lunes, 31 de marzo de 2014

Dos apellidos vascos






Aristóteles había dicho que la risa era algo bueno, y adecuado para la transmisión de la verdad...(Umberto Eco, El nombre de la rosa, página 107)

Si una nace en Atáun, en un pequeño caserío (Barandiaran-Haundia), o en cualquier municipio del Goierri, lo normal es que tenga sus ocho apellidos vascos. Ese, por ejemplo, era el caso de mi abuela, que además de sus ocho apellidos, - de los cuáles cuatro pasaron a mi madre, dos a mí y uno he pasado yo a mis hijos-, nos legó algo más importante – al igual que me transmitieron mis padres-: un buen sentido común y , creo, que un fino sentido del humor. 
Hablar de lo que a uno le hace gracia es hablar de conceptos muy relativos. Lo que a mí me hace gracias, a otro, le parece una estupidez, incluso un insulto. El mejor sentido del humor es aquel en el que uno se ríe de sí mismo, llevando su imagen hasta el esperpento o la astracanada, como dirían algunos. Los pueblos tienen que reírse de sí mismos. Esa es una buena terapia y no hacerlo puede transmitir una imagen de soberbia e infidelidad absoluta. Reírse es sano. Un ejemplo, la televisión vasca ha emitido durante años un programa que llevaba por título “Vaya semanita” en el que un buen grupo de actores muchos de los cuales han pasado de la pequeña pantalla de un canal, la ETB, a la plantilla del cine español. En ese programa los vascos se reían de los vascos, incluso en clave española / “abertzale”. El saberse reír de sí mismos, no es exclusivo de los vascos. Cuando andaluces como “Los Morancos” o Manu organizan su “show”, también lo hacen de nosotros, los andaluces, y eso nos puede gustar más o menos, pues , a veces, se acercan al mal gusto, pero doloroso, no lo es. Y humillante, menos. Un tipo como José Mota , que personalmente no me hace mucha gracia, - aunque hay millones de españoles que lo admiran y lo aplauden, cosa que me parece muy bien -, entiendo que también lleva al esperpento cierta manera de ser castellano manchega, al igual que ocurre con otros castellano manchegos, los de muchachada nui, cuyos “sketch” no me hacen mucha gracia. Lo dicho, el humor es cuestión de gustos.
Dicho lo cual, reconozco que, personalmente, no soy mucho amigo de las comedias, pero en este caso, inicialmente una conversación de sobremesa un domingo por la tarde, un intercambio de información con alguna compañera de trabajo actuó de éxito “viral” para que en esta nueva y “bendita” segunda fiesta del cine nos hayamos optado, mi mujer y yo por ir al cine para ver esta película con el fin de echar el rato, desconectar, esbozar una sonrisa. 
Vamos por partes. Por lo pronto comentar, lunes, nueve de la noche y la sala estaba llena. Y es que Ocho apellidos vascos, la nueva película dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, está siendo una bocanada de aire fresco en el mustio panorama del cine español que día tras día muestra su queja ante el IVA cultural, la crisis, el carácter postulante de sus actores, etc… Ocho apellidos vascos es la demostración de que si no se va al cine para ver películas, en general, y españolas, en particular es porque los productos que se presentan no son los suficientemente atractivos, ni tan siquiera inteligentes. Lo cierto es que el cine a un precio más razonable y un producto con la pretensión de entretener, únicamente entretener, puede dar mucho de sí. Y eso ha conseguido el comediante Martínez Lázaro, gracias al guión de Borja Cobeaga y Diego San José y a la labor en la producción de Lazonafilms , Kowalski Films y Snow Films A.I.E. para – horror- Telecinco Cinema, y cuenta con la colaboración de ETB y CANAL+. Es distribuida por Universal Pictures International Spain. Para ello contó con un buen equipo técnico entre los que destaca la labor fotográfica de Gonzalo F. Berridi y Juan Molina, y la música de Fernando Velázquez. 
El elenco de actores y actrices, un gran acierto, está integrado en sus papeles masculinos por Dani Rovira como Rafa y Karra Elejalde como Koldo , en los papeles fundamentales, seguidos por la bellísima Clara Lago, en el papel de Amaia, que, indudablemente, ya ha pasado de niña a mujer, y la “cacereña” Merche, una siempre eficaz y divertida Carmen Machi . Se estrenó en España el 14 de marzo de 2014. 

La historia muy resumida es la siguiente. Una chica, Amaia (Clara Lago), está con dos amigas en un tablao flamenco en una despedida de soltera, non nata. Ella amargada, por la ruptura con su novio, por su traje de sevillana, por la música ambiente y por sus prejuicios familiares y ancestrales- ya sabremos por qué- hacia lo andaluz, se encuentra con un sevillano no, un “sevillita”, amante del fino, la gomina, el Betis y las mujeres.¡ay, mi arma!, que sube al tablao a contar chistes. Como en saque bola, empieza a contar chistes: uno de vascos. Mientras imita y rebana a un vasco, la niña se encabrona y le responde de mala manera. Ante esto, Rafa (Dani Rovira), la saca a empellones del bar y cuando parece que aquello va a acabar en el cuartelillo, acaba en la casa de Rafa. 

A la mañana siguiente, no habiendo pasado nada, dada la “tajá” de la otra y de uno, ella se marcha sin despedirse, pero se deja el móvil. Rafa, que se ha “quedao prendao” de la niña, y que ha llamado al primer número que parece en el móvil, - el del padre de la criatura- y que nunca ha salido de Andalucía, en contra de los consejos de sus amigos, decide abandonar su tierra para seguir a Amaia (Clara Lago). 
Con un diccionario de euskera, y una buena dosis de buena intención marcha al fin del mundo, al más allá, es decir, al norte del desfiladero del Pancorvo. 
Poco antes de llegar a la localidad de la chica, un sitio que se parece mucha a Guetaria, la localidad de Elcano, conoce a una mujer. Se trata de Mertxe, una “maketa” de Cáceres, que llegó llorando a Euskadi y que enamorada de esa tierra, no hay quien la saque de allí a pesar de su viudez. 

Al llegar a la casa de Amaia, en la Euskadi profunda, pero arrantzale, se sigue resistiendo a sus técnicas de seducción. Al salir escaldado de la casa quema sin querer un contenedor y estando como está en un pueblo de corazón abertzale del País Vasco, dos ertzantinas lo meten en la cárcel pensando que es uno de la “kale borroka”. 

En la trena encuentra a toda una cuadrilla que ha sido detenida. Al verse solo se hace pasar por un “borroka” y dice llamarse Antxon el “metralletas”, perteneciente al comando “G” de Giputxi. 

Una serie de catastróficas desdichas y mil malentendidos llevarán al joven sevillano a tener que hacerse pasar por un “borroka”, por el novio de Amaia, por un auténtico vasco de ocho apellidos, Arguiñano, Igartiburu, Erentxun, Gabilondo, Urdangarín, Otegi, Zubizarreta y ...Clemente - incluido-, además de como un buen yerno ante su suegro e ir enredándose, convirtiendo a Mertxe en su madre, Anne, cada vez más en el personaje que ha creado para lograr sus propósitos: conquistar el corazón inabordable de Amaia. 

