Juegos de guerra

Ready Player One me hizo recuperar el deseo de ver War Games. No ha sido la única. Lo mismo me pasó con Lady Halcón. Curiosamente una y otra cuando con dos de los protagonistas de Juegos de Guerra. Por un lado, John Wood, que en la película que llevaba la música de Alan Parson Project hacía de obispo malvado donde lo hubiera , mientras que aquí hace de científico escéptico ante la naturaleza humana tendente, según él, a la autodestrucción. El segundo actor es el joven Matthew Broderick, joven protagonista de una y de otra, y ambas representa a un fura de la ley. 

A pesar del tiempo pasado, la película sigue manteniendo atractivo por ser una de las primeras obras cinematográficas en mostrar una primitiva y emergente internet, con sus módems telefónicos y sus pantallas de fósforo repletas de líneas de comandos. 

Un aspecto igualmente significativo es la figura del joven hacker, perfectamente encarnado en Matthew Broderick , alineado o en contacto con otros informáticos capaces de abrir puerta o puertos para ser más precisos, aparentemente bien errados, así como el protagonismo de un ordenador o una  computadora gigantesca y todopoderosa, que va adquiriendo voluntad propia como ya nos presentara Hal en 2001, una odisea en el espacio,  la película de Kubrick y que aquí se presenta como el prototipo de las peligrosa inteligencia artificial capaz de autoodirigirse  como igualmente ocurre en el Skynet de Terminator ideado por JamesCameron que llegaría a las pantallas tan sólo un año después. 

Sin embargo, lo que caracteriza a esta película es responder a una época y una estética realmente sorprendente y radiante que coincide con los ochenta , la época dorada y objeto de atención en el libro del escritor Ernest Cline- y por extensión en la película que  no hace tanto desarrolló ese genio que es Steven Spielberg.

Como ya he comentado la película es hija de su tiempo siendo su director el británico natural de Luton John Badham , pero de padre estadounidense , director que es de televisión, y que fue una referencia como director y productor de cine afincado en Estados Unidos responsable de película míticas como Saturday Night Fever (1977), la presente War games (1983), y otras que fueron importantes en su momento y hoy, menos importantes como su versión de Drácula (1979), Short Circuit, aquí Cortocircuito- (1986), Stakeout (1987) , Mi vida es mía (1981), Bird on a Wire (1990), y que hoy es más cercano al mundo televisivo como director responsable de episodios de series de televisión como The Shield (2003), Crossing Jordan (2007) o Héroes (2007) y más recientemente Mentes Criminales - Criminal Minds (2009) por los que fue candidato a dos Premios Emmy.

En este caso se trató de una producción encabezada por Leonard Goldberg, Bruce McNall , Harold K. Schneider y Rich Hashimoto para las productoras Metro-Goldwyn-Mayer, Sherwood, The Leonard Goldberg Company, y United Artists con la distribución de la MGM/UA Entertainment Company. Contó con un elevado presupuesto de $12 millones

El guión fue escrito por Lawrence Lasker, Walon Green y Walter F. Parkes; mientras que la fotografía fue responsabilidad de William A. Fraker y el montaje de Tom Rolf. La banda sonora fue de Arthur B. Rubinstein  y no , no contiene ni canciones de Crosby, Still & Nash ni de Peter gabriel , aunque ambos tienen canciones con esos títulos.

En cuanto al reparto destacan en el mismo Matthew Broderick como David Lightman, Dabney Coleman como el doctor John McKittrick, John Wood como el doctor Stephen Falken y la voz de Joshua/WOPR y Ally Sheedy como Jennifer Mack. Junto a ellos aparecen Barry Corbin como el general Jack Beringer, Johnny Clay como Pat Healy, Dennis Lipscomb como Watson, Joe Dorsey como el coronel Joe Conley, Michael Ensign como el ayudante de Beringer, un jovensísimo Michael Madsen como el teniente de primera Steve Phelps, Alan Blumenfeld como el señor Liggett, Maury Chaykin como Jim Sting, Eddie Deezen como Malvin, Art LaFleur como el guardia Gainsburg, Stack Pierce como un piloto y Stephen Lee como el sargento Schneider.

La historia comienza cuando dos militares llevan a una base secreta en la que existe , tras una pantalla, un complejo militar en el que los militares tienen misiles balísticos capaces de llegar hasta el continente europeo. Lo militares que llegan para cubrir la anterior guardia son Jerry (John Spencer) y Steve (Michael Madsen ). Tras sentarse en sus puestos y bromear encuentran que en la pantalla se produce , aparentemente, un ataque de los soviéticos. La tensión se convierte máxima cuando Steve le exige a su compañero de guardía que use la llave que activarán los misiles. Jerry tiene dudas y no quiere hacerlo , pues necesita verificar lo que allí parece producirse. Ante la tensión, Steve apunta con su pistola a Jerry , y con ello llega un fundido en negro.

Después nos entramos que es un ensayo y dado el incidente entre los militares y las dudas generadas en incidentes similares por otros hombres que deben ser sustituidos por un gran ordenador y un complejo programa, el WOPR. Y es que durante un simulacro sorpresa de un ataque nuclear, muchos operadores del Ala estratégica de misiles de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos no se muestran dispuestos a girar la llave necesaria para lanzar un ataque con misiles.

Tales negativas y dudas convencen a John McKittrick (Dabney Coleman) y otros ingenieros de sistemas en el NORAD de que los centros de control de lanzamiento de misiles deben ser automatizados, sin intervención humana.

El control se cede a un superordenador del NORAD, llamado WOPR (War Operative Plan Response) y que está programado para realizar continuamente simulaciones militares y aprender con el tiempo.

Pasando la historia a presentarnos a David Lightman (Matthew Broderick), un estudiante brillante, pero sin motivación, de una escuela de secundaria de Seattle. Tiene diecisiete años y una habilidad innata para la informática.

Tras recibir una mala calificación en la escuela, utiliza su microcomputadora IMSAI 8080 para introducirse en el sistema informático de la escuela.

A continuación, cambia su nota y hace lo mismo con su amiga y compañera de clase Jennifer Mack (Ally Sheedy) que , de inmediato empieza a sentir miedo. David, para seguir fardando con la chica, y como es un experto informático le demuestra que es capaz de saltarse los más avanzados sistemas de seguridad y de descifrar los más herméticos códigos secretos.

Pero su juego se complica cuando tras pedir un número de teléfono de Sunnyvale en California con el fin de encontrar nuevos juegos de ordenador que iban a ser presentados en una feria o congreso, y como es capaz de descifrar muchos códigos y con uno de ellos -involuntariamente - hay un código que no se identifica , lo que intriga a David.

Tras logra conectar su ordenador ve que en el otro equipo se encuentra una lista de juegos, comenzando con juegos generales de estrategia como el ajedrez, damas, backgammon y el póquer y luego pasan a títulos como "Escenario global biotóxico y guerra química" y "Guerra Mundial termonuclear", pero no puede seguir adelante con este sofisticado juego que parece ser muy real. Dos amigos hackers le explican el concepto de una puerta trasera desconociendo todavía que el equipo en el que ha entrado es del Departamento de Defensa americano, encargado del sistema de defensa nuclear.

Aunque ha sacado referencia a los juegos , también hay referencia a un apellido, el de Falken que se hace referencia en "Laberinto de Falken", el primer juego de la lista. David descubre que Stephen Falken es un investigador de inteligencia artificial, y adivina correctamente que el nombre de su hijo muerto "Joshua" es la contraseña de puerta trasera.

David no sabe que el número de teléfono de Sunnyvale se conecta a WOPR, o "Joshua", y es la computadora del Departamento de Defensa de los Estados Unidos,en el Complejo de Cheyenne Mountain. Así que decide jugar a la guerra. Piensa que está jugando contra otro operador de computadoras. Él logra entrar por la puerta trasera a WOPR y comienza un juego de Guerra Termonuclear Global, jugando como la Unión Soviética y decide atacar a Estados Unidos.

El servidor inicia una simulación de batalla que inicialmente convence al personal militar del NORAD que ha habido un lanzamiento de misiles nucleares soviéticos lo que desencadena así una situación de peligro difícilmente controlable.

Para él solo es un divertimento, pero el ordenador puede desencadenar un conflicto termonuclear. Mientras se intenta calmar la situación, Joshua, sin embargo, continúa la simulación para activar el escenario y ganar el juego, ya que no entiende la diferencia entre la realidad y la simulación, sigue adelante con el ataque a Estados Unidos.

Alimenta el juego con información de forma continua con datos falsos, tales como las incursiones de bombarderos soviéticos y despliegues de submarinos a los seres humanos en el NORAD, que ven el avance del juego entre David y WOPR las pantalla del cuarto de guerra y creen que el ataque es real, empujándolos a elevar el nivel de DEFCON y hacia una represalia que podría comenzar con la Tercera Guerra Mundial.

David se entera de la verdadera naturaleza de sus acciones a partir de un programa de noticias. Solo cuando es demasiado tarde. David en un momento es consciente de que , primero, ha sido identificado , y de segundo, que se ha metido en un enorme lío así que es detenido por el FBI lo arresta, al detectar la línea de teléfono como un ataque de espías soviéticos y lo lleva al NORAD. y es llevado a Cheyenne Mountain donde es entrevistado.

Entonces se da cuenta de que Joshua, el amigo de WOPR que antes jugaban ajedrez en sus primeros años de desarrollo y ahora están jugando entre ellos, porque David se retiró del juego, está detrás de las alertas del NORAD pero como no puede convencer al doctor McKittrick (Dabney Coleman ) acerca de esto. Así que es detenido y se enfrenta a prisión.

