jueves, 31 de diciembre de 2015

La mejor de las centenarias


No podía acabar el año sin hablar de la mejor película de hace un siglo. Si ya en el año 2014 la elegida como mejor película fue una obra gloriosa del cine italiano, Cabiria, en este caso no podía ser otra que aquella que lleva por título El nacimiento de una nación , que es todo un monumento al cien en su sentido narrativo, y especialmente en la técnica de montaje y que fue dirigida por uno de los grandes, de los más grandes, posiblemente el primer gran director de la historia del cine dada su trascendencia, no sólo en el cine mudo, sino en el cine que respondía al nombre de D.W. Griffith.

Como Cabiria hubo un antes y un después, sobre todo en los avances técnicos de la todavía  joven cinematografía. Sin obviar, el carácter polémico del film dado su temática abiertamente racista, pero partiendo del hecho histórico de que estamos hablando de una película de hace 100, repito 100 años, y la concepción ética sobre el tema ha ido, afortunadamente, cambiando. Ya nadie, salvo, algún imbécil puede defender esa absurda idea de la supremacía de la raza blanca o defiende el  "heroísmo" de los miembros del Ku Klux Klan. Pero de eso ya hablaremos.

El nacimiento de una nación (originalmente llamada The Clansman) es una película muda estrenada en  1915 dirigida por DW Griffith y que fue protagonizada por la diva del momento, Lillian Gish.

El guión es una adaptación de la novela The Clansman, escrita por Thomas Dixon Jr. Griffith co-escribió el guión (con Frank E.Woods), y co-produjo la película (con Harry Aitken) a través de su productora productora D.W. Griffith Corp. & Epoch . Se diseñó una banda sonora para la misma cuyo encargado fue Joseph Carl Breil y el director, D.W. Griffith . La fotografía fue trabajo de G.W. Bitzer, mientras que el montaje también fue labor del omnipresente David Wark Griffith.

El elenco de actores y actrices lo encabeza la diva Lillian Gish como Elsie Stoneman, Mae Marsh como la Flora Cameron, Henry B. Walthall como el coronel Ben Cameron, Miriam Cooper como Margaret Cameron , Mary Alden como Lydia Marrón , Ralph Lewis como Austin Stoneman , George Siegmann como Silas Lynch , Walter Long como Gus , Robert Harron como Tod Stoneman , Wallace Reid como Jeff the blacksmith, Joseph Henabery como Abraham Lincoln, Elmer Clifton como Phil Stoneman , Josephine Crowell como la señora Cameron , Spottiswoode Aitken como el Dr. Cameron , George Beranger como Wade Cameron , Maxfield Stanley como Duke Cameron , Jennie Lee como Mammy , Donald Crisp como el general Ulysses S. Grant , Howard Gaye como el general Robert E. Lee.

Sin acreditar aparecen varios actores que después tuvieron se propio recorrido como Mont Blue, Bobby Burns, como el líder del Klan, David Butler como soldado de la Unión / soldado confederado , Peggy Cartwright como niña, William De Vaull como Jake , John Ford como miembro del Klan , Gibson Gowland, Sam De Grasse como senador Charles Sumner, Olga Grey como Laura Keene, Russell Hicks, Elmo Lincoln como theblacksmith, Eugene Pallette como soldado de la Unión, Vester Pegg, Alma Rubens, Charles Stevens como Voluntario , Madame Sul-Te-Wan como mujer negra, Raoul Walsh como John Wilkes Booth, Jules White, Violet Wilkey como la joven Flora, Tom Wilson como el trabajador de de Stoneman, Mary Wynn. A destacar la presencia de dos grandes y futuros directores como John Ford y Raoul Walsh , así como otros actores que con el tiempo brillaron con luz propia como el caso del primer Tarzán, Elmo Lincoln.

Se película se presentó en sociedad el 08 de febrero de 1915 y, originalmente, estaba dividida en dos partes, separadas por un intermedio. Fue la primera película de 12 carretes en América.

La película narra la relación de dos familias en el Guerra Civil Americana y en la futura reconstrucción de Carolina del Sur - los Stonemans del norte y favorables a la Unión y los Cameron partidarios de la Confederación del Sur en el transcurso de varios años. El asesinato del presidente Abraham Lincoln por John Wilkes Booth pone fin a una parte y su consecuencias inicia la siguiente: Reconstrucción.

El film retrata las venturas y desventuras de dos familias amigas y que representan el norte y el sur de los Estados Unidos durante la Guerra de Secesión. Tiene , como ya he comentado, dos partes. La primera centrada en la Guerra Civil de Estados Unidos , y la segunda en la difícil reconstrucción.

La película sigue la vida de dos familias  Stonemans del Norte, abolicionistas y parientes del congresista Austin Stoneman, basada en la reconstrucción del congresista Thaddeus Stevens, sus dos hijos y su hija Elsie , frente a los Cameron del Sur, una familia, que incluye a los padres, presentados como auténticos señores del sur con dos hijas , Margaret y Flora, y sus tres hijos, destacando entre ellos a Ben.

Los hermanos Stoneman visitan los Cameron en su Carolina del Sur representado aquí como el Viejo Sur. Phil, el hijo mayor de los Stoneman , se enamora de Margaret Cameron, mientras que el joven Ben Cameron idolatra a una foto de la ausente Elsie Stoneman.

Cuando comienza la Guerra Civil, estos jóvenes se alistan en sus respectivos ejércitos. La milicia negra de los unionistas,  que actúa bajo un líder blanco, saquea la casa de los Cameron. Las mujeres Cameron son rescatados por soldados confederados  que luchan contra esta milicia.

Mientras tanto, el Stoneman más joven y dos de los hermanos Cameron mueren en la guerra. Por su parte, Ben Cameron es herido después de intervenir en la carga heroica que tuvo lugar en el cerco de Petersburg; como resultado, se gana el apodo de "el Pequeño coronel."

Ben es llevado a un hospital del Norte en Washington, DC, donde por fin se encuentra con el Elsie Stoneman a la que reconoce por la imagen que ha estado venerando desde que su amigo Cameron se la dio; ella trabaja allí como enfermera.

Mientras se recupera, Cameron  le comenta que será ahorcado por ser guerrillero confederado. Elsie habla con la madre de Cameron, que había viajado a Washington para atender a su hijo, y van a ver a Abraham Lincoln. El dolor de una madre que ya ha perdido a dos de sus hijos convence al presidente a emitir un indulto para Ben Cameron.

Cuando Lincoln es asesinado en el Teatro Ford, la  política  conciliadora de posguerra acaba con él. A raíz de la muerte del presidente, y con un vacío de poder , Austin Stoneman y sus compañeros congresistas radicales están decididos a llevar a cabo su deseo de castigar al Sur, y a tomar duras medidas que Griffith describe como haber sido típico de la era de la reconstrucción .

La segunda mitad de la película viene a ser Reconstrucción. Ahora   Stoneman y su protegido Silas Lynch, un mulato que exhibe características psicopáticas, viajan a Carolina del Sur para observar la concreción de las políticas de reconstrucción de primera mano.

La familia Cameron ha perdido todos sus bienes por orden de las nuevas autoridades militares llegadas del norte. Ahora los soldados de la ocupación, negros, son vistos desfilando por las calles y empujando los residentes blancos que aparecen  en las aceras.

A nivel afectivo, la llegada de Elsie anima notablemente a Ben, que empieza a salir con la chica Stoneman, mientras que el supervivientes de la familia norteña sale con la joven Flora Cameron,

Se van a desarrollar las elecciones y durante las mismas, en las que empieza a inscribirse personas de la comunidad de color, Silas Lynch es elegido vicegobernador. Dichas elecciones aparecen distorsionadas por el voto masivo y corrupto de la población negra que mete varios votos en las urnas. Además los blancos se ven siendo impedidos de votar, mientras que los negros se ven rellenando las urnas.

Los recién elegidos, miembros en su mayoría negros de la legislatura de Carolina del Sur, se muestran en sus escritorios que muestran un comportamiento inapropiado, como uno de los miembros que saca su zapato y poniendo sus pies sobre su escritorio, y otros bebiendo licor o comiendo pollo frito.

La legislatura aprueba leyes que requieren  a los civiles blancos saludar a los soldados negros y permitiendo matrimonios mestizos.

Mientras tanto, inspirada en la observación de los niños blancos simulando ser fantasmas para asustar a los niños negros, Ben Cameron se  plantea la formación del Ku Klux Klan. El Ku Klux Klan se presenta como una "milicia" destinada tan sólo a "imponer justicia" en favor de los blancos del sur.

Como resultado, Elsie, por lealtad a su padre, rompe su relación con Ben. Más tarde, Flora Cameron que ha salido al bosque a buscar agua , a pesar de las indicaciones de su hermano, y es seguido por Gus, un liberto y soldado que ahora es capitán. Gus persigue a Flora y le dice que quiere casarse. La chica asustada, huye hacia el bosque, perseguido por Gus. En la montaña se acerca a una roca del acantilado y parece decir a Gus que si se acerca se tirará por el precipicio, Cuando lo hace, ella muere.

Mientras esto ocurre Ben va como loco buscándola por el bosque. Ben llega tarde al acantilado, baja y la abraza; él la sostiene mientras ella muere, y lleva a su cuerpo de vuelta a la casa de Cameron.

En respuesta, el Klan que ya ha empezado sus acciones persigue a Gus, que es encontrado culpable y linchado colocando su cadáver a la puerta de la casa del Vicegobernador Lynch.

Lynch entonces ordena una ofensiva contra el Klan. El Dr. Cameron, el padre de Ben, es arrestado por la posesión de un traje del Klan perteneciente a  Ben, que ahora se considera un delito punible con la muerte. Sus sirvientes negros fieles lo rescatan con la ayuda de Phil Stoneman.

Juntos huyen, junto con Margaret Cameron. Cuando su carro se descompone poco antes de pasar el vado de un río continúan su camino a través del bosque hasta llegar a una pequeña cabaña que es el hogar de dos ex soldados  de la Unión que están de acuerdo para ocultarlos. Aparece el siguiente intertítulo, "Los antiguos enemigos del Norte y del Sur se unen de nuevo en defensa de su ario derecho de nacimiento."

Por su parte, el congresista Stoneman se opone a la represión del Vicegobernador Lynch. Elsie, que sabe de la detención del Dr. Cameron, va a buscar a Lynch para abogar por su liberación.

Lynch, que desea libidinosamente a Elsie, le pide en matrimonio , se lo exige , lo que hace que ella se desmayara.

En eso que vuelve Stoneman. Ante esto Lynch coloca el cuerpo de Elsie en otra habitación. Al principio, Stoneman se muestra feliz cuando Lynch le dice que quiere casarse con una mujer blanca, pero se enoja luego cuando Lynch le dice que es la hija de Stoneman.

Los espías encubiertos del Klan descubren la difícil situación de Elsie cuando se rompe una ventana y clama por ayuda, y los miembros del Klan van en su ayuda. Elsie cae inconsciente de nuevo, y revive mientras  es amordazada y es atada.

Por su parte, el Klan, reúne a  todos los suyos encabezados por Ben llevándolos  por toda la ciudad para intentar recuperar el control de la misma.

