viernes, 25 de noviembre de 2016

Trump y el Chupacabras


En el verano de 2015 estuve en Nueva York. Una gran ciudad, la capital mundial más reconocible del planeta. pero como en la misma el alojamiento para una semana se dispara , especialmente si uno va acompañado de su familia - que además es numerosa- así que en vez de alojarme en el Waldorf Astoria, frente al Central Park, acabé alojándome a unos quince minutos en autobús de Time Square, pero en otra ciudad , Union City, y en otro estado, New Jersey. El túnel  de Lincoln  une un lugar con otro. 

Mientras estaba allí descubrí que nos alojábamos en un barrio mayoritariamente latino lleno de personas laboriosas de toda la comunidad hispanoamericana, con muchos cubanos, mexicanos, salvadoreños, colombianos, portoriqueños y de otros muchos lugares que habitaban las casas de ese dinámico lugar lleno de pequeños comercios de la más variada categoría. En uno de aquellos comercios, en concreto, una tienda de un "turco" escuché mientras compraba que ya había comenzado la carrera electoral en el bando republicano y uno de los candidatos que optaban a la misma era el empresario Donald Trump. Para ganarse el voto de los votantes republicanos había empezado pidiendo el certificado de nacimiento de Obama así como criticando fuertemente a la comunidad latina a la que parecía demonizar en sus discurso, especialmente a los mexicanos que viven en los Estados Unidos y carecen de papeles. Decía de ellos que "traen drogas, crimen, son violadores y, supongo que algunos, son buenas personas". La radio que se escuchaba en el establecimiento críticaba abiertamente su discurso y tachaba de  loco y racista a este magnate. Lo que nadie se podía imaginar, nadie, es que año y medio después ese señor se convirtiera en Presidente de los Estados Unidos. 

En este hecho es posible que descubramos que Trump sea el auténtico Chupacabras político y la concreción de lo que una de las últimas leyendas urbanas contemporáneas, en concreto,  surgida dentro del mundo latino en el año 1995, más concretamente en Puerto Rico, cuando ocho ovejas domésticas fueron encontradas muertas, cada una con tres heridas punzantes en el área del pecho, por las que aparentemente había sido succionada toda la sangre del cuerpo.

Una descripción del Chupacabras es la que se presenta en la película que pude ver, que no disfrutar, en la noche de ayer. Se trata de una raza extraña de perro salvaje carente de pelo y con una columna vertebral pronunciada con unas cuencas oculares inusualmente profundas, colmillos y garras y presentaba hocico largo, así como patas delanteras cortas y patas traseras largas. . Este chupacabras (goat-sucker en inglés) vacía completamente de sangre (aunque como en este intento de película de sus órganos o simplemente para desgarrarlos

Esta historia procede de ese área culpable potencial, según Trump, de casi todos los males de América del Norte incluyendo a México a Costa Rica, Bolivia, Ecuador, Argentina, Brasil, Puerto Rico, Honduras, Nicaragua, Colombia, Guatemala, El Salvador, Panamá, Perú, Chile, Uruguay, Venezuela, Paraguay y algunas zonas del sur de Estados Unidos.

Curiosamente los supuestos avistamientos de este bicho se han producido entre el norte de México y el sur de los Estados Unidos, en concreto en Cuero  (Texas). Después de que la noticia alcanzara notoriedad nacional, expertos de la Universidad Estatal de Texas San-Marcos se ofrecieron a realizar pruebas de ADN a una criatura extraña encontrada por la zona y el análisis resultante en la identificación de la criatura fue la de un coyote. La Universidad de California en Davis hizo un segundo análisis determinando que era un híbrido: una cruce de coyote y de lobo mexicano. En cuanto a la apariencia extraña del animal, se cree que el animal sufría posiblemente de sarna, lo que puede explicar la piel entre grisácea y azul del animal.

Ante tanto ruido mediático en el que estaba implicado también alguna  Universidad como la  Estatal de Texas - San Marcos en noviembre de 2007, el canal Syfy no pudo quedarse al margen así que  en abril del 2011 dedicó un episodio de la serie de televisión Faked or Fake: Paranormal Files, Ya  sólo quedaba hacer la película, así que en 2013 la Syfy planteó un proyecto llamado Chupacabra vs. The Alamo, ahí queda eso.

La película es un típico producto del canal, una subproducción de carácter televisiva que contó con
la producción Bryant Pike , Jeffrey Schenck, Kirk Shaw y Devi Singh (como productores ejecutivos) , Keith Shaw (como productor asociado)  y Terry Ingram en la dirección. El guión fue de Peter Sullivan y de uno de los productores ejecutivos como Jeffrey Schenck para SyFy contando con un presupuesto cercano a los $2.000.000 de dólares.

La fotografía fue responsabilidad de Anthony C. Metchie , el montaje de Nicole Ratcliffe  y la música de Stu Goldberg.

El reparto lo componen Erik Estrada como el agente de la DEA Carlos Seguin, Julia Benson como la detective de la DEA Tracy Taylor, Jorge Vargas como Tommy Seguin / Spider , Vanesa Tomasino como la agente Dani , Nicole Muñoz como Sienna Seguin , Chad Krowchuk como Crockett, Brent McLaren como Loco, Cassandra Fernandez como Shorty, Bishop Brigante como Gordo, Anja Savcic como Brooke, Aleks Paunovic como el agente Pérez, Zak Santiago como el Comandante Wilcox, Jorge Montesi como el director Collins, Jose Os como Javier, Dave Dimapilis como Juan, Nick Mandryk como Colin, Madison Smith como Darius, Jessica Harmon como Jenny, Matthew Harrison como Dr. Michael Fielding, Frances Flanagan como Agatha, David Nykl como el médico forense, Samuel Patrick Chu como Sam.

La película - o como se quiera llamar este engendro-  se inicia cuando un grupo de narcotraficantes latinos espera pasar droga desde un punto a otro de la frontera en las cercanías de San Antonio, Texas. Cuando penetran en una cueva que sirve de paso oculto de la frontera los narcotraficantes son asaltados por algo. Sus cuerpos aparecen desangrados y mutilados.

En la aclaración del caso participa un agente de la DEA Carlos Seguín, junto a su nueva compañera Tracy Taylor (Julia Benson),

Desde un primer momento sabemos Carlos se ha ido distanciando tanto de su hija, Sienna Seguin (Nicole Muñoz) que se siente incómoda por la dureza de su padre  y que echa en falta a su madre, fallecida hace un par de años , como el hijo del agente Tommy (Jorge Vargas) que cometió un error en su juventud y que fue a la cárcel sin que su padre lo impidiese.

Sin embargo, Carlos Seguin ( Erik Estrada ) y Tracy Taylor ( Julia Benson )  descubren a un narcotraficante moribundo que también ha sido atacado por el Chupacabras. El moribundo identifica a sus asesinos como "Diablo" .

Tracy pronto descubre un montón de huesos más en el interior del túnel. En ese momento un Chupacabra ataca a Tracy, pero ella es capaz de matarlo y el cadáver es llevado de vuelta a un laboratorio para estudiarlo.

El caso llama la atención de un agente de la DEA viudo desde hace un par de años de nombre Carlos Seguin (Erik Estrada) que descubre desde el principio que los crímenes son cometidos por una jauría de chupacabras, una legendaria criatura depredadora, que llegaron desde México atravesando un túnel excavado por inmigrantes ilegales.

Más tarde el agente Pérez ( Aleks Paunovic ), uno de los compañeros de Seguin, sale a pasear por el  campo junto a su perro. Ambos son asesinados eventualmente por una jauría de Chupacabras. Antes de matar al hombre, toma una foto del Chupacabra, que Carlos descubre más adelante mientras investiga los asesinatos.

Los Chupacabras atacan a un grupo de adolescentes durante la fiesta de celebración del día del  Cinco de Mayo obligando a Sienna ( Nicole Muñoz ), la hija de Carlos y a una de sus amigas a ocultar en el interior de la escuela. Desde allí son capaces de llamar a Carlos, que , de inmediato, sale en busca de su hija en su moto, el vehículo que siempre lleva, y es capaz de disparar a los Chupacabras.

Sin embargo, más tarde, mientras se están recuperando en su casa, otra jauría de Chupacabras ataca, esta vez hiriendo a Sienna y matando a su amiga, Brooke (Anja Savcic).

Después de ser relevado del caso por su jefe, Carlos recluta como ayuda a la pandilla de su hijo frmada por delincuentes comunes que buena cantidad de armas.

Igualmente se une a la partida uno de sus amigos , el agente Wilcox ( Zak Santiago ) que viene acompañado para ayudar con un equipo táctico junto con la agente Dani (Vanesa Tomasino).

Usando una señal rastreadora que Taylor logró colocar en uno de los Chupacabras, el grupo rastrea la jauría en un almacén cercano. Sin embargo, terminan siendo emboscados por los Chupacabras con la mayor parte del equipo táctico siendo asesinados, salvo Dani.

Desde allí buscan refugio Carlos y el grupo de supervivientes en el sitio histórico de El Alamo , donde tuvo lugar la batalla. Allí se dirigen los Chupacabras.

En un primer momento, el grupo repele el ataque de los chupacabras defendiendo el viejo convento como lo hicieron los defensores historicos. Para ello cuentan con la notable ayuda de Crockett (Chad Krowchuk) , un guía del conjunto histórico, que recuerda la historia de los túneles que no impidió la muerte de los que resistieron el acoso de Santa Anna en su lucha por la independencia.

Ellos escapan por los túneles , mientras entran todos los Chupacabras en el recinto de "El Álamo". Como el hijo de Carlos iba cargado de explosivos deciden colocar muchas cargas en su interior y acaban así con toda la jauría.

La película acaba con la quema de El Alamo, la vuelta a la normalidad en las relaciones entre padre e hijos, así como el inicio de una buena relación entre Carlos y su compañera, mientras el humo de la misión se ve al fondo.


La película fue filmada en San Antonio, Texas y  distribuida por Echo Bridge Home Entertainment en los EE.UU. y por Signature Entertainment en el Reino Unido en DVD. March Fue estrenada el 23, de marzo de 2013.