Sin embargo, el hábil chico se escapa del NORAD uniéndose a un grupo de turistas y, con la ayuda de Jennifer , viaja a una isla del estado de Oregon, donde el sabe cuando investigó el nombre que Falken (John Wood) vive ahora. Con la ayuda de su novia intentará, en una carrera contrarreloj, evitar la Tercera Guerra Mundial.

David y Jennifer encuentran que Falken jugando con un pterodactilo movido por contro remoto y que se ha convertido en una persona melancólica y cree que la guerra nuclear es inevitable, que es tan inútil como un juego de tres en raya entre dos jugadores experimentados. Aunque Falken les pide que se vayan , al ver que el barco de retorno se ha marchado les permite pasar la noche en la casa. Allí discuten e intentan luchar contra el escéptico científico.

Como ve que no les hace caso decide partir en una balsa con destino a la costa. Pero ante de partir son interceptados por un helicótero que les pide que se detenga. Aunque todos esperan a los agentes del FBI quien lo pilota es Falken, que superada la melancolía, motivada en parte por la muerte de su hijo Johsua , decide prestar ayuda a adolescentes regresando los tres al NORAD para detener a Joshua.

Allí el ordenador continúa adelante con el juego en solitario, como un juego de ajedrez entre WOPR y Joshua por su diseño de desarrollo para aprender con la información que recibe, simula un primer ataque masivo soviético con cientos de misiles, submarinos y bombarderos al mismo tiempo contra Estados Unidos.

Creyendo que el ataque de Joshua en el juego es real, el NORAD se prepara para contraatacar. Falken, David y Jennifer convencen a los funcionarios militares para cancelar la segunda ola contra el ataque inexistente, porque es un juego en solitario del ordenador, iniciado por David anteriormente, pero que ahora WOPR está jugando en solitario, entonces en el juego de guerra, Joshua intenta lanzar los misiles por sí mismo realizando un ataque de fuerza bruta para obtener el código de lanzamiento. 

Sin seres humanos en los centros de control como medida de seguridad, el equipo dará lugar a un lanzamiento en masa. Todos los intentos de acceso a Joshua para cancelar la cuenta atrás fallan, y todas las armas se lanzarán si el equipo es desactivado al pensar que el NORAD ha sido abatido. Falken y David , sobre todo este último descubre que hay que mostrar al ordenador que simplemente están jugando. Así que , tras intentar con más juegos, David cree que el de Tres en raya puede ser adecuado.

Ordena David al ordenador que inicie una partida de tres en raya contra sí mismo. Esto se traduce en una larga cadena de empates, obligando al equipo a aprender el concepto de futilidad y escenarios sin salida. Joshua obtiene el código de misiles, pero antes de lanzar, se pone a revisar todos los escenarios de guerra nuclear que ha ideado, la búsqueda en ellos también le muestra que el resultado es tablas.

Después de haber descubierto el concepto de la destrucción Mutua Asegurada ("GANADOR: NINGUNO"), el equipo dice Falken que ha llegado a la conclusión de que la guerra nuclear es "un extraño juego" en el que "el único movimiento para ganar es no jugar."

Joshua cede el control de los misiles al NORAD y se ofrece a jugar "un buen juego de ajedrez" con Falken acabando así la película.

El desarrollo de WarGames comenzó en 1979, cuando los escritores Walter F. Parkes y Lawrence Lasker desarrollaron una idea para un guión llamado The Genius , sobre "un científico moribundo y la única persona en el mundo que lo entiende: un niño rebelde que es demasiado inteligente para su propio bien."

Lasker se inspiró en un especial de televisión presentado por el actor Peter Ustinov sobre varios genios, incluido Stephen Hawking . Lasker dijo: "Encontré la situación en la que Hawking era fascinante: que algún día podría descubrir la teoría del campo unificado y no ser capaz de decírselo a nadie, debido a su ALS progresiva. Entonces surgió la idea de que necesitaría un sucesor. ¿Y quién sería? Tal vez este niño, un delincuente juvenil cuyo problema era que nadie se daba cuenta de que era demasiado inteligente para su entorno ".

Lo curioso es que Lasker aventuró que los concepto de inteligencia artificial e intervención humana en el juego así como la piratería por medio de hacker podía ocurrir, en un momento donde ni tan siquiera se había pensado en ello.

El desarrollo de ese guión de The Genius comenzó su transformación en WarGames cuando Parkes y Lasker conocieron a Peter Schwartz del Instituto de Investigación de la Universidad californiana de Stanford . "Hubo una nueva subcultura de niños extremadamente brillantes que se convirtieron en lo que se conocería como hackers", dijo Schwartz. Schwartz hizo la conexión entre los jóvenes, las computadoras, los juegos y los militares.

Luego, Parkes y Lasker también se reunieron con el experto en seguridad informática como Willis Ware de la empresa RAND Corporation , quien les aseguró que incluso un ordenador militar seguro podría tener acceso remoto para que los usuarios pudieran trabajar desde casa los fines de semana, alentando a los guionistas a continuar con el proyecto. Parkes y Lasker idearon varias tramas diferentes con temas militares antes de la historia final. Una versión del script tenía una versión inicial de WOPR llamada "Tío Ollie", u OLI (interceptor láser omnipresente), un láser defensivo basado en el espacio ejecutado por un programa inteligente, pero esta idea fue descartada porque era demasiado especulativa.

Tom Mankiewicz ha afirmado alguna vez que escribió algunas escenas adicionales durante el rodaje que se usaron.

El director John Badham acuñó el nombre "WOPR", sintiendo que el nombre del SIOP (Plan Operativo Integrado Único) de NORAD era "aburrido y no le dijo nada".

La computadora WOPR como se ve en la película fue un accesorio creado en Culver City, California siendo diseñado por el diseñador de producción (acreditado como consultor visual) Geoffrey Kirkland basado en algunas fotos que tenía de las primeras máquinas de tabulación y muebles metálicos, consolas y gabinetes utilizados particularmente en el ejército de los EE. UU. en los años 1940 y 50. Fueron adaptados en dibujos y conceptos por el director de arte Angelo P. Graham . WOPR fue operado por un miembro de la tripulación sentado dentro de la computadora, ingresando comandos en un Apple IIpor instrucciones del director. El accesorio se rompió para chatarra después de que se completó la producción. Se construyó una réplica para un comercial de ATT en 2006. 

Para el personaje de David Lightman se inspiró en David Scott Lewis, un entusiasta de la piratería que conocieron Parkes y Lasker; mientras que el personaje de Falken se inspiraba en la figura del profesor Stephen Hawking.

El general Beringer se basó en el general James V. Hartinger ( USAF ), el entonces comandante en jefe de NORAD, a quien Parkes y Lasker conocieron mientras visitaban la base, y que, como Beringer, favoreció mantener a los humanos en el circuito de decisión .

Martin Brest fue contratado originalmente como director, pero fue despedido después de 12 días de rodaje debido a un desacuerdo con los productores y reemplazado por el británico John Badham . Varias de las escenas tomadas por Brest permanecen en la película final.

Badham dijo que Brest había "tomado un enfoque algo oscuro de la historia y la forma en que fue filmada. Era como si los jóvenes estuviesen conspirando . Así que era mi trabajo hacer que pareciera que se estaban divirtiendo y que era emocionante ".

Según Badham, Broderick y Sheedy eran " rígidos como tablas "cuando entraron en el escenario de sonido, teniendo la visión oscura de Brest y con la idea de que pronto serían despedidos. Sin embargo, tras una audición y algunas tomas así como un acercamiento al director Badham los mantuvo.

La película se rodó entre agosto y noviembre de 1992 y el equipo de filmación pasó por distintos estados norteamericanos entre los que estaban Washington, California y Colorado.  En Washington se rodó en Mount Vernon, Anderson Island, Darrington, Seattle, Steilacoom, University of Washington en Seattle, Cascade Mountains, Lake Chelan, Newhalem en este estado del Oeste. También se rodó en Los Angeles, en concreto en Crystal Springs Drive, El Segundo High School , Thorn House en Big Bear Lake, Big Bear Valley, en San Bernardino National Forest,Culver City, California State University Long Beach, Westchester High School. En colorado se rodó en Cheyenne Mountain Complex, en la localidad de Colorado Springs .

La película se proyectó fuera de competencia en el Festival de Cine de Cannes de 1983 y en su estreno comercial fue un éxito de taquilla, costó $ 12 millones y recaudó $ 79 millones después de cinco meses en los Estados Unidos y Canadá.

La película , además del éxito de público, obtuvo tres nominaciones al Oscar: Mejor fotografía para William A. Fraker , al mejor sonido para el equipo integrado por Michael J. Kohut, Carlos de Larios, Aaron Rochin y Willie D. Burton, así como el guión original en las personas de Lawrence Lasker y Walter F. Parkes.

En los Premios BAFTA de sus tres nominaciones consiguió el premio al Mejor sonido los técnicos Willie D. Burton, Michael J. Kohut y William L. Manger, quedando como nominados al los Mejores efectos especiales Joe Digaetano y Mejor dirección artística (James J. Murakami )

El Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al Mejor guión original drama; mientras que en los Premios Saturn consiguió el Premio al Mejor director siendo nominada a Mejor película de ciencia ficción, al Mejor guion, al Mejor actor, a la Mejor actriz y Mejor actor de reparto.

Ganó además el Premio Eddie al Mejor montaje y el Premio Hugo a la mejor representación dramática.

El crítico de cine Roger Ebert calificó la película como "un thriller increíblemente entretenido" y "una de las mejores películas en lo que va del año", con un final "maravilloso".

