domingo, 24 de junio de 2012

En la nebulosa de Atlantic City


Hoy he comenzado a ver Boardwalk Empire. ¿Por qué esta serie? Reconozco que ha habido dos motivos: el primero- reconozco que una chorrada- fue ver que estaba interpretado por Michael Kenneth Williams, el Omar Little de The Wire, y que coincidió mi visión del final de esta serie con las primeras imágenes de esta otra. 
La segunda tiene como mayor peso, mi sobrino mayor comentó que era una magnífica serie. Así que la tuve para el estreno pero hasta hoy no la he visto. 

He de señalar que de Atlantic City, la ciudad que refleja la serie, apenas tengo referencias. Tengo la nebulosa idea de que en su momento pude ver una película con Burt Lancaster de nombre Atlantic City y que trataba del juego, pero como digo es una idea nebulosa. 
The Boardwalk Empire es una serie de televisión estadounidense emitida por el canal de televisión que posiblemente tenga más calidad de los EE.UU, HBO, y que emperazon a emitir el 19 de septiembre de 2010. 
Está ambientada en Atlantic City, Nueva Jersey, durante la época de la ley seca en los años 1920. Protagonizada por Steve Buscemi, está en parte basada en el libro Boardwalk Empire: The Birth, High Times, and Corruption of Atlantic City de Nelson Johnson, fue adaptada por Terence Winter, escritor y productor de Los Soprano. La canción principal de la serie es "Straight Up and Down" de The Brian Jonestown Massacre. 
Uno de los productores ejecutivos es Martin Scorsese, quien además dirigió magistralmente este primer episodio conocido como “Piloto”. Dicho episodio costó 18 millones de dólares.La serie estrenada en septiembre de 2010 en Estados Unidos fue inmediatamente renovada por la HBO para su segunda temporada. 

Boardwalk Empire recibió buenas críticas y altos niveles de audiencia, en particular por su estilo visual, con una fotografía muy clara en los exteriores e intensa en los interiores, por su fidelidad histórica, y por la interpretación de Buscemi. 
La serie ganó el Globo de Oro como Mejor serie dramática y Steve Buscemi el Globo de Oro y el SAG como mejor actor. Fue nominada a 18 premios Emmy; ganando ocho, incluyendo uno a la mejor dirección para Martin Scorsese. 
En enero de 2011, Martin Scorsese ganó el Premio del Sindicato de Directores por su dirección en este episodio, superando a Allen Coulter por "Paris Green" y a Frank Darabont por la serie The Walking Dead.
En octubre de 2011, se anunció que la serie fue renovada para una tercera temporada. 

La serie es un drama de época centrado en Enoch "Nucky" Thompson (personaje basado en Enoch "Nucky" Johnson, un influyente político esta ciudad de la costa oeste entre 1911 y 1941), una prominente figura política que controla Atlantic City, New Jersey, durante el período de la ley seca desde 1920 hasta 1930. Nucky interactúa con varias figuras históricas en su vida personal y política, incluyendo gángsters, políticos o agentes del gobierno. El gobierno además se interesa en el contrabando y otras actividades ilegales de esa zona, mandando agentes para investigar posibles conexiones con la mafia pero también para observar el lujoso y costoso estilo de vida de Nucky, figura política del condado. 

Como el Enoch L. Johnson real, el Nucky de la serie es el segundo de tres jefes que condujeron el poder republicano y usaron el chantaje y el poder político para controlar Atlantic City. Sin embargo, Terence Winter declaró que el libro de Nelson Johnson "fue en realidad solo un punto de partida" 
"Boardwalk Empire: Pilot” es el primer episodio y piloto de esta Basado en la novela del mismo nombre y antes citada de Nelson Johnson, el episodio fue escrito por el creador y productor ejecutivo de la serie, Terence Winter, y dirigido como hemos señalado por Martin Scorsese, que también interviene como productor ejecutivo. 

El episodio toma lugar en enero de 1920, en vísperas de la ley seca en Atlantic City, Nueva Jersey. El político corrupto "Nucky" Thompson (Steve Buscemi) trama un plan que podría hacerlos ricos a él y a sus asociados, vendiendo el ahora ilegal alcohol. Mientras tanto, el ex protegido de Nucky, Jimmy Darmody (Michael Pitt) regresa de la Primera Guerra Mundial con grandes planes para su futuro y sus aspiraciones lo conducen a forjar una nueva alianza que podría tener serias consecuencias para él y para Nucky. 
El episodio comienza con dos escenarios en los que se combinan, por un lado, el trasporte de alcohol y, por la fiesta, que “celebra” la prohibición. Un "Nucky" Thompson que se nos muestra deshonesto con un discurso moralista y contrario al alcohol ante la Liga anticonsumo y con una realidad que deja su moral a la altura del betún, recibe la visita de Margaret Schroeder (Kelly Macdonald) que le pide ayuda a Nucky para que le consiga un trabajo a su violento esposo, Hans (Joe Sikora). 

Este es el punto de partida de una violento episodio en donde se nos muestra la creación de un grupo especializado del FBI, las reuniones entre mafiosos locales con gente de Nueva York (Lucky Luciano) y de Chicago (Rohstein), así como otros miembros del hampa italiano y judía. La ambición de Jimmy y su fortuito encuentro con otro ex – soldado de nombre Alfonso Capone dará lugar a la integración de lleno en la historia. 

La filmación del piloto fue realizada en varios lugares de Nueva York y sus alrededores, en junio de 2009. De crear los efectos visuales de la serie se encargó la compañía de Brooklyn, Brainstorm Digital. Glenn Allen, producto de efectos especiales de Boardwalk Empire y cofundador de Brainstorm, dice: "Es nuestro trabajo más complejo hasta la fecha. Ahora todo es HD, así que tenemos que tratarlo como si fuese una película". "Cada vez que vas a trabajar en un trabajo de época, es más divertido", comenta el artista de efectos visuales, Chris Wesslemen, quien utilizó imágenes de archivo, postales y planos arquitectónicos para recrear los paseos marítimos de Atlantic City lo más preciso posible. "Tenemos que investigar como realmente era la vieja Atlantic City. Los muelles fueron una de las partes más difíciles porque cada verano cambiaban -nuevas tiendas, nuevos anuncios-". Le llevó dos meses a la compañía completar todos los efectos visuales para el piloto. 

El episodio piloto recibió elogios casi totales de parte de los críticos de televisión. David Hinkley de New York Daily News le dió cinco estrellas, diciendo: "Ver Boardwalk Empire es como sentarte en tu bar favorito y escuchar a alguien decir 'la casa invita las bebidas'. Amigos, no hay nada mejor” Paige Wiser del Chicago Sun-Times lo llamó "... un evento imperdible" y elogió a Buscemi en particular, refiriéndose a su actuación como "fascinante".
Matt Roush de TV Guide elogió la colaboración entre Scorsese y Winter, comentando que el piloto "... une de forma brillante el virtuoso ojo cinemático de Martin Scorsese con la maestría panorámica de Winter con ricos personajes y una trama llena de incidentes", y finalizó su reseña afirmando que "es la narración más pura -e impura- disfrutable que HBO ha producido en años, como una película que nunca quieres que termine". 
Brian Lowry de Variety elogió a la serie por regresar a HBO al mejor nivel, diciendo: "Esto es bastante simple, la televisión en su mejor forma, ocupando un buen lugar que -con toda la competición- aún es único en HBO: Un programa costoso, explícito y con una trama basada en los personajes, con un material que ninguna otra cadena o estudio de cine se atrevería a tocar... Para esos que se preguntan cuando el canal va a mostrar otra franquicia que lo ponga en primer plana, la espera finalizó: vayan directamente a Boardwalk"."Una de las joyas inesperadas de Boardwalk Empire es la manera en que la serie revela las singularidades de esos tiempos, quitando las capas de una amable sociedad para revelar un sombrío mundo de criminales y políticos que colaboran para mantener el alcohol en las calles", comentó Heather Havrilesky de la revista online Salon.com, quien llamó al piloto "impresionante".
Roberto Bianco de USA Today dijo en su crítica que Boardwalk Empire fue "producida de manera extravagante, increíblemente violenta y tan fría y dura como el hielo, Boardwalk Empire nos traslada al antiguo patio de recreo al comienzo de la prohibición, y devuelve a HBO a la cabeza de las series de TV". 

Yo solo tengo dos palabras: im – presionante. En EE.UU fue el estreno con mejor audiencia de una serie de HBO desde el piloto de Deadwood en marzo de 2004. Inmediatamente después del exitoso debut, HBO confirmó una segunda temporada de la serie.

viernes, 22 de junio de 2012

¿Qué buscan los niños perdidos?


1987, un mal año, al menos, para mí. Uno no estaba para cosas como esas. Ir al cine, poco. Y es que alguna vez en la vida uno se convierte en un niño perdido y como a los protagonistas secundarios o terciarios de Peter Pan buscan lo que pierden. Sin embargo, tuve la ocasión de ver la película algunos años después. Yo diría que la grabé en VHS. Tras años de olvido, ayer volví en Paramount Channel. Tarde, muy tarde.

Jóvenes Ocultos, The Lost Boys en su versión original, aunque he encontrado que en Hispanoamérica se le conoce también por Los Muchachos Perdidos o Generación Perdida es una película del año 1987. Su género oscila entre la ironía y lo terrorífico. Los protagonistas, una familia de ¿Tucson? (Arizona) que se traslada a Santa Carla (California) y termina enfrentándose a una banda de vampiros adolescentes. 
La película fue dirigida por Joel Schumacher cuenta con el protagonismo de los actores que casi iniciaban u carrera cinematográfica como Jason Patric, el televisivo de la época Corey Haim y Kiefer Sutherland, así como otro como Jami Gertz, Corey Feldman, Dianne Wiest, Edward Hermann, Alex Winter, Jamison Newlander y Barnard Hughes. 