Para los pésimos efectos especiales se utilizaron los servivios de Digital Post Services . La película fue estrenada en televisión en canal Syfy en los EE.UU. y Canadá al principio y luego más tarde en Brasil y en Alemania .

Su calidad es similar a cualquier otra de Asylum, o cualquiera de las emitidas y producidas por el canal Syfy,

Chupacabras vs El Álamo es la degradación de lo que puede ser una película de terror , llena de efectos cutres que repite los tópicos de este tipo de películas dirigida a "teenaggers" descerebrados  que viendo esto se divierten contando para ello con todos los tópicazos en este tipo de películas: un policía incomprendido por sus superiores, la crisis familiar, chorros de sangre y vísceras y situaciones absurdas.

Es una mala película, aburrido y nada entretenida - lo que es más grave-  con penosos efectos  especiales, casi de saldo, y con actores como un actor venido a menos (Erik Estrada) o una actriz de teleserie (Stargate Universe), y otros más jóvenes a los que aún le esperan oportunidades  y que no tienen que asumir su sempiterno papel como narcos o "manitos".

Como he leído en una crítica en filmaffinity es  un buen producto de lo que se llama la herencia Emmerich basada en la destrucción de monumentos nacionales norteamericanos. Aquí eligen lo que queda de "El Álamo".

Como dijo Ed Lavandera, de la CNN el chupacabras viene a ser  "el Bigfoot de la cultura Latinoamericana" pero sobre todo que ha afirmado que "el chupacabras también simboliza el miedo a algo que no existe".

Al menos se ha servido para descubrir lo que significa la fiesta del cinco de mayo  que para los mexicanos sirve para conmemorar la supuesta victoria del Ejército Mexicano sobre las fuerzas francesas en la Batalla de Puebla el 5 mayo de 1862, bajo el mando del general Ignacio Zaragoza; pero que en los Estados Unidos, esa fiesta del Cinco de Mayo se ha asociado con la celebración de l encuentro de la cultura de México en los  Estados Unidos , aunque allí se confunde con el  Día de la Independencia de México - aunque el día de fiesta nacional más importante de México es el 16 de septiembre, en conmemoración del Grito de Dolores que inició la guerra de independencia de México de España-.

Lo cierto que conociendo al que a partir de febrero será el nuevo presidente de los Estados Unidos es probable que quiera suprimir el cinco de mayo como fiesta cultural de México en los Estados Unidos. ¿Quién sabe? Ese señor posiblemente no se de cuenta de que la grandeza de una cultura tiene mucho que ver con su grado de mestizaje. Es posible que se cumpla con él lo que ya señaló Ed Lavandera en la CNN, el Chupacabras refleja a estos seres que "simbolizan el miedo a algo que no existe". El problema es que los perros u otros animales enfermos de sarna existen, y lo que es igual de malo, Trump también.

martes, 22 de noviembre de 2016

Vincere, vinceremo


Hace años mientras preparaba una clase de Historia Contemporánea di con un video de Youtube magnífico que contenía en imágenes procedentes de Istituto Luce una verdadera lección de lo que era el fascismo italiano en imágenes, tomando por supuesto como protagonista uno de los términos más repetidos en los discursos del Duce , el término Vincere , o lo que es lo mismo Victoria. De hecho el viedo se completaba a ritmo casi salmódico las palabras Vincere, vinceremo. Me encantó para ponerlo en clase, sin embargo, yo que soy mi mayor censor opté por no embeberlo ya que alguien - claro que un descerebrado- pudiera pensar que era un homenaje al fascismo italiano, algo  que estaba en las antípodas de mis deseos y de mis intereses políticos, así que yo monte mi propia presentación , pero carente de audio. Sin embargo, no puedo desvincular los términos Vincere y vinceremo con el tono y la voz imponente - nunca arrebatadora- del Duce. 

Sin embargo, y desde ahora Vincere será para mi la película de Marco Bellocchio, realizada por este italiano de Bobbio, y ex alumno salesiano en 2009. El cine de Belocchio desde su primera película, o sea, desde hace 51 años tiene su propias señas de identidad:su compromiso con el pensamiento de izquierdas, inconformismo , su crítica a la iglesia y su concepción moral y su mirada crítica hacia la sociedad.

Además de la dirección de Marco Bellocchio , destaca en ella la participación del productor Mario Gianani junto con Olivia Sleiter como productora ejecutiva, a los que se suman Christian Baute y Hengameh Panahi en esta producción para la Rai Cinema ,Offside films y  Celluloid Dreams , con la contribución de la Secretaría de Patrimonio y Actividades Culturales - Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC)- , Eurimages , en colaboración con el " Istituto Luce" , Sofica Soficinéma, y el apoyo de otras tres instituciones , la Provincia Autonoma di Trento , Film Commission Torino-Piemonte y Film Commission Regione Piemonte contando con un presupuesto cercano a los 9 millones de euros.

El guión fue escrito por el mismo Marco Bellocchio basándose en  esta historia que fue suprimida por las autoridades fascistas y que se mantuvo oculta por largo tiempo hasta que el periodista Marco Zeni la hizo pública en un documental de la RAI lo que motivó dos libros (L'ultimo filò y La moglie di Mussolini) que sirven de punto de partida para el guión.

A destacar la música de Carlo Crivelli, la fotografía de Daniele Ciprì , el montaje de Francesca Calvelli , los efectos especiales de Ghost SFX , la escenografía y el diseño de producción de Marco Dentici , el vestuario de Sergio Ballo , el maquillaje de Franco Corridoni, Patrizia Corridoni, Alberta Giuliani, Francesco Nardi y la decoración de Laura Casalini.

El reparto está formado por la bellísima Giovanna Mezzogiorno como Ida Dalser, Filippo Timi como Benito Mussolini / Benito Albino Mussolini - adulto-, Fausto Russo Alesi como el cuñado Riccardo Paicher, Michela Cescon como Rachele Guidi, Pier Giorgio Bellocchio como Pietro Fedele, Corrado Invernizzi como Dr. Cappelletti, Paolo Pierobon como el fascista Giulio Bernardi, Bruno Cariello como el Juez, Francesca Picozza como Ida Adelina, Simona Nobili como la Madre Superior, Vanessa Scalera como la hermana de la caridad, Giovanna Mori como la Alemmana, Patrizia Bettini como la Cantante, Silvia Ferretti como Scarpette rosse o zapatillas rojas, Corinne Castelli como Lacrime o Lágrimas, Fabrizio Costella como Benito Albino Mussolini de niño, Elena Presti como la futurista en la Galería de arte Productora Rai Cinema, Ministerio de Patrimonio Cultural y Actividades Culturales e Instituto Luce Giovanna Mezzogiorno, Filippo Timi, Michela Cescon, Fabrizio Costella, Fausto Russo Alesi

La cinta pudiera ser considerada casi como un biopic de una de las amantes de Benito Mussolini y un relato de los primeros momentos de éste en el Partido Socialista , así como del ascenso del fascismo en Italia.

La historia comienza a principios del siglo XX cuando un Benito Mussolini, todavía un  joven revolucionario socialista que procede del exilio de Suiza, conoce un encuentro casual , un debate teológico sobre la existencia de Dios o no, junto a otras personas a Ida Dalser, una mujer tan pasional como él, que lo apoyará en su lucha callejera contra la monarquía de los Saboya y en su lucha  política socialista inicial , incluso cuando cambia de rumbo y sustituye el socialismo por el fascismo. 

A Benito lo vemos pasar por la lucha en la calle frente a las autoridades y por la dirección del diario oficial socialista, el Avanti, por las calles de Milano, y de ser contrario a la entrada de Italia en la guerra o desear fervientemente la entrada de su país en la misma.  

En estos momentos es Irene "Ida" Ilser una mujer tan hermosa y como apasionada, es la que lo acompaña permanentemente, en la calle, en las manifestaciones y en la cama. La vida le sonreía cuando, en 1913, se lió con un periodista de éxito y aspiraciones políticas. Engreído y ambicioso Benito Mussolini inicia con Ida Dalser un apasionado romance. 

En un principio, Mussolini se apuntó al bando de los que se oponían a la guerra, pero no tardó mucho en pasarse a las filas de los intervencionistas. Su apoyo a favor de la participación de Italia en la intervención armada le valió la expulsión del Partido Socialista y le obligó a dejar la dirección del diario Avanti. En aquel momento, el romance entre la Dalser y Mussolini pasaba por su momento más tórrido. Tras hacer el hacer Mussolini se asoma al balcón y una gran multitud le aplaude: es una fantasía, o una premonición o una certeza personal, porque en ese momento la plaza está vacía, y el futuro Duce está totalmente desnudo, y parece mirar hacia el futuro, con su bella amante.  

De hecho ella está presente en la expulsión del partido cuando Mussolini cambie por la participación de Italia en la Gran Guerra e incluso , un día decide poner a la venta su taller, un salón en Milán, el Salone Orientale di Igiene e Bellezza, que le dio notoriedad y dinero. y poner a la disposición de Benito todos sus recursos para que pueda fundar su propio periódico: Il Popolo d'Italia y así cumplir su sueño: llegar a ser alguien en la vida, pasar a la historia.

Cuando le hace entrega de todo el firma un contrato en el que le promete la devolución de la última lira. Ida espera que pronto le pida en matrimonio y que se casen, especialmente,  cuando le dice que está embarazada  y que van a tener un hijo.

El Duce, concentrado en recaudar fondos con los que financiar su nuevo periódico, repartía el poco tiempo libre que le quedaba entre sus amantes. Y, sobre todo, retoma la relación con su viejo amor, Rachele Guidi, con quien ya tenía una hija. 

En medio de todo aquello, Italia le declara la guerra a Austria y Mussolini parte a luchar al frente. Ida Dalser permanece en Milán: sola, encinta y sin medios económicos con los que mantenerse. El 11 de noviembre de 1915 nace el hijo de Dalser y Mussolini. El pequeño recibe el nombre de Benito Albino. Pero, al enterarse de la llegada del niño al mundo, Rachele Guidi se hunde en una depresión e intenta suicidarse. 

