo de ello. Es una película del año 1954 realizada en por la Universal Pictures para gloria de Rock Hudson en vivos colores. 

La película fue dirigida por el húngaro Laslo Benedek , uno de los todoterrenos europeos que llegaron de Europa para escapar de la barbarie que sufrió en continente en la década de los 30 y 40. Trabajó como guionista y editor en el cine húngaro hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial siendo auxiliado por Louis B. Mayer a escapar dada su condición de judío, llevándolo a Hollywood, donde dirigió su primera película para la MGM, como director sustituto, en 1944. 

Poco tiempo después László Benedek dio muestra de su talento en la dirección de la adaptación de la obra de Arthur Miller, La muerte de un viajante, por la que ganó el Globo de Oro al mejor director y una nominación al premio al mejor director del Sindicato de directores de Estados Unidos de 1951. 

Sin embargo, Benedek es más recordado por su siguiente trabajo, la película de 1953 Salvaje una película que nos presentaba en pleno esplendor a un moterista pendenciero que encarna Marlon Brandon . La cinta causó gran controversia y fue prohibida en el Reino Unido hasta 1968. 

Al año siguiente cambiaba de género y apostaba por esta película que se inspiraba en la novela de Hall Hunter y titulada Bengal Tiger. Tras esta , que ahora detallaré, László Benedek retorna a Europa dada su procedencia y su facultad para manejar lenguas ( hablaba varios idiomas) para dirigir en alemán Kinder, Mütter und ein General (1955) o en francés Recours en grâce (1960). En los sesenta y con el auge de esa caja tonta tan entretenida que es la televisión Benedek , sin dejar de trabajar en Hollywood, se convierte en un director importante de series de televisión, entre las que destacan Perry Mason en 1957 o episodios de Rumbo a lo desconocido, Mannix, Viaje al fondo del mar, Los intocables y La hora de Alfred Hitchcock. Benedek murió en 1992 en el Bronx, Nueva York. 

Pero volviendo al año 1954 y a los Rifles de Bengala contará Benedek con el apoyo en la dirección artística de Alexander Golitzen y Eric Orbom y la producción de Ted Richmond para un típico producto de la Universal Pictures. En este caso los guionistas que adaptaron el libro son Richard Alan Simmons y Seton I. Miller.

 Otros técnicos vinculados con el proyecto son Hans J. Salter en la música , Leslie I. Carey y Corson Jowett en el sonido , el maquillaje de Joan St. Oegger y Bud Westmor, la escenografía de John P. Austin y Russell A. Gausman y el vestuario vistoso de Jay A. Morley Jr. Para la primorosa fotografía a color contó con Maury Gertsman y en el montaje con Frank Gross. 

El reparto lo encabeza Rock Hudson como el capitán Jeffrey Claybourne y , junto a él, aparecen Arlene Dahl como Vivian Morrow, la bella Ursula Thiess como Latah, Torin Thatcher como el Coronel Morrow y Arnold Moss como Rajah Karam. Aparecen igualmente Dan O'Herlihy como capitán Ronald Blaine , Harold Gordon como Hari Lal, Michael Ansara como el fiel Sargento Major Furan Singh. Junto a ellos Leonard Strong como Mahindra, Shepard Menken como Bulbir, Sujata Rubener y Asoka Rubener como la pareja que hacen la danza india . 

La película se desarrolla en el centenario de la presencia británica en la India. Estamos  el año 1856, y vemos que en algunos puntos de la India hay levantamientos contra la presencia británica. Entre ellos hay una acción de resistencia ante la presencia inglesa en un desfiladero, en Malakai.

Descubrimos que a ellos le hacen frente las tropas británicas que al mando del Coronel Morrow (Torin Thatcher ) y auxiliado por los capitanes Jeffrey Claybourne (Rock Hudson) y capitán Ronald Blaine (Dan O'Herlihy) y auxiliado por las tropas auxiliares bengalíes hacen frente a la rebelión. 

Tras preparar el asalto a una desfiladero , acción que dirigirá el capitán Claybourne con la ayuda de su Sargento Mayor del militar local , el eficaz y fiel Sargento Major Furan Singh (Michael Ansara) , en el último momento las órdenes cambian al morir en un bombardeo el auxiliar del Coronal Morrow, siendo designado Claybourne como nuevo auxiliar. 

La acción , aunque sin la presencia personal de Claybourne, se lleva a cabo. Sin embargo, se producen dos hechos inesperados: el capitán Blaine en un ataque de pánico no sale a auxiliar y por otra las tropas de Claybourne dirigida por el Sargento Mayor caen en una emboscada. Al ver que los suyos han sido emboscados el capitán incumple las órdenes y va en ayuda de sus hombres. 

Tras esta acción el Capitán Claybourne es llevado ante un tribunal militar acusado de incumplimiento. Durante el juicio sale a la luz que Clayborne además abofeteó a Blaine lo que implica una exclusión parcial del ejército, algo que no asume el capitán como digno al haber ido en contra de las órdenes de su coronel. 

A pesar de que el Consejo de Guerra le impone solo una leve condena, pero el honor de Jeff le obliga a renunciar a su carrera militar. Al juicio , además ha asistido Vivian Morrow (Arlene Dahl ) , la hija del coronal y novia del Capitán que casi agradece la salida del Ejército de su novio. Pero éste no lo ve así ya que se siente indigno de su prometida Vivian , la hija de su oficial superior, ya que supone abandonar el ejército con el fin de limpiar su nombre. Tras hablar con ella rompe su relación. 

Desde ese momento Jeffrey queda en el país desconsolado y desorientado , siendo ayudado por una joven local, Latah ( Ursula Thiess) cuando , tras salir a cazar un tigre se entera de un levantamiento generalizado contra los británicos que pasará a la historia como la revuelta de los cipayos. 1857-1859.  
En esa revuelta juega un papel esencial el Rajah Karam (Arnold Moss) que lanza una campaña de desprestigio en relación con un nuevo fusil de avancarga, el Enfield Modelo 1853. 

El cartucho de papel que utilizaba este fusil estaba cubierto por una membrana engrasada que debía rasgarse con los dientes para poder cargarlo en el fusil. Circulaba el rumor que esa grasa provenía de vacas o de cerdos, algo ofensivo tanto para los soldados hindúes como para los musulmanes, dado que consideraban el consumo de cualquier producto derivado de la vaca o el cerdo como algo prohibido por sus principios religiosos. Los británicos alegaron que la grasa no era de animales y trataron que los indios prepararan su propia grasa con cera de abeja o aceites vegetales. No obstante el rumor persistió. 

Ante esta sensación de malestar el mismo Rajah prepara un ejército y pretende que este sea dirigido por Jeffrey Claybourne ya que había dado muestras de amistad y cercanía con sus tropas cipayas, a pesar de ser un aténtico casaca rojo. 

La expansión del bulo que se extiende como la pólvora de que el nuevo armamento se cargará con las balas que guardadas en un cartucho de papel previamente han sido bañada con grasa de cerdo o vaca , algo que van en contra de la religiosidad hindú y musulmana que integra el grueso de los cipayos o soldados indígenas encuadrados dentro del ejército británico de la India.

