domingo, 21 de julio de 2013

Teorizando sobre el "Giallo"


Giallo es una palabra italiana que se usa para dar nombre a la novela negra o al cine de misterio y / o terror. La palabra " giallo "equivale a " amarillo" y su nombre procede de dos etimologías convergentes. Por un lado, este género en la península de la bota hace referencia al color amarillo existente en las novelas de misterio, que vendidas como novelas de bolsillo, presentaban  casi de forma generalizada tapas “Giallo” (amarillas). Por otro, el término surge en el siglo XX y parece proceder de la italianización del término “Yellow”. 

Cuando se habla de Giallo, en general, tanto en literatura como en cine, nos estamos refiriendo a la combinación de un género que oscila entre la ficción, el horror, entremezclados con algunos toques "picantes" de erotismo. 

 Si nos centramos en el cine, para el público italiano, una película del género "giallo" es ante todo una película que mezcla suspense con dosis de terror. El "Giallo" dio lugar a un subgénero cinematográfico que surgió de estas novelas en la década de 1960. Empezaron a realizarse adaptaciones literales de los libros, pero econ la lógica de incluir técnicas cinematográficas modernas para crear un género único, que derivó en el terror y en los thrillers psicológicos. 

La película de género "giallo" resultó ser una gran influencia para lo que se viene a llamar el "slasher" como género cinematográfico. De hecho estar películas ofrecen sanguinolencia al por mayor, mediante una cámara que intenta mezclar lo elegante con los truculento o "gore",  y con arreglos musicales a menudo discordantes. 

La trama estándar, utilizada en innumerables películas, implica un misterioso asesino psicópata e irreconocible que acecha detrás de algo o un asesino brutal y carnicero que se ceba en bellas mujeres. Los asesinatos son siempre violentos y sangrientos, incluyendo cuchilladas en la garganta y decapitaciones. Estos asesinatos suelen ocurrir a menudo cuando la víctima es más vulnerable, es decir, mientras se ducha, tomar un baño y / o , preferentemente, con poca ropa. También puede haber historias que involucran a fuerzas sobrenaturales, espíritus fantasmales. Un típico final “giallo” revelará que el asesino sea un loco perturbado mental (o incluso una mujer) que se presenta en toda la película como muy normal, aunque individualista, mientras que los sospechosos más obvios resultan ser pistas falsas. Normalmente, el asesino está bien escondida con un sombrero, con una capucha, con gafas de sol, con guantes y / o abrigo para ocultar sus características, e incluso de género. 

De entre los maestros de Giallo en España son especialmente conocidos Mario Bava y Dario Argento. A los que se fueron uniendo otros como Lucio Fulci, Sergio Martino y Umberto Lenzi. 
Pues bien, la película elegida anoche para ser vista fue precisamente Giallo dirigida por uno de los más representativos directores del género: Dario Argento. 
Giallo es una modélica película “giallo” que cumple en su mayor parte con la teoría antes presentada a modo de modelo general. Se estrenó en el año 2009 y está producida por un “patrullón” de personas entre los que destacan Claudio Argento , Donald A. Barton , Adrien Brody , Tommaso Calevi , Aitana de Val , Luis de Val , Billy Dietrich , Patricia Eberle , Oscar Generale , Nesim Hason , John S. Hicks , Lisa Lambert , Martin McCourt , David Milner, Rafael Primorac, Richard Rionda Del Castro para dar lugar a una coproducción italoamericana con la intervención de las productoras Giallo Production, Footprint Investment Fund , Media Films y Opera Film Produzione. Entre todos y todas invirtieron un total de 14 millones de dólares, de los que recuperaron en taquilla más bien poca cosa. La película fue distribuida por Hannibal Pictures, aunque en España lo hará Wide Pictures.

Como hemos dicho anteriormente la película fue dirigida por Dario Argento, que también participa en el guión, aunque el mismo fue igualmente escrito por Jim Agnew, Sean Keller . La música fue labor de Marco Werba y Claudio Simonetti, mientras que la fotografía fue de Frederic Fasano . El montador fue Roberto Silvi. 
El elenco de actores está comandado por Adrien Brody como el Inspector Enzo Avolfi y Giallo (ya que asume igualmente el papel de Byron Deidra), Emmanuelle Seigner como Linda. A esta le sigue su hermana en la ficción Celina que es Elsa Pataky, a los que acompaña Robert Miano como Inspector Mori, Silvia Spross como la primera víctima – la rusa- , Giuseppe Lo consola como el Carnicero y asesino de la madre de Enzo, Luis Molteni como Sal, Lorenzo Pedrotti como el repartidor de pizza, Daniela Fazzolari como Sophia, Valentina Izumi como la maltratada Keiko, Taiyo Yamanouchi como Toshi, Sato Oi como Midori, Maryann McIver como la chica de la librería, Barbara Mautino como la enfermera que da el expediente.

La película se estrenó en mayo de 2009 y fue mal recibida por el público y por la crítica, aunque lo que quizás fue más sonado y trascendente de ella fue la demanda que presentó Andrien Brody contra la película por no haber sido pagado en la medida que el esperaba o que estipulaba su contrato como ya explicaremos más abajo. 
Como se puede ver en la película está ambientada en Turín, ciudad donde actúa un asesino en serie que mata a chicas jóvenes y guapas que secuestra previamente en un taxi. 
La película se inicia con unas chicas japonesas que están asistiendo a una Ópera. Se trata de turistas que disfrutan de su último día en la capital de Piamonte. Una de ellas, Midori, le propone a la otra, Keiko, que por qué no disfrutan de una noche de marcha, abandonando ambas la Ópera para marchar a la disco. Allí Midori, consigue un rollete, pero Keiko está cansada y quiere volver al hotel. Un taxi la recoge y esto será su perdición como veremos minutos más tarde. 
En paralelo llega a Italia, Linda, una chica francesa que quiere ver a su hermana Celine, una modelo reconocida. Cuando la llama la chica está en la pasarela y le dice que volverá a casa en minutos. A la salida del pase vuelve a llamarla y toma un taxi, mientras habla con su hermana. El taxista la secuestra. 
Ante esto, su hermana Linda, asistente de vuelo, decide denunciar el caso a la policía. Inicialmente, no le hacen mucho caso, sin embargo, le pasan con in inspector, el detective Enzo Avolfi, un italoamericano, criado en Nueva York , pues su madre murió a manos de un carnicera criminal y ante sus propios ojos. Ambos se unen para encontrar a la hermana menor de Linda, Celine. 