Cuando las noticias sobre Elsie llegan a Ben, él y los demás van a su rescate. Elsie se quita la mordaza y grita ayuda. Lynch es capturado. Victoriosos, los miembros del Klan lo celebran en las calles.

Mientras tanto, la milicia de Lynch rodea y ataca la choza donde los Cameron se esconden. El Klan, con Ben a la cabeza, llega justo a tiempo.

En las próximas elecciones, los negros encuentran una línea de caballeros montados y armados pertenecientes al Klan a las afueras de sus casas, y se sienten intimidados no yendo a votar.

La película concluye con una doble boda como Margaret Cameron que se casa con Phil Stoneman y con Elsie Stoneman que se casa con Ben Cameron.

Las masas se muestran oprimidos por una figura guerrero gigante que se desvanece poco a poco. La escena cambia a otro grupo la búsqueda de la paz bajo la imagen de Jesucristo, acabando con un deseo de paz la película.

El nacimiento de una nación se comenzó a filmar en 1914 y fue pionero en este tipo de técnicas de cámara como el uso de tiros largos panorámicas, los efectos de iris, naturalezas tiros, fotografía nocturna, diversas tomas de cámara, y presentar por etapas y de forma cuidadosa las  secuencias de batalla con cientos de extras. También contiene muchas nuevas técnicas artísticas, como el teñido de color con fines dramáticos, dramatizando la historia junto a la ficción, y con su propia partitura musical escrita para una orquesta.

La película fue un éxito comercial, rompiendo tanto taquilla y los registros en la duración de la película con sus tres horas y diez minutos. Eso sí, resulto muy controvertida debido a su retrato de los hombres negros (algunos interpretados por blancos actores en cara pintada de negro) como pocos inteligentes y agresivo sexualmente con las mujeres blancas, y por el valor dado al Ku Klux Klan cuya fundación se presenta como una fuerza heroica. Hubo protestas generalizadas de los afroamericanos contra El nacimiento de una nación,  en ciudades como Boston, mientras que miles de bostonianos blancos acudieron a ver la película. La NAACP encabezó una infructuosa campaña para prohibir la película.  La indignación de Griffith en los esfuerzos para censurar o prohibir la película lo motivó para producir otra importante película al año siguiente: Intolerancia. La película también coincidió con  uno de los acontecimientos que inspiraron la formación de la "segunda época" Ku Klux Klan en Stone Mountain, Georgia,  ya que se realización coincide en el tiempo con el juicio y linchamiento de Leo Frank en 1913 por el asesinato de María Phagan en Atlanta, y fue utilizado como una herramienta de reclutamiento para el KKK.

Bajo la presidencia de Woodrow Wilson fue la primera película americana que se proyectó en la Casa Blanca, aunque en 1914 la película italiana Cabiria había sido vista  en el césped de la Casa Blanca.

Las técnicas innovadoras de Griffith y su  poder para contar historias han hecho de esta película , El nacimiento de una nación,  uno de los hitos de la historia del cine. En 1992, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos considera que la película "cultural, histórica o estéticamente significativa" y seleccionada para la preservación en el Registro Nacional de Cine. En 1998, fue votado como uno de los "Films Top 100 de América" ​​(# 44) por el American Film Institute.

La obra parte de la novela de Dixon. Griffith, cuyo padre sirvió como coronel en el ejército confederado, acordó pagar Thomas Dixon $ 10.000 por los derechos de su obra The Clansman, pero al carecer de loquidez, Griffith le ofreció a Dixon el 25 por ciento de la taquilla. Dixon aceptó de mala gana, pero debido al éxito sin precedentes de la película se hizo rico con varios millones de dólares.

El presupuesto de Griffith originario era de unos US $ 40.000 , pero se elevó a más de $ 100.000 . Los ingenieros de  West Point le prestaron asesoramiento técnico sobre las Guerra Civil para las escenas de la batalla. Ellos proporcionaron a Griffith la artillería utilizada en la película.

Algunas escenas de la película fueron filmadas en los porches y jardines de la Plantación Homewood en Natchez, Mississippi.

La película se estrenó el 8 de febrero de 1915, en el Auditorio de Clune en el centro de Los Ángeles. En su estreno la película se tituló The Clansman, pero el título fue cambiado posteriormente a El nacimiento de una nación para reflejar la creencia de Griffith que Estados Unidos surgió de la guerra civil americana y la reconstrucción como una nación unificada.

La película, afortunadamente,  es de dominio público. Aunque El nacimiento de una nación es comúnmente considerado como un punto de referencia por sus innovaciones dramáticas y visuales, el uso de la música fue sin duda no menos revolucionario. Aunque todavía era cine mudo, era una práctica común distribuir hojas  musicales, junto con cada impresión de una película.  Para El nacimiento de una nación, el compositor Joseph Carl Breil compuso una partitura musical de tres horas de duración que combina los tres tipos de música en uso en el momento: las adaptaciones de obras existentes de compositores clásicos, nuevos arreglos de melodías conocidas, y música compuesta inicial. A pesar de que había sido compuesta especialmente para la película, la puntuación de Breil no fue utilizado para la premier de Los Ángeles de la película en el Auditorio de Clune, usándose una composición de Carli Elinor  en su lugar, y esta puntuación se utiliza exclusivamente en proyecciones de la Costa Oeste.

La puntuación de Breil no se utilizó hasta que la película se estrenó en Nueva York en el Liberty Theater, y fue la puntuación utilizado en todas las proyecciones salvo aquellos en la costa oeste.  Fuera de composiciones originales, Breil adaptado la música clásica para su uso en la película, incluyendo pasajes de El cazador furtivo de Carl Maria von Weber, Leichte Kavallerie por Franz von Suppé, Sinfonía No. 6 por Ludwig van Beethoven y la Cabalgata de las valquirias de Richard Wagner , este último utilizado como hilo conductor durante el viaje del KKK. Breil también organizó varias canciones tradicionales y populares que habrían sido reconocibles para el público en el momento, incluyendo muchas melodías del Sur; entre estas canciones fueron "Maryland, My Maryland", "Dixie", "Old Folks at Home", "El Star-Spangled Banner", "America the Beautiful", "El Himno de Batalla de la República", "Auld Lang Syne" y "¿De dónde sacaste ese sombrero?". En sus composiciones originales para la película, Breil escribió numerosos leitmotivs para acompañar la aparición de caracteres específicos. El tema de amor principal que se creó para el romance entre Elsie Stoneman y Ben Cameron fue publicado como "The Perfect Canción" y es considerado como el primer tema comercializado de una película.

Como ya señalamos anteriormente, la Asociación Nacional para el Avance de la Gente de Color The National Association for the Advancement of Colored People (NAACP), (NAACP), fundada en 1909, protestó en el estreno de la película en numerosas ciudades. Según el historiador David Copeland, durante el estreno de la película en la ciudad de Nueva York, "su temática se había envuelto la película en la acusación de racismo, protestas, por lo que pidió la censura. En  Los Ángeles la rama local de la NAACP solicitó al Film Board de la ciudad prohibir la película. La NAACP también llevó a cabo una campaña de educación pública, con la publicación de artículos que protestaban por la película y las errores. Incluso hubo disturbios en Boston, Filadelfia y otras ciudades importantes.

El carácter difamatorio de la película hacia la comunidad de color fue un catalizador para las pandillas de blancos a atacar a los negros. En Lafayette, Indiana, después de ver la película, un hombre blanco mató a un adolescente negro. El alcalde de Cedar Rapids, Iowa, prohibió la película en 1915 después de reunirse con una delegación de ciudadanos negros, fue el primero de los doce alcaldes que prohibieron o censuraron la película por temor a que su proyección promovería un prejuicio racial.

En las ciudades de Chicago, Denver, Kansas City, Minneapolis, Pittsburgh y San Luis  hubo también problemas.

Thomas Dixon, Jr., autor de The Clansman, era un antiguo compañero de clase de Woodrow Wilson en la Universidad Johns Hopkins. Dixon organizó una proyección en la Casa Blanca para el entonces presidente Wilson, miembros de su gabinete, y sus familias. Wilson se dice que dijo sobre la película: "Es como escribir la historia con un rayo. Y lo único que lamento es que sea todo tan terriblemente cierto", aunque algunos historiadores lo ponen en duda, aunque la frase atribuida a Wilson favoreció, posiblemente, la difusión de la película.

Griffith, indignado por la recepción crítica negativa de la película, escribió cartas a los periódicos, y publicó un folleto en el que acusó a sus críticos de censurar opiniones impopulares. Se dice que su siguiente película, Intolerancia (1916), es una respuesta a los que había censurado su película.

No obstante, hay que reconocer que en general la recepción de la película por parte del público fue positivo. En más de tres horas de duración (incluidos los intermedios), los cinéfilos estadounidenses nunca habían visto nada igual - panoramas espectaculares del campo de batalla, el melodrama casi de ópera y escenas de persecuciones emocionantes. Las audiencias blancas respondieron con lágrimas, jadeos, aplausos, silbidos y vítores estridentes.

Poco después de la Primera Guerra Mundial, en 1918, Emmett J. Scott ayudó a producir otra película, en este caso dirigida por  John W. Noble y que lleva por título El nacimiento de una raza, como continuación a la película de Griffith. Contaba con una familia alemana-estadounidense dividido por la guerra, con hijos que luchan en cada lado, y la lealtad a los Estados Unidos para ayudar a la victoria.

Señalar que , a partir de 1919, se procedió a la censura de algunas secuencias por parte del director / productor Oscar Micheaux para satisfacer a la comunidad afroamericana que veía en el filme una mala imagen de los esclavos libertos tras la Guerra de Secesión, tachando a éstos de haraganes, borrachos, ansiosos tan sólo de robar propiedades de sus antiguos amos y de violar mujeres blancas, al punto que en el desenlace se aprecia unas mujeres sureñas, secuestradas por un liberto armado, salvadas de una violación in extremis gracias a los hombres del Ku Klux Klan.

Políticos e intelectuales se pronunciaron contra el filme, al mostrar un mensaje racista que aparecía como extremista y feroz inclusive en una época cuando la segregación racial era aún practicada en los Estados Unidos. La polémica se vio aumentada por cuanto en los créditos iniciales aparecía en pantalla una frase del propio presidente Woodrow Wilson alabando al Ku Klux Klan como "protector del sur", lo cual implicaba un mensaje de adhesión racista del propio Presidente de los EE.UU. Tras la polémica causada por el filme, el propio Wilson se vio obligado a declarar ante la prensa que él personalmente reprobaba la "lamentable producción". A diferencia de la posición antes mantenida en el Viejo Sur, el presidente Abraham Lincoln no es mostrado como enemigo de los sureños sino como "el Gran Corazón" amistoso hacia los blancos sureños al terminar la guerra.

En paralelo, el filme dio amplia publicidad al Ku Klux Klan en los estados del Sur, después de haber sido el "KKK" un grupo marginal en la década de 1870 y estar casi olvidado por décadas, al punto que el resucitado "KKK" utilizó fotografías del filme en su reclutamiento de nuevos afiliados.

Al margen de todo eso Birth of a nation se considera un hito de la historia del cine porque David Wark Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Crea un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad: los planos son alternados y no siempre fijos, la cámara se puede desplazar, los planos y tomas pueden ser totales o parciales, etc. rompiendo definitivamente con el antiguo esquema cinematográfico donde una película podía ser la simple filmación de una función teatral común.