En Softline se elogió la película como "completamente original"; a diferencia de otras películas relacionadas con computadoras como Tron que "podrían (y existen) sustancialmente en la misma forma con alguna otra trama", WarGames"no podría existir si el microordenador no existiera ... Toma el micro y las telecomunicaciones como algo dado, parte del paisaje estadounidense de clase media". La revista elogió la película como "Muy divertida, insoportablemente llena de suspenso e infinitamente inventiva, esta película es acertada; auténtica incluso cuando es altamente improbable". 

Computer Gaming World declaró que " Wargames es lo suficientemente plausible como para intrigar y lo suficientemente aterrador como para excitar ... [hace] que uno piense y sienta todo el tiempo", planteó varias preguntas morales sobre tecnología y sociedad, y recomienda la película a "aficionados a la informática de todo tipo".

El crítico de cine Leonard Maltin le dio una crítica mixta llamándolo "Generación "y" Entretenido hasta cierto punto ". 

Ya en España Fernando Morales en El País declara que es una película de "Aventuras informáticas servidas sin demasiada chispa. Convencional"

Mientras en ABC "Película de aventuras juvenil dirigida por John Badham, responsable de títulos como «Fiebre del sábado noche». Se ambienta durante el punto álgido de la guerra fría, en los años de Ronald Reagan como presidente de Estados Unidos.

«Juegos de guerra» se ha convertido para algunos en un filme de culto, ya que fue la primera vez que la figura del pirata informático llegaba de forma directa a los medios realmente masivos. El argumento es ficticio, aunque se basa en sucesos cercanos como la famosa intromisión por miembros del Chaos Computer Club de Alemania en computadoras de la NASA. "

WarGames fue la primera representación visual consumida en masa de acceso telefónico remoto a un ordenador y sirvió como vehículo y marco para la primera discusión de Estados Unidos sobre la tecnología.

A raíz de la película, los principales medios de comunicación se centraron en la posibilidad de que el "Escenario de WarGames" exista en la realidad. Este enfoque contribuyó a la creación de la primera política federal de Internet de EE. UU., La Ley de fraude y abuso de dispositivos de acceso falsificados y fraude informático de 1984 .

Los operadores del sistema de tablón de anuncios (BBS) informaron un aumento inusual de la actividad en 1984, y se atribuyó a WarGames que introdujo a los espectadores a los módems. El presidente Reagan , un amigo de la familia de Lasker, vio la película y discutió la trama con miembros del Congreso, sus asesores y el Estado Mayor Conjunto .

El interés de Reagan en la película se atribuye a la promulgación, 18 meses después, de NSDD-145 , la primera directiva presidencial sobre seguridad informática.

Un videojuego, WarGames , fue lanzado para ColecoVision en 1983 y portado a la familia Atari de 8 bits y Commodore 64 en 1984.

Una secuela, WarGames: The Dead Code , se lanzó directamente en DVD en 2008 escrita por Randall Badat y Rob Kerchner y dirigida por Stuart Gillard . Pero no la he visto. No quero decepcionarme.

La reina de Montana

Yo se quién es, para mi, la reina de Montana aunque me pronunciaré sobre ello al final de la entrada. De hecho no sabía que ese Estado tuviese una reina , pero cinematográficamente la tuvo.

Es curioso ese Estado , que tiene un nombre de resonancia española pues los que allí estuvieron en el siglo XVIII y XIX le llamaron Montaña del Norte. Sorprendentemente ese Estado combina desproporcionalmente las llanuras, pues son una ampliación de ellas, con los espacios integrantes de las Montañas Rocosas y las pertenecientes a la Cordillera Bitterroot y en las que ambas  participan activamente la cumbre de la divisoria de aguas continentales.

Quien sí que la conocía era Marty McFly cuando viaja a 1955 en su Lorient customizado del año 1985 como se refleja en Regreso al futuro , descubriendo que la Reina Ganadera de Montana , la Cattle Queen of Montana, aparece en la carpa del Teatro Essex en Hill Valley. Son las cosas de la cultura propia, códigos que los paisanos entienden y los foráneos, por muy admiradores que seamos de la cultura norteamericana.

Supongo que en el conocimiento colectivo estadounidense todos saben que hubo una Cattle Queen of Montana como todos los estadounidenses que conoces y le dices que vas a Montaña siempre refieren que es un Estado que tiene más vacas que personas. Vale. Es cierto.

Desde luego, aquí no se sabe por mucho que uno haya estado hace unos tres años recorriendo parte del estado Big Sky.

La historia de esta mujer nos la fue narrada por el canadiense Allan Dwan, con el apoyo financiero de uno de los productores que apostaron por el cine independiente, Benedict Bogeaus, y en el que participan una de las grandes divas del cine de los 50 como Barbara Stanwyck, y especialmente, el que llegará con el tiempo a convertirse en el cuadragésimo Presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan.

La reina de Montana, vamos, la película que me ha traído hasta aquí ,  es un western, que si bien nos es reconocido como un clásico tiene todos los ingredientes para serlo. Contiene una historia entrecruzada que combina traición, amores, esperanza, decepciones, colonos, duelos fratricidas, lealtades, cuatreros, acción, violencia, nativos americanos - que como los blancos - los hay buenos y malos.

Su director fue Allan Dwan, unos de los pioneros del séptimo arte y que desarrollo su carrera en el cine como director, productor y guionista, a pesar de que estudió ingeniería en la Universidad de Notre Dame y luego trabajó para una empresa de iluminación en Chicago.

Desde muy joven mostró un enorme interés en la incipiente industria cinematográfica, y cuando Essanay Studios le ofreció la oportunidad de convertirse en guionista, aceptó el trabajo. El será uno de los que haga el traslado de la zona fundacional, el Este de los Estados Unidos, con epicentro en los estados de Nueva York y su vecina del sur, Nueva Jersey hacia el Oeste cuando algunos de los cineastas de la costa este comenzaron a pasar los inviernos en California, donde el clima les permitía continuar producciones que requerían un clima cálido.

Pronto, varias compañías de películas trabajaron allí durante todo el año, y en 1911, Dwan comenzó a trabajar a tiempo parcial en Hollywood. Mientras todavía estaba en Nueva York, en 1917 fue el presidente fundador de la Asociación de Directores de Cine.

Antes de la eclosión californiana , allá por 1914, Dwan ya dirige uno de los primeros estudios de cine de California , los Flying A Studios en La Mesa, California, desde agosto de 1911 hasta julio de 1912.

Después de hacer una serie de westerns y comedias, Dwan dirigió a su compatriota , la mítica Mary Pickford en varias películas muy exitosas, así como a su esposo, Douglas Fairbanks , especialmente en el aclamado Robin Hood de 1922 .

No será la única diva del cine , pues Dwan dirigió a Gloria Swanson en ocho largometrajes y un cortometraje realizado en el breve proceso de sonido en película Phonofilm .

Tras la llegada del sonoro, Dwan dirigió a la estrella infantil Shirley Temple en Heidi (1937) y Rebecca de Sunnybrook Farm (1938). Dwan ayudó a lanzar la carrera de otros dos exitosos directores de Hollywood, Victor Fleming , quien dirigió The Wizard of Oz y Gone With the Wind , y Marshall Neilan , quien se convirtió en actor, director, escritor y productor.

Durante una larga carrera de casi 50 años, Dwan dirigió 125 películas, muchas del periodo mudo se perdieron para siempre, pero tan prolífico fue que todavía se conserva unas cuantas algunas de las cuales fueron muy aclamadas, como el éxito de taquilla de 1949, Sands of Iwo Jima, que tuve la ocasión de ver con John Wayne, antes de iniciar este blog.

En el libro de Peter Bogdanovich el cineasta habla del otro cineasta destacando su actitud , naturalidad, su sentido práctico y alejamiento de la soberbia.

En los años cincuenta el western y el cine de aventuras polarizaron la actividad de Allan Dwan. Sus películas se basan en sencillos argumentos y muy previsibles, sin profundizar en exceso en los personajes.

Dirigió su última película en 1961 muriendo 20 años después , en 1981 en Los Ángeles a la edad de 96 años, y está enterrado en el Cementerio de la Misión de San Fernando , Mission Hills, California . 

Para esta película Dwan contó con el apoyo en la producción de Benedict Bogeaus, un productor de cine independiente y ex propietario de General Service Studios que llegó a declarar en alguna ocasión que "Todos los productores independientes quebran tarde o temprano. Es porque intentan hacer fotos artísticas. Yo hago buenas comerciales. Vale la pena".

Fundó la Benedict Bogeaus Productions en 1944, produciendo su primera película , El puente de San Luis Rey (1944), dirigida por Rowland V. Lee y estrenada a través de United Artists . Le siguió Aguas oscuras (1944), dirigida por Andre de Toth , y el Capitán Kidd (1945), dirigida por Lee con Charles Laughton y Randolph Scott .

También produjo The Diary of a Chambermaid (1946) junto con las estrellas Paulette Goddard y Burgess Meredith dirigida por Jean Renoir . Aunque estas películas fueron aclamadas por la crítica, no prendieron fuego a la taquilla.

Al darse cuenta de la atracción del público por las películas de bajo y mediano presupuesto con poder estelar, Bogeaus contrató a George Raft para algunas películas, comenzando con Mr. Ace (1946), dirigida por Edwin Marin , aunque no consiguió el éxito financiero esperado. Bogeaus hizo The Macomber Affair (1947) con Gregory Peck dirigida por Zoltan Korda .