A Celine, la vemos ya secuestrada y contemplando con horror, lo que el asesino en serie le hace a una moribunda, pero viva Keiko, su compañera de cautiverio. 
Enzo conocido en su gremio como “lobo solitario” informa a Linda que es muy probable que Celine haya sido secuestrada por un asesino en serie, que secuestra a hermosas mujeres y de origen extranjero en taxi. El “modus operandi” es drogarlas, primero, para que, después, el asesino pase a mutilar y finalmente asesinarlas. Él las retrata como obras de arte y para que las fotos le puedan dar una gratificación sexual personal. 

Enzo le confiesa a Linda que se convirtió en un agente de policía debido a que en su infancia, hace mucho tiempo, Enzo, quien tenía unos 10 años, fue testigo del asesinato de su madre a manos de un carnicero local, a quien le debía dinero. Después sabremos que tras su paso por los Estados Unidos, y criado por su tío, cinco años más tarde, Enzo mató al carnicero en su propia tienda, y que fue visto por el inspector Mori y que lo silenció al conocer los hechos. Mori, desde entonces, lo trató como si fuera su propio hijo. De hecho, Enzo había guardado el cuchillo que utilizó para matar al carnicero como un recordatorio de cómo se convirtió en un policía. Enzo también le dice a Linda que Giallo podría ser un asesino patrón que odia a las mujeres hermosas, debido a su deformidad. 

Momentos más tarde, aparece en el atrio de un convento el cuerpo, aparentemente sin vida, de Keiko. Sin embargo, todavía puede decir algunas cosas y , entre otros, una oración budista y una característica del asesino. Era amarillo. Desde entonces este será para la policía "Yellow" (Giallo en italiano). 

En el transcurso de la película, Enzo y Linda encuentran las víctimas y pistas que le aproximan al asesino. Por un lado, estamos ante en hombre condiciona posiblemente por una ictericia no curada infantil. Su fealdad le lleva al crimen. 

Poco a poco se aproximan a Giallo dado su licencia de tráfico como taxista, pero sobre todo la necesidad de seguir un tratamiento. Finalmente en el hospital le dan el nombre del asesino, que además es visto por Enzo. 
El detective llega a la casa de Giallo y allí encuentra imágenes de las torturas a sus victimas, incluidas las de Celine. 
Una historia en "flash-back" nos  muestra que la madre de Giallo era una prostituta que dio a su hijo en adopción a una iglesia, donde los niños huérfanos comenzaron a intimidarlo e insultarle por su color de piel.
En el apartamento no está, así que Enzo le pide a la policía que analice las fotografías por si puede extraer conclusiones sobre su posible localización. Por otro lado , Enzo le pide a Linda que descanse. 
Mientras ella se ducha, Giallo irrumpe en el apartamento de Linda y exige un rescate por el regreso seguro de Celine, que le ha propuesto una solución. Lina accede. No obstante, Enzo recibe información de que está en un sitio vinculado con la distribución de gas. Enzo cae que está en un depósito abandona así que se dirige a casa de Linda. Ésta , intimidada por Giallo no le abre. 

Así que Enzo aparente marcharse, sin embargo, les persigue hasta el tejado. Allí comienza un tiroteo en la azotea entre Enzo y Giallo. Giallo trata de escapar, pero se cae de una claraboya en el suelo del vestíbulo, matándolo instantáneamente. La policía buscar en el apartamento de Celine, pero no puede encontrarla. 

También intentan encontrarla en una fábrica de gas abandonada donde Giallo lleva a sus víctimas. No está, por lo que Linda comienza a culpar a Enzo por matar a su hermana, así como llamarlo egoísta e inhumano, porque Giallo iba a decirle que el lugar donde estaba su hermana. Enzo trata de convencer a Linda que era un asesino y no se podía confiar. Después de escuchar esto, él se aleja. 
En esto que cambia la escena y vemos a una Celine herida y sangrante – por cierto, Giallo, le ha cordado un dedo- en la trasera de un vehículo. Por casualidad, un policía mientras patrullaba el aparcamiento, oye a Celine, e intenta ganar su atención, mientras sigue atada y amordazada en el maletero del coche de Giallo. El goteo nos informa que sigue herida. Y acaba el film. 

Como ya he dicho anteriormente la película se rodó en Turín, donde son visibles algunos edificios públicos. El apartamento de las hermanas está en Armando Díaz - Lungo Po en esa ciudad piamontesa. 
Resaltar de la película que la cámara se mueve con fluidez por parte de Frederic Fasano, especialmente en las secuencias de flashbacks, con una fotografía cuidada e interesante en el uso de luz de color y la utilización de distintivos de imágenes impactantes. Igualmente destaca la emocionante partitura musical de Marco Weba con susurros de suspense que se combinan en la banda sonora. 

Giallo - como comentamos con anterioridad- se estrenó en el 2009 Festival Internacional de Cine de Edimburgo y en Estados Unidos en el Festival Internacional de Cine de Omaha, Nebraska, en de marzo 2010. No tuvo mucho éxito , aunque hubo una sonora polémica debido a que Adrien Brody demandó a los realizadores ya que entendió que no se le pagó la cantidad convenida por su papel en la película, frenando la carrera comercial de la película, al menos, en DVD, hasta que recibió su salario completo en noviembre de 2010. El 20 de enero de 2011, el diario Deadline Hollywood informó que Brody había llegado a un acuerdo con los productores. Brody declaró: "Me gustó mucho el proceso de hacer Giallo y estoy feliz de que las cosas se han resuelto y y que la gente ahora puede disfrutar de ver la película " Con todo, y posiblemente como respuesta, Argento dijo en una entrevista que no le gusta corte de la película de los productores y que ya no está unido al proyecto. 