La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos "generales" que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos "cortos" donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo de Griffith.

También destacan las diversas formas de tomas que hace el director desplazando la cámara, resaltando una vista panorámica o un elemento muy específico de la escena, y grabando a los actores en diversos ángulos parciales para resaltar gestos o emociones (abandonando el viejo "dogma" de grabar individuos sólo de cuerpo completo)

Es famosa la detallada escena que hace D.W Griffith del asesinato de Lincoln, estudiada en numerosos manuales de cine de los cuales el más famoso es el análisis del director Karel Reisz (La mujer del teniente francés, 1981). Como curiosidad el actor que encarna al asesino de Lincoln es Raoul Walsh (1887-1980) uno de los grandes directores de cine de toda la historia.

La recaudación en taquilla de la película  no se conoce con exactitud, y fue objeto de largo a la exageración. ya que propios registros de Griffith suman las ganancias mundiales de Epoch que alcanzarían los  $ 5.2 millones a partir de 1919.

En las ciudades más grandes, Epoch negoció con los propietarios de salas individuales para un porcentaje de la taquilla; otra parte el productor vendió todos los derechos en un estado en particular a un solo distribuidor (una disposición conocida como "derechos de los estados" de distribución). Para el historiador de cine Richard Schickel "Nacimiento sin duda generó más de $ 60 millones en negocios de taquilla en su primera carrera". En 1940 Time magazine estimó que la ganancia  acumulada de la película de alquiler bruto (ingresos de la distribuidora) en aproximadamente $ 15 millones. La película fue la más taquillera hasta que fue superado por Lo que el viento se llevó.

El sitio web Rotten Tomatoes, que recoge opiniones de diversas fuentes, indica que la película tiene un 100% de aprobación calificación. Daniel Andreas en filmaffinity considera que es "la obra maestra de Giffith sólo puede describirse recurriendo a los superlativos. Es, en gran medida, el origen del lenguaje cinematográfico: apenas veinte años después de la invención del cine, Griffith utiliza con una sabiduría de experto el primer plano, el montaje paralelo, el flashback y la profundidad de campo; y, por si fuera poco, sienta las bases de la narrativa y la tensión dramática del cine clásico de Hollywood. (...) Lamentablemente, la película es también de un racismo sangrante. No sólo se hace apología del Ku Klux Klan a lo largo de todo su último tercio, sino que los negros (¡interpretados por actores blancos con las caras pintadas!) son retratados de forma absolutamente atroz, en un discurso que habría firmado encantado, un par de décadas después, el mismísimo Hitler (se menciona expresamente el carácter “ario” de la raza blanca). Pero, si se puede hacer abstracción de ello, la película se convierte en un espectáculo visual y narrativo realmente conmovedor. 

El crítico de cine  Roger Ebert comentó, (...) "El nacimiento de una nación. No es una mala película, ya que aboga por el mal de igual Riefenstahl triunfo de la voluntad, que es una gran película que aboga por el mal. Para entender cómo lo hace es aprender mucho sobre la película, e incluso algo sobre el mal. " Dolido por las críticas de que la segunda parte de su obra maestra era racista en su glorificación del Ku Klux Klan y sus imágenes brutales de los negros, Griffith trató de hacer las paces en Intolerancia (1916), que criticó los prejuicios.  Y continuó diciendo "Ciertamente, El nacimiento de una nación (1915) presenta un desafío para las audiencias modernas. Desacostumbrado a las películas mudas y desinteresado en la historia del cine, les resulta pintoresco y no a su gusto. Aquellos evolucionado lo suficiente como para entender lo que están mirando a encontrar las primeras escenas y en tiempos de guerra brillante, pero encogerse durante las escenas de la posguerra y la reconstrucción, que son racistas en el camino-ham mano de un espectáculo juglar viejo o un panfleto cómico vil. "

La actriz Mary Pickford dijo de ella que " El nacimiento de una nación era la primera imagen que la gente realmente hechas toman la industria del cine en serio "

Según el historiador de cine Kevin Brownlow, la película era "asombrosa en su tiempo" e inició "tantos avances en la técnica de realización de películas que se ha quedado obsoleto en unos pocos años."

Como ya comenté el pasado año con Cabiria , Griffith tomo como referencia esos modelos italianos de colosales proporciones, cientos de extras e incluso en su temática histórica. Utilizó recursos que ya existían y que él no había inventado: travelling, primer plano, montaje espacial de planos, montaje temporal de secuencias paralelas, plano general...Pero Griffith utiliza la cámara en atención a la necesidades funcionales de la historia o de la escena: primer plano para subrayar una reacción o un detalle; plano general para situar la secuencia; movimientos de cámara para narrar desplazamientos físicos; montaje alternado para relacionar escenas simultáneas en varias ubicaciones; y así sucesivamente. Pero a la vez utiliza esos recursos para transmitir emociones y sentimientos que una escena filmada conforme a patrones exclusivamente técnicos jamás hubiese expresado. El primer plano de un moribundo, insertado con milagroso "timing", adquiere un sentido trágico añadido; el plano general del campo de batalla es hermoso por su breve intención pictórica, y no sólo sirve para orientar al espectador; los montajes de escenas alternas están cortados con tal dinamismo y perfección que el simple suspense se transforma en hermoso misterio.

A esto se añade una idea esencial: es el primer artista que es, a la vez, en autor. Para ello gusta de coreografiar  escenas de masas  visibles en la batalla o en  el incendio de Atlanta o la carga final del KKK o los sentimientos desbordados en esos fantásticos primeros planos que reflejen la pasión, el odio, el amor. Esta considerada la primera película dotada de un lenguaje cinematográfico claro, impactante, complejo y que sentaría las bases de la cinematografía moderna incluso años antes de que otras películas se atrevieran a positivar el derrame de secuencias, elipses, cortinas e imágenes sobrepuestas y que tanto engancharían al público de varias generaciones hasta la posteridad gracias al avance de los recursos técnicos. Más allá de las interpretaciones sobre su mensaje racista por parte de los secesionistas, o  patriótico de los del norte, David W. Griffith permite la libre interpretación de lo que va a venir posteriormente después del asesinato de Lincoln; desestabilización de un país en donde solo imperarán la anarquía y la guerra de guerrillas.

Para Javier Memba en el Diario El mundo esta película, según publicó el día del centenario sobre la película lo siguiente: El cine empezó con una oda racista al Ku Kux Klan. Y continua  (...)  Griffith en 'El nacimiento de una nación' (1915), de cuyo estreno se cumplirá un siglo el próximo tres de marzo dará una utilización dramática del primer plano; en fin, la sistematización de todos los recursos narrativos que el cine había desarrollado hasta entonces, fueron sintetizados por Griffith en dicho film. Ahora bien, una vez sentada su genialidad y su carácter de pórtico, no sólo del cine estadounidense, sino del lenguaje cinematográfico en general, hay que señalar la apología de una organización terrorista tan cruel como el Ku Klux Klan que inspira 'El nacimiento de una nación'. 

Basada en una novela del reverendo Thomas Dixon -'The Clansman'-, en sus secuencias, la demagogia y la genialidad corren parejas. (...)  Aunque el montaje y la organización de la cinta sentarán las bases de lo que aún ahora sigue siendo la narrativa fílmica, el encendido odio a los norteamericanos más débiles, que inspira una película tan maniquea como magistral -esos jinetes del famoso "rescate en el último minuto" son los asesinos del Klan-, provocó decenas de linchamientos y castraciones de afroamericanos por parte de los espectadores del cineasta. 

La cinefilia tienda a contemporizar respecto al racismo de su autor, pero esa exaltación del odio racista de Griffith fue la primera muestra del potencial propagandístico del cine. Naturalmente también hubo protestas ante semejante llamada a la barbarie en nombre de la supuesta civilización. 

La cinta resultó ser un éxito de taquilla. Cien años después, cuando hemos visto a Lars Von Trier retomar ese espíritu de Griffith en 'Manderlay' (2005), sabemos que las obras deben juzgarse al margen de la ideología de sus autores. Si Hitler o Stalin hubieran hecho una buena película no se vería afectada por la actividad criminal que estos dictadores llevaron a cabo. Siempre y cuando sus secuencias no estuvieran contaminadas por el espíritu que les llevó a sus respectivas matanzas. De hecho, los lectores más libres de prejuicios, leen Viaje al fin e la noche (1932), la gran novela de Louis-Ferdinand Céline, sin tener en cuenta que este autor francés fue uno de que quienes apoyaron la invasión alemana de su país. Pero Viaje al fin de la noche, en modo alguno, es una apología del nazismo. Ahora bien, ¿qué hacer cuando el argumento de la obra es la exaltación de una banda criminal como es el caso de Griffith? La respuesta, una vez más, está en el viento. 

Igualmente debo reflejar aquí lo que aprendí hace años en el transcurso de un  fantástico curso del entonces INTEF titulado  El cine como recurso didáctico. En su  Módulo 2b - Lenguaje cinematográfico: Montaje se nos presenta un estudio pormenorizado de "El nacimiento de una nación (Birth of the Nation, 1915) Sobre el tema del montaje os pido que leáis lo que aquí aparece. Todo un  acierto.

Griffith, nacido en el seno de una familia sureña (su padre había sido coronel del ejército confederado) defendía una ideología supremacista blanca. La película, dirigida en 1915, está basada en el melodrama El hombre del Klan de Thomas F. Dixon, y narra los destinos cruzados de dos familias, los Stoneman, del norte y los Cameron, del sur, durante la Guerra de Secesión americana. 

A lo largo de toda la película, Griffith muestra lo que consideraba la amenaza de la raza negra y trata con benevolencia el nacimiento del Ku Klux Klan. Esta incidencia derivará en las protestas surgidas durante su estreno por parte de asociaciones abolicionistas y pro derechos civiles. 

Pero, más allá de su ideología, hay que reconocer a Griffith el mérito de lograr que el cine abandonara la estética teatral. Así vemos cómo Griffith maneja la ficción según sus propios criterios artísticos; la cámara toma parte en los acontecimientos, la acción es fragmentada y el montaje se convierte en la base de la narración. 

En la película de la que estamos hablando existen algunas secuencias magistrales y toda la película está salpicada de aciertos: El recurso al plano detalle permite destacar elementos de la acción con gran carga dramática. Así ocurre con el plano de la flor que el encandilado Stoneman le entrega a su amada; o la foto que Cameron ve de su amor platónico; el plano corto del gato de la familia Cameron, que se abalanza sobre un cachorro de perro, que subrayado con el intertítulo "Hostilidad", anticipa la crueldad del conflicto civil que se narrará más adelante. Algunos de estos detalles son recortados visualmente con cachés (catchs), recurso que Griffith utilizó con profusión. 

 La utilización de los planos generales. Nunca el cine había ofrecido espacios tan amplios, mostrando la inmensidad de los campos de batalla, con el colosal despliegue de extras y efectos especiales (cañonazos y bombardeos) con que contó el film. Pero además este tipo de plano es utilizado de forma expresiva, como en la escena en que Lincoln tiene que tomar decisiones drásticas de guerra. Estas secuencias concluyen siempre con el presidente meditabundo y preocupado, encerrado en la soledad del plano general. 