Claybourne aprovecha la ocasión para rehabilitarse. Informando al que fuera su coronel de las intenciones del Rajah , para ello cuenta con el apoyo de Latah que en un momento le da cobertura para huir. 

Tras informar al coronal y al capitán Blaine del inminente levantamiento los británicos huyen pero , finalmente caen presos. El último en ser apresado es el excapitán Claybourne ( Rock Hudson ). 

Cuando es llevado ante el Rajah este ordena su fusilamiento. Para realizar el mismo se postula el Sargento Mayor Furan Singh que antes de que ejecuten la orden les recuerda lo que Claybourne hizo por ellos y estos se niegan a disparar, iniciándose un enfrentamientos entre cipayos leales a los británicos y los sepoys renegados que finalmente son derrotados.

Tras la lucha vemos que ha caído el capitán Blaine y que Claybourne es rehabilitado. Finalmente el militar británico ante las palabras de su Sargento Mayor de que su aspiración es que un día la India sea libre, le dice que ese día llegará como finalmente llegó, aunque eso es otra historia. 

La película fue rodada en los Universal Studios en el 100 Universal City Plaza, de Universal City, así como en el mítico Iverson Ranch en Chatsworth, en las cercanías de Los Angeles. 

La película se presentó en sociedad en octubre de 1954 , primero en Los Ángeles y a partir de noviembre de 1954 en Nueva York. 

En cuanto a las críticas decir que Miguel Ángel Palomo en El País considera que es "Un sencillo y entretenido filme aventurero (...) está lejos de ser una obra maestra, pero transmite de sobra encanto y vitalidad." 

Mientras en Play ABC dicen de ella que son " Aventuras exóticas tan predecibles como agradables, protagonizadas por una pareja de especialistas en estas lides, como el gallardo Rock Hudson y la gentil Arlene Dahl. Una película de las que ya no se hacen." 

Yo debo destacar de ella además de su narración fácil , su vistosa fotografía , la magnífica planta de esa estrella que iluminaba el firmamento de los actores de Hollywood como era Rock Hudson , la fantástica recreación Hollywolliense en los Estudios Universal tan propia de aquellos años, la dinámica banda sonora con bailes exóticos como los de Sujata Rubener y Asoka Rubener y las buenas interpretaciones de todo el elenco especialmente en su papel de ladino de Arnold Moss y la belleza de las dos actrices principales tanto Arlene Dahl como Ursula Thiess. 

Decir un par de cosas. La primera, que la revuelta fue sofocada pero, como tuvo sus consecuencias. Por lo pronto la Compañía de las Indias Orientales fue disuelta , y obligó a los británicos a reorganizar su ejército, el sistema financiero y la administración de India. El territorio pasó a ser administrado directamente por la Corona Británica, es decir, por la reina Victoria I con el nombre de Raj británico. 

En segundo lugar, recomendar no sólo la película, sino a además, un interesante libro escrito por Daniel R. Headrick titulado Los instrumentos del Imperio: Tecnología e imperialismo europeo en el siglo XIX. En concreto , la segunda parte del mismo habla del papel de las armas en el dominio europeo de África y Asia , aportando un marco teórico magnifico para entender la película.


jueves, 13 de junio de 2019

La miserable vida de Jean Valjean


La cantidad de veces que he escuchado a muchos madrileños hablar de que han ido a ver el Musical de  Los miserables (Les Misérables) . Un musical basado en la novela homónima de Victor Hugo, con música de Claude-Michel Schönberg, letras originales en francés de Alain Boublil y Jean-Marc Natel, y adaptación al inglés de Herbert Kretzmer. El mismo se estrenó en 1980 en septiembre de ese año en el Palais des Sports de París, donde se representó durante tres meses hasta la finalización del contrato de reserva del recinto. 

En 1983, seis meses después del estreno del musical Cats en Broadway, el productor Cameron Mackintosh recibió de parte del director húngaro Peter Farago un ejemplar del disco del musical en francés. Farago quedó impresionado por la obra y le pidió a Mackintosh que produjese una versión en inglés del espectáculo. En un principio reticente, Mackintosh finalmente aceptó y junto con la Royal Shakespeare Company reunió un equipo creativo para adaptar el musical al público británico. Tras dos años de trabajo, la versión en lengua inglesa de Los miserables se estrenó el 8 de octubre de 1985 en el Barbican Centre de Londres, por aquel entonces la sede de la Royal Shakespeare Company. 

El enorme éxito del musical en el West End propició su llegada a Broadway. En el momento de su estreno en Londres, Los miserables recibió críticas negativas. Sin embargo, la respuesta del público fue diferente. Las entradas disponibles para los tres meses inicialmente previstos se vendieron en tiempo récord y las críticas comenzaron a mejorar. 

Desde entonces, Los miserables no ha dejado de representarse en Londres, con más de 13.000 funciones a sus espaldas, y en la actualidad es el segundo espectáculo de mayor permanencia en cartel tanto en el mundo (por detrás de The Fantasticks) como en el West End (por detrás de La ratonera),la obra inspirada en la novela policial escrita por Agatha Christie y el primer musical en el West End (seguido de El fantasma de la ópera). 

En Nueva York debutó el 12 de marzo de 1987 y se representó hasta el 18 de mayo de 2003, realizando 6.680 funciones. Actualmente es el quinto espectáculo de mayor permanencia en cartel en la historia de Broadway (por detrás de El fantasma de la ópera, Chicago, El rey león y Cats)​ y en su momento fue el segundo. El musical recibió doce nominaciones en los premios Tony de 1987, alzándose finalmente con ocho galardones (entre ellos, mejor musical y mejor música original). 

A los montajes originales de Londres y Broadway le siguieron numerosas giras y producciones internacionales. En total ha sido visto por más de 70 millones de personas en todo el mundo .

En eso llegó a Madrid a partir del año 2010 en el Teatro Lope de Vega . Producido por Stage Entertainment y con un presupuesto de 4,5 millones de euros, el montaje contó con dirección de Laurence Connor y James Powell, diseño de escenografía de Matt Kinley inspirado en las pinturas de Victor Hugo, diseño de vestuario de Andreane Neofitou y Christine Rowlands, diseño de iluminación de Paule Constable, diseño de sonido de Mick Potter, coreografía de Michael Ashcroft y supervisión musical de Stephen Brooker. Christopher Key fue el director asociado, mientras que Víctor Conde se hizo cargo de la dirección residente y Alfonso Casado se puso al frente de la orquesta como director musical. 

Las letras fueron adaptadas al castellano por Albert Mas-Griera.A pesar de la excelente acogida de crítica y público, el musical se despidió del Teatro Lope de Vega de Madrid el 24 de julio de 2011 para dejar paso a El rey león, también de Stage Entertainment. De Madrid pasó a Barcelona. 

Yo que soy provinciano, apuesto por lo que puedo y por lo que me queda que es el cine y verlo en casita. Así que hoy he visto esta producción del años 2012 dirigida por Tom Hooper, que recibió el aplauso de la crítica. Se trata de un musical en el sentido más estricto del término producida en 2012 por por Working Title Films y distribuida por Universal Pictures. 