Tras un extraño y misterioso asesinato de un guardia jurado en un parque de atracciones al comienzo de la película, los jóvenes Michael (Jason Patric) y Sam (Corey Haim) llegan con su madre Lucy (Dianne Wiest) a Santa Carla – la capital de los asesinatos y desapariciones de América-, una ciudad costera de California afectada por la actividad de las bandas de horteras de los 80 - ¡qué vestimenta y pelados llevan!- y desapariciones inexplicables. La familia viene a vivir con el padre de Lucy, un extravagante anciano Emerson (Brooke McCarter) que vive en los suburbios de la ciudad y que decora su casa con el resultado de su principal afición: la taxidermia. La casa dicen los hermanos Emerson es el escenario de la matanza de Texas.

El centro de la vida social de la ciudad parece ser el centro comercial. Mientras Lucy consigue un trabajo en una tienda local de videos y electrónica dirigida por un hombre llamado Max (Edward Herrmann), Michael queda fascinado por una joven de nombre hippiondo para los americanos, Star (Estrella - Jami Gertz ) que ve en la entrada de un concierto. 

Por su parte, el menor de los hermanos, Sam, entra en una tienda de cómics en la que conoce a dos chicos de Santa Carla, Edgar (el exgoonie Corey Feldman) y Alan Frog (Jamison Newlander). Los hermanos Frog poseen la tienda local de cómics. Tras descubrir que Sam es un recién llegado a la ciudad y un apasionado de los cómics, le obligan a llevarse un par de cómics de vampiros, a pesar de sus protestas de que no le gustan los cómics de horror. Le explican que esa lectura un día podría salvarle la vida. Sam se burla de su obsesión por el vampirismo. 

Después de seguirla la ve subirse en una moto con David, el líder de una de las bandas locales. A la noche siguiente vuelve a encontrarse con la joven y descubre que se llama Star (Estrella). Cuando se van a marchar juntos en la moto de Mike, David reaparece y le desafía a una carrera. David y su banda se lanzan con sus motos a través de la niebla y desaparecen en unos acantilados donde Michael está a punto de caer. Michael se pelea con David, que se limita a soportar su enfado y ve potencial en él, por lo que lo invita a la guarida de la banda, un viejo hotel que se hundió bajo el suelo tras el terremoto de San Francisco y presidido por una foto de Jim Morrison. 

En el hotel, la banda hace que Michael atraviese un inquietante rito de iniciación, y al final hacen que Michael beba de una botella que contiene un extraño líquido oscuro (que resulta ser sangre de vampiro). Entonces, tras considerarle uno de los suyos, la banda se lleva a Michael a un puente atravesado por un ferrocarril, donde se cuelgan de las barras de refuerzo. Uno tras otro se lanzan al vacío, desapareciendo entre la niebla, pero no mueren, sino que Michael escucha su voz invitándole a tirarse. Incapaz de sostenerse más tiempo, Michael termina cayendo también. 

Michael despierta en su cama todavía vestido con la ropa de la noche anterior. Está confuso y desorientado. Es mediodía y no tiene ni idea de cómo volvió a casa. Pero Sam comienza a tener sospecha de vampirismo en la familia cuando al volver a casa se encuentra con que Michael se comporta de forma extraña, durmiendo durante el día y mostrándose sensible a la luz del sol por lo que permanentemente lleva unas gafas. 
La madre tiene una cita para cenar con el dueño de la tienda en la que trabajo. Michael ha de quedarse cuidando de su hermano pequeño. Mientras Sam se está bañando, Michael siente una terrible sed y se dirige a la nevera tomando un bric de leche, sin embargo la expulsa y derrama. Es sed de sangre e intenta atacar a su hermano que está en la bañera, pero Nanook, el perro huskie de la familia se lo impide. 
En ese momento Sam se convence de que Michael se ha convertido en un vampiro cuando ve a su hermano flotando alrededor de la casa. Asustado, Sam llama primero a su madre que está cenando con Max y, de inmediato a los hermanos Frog, que le dicen que debe matar a Michael, pero se niega a matar a su hermano. Michael vuelve junto a la banda para exigirles explicaciones, y ellos le revelan que en verdad son vampiro y asesinan a un grupo de adolescentes que están celebrando una fiesta en la playa. 
David le explica a Michael que debe alimentarse de sangre para sobrevivir, pero Michael se niega a matar y se va. Al regresar a la guarida del grupo habla con Star (Estrella) que le revela que realmente los dos no son vampiros completos y no lo serán hasta que hayan matado. También le revela que se suponía que Michael iba a ser su primera víctima, pero no fue capaz de matarle. Los dos hacen el amor. 

Sam ha descubierto, leyendo los cómics de los hermanos Frog, que si el vampiro jefe es destruido, todos los vampiros subordinados que todavía no hayan alcanzado su “estado completo” recuperarán su forma humana. Tratando de ayudar a su hermano, pide ayuda a los hermanos Frog para tratar de matar el vampiro jefe. Pero descubrirlo demuestra ser difícil, pues no tienen nada claro quién puede ser. Sam y los hermanos Frog sospechan de Max, el dueño de la tienda de electrónica, que ha comenzado a salir con la madre y Sam, y al que nunca han visto durante el día, pero cuando la madre de Sam lo invita a cenar y lo someten a una serie de pruebas (ajos, crucifijos y otras invenciones), demuestra ser humano. La madre de Sam se muestra enfadada por lo que cree ser una broma de su hijo. 
A la mañana siguiente la madre acompañada de Sam – que sigue leyendo cómics de vampiros- se dirige a la casa de Max donde es atacada por un perro. Previamente Sam había leído que existían perros guardianes del vampiro jefe. 
Los adolescentes determinan que uno de los vampiros de la banda debe ser el vampiro jefe. Michael, disgustado por su transformación, se une a ellos para rescatar a Star (Estrella) y su ¿joven hermano/a?, Laddie, que todavía no son “vampiros completos” y en teoría todavía pueden ser salvados de su condición. 
El grupo viaja a la guarida de la banda y mientras Michael rescata a Star (Estrella) y Laddie, los hermanos Frog y Sam comienzan a buscar vampiros para destruirlos. Descubren a los miembros de la banda durmiendo, colgando del techo como murciélagos. Inseguros de cuál puede ser el vampiro jefe, los hermanos Frog le clavan una estaca en el corazón a Marko (Alex Winter), uno de los vampiros, que estalla al morir rociando a los tres. El resto de la banda se despierta debido a la conmoción y atacan, obligando a los chicos a retirarse, aunque Sam es casi capturado por David. 
Esa noche, mientras los adultos están fuera (la madre de Sam ha salido con Max y el abuelo con una viuda), los adolescentes se atrincheran en la casa y se preparan para el asalto de los vampiros. Previamente roban agua bendita de una iglesia y cargan pistolas de agua para utilizarlas como armas. 
Esa noche los vampiros de la banda atacan. Con la ayuda del perro Nanook, los defensores acorralan a los vampiros unos tras otro: Sam atraviesa el corazón del vampiro Dwayne (Billy Wirth) con la flecha de una ballesta, Nanook empuja al vampiro Paul (Brooke McCarter) en una bañera llena de agua bendita y ajo, y Michael empala a David en las cuernas de un ciervo en el taller de taxidermia de su abuelo. 
Sin embargo, a pesar de haber acabado con los vampiros de la banda, Michael, Star y Laddie – que se muestra como vampiro/a- siguen siendo vampiros. 

En ese momento Lucy y Max aparecen. La madre de Michael y Sam se muestra conmocionada por los destrozos causados por los chicos pero Max revela que realmente es el vampiro jefe: las pruebas que le hicieron los chicos no funcionaron porque había sido invitado a entrar en la casa - recordamos aquí el ¡Déjame entrar! en sus dos versiones la sueca y la americana vista a lo largo de 2011- También revela que quería convertir a Lucy en su compañera y que su “familia” y la suya se unieran. Lucy está horrorizada pero Max amenaza con matar a Sam si no se une a él. 
Cuando Max va a morder el cuello de Lucy, el abuelo llega con su jeep y atraviesa la pared de la casa: varios postes de madera afilados han sido amarrados a la parte delantera del vehículo, y uno de ellos atraviesa a Max, destruyéndolo. 
Mientras los presentes lo miran, confusos y sorprendidos, el abuelo baja del jeep, coge una cerveza de la nevera y dice: Hay una cosa de Santa Carla que nunca he podido aguantar… todos esos condenados vampiros. Fin de la peli y títulos de crédito. 

El proyecto surgió de las mentes de Janice Fischer y James Jeremias -un par de guionistas que nunca más volvieron a escribir nada reseñable- cuando se les ocurrió hacer una versión de terror de la famosa novela "Peter Pan". Tan sólo hay que pensar que el título original de la película, The Lost Boys, hace referencia a los Niños Perdidos, los amigos de Peter Pan que le acaban acompañando al País de Nunca Jamás. 

La película finalmente tan sólo tomaría de base el libreto de este dúo, pues sería reescrito por el que acabaría siendo el director, Joel Schumacher, junto a Jeffrey Joam, luego célebre por escribir Indiana Jones y la Última Cruzada. La razón de este cambio, tal y como explicaría más tarde el director de Batman y Robin, residió en que la película necesitaba hacer gala de cierta sexualidad, a la par que ofrecer una nueva e insólita imagen de los "chupasangres". Para lograr este cambio de "look" lo que hicieron fue borrar la imagen clásica: los vampiros de Jóvenes Ocultos no duermen en ataúdes, ni muerden en el cuello, ni visten de traje, tan sólo son un grupo de jóvenes amantes de la estética de los ochenta y con ganas de pasarlo bien, aunque con, tal vez, métodos poco ortodoxos para conseguirlo... 

Si bien la elección del luego realizador de Última Llamada fue en un principio desconcertante, por la poca falta de experiencia del cineasta en el terreno de lo fantástico, lo cierto es que Schumacher cerró su fichaje por la Universal después de que el proyecto anduviera deambulando por las manos de realizadores de la talla de Richard Donner -productor de la película e interesado en un primer momento en dirigirla luego de su grata experiencia con niños en Los Goonies-, Richard Franklin, cuya contribución más destacada al cine fue la vulgar e insípida Psicosis II, aunque acabó desvinculándose del largometraje después de rechazar el primer boceto de Fischer y Jeremias. 