Montajes paralelos. Muy frecuentes a lo largo de la película. Por lo general, concluyen con su popular salvamento en el último instante, como en la secuencia de salvamento de Flora Cameron, perseguida por Gus el renegado. O en la secuencia final, con el salvamento de las familias acorraladas por el ejército negro insurgente, llevado a cabo por las tropas del Ku Kux Klan. 

En estos montajes, Griffith ya desarrolla el progresivo acortamiento de los planos de las diferentes acciones a medida que estas se acercan a su confluencia final, circunstancia que las dota de una progresión rítmica constante a medida que se acercan al clímax de acción. Con el montaje paralelo Griffith crea contrastes dramáticos entre las acciones. En la secuencia previa a la partida de las tropas sureñas al frente, en las que se montan en paralelo tres acciones: el baile de despedida, la celebración en la calle con fuegos artificiales, y la inquietud en los hogares donde mayores y niños esperan la inaplazable partida de las tropas. Con ello surge un contraste dramático muy emotivo, al combinarse la alegría de las celebraciones con la tristeza de la partida. 

La profundidad de campo. Utilizando objetivos de distancia focal corta con un ángulo de visión amplio y que magnifican las distancias y el espacio, de modo que en un solo plano se muestran varios planos visuales en profundidad, con más información que además puede ampliarse rápidamente en la misma toma con travellings, panorámicas... Por ejemplo: la secuencia en la que la mujer con sus hijos, en primer término, ve partir a las tropas y con un pequeño movimiento de cámara se muestra el campo de batalla en el que desfilan cientos de soldados en un plano lejano. 

Dos secuencias magistrales con todos los descubrimientos narrativos de Griffith son el Asesinato de Lincoln y la persecución de Gus.

En la primera se ofrece un meticuloso tratamiento de la fragmentación espacial. El teatro en plano general de referencia, donde van a ocurrir los acontecimientos: el plano general corto del palco, donde disparan a Lincoln, el plano medio de los protagonistas en las butacas, el plano general corto del escenario. La inclusión de estos planos habría sido de muy difícil comprensión para el espectador de entonces de no haberse incluido una y otra vez el plano general de referencia, que permite integrar los detalles de la acción. Curiosamente, el único plano que no se puede ubicar en el espacio global es el del asesino, que de esta forma adquiere la dimensión de personaje oculto. En cuanto al tratamiento del tiempo, también se observa ya la creación de una temporalidad abstracta. Por un lado, las tres horas que aproximadamente dura la acción narrada (que se puede medir por la duración de la obra representada en el teatro, Nuestro primo americano, de la que se muestra el comienzo del primer y tercer acto) se reducen a los cinco minutos que aproximadamente dura la secuencia. Esta compresión temporal no impide, por otro lado, el alargamiento de otros fragmentos aislados, como puede ser el momento del disparo, que se dilata unos segundos con la inclusión de un plano del escenario (lo que genera cierto suspense).

En la secuencia de la persecución de Gus, el renegado se aprecia la eficacia del montaje paralelo. Por un lado, permite contrastar en su inicio la soledad y fragilidad de Flora Cameron con la ternura de la ardilla que está en el árbol, creando una metáfora evidente. A la vez se incluyen los planos de Gus, que merodea alrededor, significando una amenaza para la joven. Instantes después se introduce otra línea de acción, la del hermano de la chica que, preocupado por su ausencia, sale a buscarla. Poco a poco, las acciones de los tres personajes van a confluir, cuando el hermano consiga llegar a tiempo de ver como las amenazas de Gus hacen precipitarse al vacío a su hermana. Finalmente consigue recuperar el cuerpo moribundo de su hermana. Hasta este punto se ha producido un montaje alternado con la persecución de los tres personajes, en un frenesí de planos que muestran las referencias visuales del paso de cada uno de ellos por los mismos sitios, permitiendo al espectador calcular el tiempo que les separa. 

Griffith desarrolla con acierto estas técnicas novedosas y complejas en un tiempo en que la narración fílmica se encuentra en un estado primitivo. Aún las mejora en su siguiente película, Intolerancia, y con ello establece unos recursos que el cine ya no abandona. 

Mejor que esta explicación hay poco más que decir. Lo único que me resta para acabar es eso, desearos un Feliz año a todos, y que sea de cine.

lunes, 28 de diciembre de 2015

Percy Jackson y el rayo que no cesa


Desde que mis hijos eran pequeños quise que estuviesen interesados en la mitología. Reconozco que mi acercamiento a ella fue casual. Una serie de afortunadas circunstancia hizo que en el verano de año 1999 estuviese en Grecia, en sus islas , así como en la costas de Turquía cerrando ese año un interesante periplo por toda el área de La Hélade. Al visitar alguno de sus principales yacimientos descubría que gran parte de su explicación estaba relacionada con mitos de la teogonía y de la heroicidad. Para mi fue un inmersión inolvidable en la cultura griega. Pero los dioses quisieron que ese año cambiase de centro y que ahora me viese en la obligación de dar una nueva optativa para cuarto de la ESO. Entre el abanico de materias que se me abrían había una que no me pertenecía directamente, pero que respondía a mis intereses (... y con el tiempo descubrí con el de mi alumnado: Cultura Clásica). Esto me llevó a cierto conocimiento , no digo que en profundidad, pero sí en extensión de muchos mitos, pequeñas historias que fui contando a mis hijos y que con el tiempo a ellos encantaron: Ya fuesen obras menores, ya fueran obras mayores, alguna de ellas firmada por Robert Graves, el caso que es les interesó tanto como en su momento le habían interesado el mundo de los dinosaurios.

Uno de esos encuentros afortunados  que tuvieron mis hijos se produjo con la totalidad de la colección de libros pertenecientes al escritor Rick Riordan  y que tenía como protagonista que vertebra sus obras a una nueva  y actualizada encarnación del mito de Perseo en la figura de Percy Jackson. En alguna de las entradas de este blog ya comentamos su segunda película, Percy Jackson y El mar de los monstruos pero ahora nos referimos a la primera que lleva por título Percy Jackson y el ladrón del rayo o en inglés: Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief

Se trata de una película del año 2010 fantasía y aventuras dirigida por el inquieto y eficaz Chris Columbus. La película es una adaptación del primer libro del escritor Rick Riordan  El ladrón del rayo. Eñl director participa doblemente en su condición de productor conjuntamente con Michael Barnathan,  Karen Rosenfelt  y Mark Radcliffe junto a las productoras 1492 Pictures, Dune Entertainment e Imprint Entertainment , Fox 2000 Pictures invirtiendo en ella la friolera de 95 millones de euros. La distribución recayó en la 20th Century Fox, obteniendo una recaudación superior a los 225 millones de dólares.

Lógicamente el guión viene marcado por el libro de Rick Riordan , aunque el guión lo firma Craig Titley y Joe Stillman. La música en la película es de Christophe Beck , mientras que la fotografía es de Stephen Goldblatt y el montaje de Peter Honess.


El reparto lo encabezan jónes actores y actrices acompañados de veteranos de alta talla. Entre los primeros está Logan Lerman como Percy Jackson, Brandon T. Jackson como el sátiro Grover Underwood , la guapa Alexandra Daddario como Annabeth Chase, Jake Abel como Luke Castellan, rebelde y malcriado hijo de Hermes. Junto a los jóvenes, los veteranos Pierce Brosnan como el centauro Quirón, Rosario Dawson como Perséfone, diosa del mundo infernal y las estaciones, Uma Thurman como Medusa, Sean Bean como Zeus, Kevin McKid como Poseidón, dios del mar, los ríos, las tormentas, los terremotos, Steve Coogan como Hades, dios del inframundo, Melina Kanakaredes como Atenea, diosa de los guerreros, la estrategia bélica, la justicia y la sabiduría. Junto a ellos aparecen Joe Pantoliano como Gabe Ugliano, padrastro de Percy,Dylan Neal como Hermes, mensajero de los dioses, dios del comercio y los viajeros de todo tipo, Erica Cerra como Hera, diosa del matrimonio, Serinda Swan como Afrodita, diosa de la belleza y el amor, Stefanie von Pfetten como Demeter, diosa de la tierra y la cosecha, Tim Aas como Procrustes, Ray Winstone como Ares, dios de la guerra, Dimitri Lekkos como Apolo, dios del Sol, la poesía, la profecía, la música, el arte y el deporte, Ona Grauer como Artemisa, diosa de la caza, los animales salvajes, Luke Camilleri como Dioniso, dios del vino y la festividad, director de Camp Halfblood ( Campamento media sangre/mestizo), Maria Olsen como Mrs. Dodds/Furias, personificación de la venganza, Julian Richings como Caronte, barquero del río Estigia, Catherine Keener como Sally Jackson de Ugliano, madre de Percy.

La historia comienza cuando en la ciudad de Nueva York, Zeus y Poseidón se reunen en la parte superior del Empire State Building, donde Zeus revela que su rayo ha sido robado y acusa al hijo de Poseidón, Percy Jackson, del robo. Poseidón le recuerda que Percy no es consciente de su verdadera identidad, pero Zeus declara que al menos que su perno vuelva al Monte Olimpo antes del solsticio de verano, dentro de dos semanas, la guerra se librará entre todos los dioses.

En esto que un joven llamado Percy Jackson (Logan Lerman), cuya madre le ha ocultado que es un hijo del dios griego Poseidón (Kevin McKidd).  Se trata de un joven de 16 años de edad, con problemas escolares por su dislexia, y que tiene una capacidad única para permanecer bajo el agua durante mucho tiempo. Su mejor amigo es un compañero de clase llamado Grover Underwood (Brandon T. Jackson), un sátiro camuflado como un chico que lleva muletas.

En una visita escolar a un museo de arte clásico, Percy es atacado por una Furia que aparentaba ser su profesora sustituta. Esta le exige el rayo.y en ese momento comienza su aventura. El mejor amigo de Percy, Grover Underwood, y su profesor de latín, el Sr. Brunner - ambos discapacitados - ayudan a Percy y alegan a la Furia usando una pluma del Sr. Brunner. Grover le dice Percy que la pluma es una espada. Al enterarse de la razón del ataque de la furia, el Sr. Brunner le dice a Grover que debe ir con Percy y su madre Sally al Campamento Mestizo, dejando atrás al marido abusivo de Sally, Gabe Ugliano.

Grover y Percy van a buscar a Sally Jackson, la madre de Percy, para que los lleve al Campamento Mestizo, un campamento construido para entrenar a todos los semidioses (medio mortales, medio dioses), al que los mortales no tienen acceso.

De camino al campamento, Hades envía a un minotauro para secuestrar a Sally. Los tres son atacados por un minotauro que aparece para matar a Sally, que no es capaz de entrar en el campamento. Percy usa su espada para luchar contra el Minotauro, sin éxito inicial. Finalmente, Percy mata al Minotauro con su propio cuerno,  y a continuación, se desmaya de shock. Tres días más tarde, Percy se despierta en el campamento.