La película está basada en el musical homónimo de Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg, que a su vez se inspira en Los miserables, novela de 1862 escrita por el francés Victor Hugo. La película fue dirigida por el oscarizado Tom Hooper, director londinense nacido en 1972 que se dio a conocer cuando realizó en 2010 El discurso del rey - por la que recibió el premio al mejor director- , aunque con cierto recorrido en las series como EastEnders, Elizabeth I o John Adams o con películas como esta , La chica danesa ( 2014) o la reciente Cats ( 2019). 

En este caso la película sigue el guión escrito por William Nicholson, Alain Boublil,Claude-Michel Schönberg y Herbert Kretzmer y, por supuesto, de Victor Hugo. 

En lo técnico se le suman el trabajo en fotografía de Danny Cohen y sobre todo la partitura de Claude-Michel Schönberg. 

La película cuenta con un reparto coral encabezado por Hugh Jackman como Jean Valjean, Russell Crowe como Javert , Anne Hathaway como Fantine, Sacha Baron Cohen como Monsieur Thénardier, Helena Bonham Carter como Madame Thénardier, Amanda Seyfried como Cosette Adulta siendo de pequeña Isabelle Allen y Eddie Redmayne como Marius Pontmercy. Igualmente aparecen Samantha Barks como Éponine , aunque de pequeña es Natalya Wallace, Aaron Tveit como Enjolras, George Blagden como Grantaire, Daniel Huttlestone el pequeño Gavroche, Colm Wilkinson como el Obispo de Digne.

Cuenta la historia de Jean Valjean, ex convicto que se convierte en el alcalde de una aldea en Francia. Tras ser descubierto por Javert y ayudando a una pobre y joven trabajadora, Fantine, Valjean acepta tomar el cuidado de Cosette, la hija ilegítima de la agonizante Fantine. Pero, como un fugitivo, debe a la vez evitar ser capturado por el inspector de policía Javert. La historia cubre 17 años y se establece en un contexto de inestabilidad política de la Francia del momento, con la película culminando en la Rebelión de junio de 1930. 

La historia comienza en 1815, cuando el convicto Jean Valjean (Hugh Jackman) que trabaja como condenado en unos astilleros franceses es puesto en libertad condicional por el guardia de la prisión, Javert (Russell Crowe) , tras cumplir una condena de diecinueve años por robar una hogaza de pan para poder alimentar a su sobrino y tras eso, por distintos intentos de fuga. 

Valjean, un hombre de una fuerza descomunal, es expulsado de todos los pueblos por esta bajo libertad condicional y ser visto como un indeseable. Un día, no obstante, el obispo de Digne (Colm Wilkinson) se apiada de él y le ofrece comida y refugio, pero esa misma noche Valjean roba su plata durante la noche. Sin embargo, es capturado por las autoridades cuando escapa. 

Pero la sorpresa salta cuando es llevado por los policías ante el obispo y les dice que la plata se la había dado como un regalo, asegurando la liberación de Valjean. 

Después de eso, el obispo le dice a Valjean que debe seguir el camino del bien. Al resultarle dolorosa la amabilidad del obispo, Valjean rompe su libertad condicional y promete iniciar una nueva vida bajo una nueva identidad. 

Ocho años más tarde, en 1823, Valjean se ha convertido en propietario de una fábrica y alcalde de Montreuil-sur-Ver. En esa fábrica trabaja Fantine (Anne Hathaway), una de sus trabajadoras, que es despedida por el capataz por culpa de una de sus compañeras que descubrió que Fantine le enviaba dinero a su hija ilegítima, Cosette (Isabelle Allen), que vive con una familia en una venta , los Thénardiers (Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen) y la hija de estos, Éponine (Natalya Wallace). 

En un intento desesperado por mantener a su hija ante su pobreza, Fantine vende su pelo y los dientes, llegando , ante la imposibilidad de subsistir, a ser una prostituta. Cuando la chica es arrestada por Javert después de atacar a un cliente abusivo, es salvada por Valjean, que la lleva al hospital. 

Más tarde, Valjean se entera de que un hombre está arrestado debido a que lo confunden con él. Él no puede aceptar que un hombre inocente sea condenado en su lugar, así que Valjean se persona en el juicio y revela su identidad a la corte antes de regresar al hospital, donde le promete a Fantine que después que muera, él cuidará de su hija. 

Mientras tanto, Javert , que ya tenía dudas sobre la identidad del alcalde, llega a tener a Valjean en custodia, pero después de un breve enfrentamiento, Valjean salta a un río para escapar. Él intenta cumplir sus promesa y paga a los Thénardiers para que le permitan llevarse a Cosette, y promete ser como un padre para ella. 

Tras esto y ante la insistencia de Javert que , finalmente da con la venta de los Thénadiers, los sigue. Pero Valjean y Cosette huyen a París y Javert, ve como se les escapan por poco. Pero se compromete a llevar preso a Valjean. 

Nueve años más tarde, en 1832, cada vez hay más pobres en París. Jean Maximilien Lamarque, el único funcionario del gobierno que cuenta con la simpatía hacia los pobres, está próximo a morir, por lo que un grupo de estudiantes revolucionarios adolescentes, conocido como los Amigos de la ABC, planifican una rebelión contra la monarquía francesa. 

Los estudiantes que se integran en esta logia conspiratoria son un chico de la alta sociedad que ha roto con su rico abuelo y de nombre Marius Pontmercy (Eddie Redmayne), Enjolras (Aaron Tveit), un niño llamado Gavroche (Daniel Huttlestone), Courfeyrac (Fee Fra) y Joly (Hugh Skinner) aisten a reuniones y están próximos a rebelarse contra las autoridades. 

Un día Marius descubre a Cosette (Amanda Seyfried), ahora una mujer joven siempre acompañada de su padre, e inmediatamente se enamora de ella. 

Mientras tanto, a pesar de las preguntas de Cosette, Valjean se niega a hablar de su pasado o de su madre. En una tienda de vinos, Enjolras organiza la revuelta coordinando para un levantamiento revolucionario a un grupo de estudiantes idealistas cuando la muerte de Lamarque , que está próxima a producirse, se anuncie. 

Mientras, una joven del lumpen, Éponine (Samantha Barks), que ha conocido a Marius, y que resulta hija de los ahora más pobres que ratas Thénadier, lleva al chico hasta Cosette, donde los dos profesan su amor. Lamentando que su amor secreto por Marius nunca será correspondido, Éponine decide unirse a la revolución. 

Cuando una banda del malhechores liderada por los Thénardier intenta capturar a Valjean, al que reconocen del pago que hizo por Cossette, para pedir rescate a Javert, Eponine grita para advertirle a Valjean y Cosette. Ante esto , Valjean decide huir, sin darse cuenta de la atracción que siente Cosette por Marius. 

Al darse a conocer la muerte de Lamarque, Enjolras intenta incitar a los parisinos a la revuelta, y Marius envía una carta de despedida a Cosette. 

Al día siguiente, los estudiantes interrumpen el cortejo fúnebre de Lamarque y comienzan su revuelta. Javert se ha camuflado entre los revolucionarios y se hace pasar por un rebelde con el fin de espiarlos, pero el pequeño Gavroche lo reconoce y , finalmente, es capturado. 