Una confesión, previa a la boda, saca a la luz, al menos, la celestial, sobre la verdad de Rafa/Antxon. La no celebración de la boda a esas dobles parejas a un encuentro en donde los prejuicios desaparecen entre Koldo y la verdad de Merche, y entre los sentimientos de Amaia hacia Rafa. 
En un carruaje, con música de Los del Río, y dando un garbeo en el coche de caballos se pone fin a este comedia. 
Estamos ante un éxito histórico del cine español que siguiendo la estela de película francesa en la que llevando a la pantalla los prejuicios y los clichés que tenemos la gente del sur hacia la del norte, camino que se iniciaba en este década con el Archivo Corso, y que seguía magistralmente con la película Los del norte, y proseguía con la italiana, Los del sur, Martínez Lázaro y sus guionistas han creado su – yo creo que afortunada- versión española de los típicos tópicos, en este caso, ambivalentes gente del norte, los vascos, y la gente, del sur, de nosotros, los andaluces. Y lo cierto es que la fórmula ha funcionado. En su primer fin de semana la producción reunió 404.020 espectadores generando 2,72 millones de euros en taquilla. Esos datos la sitúan entre los mejores quince estrenos de la historia del cine español. En su segundo fin de semana la producción aumenta la recaudación casi un 56% respecto al fin de semana anterior solo superado por dos superproducciones, Lo imposible , la película de J.A. Bayona, que alcanzó la cifra de 42,2 millones de euros.y Avatar con 4,4 millones en sólo 10 días. Para el día 14 de abril la película había recaudado 30 millones de euros , según datos de Rentrak.. Estando por quinta semana consecutiva en la cabecera de las películas más vistas en España, superando la barrera de los cinco millones de telespectadores. 
Es curioso que mientras el público premia la película asistiendo a las salas - ¡qué mejor premio para una película!- hay críticos que tratan de minusvalorar un producto que puede gustar más o menos, pero que nadie discute que cómo fenómeno viral nacional es una auténtica revelación, que ha llamado la atención hasta la revista Variety. 
Empezamos por la críticas más despiadadas, que en este caso están firmadas por Jordi Costa y se publicaron en el Diario El País al decir lo siguiente: "Con un arranque enérgico puntuado por réplicas tan eficaces como feroces, la película va viniéndose abajo por diversos motivos (...) la catástrofe se impone en el tramo final". En este mismo diario Carlos Boyero afirmaba "Me pareció visible y audible. Simplemente. Me reí en tres o cuatro ocasiones." Por su parte, Fausto Fernández en la revista Fotogramas dice contundentemente que "Algo falla: la desgana con la que parece estar rodada, su impersonalidad y su desarrollo plano que desaprovecha escenas que piden a gritos el desmadre. 
No obstante, el resto de críticas que he encontrado no han sido nada contrarias al film, valorando positivamente este recuperación de la comedia española. Empecemos con Federico Marín Bellón que en el Diario ABC deja por escrito que estamos ante una "Película valiente y oportuna, pero sobre todo es divertida. (...) Hay al menos media docena de escenas en las que el público se mondará incluso a costa de sus «principios» (...).No menos lejana es la crítica de Jordi Batlle Caminal en el Diario La Vanguardia al dejar negro sobre blanco lo siguiente: "Pese a sus rasgos convencionales, la película está trufada de diálogos inspirados y réplicas brillantes (...) El reparto funciona a pleno rendimiento (...) enredo con agilidad y sentido del ritmo. (...) . Para contrarrestar lo publicado en el País Borja Hermoso nos comenta que estamos ante "Filme del momento y ya veremos si del año, confirma la gracia del humor vasco.". Mientras que Carlos Marañón en Cinemanía confirma su buena impresión sobre la película al decir "La peli tiene eso tan subjetivo y delicado que conocemos como gracia. Sí, muchísima gracia (...). 
Interesante, muy interesante, es la publicada por un vasco en el Diario El Correo , es más leído en el País Vasco y que aparece firmada por Antón Merikaetxebarría que comenta que es "Una chispeante farsa costumbrista que supone un soplo de aire fresco en el anquilosado panorama del cine español (...) un bien conjuntado reparto, en el que brilla con luz propia Karra Elejalde" . 

Por último, he encontrado este artículo de Raúl del Pozo en el Diario El Mundo en el que reflexiona sobre la película y la queja que algunos sectores, entiendo que minoritarios, han presentado sobre la película. Y sobre lo que el periodista desarrolla destaco lo siguiente: “ El humor, la creación más sutil de la inteligencia, no suele ser practicado por los nacionalistas. (…) Sobre el cuento o leyenda de los apellidos y sobre los tópicos y chistes regionales se ha montado la película que arrasa: Ocho apellidos vascos, de Emilio Martínez Lázaro. Este choque psicológico y cultural (…) ha resultado una catarsis cómica, provocadora y divertida. (…) Chocan el ángel, el tópico, las realidades y los prejuicios. El humor es como el ácido sulfúrico y la risa, si no se basa en la humillación del contrario, es un arma contra la crueldad y la opresión. Naturalmente, la película no ha gustado a los abertzales. Gara escribe que los vascos no están interpretados por vascos y la historia es el resultado de una España involucionista gobernada por la derecha más rancia. Lo que olvidan decir es que hacer llorar es fácil, como han demostrado lo terroristas tantos años. Lo difícil es hacer reír; y aún más, sonreír"

Estamos ante una película con un único un fin: entretener y ese objetivo lo ha cubierto con creces, poniendo en solfa las ridiculeces de unos y de otros, de nosotros, algo que, en mi modesto entender, es muy sano. No hay más pretensiones. No hay una critica hacia la comunidad, sino la presentación de unos extremos que pueden llegar a ser ridículos por lo esperpéntico. Y por eso Martínez Lázaro enlaza una historia hilvanada gag tras gag donde prevalece lo cómico y lo ridículo existente entre lo típico y lo tópico (de vascos y andaluces) y todo ello con un humor fresco, sencillo y sin maldad. Tratando bien a unos y otros. 

Para desarrollar la historia cuente con un actor, un gran descubrimiento, en la persona del malagueño Dani Rovira y un actor de luces y sombras, que en esta película está totalmente iluminado, un enorme Karra Elejalde. Para rodar esta producción, además con contar con dos parejas de actores (ya señalados y actrices, las eficaces Clara Lago y Carmen Machi, ambas con una actuación solvente, pasaron por localizaciones de Sevilla, Guetaria (Vizcaya) y Leitza (Navarra) con una fotografía estupenda que reflejan esos paisajes tan hermosos. 
Los cuatro actores protagonistas realizan un trabajo soberbio. Todos ellos dan vida a unos personajes realistas pero con toques surrealistas y dan una gran proyección a un brillante guión de estos dos vascos conocedores de sus extravagancias, a las que parodian, al igual que ya habían realizado en Vaya semanita, el mítico programa de ETB. 
A estos cuatro se le unen los amigotes de Rafa y los amigotes de la cuadrilla que se hace Antxon en la herriko taberna tras su paso por el calabozo. Con cameos de Aitor Mazo y Telmo Esnal y la participación de actores secundarios vascos como Aitziber Garmendia, Miriam Cabeza, Itziar Atienza, Lander Otaola...