En cuanto al rodaje, lo cierto es que el film se hizo con la modesta cantidad de 5.200.000 dólares y su filmación trascurrió en totalidad en Santa Cruz (California), si bien los interiores se recrearon en los platós números 12 y 15 de la Warner en Burbank. Fue allí donde se construyó la cueva de los vampiros, guarida de los villanos, y que se le encomendó a Eric Brevig, técnico de efectos especiales de Abyss, Hook o Pearl Harbor, y que, al mismo tiempo, fue el que llevó a cabo los trucajes necesarios para que los actores "pudieran" volar. 

El reparto estuvo integrado por Jason Patric -hijo de Jason Miller, el Padre Karras en El Exorcista- en el papel de Michael Emerson, el protagonista, un joven que llega a la ciudad californiana de Santa Carla, junto a su hermano Sam (Corey Haim) ignorantes por completo de la historia del lugar y de sus creencias. El principal rol femenino estuvo protagonizado por la desconocida Jami Hertz en el papel de una chica semi-vampirizada, por la que se jugará el cuello el héroe. 

Entre los villanos, destacar la participación del entonces poco conocido para el gran público Kiefer Sutherland como el líder de los vampiros, David, un joven rebelde cuya mayor satisfacción es pasarlo bien, aún a base de provocar escándalos y sembrar el caos y el desorden por donde pasa. Kiefer Sutherland, junto con Jason Patric, sería a la postre el único actor que alcanzaría un cierto éxito. Pero no debemos olvidar al actor cuya intervención en esta película le haría ganar cierta notoriedad y le daría un relativo pero aprovechado éxito. Se trata de el goonie Corey Feldman, quien encarna a Edwarg Frog, un joven cazavampiros que junto a su hermano Alan (Jamison Newlander) serán los aliados de Michael en su lucha contra los villanos. 

Finalmente, la película acabó recaudando en su momento la nada despreciable cantidad de 32.222.567 dólares en cines sólo estadounidenses, a los que habría que sumar 14.100.000 adicionales en conceptos de alquileres de VHS. 

Jóvenes Ocultos fue muy bien recibida en los cines de los Estados Unidos, recaudando más de 32 millones de dólares –un buen resultado para una película de horror clasificada R, especialmente en esa época. Ganó el premio Saturn a la mejor película de horror de 1987. 

La película formaba parte de la tendencia de la década de 1980 por adaptar la figura del vampiro a la audiencia del momento. Como ocurrió con otras muchas películas de la época, el escritor Craig Shaw Gardner recibió una copia del guión y se le pidió que escribiera una novela corta que acompañara al lanzamiento de la película. El resultado fue un libro de 220 páginas publicado por Berkley Publishing en 1987. Este libro incluye varias escenas que se eliminaron de la película, como Michael trabajando para conseguir dinero para comprarse su cazadora de cuero. También extiende la aparición de los Nazis del Surf – un clásico de la productora Troma- , los pandilleros enfrentados a los Jóvenes Ocultos, que en la película fueron sustituidos por víctimas anónimas. Además incluye otros elementos folklóricos asociados al vampirismo, como la incapacidad de cruzar agua corriente, o el efecto de la sal en sus cuerpos. Este libro se ha convertido en una pieza de coleccionista y su precio se estima entre los 20-150 $. “David” (Kiefer Sutherland) es empalado en un par de astas de ciervo pero no se desintegra como los demás vampiros. A pesar de lo que dice Max, realmente no parece muerto. Se supone que esta escena iba a ser el gancho para una secuela, The Lost Girls, que fue guionizada pero nunca realizada. 

En Lost Boys: The Tribe (Jóvenes Ocultos II: Vampiros en el surf) se apunta que cualquier vampiro resulta destruido si cualquier cosa atraviesa su corazón, no sólo una estaca de madera. David no aparece en Jóvenes Ocultos II pero aparece justo antes de los créditos en una pequeña escena que se cree puede ser el preludio de una tercera película. De hecho, guiones para Jóvenes Ocultos II y otras secuelas comenzaron a circular ya desde finales de la década de 1980, y Joel Schumacher realizó varios intentos para filmar la continuación durante la década de 1990, pero no lo consiguió. 

Finalmente, más de veinte años después de la película original apareció Lost Boys: The Tribe (Jóvenes Ocultos II: Vampiros en el surf). Corey Feldman repitió su papel de Edgar Frog, con cameos de Jamison Newlander y Corey Haim como Alan Frog y Sam Emerson, respectivamente. La secuela comenzó a rodarse en Vancouver en junio del año 2007. Al principio de ese Warner Bros había anunciado que produciría varias secuelas con lanzamiento directamente a video, entre las que se incluía “Jóvenes Ocultos”. Entre las repercusiones a posteriori que tuvo el film no nos debería escapar la serie gráfica creada por Hans Rodionoff y dibujada por Joel Gomez, de nombre Lost Boys: Reign of Frogs, en la que se narraban nuevos casos de los hermanos Frog. 

Un cómic, en el que por cierto David reaparece, hecho que sirve como precuela para Jóvenes Ocultos II Thomas Newman compuso la banda sonora de la película para que fuera una mezcla de orquesta y órgano junto a varias canciones como Good Times, un dueto entre Inxs y Jimmy Barnes, ex –cantante del grupo Cold Chisel, que alcanzó el nº 1 en las listas de éxito de Australia a principios de 1987. 

Esta canción de la banda sonora es la versión de un éxito musical australiano de la década de 1960 interpretado por lo Easybeats. I still believe es una canción que aparece tanto en la película como en la banda sonora. El autor Tim Capello hace una pequeña aparición en la película tocando la canción en una avenida de Santa Carla, con su saxofón y mostrando sus músculos. En la banda sonora de la película también se incluye una versión de la canción People are strange del grupo The Doors, interpretada por Echo & the Bunnymen. La versión que suena en la película está abreviada y tiene un arreglo musical ligeramente diferente. Lou Gramm, el cantante de la banda Foreigner, grabó la canción Lost in the Shadows para la banda Sonora, con un pequeño video musical con imágenes de la película. La canción principal de la película, Cry Little Sister, fue originalmente grabada por Gerard McMahon (bajo el seudónimo de Gerard maman) para la banda sonora, y posteriormente relanzada en su propio álbum, G Tom Mac en el año 2000.

En “Jóvenes Ocultos II”, la canción Cry Little Sister fue grabada por Aiden, una banda de Seattle. Atención a la banda sonora amenizada por versiones de "People are Strange" de The Doors y "Don´t let the Sun Go Down On Me" de Elton John, esta última canción interpretada por Roger Daltrey en los créditos finales.

Entre las anécdotas destacar que varias frases de la película han sido utilizadas en otros ámbitos, como la serie de Buffy Cazavampiros. El padre de Kiefer Sutherland, Donald Sutherland, interpretó el papel del primer Vigilante de Buffy, Merrick en la película en la que se basaría la serie. Sin embargo, la película de Buffy no es canónica para la serie televisiva. 

Los nombres de los hermanos Frog, Edgar y Alan, son una referencia al escritor Edgar Allan Poe. Destacan frases gloriosas como «Mi hermano se ha convertido en un vampiro de mierda. ¡Ya verás cuando se entere mamá!» o «Mata a tu hermano, será lo mejor» no pasarán de moda. No envejecen, nunca mueren... es divertido ser así. Eso salía en el cartel de la película. Otro de sus puntos fuertes es la estética: peinados de lo más moderno para la época (recordemos que hablamos de los ochenta), bandas de moteros con sus peculiares trajes, juergas nocturnas con todo lo que conllevan... 

En la película Reservoir Dogs, el Sr. Naranja habla de cómo fue interrumpido en sus esfuerzos por ver la película. La canción Santa Carla Twilight de la banda Tiger Army recibió su nombre de la ciudad de “Jóvenes Ocultos” y hace referencias al vampirismo. 

En Arma Letal (Richard Donner, 1987), el cartel de "Lost Boys" puede verse en un cine (de fondo en la pantalla) cuando Mel Gibson y Danny Glover van a coger su coche patrulla para ir a atender un caso de un hombre que quiere suicidarse. Donner fue el productor de "Jóvenes Ocultos", como ya se mencionó, y quería de esta manera hacerle un guiño a la película. Keenan Wynn y John Carradine (un veterano de las películas de vampiros) fueron elegidos originalmente para realizar el papel del abuelo Emerson, finalmente interpretado por Brooke McCarter, pero Wynn murió antes de comenzar el rodaje y Carradine se encontraba demasiado enfermo. 

Aparece también en la serie Los Simpsons en un especial de Halloween, en el cual se hacen continuos guiños a la película, incluyendo la existencia de un vampiro jefe o escenas del film. Una película entretenida que hay que contextualizarla para entender la estética, con un buen ritmo y un carácter gamberro que no deja de ser un encanto para la vista.


sábado, 16 de junio de 2012

Era de Iowa, no de Minessotta






Saving Private Ryan , o sea, lo que conocemos en España como Salvar al Soldado Ryan, y en algunos países de Hispanoamérica como Rescatando al Soldado Ryan es una película bélica épica estadounidense estrenada en 1998 y ambientada en la invasión de Normandía durante la Segunda Guerra Mundial. Dirigida por Steven Spielberg y escrita por Robert Rodat, el filme destaca por su recreación gráfica y muy realista de la guerra, especialmente en sus intensos 27 primeros minutos, que narran el desembarco y asalto aliado de la playa de Omaha el 6 de junio de 1944. 

Recuerdo que cuando la vi en el cine casi bajaba la cabeza y me metía detrás de la butaca de la persona que había delante con tal de que no me dieran las balas. El sonido en el cine era literalmente impactante. 