Durante el inmediato tiroteo que sigue las balas están a punto de herir a Marius sin embargo la que es mortalmente herida es Éponine, ahora a costa de su propia vida, pues se ha puesto en medio. Antes de morir, confiesa su amor a Marius y luego muere en sus brazos. 

Mientras todo esto Valjean, intercepta la carta de Marius a Cosette y decide marchar a la barricada para proteger a Marius. Le pide a Enjolras que le permita ser él quien ejecute a Javert. 

Sin embargo, cuando los dos están solos, Valjean libera Javert, diciéndole que huya mientras dispara la pistola hacia una pared para convencer a los estudiantes que lo mató. Las noticias para los revolucionarios no pueden ser peores. Se enteran que es la única barricada que resiste y que los parisinos que no se unieron a la revolución como los estudiantes que se esperaba, están decididos a luchar hasta la muerte. 

El envite de las fuerzas realistas tienen lugar, y la inmensa mayoría de los revolucionarios mueren, pero Marius se salva gracias a Valjean, que arrastra su cuerpo inconsciente por las alcantarillas. 

Curiosamente en las alcantarillas coinciden Valjean portando a Marius con los Thénardier, limpiando los cadáveres. Pensando que Marius es un cadáver le roban el anillo. No obstante también llega Valjean que intimida al miserable ladrón y Valjean y Marius logran escapar de las alcantarillas llevando a un Marius inconsciente, pero a la salida se encuentra con Javert con el que se enfrenta. 

Valjean le pide una hora para llevar a Marius a un médico; Javert se niega y amenaza con matarlo si no se rinde. Valjean no le hace caso y se va con Marius. Incapaz de conciliar el conflicto entre sus deberes cívicos y morales, dos cosas que siempre consideró lo mismo, Javert se suicida saltando al poderoso y caudaloso Sena. 

Más tarde, Marius llora por la muerte de sus amigos, pero Cosette lo consuela. Valjean le revela su pasado a Marius y le dice al joven que debe irse porque su presencia pone en peligro a Cosette. Marius se sorprende, y en un primer intento de persuadirlo para quedarse no funciona, pero de mala gana acepta la decisión de Valjean de irse, y promete que no va a decirle a Cosette la verdad. 

Marius y Cosette se casan, pero los Thénardiers hacen acto de presencia para robar y llegan a la boda y cuando son descubiertos por Marius , testifican que vieron a Valjean llevando un cadáver asesinado por él mismo por las alcantarillas. Thénardier muestra involuntariamente a Marius el anillo que le robó al supuesto cadáver como "prueba" Y Marius reconociendo el anillo, se da cuenta de que era Valjean quien le salvó la vida. 

Ellos saben la ubicación de Valjean por Thénardier. Se trata del obispado de Digne. Allí van Marius y Cosette y encuentran a un Valjean abatido, que siente que se va a morir en un convento local, y que percibe el espíritu de Fantine para llevarlo al Cielo. 

Cosette y Marius se apresuran a decirle adiós. Valjean hace su confesión a Cosette de su vida pasada y Valjean fallece, uniéndose en el paraíso con el Obispo, Fantine, Enjolras, Eponine, Gavroche, Courfeyrac, Joly y los otros rebeldes asesinados en la barricada mientras cantan como han hecho a lo largo de toda la película. 

El desarrollo basado en el musical comenzó a finales de los años 1980. En 1988 Alan Parker fue considerado como director de una posible película musical basada en la obra teatral de Los Miserables. Sin embargo, en 1991 se confirmó que Bruce Beresford sería definitivamente el director de la cinta. 

En 1992, Cameron Mackintosh confirmó que la película sería co-producida por Tri-Star Pictures. Sin embargo, el proyecto fue abandonado dejándolo apenas en preparación. 

A principios de 2005, Mackintosh confirmó que estaba interesado en adaptar el musical en una película. Mackintosh dijo que quería que la película fuera dirigida por "alguien que tuviera una visión del show como fue en realidad, reuniendo al equipo original (incluyendo a Mackintosh) de vuelta al trabajo." También dijo que quería que las audiencias de la película fueran tan frescas como las del musical mismo. El lanzamiento en DVD Y Blu-ray de Les Misérables: 25th Anniversary Concert confirmó el anuncio de la película del musical. 

Tras la salida conmemorativa del 25º aniversario en octubre de 2010, el productor Cameron Mackintosh anunció que la película estaba en proceso. Para la director se pensó en Tom Hooper y en el guión en William Nicholson fueron contactados en marzo de 2011 siendo el productor Cameron Mackintosh. 

Los personajes principales fueron elegidos a lo largo de 2011. En junio del mismo año, Hugh Jackman comenzó las negociaciones para interpretar a Jean Valjean, y Paul Bettany como Javert. Otras estrellas que se unieron al proyecto fueron Anne Hathaway y Helena Bonham Carter. El primero en ser confirmado fue en septiembre de 2011, Jackman para hacer el papel de Valjean y Russell Crowe para el de Javert. 

Al mes siguiente, octubre de 2011, Cameron Mackintosh confirmó que Anne Hathaway encarnaría a Fantine. Días después, ya en noviembre de 2011, Eddie Redmayne se unió al reparto como Marius Pontmercy. 

A final de ese mes se informó de que la lista de actrices para el papel de Eponine incluía a Lea Michele, Taylor Swift, Scarlett Johansson y Evan Rachel Wood​ y el 2 de enero de 2012 se informó de que la que consiguió el papel fue Taylor Swift, superando a las otras actrices,​ para luego revelar que el papel en realidad sería para la actriz de Broadway Samantha Barks, que ya había interpretado a ese personaje en el teatro. 

En diciembre Sacha Baron Cohen se unió al reparto como Thénardier, el mismo día Aaron Tveit fue elegido como Enjolras, líder de los amigos del ABC. Un casting abierto para el papel de Cosette se llevó a cabo en la ciudad de Nueva York el 10 de diciembre de 2011. 

Para primeros de enero de 2012 se informó de que Amanda Seyfried se unía al reparto como Cosette, la hija pobre de Fantine (Anne Hathaway). A final de ese mes de enero la revista Variety confirmó que George Blagden había sido elegido para el papel de Grantaire, el Cínico de la amigos del ABC, dando por terminada la elección del elenco. 

No obstante, en la página web Broadwayworld.com se confirmó que Cosette niña le dará vida Isabelle Allen Cast, mientras que en Screenterrier.blogspot.mx se confirmó la aparición de Daniel Huttlestone como el travieso pequeño y descarado Gavroche. 

El rodaje comenzó en marzo de 2012, y tuvo lugar en varias locaciones, incluyendo Greenwich, Londres, Chatham, Winchester y Portsmouth en Hampshire, Inglaterra, al igual que en Gourdon, en Francia. 

La película se estrenó en Londres el 5 de diciembre de 2012, y fue lanzada el 25 de diciembre del mismo año en Estados Unidos, el 26 de diciembre en Australia, y el 11 de enero de 2013 en Reino Unido. Les Misérables recaudó e $567.420.160 mundialmente y recibió críticas generalmente favorables especialmente alabando al reparto, y sobre todo la actuación de Hugh Jackman y Anne Hathaway. 