Pero una vez Italia entra en conflicto Benito marcha al frente y es herido en herido en Treviglio 1916. Ida visita a Mussolini en el hospital y allí recibe la información de que ha contraído matrimonio con Rachele Guidi con la que se casó el 17 de diciembre de 1915 que pasó a ser la esposa oficial. La Dalser, por su parte, no termina de creerse que su amado la haya dejado plantada para contraer nupcias con Rachele Guidi. Ante esto intenta matarlo, aunque fracasa, por lo que  cuando el Duce llegue al poder, Mussolini toma la decisión de excluir de su vida tanto a Ida como al niño Benito Albano Mussolini.

Vemos más tarde a Mussolini en la exposición futurista en la que percibimos por un lado el magnetismo del Duce y por otro la cercana pérdida de la realidad. 

Una vez en el poder, Ida y su hijo fueron vigilados por la policía que trató además de destruir todos los documentos que probaban la relación. Ella insistió en hacerse reconocer y validar como la mujer del Duce, incluso públicamente. El futuro dictador, mujeriego incorregible, dejó de inmediato a la mujer y al niño y ante la amenaza de arruinar su carrera política con un escándalo, el “Duce” recluyó a Ida y a su hijo en la distancia.

Ida va por ahí criticando abiertamente a Mussolini y lanzando graves acusaciones contra él. La aún incipiente carrera del Duce se ve amenazada por las imputaciones de la Dalser, que asegura que Francia ha ayudado económicamente a Mussolini a poner en marcha su nuevo periódico, a cambio de que éste presionara desde las páginas del diario para que Italia entrara en la guerra apoyando a Francia. 

Nada ni nadie fue capaz de detener el ascenso al poder de Mussolini, que se convierte en jefe de un movimiento político que muy pronto asume las características de una organización paramilitar en toda regla: los Camisas Negras. 

Pero, ignorando esa orden, la Dalser sigue pregonando a los cuatro vientos que el chaval es hijo del Duce. 

La historia desde este momento gira en torno a Benito Albino Mussolini , hijo de Benito Mussolini,  y de Ida Irene Dalser que marcha al Sopramonte, en el Trentino, que cuando nació formaba parte del Imperio austro-húngaro, a vivir en el silencio y en la distancia junto a su hermana y su marido la lejanía del Duce aunque intentando reclamar siempre ser la primera esposa del dictador fascista Benito Mussolini. Mientras tanto, Benito Albino crece junto a su madre en Sopramonte, bajo la atenta mirada de la policía que les sigue allí donde van. 

La rebeldía de Ida llega a un punto tal que, en una carta a sus superiores, el jefe de la Policía de Sopramonte se atreve a mencionar por primera vez el manicomio como la solución al “problema Dalser”. Pero ella continuó desafiando a su ex amante. 

De hecho, y con motivo de la visita a Trento del Ministro de Educación, el 19 de junio de 1926, la Dalser trata de burlar la vigilancia policial para acercarse al político (al que conocía de sus tiempos de Milán) y pedirle que la ayude a poner remedio a las injusticias de las que es objeto. 

Los acontecimientos se irán sucediendo entre el intento por manifestarse ante la autoridades  fascistas que visitan la zona hasta que  Ida es separada de su hijo y es encerrada en un par de hospitales psiquiátricos, primero en Pergine Valsugana, y luego en la isla de San Clemente  . Pero no lo consigue: antes de poder aproximarse al ministro, es arrestada y recluida en el Psiquiátrico de Trento. Allí permanecerá hasta su fuga, el 15 de julio de 1935, sin dejar ni un solo día de proclamar su lucidez, alegando que su ingreso en aquel tenebroso lugar respondía a una represalia del Duce en su contra para que no volviera a ver nunca a su hijo. 

Allí su locura va a más, junto otras enfermas, siente como el que había sido su gran amor no le corresponde lo que le atormenta.

Mientras su hijo  Benito Albino Mussolini fue secuestrado por las autoridades fascistas, se le dijo que su madre había muerto y fue adoptado a pesar de su tía y tío  por el ex-jefe de policía de Sopramonte, Giulio Bernardi quien le prohibe a  Benito Albino utilizar el apellido de su padre.  

Tras su encierro, el régimen fascista pasa a ocuparse del vástago. Benito Albino es enviado a un internado Carlo Alberto de Moncalieri, donde educan a los pupilos de la aristocracia italiana. El chaval pronto da signos de haber heredado el carácter rebelde de su madre. En el colegio, y a pesar de las órdenes explícitas que ha recibido de no revelar a nadie que su padre es el jefe del Ejecutivo, Benito Albino aprovecha cualquier ocasión que se le presenta para contarlo a sus compañeros. Benito educado en la soledad de un convento en Milán, dónde igualmente irá perdiendo la cabeza progresivamente. 

A pesar de ello, el chico continúa declarándose públicamente hijo del Duce. Además el joven, que ya tiene 17 años, y que muestra una sorprendente semejanza física con su padre y un alto grado de imitación de su padre es abordado por las autoridades fascistas y Bernardi da órdenes a la Policía de Trento de que se destruyan todas las fotografías del chico que circulan por la ciudad. Y, como golpe final, lo enrola en la Marina, enviándolo a la Escuela Naval de La Spezia. 

Por su parte Ida en el manicomio de Pergine, donde lleva ya encerrada nueve años, ya ha escrito miles de cartas a parientes, amigos y autoridades políticas (la inmensa mayoría de las cuales jamás llegaría a sus destinatarios), en las que asegura estar perfectamente cuerda y en las que acusa al régimen fascista de haberle quitado a su hijo. 

Durante siete años, no se le ha permitido recibir ninguna visita, y sus contactos con otros pacientes permanecen limitados al máximo. Pese a las férreas medidas de seguridad, la noche del 15 de julio de 1935, Ida Dalser consigue fugarse del manicomio. Acude a casa de su familia en Sopramonte, con la esperanza de ver a su hijo.

En un momento Ida escapa del centro psiquiátrico ayudado por una monja que siente una lástima infinita hacia ella y vuelve a casa de su hermana y cuñado, donde es nuevamente detenida. Allí ella quiere ver a su hijo, pero se le informa que se ha enrolado en la marina siempre bajo estricta vigilancia y que se encuentra en La Spezia. 

Tres días después de su huida es arrestada por la Policía en la casa de su hermana y cuñado aunque la población local está con ella. Ida sólo pide que le llevan a sanatorio mental de  la Isla de San Clemente, Venecia, donde muere el 3 de diciembre de 1937 según consta el registro por una «hemorragia cerebral».  Los comprobantes de la unión matrimonial nunca fueron hallados. Es enterrada en una fosa común. 

Finalmente sabemos que Benito insistía que el Duce era su padre, razón por la cual fue internado en el asilo de Limbiate, el Psiquiátrico de Milán,  donde murió en 1942 a los 27 años, según algunas fuentes por marasmo (desnutrición), el 26 de agosto de 1942 y con la mitad de peso del que tenía cuando ingresó “voluntariamente” en el centro. 

Los hechos reales que se presentan en esta película surgen de una minuciosa investigación que durante tres años llevaron  a cabo Gianfranco Norelli y Fabrizio Laurenti, dos periodistas de origen italiano afincados en Nueva York, que no realizaron un documental titulado El secreto de Mussolini, que fue emitido por la RAI, la radiotelevisión pública italiana que reconstruyeron la historia de Ida Dalser y del hijo que ésta tuvo con el Duce. 

Esta historia lanzada hace unos años fue la que llevó a Marco Bellocchio a llevar al cine esa cara oculta de la Italia negra, la fascista. Como diría uno de los investigadores “El descubrimiento de la verdad ha comenzado a través de un amigo, que estuvo de vacaciones en Trento y que a su regreso nos contó que allí se hablaba de un hijo de Mussolini que había estado ingresado en un manicomio. Al principio, pensamos que se trataba de una invención”, admite Fabrizio Laurenti, autor junto con Gianfranco Norelli del documental que ha probado que Benito Albino era hijo de Mussolini. 

Laurenti reconoce que ya antes que ellos otros reporteros habían hablado de la existencia de un hijo secreto del Duce que fue internado en un manicomio por orden del líder fascista. “Pero ninguno había conseguido confirmar este hecho de manera oficial”, añade. Sin embargo ahora, y a la vista de las numerosas pruebas documentales que por primera vez han logrado reunir los dos periodistas, no hay duda que valga: Benito Albino era hijo de Mussolini y, a fin de ocultárselo al mundo, él y su madre lo pagaron con su vida. 

Vincere fue estrenada el 20 de mayo de 2009 en Italia, así como en el marco del Festival de Cannes de 2009.

La filmación comenzó en Trento el 12 de mayo 2008 , y durante el verano continuó en Turín , Carignano y Venecia . Valeria Golino, Ambra Angiolini y Nicole Grimaudo audicionaron para el papel de Ida. 

Uno de los aspectos que Belocchio introdujo en la película en combinar lo irreal de la representación con lo real documentado procedente de la mucho documentación existente sobre este periodo recapitulada por el Istituto Luce. Igualmente plantea la idea de mostrar el Cine del momento dentro de su película. Así en momentos puntuales pasa el Christus (1916), en la visión de Mussolini en el hospital, la enorme Maciste alpino contra los autriacos (1916), en la película que ven durante el estallido de la PGM  y que provoca la lucha dentro del cine; El chico (1921) de Chaplin que la ve Ida Dalser en el sanatorio, fragmentos de Octubre (1928) de Eisenstein cuando se habla del peligro de la transformación de Italia en 1917 . Además de las escenas del Istituto Luce, Bellocchio muestra momentos sacados de su otra gran pasión junto al cine y la docencia, la Opera. En concreto el  Inno di Garibaldi (Va' fuori d'Italia, va' fuori stranier). Al año siguiente, en 2010 dirigió para la RAI la transmisión en directo de la ópera Rigoletto de Giuseppe Verdi. 