La apuesta siguió con Nochebuena (1947), nuevamente con Raft y Scott, dirigida otra vez por Edwin Marin; On Our Merry Way (1948), con Paulette Goddard, James Stewart y Henry Fonda . Más tarde contó con Dorothy Lamour y George Montgomery en Lulu Belle (1948) y The Girl from Manhattan (1948).

A finales de los 40 apuesta por el cine negro con The Crooked Way (1949) y Johnny One-Eye (1950), ambos dirigidos por Robert Florey y a inicios de los 50 por la comedia y el estern. Muestra de ello son My Outlaw Brother (1951), un western con Mickey Rooney , y One Big Affair (1952), una comedia con Evelyn Keyes. Tras eso lo encontramos trabajando para la RKO dejando a un lado la United Artists.

Tras firmar un acuerdo con RKO para Count the Hours (1952) y Nombramiento en Honduras (1953) su nombre como productor en esta compañía se vincula con el de Dwan pues junto al canadiense hace Silver Lode (1954), Passion (1954), Escape to Burma (1955), Pearl of the South Pacific (1955), Tennessee's Partner (1955) y Ligeramente escarlata (1955).

En ese año de 1954 lo encontramos produciendo Cattle Queen of Montana que se estrena en 1955 años antes de que la RKO colapsara. Pero como su experiencia con Dwan le había satisfecho continua con el director canadiense realizando The River's Edge (1957) para la Fox y Enchanted Island (1958) para la Warner.

Las películas finales de Bogeaus incluyeron dos dirigidas por Byron Haskin en México: From the Earth to the Moon (1958) y Jet Over the Atlantic (1959). Esta última fue la primera producción de Inter-Continent Films y Inter-Continent Releasing, dos compañías formadas por Bogeaus y James R. Grainger. Anunciaron una serie de películas, incluyendo Jet Over the Atlantic , The Gold Bug , Shoot Out! , así como otras. Sin embargo, solo se hizo Jet . Su última producción fue Most Dangerous Man Alive dirigida por Dwan, que se filmó en 1958 en México pero no se lanzó hasta 1961. Dwan y Bogeaus cooperaron en tres proyectos sin filmar, una nueva versión de The Bridge at San Luis Rey , Will You Marry Me , escrita por Dwan, y The Glass Wall. Estaba claro que el binomio se sentía cómodo.

Como ya hemos dicho Cattle Queen of Montana es producto de ese binomio Dwan / Bogeaus para la productora RKO Radio Pictures. Para ello cuenta con el guión de Robert Blees, Howard Estabrook partiendo de una historia de Thomas W. Blackburn, escritor de Nuevo México, que vivió en Colorado, Wyoming , hasta que se instaló en California, guionista y letrista estadounidense. De su máquina de escribir salieron varias novelas del oeste , guiones de televisión, así como la letra de " The Ballad of Davy Crockett " en este caso para la serie de la Disney.

La película contó con la música de Louis Forbes, la fotografía de John Alton, rodado en Technicolor y el montaje de Carlo Lodato.

En cuanto al reparto aparecen integrado por Barbara Stanwyck como Sierra Nevada Jones, Ronald Reagan como Farrell, Gene Evans como Tom McCord, Lance Fuller como Colorados, Anthony Caruso como Natchakoa y Jack Elam como Yost. Junto a ellos aparecen Yvette Duguay como Starfire, Morris Ankrum como JI 'Pop' Jones, Chubby Johnson como Nat Collins, Myron Healey como Hank, Rodd Redwing como Powhani, Hugh Sanders como el Coronel Carrington, Byron Foulger como el Empleado de la Oficina de Tierras y Burt Mustin como Dan, así como Paul Birch. 

Con una presentación de la llegada de un enorme rebaño de miles de cabezas de ganado que han sido llevadas a lo largo de 3.000 kilómetros durante siete meses vemos el fin del desplazamiento tras llegar al área elegida por JI 'Pop' Jones (Morris Ankrum). Se ha desplazado desde Texas con el fin de registrar su propiedad junto a un río y a las verdes praderas cercanas para iniciar allí una nueva vida junto a su hija, la pelirroja y aguerrida , Sierra Nevada Jones (Barbara Stanwyck) ya que Pop Jones ha heredado ese terreno familiar en Montana.

Los Jones, con Sierra Nevada al frente llegan a Montana para tomar posesión de unas tierras que han pertenecido a su familia durante generaciones pero que es necesario registrar en un breve plazo. Nada más llegar Sierra Nevada decide bañarse en un estamque sin saber que es observada por dos individuos: un pistolero llamado Farrell (Ronald Reagan ) y un indio pies negros Natchakoa (Anthony Caruso ) .

Farrell se dirige a ella, descubriendo que es un pistolero contratado que le advierte sobre los indios peligrosos cercanos. Sierra Nevada responde con naturalidad y sin temor alguno.

Farrell , por su parte, se dirige a trabajar para Tom McCord, un rico ganadero de una zona en la que últimamente se vive con cierta inquietud pues hay indios que se están levantando contra los colonos blancos que se están asentando. Entre las cordilleras hay numerosos valles, ricos en recursos agrícolas y ríos, sin embargo, nunca es fácil empezar una nueva vida.

En esa primera noche el campamento es asaltado por una partida de indios de la tribu Blackfoot, encabezada por Natchakoa que además de provocar una estampida que está a punto de acabar con la misma Sierra Nevada que cae de un carro , así como alguno de los hombres que había llegado con los Jones, otros son atacados directamente por unos indios, que poco después descubrimos que son aliados con un poderoso hombre blanco Tom McCord (Gene Evans) que quiere apoderarse de las tierras y el ganado.

McCord está confabulado con los indios, en particular, con Natchakoa (Anthony Caruso ) quien ha dirigido el ataque. En ese ataque acaba siendo asesinado a Pop, el padre de la chica, quedando lastimados tanto Sierra como su vaquero y protector Nat Collins (Chubby Johnson ).

Poco después , y una vez que los hombre de Natchakoa han acabado con los heridos que encuentran, se persona McCord en el lugar robando un documento del cadáver de Pop que le otorga al poseedor los derechos a esas tierras.

A la mañana siguiente Sierra Nevada herida ayuda a Nat y descubre el cadáver de su padre casi en el mismo momento que Colorados, ( Gene Evans) , el hijo del jefe de la tribu educado en el Este por los blancos con motivos de un acuerdo con las autoridades federales, intenta proteger a la joven de su hermana, Natchakoa, un indio irreductible que sueña con el levantamiento de los Pies negros.

Al descubrir a Sierra Nevada Jones herida y a Nat se los lleva al pueblo y les proporcionan un tippi para que se recuperen de sus heridas.

En la primera reunión con su anciano padre éste observa las enormes diferencias entre los hermanos. Una sabe que la convivencia es necesaria para la supervivencia de la comunidad y de su cultura , mientras que él otro sólo piensa en las armas, en el whisky y en la violencia.

Sierra Nevada se recupera u quiere volver a recuperar su ganado y la titularidad de las tierras. Ha encontrado , en la zona en la que sufrieron el ataque, una identificación que vincula a McCord con lo ocurrido. Vemos que Farrell se muestra como un pistolero que trabaja para su jefe , pero que está atento a cualquier movimiento que tiene lugar en el rancho de McCord y en sus hombres, especialmente en el más bronco de ellos, Yost ( Jack Elam).

En la ciudad vuelve a encontrarse con la joven e intrépida heredera de un rancho en el territorio de Montana que quiere luchar con todas sus fuerzas para conservar la propiedad del lugar. Sierra , una vez curada por Colorados, le protege ante su hermano .

Cuando McCord descubre el interés de la chica por la propiedad , que incluso le hace ir a la Oficina de Tierras donde reclama ante algunos de sus empleados ( Byron Foulger) la irregularidad con la que McCord se hizo con ellas.

Aunque en el sitio el ganadero intenta amedrentarla ofrece una recompensa de $ 2,000 a Farrell si mata a Sierra, pero por suerta para ella cuando con Farrell , aunque desconoce que es un funcionario público, un policía, que trabaja para el Gobierno y que está colaborando con el Coronel Carrington ( Hugh Sanders) un averiguar quien le proporciona armas a los indios de Natchakoa, que , últimanete, atacan a los colonos en sus desplazamientos y en sus casas.

La tensión entre los hermanos blackfoot va a más cuando Colorados le ayuda a Sierra Nevada entregando parte del ganado que custodia Natchakoa producto del robo inicial a los Jones y que fue entregado por McCord . También le ayuda cediendo un tippi para ella y para Nat.

Precisamente Nat será asesinado por los hombres de Natchakoa. Sierra Nevada es más vista en la localidad porque piensan que vive amancebada con Colorados, algo que también piensa una chica de los blackfoot, Starfire ( Yvette Duguay) enamorada del jefe y que se siente ignorada.

Las exigencias de Natchakoa van a más pues exige más alcohol, dinamita y armas para acabar con los colonos salvo con su aliado McCord que aparece como el gran suministrador de armas de los indios rebeldes.

También vamos descubriendo que Farrell , en realidad es un agente de la Caballería de los Estados Unidos, investigando los robos de ganado y el asesinato de colonos y contrabando de armas. La muerte del líder de los blackfoot y padre de Colorados y Natchakoa, supone la subida al poder de Colorados, pero también la negativa de Natchakoa, que se enfrenta a duelo frente a su hermano.

El envite es ganado por Colorados que perdona la vida a su hermano pero lo expulsa de la tribu y el territorio. Pero Natchakoa persiste y se encuentra con una aliada sorprendente Starfire, que quiere acabar con Sierra Nevada, preparándola a ella y, más tarde a Farrell , una emboscada en la zona de los rápidos.