Al llegar, Percy descubre que es un semidios cuyo padre es Poseidón.   Descubre que Grover es un sátiro disfrazado  y su protector, y que el Sr. Brunner es el centauro Quirón también disfrazado. Quirón sugiere que Percy vaya al Monte Olimpo para convencer a Zeus de su inocencia. Percy comienza el entrenamiento para usar sus poderes semidioses, que incluyen la manipulación del agua y el uso de agua para sanar.

En el campamento conoce a la hermosa Annabeth Chase (Alexandra Daddario) de quien se enamora a primera vista (se puede notar por como admira su habilidad y su belleza y como no la deja de mirar). En el campamento conoce a Luke Castellan, el hijo de Hermes.

Tiene que competir contra "Los héroes" en una competencia de captura de la bandera, porque lo aceptaron en el equipo contrario, "Los guerreros", que ganan gracias a Percy. También conoce a otros semidioses, incluyendo Annabeth Chase, hija de Atenea; y Lucas Castellan, hijo de Hermes. Después de ganar el juego de la bandera, Percy es visitado por una aparición de su tío Hades, quien revela que Sally está con él en el mundo terrenal y no está muerta, como él pensaba, y que regresará a su seguridad si Percy retorna con el rayo de Zeus  que todos los dioses creen que él lo ha robado.

Desafiando las órdenes de Quirón, Percy decide ir al inframundo, junto con Grover  y Annabeth. Esto lleva a Percy a embarcarse en una aventura, en un escenario actual, con sus amigos Annabeth Chase (Alexandra Daddario), la hija de Atenea y Grover , Grover el sátiro, para salvar a su madre (Catherine Keener).

Tienen que buscar tres perlas de Perséfone (Rosario Dawson), la esposa de Hades, que son para sus "visitantes secretos" y que pueden utilizar para escapar del inframundo.. Estas se encuentran repartidas por todo el país. Luke, uno del campamento e hijo de Hermes, también  les da un par de zapatillas aladas que Luke robó a su padre y un escudo que Luke lo describe como su favorito.

En cuanto a las perlas, una se encuentra en el jardín de la tía Emme, que en realidad es Medusa (Uma Thurman) que intenta matarlos , pero muere decapitada por Percy; optan por llevarse la cabeza para su uso posterior.

La segunda perla se encuentra en una réplica del Partenón en Nashville, Estados Unidos, donde Percy usa las zapatillas aladas para tomarla, pero para conseguirlo han de pelean con la Hidra de Lerna, un dragón de cinco cabezas.

La última perla está  en Las Vegas (Nevada), en el hotel y casino "Lotus" , en donde le ofrecen para comer flores de loto y olvidar la razón por la que están allí. Las flores hacen que siempre te quieras quedar allí y jamás salir, y causan que pierdan la noción del tiempo. Se quedan en el casino durante cinco días hasta que Poseidón habla mentalmente con Percy, ayudando al retorno a sus sentidos. Percy libera a Grover y a Annabeth de los efectos de las flores y los tres huyen, descubriendo que el casino está dirigido por la Lotus-Eaters, y habían estado guardando la gente cautiva desde la antigüedad.

Con las tres perlas en su poder, se dirigen a la entrada al infierno, para poder rescatar a la madre de Percy. Cuando llegan al inframundo cuyo portal se encuentra en Hollywood  se dirigen con Caronte a la casa de Hades (dios de los muertos y del inframundo, que es tio de Percy) y Perséfone. Aunque Percy dice Hades que él no tiene el rayo, Hades lo encuentra oculto en el interior escudo de Luke, revelando que Luke es el ladrón del rayo. Perséfone llama  a Hades con el rayo de vengarse de él por encarcelarla a ella para toda la eternidad. Percy  exige le devuelvan a su madre. Cuando deciden irse  usan las perlas, pero se queda en el inframundo Grover como valedor Percy, que ha de ir al Olimpo, que tiene entrada por una puerta mágica que está encima del Empire State neoyorkino. Allí Percy, Annabeth, y Sally son teletransportados al Empire State Building, pero se encuentran con Luke, el hijo de Hermes, el verdadero ladrón del rayo que piensa que, yendo Percy a rescatar a su madre, podía llevarle el rayo a Hades.

Ambos se enfrentan en una lucha casi épica donde vuelan con zapatillas voladoras de Hermes, y Luke confiesa que lo que ha hecho porque quería una nueva era de héroes (semidioses/mestizos) y, para eso, había que destruir el Olimpo, pero Percy lo derrota, y le devuelve el rayo a Zeus, que perdona Percy y permite Poseidón para hablar brevemente con su hijo, ya que han llegado justo a tiempo antes del solsticio de verano y le entregan el rayo a Zeus.

Después vuelven al campamento, donde Percy y Annabeth casi se besan pero ella aprovechó la situación para quitarle la espada, dando a entender que ella también está enamorada de Percy.

Después de los créditos el ex padrastro de Percy, Gabe, que sigue en la casa, cuando va por su cerveza encuentra una nota de advertencia de Percy, ignorando la nota Gabe abre el congelador y encuentra la cabeza de Medusa y se convierte en piedra, aunque esto ocurre fuera de la pantalla como la película se desvanece a negro. .

La historia de esta producción comienza en junio de 2004, cuando la 20th Century Fox adquirió los derechos cinematográficos del libro.

En abril de 2007, el director Chris Columbus fue contratado para dirigir el proyecto. La filmación comenzó en abril de 2009 en Vancouver.  Algunas partes de la película fueron rodados en el Partenón en Nashville, Tennessee, que tiene una réplica a escala del original Partenón en Atenas.

La filmación concluyó en la mañana del 25 de julio de 2009 en Mission, Columbia Británica. Hubo también escenas exteriores adicionales que fueron filmadas en locaciones de Brooklyn, Nueva York durante la primera semana de agosto de 2009.

En la postproducción se incluyeron los efectos digitales en laboratorios de San Francisco en noviembre de 2009. Además, mientras esto se realizaba Christophe Beck compuso la música.

Chris Columbus declaró que el elenco fue elegido específicamente con la idea de las secuelas en mente. "Creo que con Percy Jackson era una cuestión de encontrar el reparto adecuado para encajar en estos roles, una especie de molde perfecto para estas funciones, ya que es de esperar, si Dios quiere, vamos a ir a hacer otras películas Percy Jackson y desea que el fundido para crecer con sus personajes ".

Una manera de mantener vivo el espíritu de la película fue el blog de Rick Riordan que mostraba algunas escenas nuevas de la película. Para 2009 se presentó un trailer en Internet y fue mostrado en los cines.

Hubo un par de escenas  eliminadas en la que en vez de ser Grover es Annabeth la que despierta a Percy en la enfermería,y quien le dice a Percy que babea mientras duerme y le entrega una copa con nectar. La otra, es una escena extra, en la que van  hacia Nashville y Grover se siente culpable por el secuestro de la madre de Percy, a lo que este le dice que no se sienta culpable. Pero Grover le dice que él había ya  fallado a otra hija de Zeus, Thalia Grace, quien iba al campamento acompañada de Grover, pero muchos monstruos la atacaron, y Thalia no lo logró salvarse.

Las primeras críticas de la película fueron variadas. En Metacritic y Rotten Tomatoes las críticas fueron mixtas. En el agregador de las fruta/ hortaliza se dice que "A pesar de que puede parecer más que otra imitación de Harry Potter, Percy Jackson se beneficia de un elenco fuerte apoyo, una parcela rápida, y un montón de diversión con la mitología griega".

El consenso general refiere que aunque la película "puede parecer sólo otra imitación de Harry Potter, los beneficios de la película es de un gran elenco de reparto, una trama rápida, y mucha diversión con la mitología griega".

El crítico de cine Jonathan Hickman declaró que Percy Jackson tendrá éxito entre los  jóvenes 'Jackson' es un respiro de aire fresco. Valoró igualmente el elenco escogido de Columbus para la saga en sí. "Con Percy Jackson era una cuestión de encontrar el modelo adecuado para caber en los papeles, porque esperamos poder hacer otras películas de Percy Jackson y queremos que el reparto crezca y se desarrolle".

Para Kenneth Turan en Los Angeles Times se describió la película como "producto estándar de Hollywood ... aventurero y poco interesante".

Para el crítico del Washington Post ", la película sufre si te la tomas en serio. No es sólo que es mucho menos divertido que el libro. También es mucho menos divertido".

En la BBC Radio 5, Marcos Kermode critica la similitud de la película con otras películas del director Chris Columbus como Harry Potter. Para Stephen Fry es  "Un producto carente de identidad propia, evidentemente lujoso, aderezado con la casi testimonial presencia de luminosas estrellas (...) pasajero (y dudoso) entretenimiento"

Para  Tom Long del Detroit News "Percy Jackson & the Olympians suena como una banda de versiones de Otis Redding (...) En realidad, es una versión no oficial de la franquicia de Harry Potter"

Wesley Morris del  Boston Globe "Sabiendo que Columbus estaba detrás del proyecto, era esperable la superproducción, el ritmo vertiginoso y los efectos especiales."

En España, Javier Ocaña en el Diario El País comentaba que "No dejan de suceder, a un ritmo endiablado, infinidad de cosas y peripecias en menos de un par de horas (...) fantasía trepidante de altura (...) Harry Potter ¡que te parta un rayo! ¡Viva Percy Jackson!"

Para Fausto Fernández en Fotogramas los "Diálogos ridículos y situaciones absurdas (...) Tan vistosa como endeble"

Según  Jordi Batlle Caminal del diario La Vanguardia "Percy Jackson, no eres Harry Potter (...) no es que la historia sea más ridícula que la mayoría, sino que su ejecución carece de magia"

En Argentina, Pablo O. Scholz del  Diario Clarín declara que  "Columbus filma apurado, sin dejar lugar para el asombro de sus personajes ni el de los espectadores. La película no aburre, pero lo cierto es que su material de origen daba para mucho más." En otro diario argentoino, Natalia Trzenko, escribe en el Diario La Nación "otra saga que pretende ocupar el trono de 'Harry Potter', el mismo que comenzará quedar vacante justo este año. Un objetivo difícil."

Estamos ante un producto de consumo fácil dirigido hacia los jóvenes lectores de las historias mitológicas de Rick Riordan. Es una película dinámica y que busca el entretenimiento. Para su ejecución el director combina las expectativas de desarrollo futuro de la historia, contando con jóvenes actores y actrices, con actores veteranos que saben que están aquí de la misma manera de Lawrence Olivier participó en Furia de titanes, y no fue por gloria, ni por la divinidad. Money, dirty money.

sábado, 26 de diciembre de 2015

Deep Blue Sea


Yo creo que todo el mundo estará de acuerdo que Steven Spielberg , generador de múltiples mitos a través del cine, es el causante, no se si para bien o para mal del temor que muchas personas pueden tener a las profundidades marinas. Desde que hizo aquella terrorífica película , allá por el año 1974, llamada Jaws, para nosotros Tiburón, cada vez que nos tiramos en mitad del mar podemos pensar que un inmenso tiburón puede surgir de las profundidades marinas y transformarnos en el aperitivo de ese día. Y es que el mundo de las profundidades marinas, el literal en inglés Deep Blue Sea, es tan inmenso como ignoto por lo que genera un miedo que puede ser irracional, o no. Lo cierto que los Tiburones pueden ser variados y, en ocasiones, peligrosos. Hace unos meses pude ver dos magníficos reportajes sobre la enorme variedad de tiburones existentes en ese Deep Blue Sea magníficamente realizados por la BBC. Pero Spielberg creo un tipo de tiburón vengativo y especializado en devorar humanos que tuvo su éxito como lo prueban la estela que supuso en 1978 la obra de Jeannot Szwarc con su Tiburón 2, y más tarde, Tiburón 3 en 1983 por parte de Joe Alves a la mayot gloria de ese zombie que es el 3D. 