De entre las mismas destaca la de Peter Travers en Rolling Stone que dijo que "Además de ser una fiesta para los ojos y los oídos, 'Les Misérables' rezuma humor, desamor, una emocionante acción y un encantador romance. (...) es perfectamente maravillosa. " Una puntualización lo del ¿humor? Alguien debería explicarlo. 

Según Todd McCarthy en The Hollywood Reporter señala que "Tal y como demuestra el longevo éxito de la obra, habrá mucha gente emocionalmente susceptible que está preparada para tragarse esta cosa, pero ello no significa que sea buena." 

Para Justin Chang en las páginas de Variety estamos "Como fiel adaptación de un musical tan querido, 'Les Miserables' dejará muy satisfecha a su legión de fans. (...) La miseria y la agitación de la Francia de principios del siglo XIX se transmiten con una viveza de la que Victor Hugo estaría orgulloso." 

Richard Corliss en Time nos dice que "Las almas sensibles en busca de emociones dolorosas tienen garantizados sus momentos Kleenex (...). Pero aparte de la escena de apertura, no saldréis contentos desde el punto de vista cinematográfico. Esta es una mala película" 

Y en el Chicago Tribune Michael Phillips escribe que "La cámara se zarandea y menea como borracha (...). Así tenemos un martilleo de primeros planos (...) Yo sólo quería que alguien clavara la maldita cámara al suelo. " 

Ya en España Mariló García en Cinemanía destaca a un "Soberbio Hugh Jackman (...) es una gran película que podía haber sido excepcional, como el Musical. (...)" 

En Fotogramas M. Torreiro nos dice que "Hooper tampoco demuestra que sepa qué hacer con una cámara para rodar un musical. Sus criminales primeros planos (...) y una lamentable puesta en escena de grand guignol convierten al film en punto menos que deplorable" . Igualmente en esta revista Fausto Fernández comenta que "Hooper (...) plantea un melodrama cantado, no un musical. (...) Es lo más semejante a una película muda enganchada a los primeros planos de sus sufrientes protagonistas, extrayéndoles las emociones como un vampiro. (...) " 

Jordi Costa en El País dice de la película que es una "Sobrecarga emocional, barroquismo en las formas y un avasallador sentido del star-system. Es difícil que el público ganado de antemano se sienta decepcionado (...) No obstante, la caligrafía visual del director plantea más de un problema (eso sí, estimulante)" 

En la Razón Sergi Sánchez comenta que "Realza el limitado registro vocal de algunos actores (en especial, Russell Crowe) y las carencias del director (...) Hooper convence más en los momentos íntimos, en los que la proximidad del gesto se carga de sentido, en especial por Anne Hathaway" 

Según Oti Rodríguez Marchante en ABC dice que presenta "Una puesta en escena gloriosa, cuya perplejidad ya se plasma desde su secuencia inicial (...) y unas interpretaciones magníficas (...) Tan difícil como hacer esta gran película resulta, pues, criticarla. (...) " 

Luis Martínez en El Mundo que se trata de "Una película tan ampulosa, hueca y, finalmente, descabellada que, en efecto, asusta. (...) 'Los miserables', ese novelón decimonónico (...) se transforma de repente en lo más parecido a la cabalgata del orgullo gay que ha dado el simple desenfreno. (...) muy mala" 

Lluís Bonet Mojica en La Vanguardia comenta que "Hooper y un espléndido grupo de intérpretes obran el prodigio de que 'Los miserables' pase como un soplo ante los ojos de un espectador que se emociona casi constantemente, haciendo suyos personajes y situaciones. (...) " 

En Argentina Fernando López en La Nación nos dice que "El film extraña (necesita) esa vida palpitante, esa pasión que Hathaway (justamente distinguida en los Globo de Oro) le entrega para convertirlo en una película genuina." 

Pablo O. Scholz en Clarín afirma que "Todo el elenco es un lujo en un filme con sus rubros artísticos -diseño de producción, iluminación, vestuario, maquillaje- en un altísimo nivel, que deja las emociones a flor de piel." 

En Página 12 Diego Brodersen asevera que "Tom Hooper (...) tomó una decisión osada, temeraria casi, que pudo haber dado como resultado una extravagancia genial o bien, como es el caso, un híbrido bombástico y, por momentos, un poco ridículo." 

En México Lucero Solórzano en Excélsior comenta que "'Los miserables' es una espectacular aventura cinematográfica que al público que gusta de los musicales le va a encantar." Y Mary Carmen Albarrán en Cine Premiere considera que "'Los miserables' utiliza planos cerrados, movimientos de cámara envolventes y un diseño de producción detallado a escala masiva para desmarcarse de su contraparte teatral. (...) " 

En cuanto a los Premios recibidos destacan los 3 Oscar en concreto a la mejor actriz de reparto (Hathaway), maquillaje y peluquería (Lisa Westcott y Julie Dartnell ) y Mejor sonido (Andy Nelson, Mark Paterson y Simon Hayes ) de sus 8 nomimaciones que incluían a la Mejor película (Tim Bevan, Eric Fellner , Debra Hayward y Cameron Mackintosh), Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor canción original Suddenly escrita por Claude-Michel Schönberg, Herbert Kretzmer y Alain Boublil , el Mejor diseño de vestuario para Paco Delgado , así como el Mejor diseño de producción (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson) que fueron nominados. 

En los Globos de Oro ganó otros tres premios Mejor película musical, actor (Jackman), actriz secundaria (Hathaway) , aunque fue nominada a la Mejor canción original por Suddenly. 

Obtuvo cuatro Premios BAFTA, de un total de nueve nominaciones incluyendo el de Mejor actriz secundaria o de reparto (Hathaway), maquillaje y peluquería y el de Mejor sonido para Simon Hayes, Andy Nelson, Mark Paterson, Jonathan Allen, Lee Walpole y John Warhurst. Fue nominada a la Mejor película , a la Mejor película británica , Mejor actor principal (Hugh Jackman), Mejor fotografía (Danny Cohen), Mejor diseño de vestuario (Paco Delgado) , Mejor diseño de producción (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson ). 

El Círculo de Críticos de Nueva York nominó como Mejor actriz secundaria a Hathaway y el Festival de Cine de Hollywood premió al Mejor trailer ( Erin Wyatt) , productor del año (Tim Bevan, Eric Fellner, Debra Hayward y Cameron Mackintosh) y Premio del reflector a la actriz Samantha Barks como promesa. 

En los Critics Choice Awards, también conocidos como Broadcast Film Critics Association Awards consiguió el Premio a la Mejor actriz secundaria (Hathaway) de un total de 11 nominaciones entre las que se incluyen Mejor película , Mejor director (Tom Hooper), Mejor reparto , Mejor actor ( Hugh Jackman), Mejor canción (Suddenly), Mejor cinematografía (Danny Cohen), Mejor dirección de arte (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson), Mejor edición (Chris Dickens), Mejor diseño de vestuario (Paco Delgado) y Mejor maquillaje (Lisa Westcott). 

En los Satellite Awards consiguió tres premios, incluyendo el de actriz de reparto (Hathaway) aunque Samantha Barks quedo igualmente nominada, mejor elenco , Mejor canción original (Suddenly) y mejor sonido (John Warhurst, Lee Walpole y Simon Hayes ) , pero nominaciones a Mejor película, Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor actor de reparto (Eddie Redmayne), Mejor dirección de arte y diseño de producción (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson), Mejor diseño de vestuario (Paco Delgado), Mejor edición (Chris Dickens). 