La crítica fue unánimemente negativa. Por ejemplo, en España Toni Vall dijo en Cinemanía que "Argento se autoplagia sin rubor ni contemplaciones en este relato algo mostrenco y previsible (...) con unos actores espantosos, pero que hará relamerse a quienes amen 'Inferno', 'Suspiria' y 'El gato de las nueve colas' (...).Alberto Abuín, editor de blog de cine, escribe que en Giallo la dirección e Dario Argento "(...)no está, desgraciadamente, ni a la altura de sus peores películas, que ya es decir.
Poco más que señalar, salvo que se pensó – según aparece en la web imdb, inicialmente en Vincent Gallo o Ray Liotta, en lugar de Adrien Brody. Especialmente Vicent Gallo lo era para el papel de amarillo, pero se retiró después de que su ex prometida e hija del director, Asia Argento, fue elegido para el papel principal. Irónicamente, más tarde abandonó el proyecto debido a que estaba embarazada y fue reemplazada por Emmanuelle Seigner. 
Estamos ante en el primer largometraje como director teatral de Dario Argento, que no está basada en un guión original por sí mismo. Sin embargo, el guión fue escrito específicamente para él. 
Como curiosidad indicar que Giallo, tenía como nombre Byron Diedra, que es el anagrama de Adrien Brody. 

La película es una tontería. Lo que hizo pensar que sería o pudo ser una especie de homenaje al subgénero del giallo, por el que fue director más aclamado del género durante décadas y que le convirtió en uno de los directores más populares y seguidos de la historia del cine de terror, no se hace interesante, pues tiene poca intriga (de hecho la cara del asesino nos la enseñan casi al principio de la película). Eso sí, hay momentos tensos, otros bastante conseguidos (el momento de la fuente, los flashbacks, las chicas en el taxi...) , alguna que otra escena "gore" bastante interesante (sobretodo la del martillazo). pero no consigue en ningún momento un tono dramático. En todo caso puede ser brutal o bestial, aunque modélico dentro del “slasher” italiano. 

Lo que queda al final es un esbozo que sirve como base para que unos personajes, tan estereotipados como ridículos o estúpidos como las propias motivaciones del "asesino", y , eso sí, lo que es digno de mención son los diálogos que - creo- no pasarán a la historia del cine. Entre esos académicos diálogos podemos destacar frases tan tiernas y sensibles como las que le suelta Celine a "Giallo" : “ Eres un puto monstruo. Siempre serás feo” ,o como se diga en inglés,  "fucking freak", "fucking monster", "fucking psycho"... Lo mejor es que solo dura unos escasos 87 minutos con los títulos de crédito finales incluidos y que se cumplen los requisitos que hemos presentado como teoría para que esto sea un "Giallo".

sábado, 20 de julio de 2013

En el ojo de la tormenta


Existe un debate bastante árido entre el cine y la literatura. Bueno, realmente, ese debate se da entre algunas obras literarias y cómo son llevadas esas obras al cine. En ese debate suele ganar la literatura. Pero no siempre es así. Pongamos algunos ejemplos en los que la película, al menos, está a la altura del libro o incluso lo supero. Un ejemplo de ello pudiera ser el Padrino de Coppola está en el mismo lugar que su referencia literaria, la obra de Mario Puzo. Otro ejemplo lo tenemos en “El señor de los Anillos” de Tolkien y la obra de Peter Jackson. Existen otros ejemplos, pero yo me atrevería a pensar que “El ojo de la aguja” de Richard Marquand está, como mínimo, al mismo nivel que la novela de Ken Follet, titulada , al menos, en castellano, La isla de las tormentas.

Es curioso que la conjunción de estos dos galeses, Marquand y Follet diera lugar a una buena película y a que por ese trabajo, en parte, le fuera encargado a este director de cine por parte de George Lucas, un clásico moderno, la tercera parte de la trilogía inicial de de la saga de Star Wars titulada El Retorno del Jedi (Return of the Jedi). 
Como hemos dicho anteriormente “El ojo de la aguja” o “Eye of the Needle” sería la adaptación cinematográfica del best-seller que se publicó con el título homónimo Storm Island escrito por Ken Follet. 
Es una película del año 1981, pero que contó con el guión de Stanley Mann inspirada – lógicamente- en la novela de Ken Follett, el primer best seller de este autor. La película está producida por Stephen J. Friedman para la Kings Road y la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), aunque fue distribuida por la United Artists que la lanzó al mercado cinematográfico el 24 de julio 1981. Y contó con una inspiradísima banda sonora compuesta por Miklós Rózsa y la muy buena fotografía de Alan Hume.
La película contó con un interesante reparto encabezado por Donald Sutherland como Henry Faber, Kate Nelligan como Lucy Rose. En papeles secundarios aparecen Stephen MacKenna como el teniente, Christopher Cazenove como David Rose, un joven piloto de combate de la RAF , Philip Martin Brown como Billy Parkin un joven soldado del Ejército que identificó a Faber, George Belbin como el padre de Lucy, Faith Brook como la madre de Lucy, Barbara Graley como Madre de David, George Lee como Constable, Arthur Lovegrove como Peterson, Colin Rix como Oliphant, Barbara Ewing como la señora Garden, Patrick Connor como Inspector Harris, David Hayman como Canter, Ian Bannen como Inspector Percival Godliman del MI5, John Bennett como Kleinmann, Sam Kydd como Lock Guardián, John Paul como el capitán de la Guardia Inicio, Bill Nighy como el líder del escuadrón Blenkinsop y los gemelos Jonathan y Nicholas Haley (como Joe, el hijo de David y Lucy).

La historia comienza en Londres, en el año 1940. Estamos en los inicios de la Segunda Guerra Mundial y allí el protagonista, Henry Faber, un señor que trabaja en un depósito de ferrocarril de Londres y vive en una casa de huéspedes en Highgate. Una noche, la señora Garden, la dueña de la pensión, sube a la habitación de Faber y lo sorprende con un transmisor de radio. Y la señora desaparece para siempre.

Realmente Henry es de “"Die Nadel, Needle, Aguja”", el nombre en clave de un espía o agente alemán en Gran Bretaña durante esta Segunda Guerra Mundial. Es Donald Sutherland el que da vida a este espía sociópata, frío, calculador y despiadado y recopila información sobre los movimientos de tropas. . Se le llama así debido a que su método preferido de asesinato es por medio de un estilete. Se trata de un hombre sin aparentes emociones que se centra en su tarea de espionaje. Como decíamos Faber estaba a medio camino a través de esta información por radio a Berlín cuando su patrona tropieza en su habitación con la esperanza de intimidad. Faber teme que la señora Garden finalmente darse cuenta de que él estaba usando un transmisor y que él es un espía, por lo que la mata con su estilete, a continuación, vuelve a su transmisión. Tras matar a su casera alerta de su presencia al servicio de inteligencia y espionaje británico, que lleva tiempo intentando identificarlo tras haber ejecutado o reclutados todos los espías alemanes.