Conjuntamente con los personajes se integra una estupenda banda sonora que se inserta con gran comicidad en los momentos necesarios, una gran fotografía con insuperables paisajes de Euskadi y Sevilla, un vestuario conseguido para el adaptar al niño moño y sevillita de gomina y al abertzale Antxon, y una sencilla pero espléndida dirección de Emilio Martínez-Lázaro con lo que este director vuelve afortunadamente a la senda de la comedia con encanto apostando por lo que los americanos llamarían una “screwball comedy”; es decir, un comedia alocada, casi sin descanso para la risa. 

Y no quería dejar la entrada sin comentar que esta película se mueve entre la comedia y una historia de amor, con un corazón tiende a olvidar las diferencias y a encontrar los rasgos que unen a la gente que transita por los enrevesados caminos del amor, pero resulta más solvente la parte divertida que la zona dedicada al enamoramiento que parece poco consistente y con un final algo flojo. 

En cuanto a la relación padre e hija y a la interactuación entre generaciones son temas tocados tangencialmente que mantienen y justifican la trama y la comicidad. 

La película tendrá segunda parte, puede presumir ya de haberse convertido en todo un fenómeno cinematográfico. La secuela, todavía en fase inicial. La comedia de Emilio Martínez Lázaro superó con creces todas la expectativas aunque ya inicialmente no se descartaban varias partes. "Ya nos lo habíamos planteado antes de estrenar, aunque nunca supusimos que iba a funcionar tan bien, y ahora con más motivo". Y al respecto se han producido más declaraciones: "Hemos empezado a darle vueltas y ha habido un par de reuniones, pero está todo muy verde", indicó Álvaro Agustín, director general de Telecinco Cinema. Ocho apellidos vascos 2, o como quiera que se titule, ya tiene a sus guionistas Borja Cobeaga y Diego San José, manos a la obra, y tienen el listón bien alto. 
Poco más he de decir. Salvo que de los ocho apellidos vascos de mi abuela,  uno de ellos, posiblemente, sería rechazado por Koldo, lo mismo que, a lo peor, rechazaría otro pueblo cercano al de mi abuela, el de Segura por su influencia castellana, y que como andaluz, nieto de vasca criada a la vera del Agaunza, me parece magnífico poner en solfa las tópicos que nos hacen tan pequeños, cuando todos, los unos y los otros, aspiramos a ser grandes.

El material gráfico de esta película es de sus respectivos propietarios, distribuidora Universal Pictures y productora Lazonafilms, Telecinco Cinema, Kowalski Films.

domingo, 30 de marzo de 2014

La terminal y el pantano legal



Me enteré de esta historia real por la prensa. Recuerdo que el protagonista de esta historia que increíblemente fue real era iraní. Se trata de Merhan Karimi Nasseri, un refugiado iraní. En 1988, aterrizó en el aeropuerto de Charles de Gaulle , cerca de París, desde entre 1988 y 2006 después de haberle sido negado la entrada a Inglaterra porque su pasaporte y certificado de refugiado de las Naciones Unidas habían sido robados . Las autoridades francesas no le dejarían salir del aeropuerto y por esa razón permaneció en la Terminal Uno, como un apátrida, sin ningún lugar adonde ir, pues no se le daba permiso para entrar en Francia ni para regresar a su propio país. En su lugar optó por seguir viviendo en la terminal y contar su historia a los que querían escucharle. Según los informes, tras los 17 años de estancia en la terminal su salud mental resintió y cuando se les dio la oportunidad de vivir en Francia, se negó porque los documentos no lo nombraban como " Sir , Alfred " , y por que afirmaba haberse olvidado del parsi, su lengua nativa persa. Según se informó, él salió de la terminal en agosto de 2006 para ser hospitalizado por una enfermedad no especificada . 

Al director francés Philippe Lioret está historia le impresionó tanto que adaptó en 1993 la misma al cine en la película En tránsito (título original: Tombés du ciel). Más tarde, esta historia real es la que inspiró la producción de Dreamworks quien le habrían pagado 250.000 dólares por el uso de su biografía. Y si estaba la Dreamworks ¿quién estaba detrás? 
Evidentemente es Steven Spielberg quien ejerce de director y productor. Lo cierto es que en este apartado no estaba solo pues se hizo acompañar de Laurie MacDonald y Walter F. Parkes a través de la DreamWorks SKG- quien también la distribuyó- o Pictures, de la Amblin Entertainment y de la Parkes/MacDonald Productions. Invirtiendo en ella la cifra de 60 millones de dólares, aunque recaudó por encima de los 220 millones de dólares. 
El guión, partiendo de lo contado anteriormente, fue elaborado Sacha Gervasi y Jeff Nathanson. Como suele ser habitual la música fue encargada por Steven Spielberg a John Williams, quien compondrá para la película, por ejemplo, el himno nacional para Krakozhia . La buena fotografía fue de un habitual colaborador Janusz Kaminski y el montador Michael Kahn. 

El resultado de todo esto fue una película de 2004 que llevaba como título La Terminal o The Terminal en su título original, un drama romántico con toques de comedia protagonizada por Tom Hanks (Viktor Navorski), Catherine Zeta-Jones (Amelia Warren), Chi McBride (Joe Mulroy), Stanley Tucci (Frank Dixon) y Diego Luna (Enrique Cruz). A estos se suman Zoe Saldaña (Agente Torres), Kumar Pallana (Gupta Rajan), Eddie Jones (Salchak el jefe de Dixon), Dan Finnerty (Cliff), Corey Reynolds (Waylin), Jude Ciccolella (Karl Inverson, el jefe de obra) y Barry Shabaka Henley (Thurman) 

La historia gira en torno a Viktor Navorski (Tom Hanks), un ciudadano de Krakozhia (país ficticio similar a una típica ex República soviética), que aterriza en el aeropuerto internacional John F. Kennedy de Nueva York para poder cumplir la promesa a su difunto padre de tener el autógrafo de Benny Golson. Sin embargo, durante el vuelo, un golpe de estado fallido y la consiguiente guerra civil dejan a este hombre varado en el desierto jurídico, en el limbo, de un aeropuerto ya que ni su pasaporte ni su visado son válidos, pues el gobierno estadounidense no reconoce al nuevo gobierno y se le niega la entrada en el Estados Unidos y al mismo tiempo no puede volver a su país de origen debido a una revolución . 
Viktor queda atrapado en la terminal aérea. Incapaz de comunicarse en inglés , idioma que desconoce, se ve obligado a entregar su pasaporte y el billete a la Policía. Sin otra alternativa, se instala en el terminal con sólo su equipaje y una lata de la que no se separa, para frustración de Frank Dixon ( Stanley Tucci ), funcionario responsable de la Dirección y Protección de Fronteras la Aduana del aeropuerto JFK. 