La historia continúa con Tom Hanks como el capitán John H. Miller del ejército de los Estados Unidos y siete hombres (interpretados por Tom Sizemore - Sgto. Michael Horvarth -, Edward Burns - Richard Reiben- , Barry Pepper - , Daniel Jackson-, Vin Diesel- Adrian Caparzo- , Giovanni Ribisi - Irwin Wade-, Adam Goldberg - Stanley Mellish- y Jeremy Davies - Cabo Timothy E. Upham-) en busca de un paracaidista, el soldado James Francis Ryan (Matt Damon) de Iowa, que ha perdido a sus tres hermanos en combate. En papeles menores se encuentran Ted Danson - Cap. Fred Hamill- y Paul Giamatti -Sgto. William Hill-. 

Rodat concibió la historia de la película en 1994, cuando vio un monumento dedicado a ocho hermanos que murieron en la Guerra de Secesión e imaginó un símil narrativo ambientado en la Segunda Guerra Mundial. El guión fue presentado al productor Mark Gordon, quien se lo entregó a Hanks, y finalmente llegó a Spielberg, que decidió dirigirlo. La premisa de la película se basa libremente en el caso real de los hermanos Niland. 
Salvar al soldado Ryan fue bien recibida por el público, obtuvo buenas críticas y ganó varios premios a la película, el reparto y el equipo. También obtuvo una importante recaudación en taquilla, que ascendió 481,8 millones de dólares estadounidenses en todo el mundo y la situó como la película norteamericana más taquillera del año. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas norteamericana nominó la película a siete premios Óscar y Spielberg ganó su segunda estatuilla al mejor director, aunque de estos datos los puntualizaremos más al final. 

En la mañana del 6 de junio de 1944, comienzo de la invasión de Normandía, los soldados estadounidenses se preparan para desembarcar en la playa de Omaha. Nada más abrirse las puertas de sus lanchas de desembarco son recibidos por un feroz fuego de artillería alemana, que masacra a muchos de los soldados en cuanto ponen pie en tierra. 

El capitán John H. Miller, al mando de la compañía Charlie del 2º Batallón de Ranger, sobrevive a la carnicería del desembarco, reúne a un grupo de soldados para intentar penetrar las defensas alemanas y abre brecha para avanzar desde la playa. Cosa que finalmente consiguen. En el Departamento de Guerra de los Estados Unidos, en Washington D. C., el general George Marshall es informado de que tres de los cuatro hermanos de la familia Ryan han muerto en combate con pocos días de diferencia y que su madre recibirá los tres telegramas de pésame en el mismo día. También tiene noticia de que el cuarto hermano, soldado James Francis Ryan de la compañía Baker, 506º Regimiento de Infantería de Paracaidistas, 101.ª División Aerotransportada, está desaparecido en combate en algún lugar de Normandía. Tras leer a su equipo una carta que Abraham Lincoln envió a la señora Bixby, que perdió cinco hijos en la guerra, Marshall ordena que Ryan debe ser encontrado y enviado a casa inmediatamente en cumplimiento de la política de único superviviente del ejército estadounidense. 
En Francia, tres días después del Día D, Miller recibe la orden de localizar a Ryan. Reúne a seis hombres de su compañía (Horvath, Mellish, Reiben, Jackson, Wade y Caparzo) y otro más – un traductor encargado de las transmisiones y sin experiencia de combate- de la 29ª División de Infantería (Upham) que habla francés y alemán, para servir como traductor. 

Sin información sobre el paradero de Ryan, Miller y sus hombres se trasladan a la localidad de Neuville, donde se encuentran con un pelotón de la 101. Tras entrar en la localidad bajo una fuerte lluvia, y ayudar a una chica a petición de sus padres, Caparzo es herido en el pecho por un francotirador alemán y muere desangrado sin que nadie pueda acudir en su ayuda. Jackson localiza al tirador enemigo y lo abate cuando Caparzo ya ha fallecido. Poco después encuentran un soldado de nombre James Frederick Ryan, de Minnesota, aunque rápidamente se percatan de que no es su hombre, sobre todo por que su hermano es un niño. En su búsqueda también se topan con un miembro de la compañía Charlie- un aviador que perdió el control de su avión debido al peso del vehículo de un tipo con estrellas- , quien les informa que su zona de aterrizaje fue Vierville y que las compañías Charlie y Baker tenían el mismo punto de reunión. Una vez allí localizan a un amigo de Ryan que les dice que el hombre al que buscan está defendiendo un puente de gran importancia estratégica sobre el río Merderet en la localidad de Ramelle. 
En camino a Ramelle el grupo de búsqueda se topa con un nido de ametralladora alemana y Miller decide aprovechar la oportunidad para neutralizar la posición, cercana a una estación de radio y que ya ha acabado con varios soldados aliados, a pesar de los recelos de sus hombres. 

En el asalto, Wade, el médico del grupo, es mortalmente herido. El único superviviente alemán es objeto de la ira de todos los miembros del grupo estadounidense, menos Upham, que protesta ante Miller por dejar que sus hombres intenten fusilarlo. 
El soldado alemán suplica por su vida y Miller lo deja marchar con los ojos vendados y con órdenes de entregarse a la primera patrulla americana que encuentre. 
Tras ver a su capitán dejar marchar a un enemigo, Reiben – el chico de Brooklyn- deja de confiar en su liderazgo y le comunica su decisión de desertar del grupo, lo que le lleva a enfrentarse con Horvath. Ambos discuten acaloradamente hasta que Miller decide intervenir revelando su situación personal anterior a la guerra, cuando era maestro de literatura inglesa, una información que había llevado a los miembros del grupo a realizar apuestas. Reiben decide finalmente quedarse. 
De camino a su destino el grupo de soldados americanos llega finalmente a las afueras de Ramelle, donde, en una emboscada a un vehículo semioruga alemán, se encuentran con tres paracaidistas estadounidenses. Uno de ellos es James Francis Ryan. 
Ya en Ramelle, Ryan es informado de la muerte de sus tres hermanos y de la misión para devolverlo a casa, en la que han muerto dos soldados americanos. Se conmueve enormemente con la muerte de sus hermanos, pero siente que no es justo regresar a casa y le dice a Miller que le diga a su madre que «cuando me encontraron, estaba aquí con los únicos hermanos que me quedaban», mirando al pequeño grupo de soldados con el que defendía el puente de Ramelle mientras pronunciaba las palabras. 

Miller decide tomar el mando de todos los hombres y defender el puente con los pocos medios a su alcance. Los alemanes llegan a la localidad con una fuerza de más de cincuenta hombres y con el apoyo de vehículos blindados. 

Los americanos han preparado la defensa e infligen numerosas bajas a los germanos, incluida la destrucción de dos tanques con bombas lapa hechas con calcetines y grasa, pero en la lucha mueren la mayoría de componentes del grupo de Miller, incluidos Jackson, Mellish y Horvath. 
En el intento por volar el puente para evitar su caída en manos alemanas, Miller es mortalmente ametrallado. Los americanos resisten el feroz ataque alemán hasta que, justo antes de la llegada al puente de un tanque enemigo Tiger I, un avión estadounidense P-51 Mustang lo sobrevuela y destruye, seguido de más aviones aliados e infantería americana con tanques M4 Sherman que consiguen derrotar a los alemanes. 
Upham, que se había quedado rezagado y escondido en una trinchera, encañona a varios soldados germanos, entre los que se encuentra el soldado que dejaron marchar tras tomar el nido de ametralladora – y al que identificamos como el asesino de Mellish- , y lo mata de un tiro tras ser testigo de cómo disparaba a Miller. Ryan, Reiben y Upham son los únicos supervivientes de la batalla de Ramelle. 
Ryan acude a ayudar al moribundo Miller y éste le dice sus últimas palabras: «James… hágase usted digno de esto… merézcalo». 

Ya en la actualidad, Ryan, un veterano de la Segunda Guerra Mundial, y su familia visitan el Cementerio Estadounidense de Normandía en Colleville-sur-Mer, Francia. Ryan se acerca a la tumba de Miller y le pregunta a su esposa si ha sido un buen hombre, digno del sacrificio de Miller y su grupo de soldados, tras lo que hace un saludo militar a la cruz bajo la que reposa su salvador. Una bandera de barras y estrellas pone fin a la magnífica película. 
Sabemos que Robert Rodat concibió el argumento de la película tras ver en 1994 un monumento dedicado a la memoria de soldados muertos en combate en el que figuraban los nombres de ocho miembros de la misma familia fallecidos en la Guerra de Secesión americana como ya hemos indicado. Inspirado por esta historia, Rodat investigó sobre el tema y decidió escribir una historia similar en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. 
La fecha fijada para iniciar el rodaje fue el 27 de junio de 1997. Antes de comenzar el rodaje los protagonistas del filme, Edward Burns, Barry Pepper, Vin Diesel, Adam Goldberg, Giovanni Ribisi y Tom Hanks, tuvieron que prepararse sus roles de soldados durante diez días en un campo de entrenamiento.

Spielberg había mostrado con anterioridad su interés en la Segunda Guerra Mundial con las películas 1941, El imperio del Sol, La lista de Schindler y la saga de Indiana Jones. Tras Saving Private Ryan Spielberg también produjo dos grandiosos y muy recordadas miniseries para televisión ambientadas en la Segunda Guerra Mundial, Band of Brothers (Hermanos de Sangre) y The Pacific, junto a Tom Hanks. Preguntado sobre ello, el cineasta estadounidense dijo: «Creo que la Segunda Guerra Mundial es el evento más importante de los últimos cien años; el destino de los Baby boomers e incluso de la Generación X estuvo vinculado a ella. Más allá de esto, yo siempre he estado interesado en la Segunda Guerra Mundial. Mis primeras películas, las que hice con catorce años, eran filmes de combates tanto aéreos como terrestres. Desde hace años buscaba una buena historia sobre la Segunda Guerra Mundial para rodarla, y cuando Robert Rodat escribió Saving Private Ryan, la encontré.» 
Las escenas del Día D fueron filmadas en la playa Ballinesker de Curracloe, condado de Wexford, Irlanda. El rodaje dio comienzo el 27 de junio de 1997 y duró dos meses. Algunas escenas se filmaron en Normandía, en el Cementerio Estadounidense de Normandía de Colleville-sur-Mer y en Calvados. Otras escenas fueron rodadas en localizaciones inglesas, como el British Aerospace en Hatfield (Hertfordshire), Londres, el Thame Park de Oxfordshire y Wiltshire. La producción también se iba a desarrollar en Seaham, en el condado de Durham, pero el gobierno británico lo impidió. 