Cuatro años después, en 1944, Die Nidel es el único aún en libertad y los miembros de MI5 vinculan el asesinato de la patrona a Faber por él haber usado su "aguja". Luego entrevistan a otros inquilinos de Faber en 1940. Uno lo identificará a Faber en una foto de él como un joven oficial del ejército.

En paralelo tiene lugar la boda entre David, un piloto de la RAF de aprendiz, y su novia Lucy. En su luna de miel David y Lucy están involucrados en un accidente automovilístico. David pierde el uso de las dos piernas. No puede volar para defender a su país en la Batalla de Inglaterra y David vive amargado por ello. Para evitar su amargura él y Lucy optan por retirarse la aislada isla de las Tormentas en la costa de Escocia. 
La misión de Henry Die Nadel es averiguar de dónde partirá la invasión hacia Europa por parte de los aliados. Una de las opciones es que el Primer Ejército de Patton que está preparado para lanzarse sobre el paso de Calais (Operación “Fortitude”) u otro que las tropas encabezadas por Eisenhauer caigan sobre Normandía (Operación Overlord). 
Lo que no saben los alemanes es que la Operación “Fortitude” es una operación de distracción con un ejército falso formado por ejemplo por aviones de madera. Los aliados han creado un ejército ficticio posicionado al sureste del Reino Unido como parte de la “Fortaleza” se creó el Grupo ficticia First United States Army (FUSAG). FUSAG utilizado tanques falsos, los edificios y el tráfico de radio para crear una ilusión de un ejército en formación de aterrizar en Calais.

Desde el aire parecía un ejército real, pero desde tierra es Die Nadel quien haciéndose pasar por un ornitólogo lo descubre. Faber descubre que el ejército es una falsificación. Toma fotografías de una base militar construida sólo para parecer real del aire. Faber se da cuenta de que Normandía es la zona elegida para el D-Day. Cuando ya ha realizado las fotografías encuentra a dos militares británicos revisando la barca que ha alquilado y que la servido para desplazarse por los canales. Sin reparo, mata con su estilete a los soldados.

El ya sabe que el desembarco real será en Normandía. Si esas fotos llegasen a poder de Hitler, el rumbo de la guerra podría cambiar. El problema es cómo transmitir la información a Alemania. Lo intenta inicialmente a través de la vía diplomática con la valija de la embajada portugués. Sin embargo, el diplomático será detenido por el MI5.

Como la información es difícil de creer se le ordena regresar a Alemania a informar personalmente y entregar el material fotográfico que ha conseguido. Pero el servicio de contraespionaje británico le sigue de cerca así que marcha a la estación y se monta en un tren con destino a Escocia.  Se dirige a Aberdeen (Escocia) donde en un U-boat (submarino alemán) él y sus fotos irán de regreso a Alemania. 
Mientras esto ocurre Henry Faber ha sido identificado por un antiguo compañero de hostal. Se le identifica como un oficial alemán, que habla perfectamente inglés pues estudio en las Estados Unidos y que fue alumno de Canaris en la Academia de oficiales. Se sabe que simpatiza con el nacionalsocialismo. 
En su huida hacia Escocia tendrá que matar a su compañero de pensión, el que lo identificó, y mentir sobre su personalidad y su función.

Ya en Escocia tomará un bote para ser recogido por un submarino que le llevará a su patria. Sin embargo el mal tiempo se cruza en su camino. Finalmente se embarca en un pequeño arrastrero para cumplir con el U-Boat. Su pequeño bote naufraga pero consigue llegar a la Isla de las Tormentas. 
Se derrumba frente a la solitaria casa donde viven David y Lucy. Parece moribundo y es atendido por Lucy Rose (Kate Nelligan). Esta es la chica que el mismo día de su boda con David Rose (Christopher Cazenove) tiene un accidente de tráfico que ha convertido en inválido a su marido, un ya ex piloto de la RAF . Vive inválido, amargado y alcoholizado. Tienen un hijo en común Joe. 
Este joven matrimonio inglés (David Rose y Lucy Rose) que se encuentran en la isla de las tormentas está esperando el final de la guerra. Por lo tanto en la isla viven en total sólo cuatro personas: Tom, el farero que es además pastor de ovejas, y el marido, David, un amargado paralítico por el estúpido accidente, Lucy, la esposa resignada a su suerte y Joe, su hijo de unos tres años.

El señor Faber será acogido por sus habitantes y tendrá un romance con Lucy, una mujer maltratada por las circunstancias y su marido. Henry, que dice ser un escritor, despierta la pasión en Lucy, una mujer frustrada descubrirá que aún es deseable por otro hombre, mientras que éste intenta comunicarse por radio para transmitir el secreto que puede cambiar el destino de la guerra. 

Surge un apasionado romance entre la mujer y el espía, que empezará a humanizarse por el amor hacia Lucy, ya que esta por un lado se siente deseada y por otro siente el alejamiento de los afectos entre ella y su marido, cuyo accidente le ha paralizado emocionalmente.

La relación entre Henry y el marido de Lucy es fría desde el principio. De hecho David sospecha de la posible traición de ella, pero sobre todo de él,  y realmente descubre que aún tiene algo por lo que luchar. Una mañana David invita a Henry a acompañarlo al faro. Al dirigirse al mismo, David intenta detenerlo. Tras una pelea desigual Henry mata a David y lo despeña tirándolo al mar.

Regresa en su Jeep a casa, informando a Lucy que Tom y David se han emborrachado y que se van a quedar hasta tarde. Tras disfrutar ambos de esta noche en soledad que le da el marido, Henry regresa por la mañana al faro. En eso, que Lucy sale de paseo con su hijo David y en los acantilados encuentra el cadáver de su marido. Cuando Henry regresa a casa, Lucy se da cuenta de que su amante le ha estado mintiendo después de que Henry afirma que su marido le ha dicho que se quedará en el faro con Tom nuevamente. 
Horrorizada al saber que está con un asesino Lucy vuelve a hacer el amor con Henry, pero ahora se siente asustada al saber que está viviendo un idilio con el asesino de su marido.

"La Aguja" debe llegar a la radio de Tom en el tiempo para informar al U-boat para informar a sus superiores de la ubicación exacta de la invasión del Día D y para que lo devuelvan a Alemania.