Allí Natchakoa, junto a los suyos, le ataca anque en el ataque Starfire pierde la vida. Sólo la intervención de Farrell y el apoyo de otro nativo, Powhani ( Rodd Redwing) supone salvarse.

Tras eso, Farrell y Sierra Nevada que han iniciado una relación se dirigen al punto de entrega de las armas que McCord tiene.

Con la ayuda de Sierra, dan con el lugar , entre ambos explotan el carromato de McCord lleno de municiones que se venden a los indios,acabando con McCord. Pero Natchakoa y los suyos persisten y únicamente la intervención de Colorados pone fin al levantamiento blackfoot cuando acaba con su hermano de un hachazo. Entre los tres han llevado la paz al territorio por fin acabando en ese momento.

La película fue rodada en el verano de 1954 en espacios naturales de Montana y en Estudios de Hollywood. Los exteriores en gran medida fueron rodados en el Parque Nacional de los Glacier National Park de Montana, así como Iverson Ranch en Chatsworth, Los Angeles, California. Mientras que también se rodó en los Columbia/Warner Bros. Ranch en la california Burbank.

La incombustible Barbara Stanwyck ("Juan Nadie", "Perdición") es la poco convencional protagonista de este western, puesto que en los años 50 no era nada frecuente encontrar películas del oeste en las que una mujer ocupara el papel principal. Este es uno de los cuatro westerns en los que Barbara Stanwyk estuvo involucrada y donde interpretó a una mujer fuerte que lideraba a hombres, vestida como un hombre. Los otros tres fueron Maverick Queen, The Furies y Forty Guns.

El papel de Farrell se le ofreció originalmente a Robert Mitchum, quien lo rechazó porque no le gustaba el guión. Luego se le ofreció a Ronald Reagan, quien lo aceptó. De Reagan recuerdo que Televisión Española en los años 80 presentó , al poco tiempo de llegar a la Presidencia de los Estados Unidos, un ciclo con algunas de las películas más significativos del que fuera actor.

Lo cierto es que ya en 1947 Reagan apuntaba alto. Ese año había sido elegido para el cargo de presidente del Screen Actors Guild (SAG) así lo será de 1947 a 1952 y en 1959. Reagan lideró SAG en años marcados por las disputas laborales, la Ley Taft-Hartley , la audiencias del Comité de la Cámara de Actividades No Americanas (HUAC) y la lista negra de Hollywood .

Reagan continuó involucrándose más en política promoviendo los valores de SAG y siendo el Presidente de SAG. Reagan continuó su carrera como actor, haciendo películas como The Voice of the Turtle , Bedtime for Bonzo , The Winning Team y Cattle Queen of Montana . Con ella Reagan iba poniendo fin a su carrera en ese año 1954 para la RKO, le siguieron otras en 1955 con Tennessee's Partner un western de 1955 dirigida nuevamente por Allan Dwan, le siguió Hellcats of the Navy en 1957, como Comandante Casey Abbott Co-protagonizada por Nancy Reagan ; Columbia Imágenes. Después en los sesenta participa poniendo la voz en The Young Doctors (1961) y posteriormente en otra, terminando su carrera con The Killers de Jack Browning para la Universal. Comenzaba luego se entrega a la carrera política, pero esa es otra historia.

El 14 de enero de 1989, Ronald Reagan y Nancy Reagan vieron la película en Camp David siendo la última película que Reagan vio antes del final de su Presidencia seis días después.

Originalmente se suponía que la película tenía un tema musical. El compositor Louis Forbes escribió una melodía y le pidió al conocido compositor de western Bob Nolan que contribuyera con la letra. La canción, "Montana", no se usó en la película, pero el antiguo grupo de Nolan, Los hijos de los pioneros, que en tantas ocasiones salían en las películas de John Ford la grabaron

Como curiosidad, el miedo a volar de las dos estrellas protagonistas, así como del director de fotografía, provocó que el desplazamiento desde Los Ángeles hasta Montana se hiciera en tren y no en avión, retrasando tres días el rodaje.

Lo mejor de la película, sin duda, son las localizaciones en las montañas y bosques de Montana, con una estupenda fotografía en color, aunque no la he visto en una versión restaurada con lo que los colores no eran especialmente nítidos. “La reina de Montana” es Dwan, es una entretenida película de las que solían proyectar en las salas de programa doble y de sesión continua.

Como ya he dicho algún detalle de esta historia aparece en Retorno al Futuro , pero incluso puede haber algunos detalles que producto de la intertextualidad pueden estar presentes en otras películas como la situación de Billy Costigan, el personaje que asume Leonardo DiCaprio en The Departed, la película de Martin Scorsese cuando un hombre de la mafia, aquí de McCord ha sido testigo de un tiroteo, que puede implicar al protagonista , aquí , Farrell, y que es llevado al racho de McCord quedando con sus compañeros con la opción de advertirles. Pero eso es otra historia, como la de Ronald Reagan.

Por cierto, y para terminar os confesaré algo. Para mi, la auténtica Reina de Montana, se llama Christine. Es abogada, amante de la naturaleza, apoyó activamente a Obama en las elecciones que lo llevaron a la Casa Blanca, considera que el oeste es sinónimo de libertad, amiga de sus amigos, acogera y desprendida , que me acogió  a mi familia en una casa del Condado de Missoula,  y que nos llevó a un Paw Wow  así como a una casa de madera perdida en el Shoshone National Forest , un espacio virginal en la que los encuentros con los grizzlies  y osos negros no eran extraños, pero como como dije cuando hablé aquí  de Reagan, esa es otra historia. Eso sí, esta entrada va por ella. Thanks for all!!!

Felices los tres , o los cuatro

Jules et Jim, plus Catherine et, quelque fois, Albert. L´adiction est claire: quatre. No y no pienso en Maluma, sino en la soberbía película francesa de 1962 dirigida por François Truffaut,un ejemplo más de ese movimiento cinematográfico denominado Nouvelle vague. 

La película, hoy todo un clásico, está basada en la novela homónima de Henri-Pierre Roché. La historia, se basaba en el relato 'del otro', el tercero en liza, Henri-Pierre quien fue uno de los dos amigos íntimos que se enamoran de la misma chica. Uno antes, el otro después, pero los dos con sentimientos honestos y tiernos. En vez de enfurecerse y de dirigirse al desastre, los tres amantes se acompañan, se quieren y se divierten. No hay transgresiones sexuales ni momentos dramáticos. Aparece la guerra que los separa (Jim y Catherine son franceses y Jim, austriaco ), pero su amistad es tan sólida que sobrevive a la distancia, a la edad. Hessel padre fue el primer traductor al alemán de 'En busca del tiempo perdido'. 

Con esa historia François Truffaut junto a Jean Gruault y lo narrado en Jules et Jim por de Henri-Pierre Roché proyectaron el guión de la película. Una historia así llegó a las manos de François Truffaut quien junto a Marcel Berbert deciden producir la película por medio de con el apoyo de la Productora Les Films du Carrosse y SEDIF y la distribución de Cinédis, Gala y Janus Films. 

La banda sonora contará con la música de Georges Delerue, que ya había compuesto la música para el largometraje anterior del director francés ; la fotografía en blanco y negro de Raoul Coutard, el montaje de Claudine Bouché y la narración de Michel Subor. El sonido fue responsabilidad de Florence Malraux. 

En cuanto al elenco la película cuenta con Jeanne Moreau como Catherine, Oskar Werner como Jules, Henri Serre como Jim. Junto a ellos aparecen Vanna Urbino como Gilberte, la prometida de Jim, Serge Rezvani acreditado bajo el nombre de Boris Bassiak como Albert, el amante de Catherine en algún momento. También aparecen Marie Dubois como Thérèse, la ex novia de Jules, Sabine Haudepin como Sabine, la hija de Jules y Catherine, Kate Noëlle como Birgitta, Anny Nelsen como Lucy, Christiane Wagner como Helga, Jean-Louis Richard como un cliente en café, Michel Varesano como otro cliente del café, Pierre Fabre como el borracho del café, Danielle Bassiak como compañera de Albert, Bernard Largemains como Merlin, Elen Bober como Mathilde, Dominique Lacarrière como una mujer y Michel Subor como el narrador (voz). 

La historia se desarrolla antes, durante y después de la I Guerra Mundial . En 1907, en el barrio parisino de Montparnasse , viven dos amigos. Desde que se conocieron, Jules (Oskar Werner) , un intelectual de origen austriaco instalado en París, y Jim (Henri Serre) , un escritor y periodista francés , se hacen amigos inseparables. La amistad en cierto sentido "espiritual", hecha de leer poesía y grandes discursos sobre arte, pero también "práctica", ya que las dos se intercambian voluntariamente las chicas que siempre consigue Jim. Jules ( Oskar Werner ) es un escritor tímido natural de Austria que forja una amistad con un francés mucho más extrovertido, Jim ( Henri Serre ). 

Los dos comparten un interés en el mundo de las artes y el estilo de vida bohemio . Son amigos de frecuentar cafés y tertulias en las que hablan de arte y poesía- Jim , además, tiene mucho éxito con las mujeres no así Jules, mucho más tímido. Jules, de cultura alemana, es el más inocente, entrañable e impresionable de los dos; Jim, francés, es más reflexivo, observador y prudente. Ambos se complementan a la perfección, soñando siempre con la mujer perfecta. 

De vez en cuando mantienen un relación con chicas, la de Jim, nunca es estable salvo cuando da con Gilberte (Vanna Urbino), mientras que Jules más tímido en alguna ocasión contacta con alguna chica como ocurre con Thérèse (Marie Dubois ) una chica a la que conoce en un bar , que es tremendamente voluble y entre sus virtudes está el saber echar humo como una locomotora y la belleza, pero nunca la fidelidad , pues abandona a sus amantes con velocidad de vértigo. 