La National Board of Review (NBR) que lo incluyó entre los 10 mejores films y Mejor reparto y por la American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año.

La Asociación de Críticos de Los Angeles fue nominada a Mejor actriz sec. (Hathaway) y la Asociación de Críticos de Chicago dio tres nominaciones incluyendo mejor actriz secundaria (Hathaway), Mejor dirección de arte y Actriz más prometedora ( Samantha Barks). 

En los Houston Film Critics Society nominó y premió en varios apartados como Mejor película, Mejor director (Tom Hooper), Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor fotografía ( Danny Cohen) ganando el de Mejor actriz de reparto (Anne Hathaway) y Mejor canción original (Suddenly). 

La Washington D.C. Area Film Critics Association concedió el premio al mejor elenco, a Anne Hathaway, mientras que las nominaciones fueron a Mejor película , Mejor actor (Hugh Jackman), Mejor actriz de reparto (Samantha Barks), Mejor director (Tom Hooper), Mejor dirección de arte (Eve Stewart y Anna Lynch-Robinson) y Mejor fotografía (Danny Cohen.

En los London Film Critics Circle a la mejor Película británica del año , Actor del año (Hugh Jackman) , Actriz británica joven del año (Samantha Barks) y ganado la de Actriz de reparto del año ( Anne Hathaway).

En lo referente a los grandes sindicatos , el de Directores (DGA) nominó a Tom Hooper a Mejor director; el de Productores (PGA) a la Mejor película y el de Actores (SAG) consiguiendo a Mejor actriz secundaria (Hathaway) con un total de 4 nominaciones. 

En cuanto a la película he visto muchas luces y alguna sombra. Entre las luces el gran inicio, espectacular con los dos protagonistas masculinos Jean Valjean y Javert en el astillero, lo dicho espectacular. Entre los peros no está la música, pero sí por mi parte el desconocimiento de la misma puesto que no he visto previamente el musical. Reconocer que la adaptación de los actores a la simulación vocal es brillante destacando en el papel Hugh Jackman alejada de aquel papel de pirata cantarín de pésimo recuerdo en El país de nunca jamás. 

Por otro lado reconocer el carácter folletinesco de la historia de alto contenido melodramático - no entiendo eso del humor del que hablaba uno de los críticos- , todo ello enmarcado , eso sí, en unos espacios muy logrados por lo que se mueve un impresionante elenco en el que , efectivamente, destaca Anne Hathaway. También valorar y mucho los vestuarios , el maquillaje la fotografía que hace que el espectáculo sea vistoso.


miércoles, 12 de junio de 2019

Robin y Marian


Juegos de amor a una edad tardía, manzanas maduras, miradas al pasado recordando una historia de amor y amistad. Y hacerlo de manera sutil, elegante, con dosis de comedia que tiene un punto de amargura , pero sobre todo de melancolía es de agradecer, y mucho. La escena final que nos guarda esta joya del cine que se mueve entre la aventura, la comedia, la épica y , al final, la tragedia es todo un monumento al buen hacer del director nacido en Philadelphia (Pennsylvania, EE.UU.) en 1932 Richard Lester que optó por que una historia de amor acabara en una historia de muerte. 

El hecho de que Marian , una eterna Audrey Hepburn proporcione a su amado Robin , otro eterno Sean Connery- una buena muerte menos dolorosa que la sufrida por el rey Ricardo al inicio de la película y ambos esperen juntos y resignados su inminente destino , la intención de este Robin que peina canas en la barba, ya casi sin pelo, tense por última vez su arco y la idea de pedirle a su viejo e inseparable amigo Little John que entierre a ambos donde caiga la flecha nos hace mirar a todos como espectadores ese vuelo final y eterno de una flecha a la que nos quedamos mirando mientras suena la impresionante música de John Barry . Para acabar el director acaba con una imagen muda de unas manzanas ya maduras y apagadas y no verdes en un mismo plano que ya reconocimos al inicio de la película. Una auténtica obra de arte por esto y por todo lo demás. 

Lo cierto es que Robin y Marian o Robin and Marian es una película tan pequeña como gigante una de las más bellas del director estadounidense , pero asentado en Gran Bretaña, Richard Lester que se había hecho famoso en los sesenta al llevar al cine como director las dos primeras películas que protagonizaron los Beatles: ¡Qué noche la de aquel día! (1964) y Help! (1965). 

Ambas le hicieron enormemente popular en virtud de su experimental puesta en escena —excesivamente entroncada con la estética del spot publicitario. Aquel mismo 1965 fue el año en que hizo una adaptación cinematográfica de la obra teatral de Ann Jellicoe El Knack y cómo conseguirlo se alzó con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1965.

A esta siguió A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, aquí conocida como Golfus de Roma (1966),inspiradas en los textos escritos por el comediógrafo latino Plauto , alguna comedia más como Petulia (1968) que contaba ya con la música de John Barry , alguna película de catástrofes como una que ya pasó por aquí El enigma se llama Juggernaut, u otras de aventuras como Los tres mosqueteros y Los cuatro mosqueteros (1973 y 1974).

A estas siguieron Royal Flash (El cobarde heroico, 1975) o The Ritz (El Ritz, 1976). Y ese mismo año estrenó Robin y Marian. A estas siguieron otras como Cuba (1979), Buth and Sundance: The Early Days (Los primeros golpes de Butch Cassidy y Sundance Kid, 1979), Superman II (1980), Superman III (1983), quedando como últimas obras la comedia Finders Keepers (1984), El regreso de los mosqueteros (1989), el documental Get Back (1991) y retirándose definitivamente de la dirección en 2008.

En este caso la película contó con la producción de Denis O'Dell y Richard Shepherd amparados por la Productora Rastar y la Columbia Pictures en la distribución contando con un presupuesto de $ 5,000,000.

La película parte de un magnífico guión escrito por el estadounidense James Goldman, hermano del novelista William Goldman, autor de guiones como The Lion in Winter ( 1968), Nicolás y Alexandra (1971) o Noches blancas (1985).

En el apartado técnico destaca la fotografía de David Watkin rodada en Panavision y Technicolor , la música John Barry, el montaje de John Victor-Smith y la escenografía de ese gigante que era Gil Parrondo.

El elenco lo encabezan Sean Connery como Robin Hood, Audrey Hepburn como Lady Marian, Robert Shaw como el sheriff de Nottingham, Richard Harris como Ricardo Corazón de León y Nicol Williamson como Little John.

Junto a ellos aparecen Denholm Elliott como Will Scarlett, Kenneth Haigh como Sir Ranulf de Pudsey, Ronnie Barker como el fraile Tuck, Ian Holm como Juan I de Inglaterra, Bill Maynard como el Mercader, Esmond Knight como el viejo tuerto del castillo, Veronica Quilligan como la hermana Mary, Peter Butterworth como el cirujano, John Barrett como Jack, Kenneth Cranham como el aprendiz de Jack, así como un grupo de actrices españolas encabezadas por Victoria Abril como Isabel de Angulema, y las monjas Montserrat Julio , Victoria Hernández Sanguino y Margarita Minguillon .