Saving Private Ryan ha sido alabada por la crítica por su realista retrato de la Segunda Guerra Mundial, y en particular por la secuencia inicial del desembarco en Normandía, que fue votada como la «mejor escena de batalla de todos los tiempos» por la revista Empire y fue puesta en el número uno del ranking «50 grandes momentos de cine» de la revista TV Guide. La secuencia costó 12 millones de dólares e implicó a 1500 extras, algunos de los cuales eran miembros de las Reserve Defence Forces irlandesas. Miembros de grupos locales de reconstrucción histórica como el Second Battle Group formaron parte del reparto interpretando a soldados alemanes. Además, intervinieron de veinte a treinta personas con amputaciones reales para interpretar a los soldados estadounidenses mutilados durante el desembarco. Spielberg no realizó un guión gráfico de la secuencia, pues quería reacciones espontáneas y que «la acción me inspire sobre el lugar donde colocar la cámara». 

Me ha interesado enormemente la representación histórica de las acciones de la compañía Charlie, encabezada por su comandante, el capitán Ralph E. Goranson, también se recreó en la secuencia de apertura. La escena y los detalles de lo acaecido esa mañana en la playa normanda son muy fieles a la realidad, como el mareo sufrido por muchos soldados, el gran número de bajas entre los aliados al desembarcar de las lanchas y las dificultades para reagruparse en la playa que experimentaron las unidades. Los detalles contextuales de las acciones de la compañía también se mantuvieron, caso de los nombres en código del sector Charlie y los adyacentes. La película también ilustra cómo el desembarco fue seguido de la limpieza de los búnkeres y el sistema de trincheras alemanes en la parte alta de los acantilados, algo que no era parte de los objetivos de la misión de la compañía Charlie pero que se realizó tras ascender los acantilados de Pointe du Hoc. 

Las lanchas de desembarco usadas incluyeron doce auténticas de la Segunda Guerra Mundial, diez LCVP y dos LCM, usadas por las compañías Ranger británicas para tomar las playas durante la operación Overlord. Los cineastas usaron también cámaras subacuáticas para mostrar mejor a los soldados siendo ametrallados bajo el agua y el estallido de las balas en el agua y la explosión inmediata de sangre. Se necesitaron cuarenta barriles de sangre falsa para teñir el agua de mar y simular la masacre causada entre los soldados estadounidenses. Este empeño por el realismo fue más difícil de conseguir en los vehículos blindados alemanes de la contienda, pues muy pocos han sobrevivido en condiciones operativas. Los tanques Tiger I que aparecen en la película fueron copias montadas sobre el chasis de los más antiguos paro funcionales tanques soviéticos T-34 como son aquellos que aparecen en el parque berlinés junto al monumento al soldado soviético. Los dos vehículos que aparecen como Panzers intentaban simular cazacarros Marder III. Uno fue creado para la película reutilizando el chasis de un tanque Panzer 38(t) de fabricación checa, similar en configuración al original Marder III, y el otro fue un vehículo de asalto sueco SAV m/43, que también empleó el chasis del 38(t) y recibió cambios cosméticos para la ocasión. 

Inevitablemente los cineastas se tomaron algunas licencias artísticas por el bien del drama. Una de las más famosas es el retrato de la 2º División Panzer SS Das Reich como el enemigo de los estadounidenses en la batalla final de Ramelle. La 2ª SS no combatió en Normandía hasta julio, y lo hizo en Caen contra los británicos y los canadienses, cien kilómetros al este. Por otra parte, los puentes sobre el río Merderet no fueron un objetivo de la 101ª División Aerotransportada, sino de la 82ª División Aerotransportada como parte de la misión Boston. Mucho se ha hablado de varios «errores tácticos» por parte tanto de los alemanes como de los americanos en la batalla final de la película, a lo que Spielberg respondió que en muchas escenas optó por sustituir las tácticas militares y la estricta precisión histórica en favor del efecto dramático ya que al fin y al cabo esto es solo cine, entretenimiento y no un documental. 

Para lograr un tono y una calidad fiel a la historia, así como para reflejar la época en que se ambienta el filme, Spielberg volvió a colaborar con el director de fotografía Janusz Kaminski, afirmando que «al principio, los dos sabíamos que no queríamos que esto pareciera una extravagancia Technicolor sobre la Segunda Guerra Mundial, sino más bien como imágenes de un noticiero de los años 1940, muy desaturado y antiguo.» Kaminski quitó el revestimiento protector de las lentes de las cámaras para acercarse lo máximo posible a la tecnología de filmación de la época de la Segunda Guerra Mundial. Explicó que «sin la capa protectora, la luz penetra y comienza a rebotar, lo que la hace más difusa y más suave sin perder el foco.» El director de fotografía completó el efecto global pasando el negativo por el bleach bypass, un proceso que reduce el brillo y la saturación del color. La sincronización del obturador fue de 90 o 45 grados para muchas de las escenas de batalla, cuando lo habitual son 180 grados. Kaminski aclara «de esta manera logramos un cierto staccato en los movimientos de los actores y cierta nitidez en las explosiones, lo que lo hace un poco más realista.». Estas cuestiones técnicas sobre la imagen son las que llegan en algún momento a mis hijos a preguntarse si la película es en color o no, más aún nosotros que la hemos visto en el original VHS. 

Salvar al soldado Ryan (Saving Private Ryan) fue distribuida por DreamWorks en Norteamérica y por Paramount Pictures internacionalmente. Como resultado de la adquisición de DreamWorks por Paramount en 2005, ésta se ha quedado también con los derechos de distribución en Norteamérica (aunque a través de la división DreamWorks). 

La película fue un éxito de crítica y público y se le atribuye una importante contribución al resurgir del interés en Estados Unidos por la Segunda Guerra Mundial. Viejas y nuevas películas, videojuegos y novelas sobre este conflicto disfrutaron una renovada popularidad tras su estreno. El uso en la película de los colores desaturados, cámaras en mano y ángulos reducidos han influido profundamente en películas y videojuegos posteriores, tipo Call of Duty, Modern Warfare o Metal of honor que tanto gustan a mis hijos . 


Salvar al soldado Ryan fue estrenada en 2463 salas de cine el 28 de julio de 1998 y recaudó 30,5 millones de dólares en su primer fin de semana. En total amasó 216,5 millones en Norteamérica y 265,3 en el resto del mundo, haciendo ascender su recaudación mundial hasta 481,8 millones, marcando con ello la mayor recaudación de una película estadounidense ese año. Yo participé de la misma pues fui a verla a los desgraciadamente desaparecidos cines del Zoco. 

La película fue recibida de manera muy positiva por la crítica, con muchos elogios a sus realistas escenas de combates y a la actuación de los actores, pero también señalando como puntos negativos el guión y el hecho de ignorar la contribución de muchos otros países al Día D en general y a la playa de Omaha en particular. El ejemplo más claro de esto último es que durante la auténtica invasión de Normandía el 2º de Rangers desembarcó de barcos británicos y fue llevado a las playas por lanchas de la Real Armada británica. En la película se los ve en barcos tripulados por guardacostas de los Estados Unidos y procedentes de un barco americano, el USS Thomas Jefferson (APA-30). Sin embargo, esta crítica negativa no la comparto, insiste esto es cine, y además no fue para nada general, pues otros críticos reconocieron el intento del director por hacer una película «americana». La cinta no fue estrenada en Malasia porque Spielberg se negó a cortar las escenas más violentas, aunque en ese país fue finalmente editada en DVD en 2005. Muchas asociaciones de críticos, como el Círculo de críticos de Nueva York y el de Los Ángeles, eligieron esta película como la película del año. 

Roger Ebert le otorgó cuatro estrellas de cuatro y la definió como «una experiencia poderosa» y Vicente Molina Foix dijo que Saving Private Ryan era «la película que mejor y más conmovedoramente nos muestra lo que es ese infierno llamado guerra.» 

El cineasta Quentin Tarantino ha expresado su admiración por la película de Spielberg y la ha citado como un influencia para su filme Inglourious Basterds de 2009. En una entrevista, Tarantino le dijo a su entrevistador, Samuel Blumenfeld, «Spielberg está haciendo algo sin precedentes con la apertura de esta película. Cuando presencias la secuencia del desembarco, ya nunca más podrás ver de la misma manera El día más largo o The Big Red One de Samuel Fuller… Saving Private Ryan hace que me dé cuenta de algunas situaciones del cine bélico que yo no podía hacer por mi cuenta. La idea de que cuarenta hombres en un barco son exterminados en segundos por una andanada de fuego de ametralladora es terrible. ¿Puedes imaginar la carnicería más atroz? Obviamente, sí. Salvo que a través de esta escena, estás persuadido para asistir a la peor masacre de la historia. La secuencia de lucha a cuchillo entre un soldado americano y uno alemán hacia el final de la película es tan notable como el desembarco. Odio las películas bélicas que muestran a un soldado matando a sus oponentes sin sudar, como si fuera insignificante. Si yo estuviera luchando por mi pellejo, creo que sería un poco más difícil. Es complicado matar a alguien, se necesita sudar y, aun así, no tienes garantías de conseguirlo. Spielberg realizó admirablemente esta escena con esa dimensión.» 