La Premios ha recibido múltiples premios. Fue elegida por "cahiers de Cinema" como una de las diez películas de 2009, en concreto, la segunda mejor película de 2009 

En los Premios del Cine Europeo obtuvo dos nominaciones al mejor actor (Filippo Timi), y el Premio a la Excelencia para Francesca Calvelli. 

En los Premios David di Donatello consiguió 9 premios, incluyendo mejor director de un total de  15 nominaciones 

En el Festival de Cannes del 2009 fue nominada a la Palma de Oro (mejor película) . En el Festival de Chicago fue  Hugo de Plata al mejor actor (Timi) y actriz (Mezzogiorno) 2009

Obtuvo el Premio Gianni Di Venanzo a la mejor fotografía italiana de Daniel Chipri y en 2010 en el Festival Internacional de Cine de Bari obtuvo el Premio Franco Cristaldi a Mario Gianani , el Premio Mario Monicelli a Marco Bellocchio , Premio Roberto Perpignani a Francesca Calvelli o

En cuanto a las críticas señalar que fueron únanimemente positivas sal vo esta de Natalia Aspesi en La República escrita como crónica al presentación de la película en Cannes. Dijo de ella que "Vincere" no convence y dijo de Timi es casi un ser caricaturesco.

El mismo Bellocchio declaró en la BBC que "La película presenta una contaminación política continua entre la realidad y  la ficción. " 

Ian Freer en las páginas de Empire señala que es "Un relato a ratos emocionante de una historia fascinante y poco conocida. Y el por qué Mezzogiorno no fue considerada en los premios es un misterio. (...) "

Ya en España  Javier Ocaña en las páginas de El País nos dice que la película es "Mastodóntica, fascinante, desequilibrada, hiperbólica e interesantísima (...) Bellocchio resuelve fundir ficción y documental con un golpe de mano de autor prodigioso" 

Para Jordi Batlle Caminal en el diario La Vanguardia   comenta que es un "Melodrama gustosamente desaforado. (...) Bellocchio incendia la pantalla con una puesta en escena uniformemente enérgica, huracanada y operística"

José Manuel Cuéllar en el Diario ABC afirma que es "Un gran trabajo, bello en la misma aspereza que le circunda, sin concesión alguna (...) De nuevo, un gran Marco Bellocchio. (...) "

Ya en Argentina Diego Lerer nos dice en las páginas del diario Clarín que "'Vincere' tiene el sello inconfundible de uno de los últimos representantes del mejor cine italiano, que se suma a colegas-compatriotas como Pier Paolo Pasolini o Roberto Rossellini."

Por su parte Diego Batlle en La Nación habla de "La maestría de Bellocchio está en poner al espectador en época y evitar los recursos psicologistas." 

Luciano Monteagudo en Página 12 afirma que "Bellocchio, a la manera de un cine italiano que se creía perdido, articula magistralmente un discurso en el que se van enhebrando distintos niveles de análisis: psicológico, político y social." 

Volviendo a  Natalia Aspesi destaca algunos aspectos de la película que no le gustaron como el hecho de que fue la "única película italiana invitado a competir en Cannes, dirigida por uno de nuestros directores más dignos y amados, de Marco Bellocchio, y que hasta la mitad de la película le parece  "poco convincente y casi provoca un malestar que no se puede descifrar".  También la crítica italiana de La Reppublica  critica el histrionismo y la caricatura de Filippo Timi  culminando su artículo de 19 de mayo de 2009 declarando que era un film singular.

A destacar en Vincere la puesta en escena del film, que pasa de un  academicismo frío y distante, a unas imágenes turbadoras, ya en la historia de la lucha de Ida con flashes de rostros de mujeres locas -que anticipan el final de la protagonista en el manicomio-, pasando por sobreimpresiones enfáticas de textos propagandísticos, imágenes de archivo que trufan el metraje - no lo entiendan aquí el sentido peyorativo- de la película de manera un tanto anárquica, truculenta, arbitraria que concluyen en un momento dado con la desaparición física de Mussolini a mitad de metraje: desde entonces el personaje se mitifica, se deshumaniza para ser una imagen de archivo documental. El líder en imágenes , que , en ocasiones, es pétreo -como la cabeza de mármol que tira al suelo Benito Albano- desplaza al hombre de carne y hueso.

Junto a esa puesta en escena no olvidar que la película se contextualiza magníficamente con los documentales del Istituto Luce o con los fragmentos de las películas o detalles como la visita del que será el Duce a la Exposición de los Futuristas y como se nos recuerda su adhesión o simpatía a este movimiento que decía que "Nosotros queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y de la temeridad... Queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, la carrera, el salto mortal, la bofetada y el puñetazo... Queremos glorificar la guerra –única higiene del mundo– el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las hermosas ideas por las cuales se muere y el desprecio a la mujer...”, aunque fuese escrito en febrero 1909, diez años antes de la fundación del fascismo por Filippo Tomasso Marinetti, alma del movimiento futurista. El futurismo, fenómeno genuinamente italiano aunque tuviese seguidores en toda Europa, derivaba estéticamente del cubismo, y fue el primer ismo en autodefinirse y organizarse como un movimiento a través de su Manifiesto, e incluso de un Partido Político Futurista de corta vida, pues se integraría enseguida en el Partido Nacional Fascista.Los futuristas abominaban del pasatismo (el culto al pasado), querían destruir bibliotecas y museos, que les parecían cementerios, y eran entusiastas del emblema de los nuevos tiempos, la máquina y la velocidad. . .estético de un futurismo pueril y aberrante, por la lepra moral de una sociedad podrida desde raíz... · Es en la vista a la exposición donde Mussolini repudia a Ida y con ella acaba el primer gran acto de la película; mientras que el segundo acto, según Liliana Sáez, en escribe que algo queda de su blog El espectador imaginario se centra en el sacrificio de Ida, y por extensión, del pequeño vástago.

Para Saéz "Con un montaje cuyo estilo por momentos recuerda al formalismo ruso, Bellochio consigue un relato efectista, donde se combinan chimeneas de fábricas con torres de iglesias para demostrar un enfrentamiento entre el socialismo y la curia; grandes titulares superpuestos sobre imágenes a color; peleas partidistas dentro del cine donde las sombras de los concurrentes participan en contrapunto con las imágenes de la guerra que muestra el noticiero en la pantalla; el techo del hospital improvisado en la iglesia, donde se proyecta la historia de Jesús, ofrece las imágenes de Cristo y la Madona, que se cargan de contenido al contraponerlas con las de Mussolini y su "amada" esposa...

Con la grandeza de los maestros, Bellochio ha recurrido a los primeros planos para exacerbar las instancias dramáticas, un  sufrimiento que viene aparejado por haber osado entrar en el aura de un ser cuasi divino, cuya pérdida Ida no resigna, a pesar de los consejos de monjas ("Confórmese con haber estado con el hombre que toda mujer desea como marido... o como amante") y médicos ("Sea una mujer normal, obediente, taciturna, dedíquese al hogar").

Igualmente esta crítica vomenta como "Hay algunos puntos flojos, como en todo film que se pretende grandilocuente. Algunos saltos de eje, algunas imágenes efectistas, que no vienen a sumar, como las de las reclusas del psiquiátrico, a quienes vemos como pantallazos mucho antes de saber que Ida será internada allí; alguna inexactitud histórica como el mecanismo de escape que utiliza la Dalser, o la apariencia de los personajes mayores, que no envejecen, mientras Benito Albino crece hasta ser tan joven como sus tíos o su madre... Pero son detalles, nada de esto le quita mérito al film.

Es imponente el poder de sus imágenes (Ida trepada a la reja mientras afuera nieva, lanzando incansablemente sus eternas cartas; Benito Albino imitando a su padre frente al busto que lo representa en la soledad de los pasillos del colegio...), la fuerza de su música (que aumenta su ritmo y volumen con la declaración de la guerra, los himnos partidarios en el cine, el cántico de los chicos que se burlan de la "Mussolina" y adhieren al Duce...), la fibra de sus personajes que operísticamente se presentan como dúos: Benito e Ida, Ida y Benito Albino o como en la segunda parte, los coros,  Ida, y el entorno de Mussolini, las masas de obreros y de represores, en el primer acto; la familia de Ida, las monjas del psiquiátrico y del colegio, las locas, los matones del Duce, en el segundo), el peso de los escenarios (entornos recargados, coloridos y cálidos, en la primera parte, y desolados, austeros, fríos, en la segunda), la composición de las luces (en la calle, cuando Ida y Benito se encuentran; en la cama, cuando ella duerme y su cuerpo desnudo se recorta blanquecino en la oscuridad del ambiente; en el duelo, con el colorido de los rosales y la nube negra que oscurece el cielo fabril...) y la dialéctica de su montaje (con una composición de los planos según los ideales del futurismo). Todo suma. Para Sáez Todo alienta a que Vincere sea una obra inolvidable, un futuro clásico del cine italiano.

Por otra parte, la tentación operística de Bellocchio, ya comentada anteriormente siempre tan constante -y reforzada aquí por una música de Carlo Crivelli adecuadamente pomposa-, encuentra en algunos planos aislados de gran belleza el aliento de una poesía melancólica que parece negar toda la retórica fascista que despliega el film: el plano de Ida subida a las rejas del manicomio mientras nieva, o el bellísimo plano en que esta misma mujer cruza la gruta de rocas paraguas en mano mientras la lluvia humedece todo el encuadre... Son momentos aislados de gran expresividad donde la plástica del director supera el mero esteticismo. Con Vincere, Marco Bellocchio entrega acaso la mejor de sus películas, un trabajo de madurez, asumido, sincero y, lo que es más sorprendente, con razón de ser; y lo hace desde la madurez desde Bobbio con su Laboratorio Farecinema - una escuela de cine y de interpretación- y el Festival cinematográfico de Bobbio Film Festival, que se celebra durante el verano en el patio de Abadía de San Columbano. Laboratorio  que concede un premio "El Ponte Gobbo de Oro", en referencia a los símbolos de Bobbio, la medieval Ponte Gobbo, que premia la película juzgados los mejores de entre los propuestos.