Después de encontrarse con varias mujeres, y tras una presentación de diapositivas, en casa de un artista se fascinan con el busto de una diosa y su sonrisa serena y sus labios. Le preguntan al artista dónde está la escultura que deciden viajar a verla "in situ" la antigua estatua en una isla en el mar Adriático. 

Tras unas relaciones diversas Jules recibe a una amiga alemana que se hace acompañar de otros dos chicas, siendo una de ella la libre y caprichosa Catherine ( Jeanne Moreau ), un chica que les recuerda la hermosa serenidad de la estatua con la sonrisa clásica. Además de ser juguetona con los dos.

A ella le gusta , en ocasiones, vestirse de chico, competir con ellos en carrera o quemar cartas aunque esto casi le cuesta la vida al igual que cuando se tira al río de forma inesperada, salvándole de la muerte Jim quien se lanza a por ella. 

Los tres pasan el rato juntos, y ambos se enamoraron de la misma mujer . Jules, como tiene menos éxito con las chicas, le pide permiso a su amigo Jim para comenzar una relación con Catherine y , tras algún viaje a una casa de campo cercana a la costa, le propone su casamiento con ella. 

Catherine, aunque comienza una relación con Jules, ambos hombres se ven afectados por su presencia y su actitud hacia la vida. Jim continúa involucrado con Gilberte, generalmente viéndola separada del resto. Unos días antes de que se declare la guerra, Jules y Catherine se mudan a Austria para casarse. 

Pero la guerra estalla y ambos hombres son movilizados durante la guerra, en bandos opuestos; a pesar de que Jules, se siente francés de alma y espíritu ha de ir al frente aunque previamente se casa con Catherine. 

Ambos se escriben cartas durante el conflicto , aunque saben que nunca llegarán a su destinatario. En las mismas se refieren que cada uno teme a lo largo del conflicto la posibilidad de enfrentarse al otro o aprender que podría haber matado a su amigo. Después de la separación en tiempos de guerra y la victoria francesa en el conflicto, los tres amigos reanudan su amistad. Jim, que ahora trabaja en un periódico, decide visitar a la pareja en Alemania. 

Cuando se baja del tren, encuentra una situación bastante inesperada: su amigo Jules ha cambiado profundamente, ha abandonado la poesía, el arte e incluso la cama matrimonial, ya que él y Catherine duermen en habitaciones separadas. Tras reencontrase con ellos se queda una temporada con Jules y Catherine en su casa en la Selva Negra . Jules y Catherine para entonces tienen una hija pequeña, Sabine ( Sabine Haudepin ) .

Parecen revivir su felicidad de antaño, pero Jules le comenta , cuando tiene un rato de intimidad a Jim, las realidad de su matrimonio. Le dice que desde el principio entre ellos existe una auténtica tensión. Él le dice a Jim que Catherine lo atormenta y lo castiga a veces con numerosos infidelidades, y que una vez lo dejó a él y a Sabine durante seis meses. Jules le dice a Jim: «Daría cualquier cosa por no perder a Catherine. Y a usted le sucederá lo mismo». Entre sus amantes hay uno de ellos que es recurrente. 

Se trata de un amigo de ambos, músico, que vive en una casa de campo cercana. Su nombre es Albert (Serge Rezvani acreditado bajo el nombre de Boris Bassiak ). Le confiesa que, de cualquier manera, él no puede vivir sin ella y sin su hija. 

Una noche Catherine coquetea e intenta seducir a Jim, quien nunca la ha olvidado. Catherine es tan hermosa y alegre como siempre, y Jim ahora encuentra el coraje de declararle sus sentimientos. Jules, desesperado por que Catherine pueda dejarlo para siempre, da su bendición para que Jim, quien sigue manteniendo una relación con Gilberte, se case con Catherine para que pueda seguir visitándolos y verla. 

De cualquier manera, Jim retorna a París, no sin antes escuchar a Albert y Catherine cantar una inolvidable canción: Le Tourbillon de La Vie, uno de los momentos que vibran en la película. 

Una vez en París, Jim vuelve a encontrarse con Thérèsa en un café quien le cuenta sus peripecias vitales y sus encuentros con muchos otros hombres , al igual que con la bella y dulce Gilberte, que sigue enamorado de él. 

Tras un tiempo alejado, Jim decide volver. Durante un periodo, los tres adultos viven felices con Sabine en el mismo chalet en Austria, hasta que surgen tensiones entre Jim y Catherine a que ella quiere tener un hijo con él, pero ella se muestra incapaz para concebir ese hijo. Jim deja a Catherine y regresa a París. 

Después de varios intercambios de cartas entre Catherine y Jim, deciden reunirse cuando se entera de que está embarazada. La reunión tiene lugar después de que Jules escriba para decirle a Jim que Catherine sufrió un aborto espontáneo. 

Tras estar con ambos, deciden salir a dar un paseo y , finalmente, entrar en casa de Albert. Tras tener una conversación los cuatro, Albert les dice que tiene una cita. Después de esto parten Jules y Jim, pero Catherine decide quedarse pues la cita es con ella. Nada parece haber cambiado. 

Una vez pasado un tiempo, Jim se encuentra con Jules en París. Se entera de que Jules y Catherine han regresado a Francia. Catherine intenta recuperar a Jim, pero él la rechaza, diciendo que se va a casar con Gilberte. Furiosa, ella le apunta con un arma, pero él se la quita y huye. 

Más tarde se encuentra con Jules y Catherine en el cine Studio des Ursulines en el Barrio Latino de París. A la salida los tres se detienen en un café al aire libre. Catherine le pide a Jim que suba a su auto y le dice que tiene algo que decirle. Ella le pide a Jules que los mire y conduce el auto por un puente que se encuentra roto sobre el río; ella lanza el coche hacia el puente y el coche cae matándose a sí misma y a Jim. Jules se queda para recoger las cenizas de sus amigos. Tras depositar las cenizas Jules se marcha solo pensando en una Catherine, eternamente insatisfecha con la vida y el amor. 

Truffaut dejó escrito que, en 1955, cuando descubrió la novela de Henri-Pierre Roché entre los libros de ocasión de una librería, le llamó la atención el título, Jules et Jim , por la sonoridad de su título "J et J". Con él descubrió a un autor cuya primera novela la escribe con setenta y seis años. 

Truffaut quedó seducido por un triángulo amoroso en el que el lector se enamora de los tres personajes, y escribió unas elogiosas líneas sobre la novela, que había pasado desapercibida. Enseguida recibió una nota de agradecimiento del anciano autor, cuya amabilidad le animó a conocerlo y con el que tuvo contacto hasta su muerte. El joven crítico y el viejo autor novel se escribieron cartas.

El autor, para Truffaut un hombre interesado por todas las facetas del mundo artístico, aprobó el interés del joven director por adaptar su trabajo a otro medio como era el cine. Truffaut estaba entusiasmado con la idea de llevar a la pantalla su novela, algún día, y la idea entusiasmaba a su vez a Roché. 

Truffaut invitó a Roché a ver su primer cortometraje, Les Mistons (1958), y este acudió, con ochenta y ocho años, y tuvo un gran detalle: Truffaut le contó que estaba a punto de abordar su primer largometraje, que finalmente sería Los 400 golpes, porque le parecía una empresa más factible para debutar.

Roché le entendió perfectamente y le escribió esta conmovedora y bellísima nota que, confiesa Truffaut, “el egoísmo de mis veinticinco años no me dejó leer con la suficiente atención”. Decía así: “Me encantaría estar todavía aquí el día que usted acometa el rodaje de Jules et Jim. Deseo seguirle tan de cerca como me sea posible. Si encuentra alguna razón o algún pretexto para vernos, dígamelo”.

Truffaut adaptó y modificó algunos elementos de la novela en la película. Además de añadir la voz en off, para darle un tono literario, el personaje de Kathe se convierte en Catherine y ella pasa de la nacionalidad alemana en la novela a la nacionalidad francesa en la película. Igualmente , en la novela, Kathe tiene dos hijos, mientras que solo tiene una niña en la película. 

Tras los 400 golpes llegó Jules et Jim. " Jules y Jim es un himno a la vida y la muerte, una demostración de la alegría y la tristeza de la imposibilidad de cualquier combinación de amor fuera de la pareja", escribió Truffaut un año antes de la filmación. El escritor debería haber escrito los diálogos del guión, pero murió en abril de 1959 . Nueve años después, Truffaut adaptará otra novela de este viajero y amante del arte que era el escritor francés: Los dos ingleses .

La película se rodó del 10 de abril al 28 de junio de 1961 en París , en la Riviera francesa y en Alsacia . Entre los lugares de rodaje destacan el chalet, a orillas del Rin en Austria en la historia, donde Jim se une a Jules y Catherine, es de hecho la cabaña Sihlbach del Molkenrain. El cementerio militar que Jim visita antes de visitar a Jules y Catherine es el cementerio de Old-Armand (Hartmannswillerkopf), ubicado en Haut-Rhin .

Se rodó en la Pasarela Valmy, ubicada al final de la calle Valmy y que abarca las vías del tren en Charenton-le-Pont , y que sirvió de telón de fondo para la famosa escena de carreras entre los tres protagonistas. Desde entonces se ha reconstruido y ya no tiene la rejilla cerrada visible en la película. El molino en el que viven Catalina y Jules es el molino de Andé ubicado en el Eure. La escena del automóvil se rodó en el viejo puente de Limay en Mantes-la-Jolie (Yvelines) . La secuencia de la corta caminata hacia una presa y su lago en la niebla se convirtió en el lago Lauch. La secuencia de trincheras se rodó en las ruinas de las murallas y el castillo medieval de Beaumont-sur-Oise.