Mientras en Escocia el grupo de inspectores está rastreando las islas y una de las pocas que no han respondido a las llamadas ha sido la isla de las Tormentas. Un inspector se dispone a ir a la isla. 
En la isla,  Lucy entiende que ella es la última oportunidad de los Aliados. Sin embargo, ella – que desconoce que es un espía- teme por su vida y la de su hijo. Así que intenta huir en el Jeep, pero en el último momento descubre que la llave del vehículo la tiene él.

Finalmente huye y lo consigue tras disparar a Henry. Lucy se refugia en el faro donde se dirige con su hijo. Allí llega igualmente Henry. Se ha quedado ya sin armamento en la escopeta, así que Henry intenta abrir la puerta desde la ventana. En una brutal escena, Lucy cercena parte de los dedos con un cuchillo. Y se va ahora a la parte superior del faro. 
Henry, herido, ha logrado entrar y pone en marcha la radio. Lucy escucha el intento de contactar con el submarino. Es allí donde descubre que Henry es un espía. Ambos ahora están obligados a cumplir un deber hacia sus respectivos países. Él intentará llegar a Alemania procurando no hacerle daño a su amante. Ella en cambio tiene muy claras cuales son las prioridades cuando él desiste en rendirse. Su enfrentamiento es una guerra a pequeña escala, pero igual de destructiva. Él se resiste a hacer daño, pero ella quiere impedir que telegrafíe el mensaje. 
La única manera es cortando la luz y para ello provoca un cortocircuito. Lo consigue, pero se quema la mano. Henry poco puede hacer. No quiere matar a Lucy, y únicamente quiere escapar en el submarino. Lucy, sin embargo, entiende que es vital seguramente para la patria así que – mientras Henry huye para coger una barca- le dispara en varias ocasiones.

Le hiere en la pierna. Renqueante, se hace con la barca, pero ella vuelve a dispararle. El moribundo cae sobre la barca. Mientras vemos una imagen aérea de las isla de las Tormentas. Y se acaba la película. 
Las escenas de la isla de tormenta fueron filmadas en unas ocho semanas, centrándose principalmente en la isla de Mull, que forma parte del archipiélago escocés de las Hébridas. Hubo otras localizaciones como el aeropuerto de Blackbush (Hampshire, Inglaterra) , las islas de Mull – ya citada- así como las escocesas islas de Oban, Argyll and Bute. También se grabó en los ingleses Shepperton Studios y en los Twickenham Film Studios. 
La banda sonora de Miklós Rózsa en su última o penúltima incursión cinematográfica es magistral, con una obra sinfónica, romántica y dramática, que contiene temas lírimos ("Love Serenade", "Love Theme") y trágicos ("The Broken Hearth"). Añade la melodía "English Wedding". La fotografía de Alan Hume de la campiña británica, de las altas tierras escocesas, así como de las desoladas islas, parece explorar tanto el mundo natural exterior como el interior de unos personajes tocados por la tragedia y que nos habla de sus obsesiones (la aversión de Henry por las armas), las debilidades de david (alcoholismo) o exalta el coraje de Lucy. Muy buena la ambientación y la reconstrucción del ambiente de la época. Una buena película de espionaje bélico, muy entretenida, con un buen ritmo, en general y unos personajes bastante creíbles, alejados del estereotipo del superagente.

Las interpretaciones de Donald Sutherland y Kate Nelligan, rayan a gran altura. El primero ya era una estrella consagrada, especializada casi siempre en papeles de malo, realizando el que, probablemente, sea el mejor papel de su carrera, aportando una intensidad soberbia a un personaje que se supone que fue entrenado a salvo de los sentimientos y, además de la muerte y el silencio estaba el amor, pero ya es muy tarde. Su mirada es pura frialdad, auténtica crueldad convertida en ojos que no dejan asomar ni un ápice de compasión. Para ella supuso el lanzamiento de una carrera que la llevaría hasta Hollywood.

Existen ligeras diferencias entre el libro firmado por Ken Follet y la película. En el libro descubrimos que el protagonismo es ejercido por dos agentes del MI5, un historiador y un policía viudo tras los bombardeos, así como Henry Faber y Lucy, David lo será en menor medida. Coincide el final en que Lucy detiene a Henry provocando un cortocircuito en la electricidad en la casa que impide enviar el mensaje de Faber por radio. Ante esto Faber intenta descender el acantilado y nadar a la espera del submarino. Pero Lucy lanza una piedra contra él, golpeándolo y haciéndole perder el equilibrio y cayendo por el acantilado , provocando así su muerte. En el libro, la RAF aparece en la isla manda un mensaje de radio ficticio enviándolo a través del código de llamada de Faber para convencer a los alemanes de que la invasión está apuntando a Calais y no a Normandía. Uno de los agentes, el policía viudo Bloggs finalmente se casará con la viuda Lucy.

Habré visto la película en muchas ocasiones, y reconozco que -como ocurrió anoche que la echaron en laSexta3- no me cansa. El punto de partida, la obra de Follet- a la que yo llegué por las indicaciones de mi mujer- es inmejorable. Parte de la buena imagen que tengo de esta película está en el buen trabajo de investigación que hizo el autor de la obra sobre la importancia que tuvo el espionaje en la Segunda Guerra Mundial, así como en el juego de verdades y mentiras, por ejemplo, que tuvo esta "Operación Fortaleza", que hacen a la historia totalmente verosímil. Importante es también el hecho de incluir en este relato de espionaje momentos de alta tensión en casi todo el relato, así como una historia de pasión irrefrenable entre una mujer abandonada y un hombre sin escrúpulos ni sentimientos, y que, poco a poco, irán arraigando en él. Ese ascenso desde la falta a la adquisición de sentimientos es lo que hace atractivo al relato y a la película, pues los irá hilando en una espiral perfectamente administrada y potenciada por el aislamiento que supone entre los protagonistas el tema insular que crea en ellos sentimientos de indefensión e impotencia. 
En definitiva estamos ante 112 minutos de cine de calidad, con una película bien trazada, en la que los últimos 40 minutos se llenan de una historia que pasa por diversas fases: amor, desconfianza, tensión, temor, pánico y horror. ¿Mejor el libro? Decides tú. 

viernes, 19 de julio de 2013

El contrapunto de la chica


Hace un par de semanas disfruté – y de lo lindo- con el Hitchcock interpretado por Anthony Hopkins y dirigido por Sacha Gervasi. Está semana le ha tocado su contrapunto con la película The Girl, producida por la HBO Films. Si el contrapunto se define como el contraste entre dos cosas simultáneas, hay que reconocer que mientras se rodaba la versión de Sacha Gervasi para su estreno y participación en los Oscars del 2013, se rodaba igualmente otra película por las mismas fechas, con el mismo protagonista - Hitch- , pero referido al momento posterior al éxito de Psicosis. 