Desilusionados por los años que perdieron luchando como cruzados en Tierra Santa, Robin Hood y su amigo regresan a Inglaterra y se dan cuenta de que todo ha vuelto a ser como antes. ( Robin Hood (Sean Connery) vuelve de las Mientras tanto, Lady Marian (Audrey Hepburn) ha ingresado en un convento. El reencuentro es inevitable, pero nada es como antes.

Una manzanas verdes, junto a alguna algo madura, dan inicio a la historia que nos presenta a un envejecido Robin Hood que retorna a Gran Bretaña junto a su viejo amigo Little John  (Nicol Williamson ). Ambos han estado en las cruzadas  luchando junto a Ricardo Corazón de León (Richard Harris) , pero la guerra los ha devastado en lo físico y sobre todo en lo moral. Están cansado de la violencia, de la lucha sin sentido, de la barbarie y del fin de las ilusiones y los grandes y sublimes objetivos.

Robin y Little John se encuentran en ese momento en Francia . Ahora Robin Hood, capitán de confianza del Rey Ricardo Corazón de León en Francia ,  no quiere cumplir con lo que le ha ordenado el rey Ricardo: tomar un castillo en el que se rumorea que hay  oro.

Tras lanzar una enorme piedra con una caapulta, descubren que el castillo es defendido por un anciano solitario y tuerto (Esmond Knight) que alberga a mujeres y niños. El anciano le dice que lo único  que hay de valor  es una estatua que no tiene valor pues es de piedra. Ante esto y negándose a cometer una tropelía más,  Robin y Little John, se niegan a atacar.

El rey Ricardo o Richard enojado por su insubordinación, ordena la ejecución de la pareja y el castillo es atacado, pero antes del ataque el anciano lo hiere mortalmente con una flecha que le da en el cuello.

Richard masacra a los indefensos salvo al anciano, porque a Richard le gustan sus ojos. El rey se ofrece a dejar libre a Robin siempre que ruega por su vida. Cuando Robin , que ha intentado escapar por una ventana previamente, se niega, Richard saca su espada, pero al haber sido herido y desangrarse, le falta fuerza para golpearlo y cae al suelo. Robin ayuda al rey moribundo y, movido por su lealtad, Richard libera a Robin y Little John.

Robin y Little John regresan a Inglaterra y van a sus antiguos predios, al bosque Sherwood. Al llegar buscan espacios reconocibles en los robles del lugar . Escuchan un ruido procedente del bosque. Piensan que es un ciervo, sin embargo son dos cazadores furtivos que resultan ser sus viejos amigos Will Scarlet  (Denholm Elliott ) y el Fraile Tuck  (Ronnie Barker  ) que como pobres que son siguen viviendo al margen de la ley en el Sherwood Forest .

Tras abrazarse estos les cuentas las hazañas de Tierra Santa que han escuchado y que  se han vuelto legendarias. Robin y Little John las humanizan. Cuando Robin le pregunta casualmente por Lady Marian, le dicen que todavía está viva y dónde vive. Robin decide en ese momento ir a verla.

Cuando él va  a la granja  en la que ella se encuentra , ahora transformada en una pobre abadía, la  encuentra tan viva como siempre . Lady Marian (Audrey Hepburn) sigue siendo tan bella y tal altiva como antaño. Sorprendida de ver a su antiguo amigo hay un reencuentro , pero ella le echa en cara el silencio durante todos estos años y las dificultades pasadas. Ahora ella es la abadesa del lugar y sabe que nada ha cambiado. Se entera de que su antiguo enemigo, el Sheriff de Nottingham (Robert Shaw), le ha ordenado su arresto en respuesta a la orden del nuevo Rey , Juan sin Tierra (Ian Holm) de expulsar a las autoridades  de la Iglesia Católica Romana de Inglaterra.

Descubrimos que el sheriff de Nottingham sigue poniendo "orden" en el territorio y entrenando a sus hombres. Ahora el Sheriff  ordena el arresto de Marian,

Marian no quiere problemas, pero Robin la rescata contra su voluntad, golpeando a Sir Ranulf  (Kenneth Haigh ) , el enviado del Sheriff, en el proceso. Tras eso se entera que las compañeras de Lady Marian están presas en Nothingham, así que Robin y Little John tras robar un carro se dirigen al castillo.

Nada más llegar, aunque se hacen pasar por comerciantes son descubiertos por el mismo Sheriff que les prepara una trampa- Sin embargo, Robin y Little John logran rescatar a las monjas, que han sido encerradas en el castillo del Sheriff.

Tras una lucha a muerte con algunos de los guardas del castillo logran escapar "in extremis" saltando desde las murallas a un carro de heno.

Marian y las monjas van en un carro que se hunde en un arroyo , pero son auxiliados por Robin y los suyos, produciéndose un acercamiento físico y espiritual entre la ex pareja.

Ignorando las advertencias del Sheriff, Sir Ranulf ordena la persecución de Robin en el bosque, pero allí son emboscados por Robin, Little John, Scarlet y Tuck que acaban con varios de los que se persiguen muertos por sus flechas. No obstante, Sir Ranulf queda ileso solo porque Robin le ordena que sea liberado con un mensaje: que no entren los hombres del Sheriff en el bosque, espacio libre para aquellos que huyen.

Cuando la noticia del regreso de Robin se extiende,  algunos viejos camaradas y nuevos reclutas se reúnen una vez más junto a él.

Por su parte, Sir Ranulf le pide al rey John (Ian Holm) que están guerreando ¿en Francia? junto a su joven esposa Isabelle ( Victoria Abril) 200 soldados para tratar de detener a Robin.

Cuando Sir Ranulf llega a Nottingham su Sheriff le dice el dirige la tropa de 200 soldados para derrotar a Robin y los suyos.

Sin embargo, la estrategia del Sheriff de Nottingham es esperar en los campos limítrofes del Bosque, sabiendo que Robin no podrá resistir indefinidamente la tentación de atacar, a pesar de que el terreno abierto,  es desfavorable para sus  hombres no entrenados en guerra abierta y superados en número en comparación con los soldados entrenados del Rey.

Cuando Robin , tras algunas escaramuzas, lo hace y se encara con el enemigo ,  él propone que él y el Sheriff luchen en un combate individual , a pesar de las protestas de Sir Ranulf.

Aunque Robin parece ser el más fuerte al comienzo de la pelea, queda claro que el Sheriff es más que un rival para él. Finalmente, el Sheriff , aunque inicialmente es herido, va agotando al envejecido Robin al que también hiere y exige su rendición. Negándose, Robin, herido de muerte,  logra matar al Sheriff con sus últimas fuerzas.

Tras eso los 200 hombres dirigidos por Sir Ranulf  atacan y dispersan a los hombres de Robin, muchos de los cuales son capturados o asesinados. Will Scarlet y Friar Tuck son capturados pero Little John logra matar a Sir Ranulf. John y Marian llevan a Robin a su abadía , donde ella guarda su propia medicina.

Ella prepara una pócima, pero a la que agrega veneno, tomándola ella y entregando el vaso a Robin , quien cree que se recuperará para ganar futuras batallas.