El argumento en sí está basado en hechos reales. El personaje de Catherine está inspirado en Helen Grunt, mujer alemana que al viajar a París conoció a Franz Hessel y a su amigo Henri-Pierre Roché, dos amigos vinculados con la literatura. Se casó con Franz mientras le era infiel con su amante Henri-Pierre Roché, autor del libro en el que se basa Truffaut. En la vida real, Franz y Helen no tuvieron una hija, sino un hijo, que resulta ser el diplomático Stéphane Hessel, autor del ensayo-exprés "¡Indignaos!" 

Años después del estreno Truffaut recibió una carta de la verdadera Kathe, ya anciana, agradeciéndole que le hiciera “revivir, cautivada por su poder mágico y el de Jeanne Moreau, lo que antaño experimenté ciegamente”. 

Recientemente, Marie-Françoise Peteuil ha publicado un libro titulado Helen Hessel: la mujer que amó a Jules y Jim, que relata la verdadera historia de este relato de amor, infidelidad, traición y libertad. 

Truffaut estrenó su película y ésta fue muy bien acogida, pero era aún muy joven y le atormentaba que un ser tan extraordinario como Roché, capaz de escribir ardientemente sobre una pasión cincuenta años después de los acontecimientos, siguiese siendo un desconocido. 

Durante mucho tiempo, Truffaut recuperó y publicó parte de sus diarios y le citó y recordó siempre que tuvo ocasión, además de adaptarle otra de sus novelas, Deux anglaises et le continent. 

Con el tiempo, Truffaut reconocería que Jules et Jim era su recuerdo más “luminoso”. Porque, confesaba con sinceridad, “al acabar una película siempre me doy cuenta de que es más triste de lo que quería. Siempre me pasa lo mismo”.

La película fue un éxito de público . Se proyectó por primera vez en público el 24 de enero de 1962 . Asistieron durante su etapa en cartel 1,595,379 espectadores sólo en Francia. 

La película consiguió diversos premios entre ellos los Premios BAFTA pues , al menos, fue nominada a Mejor Película y Actriz Extranjera (Moreau).

La película ganó el Gran Premio de 1962 de los premios del cine francés, el Étoile de Cristal, y Jeanne Moreau ganó el premio de ese año a la mejor actriz.

Tuvo el Premio de la puesta en escena en el festival de Mar del Plata y en otros latinoamericanos como el Premio a la dirección en el Festival de Acapulco, el Premio Cantaclaros en Caracas y Premio de la Crítica en el Festival de Cartagena.

Además fue Nastro d´Argento (Cinta de plata) otorgada por el sindicato nacional de periodistas cinematográficos italianos, aunque hay que decir que en Italia se arriesgó a no ser distribuido, salió solo gracias a los buenos oficios de Roberto Rossellini y Dino De Laurentiis ; y , por último, fue premiada como Mejor película europea en los Premios Bodil de Dinamarca.

La película ocupó el puesto 46 en "Las 100 mejores películas del cine mundial" de la revista Empire en 2010. La banda sonora de Georges Delerue fue nombrada como una de las "10 mejores bandas sonoras" por la revista Time en su lista "All Time 100 Movies" . 

Con ella Truffaut, realizaba una nueva incursión del cine en lo que se denomina Nouvelle Vague , rodando en gran medida al aire libre pero incorporando elementos externos al cine como las imágenes de noticieros sobre todo vinculados con la Gran Guerra, imágenes fotográficas, fotogramas congelados , tomas panorámicas ,  enmascaramiento , tomas de dolly y narraciones en off , en este caso narrados por Michel Subor.

Hay 40 fragmentos de duración variable entre 12 y 190 segundos distribuidos de manera diferente entre la primera y la segunda parte de la película: más cortos y numerosos en el primero, más dispersos y más largos en el segundo.  

El director de fotografía de Truffaut fue Raoul Coutard , colaborador frecuente de Jean-Luc Godard , quien empleó las últimas cámaras livianas para crear un estilo de película extremadamente fluido. Por ejemplo, algunas de las escenas de la posguerra fueron filmadas con cámaras montadas en bicicletas con las que los tres protagonistas más Albert recorren los caminos de la Selva negra por la que se mueven. 

La partitura musical es de Georges Delerue y una de sus canciones quedará como inolvidable en la historia del cine. Se trata de "Le Tourbillon" de Serge Rezvani , que resume la turbulencia de las vidas de los tres personajes principales, se convirtió en un éxito popular. Serge Rezvani había escrito esta canción unos años antes, con referencia a la pareja Jeanne Moreau y su compañero Jean-Louis Richard (quien en la película interpreta al cliente del café), y quién era también el mejor amigo de Serge en la vida real. 

El diálogo es predominantemente en francés, con líneas ocasionales en alemán y una línea en inglés. La película se basa en un trabajo del trío, pero si hay que destacar a alguien la que brilla con luz propia es Jeanne Moreau , que rie, llora, canta, se disfraza, corre, trasmite encanto y dolor. 

La crítica Ginette Vincindeau ha definido su trabajo como "hermosa, pero de una manera natural; sexy, pero intelectual al mismo tiempo, una especie de sexualidad cerebral: este era el sello distintivo de las mujeres de la nouvelle vague". Aunque no está en el título de la película, Catherine es "la ausencia estructurante. Reconcilia dos ideas de feminidad completamente opuestas". Para el crítico Dave Kehr del Chicago Reader estamos ante "Una obra maestra de la 'nueva ola'." 

Para Juan Marsé, Jules et Jim “es el recuerdo más luminoso de Truffaut” siendo François Truffaut un "hombre para compartir mesa y charla” 

Luis Alemany y Luis Martínez en El Mundo entienden que " Truffaut, por un lado muy libre y ligera, por el otro, muy formal y clásica (al menos, en comparación con el de su amigo/enemigo Jean-Luc Godard) y con esa voz en off y ese nosequé de película novelesca francesa de toda la vida." Y continúan diciendo "Casi todo en 'Jules et Jim' descansa en el encanto de los contrastes. El contraste entre ese amor tan contracultural y ese atrezzo belle èpoque. El contraste entre la frescura de la relación entre Jules, Jim y Catherine (los nombres de los personajes en la novela y en la película) y la prosodia de un relato contado un poco a la antigua, casi con naturalismo. El contraste, también, entre el esfuerzo por ser alegórico (de nuevo, volvemos a la escena del puente, cuando Catherine y sus chicos intercambian sus papeles) y la sencillez con la que ocurren sus cosas. Y acaban diciendo " Jules et Jim' ha quedado como el gran icono en la obra de Truffaut, su equivalente de 'Al final de la escapada'. Su complemento, lírico, sentimental y en el fondo, optimista. Truffaut dejó caer en alguna película que sabía que 'Jules et Jim' no era su mejor película, pero... Pero estaba Jeanne Moreau, claro. Moreau es tan inolvidable o más que Jean Seberg en la película del cineasta suizo. Puede que para disfrutar en plenitud de 'Jules et Jim' haya que tener 20 años; para enamorarse de Jeanne Moreau, no." 

Un aspecto interesante en la película está en los cuadros de Picasso que aparecen de fondo. François Truffaut colocó en la película trece reproducciones de pinturas de Pablo Picasso ( El abrazo en el ático , Familia acróbatas con mono , Niña con mandolina , Estudio para los caminantes - niña con perro , En el ágil conejo , Mujer desnudo sentado , árboles frutales, vasos, botellas, fruta , el italiano , las dos terrazas de café , Pierrot , el arlequín sentado , los amantes , madre e hijo). Según Martin Lefèbvre, las pinturas de Picasso son marcadores temporales en una película cuya acción tiene lugar durante más de 20 años sin que los personajes lleven signos de envejecimiento e índices que reflejen el estado del arte. espíritu o las transformaciones de los personajes en primer plano.

Hay además ciertas influencias de directores norteamericanos. El mismo Truffaut habló de la influencia de una película, Sérénade avec trois, cuyo título original era Desing for living , una comedia de Ernst Lubitsch algo que señaló el productor y director francés Claude Berri en alguna ocasión. Pero donde Lubitsch ve en la historia del trío una comedia, Truffaut entiende que la historia del trío es un drama.

Desde luego estamos ante una obra muy representativa del cine francés de los sesenta, un canto al amor y la pasión con una peculiar mujer de la cual ambos, Jules et Jim, un Quijote y un Sancho Panza, como se definen en un par de momentos de la película, se enamoran. Es mucho más que una canción de Maluma.

Night & Day at Stockholm

El madrileño Rodrigo Sorogoyen en una estrella emergente del cine español. Espero que no sea una estrella fugaz, pues su cine parece asentarse cada día un poquito más. En este momento y dentro de la fugacidad que, a veces, conlleva el éxito, estoy pensando en ese otro director que comenzó fulgurante con tres películas en el pasado siglo, pero que hoy , sin deambular, puesto que no es eso, no vive los mejores momentos y eso que considero que es un gran cineasta, pero del que yo esperaba más. 

Sin embargo, desde ese ladrillo que fue Mar adentro , con una historia tremenda como la de José Luis Sampedro, para conmover, pero que me aburrió "ad limitem", por mucho que fuese muy ilustrativo , más didáctico, lo cierto es que sus trabajos, sin estar mal no me convencen tanto.  

Espero que eso no le pase a Sorogoyen pues el valor de sus trabajos , según la crítica y los premios, va "in crescendo". Licenciado en Historia tuvo a su favor el estar enraizado en el mundo del cine, al fin y al cabo, fue nieto del crítico y director, Antonio del Amo. 