Para el crítico Santiago González "Bellocchio rompe las reglas ortodoxas de la representación y de la sacrosanta "puesta en escena invisible" con un gesto de maestro, inusual en los "biopics", generalmente de rígida factura académica. Como el  plano final de Dalser en el que mira directamente a cámara y mantiene su mirada durante bastantes segundos, interpelándonos a nosotros espectadores. Hablar del pasado desde el rabioso presente, ese el gran reto que Bellocchio resuelve con audacia y talento."

Vincere es un film oscuro, sombrío, nocturno; la noche es la gran protagonista. El retrato que Bellocchio hace del futuro dictador es implacable, demoledor especialmente cuando combina película y documentos reales o se transforma en Mussolini, en Benito Albino, personaje dominante durante la segunda parte del film y que acabará por vampirizarse emulando al otro monstruo insensato que fue Adolf Hitler. Un film que hay que ver. Ya sabes Vincere, vinceremo. 











sábado, 19 de noviembre de 2016

El rey Kong en New York City


Cuando uno de mis hijos supo que la tenía buscó directamente hasta el minuto 40 y tantos para ver a Kong. Tenía un enorme interés en saber como podían ser los grandes efectos especiales de los años treinta. Lógicamente se sintió decepcionado hasta que le expliqué que esta película había que verla en su contexto temporal y que , los efectos especiales que aquí aparecen no es que fuesen innovadores, es que fueron revolucionarios. tanto es así que en lo básico se mantuvieron , con lógicas mejoras, hasta los años ochenta en películas como Furia de Titanes que llevaban los trucajes y efectos que Ray Harryhausen había aprendido de este película estrenada en 1933.

King Kong es una película de aventuras de 1933 - no confundir con la misma de 2005, la de Peter Jackson, ni con la John Guillermin de 1976 con una grandiosa Jessica lange- hablamos de la clásica, la original, la dirigida por los estadounidenses Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack y con Fay Wray, Robert Armstrong y Bruce Cabot como actores principales. 

La película fue producida por la compañía cinematográfica RKO Pictures y escrita por la esposa del director director Ernest B. Schoedsack , Ruth Rose y James Ashmore Creelman, basándose en una idea de Merian C. Cooper y Edgar Wallace, 

En 1932, un año antes del estreno de la película, Delos W. Lovelace publicó una novelización del guion de King Kong, con algunas escenas que no están presentes en la película. King Kong fue estrenada por primera vez en Nueva York el 7 de marzo de 1933, en el teatro Radio City Music Hall convirtiéndose en la tercera película más popular en la taquilla de Estados Unidos para el año 1933 y en un gran éxito para la RKO y para David O. Selznick. De hecho ingresó $ 90,000 en su primer fin de semana de apertura, la mayor apertura de la historia. 

La película sirvió para salvar a la RKO de la bancarrota y, curiosamente , sabiendo esto la MGM considerando que la película pudiera ser un enorme éxito en taquilla, ésta  se ofreció a comprar la película directamente a la  RKO por 1.072 millones de dólares (unos 400.000 dólares menos sobre su costo real,  calculando que el pequeño estudio estaba recuperándose de perder 10 millones de dólares en 1932.  Sin embargo, la RKO fue inteligente al rechazar la oferta . La película rompió récords de asistencia a nivel nacional y terminó recaudando $ 1.761 millones durante su lanzamiento inicial. Además la película ha sido  extremadamente rentable así que la  RKO periódicamente, la fue relanzando  en  la década de los 50.

Es curioso pero el productor ejecutivo David O. Selznick dejó la  RKO  a mitad de la producción de esta película. Fue el último servicio de Selznick para la RKO -y probablemente su mayor contribución a la película- así como el ir cambiando el nombre de la producción de "Kong" a "King Kong". 

La dirección de la película recayó en Merian Caldwell Cooper y Ernest B. Schoedsack. La película cuenta con David O. Selznick como productor ejecutivo, la producción de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack representantes de la productora RKO Pictures que contó con la película con un presupuesto estimado de unos $ 670.000 dólares. La distribución fue cosa de la RKO Pictures. 

La dirección Artística y diseño de producción fue labor de Carroll Clark, al que se une Alfred Herman, éstos están presentes junto con Thomas Little y Ray Moyeren en los decorados . 

En el vestuario participa Walter Plunkett .Según el libro Ron Haver sobre David O. Selznick el diseñador de vestuario Walter Plunkett (que más tarde notable por lo Que el viento se llevo (1939)) trabajó sin acreditar en esta película. Específicamente, diseñó el traje "Bella y la Bestia" que Ann Darrow usa mientras Carl Denham está filmando su prueba de pantalla.  

Curiosamente en los títulos de crédito iniciales  de la película eran tan conscientes de lo novedoso que era técnicamente  la película que empiezan a destacarse en la misma el trabajo de aquellos que integraban el departamento de arte de la película en la que aparecen como técnicos, escultores, utilleros , pintores, supervisores y constructores los siguientes: Byron L. Crabbe , Mario Larrinaga, John Cerisoli, George Gabe , Van Nest Polglase , Steve Rez , Ernest Smythe , Peter Stitch , WG White. 

Para el departamento de sonido aparecen como encargados , muchas veces sin acreditar, de los efectos del mismo, registradores, grabadores, etc...aparecen Murray Spivack, Earl A. Wolcott , Walter Elliott , Eddie Harman , Clem Portman , Murray Spivack, Harold E. Stine y Richard Van Hessen. 

Papel destacado tienen los encargados de los efectos especiales como son Harry Redmond Jr. , Harry Redmond Sr.y Frank D. Williams ; a los que se suman como encargados de los efectos visuales Byron L. Crabbe , Harry Cunningham , Marcel Delgado, Linwood G. Dunn , C. Dodge Dunning , Carroll H. Dunning , Buzz Gibson , Orville Goldner, Henri Hillinck, Mario Larrinaga , Willis H. O'Brien, Fred Reese, Clifford Stine , Bud Thackery, William Ulm, Vernon L. Walker , Frank D. Williams . 

También tienen su importancia aquellos que fueron los encargados del trucaje entre los que se incluyen todos aquellos dobles participantes en el film como fueron Marcella Allen , Frank Cullen , Dorothy Curtis , Joe Dill , Aline Goodwin , Duke Green , Tex Higginson , Jimmy James , Lillian Jones , Lee Kinney , Mike Lally, Judy Malcolm , Buddy Mason , Cherie May , Al McDonald , Harvey Parry , Gil Perkins , Allen Pomeroy , Bob Rose , Russell Saunders , Charles Sullivan, Harry Wagner , Pauline Wagner , Charles Watt o Bob Williams . 

En cuanto a los cámaras y departamento eléctrico destacan, además de los fotógrafo Edward Linden, J.O. Taylor y Vernon L. Walker, el papel destacado de Ernest Bachrach, William H. Clothier , Lee Davis , Guy Gilman , Edward Henderson, Alexander Kahle , George Marquenie , Sam Redding , William Reinhold , Ernest B. Schoedsack , Clifford Stine, Bert Willis , Stacy Woodard. 

En el departamento de vestuario los encargados fueron Ethel Beach y Tommy Clark. Y en el departamento de Música están presentes Bernhard Kaun y Max Steiner . El montaje fue de Ted Cheesman

El reparto está integrado por Fay Wray como la actriz Ann Darrow, Robert Armstrong como el director de cine Carl Denham, Bruce Cabot como el Primer Oficial Jack Driscoll del barco Venture, Frank Reicher como el Capitán Englehorn del Venture . Aparecen igualmente Sam Hardy como el productor teatral Charles Weston, Noble Johnson como el jefe de la tribu, James Flavin como el Segundo Oficial Briggs,como Steve Clemente como el brujo de la tribu, Victor Wong como Charlie, el cocinero, así como un largo listado de secundarios y terciarios .  

La película comienza con un falso "viejo proverbio árabe" escrito por el director Merian C. Cooper . Casi de inmediato nos encontramos por el puerto de Nueva York a un productor teatral que tiene una cita en el interior de un barco, el Venture, que está próximo a partir a un destino desconocido con el director de cine Carl Denham.

Denham busca desesperadamente una chica para su nueva película, como es habitual en él, una de aventuras en la vida silvestre y en lugares remotos y exóticos, pero el productor no encuentra ninguna de su gusto, además está fastidiado porque el papel femenino se ha añadido a regañadientes para una serie de secuencias. Ante esto Carl Denham decide buscarla personalmente por las calles de la ciudad. Va al West end de la misma, donde ve una fila de gente pobre en busca de una sopa caliente para la cena.

Después da una vuelta y entra en una frutería. Mientras compra entra una chica joven que roba una manzana pero que es pillada por el tendero , aunque el director intercede ante el mismo. Van luego a una cafetería donde el director habla con la chica. Se trata de Ann Darrow, una actriz de teatro desempleada por culpa de la crisis de 1929, y a la que convence para que vaya con él en un barco a rodar una misteriosa película y a una misteriosa isla. 

Poco después, zarpan a bordo del Venture, en el que navegan durante varias semanas en dirección a un desconocido archipiélago perteneciente a Insulindia, donde Denham quería realizar la película.

Tras aclarar que van a una isla que no aparece en los mapas y que sólo es conocida por algunos marineros que allí naufragaron y luego escaparon. Denham también alude misteriosamente a alguna criatura monstruosa que se rumorea que habita en la isla, una entidad legendaria conocida solamente como "Kong". 

Durante el trayecto el director le hace pruebas a la chica que a su vez va conociendo a la tripulación y , poco a poco enamorándose del como el Primer Oficial Jack Driscoll (Bruce Cabot), un hombre que no quiere mujeres en el barco y que siente que ha de protegerla. 

Finalmente, cuando llegan al lugar elegido para el rodaje, Denham revela su propósito a Englehorn, capitán del Venture: el destino del viaje es una isla que no aparece en los mapas, la Isla Calavera, donde se encuentra un misterioso ser llamado Kong y al cual quiere filmar. 