Curiosamente el final de la película de Hitchcock terminaba con la presentación del nuevo proyecto del genial director británico. Y The Girl comienza con el casting de selección del siguiente proyecto del director de Vértigo: Los pájaros. 
En este caso la chica elegida será una joven que comenzaba en el campo de la publicidad y que será descubierta conjuntamente por Alfred y Alma Hitchcock, para el deslumbramiento del primero y -desgracia- de la segunda. 
Esta buena versión preparada por el canal de pago norteamericano, la HBO Films, está dirigida por Julian Jarrold, escrita por Gwyneth Hughes y producido por Amanda Jenks para la británica BBC y la citada HBO Films, así como la Moonlighting Films. Su destino era para tanto la televisión norteamericana, donde fue estrenada el 20 de octubre 2012, como para la británica estrenándose aquí el 26 de diciembre de 2012, casi en paralelo a la presentación de la película.
El guión – ya sé que se escribe sin tilde, pero no me gusta nada- es de Gwyneth Hughes. La música es de Philip Miller, mientras que la magnífica , afortunada y luminosa fotografía es de John Pardue. El montaje es de Andrew Hulme. 

En este caso The Girl tiene como estrella estelar (valga la redundancia) a la también modelo Sienna Miller , que interpreta a Tippi Hedren y a Toby Jones quien hace una recreación impresionante - aunque puesta en solfa por algunos críticos- de Alfred Hitchcock. La película se basa en el libro de Donald Spoto, publicado en 2009, bajo el título de Spellbound por Beauty ( Hechizado por la belleza): Alfred Hitchcock y sus principales mujeres, que trata la película sobre el director - Hitchcock- y las mujeres que desempeñaron papeles principales en sus películas. El título de la película fue inspirada por el supuesto apodo de Hitchcock que dedicaba a su adorada Hedren, The Girl. 

Además de los nombrados, Toby Jones como Alfred Hitchcock y Sienna Miller como Tippi Hedren, participan Penélope Wilton como Peggy Robertson, Imelda Staunton como Alma Reville, Candice D'Arcy como Josephine Milton, Carl Beukes como Jim Brown y Conrad Kemp como Evan Hunter. 
La película describe la supuesta obsesión de Hitchcock con Hedren, la modelo y actriz quien siendo una desconocida quedará encumbrada en la historia del cine gracias a su protagonismo en la película The Birds de 1963 . Partiendo de la historia parece que Hitchcock se enamora de su actriz principal, pero ella rechaza su "pulsión" irrefrenable, y como respuesta, Hitchcock le somete a una serie de experiencias traumáticas durante la filmación de los pájaros y, más tarde, Marnie, la ladrona. Hedren vive cada vez más angustiada y, finalmente, decide que tiene que encontrar una manera de salir de la situación. Sin embargo, ella no puede trabajar en otros lugares debido a su contrato exclusivo con Hitchcock, que puso fin a su carrera en Hollywood. Este sería el resumen argumental de la película. 
La película comienza con una frase "Las rubias son las mejores víctimas. Son como la nieve virginal que nos deja ver las pisadas sangrientas". Estamos justo en el momento en que Alfred Hitchcock y se equipo – entre ellos Alma, su mujer- descubren casualmente a Tippi Hedren en un anuncio comercial televisivo para un refresco. 

Estamos en 1961, Hitchcock envía una nota a la actriz en que le dice que quiere convertirla en la próxima Grace Kelly , con quien había trabajado mucho durante la década de 1950. Hedren hace un casting fotográfico y una prueba de pantalla superándolo con creces dada su belleza y su naturalidad para la interpretación y en una cena, Alfred y Alma le confirman que ella es la elegida para el papel protagonista para su película se preparó para el papel en la última película: Los pájaros . Alma y Alfred le hacen entrega de una joya en diamantes con tres pájaros. 
Desde ese momento Tippi empieza a ser considerada como diosa por Hitchcock. Le hacen un set enorme para ella, y el director empieza a instruirle acerca de su vestimenta y apariencia. Le encargó a la diseñadora de vestuario, Edith Head, crear armarios completos de vestidos según sus especificaciones precisas - como ya había realizado con Grace Kelly, Vera Miles - para ser usados en cualquier momento, no sólo para la filmación. 

Cautivado por la apariencia nórdica de Hedren, su familia ella nos comenta procede de Suecia, aunque ella es de Minessota, Hitchcock se enamora de ella. 
Al poco de comenzar el complejo rodaje de Los pájaros , la pulsión del director va en aumento, y tras un pequeño accidente durante la grabación, se dobla el tobillo, en el puerto en el que desembarca con sus periquitos- el director no se reprime e intenta forzarla, metiéndole mano e intentando besarla mientras se dirigen al hotel en la parte trasera de una limusina, pero ella lo rechaza, aunque aparentemente no comenta nada públicamente. 
En represalia por este rechazo, Hitchcock expone Hedren a varios encuentros terroríficos con los pájaros. La primera de ellas ocurre cuando un pájaro mecánico rompe el cristal aparentemente irrompible de una cabina de teléfono, mientras ruedan la famosa escena de la cabina atacada por los pájaros de la agobiante película. 
Tras la escena vemos a Hedren ducharse con heridas en la cara y brazos provocadas por fragmentos de vidrio. A continuación, después de llegar a casa procedente del set se tira en el césped y cuando su hija se acerca ella se asusta pensando en la ocurrido. 
Días más tarde, Alfred Hitchcock se presenta en el camerino de Tippi Hedren y le comenta que la “soberana” , léase Grace Kelly, ha rechazado el papel para Marnie. Alfred le hace entrega del guión y le pide que vaya leyendo. 
Sin embargo, lo peor está por venir al rodar la escena en la que Melanie Daniels (Hedren) se queda atrapada en el ático de una casa mientras las aves le atacan. 