Sin embargo, si hay una película que pudiera ser sucesora de esta saga sobre los escualos esta es Deep Blue Sea, una película del año 1999 dirigida por Renny Harlin. 

La película fue una apuesta de dos productores que se plantearon revitalizar la historia de un enorme tiburón como fueron Akiva Goldsman y Rebecca Spikings-Goldsman, a los que se unieron Robert Kosberg , De Tony Ludwig y Alan Riche participantes a través de la productora Village Roadshow Pictures y con el respaldo de la Warner Bros , que se encargará de la distribución. Invirtieron en ella 60 millones de dólares, obteniendo en taquilla unos interesantes $ 164.600.000 de dólares. 

La película sigue el guión redactado por Duncan Kennedy, Donna Powers y Wayne Powers y en la parte técnica destaca ante todo la buena fotografía de Stephen Windon, la música de Trevor Rabin y el montaje de Derek Brechin , Dallas Puett y Frank J. Urioste 

La película está protagonizada por Saffron Burrows como Dr. Susan McAlester, Thomas Jane como Carter Blake, Aida Turturro como Brenda Kerns, Jacqueline MacKenzie como Janice Higgins, Stellan Skarsgard como Jim Whitlock, Samuel L. Jackson como Russell Franklin , LL Cool J como Sherman "Preacher" Dudley y Michael Rapaport como Tom Scoggins. 

La historia se inicia, como no podía ser de otra manera con el ataque de un Tiburón a un grupo de jóvenes que está de fiesta en un barco. Aunque casi de inmediato, en otro espacio, vemos el intento por parte de una científica llamada Susan McAllester (Saffron Burrows) de convencer a un grupo de inversores capitalistas para que financien su proyecto de buscar incansablemente la cura para la enfermedad de Alzheimer. Para ello la científica y su equipo ha experimentando con tres tiburones en una plataforma llamada "Acuática".Allí trabaja con su un equipo de trabajo formado por científicos y por instructores. 

Uno de los que lo escuchan en Russell Franklin (Samuel L. Jackson) que financia el experimento, pero que tienen ciertas dudas sobre el mismo, pero también un enorme interés. Por esto último es convencido por la Doctora McAllester para que vaya a la plataforma "Acuática". 

Acuática o Aquatica, es una antigua instalación militar de reabastecimiento submarino convertido en un laboratorio en el medio acuático. Nada más llegar conocemos al equipo de científicos que participa en esa búsqueda de una cura para la enfermedad de Alzheimer. Los fluidos del tejido cerebral de tres tiburones Mako se están cosechando como una cura para la enfermedad de Alzheimer.Luego de experimentar con un tiburón en el laboratorio, comprueban una teoría para la cura del Alzheimer consistente en extraer del cerebro del tiburón un complejo proteínico, capaz de reactivar las neuronas , en principio, adormecidas del cerebro. 

La doctora Susan McAlester insiste ante su inversor y así lo corroboran el resto de científicos, que no se ha violado el código de ética que impide la manipulación genética de los tiburones para aumentar el tamaño del cerebro. 

Aparentemente, los tiburones se muestran gráciles, casi dóciles con sus cuidadores , especialmente con Carter Blake (Thomas Jane). 

Para demostrar que la investigación está funcionando, el equipo saca líquido del tejido cerebral del tiburón más grande, y mientras examinan el restablecimiento neuronal, uno de los científicos, el Dr. Jim Whitlock (Stellan Skarsgard), uno de los investigadores, es atacado por el tiburón y le corta un brazo. 

Al intentar Carter Blake (Thomas Jane) disparar al tiburón, la doctora McAllester presiona un botón que libera al tiburón al mar. Intentando trasladar en medio de una tormenta al hombre herido, Brenda Kerns, operadora de la torre, llama a un helicóptero para evacuar a Jim pero cuando éste despega el cable se engancha y Jim con su camilla a la balsa de Aquatica. 

Uno de los tiburones muerde y agarra la camilla aún sujeta por el cable, arrastra al herido junto con el helicóptero, haciéndolo colisionar contra la parte superior del complejo, el cual explota. Con esa explosión muere Brenda y los pilotos. 

Cuando los otros tratan de averiguar lo que provocó la explosión, uno de los tiburones utiliza el cuerpo de Jim como un ariete para romper una ventana bajo el agua, inundando el centro de investigación. Comienza a inundar y a hundir el complejo y liberando así a los otros tiburones. 

En este momento Susan confiesa a los demás que ella y Jim genéticamente alterado los tiburones. Al haber mutado, con un cerebro más grande, más inteligente, al igual que los otros que están allí, por lo que esto tiene el efecto secundario de hacer que los tiburones sean más inteligentes y más peligrosos. Según explica posteriormente, se han vuelto inteligentes debido a que ella ha aumentado el tamaño de sus cerebros (violando así el Acuerdo Harvard), pues para obtener suficiente complejo proteínico éstos debían ser más grandes. 

Los supervivientes tendrán que salir de la plataforma y tratar de librarse de los tiburones que acechan antes de que sea demasiado tarde. Los tres animales del laboratorio (tres tiburones makos, dos machos de unos 7 u 8 metros y una hembra de 14 metros), no pondrán las cosas muy fáciles a los miembros del laboratorio que, uno a uno, irán siendo el alimento de los escualos.

Susan, Russell, Carter Blake, Janice Higgins, y Tom Scoggins inician su escalada la cima del complejo. Mientras que Russell da un discurso haciendo hincapié en la necesidad de la unidad del grupo, éste es atacado y arrastrado en el agua por el tiburón más grande. 

A medida que se esfuerzan por salir, cada uno deberá ir matando a los tiburones de una manera diferente para no morir devorado. Al subir por el ascensor industrial, una escalera cae y quedan atrapado entre las paredes del complejo que poco a poco se va colapsando de agua. Janice pierde su agarre y cae, y pese a los intentos de Carter por salvarla, ella es devorada. 

Mientras tanto, el cocinero, Sherman "Preacher" Dudley se encuentra con el primer tiburón, que devora a su loro, pero se las arregla para matarlo lanzando un encendedor en el horno de la cocina en el que inicialmente él se había escondido, y después había encendido. Así muere el primer tiburón. 

Luego Preacher se encuentra con Carter, Tom y Susan. Traumatizado por la muerte de Janice y Russell, Tom va con Carter al laboratorio inundado debido a que allí están los controles para abrir una puerta a la superficie. En ese momento se produce un nuevo ataque del tiburón que mata a Tom. Susan se adentra en una habitación para recoger su material de investigación. El segundo tiburón la sigue, pero se las arregla para electrocutar con un cable de una bombilla, matándolo, aunque a costa de la destrucción de su investigación en el proceso. 

Carter, Susan, y Preacher van ahora a la parte superior del centro de investigación a través de una cámara de descompresión y nadan hasta la superficie. Preacher es capturado por el tercer tiburón y es arrastrado por el agua, pero nada a la seguridad después de apuñalar al tiburón en el ojo con su crucifijo, lo que obligó a liberarlo. 

Carter se da cuenta de que el tercer tiburón está tratando de escapar hacia el mar abierto, y que los tiburones habían inundado las instalaciones para que pudieran escapar a través de las cercas de malla más débiles en la superficie. Susan, en su esfuerzo para distraer al tercer y último tiburón, se mete en el agua y sirve de carnaza. Cuando se trata de salir, es devorado por el tiburón. 

Carter en este punto se sumerge para tratar de salvarla, pero es demasiado tarde. Esquiva el ataque del tiburón y se agarra a su aleta. Preacher, a pesar de sus heridas, agarra el arpón y dispara al tiburón a través de su aleta dorsal, pero también impacta en el muslo de Carter. 

Cuando el tiburón intenta romper la valla, Carter está todavía unido al tiburón por el arpón y le pide al cocinero que que conecte el cable de salida a una batería de coche, el envío de una corriente eléctrica a través del cable y de la carga explosiva en el arpón, la voladura de la tiburón final en una manera espectacular. Se revela que Carter logró liberarse a tiempo y él nada de los restos de la instalación y se une Preacher a tiempo para ver el barco de los trabajadores en ruta en el horizonte.Al final se deja caer la idea de que hubiera más tiburones alterados genéticamente. Y hasta aquí la película. 

La película se estrenó el 28 de julio de 1999. De acuerdo con una entrevista en el diario Los Angeles Times, Deep Blue Sea se inspiró originalmente por el testimonio de guionista australiano Duncan Kennedy de primera mano sobre "los terribles efectos de un ataque de tiburón por parte una víctima varada en una playa cerca de su casa." Esto le provocó una pesadilla recurrente. Según Kennedy "purgó esos sueños por sentarse y escribir un guión que eventualmente se convirtió en el thriller de la Warner Bros." Deep Blue Sea "." Kennedy reconoció que "cada vez que alguien menciona una película de tiburones, es natural pensar en Steven Spielberg. El problema es ¿cómo acercarse a una película de tiburones sin repetir Jaws? ". Según declaró el guionista Kennedy en Los Angeles Times, en Jaws, el tiburón era de 25 pies de largo, así que Harlin lo "Aumentó a 26 pies". Renny Harlin fue el encargado de dirigirla. 

La película fue filmada en su totalidad en México. Los conjuntos utilizados para los interiores de la instalación se construyeron de modo que pudieran ser sumergidos en un tanque de agua para crear la ilusión de la instalación que se hunde en la práctica. Sin embargo, para las ventanas, se utilizaron tanques de agua separadas con luces que brillan a través de ellos. 

La película contó con efectos visuales especiales y de animación de la prestigiosa compañía Industrial Light & Magic, entre otras. Además, contó con un equipo de cámaras Panavisión, lo que la convierte en una superproducción de alto presupuesto. La película hizo un amplio uso de dobles digitales de actores siendo comido por los tiburones. En función de las escenas, los tiburones eran animatronic (en la interacción con los actores) o generados por ordenador (como cuando estaban en el agua). De alguna manera la película es también un homenaje añadido a Jaws, la película de Steven Spielberg rodada en 1975. Por ejemplo, la matrícula que Carter le retira de la boca del tiburón es la misma placa que se encuentra en el tiburón de la película de los 70. 