Dixon está siendo considerado para una futura promoción y se obsesiona con deshacerse de Viktor. Mientras tanto, Viktor y se hace amigo de los empleados y ayuda a los viajeros del aeropuerto, entre ellos una azafata llamada Amelia (Catherine Zeta-Jones ), a la que ve periódicamente y por la que se siente atraído por ella. 
Un día, Dixon queda con Amelia, una guapa azafata que vive una relación compleja con un hombre casado. En la misma colaboran Gupta Rajan, un limpiador, Joe Mulroy (Chi McBride), controlador de carga y Enrique Cruz (Diego Luna), un operario del servicio de alimentos del aeropuerto. Viktor le explica posteriormente a Amelia que en esa lata inseparable contiene una copia de la fotografía que conmemora " A Great Day in Harlem ", una reunión de los principales músicos de jazz de los cuarenta y cincuenta. 

Viktor le comenta que su difunto padre era un entusiasta del jazz que había descubierto la famosa imagen periódico húngaro antes de la intervención soviética de 1958, y que se padre intentó reunir las firmas de todos los integrantes en esa sesión. Se comprometió a recoger los autógrafos de los 57 músicos de jazz que figuran en ella. Pero su padre falleció y el le prometió que conseguiría el que le faltaba, el último, el del saxofonista Benny Golson . Esa era la razón por lo que Viktor había ido a Nueva York para hacerlo. 

Después de escuchar la historia, Amelia Warren, la asistente de vuelo, besa a Viktor. Después de nueve meses, sus amigos despiertan a un Viktor ya integrado en el aeropuerto, en el que incluso trabajaba como operario de obra, con la noticia de que la guerra en Krakozhia había terminado. 
Por su parte, Amelia le pidió a su "amigo" - en realidad un funcionario del gobierno casado con quien había tenido una aventura - un visado de emergencia para Viktor pudiera cumplir su sueño, pero Viktor se siente decepcionado al saber que ha renovado su relación con el hombre durante este proceso. 
Por otra parte, Viktor descubre que Dixon tiene que firmar ese visado. Aprovechando la oportunidad, Dixon amenaza con causar problemas a los amigos de Viktor. Especialmente grave es la situación de Gupta que puede ser deportado ala India, donde es buscado por agredir a un policía corrupto en 1979. No dispuesto a dejar que esto pase, Viktor finalmente accede a volver a su casa en Krakozhia. 

Cuando Gupta se entera de esto, para un avión. Esto impide salir al avión con destino a Krakozhia y permite salir legalmente a Viktor del aeropuerto. El retraso da Viktor tiempo suficiente para ir a la ciudad. Dixon, viendo que Viktor deja el aeropuerto, decide no perseguirlo, especialmente porque su equipo de colaboradores de Dixon, especialmente, Thurman (Barry Shabaka Henley), el asistente de Dixon, no le ayudan. Viktor llega al hotel de Nueva York donde Benny Golson está dando un concierto y, finalmente, consigue el último autógrafo. Luego se mete en un taxi, diciéndole al conductor, "Me voy a casa." Se acabó lo que se daba.

En septiembre de 2003, The New York Times señaló que Spielberg había comprado los derechos de la historia de vida de la Nasseri como base para hacer la película. Sin embargo, ninguno de los materiales de publicidad del estudio menciona la historia de Nasseri como inspiración para la película. 
Steven Spielberg viajó alrededor del mundo para encontrar un aeropuerto real que le permitiera filmar para la duración de la producción, pero no pudo encontrar uno. El conjunto de La Terminal fue construido en un hangar enorme en el aeropuerto regional de LA / Palmdale Regional Airport . El hangar, que forma parte de la Fuerza Aérea de EE.UU. en cuyo complejo 42 Plant se utilizó para construir bombardero B-1B de Rockwell International . El conjunto se basó en el aeropuerto internacional de Düsseldorf . La forma de tanto de la terminal real y del conjunto se inspiró en gran medida en una película clásica Play Time de Jacques Tati . 

La mayoría de los exteriores y las imágenes del avión real se rodaron en el aeropuerto internacional de Montreal-Mirabel : tomas interiores adicionales también se hicieron allí. El 747 fue proporcionado por United Airlines . La Star Alliance fue un importante patrocinador y proporcionó los uniformes para el equipo y para los actores. A pesar de la fuerte presencia de las aerolíneas de Star Alliance, una piloto de Delta Air Lines pasa cerca de Viktor en de las últimas escenas de la película. Alguna escena igualmente se rodó en Nueva York, en concreto en la Lexington Avenue. 
Hanks parece ser que basó su caracterización de Viktor Navorsky en su suegro Allan Wilson , padre de la esposa de Hanks, Rita Wilson, un búlgaro inmigrante. 

La terminal recibió críticas en general positivas. AO Scott del The New York Times dijo que la actuación de Hanks aportó mucho a la película, añadiendo "Hay un pelín demasiado sentimentalismo y dulzura artificiosa, y el personaje de Zeta-Jones está muy mal encajado. Pero estos fallos no pueden disipar el profundo encanto del film. (...) un tour visual de fuerza que convierte el miedo en optimismo, la soledad en solidaridad, y las fustración en inventiva." 
Roger Ebert del Chicago Sun-Times también valoró positivamente la colaboración, cada día más completa entre Spielberg y Hanks al decir "Steven Spielberg y Tom Hanks han hecho en 'The Terminal', una dulce y delicada comedia (...) Sin embargo, Joe Morgenstern del Wall Street Journal cree que " La terminal es un terminal fraudulenta y un indeterminable comedia ". 

En España Carlos Boyero por entonces en el Diario El Mundo dijo de ella "La Terminal se inicia desprendiendo aroma al mejor Kafka pero termina pasteleando en el estilo del Capra más melifluo y mentiroso. (...) la primera parte es tragicómica, inteligente, surrealista y veraz" En este mismo diario Francisco Marinero señalaba "La situación es absurda y está tratada como una comedia, y ahí Spielberg ha encontrado un cómplice perfecto en Tom Hanks. (...) Lo mejor: la propia terminal, un escenario colosal por el que un admirable Tom Hanks se mueve con tenacidad perpleja e ingenio." 
En el Diario ABC E. Rodríguez Marchante dejaba por escrito lo siguiente: "Comedia con algunos, pocos, ribetes oscuros y con una actor como Tom Hanks que es tan bueno que te da la impresión de que ha vivido una temporada en Krakozhia". Por último, M. Torreiro escribía en el diario El País lo siguiente: "Durante la primera mitad del metraje (...) la película entretiene y regocija. Otra cosa es cuando comienza a pasar el tiempo y se va haciendo también más densa la trama (...) por ahí las cosas empiezan a hacer aguas. Es culpa del guión (...) una peripecia perfectamente ideologizada".
Estoy bastante de acuerdo con algunas de las críticas realizadas y aquí presentadas. Especialmente con aquella que dice que este producto Spielberg está en la línea del homenaje a la obra de un buenista cinematográfico como era Frank Capra. 