Al llegar a la isla, descubren una aldea nativa. Se encuentran en pleno ceremonial en el que van a entregar una chica, una joven doncella como la "novia de Kong". a Kong, un personaje desconocido para todos, pero buscado por el director de cine para rodar su película. Igualmente se dan cuenta de que hay una muralla que separa el poblado de la mayor parte de la isla. 

Aunque Denham, Englehorn y Ann se esconden entre el follaje, el jefe de la tribu los descubre. El capitán, que entiende la lengua de los aborígenes, trata de que Denham establezca amistad con el jefe y cuando éste ve a Ann, éste propone cambiar a la "mujer de oro". por seis mujeres de la tribu. El director rechaza la propuesta y se marchan antes de que la tribu se lo impida.

Los aborígenes, no obstante esa misma noche,  deciden ir al barco por la noche para secuestrar a la chica cosa que hacen de manera silenciosa, aunque dejan caer una pulsera al suelo.

Cuando los miembros de la tripulación se dan cuenta de ello, van en su búsqueda. En la aldea, los nativos hacen un ritual para llamar a su ídolo Kong,  y entregarle a Ann como sacrificio; atada a un altar, se le ofrece a Kong, que resulta ser un gigantesco gorila. Kong se la lleva a la selva la tripulación llega a tiempo para impedirlo y hace huir a los aborígenes disparándoles, pero Kong consigue llevarse a la chica y tienen que perseguirles por la selva prehistórica que se encuentra tras la muralla. 

La tripulación, al seguir el rastro de Kong, es atacada pues Kong está lejos de ser la única criatura prehistórica gigante en la isla . Pronto se encuentran con un Stegosaurus , y se las arreglan para matarlo. Después de construir una balsa para cruzar un pantano, un Brontosaurio vuelca sus suministros, matando a varios de los hombres.

Huyendo a través de la selva, pronto se encuentran con Kong, que trata de impedir que atraviesen un barranco sacudiéndolos de un árbol caído que los puentes. Sólo sobrevivan dos miembros de la tripulación: John Driscoll, que se había ocultado en una cueva entre las paredes del acantilado, y Carl Denham, que permanecía en la aldea. John va en busca de más ayuda y se dirige nuevamente a la aldea y al barco en busca del capitán y de más tripulación. Driscoll , de cualquier manera, es atacado por un animal por un dinosaurio saurópodo y tienen que cruzar un acantilado a través de un puente, pero que tira al vacío con su cuchillo.Sólo Driscoll y Denham, en lados opuestos, sobreviven. . 

Kong, mientras tanto, comienza a desarrollar una extraña atracción por Ann y tiene que luchar contra un tiranosaurio que la ataca para devorarla, matándolo después de una batalla colosal. . Entonces, el gorila con  la chica en sus garras se dirigen a una cueva a descansar, y Driscoll los sigue hasta allí. Driscoll sigue a la sombra de Kong y Ann, mientras que Denham regresa a la aldea para más municiones. Al llegar a la guarida de Kong en una cueva de la montaña, Ann está amenazado por una serpiente-como Elasmosaurus ´- con el que lucha y mata Kong.  

Accidentalmente, Driscoll derriba una roca y llama la atención de Kong, dejando sóla a Ann, pero en ese momento, Ann es atacada por un Pterosaurio y el gorila se enfrenta con él. 

Mientras está distraído, John aprovecha para bajar la cornisa acantilado junto con la chica por una liana pero al finalizar la pelea con el pterosaurio, Kong empieza a tirar de ella sin dejarles más opción que lanzarse a un río y caen ilesos en el agua de abajo.  Una vez en el agua siguiendo el curso del río llegan a la aldea. Denham, Englehorn y los tripulantes supervivientes están esperando.

Por su parte, Kong furioso, el gorila los persigue hasta la aldea y, al llegar a la costa, queda inconsciente por una granada que es lanzada por Denham. Inmediatamente, deciden transportar a Kong encadenado y esposado, para rentabilizar el descubrimiento en un teatro de Broadway en Nueva York, para ser exhibido públicamente en la carpa de un teatro. 

Posteriormente, la historia se traslada a Nueva York como comprobamos viendo el Empire State Building. Ha pasado ya algún tiempo.  

Denham quiere hacer caja con su descubriendo exhibiéndole como la "octava maravilla del mundo" en un teatro de la ciudad.

El contacto de Kong con un mundo que no conoce y el amor que siente por Ann lo hacen enfurecer , especialmente cuando la sale grita aterrorizada y los periodistas disparan sus flashes. Ann y Jack son llevados al escenario para unirse a él, seguido por un grupo de fotógrafos invitados. Kong, creyendo que la consiguiente fotografía de destello es un ataque, se desata cuando el público huye aterrorizado. El nerviosismo del animal provoca que éste se libere y queda suelto por la ciudad causando todo tipo de estragos en edificios, vías de tren, en apartamentos y , sobre todo, a la gente. John toma a Ann y la lleva a su apartamento en un rascacielo. 

Kong busca a la chica y al encontrarla,la sube al Empire State Building. En su cima, se encuentra con cuatro aviones militares. Kong establece a Ann en una cornisa y lucha contra los aviones, logrando tirar a uno de ellos, pero finalmente sucumbe a sus disparos y cae al vacío provocando su muerte.

Ann y Jack están juntos. Denham llega y se abre paso a través de una multitud que rodea el cuerpo de Kong en la calle. Cuando un policía observa que los aviones lo atraparon, Denham le dice: "Oh, no, no fueron los aviones, sino la Belleza mató a la Bestia".. 

La película King Kong bebe de las historias literarias de aventuras sobre mundos perdidos, y en especial de la novela de Sir Arthur Conan Doyle El mundo perdido (1912) y de la de Edgar Rice Burroughs La tierra olvidada por el tiempo (The Land That Time Forgot, 1918); en ambas, buena parte de la acción transcurre en selvas plagadas de animales prehistóricos. 

En 1925 ya hubo una adaptación al cine de la novela El mundo perdido, con efectos especiales con animación stop-motion hechos por Willis O'Brien y su equipo, quienes después trabajarían en King Kong. Asi mismo, a principios del siglo XX, pocos parques zoológicos tenían exposiciones de primates por lo que había una demanda popular para verlos en la película.En 1918, Elmo Lincoln actuó en Tarzán de los Monos , antes de esa primera versión del Mundo Perdido de 1925.

Willis O'Brien se inspiró en los dibujos de Charles R. Knight para hacer los efectos especiales de los dinosaurios en King Kong. A esto se le suma que el productor de King Kong, Ernest E. Schoedsack tenía experiencia trabajando con monos, ya que antes había dirigido los documentales Chang, un drama del desierto en 1927 (con Cooper) y Rango en 1931.

Aprovechándose de esa tendencia, la compañía Congo Pictures realizó la película Ingagi en 1930, que anunció como «un documental que mostraba el sacrificio de una mujer a un gorila gigante». Cooper envió su idea conceptual para realizar una película de este tipo a los estudios Paramount en los primeros años de la gran depresión , pero los ejecutivos rehuyeron de un proyecto que proponía enviar los equipos de filmación a África y / o a Komodo.

En 1931, David O. Selznick llevó a Cooper a la RKO como su asistente ejecutiva, y, para endulzar el trato, le prometió que podría hacer sus propias películas. Cooper comenzó a desarrollar de inmediato películas de este corte . Tras esto contrató a su amigo y ex compañero de película, Ernest B. Schoedsack , para dirigir una historia en un enorme escenario de la selva que fue construido, con Robert Armstrong y Fay Wray como las estrellas.

Una vez que la película estaba en marcha, Cooper volvió su atención a una historia de un grupo de náufragos en una isla de los dinosaurios. El asistente de película emplearía efectos especiales Willis O'Brien . Además como estábamos en el sonoro para el rugido de King Kong se mezclaron el rugido de un león y el de un tigre.

Willis O'Brien había hecho los efectos especiales para otro largometraje inacabado en 1931 , Creation, dirigido por él mismo. Los modelos de los dinosaurios de esa película estaban inspirados en los dibujos realizados por el artista estadounidense Charles R. Knight.

Cooper aprobó las secuencias realizadas por O'Brien con la técnica de stop motion , un método de animación de paso con manivela y por eso decidió contratarlo para que se encargara de los efectos especiales en King Kong.

Los modelos de dinosaurios usados en King Kong fueron construidos en un principio para la filmación de Creation y algunas de las escenas filmadas de esta película se modificaron para incluirse en el guion de Kong. Cuando Cooper proyectará imágenes Creación de stop-motion de O'Brien, quedó impresionado, y se dio cuenta que económicamente podría crear un nuevo ser, un monstruo: Kong.

Cooper contrató a un recientemente asignado guionista de la RKO y se fijó en lo que estaba escribiendo un escritor británico de misterio / aventura Edgar Wallace con la intención de escribir un guión y una novela basada en su gorila de fantasía.

Cooper entendió el atractivo comercial de Wallace y planeó dar a conocer la película como "basada en la novela de Edgar Wallace". Wallace se reunió con Cooper y O'Brien y comenzó a trabajar el 1 de enero de 1932. Alguna escena como la del descarrilamiento fue ideada por Merian C. Cooper recordando que cuando era niño vivía cerca de un tren elevado que lo mantuvo despierto por la noche cuando se cayó al otro lado de las vías. Esta fue la inspiración para la escena donde Kong destruye un tren elevado. Una vez completado el borrador llamado "The Beast" / La bestia, el 5 de enero de 1932,  Cooper pensó que el proyecto necesitaba un trabajo considerable, pero Wallace murió el 10 de febrero de 1932 justo después de comenzar las revisiones. A pesar de no utilizar nada suyo en la producción final, más allá del acordado previamente argumento, Cooper dio crédito de la pantalla a Wallace como él le había prometido como productor.

Cooper llamó a James Ashmore Creelman (que estaba trabajando en el guión de El juego más peligroso en el momento) y los dos hombres trabajaron juntos en varios proyectos bajo el título La octava maravilla. Algunos detalles del proyecto de Wallace fueron abandonados.