La escena ha de repetirse en innumerables ocasiones y los pájaros finalmente agreden de verdad a la actriz. Esta escena, que dura dos minutos en los pájaros, se suponía que debía ser filmado dentro de un par de tomas. Fueron necesarios cinco días. En el último día, un pájaro atacó el ojo izquierdo de Hedren, dejando un profundo corte en el párpado inferior. Ella quedó afectada y tuvo que ser llevado a casa. El rodaje se llevó a cabo mientras se recuperaba, bajo cuidado médico y en parte bajo sedación. 
Más tarde, ella descubre que Hitchcock había ordenado reemplazar los pájaros mecánicos por aves vivas. El director británico quería que la reacción de Hedren pareciera auténtica, y que su imagen en la pantalla fuese el de una persona traumatizada. 

Con los pájaros convertida en un éxito de público y taquilla, Hitchcock y Hedren comienzan a trabajar en otra película, Marnie ya para 1963. Pero Hedren encuentra como objeción el contenido de la película - que incluye una escena de violación , así como la historia de una mujer frígida traumatizada por la misma - y la persistencia de la actitud de Hitchcock, que en un momento dado le pide que le toque, a lo que ella se niega. Esta continua e implacable obsesión de Hitchcock unido al agotamiento mental y emocional de la actriz dificulta su relación profesional, sobre todo ante la obsesión, cada vez más alarmante mostrada por el director. Hitchcock se ve frustrado y percibe la frialdad de Hedren hacia él. 
Durante una conversación tras unas cuantas copas de más con el escritor Evan Hunter , Hitchcock admite que tiene disfunción eréctil , y que su única pareja sexual es su esposa - la guionista Alma Reville. Sin embargo, el día de nochebuena, y tras mucho beber, Hitchcock llama por teléfono a la actriz y le declara su amor. Hedren, le cuelga el teléfono pero el sigue imaginando una respuesta o conversación con la actriz en la que intercambia sus sentimientos. Alma escucha con dolor y sufrimiento esto y la declaración de que él ya no ama a su mujer. 
Ante la actitud, Hitchcock le niega a Hedren permiso para asistir a una ceremonia a la entrega de Premios en New York ya que ella está nominada para el premio Photoplay como Actriz Más Prometedora, y le dice que va a incluir en su contrato una cláusula que exige que ella estuviese sexualmente a su disposición cada vez que él lo exigiera. Hedren renuncia a mantener más encuentros profesionales con Hitchcock, pero éste le muestra el contrato, en el que se indica que no puede trabajar para otra compañía de producción y que pondría fin a su carrera en Hollywood. 

Hedren cede a continuar rodando y tras terminar su trabajo en Marnie se siente feliz y liberada. Dos notas aparecen antes de los títulos de crédito en los que nos informan que Hitchcock y Hedren nunca trabajaron juntos otra vez y que tanto Los pájaros como Marnie se consideraron dos de sus obras maestras y posiblemente las últimas. Y hasta aquí la película. 
Como hemos The Girl se basa en 2009 en el libro de Donald Spoto y que lleva por título en español Hechizado por la belleza, que examina las relaciones entre Alfred Hitchcock y las principales estrellas femeninas de sus películas. Spoto escribió que Hitchcock pretendía convertir a Tippi Hedren, protagonista de Los pájaros y Marnie , a su mujer perfecta, incluida su elección de ropa, colores e incluso lápiz labial. 
Según Spoto, Hitchcock se enamoró perdidamente de su protegida llegando a fantasear con ella, según le relató la actriz al propio Spoto. Gwyneth Hughes se incorporó al proyecto tras una llamada telefónica de la productora Amanda Jenks. Parece ser que Hughes llegó a entrevistar a Hedren y a miembros del equipo de Hitchcock antes de preparar el guión .Hablando sobre sus conversaciones con Hedren, dijo Hughes, "su sabiduría y conocimientos me han ayudado a poner su terrible experiencia en la vida real a la pantalla. 
Declaró que Tippi estuvo absolutamente encantado, por el trabajo de Sienna Miller. El vestuario fue diseñado por Diana Cilliers recreando algunas de las prendas - incluyendo el traje verde Melanie Daniels o el bolso de Hedren con el que casi acaba el rodaje en el tren de Marnie - que Hedren lució en películas de Hitchcock. 

La filmación de la película comenzó el 8 de diciembre de 2011. Como parte de la preparación Miller habló con Hedren en varias ocasiones durante el rodaje, y los dos se hicieron buenas migas. Nuevamente la escena más complicada para Miller pudo ser las del ataque de los pájaros. 

El papel de Jones como Hitchcock le obligaba a pasar cuatro horas cada día se hizo con un maquillaje protésico. Jones además realizó a diario ejercicios vocales para imitar el acento característico de Hitchcock. Como parte de su campaña de marketing para The Girl , HBO lanzó treinta segundos del trailer en agosto de 2012. Durante la rueda de prensa para promocionar la película, dijo Hedren, "Tengo que decir que cuando escuché por primera vez la voz de Toby [Jones], como Alfred Hitchcock, mi cuerpo se congeló".
Hedren y su Melanie Griffith a la que Hitchcock dio una muñeca hecha especialmente diseñada para parecerse a su madre, vestida con el traje verde que llevaba en la escena del ático asistieron a su proyección en Londres en octubre de 2012. Hedren, que no mencionó ningún acoso por parte de Hitchcock hasta décadas después de su muerte, refirió a Spoto que Hitchkock como un depredador sexual, información que contrastaba bastante con la que daba Hedren en las muchas entrevistas que dio en vida de Hitchcock, y en el su cálido homenaje que le rindió cuando fue honrado con el Premio a la vida de AFI por el American Film Institute en 1979. 

Poco antes de que la película se presentara en la televisión británica, diciembre de 2012, Hedren dio una entrevista al Daily Mail en el que repitió sus afirmaciones sobre Hitchcock. Reconocía que Hitchcock fue un cineasta genial y que le encantó trabajar con él antes de que me di cuenta de que estaba empezando a tener un casi obsesivo interés por ella. 
Por el contrario esta información sobre el apetito sexual hacia ella de Hitchock contrasta con las declaraciones de otras actrices como Eva Marie Saint , que protagonizó el 1959 la producción Con la muerte en los talones , que dijo a The Daily Telegraph , "Hitchcock era un caballero, era divertido, era tan atento conmigo. 