Sin embargo, el director de cine Oliver Stone acusó a la película de promover «el culto a la Segunda Guerra Mundial como una guerra buena», y la ha situado junto a películas como Gladiator y Black Hawk Down las obras de Ridley Scott, que él cree que se hicieron bien pero que inadvertidamente contribuyeron a la preparación de los estadounidenses para la invasión de Irak de 2003. Bueno, esa es la opinión de Stone que, evidentemente es tan enrevesada y maquiavélica que yo comparto. Otras críticas vinieron por parte de veteranos de la batalla como ocurrió con el actor Richard Todd, que actuó en El día más largo y fue de los primeros soldados americanos que desembarcaron en Normandía, dijo que la película era «Basura. Exagerada».Otros veteranos de la Segunda Guerra Mundial, sin embargo, declararon que la película era la representación más realista de la guerra que habían visto jamás. 

La película es tan realista que algunos veteranos de combates del Día D y Vietnam salieron de los cines antes de terminar de ver la escena inicial del desembarco. Sus visitas a los psicólogos por el trastorno por estrés postraumático aumentaron tras el estreno de la película, y muchos psicólogos advirtieron que evitaran verla los veteranos «más psicológicamente vulnerables». 

Esta historia sobre la búsqueda del soldado Ryan fue nominada a once premios Óscar y ganó los de mejor fotografía, mejor sonido, mejor edición de sonido, mejor montaje y mejor director para Steven Spielberg, pero ¡oh sorpresa! no le concedieron el de mejor película, que fue a parar a la buena pero no grandiosa Shakespeare in love, lo que lo convierte en uno de las pocos filmes que gana la estatuilla de mejor director pero no de mejor película. 

La cinta también fue distinguida con los premios Globos de Oro a mejor película dramática y al mejor director, el BAFTA británica a los mejores efectos visuales y mejor sonido, el premio del Sindicato de Directores, el premio Grammy al mejor álbum de banda sonora, el Producers Guild of America Golden Laurel Award y el premio Saturn a mejor filme de acción o aventuras. En junio de 2008 el American Film Institute reveló su «Ten top Ten» (las diez mejores películas en diez géneros clásicos) tras realizar una encuesta entre 1500 personas de la comunidad creativa y Saving Private Ryan entró como el octavo filme en el género de «películas épicas». 

La película apareció en vídeo doméstico en mayo de 1999 con un estreno en VHS que ganó más de 44 millones de dólares. Yo lo obtuve de la colección del diario “El mundo” que se presentaba bajo el título genérico de La historia más grande jamás contada”. Y gracias a ella hemos descubierto que Ryan era de Iowa, y no de Minessotta.

La producción estuvo en manos de Mark Gordon Productions, DreamWorks, Paramount Pictures, Amblin Entertainment, Mutual Film Corporation. La distribución recayó DreamWorks SKG (Estados Unidos y Canadá) y la Paramount Pictures para el resto del mundo. El Presupuesto fue de 70.000.000 para la producción en dólares USA y destinaron otros 25.000.000 para el marketing, lo que alcanzó un montante de 90.000.000 US$ en total nada más y nada menos. Por último la recaudación pudo alcanzar un total de 481.840.909 dólares.¿sabemos por qué llaman a Spielberg, el “Rey Midas”?.

jueves, 14 de junio de 2012

Slasher texano en la Sexta 3


No sé si lo hago a propósito o no. El caso es que las dos últimas películas que he visto en televisión, y que han sido de canales temáticos de cine, la de Paramount Channel y esta de la Sexta 3, responden al género del Slasher. Esta última que he vito, de nombre “La Matanza de Texas: la nueva generación” era una castaña en toda regla por lo absurdo de su planteamiento o por la locura que transmite en todo momento, especialmente en el papel interpretado por Matthew McConaughey o la perseguida Renée Zellweger. Esta claro que todos lo actores tienen pasado y aquí nos sorprende ver a unos jóvenes actores y muy conocidos actores en los inicios de su carrera, algo que ya ocurrió con Johnny Depp o con Kevin Bacon en alguna película de este género. 
The Texas Chainsaw Massacre: The Next Generation es una película escrita y dirigida por el co-guionista de la original "Matanza de Texas", Kim Henkel, en la que un grupo de jóvenes se enfrentan a una nueva familia de psicópatas que tienen su propia versión de cara de cuero, esta vez un travestido, y encabezado por un pirado Matthew McConaughey como el líder de la familia. 
La protagonista femenina es la ya aludida Renée Zellweger. El director es Kim Henkel, como ya he señalado, fue guionista y cocreador de la serie iniciada por Tobe Hooper. 
Esta claro que la ideas básicas de Henkel de la primera película están en esta del año 1994. La música en la que el sonido de la motosierra como un zumbido muy repetitivo es obra de Wayne Bell y Robert Jacks, y la fotografía oscura y mal hecha es de Levie Isaacks. 
Fue producida por New Line Cinema, aunque distribuida por la Columbia y la película como buen Slasher es de corta duración, pues se presenta toda la historia en 84 minutos. La película fue montada por Sandra Adair. También conocida como El Regreso de la Masacre de Texas, es una secuela de 1994 de la Masacre de Texas III: Leatherface (1990). Renée Zellweger y Matthew McConaughey actuaron en esta película años antes de que cualquiera de ellos se hiciera famoso. 
La película fue clasificada R por la MPAA por "demencia caos y la tortura, y por el lenguaje fuerte". La película se inicia con una chica pintándose los labios, podríamos pensar que es la protagonista, Jenny pero pudiera ser ¡oh, sorpresa, Leitherface!. 
Una chica, Renée Zellweger, se arregla para ir a una fiesta del colegio. En ella se encuentra con otras parejas. Una de ellas, la formada por Darla y por su estúpido novio, se pelean y se marcha de la misma. En el coche aparecen - como por arte de magia- Jenny y su acompañante. Un desvío de la carretera por obras marcará su historia pues lo lleva al interior de un bosque. Allí tienen un accidente. 

El acompañante de Jenny y el otro conductor herido se quedan en los coches esperando ayuda. El resto inician la búsqueda de ayuda, por lo que el grupo se separa. 
Dos chicas y uno de sus novios marchan buscando ayuda en una pequeña población, en donde encuentran una vivienda en la que una chica, Heather (Lysa Marie Newmyer) les atiende. Mientras el accidentado y el acompañante de Jenny reciben una extraña visita. 

El accidentado y este chico serán víctimas de un gruista de nombre Vilmer, sucio y despiadado, con una pierna ortopédica. De forma brutal acaba con ambos. Los demás llegan a una casa en la que son recibidos por un loco armado y por cara de cuero. El resto nos lo imaginamos. 

Esta película, que si bien no es una continuación como parece indicar el título, es más bien un remake pues muchas escenas coinciden con la original: un Leatherface histérica cerrando el filme, la persecución de la chica por el bosque, la extraña cena familiar con el abuelo presidiendo el banquete semicomatoso, el enganchar a una chica en el gancho, el "flashbulb" emblemático de las habitaciones...
Respecto a este Leatherface travestido, es necesario decir que está basado en Ed Gein, un caso real que inspiró está película y que tenía una mórbida inclinación travesti / transexual. 

Este filme se encuentra censurado en Argentina, Canadá, Finlandia, Inglaterra, Suecia (antes prohibido) y USA. Se rodó en Austin (Texas), ciudad donde nació Tobe Hooper. 
Señalar algunas anécdotas como que John Dugan, intérprete del abuelo en la primera parte, es el policía que habla con la protagonista en el hospital, al final de la película o como el hombre que empuja la camilla que lleva a Marilyn Burns – la protagonista original - es Paul A. Partain, el chico paralítico hermano de Sully en la primera parte, o como casi al final, los viejos de la caravana que finalmente vuelca toman un Bloody Mary, lo que nos hace referencia a la Marilyn Burns ensangrentada de la primera parte y sobretodo que la chica que aparece al final en camilla es Marilyn Burns la protagonista de la primera parte.

martes, 12 de junio de 2012

Me gustan los westerns



Me gustan los westerns, y me llama la atención éste por lo atípico que es. Y su singularidad estriba en diversas razones como que es un western que se desarrolla en Bolivia, o que toma como punto de partida el final de otro western, la grandiosa "Dos hombres y un destino". En la película hay cuatreros, indígenas (indios en lenguaje coloquila), robo de dinero y fantásticos paisajes aunque no sean los de Utah, Arizona o Colorado. Un elemento añadido en su originalidad: parte de los actores, así como el guión y la dirección son "made in Spain". 

Blackthorn es una película de 2011, dirigida por Mateo Gil, el director de "Nadie conoce a nadie", y que abandona su Sevilla natal para desarrollar entre Bolivia y los Estados Unidos su historia. La misma está protagonizada en su principales papeles por Sam Shepard, Eduardo Noriega y Stephen Rea. El guión es obra de Miguel Barros, y se centra es un relato ficticio acerca de Butch Cassidy quien ya anciano, vive bajo el nombre de James Blackthorn en un tranquilo pueblo de Bolivia 20 años después de su desaparición en 1908. 

Blackthorn fue rodada en locaciones en La Paz, Potosí y Uyuni en Bolivia. La película inicialmente fue lanzada en septiembre de 2011, aunque se estrenó en Estados Unidos el 7 de octubre de 2011. Es realmente una coproducción entre España-Estados Unidos-Bolivia-Francia; y en ella intervienen Ariane Mararía / Arcadia Motion Pictures / Noodles Production. La música es obra de Lucio Godoy y la fotografía estuvo en manos de Juan Ruiz Anchía. 


Veinte años después de su desaparición en 1908, Butch Cassidy (Sam Shepard), ya anciano, vive bajo el supuesto nombre de James Blackthorn en un tranquilo pueblo de Bolivia, criando y vendiendo caballos. Un día decide poner fin a su largo exilio y retornar a los Estados Unidos después de enterarse de la muerte de Etta Place (Dominique McElligott). Luego de años de vivir una vida solitaria y dedicarse a criar caballos, Blackthorn parte hacia Potosí para vender sus caballos y se despide de su amante, Yana (Magaly Solier), a quien dice que va a ver otra vez antes de partir de Bolivia. En Potosí, Blackthorn retira sus ahorros del banco, vende sus caballos, y luego regresa a su pueblo. En el camino, es emboscado y el caballo de Blackthorn, Cinco, escapa con su dinero en las alforjas. El asaltante es Eduardo Apodaca (Eduardo Noriega), un ingeniero de minas español que afirma que estaba disparando a sus perseguidores y ruega a Blackthorn que lo ayude a cambio de compartir los 50.000 dólares que le robó a Simón Patiño, un poderoso empresario boliviano y propietario de la mina donde trabajaba el español. 