Cuando la película nos acerca a la idea de hay que seguir adelante hasta alcanzar nuestros cometidos, nuestros sueños y nunca darnos por vencidos a pesar de que sintamos que el mundo esta en nuestra contra. Al final tenemos una historia entrañable protagonizada por un gran actor, un Tom Hanks brillante, que da vida a un hombre bueno, entrañable. Tenemos una obra que si bien no es una obra de arte, sí entretener, sí te permite esbozar una sonrisa y que enternece ante la locura producida por un pantano legal..


sábado, 29 de marzo de 2014

Dulce venganza


No, no me estoy comiendo un shawarma. Pero en esta ocasión si me he esperado hasta el final para ver las dos escenas post-créditos. En la primera descubrimos a Tanos de la que el productor Whedon dijo que fue su decisión la de incluir a Thanos en una escena post-créditos , aunque el personaje no se identifica en la película. "Él para mí es el más poderoso y fascinante villano de Marvel" dijo el  productor y guionista. 
La última es más simple y pueril. Allí un grupo de superhéroes supersilenciosos se comen un shawarma en un silencio atronador tras desvivirse en salvar la ciudad de New York que acaba de ser atacada por invasores extraterrestres. Señalar que las ventas de Shawarma en Los Angeles, St. Louis, Boston y otras ciudades se dispararon en los días posteriores a la presentación de la película. 
Momentos antes Loki acababa de utilizar el Tesseracto, en conjunción con un dispositivo incorporado, para abrir un agujero de gusano ubicado en la Torre Stark a la flota Chitauri. 
Esto es lo que tiene el universo creado por el escritor y editor Stan Lee y el dibujante Jack Kirby que culminará en 1963 con la aparición de Los Vengadores (The Avengers) . Es un mundo complejo en el que participan todo un conjunto de superhéroes integrados por Abyss , Ant Man, Black Widow ( la Viuda Negra) , Cannonball, Captain America, Captain Marvel, Captain Universe, Ex Nihilo, Falcon, Hawkeye, Hulk, Hyperion, Iron Man, Manifold, Nightmask, Shang-Chi, Smasher, Spider-Man, Spider-Woman, Star Brand, Sunspot, Superior Spider-Man, Thor, Wolverine y Wasp. 
De esta pléyade de superhéroes unos han tenido más recorrido y otros menos. También es cierto que Avi Arad , el presidente de Marvel Studios, desde que anunció por primera vez sus planes para desarrollar una película basada en sus protagonistas en abril de 2005, y tras la financiación con la Merrill Lynch para producir una serie de películas que serían distribuidas por Paramount Pictures  y que empezarán con El increíble Hulk (2008).
Lo cierto es que en la saga que se está llevando al cine desde Hulk y que hace unas semanas culmina con un nuevo capítulo del Capitán América no salen todos, pero sí los más significativos. Léase Viuda Negra (Scarlett Johansson como Natasha Romanoff) , Capitán América (Chris Evans como Steve Rogers), Hawkeye (Jeremy Renner como Clint Barton) , Thor (Chris Hemsworth). Hulk (Mark Ruffalo como Dr. Bruce Banner) y que tienen – yo creo- como líder al rockero Iron Man (Robert Downey Jr.como Tony Stark) son los grandes protagonistas de esta franquicia distribuida por la Walt Disney Studios y que tuvo con The Avengers la sexta entrega de la franquicia de Marvel. 

En este caso se suman Tom Hiddleston como el malvado hermanastro de Loki , Clark Gregg como Phil Coulson, Cobie Smulders como Maria Hill, Gwyneth Paltrow como Pepper Potts y Maximiliano Hernández como Jasper Sitwell. 
Ya señalé que el director y guionista fue Joss Whedon bajo la producción de Kevin Feige que vio el negocio en esta franquicia pues se invierten 220 millones de dólares y se obtienen algo más de los 1.500 millones.
Gran parte de su éxito fueron las más de 2.200 tomas de efectos visuales realizadas por 14 empresas, encabezadas por la Industrial Light & Magic (ILM), Weta Digital , VFX, Hydraulx , Fuel VFX, Evil Eye Pictures, Luma Pictures , Cantina Creativas, Trixter,Modus FX , Whiskytree, Digital Domain , Método de Diseño y alguna más. De ellas ILM llevó la voz cantante desde el Hulk Ang Lee, el paisaje urbano de Nueva York, los dobles de cuerpo digitales, Iron Man o Hulk. 
Los Vengadores tuvo su estreno el 11 de abril de 2012, en El Capitán en Hollywood y desde entonces son muchos los premios y nominaciones obtenidos, a favor de las actuaciones del elenco (en particular los de Robert Downey Jr., Scarlett Johansson y Chris Hemsworth ) y los efectos visuales de la película. La película fue nominada a un Premio de la Academia a los Mejores Efectos Visuales y un Premio BAFTA a los mejores efectos visuales especiales. Los Vengadores también ha sido nominado a tres Critics 'Choice Movie Awards , cinco Premios Empire , seis Kids 'Choice Awards, seis Premios MTV Movie Awards (ganó tres), trece Choice Awards People (ganando tres), seis Premios Saturn (ganó cuatro), once Teen Choice Awards (ganó dos), y seis Premios VES (ganó dos). 
Una vez vista, une autre fois (como dirían los franceses), esta buena venganza, ahora dulce, dado el tiempo, debemos comentar que su valor está en la coherencia de la historia con respecto a las historias anteriormente vistas, el ritmo frenético que lleva combinando magistralmente unas acciones con otras, unos efectos especiales espectaculares y unas actuaciones convincentes y creíbles que dan , en ocasiones, un tono coral a la película.

jueves, 27 de marzo de 2014

Revisión sobre el "gran" Capitán


Mis hijos y yo nos hemos dedicado a la revisión de la película sobre el primer vengador, película que ya pudimos disfrutar   en anteriores ocasiones y que vimos en la entrada sobre el Capitán de la Marvel factory. Producida por la Marvel Studios y distribuida por Paramount Pictures se trata de la quinta entrega de la Universo Cinematográfico de Marvel.
En la anterior entrada no señalamos que la película está basada en el guión escrito por Christopher Markus y Stephen McFeely. Y que en la misma participaban Chris Evans (Steve Rogers / Capitán América) , Tommy Lee Jones (Coronel Chester Phillips) , Hugo Weaving (Johann Schmidt / Red Skull), Hayley Atwell (Peggy Carter), Sebastian Stan (el sargento James "Bucky" Barnes) , Dominic Cooper (Howard Stark) , Neal McDonough (Timothy "Dum Dum" Dugan), Derek Luke (Gabe Jones) y Stanley Tucci(el Dr. Abraham Erskine). Además participa Kenneth Choi como Jim Morita , Bruno Ricci como Jacques Dernier y JJ Feild como James Montgomery Falsworth todos ellos perteneciente al equipo de Rogers . Además, están Toby Jones como Arnim Zola , un bioquímico del partido nazi, Richard Armitage (Heinz Kruger), Samuel L. Jackson como Nick Fury , el director de la agencia de super-espía, SHIELD. Por supuesto, sale Stan Lee.Gran parte del elenco de actores , del equipo de productores, así como el director presentó la película en el Salón Internacional del Cómic de San Diego , en 2010