A Samuel L. Jackson se le ofrecio inicialmente el papel de LL Cool J., pero a Jackson no le gustaba la idea de ser cocinero, así que Harlin hizo el papel de Russell Franklin específico para él. Señalar que la muerte de Russell en la película es uno de los momentos álgidos de la misma. Esa escena de la muerte de Samuel L. Jackson aparece en varias listas de las mejores muertes de las películas de todas los tiempo incluyendo en las "10 muertes por sorpresa en películas de gran éxito" de Den of Geek´s, la lista "Greatest Movie Deaths of All Time" y The Vine's "Top ten surprise movie deaths" o "Las diez muertes por sorpresa de película " 

La película recibió críticas mixtas por parte de los críticos. Para el agregador Rotten Tomatoes le da una calificación de 56% con 51 comentarios positivos de 91 reseñas. Para la Revista Empire la película tiene tres de cinco estrellas posibles, diciendo de ella que "... Deep Blue Sea permanece desafiante. Se trata de tiburones gigantes comiendo la gente. Y eso es exactamente lo que obtienes. " 

Según Roger Ebert " En un género donde muchas películas son recauchutados de lo previsible, 'Deep Blue' te mantiene en vilo ". Stephen King en la revista People describiendo su recuperación tras un accidente que casi le mata afirma que fue al cine a ver Deep Blue Sea, "fui en mi silla de ruedas y me encantó cada minuto de ella". 

En la revista Rolling Stone Peter Travers se ven muchas similitudes argumentales entre Deep Blue Sea y El origen del planeta de los simios (2011). Ambas historias se centran en los investigadores que utilizan terapias genéticas en los cerebros de los animales en un intento de curar la enfermedad de Alzheimer; terapias que inadvertidamente hacen los animales inteligentes, lo que les permite escapar y causar el caos homicida. 

En España, Pablo Kurt de filmaffinity nos comenta que "Acuática mezcla de "Tiburón" y "Alien" en una superproducción de la Warner con los nuevos adelantos digitales al servicio del género más rentable de los últimos años: el miedo. Tras un comienzo tópico pero prometedor nos presentan la trama: laboratorio científico subacuático en el que se estudian tiburones con finalidades médicas. Entonces algo sale mal.... y entonces empieza la tormenta tecnológica-meteorológica-escualógica hasta el final. Susto tras susto, fiambre tras fiambre, todo un alarde de fabricar tensión en beneficio de los fabricantes de palomitas

Por último, Jesús Ruiz Mantilla del Diario El País afirma que "Nueva falla de efectos-especiales. Para pasar un rato estas navidades, vale, pero cuidado no vaya a ser que a quien se le degenere el cerebro sea a los espectadores". 

Yo, precisamente, he apostado por eso, por verla con mis hijos en una noche navideña, después de haberme pasado todo el día de celebración. La película se deja ver. Esta bien realizada, tiene tensión y es crítica con la experimentación genética. Por cierto, iba a realizarse una segunda parte, pero se abandonó el proyecto, a pesar de haber funcionado en taquilla.

Para concluir diré que esta combinación de acción, ciencia ficción y drama, carece del tono cómico de otra película de tiburones que, por supuesto, emiten mañana en La Sexta y que yo pude ver hace unos meses. Hablo de Skarknado, la película de las trombas marinas de tiburones, pero claro esa es cómica. Mañana me la comentarán mis hijos. ¡A disfrutar de las fiestas!

jueves, 24 de diciembre de 2015

Viejas glorias mercenarias


Hay películas que me encanta ver con mis hijos, aunque no valgan nada o sean simplemente para pasar un rato. Entiendo igualmente que es una película para nostálgicos de las películas de acción que proliferaron , algunas de gran coste y otros tipo Acción Jackson o American Ninja que tenían legiones de seguidores. Sin duda alguna, una de ellas es Los Mercenarios II o The Expendables 2 pues está interpretada por un grupo de actores que fueron la caña en las películas de acción de los setenta y ochenta, y prolongaron su decadencia durante los noventa, pasando en esa década al olvido, salvo honrosas excepciones. En 2010 hubo una primera entrega de los Mercenarios recaudaba una interesante cifra: 270 millones de dólares, tras una inversión de 80 millones. Dado el éxito , se puso en marcha la segunda parte y volvió a repetirse el aluvión de rumores relacionados con los nombres que integrarían el reparto. El resultado como cabría esperar es una película de acción dirigida por Simon West y escrita por Richard Wenk y Sylvester Stallone a los que sumaron Ken Kaufman y David Agosto, pues estos últimos, junto con Wenk; a partir de los personajes creados por David Callaham. Es la secuela de la Los Mercenarios I, y está protagonizada por gran parte del equipo protagonista de la primera película encabezado por Silvester Stallone, Jason Statham, Jean-Claude Van Damme, Jet Li, Dolph Lundgren, Chuck Norris, Randy Couture, Terry Crews, Liam Hemsworth, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger y Scott Adkins.  La distribución  fue parte de Lionsgate y obtuvo un éxito notorio de 312 millones de dólares.

Se trata de una producción en la que están presentes Avi Lerner, Danny Lerner, Kevin King y Templeton Les Weldon por medio de las productoras Millenium Films y Nu Image Films que invirtieron en ella unos 100 millones de dólares. El apartado musical correspondió a Brian Tyler, mientras que la fotografía es de Shelly Johnson y el montaje de Todd E. Miller 

Como ya he señalado el reparto lo encabeza Sylvester Stallone como Barney Ross y  líder del grupo, Jason Statham como Lee Christmas, siendo el segundo líder y mejor amigo de Barney., Dolph Lundgren como Gunnar Jensen, el francotirador del equipo, Randy Couture, que es Toll Road, especialista en demoliciones del grupo; Bruce Willis como Mr. Church, dirigente de la CIA que contrata a los Expendables y más tarde les ayuda en su lucha., Terry Crews como Hale Caesar, especialista en armas del grupo, Jet Li como Yin Yang, experto en artes marciales del grupo, Arnold Schwarzenegger como Trench Mauser, amigo de Barney; Chuck Norris como Booker, un viejo amigo de Barney, Liam Hemsworth como Billy Timmons, un joven francotirador y nuevo miembro del equipo; Yu Nan como Maggie, la agente de la CIA enviada por el señor Church en ayuda de los Nercenarios., el villano es Jean-Claude Van Damme como Vilain, líder de los Sangs , Scott Adkins como Hector, mercenario y mano derecha de Jean Vilain. Junto a estos aparecen Charisma Carpenter, Amanda Ooms, Nikolette Noel, George Zlatarev 

La película se inicia con un escenario de batalla entre una guerrilla, en algún lugar del continente asiático, en donde un grupo de guerrilleros se dirigen hacia una bodega en donde se encuentra un hombre encapuchado. En cuanto llega el líder este intenta obligar al hombre a hablar pero éste se niega a responder. 

Al mismo tiempo, el grupo paramilitar conocido como Los Indestructibles hacen su aparición a bordo de camiones de asalto, generando una absoluta destrucción a su paso no escatimando ni en balas y explosivos, creando una auténtica masacre en el bando enemigo con el fin de llegar hasta la base donde se encuentran unos rehenes. 

Al llegar al lugar, Barney Ross (Sylvester Stallone) rescata al encapuchado descubriendo que se trataba de Trench Mauser (Arnold Schwarzenegger) concluyendo que ambos se encontraban buscando lo mismo. 

En ese momento ambos hombres toman caminos distintos prosiguiendo el grupo de Barney y cumpliendo con la primera parte de la misión. Cuando han cumplido parcialmente con su objetivo, el grupo se divide; mientras que una parte hace una incursión por la selva, los otros toman río arriba. 

El primer grupo se interna en la selva pero son emboscados, sin embargo, inmediatamente son rescatados por el más joven integrantes de estos viejos mercenarios, Billy “The Kid” (Liam Hemsworth) un joven y astuto francotirador. 

Acto seguido el grupo se dirige hacia el avión para rescatar a la otra parte. El otro grupo, a bordo de motos acuáticas huye en medio de los disparos de los guerrilleros. Poco después hace su aparición el hidroavión CL-215 piloteado por Barney y Lee Chrismas (Jason Statham), que rescatan a la otra parte del equipo y al mismo tiempo bombardean una barricada que intenta detener al equipo para finalmente escapar y finalizar la misión. 

Durante el viaje Yin Yang (Jet Li) se prepara para lanzarse junto con el rescatado, dejando en duda si regresara o no con el equipo. Tras esto aparece el título de la película. 

Una vez ya en los Estados Unidos, y mientras el grupo se encuentra celebrando el éxito de la misión, Billy llama a Barney para hablar en privado. En esta ocasión, Billy expresa sus deseos de retirarse tras confesar le sus deseos de unirse a su novia que se encuentra en París esperándolo. Barney accede y se retira en moto a su base. Allí y dentro de su avión, Barney se sienta a meditar cuando hace su aparición el Sr. Church (Bruce Willis) que le encomienda una nueva misión a cambio de una deuda que tenían pendiente.

La misión consiste en recuperar un paquete que se encontraba a bordo de un avión que se habría estrellado en un territorio de Rusia. El Sr. Church le advierte a Barney que esta ves iría acompañado por Maggie (Yu Nan) , ya que es la única especialista capaz de abrir el compartimiento en donde se encontraba el paquete a rescatar. A regañadientes Barney acepta dejando en claro que esta seria la última misión que iba a aceptar del Sr. Church. 

El grupo encabezado por Barney llega al paraje donde se encontraba el avión estrellado. Allí se encuentra como parte de la tripulación que protegía el paquete estaba siendo devorada por los lobos. Tras una puerta brindada que casi le cuesta las manos a uno del grupo, localizan el paquete que está a punto de estallar en sus caras. Pero Maggie, en el último momento,  logra rescatarlo descifrando el código de la caja donde se encontraba.

Cuando ya se marchan el grupo es emboscado por otros mercenarios rusos liderados por Vilain (Jean-Claude Van Damme). En ese mismo momento se presenta a Billy, quien momentos antes había sido capturado por los villanos, pero Billy es desarmado.

Vilain obliga al equipo a decorverle el paquete amenazando con asesinar a Billy, el grupo acata las instrucciones del criminal. Lee le entrega la caja a Hector (Scott Adkins) pero, posteriormente, Vilain asesina a Billy y escapa en un helicóptero Mi-8 con el botín, mientras Barney y el resto del equipo horrorizados  lamentan la muerte de su camarada,

Barney interroga a Maggie sobre el paquete que acababan de rescatar y ella les revela que el paquete en realidad era un artefacto que contenía las coordenadas que dirigían hacia una mina que contenía varias toneladas de plutonio, material que pretendían rescatar para evitar así que cayeran en manos de terroristas que pudieran crear una bomba para fines terroristas, Mientras los miembros del grupo rinden honores al caído, acuerdan perseguir, capturar y asesinar a los bandidos. 

El equipo logra recuperar su hidroavión y mientras se dirigen en búsqueda de los villanos. Maggie, por su parte, les explica quienes son los mercenarios, también conocidos como Sangs. 

Más tarde llegan a un viejo pueblo abandonado con aspecto de ciudad norteamericana de los 50 y utilizado por las tropas soviéticas como lugar de entrenamiento. Allí pasan la noche. Esa noche Barney y Maggie intiman un poco.

Pero a la mañana siguiente son emboscados por los Sangs viéndose superados en número y armamento,  incluyendo un tanque T-72. 

Cuando la batalla parecía perdida para los Sangs son abatidos casi en su totalidad por alguien ajeno al equipo. Mientras se preguntan que ha pasado, hace su aparición Booker (Chuck Norris), un soldado veterano altamente capacitado y objeto de leyendas urbanas entre los mercenarios. Por la conversación se deja entrever que Barney y Booker ya se conocían de misiones anteriores

Booker, también llamado El lobo solitario se despide del grupo y les informa que más adelante hay una aldea en donde sus habitantes estaban en contra de los Sangs y que podrían ofrecerles ayuda para concluir su misión. 