Blackthorn y el español atraviesan el desierto del altiplano siendo perseguido por un grupo que parecer ser son esbirros de Patiño. Una vez en la mina abandonada encuentran el dinero, pero sus perseguidores los alcanzan. Blackthorn y el español logran escapar luego de un tiroteo y se dirigen a la cabaña de Blackthorn, donde el famoso criminal recuerda su vieja amistad con Sundance Kid (Padraic Delaney), y Etta Place, y cómo escaparon en Argentina de uno de los hombres de Pinkerton, Mr. Mackinley (Stephen Rea), un detective de la agencia Pinkerton. Yana se une a los hombres en la cabaña y decide quedarse con Blackthorn en su última noche antes de partir. 
A la mañana siguiente, dos mujeres de negro llegan a la cabaña en busca del español y se desata un tiroteo en el que Blackthorn es herido y Yana muere. Con el corazón roto Blackthorn y el español se marchan a través del Salar de Uyuni, con la esperanza de llegar a la costa, donde Blackthorn pretende retornar en barco a casa vía Chile. A mitad del camino, son alcanzados por sus perseguidores, pero Blackthorn y el español se separan y tras enfrentarse a sus perseguidores logran escapar. 

En Tupiza, Blackthorn, que está herido, es atendido por un médico (Luis Bredow), quien lo reconoce como “Butch”, avisando al ex detective Mackinley —quien ahora languidece llevando una triste vida en Bolivia como cónsul honorario—, acerca de su sospechoso paciente. Mackinley confirma la identidad del hombre. Durante años Mackinley había afirmado que los dos bandidos muertos en San Vicente no eran Butch Cassidy y Sundance Kid, y ahora podía demostrar que tenía razón. Sin embargo, luego de que avisar al ejército boliviano del forajido, Mackinley cambia de opinión y ayuda a escapar a Blackthorn. Cuando Mackinley descubre que Blackthorn estaba involucrado con el español le revela la verdad sobre la persecución: el botín de 50.000 dólares que el español había robado, en realidad no pertenecían al rico empresario Patiño, sino a las familias mineras que recientemente habían tomado control de las minas, algo que Butch Cassidy nunca habría hecho. 

Blackthorn sigue la pista del español rumbo a los Andes, con el ejército pisando sus talones. Cuando Blackthorn lo alcanza y lo confronta con la verdad, el español no lo niega. Blackthorn hiere al español en la pierna y lo deja junto con el dinero para los mineros y el ejército boliviano, que pronto llegará tras el ladrón y lo ejecutan ahí mismo. 

La película obtuvo diversos reconocimientos nacionales e internacionales. En España fue galardonada con 4 Premios Goya (mejor fotografía, vestuario, dirección artística y de producción tras 11 nominaciones. En el festival de Tribeca fue reconocida en la sección oficial competitiva internacional (largometrajes). Mateo Gil hace la película desde el respeto, desde una visión apasionada de lo que llamamos western crepuscular, contándonos una historia que se basa en las leyendas que dicen que realmente Cassidy no murió en aquel tiroteo en San Vicente en 1908, si no que siguió viviendo plácidamente en Bolivia, durante varios años más. Y son 20 años después de este tiroteo dónde se sitúa la película, en la que nos muestra un Butch ya sexagenario, y con suficiente dinero ahorrado para volver a EEUU y conocer al hijo de Sundance ¿O quizá el suyo? ¡Qué importa…!. La película arranca con una preciosa escena en la que Sam Shepard cabalga llevando con él a varios caballos, acompañado por un paisaje que podría haber filmado Ford en cualquiera de sus westerns, y a ritmo de una versión preciosa versión de “Ain’t no Grave” de Johnny Cash. Desde ahí se convierte en toda una declaración de intenciones. Y no solo eso, si no que el espectador queda rendido a sus brazos, expectante ante lo que pueda llegar. Pero se cruzará por su camino un español que acaba de dar un golpe y al que le ayudará a huir de los que le intentan capturar. 
La llegada de Apodaca nos permite entrar directamente en un clásico del western, una huida que en cierta forma guarda sus paralelismos con la de Dos hombres y un destino, pero aquí se le suma un factor muy importante como es el contraste de edad entre sus protagonistas, una diferencia generacional con la que se juega muy bien durante toda la película y la mentira que preside la historia del dinero. 
La película juega con flash-back en algunos momentos viendo al trío - Sundace Kid , Butch Cassidy ( por cierto el matarreyes Nikolaj Coster-Waldau de Juego de tronos) y Etta Place (Dominique McElligott) - , tanto en sus inicios en los Estado Unidos, como sus correrías por Argentina o en la despedida de Etta tras su embarazo, o en Bolivia o la muerte de Sundance Kid.
Estos flashbacks nos hablan del vigor juvenil perdido, de la amistad y de los fantasmas personales sirviéndonos de contrapunto perfecto. Los puntos fuertes de la película están en la propia historia, con ese Butch Cassidy anciano (Sam Shepard), en las impresionantes localizaciones que no pueden ser más espectaculares y que nos ofrecen un marco adecuado para la épica —con mención especial a la potentísima estética del salar de Uyumi—, o con el punto de partida, un pequeño “what if?” que juega con la idea de que Cassidy y Sundance Kid no murieron, como se supone, en aquella emboscada del ejército boliviano en 1908, sino que lograron escapar, aunque sus caminos se separaran poco después. Por cierto, dura la tesis del film cuando Butch debe de sacrificar a Sundance. 

Los puntos más débiles están en el deprimente personaje interpretado por Stephen Rea, que es tan trágico como patético y en la actuación de Eduardo Noriega que no dota de una mínima credibilidad dramática a su personajes a lo largo de sus 98 minutos. Con todo y volviendo al origen de la película de referencia, la de "Dos hombres y un destino", es significativo el subtítulo de ésta: "Sin destino" que nos obliga a replantearnos si lo Butch tuvo, o el destino que le espera es el de Apodaca. Una buena película para aquellos que nos gustan los western.

miércoles, 6 de junio de 2012

Nuevo fin de temporada

Fin de temporada en los Reinos de Poniente. Tres últimos capítulos que como la serie van a más. Las historias que se iniciaron en Invernalia superan los confines de esta tierra de ficción. 
El primero del fin es «The Prince of Winterfell» con guión de David Benioff y D. B. Weiss y la dirección de Alan Taylor. El nuevo Príncipe de Invernalia, Theon, recibe la visita de Yara Greyjoy con el objetivo de hacerle una propuesta a su hermano, que se ha ido convirtiendo en un sangriento príncipe. 
Por su parte, y más allá del muro, Jon Nieve descubre que Mediamano también ha sido capturado por los salvajes. 
La inteligente y mejor superviviente de la serie, Arya, por su parte, traza un plan para escapar de Harrenhal para ello ha de contar con la inestimable ayuda de Jaqen H'ghar. 
Daenerys, que intenta recuperar sus dragones se dirige a la Casa de los Eternos. 
En Desembarco del rey Tyrion prepara el plan de ataque contra Stannis, mientras que Cercei se ocupa de mantener vivo a Joffrey. 
El noveno capítulo de la temporada de nombre “Las aguas negras” o “Blackwater” se centra en la batalla por la toma de Desembarco del rey. Estuvo bajo la dirección de Neil Marshall y con guión de George R. R. Martin. 
Stannis llega con su flota a la bahía de Desembarco del Rey. Parece haber cogido a la flota desprevenida pues no hay barcos en el puerto. Stannis supera a las tropas de Joffrey en diez hombres a uno. Tyrion se las arregla para acortar su desventaja con fuego valyrio. Cuando el barco invasor está a punto de llegar las aguas negras se tornan en verdes dado el uso del fuego valyrio. Cercei, que se ha llevado a todas las damas, en medio del asedio, muestra una faceta brutal de su personalidad y espera la derrota para ver morir a todas sus acompañantes. En el clímax de la situación, Tyrion y el cobarde Joffrey se enfrentan y este huye bajo la falda y ante las órdenes de su madre. A pesar de sus enorme pérdidas y de la mayor parte de su flota Stannis desembarca y logra entrar en la fortaleza con algunos hombres. La arenga de Tyrion para la defensa impacta a sus guerreros, poniéndose él al frente de la defensa. Sin embargo, la repentina llegada del padre de Cersei logra poner freno a la toma de Desembarco. 
El último episodio de la temporada, «Valar Morghulis», es obra de los guionistas David Benioff y D. B. Weiss. La dirección estuvo en manos de Alan Taylor. 
Tyrion despierta en una mísera alcoba y se da cuenta de que ya no es Mano del Rey y que muchas cosas cambiarán para él, pues su padre es la nueva Mano. Sansa deja de ser la prometida de Joffrey. Robb se casa a escondidas, pero parece que con quién había prometido (el perfil no nos aclara gran cosa). 
Invernalia es rodeada por los soldados de Robb y los caballeros de Theon lo traicionan y queman Invernalia. Rickon, Bran y Osha escapan al Muro para resguardarse de cualquier enemigo. 
Arya y los demás se topan con Jaqen H'ghar y se enteran de algo impactante, que Jaqen H´ghar puede variar de aspecto, dándole a Arya la posibilidad de contar con su ayuda en cualquier momento. Únicamente ha de decir un nombre: Valar Morghulis. 
Daenerys va en busca de sus dragones y en su búsqueda la magia oscura le muestra a Drogo y a su bebé, pero prefiere encontrar a sus dragones. Se enfrenta con el hombre de magia oscura quien es quemado por los dragones. Daenerys aprende una lección y obtiene mucha riqueza. 
Jon Nieve "se une" a los salvajes. El capítulo finaliza cuando Sam se queda atrás y se topa con un enorme ejército de los "no-vivos", dirigiéndose hacia el Sur. Una mirada fría y penetrante, de color azul, puso fin a la segunda entrega de esta guerra.

domingo, 3 de junio de 2012

Pudiera ser pacto entre caballeros


Noche sábado, que no de lobos. Una película fallida, Millenium - la versión americana-, y ante la imposibilidad, una película británica, Attack the Block, una película de ciencia ficción y acción de 2011 escrita y dirigida por Joe Cornish. ¿Por qué esta película? Pues se debe a que tuvo algún premio en el festival de cine fantástico y de terror de Sitges. 
La película está protagonizada por los desconocidos Jodie Whittaker, John Boyega, Alex Esmail, Franz Drameh, Leeon Jones y Simon Howard. 
La historia está ambientada en un barrio deprimido del sur de Londres, durante la "noche de hoguera" (5 de noviembre, que viene a ser la noche de San Juan de la cultura británica), y narra la aventura de una pandilla de adolescentes y sus adlateres, una víctima, dos chicasque lucha contra un grupo de extraterrestres. Mientras regresa del trabajo y habla por teléfono, una enfermera llamada Sam (Jodie Whittaker) es asaltada en el distrito de Kennington (Londres) por una pandilla de adolescentes: Pest (Alex Esmail), Dennis (Franz Drameh), Jerome (Leeon Jones), Biggz (Simon Howard), y el líder Moses (John Boyega). 