La música fue encargada a Alan Silvestri, la fotografía a Shelly Johnson y el montaje a Jeffrey Ford y Robert Dalva. 
Ya hemos señalado que la idea de plantear una película sobre este personaje surgió a finales del siglo XX, en concreto a 1997, pero que una demanda planteada en 1996 sobre los derechos sobre la misma relegó el proyecto hasta entrado ya el siglo XXI. Tras contar con la financiación requerida procedente de Merrill Lynch. El rodaje se extendió por Londres , Manchester , Caerwent y Liverpool en el Reino Unido y Los Angeles en los Estados Unidos. La película se convirtió en 3D en postproducción modificándose especialmente la figura del actor principal, Chris Evans, tal y como se aprecia en la película y en la imagen.

Esta nueva revisión no nos ha aportado nada diferente de los ya visto. En todo caso vamos añadir pequeños detalles que ignoramos en la primera entrega.
Sólo añadir alguna crítica más como la de Roger Moore, del Orlando Sentinel quien dijo de la película que "Johnston ha entregado una luz, inteligente y foto aventura hábilmente equilibrada con verdadero nudo en la nostalgia de garganta (...) ".
La película recibió muchas nominaciones menores y algún que otro premios también en festivales de menor peso como el recibido por Chris Evans como el Capitán América como mejor superhéroes en los Scream Awards, Alan Silvestri por su banda sonora en los BMI Movie and TV Awards o los recibido por Casey Allen, Trent Noel, Brian Hajek, Cliff Welsh por sus efectos especiales. Otras nominaciones para el film o su apartado técnico fue en los Saturn Awards, MTV Movie Awards, Empire Awards o los Scream Awards.
Poco más que añadir salvo que en esta ocasión me he fijado en el buen número musical que desarrolla la película, y que en esta nueva revisión seguimos teniendo una buena sensación con el producto en los días previos a ver la segunda parte del Capitán América, que en el fondo no deja  de ser sino la continuación de los Vengadores 2 , cuando ya hemos visto Thor 2. En definitiva, un buen entretenimiento.

miércoles, 26 de marzo de 2014

Ensueños





Hubo un tiempo, hace un siglo, en que Rusia, para aquel entonces el Imperio Ruso, estaba dominado por los zares. A ese Imperio fue al que llegaron los operadores de los Lumière, que como ya he contado en otra entrada, la de Ciento un años después, poco años después ya se manejaban tan bien que habían creado un cine propio, una producción singular. 
De entre esos pioneros rusos destaca Yevgeni o Evgeni Franzevich Bauer (en ruso: Евгений Францевич Бауэр ) (1865 - 1917) autor de la película que he visto esta tarde, película que ya tiene la friolera de 99 años, sino el centenar. La película lleva por título "Daydreams" (Грезы -- Gryozy), es decir, "Ensueños ". 

Se trata de un drama psicológico, una bellísima película realizada por este director, este autor refinado, elegante y que con un gusto calificado por Terenci Moix como decadente y enfermizo. Y es que Yevgeni Bauer, al que llegué tras la lectura de esa fantástica obra firmada por Luis Enrique Ruiz, titulada “Obras maestras del cine mudo: Época dorada (1918- 1930), está considerado como el principal director de la Rusia zarista. 

Bauer es un director de cine ruso de película mudas o silentes como gusta en su castellanización desde el inglés. Fue una artista de teatro y guionista. Bauer se introduce en el cine en el año 1913 tras graduarse en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú..
Su obra tuvo una gran influencia en la estética de la cinematografía rusa a principios del siglo 20 . Bauer dirigirá más de setenta películas entre 1913 y 1917, de los cuales 26 han sobrevivido. Kenneth Turan crítico de cine de Los Angeles Times dijo de este director que ya utilizara desplazamientos virtuosos de la cámara y plano secuencia relativamente largos que era " El director más grande que nunca has oído hablar. "

La película en cuestión es del año 1915 y dura poco más de 37' minutos. Está basada en el guión de M. Bassow y en la novela "Bruges-la-Morte" de Georges Rodenbach. La película contó con la producción de Aleksandr Khanzhonkov ( o A. Chanshonkov) y la fotografía de Boris Zavelev. La versión que yo he visto cuenta con la música al piano de Neil Brand.
La película contó como protagonistas principales con Alexander Wyrubow en el papel del viudo Sergei - Sergei Nikolaevich Nedelin- ,F. Werchowzewa - Elena- N. Tschernobajewa en el papel de Tina Wlarskaja y Viktor Arens en el papel del pintor Solskii. 
La historia se inicia con la imagen de Elena / Tina a la que observamos durante unos segundos. Con todo realmente la película se centra alrededor de Sergei, un viudo que está obsesionado con el recuerdo de su esposa muerta. Sergei es un ser inconsolable tras la muerte de su amada esposa Elena. Lo vemos junto al cuerpo de su esposa fallecida en un auténtico lecho de dolor. Está obsesionado con la muerte de su amada, tanto es así que guarda en una caja una larga trenza de la misma como recuerdo eterno de su amor. 
La casa está llena de sus imágenes y en el salón de la casa una caja guarda la trenza de su cabello que le cortó en su lecho de muerte. La asistencia de la casa, Vanya, se dispone a limpiar el salón de la casa. Sin querer tira el cuadro de la difunta Elena. En esto que entra Serguei, que al descubrirlo, recoge los trozos del suelo y se queda mirando ensimismado la imagen de su esposa, sacando de la caja la trenza del recuerdo. 



Tras ello baja por la escalera y le pide a la asistente que le prepare un sombrero y un bastón para salir a la calle. Al salir a la calle deambula sin rumbo fijo. Desolado camina sin miar a la gente que pasa por su lado ( y que sorprendidos maran a la cámara). En su deambular callejero se cruza con una chica, que – enfermizamente- le remite a la imagen de su amada. La sigue por la calle, mientras ella continua por su camino, camino que le lleva a un teatro. 
Antes de entrar en el mismo, le pregunta si es Elena y ella le saca del error, diciéndole “Usted está equivocado”. Pero él no ceja y la persigue hasta que ella entra en el teatro. En el teatro se está representando una ópera , en concreto, se trata de una de Meyerbeer y titulada Robert the Devil ( Roberto el diablo). 

Vemos a Serguei sentado entre el público y esperando el comienzo de la obra. Se inicia la Ópera y en ella vemos al diablo, así como a ocho chicas que salen de sus tumbas, y que danzan al ritmo de la orquesta. Esperan la salida de una de ellas, precisamente de aquella que a Serguei le recuerda a Elena. Las chicas bailan con parsimonia y se comunican gestualmente entre sí. 