Mientras Little  John hace guardia afuera mientras Marian atiende las heridas de Robin. Marian  tras beber se la entrega a Robin quien bebe y nota que el dolor se ha ido , pero  que sus piernas se han adormecido. Al darse cuenta de que ella los ha envenenado a ambos, él llama a voces a Little John. Sin embargo, llega a comprender que Marian ha actuado por amor porque nunca volvería a ser el mismo hombre. Ella le dice: "  te quiero. Más que todo lo que sabes. Te amo más que a los niños. Más que a los campos que he plantado con mis manos. Te quiero más que las oraciones de la mañana o la paz o la comida para comer. Te amo más que la luz del sol, más que la carne o la alegría, o un día más. Te amo mas que a Dios".

Robin y Marian intentan tocarse las manos mientras entra Little John que rompe  la puerta y llora junto a la cama de Robin. Robin le pide  a Little John  su arco y dispara una flecha desde su lecho de muerte a través de la ventana abierta, y le dice que los entierre a ambos donde aterriza.

La flecha se eleva fuera de la ventana en la distancia mientras las manzanas maduras , ya en descomposición están en el alféizar de la ventana mientras suena , como durante toda la película, la música de John Barry.

La película de Lester originalmente se titulada The Death of Robin Hood, pero fue modificado por Columbia Pictures para que tuviese un título más comercial.

Los productores originalmente querían que Albert Finney interpretara a Robin, y Sir Sean Connery que interpretara a Little John. La viuda de Denholm Elliott , que aquí interpreta a Will Scarlett detalló  que  durante la producción mientras que Sir Sean Connery y Audrey Hepburn eran perfectamente manejables, no fue así por la actitud de Robert Shaw, Nicol Williamson y Richard Harris que generaron tensiones durante el mismo, según su libro sobre su difunto esposo.

La película fue rodada entre mayo y julio de 1975 en distintos puntos de España como en Zamora, en concreto en el Castillo de Villalonso así como en las localidades de la actual Comunidad Foral de Navarra como en los recintos medievales de Artajona,  Quinto Real y Orgi así como en paisajes de la Sierra de Urbasa todos en Navarra.

La película supuso el regreso a la actuación cinematográfica de la actriz Audrey Hepburn ,desde Sola en la oscuridad (1967), tras ocho años de ausencia. Se dice que la rodó por la insistencia de sus hijos que al enterarse se enteraron de que Sir Sean Connery había sido elegido como Robin Hood, le rogaron a su madre que hicera el papel, para que ella pudiera actuar con "James Bond".

Richard Harris aceptó interpretar el papel de rey Ricardo Corazón de León como un favor a Sir Sean Connery , de quien se había hecho amigo mientras filmaba Odio en las entrañas (1970). Curiosamente Connery hizo un cameo como Rey Ricardo Corazón de León en Robin Hood: Príncipe de los ladrones (1991).

El actor Esmond Knight que aquí vemos sin ojo de cristal perdió su ojo en el servicio activo en el mar durante la batalla del estrecho de Dinamarca en 1941. Por su papel en las escenas iniciales, se quitó el ojo de cristal.

Estamos en una comedia que combina la amargura y el romanticismo. El mismo director Richard Lester declaró que " Robin y Marian es una cinta romántica, pero también desmitificadora"

A destacar sobremanera la banda sonora de John Barry, el que fuera el músico más popular de Inglaterra y que ya había colaborado con con Lester en The Knack ... and How to Get It Knack. Desde 1968 había debutado en Hollywood en la película de Lester , Petunia y llega a culminar su obra en 1976, iniciando tras eso su ligera crisis de la que se recuperó como demostró en 1985 en Out of Africa como señala Valls Gorina y Joan Padrol en su obra Música y Cine. Sorprendentemente el director Richard Lester estaba molesto con Barry por la composición en esta película.

La película que se estrenó en los Estados Unidos en marzo de 1976 fue un éxito alcanzando una taquilla que superó los 8 millones de dólares.

En 2002 Robin and Marian fue nominada por la American Film Institute a la categoría AFI's 100 años... 100 pasiones.

En cuanto a las críticas destacan la de Roger Ebert que valoró y mucho el trabajo de Connery y Hepburn como Robin y Marian. Para Ebert, "lo que impide que la película se pierda realmente en su camino, son las actuaciones de Sean Connery y Audrey Hepburn en los papeles del título. No importa lo que piensen el director y el escritor, parece que Connery y Hepburn han llegado. una comprensión tácita entre ellos acerca de sus personajes. Ellos brillan. Realmente parecen enamorados. Y se proyectan como personas maravillosamente complejas, cariñosas y tiernas; el paso de 20 años les ha dado gracia y sabiduría ".

El crítico de Illinois destaca igualmente la fotografía  y dijo que  Lester fotografía la película "con más moderación de las que podría haber usado hace 10 años. Su cámara activa se reemplaza aquí por un ritmo visual más adecuado para la nostalgia agridulce. "Él fotografía Sherwood Forest y sus personajes con un bonito realismo que es mejor que la solemnidad pretenciosa que a veces obtenemos en imágenes históricas".

Ya en España Fernando Morales en El País señala que "Robin Hood vuelve a Sherwood, pero el bosque ya no es lo que era. Deliciosa cinta de aventuras capitaneada por unos sobresalientes Connery y Hepburn. Sin duda, el mejor filme de Lester"

Destaca Pablo González Taboada en Cinemanía que "Es lo más cerca que ha estado nunca la aventura de ser no sólo física, sino también emocional. Un film bellísimo, con uno de los finales más perfectos que recuerdo."

Como se señalaba en Televisión Española cuando en 2013 apostó por presentarla un Ciclo de Cine clásico - ya dice mucho eso- hablaban de la película como película entrañable , en este reencuentro 20 años después y la recuperación de un amor profundo.

Pablo Kurt en FilmAffinity  dice que es un " Hermosísimo y crepuscular filme de Richard Lester. La leyenda de Robin Hood, narrada en otras épocas con briosos aires de aventuras indoloras, se vuelve aquí melancólica, violenta y real. La insólita propuesta es abordar al legendario personaje, en su etapa madura, mecido por maravillosas historias de amor y amistad (estupendos los personajes de Nicol Williamson-Little John y Robert Shaw-Sheriff). Además, de regalo, cuenta con una de las declaraciones de amor (la de Audrey Hepburn a Sean Connery) más conmovedoras de la historia del cine".

Por último Alberto Abuín en Espinof  nos dice que " ‘Robin y Marian’ es el sencillo y sentido título de una película que se adentra en el mito de Robin Hood desde una perspectiva totalmente desmitificadora y en un tono de elegía elucubra sobre las vidas de todos los personajes cuando éstos son ya mayores y no tienen el cuerpo para tantas batallas. Una historia otoñal, una canción triste de acentuados tintes crepusculares en la que Lester —director que efectuó una maniobra similar sobre otras figuras míticas, los mosqueteros de Dumas— se acerca sorprendentemente a un terreno en el que hubiera campado a sus anchas el mismísimo Sam Peckinpah."

A destacar sus grandes e inteligentes diálogos en esta historia nostálgica , desmitificadora y agridulce película con una banda sonora impresionante y conmovedora que hay que ver, al menos, dos veces en la vida por lo menos para emocionarte.