Algo similar ocurrió con Kim Novak, quien trabajó en 1957 la producción de Hitchcock Vértigo , y que afirmó en el The Daily Telegraph que se sentía mal por todo lo que dice la gente acerca de él , a pesar de reconocer que era un personaje extraño, pero no raro. 
Louise Latham , quien interpretó a la madre de Hedren en Marnie, también desestimó las pretensiones de la naturaleza predatoria de Hitchcock. Ella le dijo a Broadcast , "Encuentro algunas de las acusaciones difícil de creer ... Yo no era consciente de su ser molestados en el set". 

Nora Brown - la viuda de James H. Brown, el primer ayudante de dirección en Los pájaros y Marnie - dijo que su marido no hubiera aprobado The Girl y que esa interpretación de los hechos, y de Hitchcock le habría entristecido. Gwyneth Hughes entrevistó a Brown como parte de su fondo de investigación para la película, pero murió antes de su finalización. En octubre de 2012 Nora Brown dijo a The Daily Telegraph que había escrito a Hughes para expresar su enfado. 
Indudablemente la crítica fue dura con la representación de Hitchcock como un depredador sexual. John Russell Taylor , autor de la biografía del director titulada como Hitch en 1978 , dijo que la película es "totalmente absurda". Similares críticas hizo en el Evening Standard de Londres en enero de 2013 Anthony Hopkins al afirmar que "Hablé con Tippi Hedren un día ... y ella nunca lo mencionó “ 

En octubre de 2012, Hedren, dijo que a pesar de que creía que la película retrata con precisión el comportamiento negativo de Hitchcock hacia ella, existe una limitación de tiempo de 90 minutos lo que significaba que no se podría contar toda la historia de su carrera con él. 
Antes del debut en la televisión EE.UU. de la película, Alessandra Stanley del The New York Times criticó a los objetivos de la película, escribiendo, "[e] l problema con The Girl es que se trata de psicoanalizar a Hitchcock, pero falla al tratar de conocer al hombre. Es una película sobre Hitchcock que ignora su mejor consejo: ".. el suspense es como una mujer, cuanto más a la izquierda de la imaginación, más la emoción ' "
Richard Brody, de The New Yorker también dio a la película una crítica negativa pues se presenta realmente como un drama y por ser una obra poco original 
En el día de su estreno en Reino Unido, James Rampton de The Independent escribió que The Girl era "una mera crítica feroz negro sobre blanco de Hitch . No pretende presentarlo como un monstruo sin ambigüedades, sino que pone de relieve el profundo daño psicológico que afectó el director durante toda su vida ". 
Deborah Orr en The Guardian escribió: "…sólo había una cosa mal con The Girl . No estaba Hitchcock en la silla del director para que sea lo totalmente convincente este drama psicológico que podría haber sido ". Nigel Farndale en The Telegraph elogió la película por dar una visión equilibrada de Hitchcock, escribiendo, que había sido retratado en este exquisito teatro como un manipulador. 
Jane Simon en Daily Mirror elogió a Sienna Miller por traer una belleza intocable por capturar la resiliencia de Hedren. En The Telegraph , Clive James dijo que Sienna Miller, es aún más hermosa de lo que que Hedren era ... Toby Jones , bastante creíble pero parecía aturdido ". 
John Doyle en el canadiense The Globe and Mail, dijo de Miller, que su trabajo era "bueno, pero no excelente", y de Jones, a quien describió como alguien que "parece estar imitando a Hitchcock en vez de interpretar habitar el papel". 
Nancy DeWolf Smith del The Wall Street Journal escribió que la película no debe ser vista en términos de verdades o falsedades, sino como "un juego de moralidad exquisitamente espeluznantes al estilo Hitchcock" y califica a The Girl ", como una obra maestra original que rinde homenaje al talento y la visión de Hitchcock ...".

Brian Lowry en Variety afirma que "La forma en que el película se desarrolla es fascinante, ofreciendo el mejor trabajo de la carrera de Miller y Jones para habitar Hitchcock - atrapado dentro de su grotesco mascara - de obtener rápidamente más allá suplantación para una imagen más oscura del genio " 
Lo cierto es que Jones y Miller fueron nominados para los premios en los Globos de Oro de 2013, al igual que la película- Mejor TV Movie / TV Miniserie- , y en cuatro nominaciones en los British Academy Television Awards (BAFTA) TV por su papel en la película- mejor drama- , entre ellos además a la actriz de reparto (Imelda Staunton) y al mejor telefilm. 
Sienna Miller igualmente será nominada a la Mejor Actriz en una Miniserie o Película Hecha para Televisión en los XVII Satellite Awards. Otra nominación se llevó Sienna Miller a la mejor actriz en la Radiodifusión Press Guild Awards. Igualmente nominaciones en los XIV British Academy Television Awards se dieron nominaciones al Mejor Maquillaje y peinado (Nadine Prigge, Neill Gorton, Clinton Aiden Smith), Mejor Diseño de Producción ( Darryl Hammer), Mejor guión dramático (Gwyneth Hughes) y mejor director (Julian Jarrold). Obtuvo seis nominaciones a los Emmy incluyendo Mejor Actor (Toby Jones) y a la dirección. 
En esta película vemos aun Hitchcock diferente, obsesivo, inseguro y dominado por su pulsión hacia la actriz. La película objetivamente está bien rodada, aunque sea para la televisión, con una calidad notable. Las actuaciones, a diferencia de lo que han publicado las críticas, están magníficamente realizadas, tanto la de la bella, elegante y digna Sienna Miller como las del impecable y torturado por sus obsesiones Toby Jones. Momentos buenos tiene: el ataque de los pájaros tanto en la cabina como en el ático es sobrecogedor. Instantes sobresalientes no están tanto en los diálogos, sino en los silencios, como los de Hitch durante los rodajes, y los de éste junto a Alma en la sala de visionados chequeando las tomas diarias o cuando vemos que lo que se rueda – el llamado metacine - se refuerza. 
Sobre la pulsión sexual ¡qué decir! Como hemos visto existen versiones contradictorias, y , sin poner en duda, ninguna de las versiones, me quedo con el artista, que no con la persona. 
En definitiva, una película que completa la anteriormente vista, es realmente su contrapunto, eso sí, algo más brutal por lo del castigo al que se somete al personaje – elegid al que deseéis-, pero que no nos impide seguir pensando que Hitch era un genio del cine, que seguramente tenía que haber sido psicoanalizado, que intentaba sacar lo mejor de sus actrices, para conseguir siempre el mejor de sus productos. Pero la reflexión con la que acabo es la siguiente: ¿Es legítimo obtener lo mejor de un actor o una actriz a cualquier precio?.