En un principio, el guión y la película fue titulada como La octava maravilla (The Eighth Wonder en el original inglés). El redactor de la RKO Horace McCoy fue llamado para trabajar con Cooper.. Leon Gordon también contribuyó al guión. Tanto él como McCoy fue acreditado en la película terminada. Cooper viendo el borrador final de Creelman y que generaba un ritmo lento, se contrató para agilizarla a la escritora Ruth Rose , la esposa de Schoedsack para reescribirlo. Cooper estaba encantada con la escritura de Rose, siendo ella la que propuso el nombre de Kong para la producción.

Cooper y Schoedsack decidieron rodar las escenas como co-directores pero sus estilos eran diferentes Cooper era lenta y meticuloso, Schoedsack más ligero, así que finalmente acordaron trabajar por separado, Cooper llevaría la supervisión de los trabajos en miniatura de O'Brien y dirigir las secuencias de efectos especiales, y Schoedsack dirigir las escenas de diálogo.

Los folletos de prensa fueron enviados en 1932 para entusiasmar a los propietarios de los cines y que presentaran La octava maravilla en sus anuncios. En el guion original, el gorila es llamado tan solo Kong y fueron los publicistas quienes añadieron "King", de forma que en la película el nombre completo aparece solamente en los títulos de apertura y al finalizar los créditos. La idea supuestamente se originó cuando se co-director / co-productor Merian C. Cooper tuvo un sueño sobre un gorila enorme atacar la ciudad de Nueva York.

Tras esto llegaron los actores y actrices. Cuando el director Merian C. Cooper contrató a Fay Wray quiso a una actriz rubia ya que Cooper decidió que una rubia proporcionaría contraste con piel oscura del gorila. Dorothy Jordan ,Frances Lee,  Jean Harlow , Ann Darrow, y Ginger Rogers fueron considerados, pero finalmente fue para Fay Wray le dijo para hablarle de su partenaire - en este caso Kong - le dijo: "Vas a tener al hombre más alto y más oscuro en Hollywood". Ella pensó que se trataba de Clark Gable o Cary Grant.  Después de completar sus escenas, esta se pasó un día en el estudio de sonido se graba una serie de gritos que ella apodó "Aria de la agonía."Dos días después de su muerte, el 8 de agosto de 2004, las luces del Empire State Building se apagaron para 15 minutos en su memoria.

Tras la chica contrató a Robert Armstrong y a Bruce Cabot en este caso compitiendo con Joel McCrea para su primer papel protagonista.

El proyecto pasó por numerosos cambios de título durante la producción, incluyendo "The Beast" (título original del proyecto por Edgar Wallace en RKO archivos), "La octava maravilla", "El Mono", "Rey Mono" y "Kong". Al final se le dio el título de Rey.

Después de que la junta de RKO aprobara la producción de un carrete de prueba, Marcel Delgado construyó un Kong (o el "gorila gigante del terror" como era entonces conocido) siguiendo  los diseños y las direcciones de Cooper y de O'Brien intentando simular un gorila de 18 pies de altura.

Al final fueron cuatro los modelos que fueron construidos: dos articulados de estructura de aluminio de 18 pulgadas, - algo así como medio metro- y los modelos de piel de conejo (para ser girados durante el rodaje). King Kong fue hecho de un esqueleto de malla metálica, látex, una mezcla de caucho y con goma espuma para la estructura muscular y piel de conejo para su cabello.

Además hizo un modelo de 24 pulgadas con los mismos materiales para las escenas de Nueva York, y un pequeño modelo de plomo con una especie de esqueleto de acero, rellenado con algodón y cubierto con látex para que pudiera moverse de manera natural. Este modelo fue recubierto después con pieles de oso.

Durante el rodaje, la piel de caucho de Kong se secó rápidamente bajo las luces del estudio, por lo que fue necesario sustituir con frecuencia y  reconstruir completamente sus rasgos faciales. En esos modelos además de Marcel Delgado, participan EB Gibson, y Fred Reefe.

El modelo de King Kong, de 56 cm de alto, usado en la película fue vendido en una subasta en 2009 por aproximadamente $ 203,000, pero la mayor parte  de la cubierta se había descompuesto durante las décadas. La altura "oficial" de Kong (de los carteles) es 50 pies, aunque los modelos eran de 19 pies de alto en la selva y cerca de 25 pies en la ciudad de Nueva York. Además el King Kong en la isla de la calavera Kong tiene una cara más larga.

Los dinosaurios fueron creados también por Delgado siguiendo el proceder de Kong y en base a los murales de Charles R. Knight del Museo Americano de Historia Natural en Nueva York.  Un modelo construido de manera similar de un triceratops es propiedad de Peter Jackson , que utilizó en su propia reconstrucción de la secuencia de araña a cielo perdido.

Finalmente, King Kong consiguió su propósito: ser valorada , entre otras cosas, por su uso innovador de los efectos especiales, tales como la animación stop-motion , el gusto por la pintura mate , la proyección trasera y las miniaturas , todos los cuales fueron concebidos décadas antes de la era digital.

La animación stop-motion fue empleada por Willis O'Brien y su asistente de animación, Buzz Dixon, en las numerosas criaturas prehistóricas que habitaban la isla de cráneo . Fueron laboriosas y difíciles de lograr y completar . La lucha icónica entre Kong y el T-Rex tardó siete semanas en completarse. El protegido de O'Brien, Ray Harryhausen , que trabajaría con él en varias películas y que más tarde ue el "Pope" de los efectos especiales hasta los años ochenta fue uno de los más destacados animadores de stop-motion en Hollywood,y  declaró que la segunda esposa de O'Brien se dio cuenta de que había mucho de su marido en Kong.

El telón de fondo de la Isla del Cráneo cuando llega el equipo de Venture fue pintado en un cristal por en mate por los pintores Henry Hillinck, Mario Larrinaga y Byron C. Crabbé.  El fondo de las escenas en la selva (un conjunto en miniatura) también fueron pintados en vidrio para transmitir la ilusión de follaje de selva profunda y densa.

King Kong fue filmada en varias etapas a lo largo de un período de ocho meses. Algunos actores tenían tanto tiempo entre sus períodos Kong que fueron capaces de trabajar completamente terminado en otras películas. Cabot completó Road House y Wray apareció en un par de películas de terror,  Dr. X y Los crímenes del museo de cera . Se estima que trabajó durante diez semanas en Kong sobre su producción de ocho meses. La batalla entre Kong y el pterodáctilo tomó siete semanas para filmar.

El logro más difícil para los artistas de efectos especiales de lograr fue cómo hacer secuencias de acción en vivo interactuando con la animación stop-motion. Con el fin de hacer la interacción entre los seres humanos y las criaturas de la isla de forma  creíble. Se lograron a través de dos técnicas diferentes, el proceso de Dunning y el proceso de Williams, para producir el efecto de desplazamiento.

El proceso de reclamación , inventado por el director de fotografía Carroll H. Dunning, emplea el uso de la luz azul y amarilla, filtrándose y se fotografiaron en una película en blanco y negro.

Por otro lado, el proceso de Williams, inventado por el director de fotografía Frank D. Williams , no requería un sistema de luces de colores y podría ser utilizado para las tomas más amplias. Se usó en la escena donde Kong sacudía a los marineros del tronco, así como la escena donde Kong se escapa.

Otra técnica que se utilizó en la combinación de actores en vivo y animación stop-motion fue la proyección de la pantalla trasera o retroproyección fue una técnica de composición fotográfica usada para que Kong pudiera aparecer en escena junto con Fay Wray. Para este mismo fin, se recrearon modelos en miniatura de los personajes. El actor tendría una pantalla translúcida detrás de él, donde un proyector proyectaba imágenes en la parte posterior de la pantalla translúcida. La pantalla translúcida fue desarrollado por Sidney Saunders y Fred Jackman , quien recibió un Oscar especial por ese logro. Fue utilizado en la escena famosa donde Kong y el T-Rex luchan , mientras que Ann mira de las ramas de un árbol cercano.

Algunas escenas en la selva se filmaron en el mismo escenario de la película El malvado Zaroff. Las ubicaciones del escenario de esa película tuvieron lugar en la península de Palos Verdes, pero las escenas de los acantilados se rodaron en Puerto de San Pedro en Long Beach y Redondo Beach en Los Ángeles. La Isla Santa Catalina fue otra localización que se usó para filmar escenas ambientadas en la selva. Se rodó igualmente en Shrine Auditorium en 665 W. Jefferson Boulevard, Los Ángeles, , en Bronson Canyon, Griffith Park en el 4730 Crystal Springs Drive de Los Ángeles, en los Culver Studios en 9336 W. Washington Blvd., en Culver City, en donde se rodaron las escenas a bordo del barco , los interiores , la fotografía en miniatura y los efectos especiales basados en los stop-motion, así como la Aldea nativa , el conjunto de la Gran Muralla y la selva). También se rodó en Hoboken, Nueva Jersey, para las largas tomas de los muelles y las imágenes de aviones. Por supuesto también en los RKO Studios, 780 Gower Street de Hollywood y en los RKO-Pathé Studios - 9336 Washington Blvd. de Culver City para el Muro de Kong . La parte de acción en vivo de la secuencia teatral fue filmada en un día en el Auditorio Shrine de Los Ángeles. Igualmente se rodó en Nueva York en el exterior del Empire State). Sin contar el trabajo preliminar, "King Kong" fue de 55 semanas en la producción real.

Se ha dicho que esta fue la primera película de Hollywood en utilizar una partitura musical completamente sinfónica. Una de las leyendas en torno a esta película es que el director Merian C. Cooper pagó a Steiner de su propio bolsillo después de que los jefes RKO expresaron su preocupación por los crecientes costes de producción.

Como anécdota señalad que  Daniel Loxton y Donald Prothero , en su libro de 2013 la "Abominable Ciencia", argumentan que la emisión en el Reino Unido de "King Kong" en la primavera de 1933 condujo directamente a los supuestos avistamientos de un monstruo marino en el lago Ness, en  Escocia. Los primeros avistamientos del supuesto Monstruo del Lago Ness ocurrieron seis meses de lapelícula. Las descripciones y las fotos borrosas de "Nessie" que surgieron a partir de 1933 parecían inspiradas probablemente en la escena de "King Kong" en la cual una bestia prehistórica de agua, un Diplodocus.