Le roban el móvil, el dinero, su bolso y un anillo y cuando parece ir a mayores, el delito es interrumpido cuando un objeto caído desde el cielo se estrella sobre un automóvil, lo que permite a Sam escapar. Moses aprovecha la situación e intenta robar cosas del interior del vehículo, pero es atacado en la cara por una criatura. Ante esto, los adolescentes persiguen a la criatura y la matan. 
Con el fin de hacerse famosos y ganar dinero con el descubrimiento, el grupo lleva el cadáver al departamento de un productor de marihuana y traficante de drogas llamado Ron (Nick Frost), para que los aconseje, ya que ve muchos reportajes sobre naturaleza. Allí, Moses le solicita al jefe de Ron, un macarra, lo que aquí es un Kani, Hi-Hatz (Jumayn Hunter), si puede dejar a la criatura en la habitación donde cultivan marihuana mientras piensan qué hacer. 
Tras esto, los adolescentes descubren que están cayendo más objetos del cielo, y salen para combatir con ellos y defender su barrio, especialmente su bloque de viviendas. Sin embargo, se dan cuenta que las criaturas son más grandes y violentas que la que atraparon, por lo que escapan. Mientras huye, Moses es atrapado por dos policías e identificado por Sam como uno de los adolescentes que intentó asaltarla. Tras ser encerrado dentro del carro policial, Moses ve cómo las criaturas matan a los policías, dejándolo a él y a Sam atrapados dentro. Dennis logra llegar al vehículo y los salva conduciéndolos lejos del lugar. Sin embargo, mientras escapa de las criaturas Dennis choca frontalmente el vehículo policial con el automóvil de Hi-Hatz. 
Sam logra escapar del lugar y los adolescentes intentan explicarle a Hi-Hatz lo sucedido, pero el narcotraficante se niega a creer su historia sobre extraterrestres y los amenaza con un arma. Al hacer esto, unas criaturas matan al acompañante de Hi-Hatz, lo que permite a los adolescentes escapar. 
Mientras intentan llegar al edificio de departamentos donde viven, uno de los adolescentes (Biggz) se separa del grupo escondiéndose en un basurero y otro (Pest) es herido en la pierna. Al llegar al edificio, los adolescentes descubren con sorpresa que Sam también vive allí, y entran a la fuerza a su departamento. Tras ser salvada de una criatura por Moses, Sam se da cuenta que es más seguro estar con ellos que por su cuenta, así que decide unírseles. 

Los adolescentes se trasladan posteriormente al departamento de una de sus amigas, donde creen que estarán a salvo. Sin embargo, las criaturas logran entrar por las ventanas y matan a Dennis. Al notar que las criaturas solo persiguen a los adolescentes, el grupo es expulsado del departamento. Luego de esto, los adolescentes son nuevamente atacados por Hi-Hatz, pero logran escapar. 
Los adolescentes deciden ir al apartamento del productor de marihuana Ron para refugiarse, pero en el camino son atacados por las criaturas. Jerome, el de las gafas, muere. 

Al llegar al apartamento e invernadero son sorprendidos por Hi-Hatz, quien intenta matarlos, pero éste será asesinado por un grupo de criaturas que entra por las ventanas. Mientras se esconden en la habitación de marihuana, los adolescentes notan que la chaqueta de Moses tiene unas manchas visibles gracias a la luz ultravioleta. 
Al ver esto, Brewis (Luke Treadaway), un estudiante, adicto a los documentales –como Ron- y porrero, concluye que la primera criatura que mataron era hembra, y lo que Moses tiene en su chaqueta son rastros de feromonas que atrajeron a los extraterrestres macho. El grupo idea un plan en el que Sam, quien no tenía rastros de la feromona, debe ir al departamento de Moses y abrir las cañerías de gas natural. Antes de salir del invernadero, Moses obliga a Pest a devolverle a Sam el anillo que le habían robado. Sam logra eludir a las criaturas, abrir las cañerías de gas del departamento y salir del edificio. 
Tras esto, Moses corre hacia su departamento con el cadáver de la hembra en su espalda, atrayendo al resto de las criaturas. Al llegar, arroja el cadáver en la cocina y hace estallar el departamento, destruyendo a los extraterrestres. Moses logra sobrevivir a la explosión saltando por la ventana y aferrándose a una bandera, ¿es una Union Jack, it isn´t? que evita que caiga al vacío. 
Después, Moses, Pest, Brewis y Ron son arrestados, siendo acusados de las muertes que tuvieron lugar en el edificio, incluyendo la de los dos policías que habían intentado arrestarlos antes. Mientras están dentro del vehículo policial, los personajes oyen cómo los habitantes del edificio corean el nombre de Moses, quien sonríe. Fin de la peli sabatina. 

Parece ser que la idea central del guión surgió algunos años antes del estreno de la película, cuando el director Joe Cornish fue asaltado por un grupo de adolescentes en el sur de Londres. 
Según el director y guionista, además de interesarse en los asaltantes, la experiencia le hizo pensar "¿qué pasaría si el robo hubiese sido interrumpido por algo fantástico? En esto me recuerda la canción de Sabina. Cornish fue influenciado además por las películas estadounidenses de los años 1980, que combinaban elementos de la realidad y la fantasía. 
El guión de la película presenta una gran cantidad de jerga, que gran parte de ella se pierde en la versión en castellano- la que yo he visto- lo que según Cornish fue un intento de registrar lo que ocurre con el lenguaje de los jóvenes hoy en día. 
Tras finalizar el guión, Cornish contactó a Nira Park y James Wilson de la compañía británica Big Talk Productions para buscar financiamiento. Tras leer el guión e interesarse en el proyecto, Big Talk posteriormente se reunió con representantes de Film4 Productions, StudioCanal y el UK Film Council, quienes aceptaron financiarlo. 

Attack the Block fue el debut de Joe Cornish como director de cine, pero también de muchos actores. La mayoría de los actores de la película no tenían experiencia previa en la industria cinematográfica. 
Para poder seleccionar a los jóvenes que iban a interpretar a los pandilleros se hizo un casting con cerca de 1.500 personas. 
El papel de Simon, líder del grupo de adolescentes, fue asignado a John Boyega, un joven de ascendencia nigeriana que había trabajado en algunas obras de teatro. Según Boyega, para su rol se basó en unos traficantes de droga de la cuarta temporada de la serie The Wire. Algo con lo que yo estoy de acuerdo. ¡Qué buena esa serie!. 
Los otros actores Luke Treadaway y Nick Frost, así como la actriz Jodie Whittaker, habían realizado pequeños papeles en películas y series muy secundarias. Para crear las criaturas, Cornish decidió no abusar de las imágenes generadas por computadora, debido a un tema presupuestario y a que prefería los efectos especiales más prácticos. 
En la película los extraterrestres son criaturas que recuerdan a los gorilas de Congo o a algunos seres salvajes, por su pelaje negro y opaco, siendo su único elemento visible su dentadura fosforescente. Terry Notary, quien había trabajado en cintas como Avatar, The Incredible Hulk y Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer, estuvo a cargo de dar vida a las criaturas. Notary trabajó junto a la compañía Spectral Motion, quienes crearon el traje del extraterrestre. 
Una vez filmadas las secuencias del actor en el traje, las compañías Double Negative y Fido retocaron las imágenes digitalmente para crear su apariencia final. La película fue estrenada el 13 de mayo de 2011 en el Reino Unido, y en un número limitado de cines en Estados Unidos el 29 de julio del mismo año. 

La cinta fue además mostrada en los festivales de cine de Locarno, Río de Janeiro, Karlovy Vary y Sitges. Attack the Block recaudó más de cerca de seis millones de dólares a lo largo del mundo. Attack the Block recibió una respuesta positiva por parte de la crítica cinematográfica. 
El director de cine Quentin Tarantino la ubicó en el séptimo puesto de las mejores películas de 2011. La película fue nominada en 2012 con un Bafta al mejor director, productor y guionista novel, pero también fue nominada y/o premiada en los London Critics Circle Film Awards, en los Black Reel e Image Awards del presente año. 
Entre los festivales internacionales destaca el de Sitges 2011 en donde acaparó los principales premios (Premio de la audiencia a la mejor película, Mejor banda sonora original, Premio especial del jurado y el Premio de la crítica José Luis Guarner). 
Obtuvo igualmente premios en los festivales de Toronto, Austin y Los Ángeles, así como en el British Independent Film Awards, el Fant-Asia Film Festival y SXSW Film Festival, especialmente centrados en la mejor película o en la mejor dirección novel. En fin, una película para pasar el rato, verla con tus hijos y después recomendarles que vean Yamakasi.