El protagonista masculino está fascinado por la puesta en escena que muestran a mujeres jóvenes que salen de sus tumbas. Y mira una y otra vez a la que cree que es su amada. De hecho se levanta en un momento y parece gritar : ¡Elena! La obra continua. Y el diablo vuelve y se lleva consigo a Elena, introduciéndola nuevamente en el nicho de muerte. 

Tras la conclusión de la obra Serguei busca a los actores y pregunta a los ayudantes y tramoyistas que le orientan para llegar ante la actriz. Se dirige a felicitar a la actriz después de la actuación. Ella le informa que su nombre es Tina Viarskaya y que su profesión es actriz. Más tarde, vemos que el Serguei inicia una relación con ella porque él la ve como la imagen viva de Elena. De hecho el protagonista masculino quiere transformarla en Elena, mujer a la que besa. 

Para acercarla más a su realidad Serguei hace llamar a un amigo, el pintor Solski para que realice un retrato de Tina como Elena. No obstante, su amigo trata de convencer de que Tina no merece su amor. Serguei parece comentar que quiere volver a ser feliz otra vez. En la habitación entre la asistente Varya y su jefe le pide un vestido de Elena, cosa que hace la asistente sacándolo de un baúl. 

El está animado, pero Varya está desolada. Solski ( Solkii) debe realizar un retrato de la actriz vestida con el traje de Elena. Mientras el viudo busca unas joyas para completar el encaje de la interposición. 

Sin embargo, es , en ese momento, cuando Serguei se da cuenta de su locura, que aumenta cuando la actriz se pone la joyas, cosa que irrita notablemente a Serguei. Ella ofendida sale de la habitación y le parece decir que está aburrida con su obsesión con su esposa muerta . 
El se tira al suelo. No comprende su locura. Pero el artista prosigue con su cuadro y Serguei con Tina, que posa ante las dudas del pintor. Tina y Serguei se enfrentan y éste le tapa la boca a Tina. Ella parece marcharse definitivamente. No obstante, poco tiempo después recibe una carta que el abre inicialmente lentamente y , finalmente, tira la carta al fuego. 
Mira detenidamente la foto de su mujer. El espíritu de ella aparece en la habitación, pero se desvanece. El pasado en “flash-back” le lleva a sus paseos con Elena, que acaba con la escena del principio en el lecho de muerte de ser reproducido pero también con su entorno. Serguei vuelve a casa ve nuevamente el fantasma de su esposa. 

Cuando Tina viene a visitarlo en su casa, ella comienza a jugar con el pelo de Elena. El fantasma de Elena se le aparece a Serguei, que en ese momento no puede controlarse a sí mismo, y la mata. 

Hasta aquí una buena película presentada en un interesante tono melancólico, que viene aumentado por la música a piano, en la que Alexander Virúbov interpreta al personaje principal, un ser tan creíble como demenciado, en un estado mental y emocional trastornado. El punto culminante de la película viene en una interesante puesta en escena detallada de una secuencia macabra de la ópera de Meyerbeer " Roberto el Diablo " . 
Es una pieza impresionante, y un punto clave en el desarrollo de la historia, pues vemos a Serguei sentado entre el público , hipnotizado por la acción espeluznante en el escenario , y parece describir casi exactamente lo que está sucediendo dentro de su mente mientras lo observa. 
La puesta en escena fue siempre una de las mayores preocupaciones de de Bauer , y aquí hay una gran escena sobre la muerte . Otra cosa interesante es cómo Bauer representa la memoria. La historia es sobre un hombre que es atormentado por el recuerdo de su difunta esposa. A menudo se ve en fotografías de ella, que sólo mantienen su memoria de nuevo. Hay una escena de la pintura en esta película, que parece servir poco de la función para la historia. Durante siglos, la pintura era el medio para la humanidad para documentar un evento, o recordarlo. Bauer se considera un estilista principal de la cinematografía rusa del cine mudo y puso especial énfasis en el aspecto pictórico de la realización de películas . 
Se le considera un maestro de drama psicológico, y también uno de los primeros directores rusos que desarrollaron el lado artístico del cine incluyendo el montaje, la puesta en escena y la composición del cuadro. Él hizo un gran uso de su experiencia teatral al hacer sus películas, cuyos resultados a veces prefigura las futuras realizaciones en cine. 
Bauer primero empezó a considerar la colocación de las luces en la película, utiliza ángulos de filmación inusuales, hecho frecuente uso de espacios amplios como cuando vemos a Serguei caminando por las calles con la cámara panorámica para seguirlo, o filmado a través de material " gaseosa " para producir el efecto de niebla. Puso gran énfasis en la composición de cada toma, la construcción de la decoración y los tiros naturales con expresiones artísticas de paisajes clásicos, hizo uso de movimiento de la cámara para ampliar el espacio de la toma, y añadir un efecto dramático que aumenta especialmente con las escenas de interior, su casa , su lugar y el lugar de su amigo pintor. Se da cuenta de sí mismo que se está convirtiendo loco, pero no puede resistirse a su locura. A todo ello se añaden el uso narrativo del “flash-back” - como una transición ambigua entre presente y pasado- y la apariciones fantasmagóricas de Elena en determinados momentos de la película. 
Estos experimentos artísticos de Bauer y su destacada experiencia le dio una reputación del director principal en el cine ruso. No sólo eso, algunos críticos han colocado a este película como precedente del modelo que más tarde nos presenta Sir Alfred en Vertigo ( De entre los muertos), con la misma obsesión de un hombre por una mujer. Hasta aquí el comentario sobre una película rodada hace unos cien años , en el contexto de la primera guerra mundial y en un momento en que las historias se complicaban buscando los grandes dramas que primera se presentarán en el cine y después se vivirán en la vida real.

martes, 25 de marzo de 2014

Jugando duro


Somos conscientes que el cine como arte ha optado por presentarse en diferentes géneros. Es una obviedad. Es una realidad que algunos de estos géneros se subdividen formando categorías y subcategorías que al final lo hace inclasificables. Esto es más o menos lo que me ha pasado viendo Mean Machine una película británica que combina tanto la comedia como el drama y que podría integrarse como una película de género carcelario, pero con temática o subtemática de futbol, un poco en la línea de la marcada por el clásico Evasión o Victoria que en 1981 dirigió John Huston. 
Veinte años más tarde, en 2001, un británico, Barry Skolnick inspirándose en ella, o no se fijó en futbolistas retirados, en la idea de unos guardias de prisión malvados y de unos delincuentes con alma humana para montar esta película. Sin embargo, los productores de la película señalaban que era una adaptación de la película de 1974 The Longest Yard , aquí presentada como ''El rompehuesos'' protagonizada por Burt Reynolds y dirigida en 1974 por Robert Aldrich que, en vez de hablar de "soccer" se centraba en el fútbol americano . Está protagonizada por el ex futbolista Vinnie Jones . 