Al llegar al pueblo se topan con gente dispuesta a morir pensando que estaban siendo invadidos una vez más. Sin embargo, Barney presenta a su equipo y le dejan claro a los paisanos que ellos no son los villanos,. Los aldeanos le explican que gran parte de los hombres y los jóvenes han sido reclutados forzosamente como esclavos para trabajar en una mina. Acuerdan ayudar a los desamparados y atraer a los Sangs a una emboscada en donde el grupo de mercenarios acaban con todos. 

Posteriormente a bordo de su hidroavión se dirigen hacia la mina en donde estrellan el mismo para abrirse camino hacia los esclavos, y cuando casi están apunto de salvar a las víctimas, todos son sepultados dentro de la misma, después de que Héctor informara a Vilain que ya había sido extraído todo el plutonio de la mina. 

Cuando todo parecía perdido llega al rescate Trench a bordo de una tuneladora. Los esclavos son recatados y estos mercenarios se ven aliviados. Eso sí, Trench advierte a Barney que la batalla apenas ha comenzado y en eso que aparece el Sr. Church para unirse al equipo de batalla.

Acto seguido todos se dirigen hacia el aeropuerto para emboscar a Vilain y su grupo. Ya en el aeropuerto Vilain y sus Sangs son emboscados a su llegada por los Mercenarios ahora arropados por Trench y el Sr. Church: Ya dentro del aeropuerto se produce una batalla campal en donde, a pesar de que los buenos se ven superados en número por los malos, estos se las arreglan para abatirlos uno a uno, luciendo todos su fuerza y habilidad en combate. Hablando del desaparecido en combate que faltaba, aparece ahora Booker y el equipo se completa.

Mientras Los Mercenarios se las arreglan para acabar con los Sangs, Lee se enfrenta a Héctor el segundo de los malvados, y lo asesina cuando después de una patada hace que Héctor se estrelle contras el rotor trasero de un helicóptero en funcionamiento. Mientras tanto Barney se encarna en la búsqueda de su enemigo, Vilain, lo cual le lleva hasta una bodega en donde ambos se enfrentan, a pesar de la habilidades de pelea con manos y pies de Vilain, Barney hace uso de su fuerza lo cual le otorga la victoria y así termina vengando la muerte de Billy. 

Al finalizar todo, Barney se presenta ante sus aliados Trench y el Sr. Church llevando la muestra de su victoria, la cabeza cercenada de Vilain. Barney se despide de Maggie y el Sr. Church le obsequia a Barney con un "nuevo" avión Antonov An-2 para así poder regresar a casa. Acabando así la película.


Desde el primer momento, y una vez decidida la segunda parte de Los Mercenarios , ya para la primavera de 2011, Stallone confirmó que él no estaría en la dirección de esta segunda entrega de The Expendables, haciendo una lista de directores para servir como su reemplazo. En junio de 2011, Simon West fue confirmado como director. En agosto de 2011, se informó de que Nu Image / Millennium Films estaba en negociaciones con un distribuidor, pero finalmente fue Lionsgate. El rodaje de la película que duró 14 semanas comenzó el 3 de octubre de 2011 y tendrá como lugares de rodaje Bulgaria ( en concreto en el Nu Boyana Film Studios de Sofía, la ciudad y aeropuerto de Plovdiv y la ciudad de Bansko , así como en el embalse de Ognyanovo y en la Cueva de Devetashka ), Rusia, Francia, y China, en concreto en Hong Kong y en Nueva Orleans,. Según Jason Statham sólo Stallone, Willis y Schwarzenegger tenían permiso para improvisar, los demás tenían que limitarse a los diálogos escritos por Stallone y Richard Wenk. Señalar que uno de los dobles especialistas, Kun Liu, murió durante el rodaje por una explosión que dejó a otro gravemente herido. Igualmente señalar que hubo problemas con los ecologistas, e incluso, alguna sanción por la eliminación de arbustos y vegetación de la entrada de la cueva de Devetashka. Para evitar más problemas, los productores no accedió a filmar explosiones, persecuciones de coches y los incendios cerca de la cueva. La película se estrenó el 8 de agosto de 2012 en Madrid.  

El 9 de febrero de 2012, se informó de que The Expendables 2 estaba en post-producción. The Expendables 2 contiene aproximadamente 1.547 imágenes de efectos digitales. El estudio de efectos principales era Worldwide FX (WWFX), que produjo 1.186 de los disparos, y otros 800 disparos que fueron descartadas en respuesta a los cambios en la historia de la película. Otros estudios, como El Ranchito, Malditochrome, Tata Elxsi, Reliance Mediaworks, y R-Team, también produjeron tomas de efectos de la película a través WWFX. Algunas escenas se grabaron en Croma. En marzo de 2012 Randy Couture dijo que habría una tercera entrega de Los Mercenarios y que la producción podría iniciarse a finales de 2012, después del lanzamiento de The Expendables 2. 

En abril de 2012, Steven Seagal dijo que le ofrecieron un papel para esta tercera película, de hecho es a iuno de los pocos que se le echa en falta. Pocos meses después, en agosto de 2012, el productor Avi Lerner confirmó que Nicolas Cage aparecería en la secuela. 

Lerner también dijo que los productores procurarían que Rourke retomara su papel, e incluir a Clint Eastwood, Harrison Ford y Wesley Snipes en la cinta. Chuck Norris dijo que no volvería para una secuela. 

En agosto de 2012, Van Damme declaró que Stallone lo podría incluir en The Expendables 3 como Claude Vilain, hermano del villano Jean Vilain. El 31 de octubre de 2012, se confirmó que Nu Image y Millennium Films estaban en el proceso de legitimación de derechos y distribución internacional para The Expendables 3. 

El 19 de diciembre de 2012, se informó de que Jackie Chan había aceptado unirse a la secuela con la condición de tener más que un papel secundario. 

En marzo de 2013, Stallone confirmó que estaba escribiendo un guión para la secuela, y que tenía la intención de que la película fuera más humorística con momentos de drama. Stallone también dijo que Seagal no estaría en la película y que quería incluir actores jóvenes. 

En abril de 2013, Stallone anunció que Patrick Hughes dirigiría la secuela. En mayo de 2013 se anunció que Chan, Snipes, Cage, Mel Gibson y Milla Jovovich se encontraban en avanzadas negociaciones para unirse a la película, aunque únicamente se contó con la participación de Gibson y Snipes. El rodaje comenzó el agosto de 2013. 

Los Mercenarios II ha sido el filme más exitoso de la saga de The Expendables, recaudando alrededor de $311 millones de dólares en taquillas alrededor del mundo. Gran parte de su éxito está en la ilusión de ver a viejas glorias del cine de acción, hoy en decadencia como actores. El mismo Stallone dijo que él estaba buscando actores que no habían experimentado el éxito reciente en la película: "Me gusta usar las personas que tuvieron un momento y entonces tal vez han caído en algunos momentos difíciles y darles otra oportunidad Así estamos siempre en busca de actores como Michael Biehn y Michael Paré. Me gusta esa clase de tipos. Alguien lo hizo por mí y me gustaría ver si puedo hacerlo por ellos.

Curiosamente, y en general, recibió críticas positivas, obteniendo un 65% de "frescura" en el sitio web global Rotten Tomatoes. 

En el Reino Unido  Peter Bradshaw escribía en The Guardian que estábamos   "Como un conmovedor estudio del proceso de envejecer, está a la par con 'The Best Exotic Marigold Hotel'. Para 'The Expendables 3', deberían considerar el alistamiento de Bill Nighy, Tom Wilkinson y Judi Dench (...) 

En los Estados Unidos, Justin Lowe en The Hollywood Reporter dijo de ella que era "Tensa, humorística y con un atractivo envoltorio, la secuela es al mismo tiempo suficientemente ágil e interesante como para atraer al público con algo más que acción imparable" 

Por su parte,  Justin Chang en Variety  comentaba que era "Redundante, grandilocuente y descaradamente autoconsciente, 'The Expendables 2' también resulta lo suficientemente inteligente para proporcionar su propia autocrítica" 

Peter Travers en Rolling Stone  afirmaba , sentenciando eso sí, que "Como la original del 2010, 'The Expendables 2' es todo ruido y furia que no significan nada, cuando al menos debería proporcionar una gran y estúpida diversión (...) 

Betsy Sharkey de Los Angeles Times afirmaba que "Lo que proporciona a 'The Expendables 2' su encanto, es su descarada nostalgia por los mejores momentos del cine de género de serie B" 

Ya en España,  Javier Ocaña escribía en el diario El País que era "Una película menos autorreferencial, menos paródica, más seria (entre comillas) y con más presupuesto (...) el guion, a pesar de la simpleza de su engranaje, se sostiene mejor que en la primera gracias a unos diálogos, de spaghetti western, basados en la sentencia" 

Noel Ceballos en Fotogramas dejaba negro sobre blanco que "El oficio de Simon West, la chulería metalingüística de Schwarzenegger y Willis, el cameo (festivamente autoparódico) de Chuck Norris y un Van Damme que saborea cada segundo en pantalla sitúan esta secuela por encima de su predecesora".

Eduardo Galán en Cinemanía comentaba que era un  "Emocionante pastiche sudoroso-sentimental a cargo de Stallone (...) Con mejor pulso que la primera entrega (...) 

Juan Luis Caviaro, uno de los editores de blog de cine comenta que lo peor de la película es la falta de un guión con un mínimo de trama para dar " cierta variedad de situaciones, una progresiva dificultad a la hora de superar los obstáculos —el último debería parecer imposible de resolver— y sobre todo aprovechar al elenco de “action heros” ".

En la caldeada Argentina,    Pablo O. Scholz sostenía en Diario Clarín que "El guión es bien rutinario, sólo una excusa para que Sylvester Stallone y sus mercenarios peleen una y otra vez." Por su parte, su paisano   Adolfo C. Martínez del Diario La Nación  comentaba que "Posiblemente nada haya de nuevo en la temática de esta segunda parte, (...) sin embargo esta segunda parte de Los indestructibles , (...) posee todo el carisma para que los amantes del género no salgan decepcionados de la sala." 

Juan Pablo Cinelli hacia pública su opinión en el Diario Página 12  sobre Los Mercenarios 2 "La receta de la franquicia incluye mucho humor autoconsciente, personajes y diálogos cargados de referencias y hectolitros de sangre falsa, para cocinar una película impensadamente cinéfila, no apta para espíritus sensibles." Y otro paisano de los anteriores, Santiago García, Diario Tiempo Argentino escribía algo con la misma intención con la que yo he empezado, que estamos ante "Una película cuyo guión es un manual de cine de acción de los '80 con los grandes exponentes del género.".

Y lo que es cierto es que si el objetivo es convertir la película en un carrusel de escenas de acción —el ingrediente esencial— interpretada por casi todas las estrellas de este género tan importante en los noventa juntas, aunque los diálogos no lleven a nada o, incluso, de su insustancialidad causen sonrojo, Pero oye, buscaban acción, y lo han conseguido. Así de claro.