Para las chozas nativas se aprovecharon de otras películas de  la RKO como Ave del paraíso (1932). La Gran Muralla fue parte del conjunto del Templo de Jerusalén empleado por Cecil B. DeMille en su película Rey de reyes (1927). El conjunto de la Gran Muralla fue reutilizado posteriormente por  David O. Selznick  en el El jardín de Alá (1936) y finalmente fue utilizada para el incendio de Atlanta depósitos de municiones en Lo Que El viento se llevo (1939).

Las imágenes de primer plano del Empire State Building se añadieron a la película cuando fue reeditada en 1952, para la escena donde Kong coge el primer avión y lo tira del lado del edificio. Vemos una imagendel Empire State Building tal como estaba en los años 50 con su antena de TV. En las otras escenas, el emblemático edificio formaba parte de "Set de Hollywood ", con imágenes aéreas de archivo del horizonte de la ciudad de Nueva York. En consecuencia, la única película  "en la ubicación"real se hizo 19 años después de la primera versión de la película.

En la reedición 1938, se cortaron varias escenas por ser consideradas de violencia excesiva y por tener cierto contenido sexual incumpliendo así el llamado  Código de Producción -Production Code -impuesto en 1934. Aunque muchas de las escenas censuradas fueron restaurados por Janus Films en 1971 incluyendo la secuencia censurado en la que Kong desnuda Fay Wray -  una escena suprimida y nunca  encontrada, mostrada públicamente solamente una vez durante una inspección preliminar en San Bernardino, California en enero de 1933,- . Lo cierto es que la escena de Kong sacudiendo a cuatro marineros de la  tripulación que tras ser tirados por el puente de troncos es devorada por una araña, un cangrejo, un lagarto y un pulpo (todos gigantes) tras caer del puente que derribó Kong. haciéndolos se reconsideró. En la proyección preliminar, los asistentes gritaron y dejaron el teatro o hablaron de la espeluznante secuencia en las siguientes escenas, interrumpiendo la película. Esta escena provocó que algunos de los espectadores gritaran, abandonaran la sala de cine o sufrieran desmayos, por lo que Cooper decidió eliminarla al día siguiente.

Algo parecido es cuando Ann está en la cubierta de la nave mientras Charlie , el cocinero está pelando patatas, y la segunda es donde Denham está filmando algunas imágenes de prueba de Ann ( "Grita por tu vida, Ann, Scream!"). La delgado ropa que se usa en  el vestido genera trasparencia que permiten ver que Fay Wray no lleva sostén.

Hubo escenas eliminadas. En una primera versión de King Kong fue preestrenada en San Bernardino, California, en enero de 1933.7 En ese momento, había una escena que mostraba como

Las siguientes escenas fueron filmadas, pero nunca formaron parte del desarrollo de la película: Kong luchando con tres triceratopos. Esa escena se filmó de manera parcial, pero después fue eliminada. Un brontosaurio matando a tres marineros en el agua de manera violenta. Un styracosaurus persiguiendo a unos marineros hasta el puente que después derribaría Kong. En la escena donde Jack y Ann escapan de la cueva, Kong baja por el precipicio persiguiéndoles. Ese detalle fue eliminado por Cooper. Dicha escena si se añadió a la versión de 2005, y casualmente, el director del remake, Peter Jackson, realizó su propia recreación de la escena, basándose en el storyboard que se hizo de ella.

Desde el estreno de 1933 de King Kong fue un éxito de taquilla inmediato y tuvo un gran impacto en la cultura popular de la década de 1930. También fue la primera película en estrenarse en dos de las salas de cine más grandes de Nueva York como el Roxy y el Radio City Music Hall con capacidad total de unos 10.000vasientos y se agotó en cada actuación [10 por día] en ambos teatros. Fue además  la primera de los años 30 en la tendencia de las películas de terror.

En 1938, King Kong fue reestrenada por primera vez, aunque algunas escenas como la de Kong arrancando el vestido de Ann, se consideraron inaceptables según el Código Hays.

La película se reestrenó dos veces durante la década de 1940, una vez en 1942 y otra en 1946. Se reestrenó de nuevo en 1952, convirtiéndose en uno de los acontecimientos de ese año y generó más ganancias en taquilla que cuando se estrenó por primera vez en 1933.

as secuelas más significativas derivadas de King Kong hasta la década de 1950 fueron Mighty Joe Young (1949) y Godzilla (1954). En 1956, King Kong fue vendida para su transmisión en televisión después de su quinto reestreno. Desde ese momento, ha atraído la atención de televidentes que se convirtieron en seguidores de la película siendo King Kong uno de los personajes más conocidos de la historia del cine y una referencia  en la cultura popular para la inspiración desde  anuncios publicitarios, pasando por dibujos animados, cómics, películas, portadas de revista, obras de teatro, poesía, cortometrajes, incluso videojuegos como Donkey Kong  y programas de televisión. Otras referencias a King Kong se encuentran en forma de parodias y versiones de sus películas , estando una  Kong: Skull Island prevista en su lanzamiento para 2017.

King Kong logró alcanzar la cima de su popularidad en los años sesenta y setenta, como parte de una tendencia nostálgica por el cine de Hollywood de los años treinta. El Festival de Cine Fantástico de Sitges lo incorporó a su logotipo y como imagen de marca.  Además películas como Parque Jurásico (1993) o en El mundo perdido: Parque Jurásico II (1997), incluso en Parque Jurásico III hay referencias directas por parte de algunos de los actores como Jeff Goldblum o escenas. A eso se suman los remake de 1976 de John Guillermin con Jessica lange y Jeff Bridges, o el de 2005 de Peter Jackson y Naomi Watts.

La película recibió buenas críticas desde su primer estreno, aunque Joe Bigelow de la revista Variety afirmó que King Kong sería una buena película de aventuras si «la audiencia se acostumbraba a los movimientos mecánicos, a los desperfectos de los animales expuestos y a la falsa atmósfera de la película».

En Variety se afirmaba que la película era una poderosa aventura. El New York Times dio a los lectores una cuenta entusiasta de la trama y pensaron que la película era  una aventura fascinante.

John Mosher de The New Yorker ls llamó "ridícula", pero escribió que hubo "muchas escenas de esta imagen que sin duda están desviando". El New York World-Telegram dijo que era "uno de los mejores thrillers realizados en  pantalla, hecho con trucos de cámara ".

El Chicago Tribune calificó como "una de las novedades más originales, emocionantes que surgieron de un estudio de cine."

En 1991 se consideró "cultural, histórica y estéticamente significativa" por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionado para la preservación en el Registro Nacional de Cine o  National Film Registry.

El 3 de febrero de 2002, Roger Ebert incluyó King Kong en su lista de " Grandes Películas", escribiendo aunque haya envejecido y que los efectos no están a la altura de los estándares modernos, «pero que hay algo eterno y primitivo en King Kong de alguna manera todavía funciona».

El crítico James Berardinelli destaco los avances en la tecnología utilizados "pero en la misma artificialidad de algunos de los efectos especiales, hay un escalofrío que no está allí en imágenes lisos, sin defectos, asistido por ordenador de hoy en día .... "

En Rotten Tomatoes  en 2007 tenía una puntuación promedio de 100 % basada en cuarenta y seis críticas pasando poco después a una puntuación media de 98% basada en 54 críticas en la página web Rotten Tomatoes. Se ha clasificado por Rotten Tomatoes como la mejor película de terror de todos los tiempos y la vigésima película más grande de todos los tiempos.  Además ha sido votado como la 47 mejor película de todos los tiempos por Entertainment Weekly.

El periódico The New York Times encontró en King Kong una película de aventuras fascinante: «Imaginen a una bestia de quince metros con una chica en una de sus garras, escalando por el exterior del Empire State Building, y que después de dejar a la chica en un saliente, trate de agarrar a los aviones y que después éstos disparen balas de sus ametralladoras al cuerpo del monstruo».

Está clasificado en el puesto 4 de la lista del American Film Institute de las 10 mejores películas del género "Fantasy" en junio de 2008.

Para Fernando Morales en el  Diario El País  destaca que  "Sin duda, una de las mayores cotas de virtuosismo alcanzadas en el cine de todos los tiempos (...) espectacular, deliciosa e inolvidable (...) realmente fascinante".

Para Guillermo Cabrera Infante  "King Kong viene y va al mito y de paso a la poesía  de las imágenes, a veces pedidas prestadas a la iconografía romántica - como la gruta en que mora y se demora desnudando a la rubia(...)".

En abril de 2004, la revista Empire clasificó a King Kong como la mejor película de monstruos de todos los tiempos.

En mayo de 2004, la revista Total Film clasificó la escena final de King Kong en el Empire State Building en el tercer puesto del listado de «Mejores escenas de muerte».

King Kong fue añadida por la revista Time en un listado de las «100 mejores películas de todos los tiempos» y se incluyen entre los "1001 películas que hay que ver antes de morir ", editado por Steven Schneider .

Además la película fue un éxito de taquilla haciendo unos $ 2 millones en su lanzamiento inicial, más aún si se tiene en cuenta que se ha re-lanzado en 1938, 1942, 1946, 1952 y 1956. Después de la re-edición de 1952, Variety estima que la película había hecho $ 4 millones en alquileres domésticos acumulativos para ese año.

Curiosamnte  Kong no recibió premios de la Academia nominaciones. Selznick quería nominar O'Brien y su equipo para un premio especial en los efectos visuales, pero la Academia lo declinó . Dicha categoría no existía en el momento y no existiría hasta 1938.

Una vez vista, mi hijo dice que los efectos especiales no se sostienen y que cualquier juego de la Play 3 o de la 4 es muy superior en gráficos. Le tengo que dar la razón, y , en ese sentido le invité a ver, la versión de Peter Jackson, que por cierto para muchos fue todo un fiasco, pero lo importante de esta película del año 33 del siglo pasado está en la huella que nos dejó durante bastantes décadas. ¿Quién sino es el rey Kong en New York City?