La película estaba producida por Matthew Vaughn y se basaba en un guión firmado por Tracy Keenan Wynn, Chris Baker, Andrew Day y Charlie Fletcher basándose en la historia de Albert S. Ruddy. La película fue rodada por los Studios SKA Films y – parece ser- que en ella participó como asesor en la producción el director Guy Ritchie , responsable de los éxitos "Lock, Stock and Natch" y ''Snatch, cerdos y diamantes'' que invirtieron en ella más de 7 millones de dólares, y fue distribuida por la Paramount Pictures o Classics.
En el aparatado técnico participa en la composición musical John Murphy, al que se une Alex Barber en la fotografía, el montaje de Eddie Hamilton y Dayn Williams. En la película participa parte del elenco de ''Snatch, cerdos y diamantes''. 
De los actores destacan Vinnie Jones como Danny Meehan, Jason Statham como Monk ( el monje), Jamie Sives como Chiv, Danny Dyer como Billy la lapa, Stephen Martin Walters como Nitro, Rocky Marshall como Cigs, Adam Fogerty como Mouse (Ratón), David Kelly (Doctor), David Hemmings como el Gobernador, Ralph Brown como Burton, Vas Blackwood como Massive (Macizo), Robbie Gee como Trojan, Geoff Campana como Ratchett, John Forgeham como Sykes, A Sally Phillips como Tracey, Andrew Grainger como Ketch, Jason Flemyng como Bob Probable, Martin Wimbush como Z, David Reid como Barman, David Cropman como Segundo Barman, Omid Djalili como Raj, JJ Connolly como Barry El Bookie, Stephen Bent como el árbitro.

Danny "The Mean Machine" Meehan (Vinnie Jones), un hombre con fama y dinero, ex capitán de la selección nacional de fútbol inglés que fue sancionado de por vida por haber sido acusado de amañar un partido entre Inglaterra y Alemania (grandes rivales europeos del Equipo de Fútbol de Inglaterra), es condenado a tres años de prisión Longmarsh, pero que , además, es encarcelado por agredir violentamente a dos agentes de la policía en un bar después de haber bebido. 

Una vez dentro de la prisión, es vilipendiado por otros presos que lo insultan y lo humillan, pues es uno de los pocos hombres en el talego que lo ha tenido todo y ha tirado por la borda. Al poco de entrar y para probarlo es golpeado por algún preso y por los guardias de la prisión que lo acusan de mal comportamiento. Más tarde es llevado al director de la prisión. 
El gobernador de la misma, que ha movido todos los hilos para tenerlo bajo su custodia, le ofrece a Meehan un trabajo como entrenador del equipo de fútbol de los guardias de la prisión. Pero Danny no quiere enemistarse con los otros presos, y Meehan declina la invitación. En su lugar se ofrece para entrenar a un equipo formado por otros reclusos, que se enfrentará a los guardias en un partido de entrenamiento. 
Inicialmente el gobernador no accede. Mientras Meehan, prosigue su solitaria vida en prisión , aunque poco a poco va conociendo a la fauna que lo habita. Allí contacta con Macizo, un distribuidor residente que le ofrece todo tipo de productos, algo que igualmente le ofrece un desequilibrado llamado Nitro. Massive se convierte en su mano derecha, y con el asesoramiento de un preso anciano, que responde al nombre del Doctor, prosigue la rutinaria vida de Meehan en prisión. 
Meehan se gana el respeto de los otros presos después de que un oficial, el Sr. Ratchett, agreda injustificadamente a Massive. Tras estar un tiempo en la celda de castigo recapacita sobre la idea de formar un equipo. 

Poco a poco, tras su salida se irán incorporando aquellos prisioneros que lo valoran por su ayuda a Massive, así como algunos de los que participan en otras facciones carcelarias, como el escocés y la gente de Sykes, el jefe penitenciario residente. Entre los que se incorporarán al equipo está un prisioneros escocés, seguidor del movimiento Shaolin conocido como Monk (Jason Statham) un preso de máxima seguridad. 
Mientras tanto, el gobernador de la prisión se mete en problemas con "Barry el Bookie", un corredor de apuestas sin licencia que fue recomendado a él por Sykes, el jefe penitenciario residente, y que decide tratar de hacer el dinero que debe apostando en la cárcel por el equipo de guardias. En principio el partido parece amañado entre Meehan, Sykes y el Gobernador. 

El partido comienza poco después de la muerte del doctor. En el descanso, el equipo de los internos, Mean Machine tiene un resultado favorable, y las cosas van bien hasta que el gobernador, por temor a lo que pasará si pierde una segunda apuesta, intenta chantajear a Meehan. Los guardias llegan a empatar en el segundo tiempo.
Al principio de la segunda parte, Meehan pone sus propios intereses por encima de los del equipo que, jugando muy mal, está a punto de perder. Pero en los momentos finales Meeham hace una buena jugada y le pasa la pelota a otro recluso, 'Billy el lapa' (Danny Dyer) para ganar el partido en los momentos finales.

Después, el capitán de los guardias, el Sr. Burton, se niega a cooperar con los intentos del gobernador para vengarse de Danny. Es más. Se acerca a felicitarle por el partido. Mientras esto ocurre explota el vehículo del gobernador, y Sykes le informa que él y Barry el corredor de apuestas, tomarán represalias si intenta algo. Acabando así , lúdicamente, la película. 

Mean Machine fue filmada entre abril y junio de 2001. La mayoría de las escenas fueron filmadas en la prisión HM prisión de Oxford , aunque el partido final fue filmado en The Warren, el antiguo estadio del Yeading. Se estrenó el 26 de diciembre 2001. 

El protagonista fue el exfutbolista en la vida real Vinnie Jones , al que se unieron otros actores que anteriormente habían jugado fútbol profesional como Charlie Hartfield , que jugó en el Sheffield United y Swansea City , y Nevin Saroya , un jugador del equipo juvenil ex en Brentford , que se incluye en el equipo de los prisioneros algo que también estuvo presente en Evasión o Victoria. En el equipo de los guardias se incluyeron otros exfutbolista profesionales como Paul Fishenden y Brian Gayle , que ambos jugaron para Wimbledon . 
No he encontrado ninguna crítica sobre la película. Sólo he de decir que la echaron ayer a los ocho de la tarde en la Paramount Channel. Se trata de una película de consumo rápido, eso que yo denomino “fast- movie”, una película intrascendente, que combina momentos divertidos como los entrenamientos y ciertos diálogos, con otros de cierto tono dramático. 

El film sigue un patrón clásico que va desde el momento en que Meehan toca fondo, despreciados por todos, hasta que se va ganando a los presos gracias a la organización de un partido entre presos y guardianes. Vemos en ella muchos tópicos carcelarios, las locuras y neuras de muchos de sus prisioneros como el personaje del monje Jason Stahtam haciendo de portero, con sus fantasías, sus salidas de tono violentas, sus excentricidades. Una película para ver y olvidar, o disfrutar. De ti y de tu gusto, de tu manera de "jugar duro" depende.