Sorogoyen en 2001, estudió Guion Cinematográfico en la Escuela de Cine Septima Ars de Madrid. En 2004, se matriculó en la Escuela de Cinematografía de la Comunidad de Madrid (ECAM) y comenzó sus primeros trabajos como guionista. En 2008 codirigió la película 8 citas, en colaboración con Peris Romano, una película integrada por ocho historias que contó con un buen número de actores conocidos y sobre todo tuvo buena crítica tras su presentación en el Festival de Cine de Málaga.

Con Málaga mantendrá el idilio cuando en 2013 presente Stockholm realizada por la productora que había creado en 2010, junto a tres compañeros de la ECAM, fundó la productora Caballo Films.  

En esta su película para el año 2013 apostaba por una historia de amor basada en un guion de Isabel Peña y el mismo . Como su productora estaba en mantilla El Caballo tuvo que contar para financiarse con aportaciones adicionales procedentes de un crowdfunding o micromecenazgo para alcanzar el presupuesto esperado: 60.000 euros.

Ya con ese dinero y el apoyo de otros dos productoras - Tourmalet Films y Morituri- Rodrigo Sorogoyen como director y guionista , en este caso junto a Isabel Peña, se rodeó de Alex de Pablo en la fotografía , Alberto del Campo en la edición y con Juan Divassón y Lorena Puerto en el Departamento de Arte y vestuario, respectivamente.

Cuenta la película con un equipo de actores básico integrado por Javier Pereira (presentado como él o Bartolo, como dice en un momento de la película) y Aura Garrido (como ella) junto a Jesús Caba, Lorena Mateo, Susana Abaitua, Miriam Marco, Daniel Jiménez, estos últimos en papeles residuales. 

La película comienza cuando dos chicos están hablando de sus planes inmediatos. Uno dice que su intención es ir a Stockholm , mientras el otro , un chico con bastante éxito con las chicas, está oteando el ambiente para ver si liga algo.

Al moverse por la sala descubre a una chica que está en la fiesta viendo a un grupo que toca en directo. Se dirige a ella cuando se encuentra con un grupo de amigos/as, pero ella le ignora.

A la salida de la fiesta , él vuelve a la carga y le propone a ella y a sus amigas ir a tomar unas cervezas a su casa. Pero ella rechaza la invitación y dice que está cansada y quiere ir a casa. Ella camina para regresar a su casa ( después nos enteramos que vive con su madre en un barrio alejado del centro) , pero cuando se desplaza siente como el chico la sigue y comienza a decirle que se ha enamorado casi a primera vista de ella aunque ella no se muestra nada receptiva.

Ella rechaza una y otra vez el que la acompañe, pero tras dejarla. Vuelve por otra calle corriendo y ella comienza a sonreír ante su insistencia.

Tras eso entra en una tienda a comprar agua y algo de comer. La tensión en ellos ha desaparecido , pero el encuentro de él con otro chico parece importunarle a él. Tras pagar salen y ella quiere saber lo que le pasa. El se muestra poco claro, pero persiste en la idea de su enamoramiento e intenta que ella se ría .

El chico no para de hablar y aproximarse el uno a la otra llegando sin que ella lo sepa a la puerta de la casa de él. Allí , en el portal y luego, en la entrada al bloque vuelve a bromear diciéndole que tiene un nombre horrible y que sólo se dirá si ella no se ríe. Tras evitarlo le dice que se llama Bartolo y ella cae en la trampa.

Luego hacen una apuesta y el se desnuda completamente y sale a la calle, encontrándose con una pareja, que le dicen a ella que no sea tonta , que se quede con él si ha realizado esa prueba de amor. Tras tener sus dudas, tras abrazos y algún que otro beso ella accede.

Al subir ella le pregunta si puede fumar , y él afirma que , por supuesto, que no le molesta. Tras eso se preparan un cubata.

También suben a la terraza desde donde se contempla una imagen de la noche que languidece y que avisa de un nuevo día. Hablan , como llevan haciendo toda la noche. Ella tiene dudas sobre lo que él cuenta. Piensa que es un mentiroso, que tiene novia y que lo único que quiere es ligarsela. Pero la charla , la relajación, el aparente encanto del enamoramiento , la escasa claridad de la noche concluya en la cama. Lo que queda de la noche, la pasan juntos.

Sin embargo, al levantarse ella percibe que él se ha levantado. Ella trastea por la habitación descubriendo pequeños detalles de su vida íntima. También llama a su madre para decirle que ha pasado la noche en casa de una amiga. La madre le pide que se tome las pastillas.

Cuando se lo encuentra él está vestido y le pregunta si quiere un café. Sin embargo, ella detecta en él impaciencia y cierto deseo de ignorarla. Ella entiende que ahora su presencia le molesta, todo lo contrario al deseo irrefrenable de la noche anterior.

Con el día, ella ve su verdadera intención, lo único que quería era lo único: tirársela. Ella, cuando él, le dice que tiene que salir pues tiene que hacer unos recados; instándole primero a que se duche y luego a cerrar la puerta cuando se vaya; pero cuando ella le dice que lo va a esperar, él cambia de tono y manifiesta una gran aspereza llegando a ser sumamente desagradable, maleducado, borde , verbalmente violento y físicamente casi violento - cuando le da un manotazo al cigarro que ella está dispuesto a encender- .

Nada tiene que ver con la noche. Es eso, la noche y el día de una relación fugaz. La violenta reacción de él y la serenidad de ella, le permiten a él descubrirse como un aprovechado y , como ella temía, como un mentiroso, un mierda.

El comienza a asumirlo, y a reconocer que lo que anoche decía tenía su parte de verdad, pero que el compromiso ni con la verdad ni con ella , puede ser en ese momento. Tras un rato de conversación más sosegada y clara suben a la azotea. Ella parece calmada y tranquila, aunque muy decepcionada por haberse dejado engañar; él, dándole la razón casi en todo, le dice que espere un momento que se preparará un café.

Antes de irse ella ha hecho algo que hizo él en la azotea en la noche, sentarse en el borde la misma. Eso en ese momento le asustó a ella. Es ahora ella la que está allí sentada. Cuando él baja, ella provecha para tirarse.

Cuando él regresa con su café la busca por la terraza sin encontrarla. Cuando se asoma por la misma, se intuye que ve su cuerpo en la acera. Él corre ... y la película acaba. De esta manera la mañana se torna en noche.

La película fue rodada en trece días en un reconocible Madrid, en los barrios céntricos de la capital. Sorogoyen tuvo en Borja Soler a su compañero en la dirección. De cualquier manera y para concluir con el director señalar que en 2016 estrenó Que Dios nos perdone , con guion del mismo tándem - Isabel Peña y Sorogoyen- volviendo a contar con Javier Pereira así como con Antonio de la Torre y Roberto Álamo.

Dos años después estrenó El Reino que será multipremiado en enero de 2019 con la ceremonia de los Goyas. Una película sobre la corrupción en España y que fue tanto en los Goya con el premio a la mejor dirección y al mejor guion original -compartido con Isabel Peña- y en los premios Feroz 2019 donde ganó cinco de las 10 estatuillas a las que optaba: mejor película dramática, mejor director, mejor actor protagonista (Antonio de la Torre), mejor actor de reparto (Luis Zahera) y mejor guion con Isabel Peña.​

Este año su apuesta fue un corto titulado La madre que fue nominado al Mejor cortometraje de ficción en los Óscar de Hollywood.

La cinta, protagonizada por Aura Garrido y Javier Pereira, que él se estrenaba en el cine , ya que si bien él tenía cierta trayectoria en series de televisión ; mientras que ella apenas llevaba un año trabajando estrenándose su actuación en El Cuerpo el año anterior ( 2012) .

La película fue galardonada con tres Biznagas de Plata en el Festival de Cine de Málaga : al mejor director, mejor actriz (Aura Garrido) y mejor guion. Además obtuvo una mención especial, el premio Signis a la mejor película y el premio del Jurado Joven también a la mejor película. Sorogoyen obtuvo el galardón al mejor director y el premio al mejor guión novel, junto a su coguionista Isabel Peña. Uno de sus protagonistas, Javier Pereira, recibió el Goya al mejor actor revelación de tres nominaciones que incluían a la mejor actriz y mejor dirección novel.

En los Premios Feroz obtuvo el premio a la mejor película dramática de sus 4 nominaciones incluyendo mejor actriz (Garrido), Mejor guion (Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña) y Mejor cartel. 

En los Premios Forqué Aura Garrido estuvo nominada a Mejor actriz como también lo fue a los Fotogramas de Plata.

Ganó diversas medallas y algunas nominaciones en las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos ganado las medallas a la Mejor actriz (Aura Garrido) , Mejor actor revelación (Javier Pereira), Mejor director revelación (Rodrigo Sorogoyen) y nominaciones a la Mejor película , Mejor fotografía (Alex de Pablo), Mejor montaje (Alberto del Campo) y Mejor guion original (Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña).

La película concurrió en el Festival Internacional de Cine de Miami en la categoría de mejor dirección novel de película iberoamericana,​ al Chicago International Film Festival donde fue nominada por el público a película preferida y en el Festival de Málaga donde se llevó .

La película se estrenó en España el 8 de noviembre de 2013 , aunque no tuvo un largo recorrido alcanzando en recaudación únicamente € 50 000

En cuanto las críticas señalar que Luis Martínez en El Mundo dijo de ella que "La primera mitad avanza lastrada por un guión demasiado consciente, artificial tal vez... Hasta que, para sorpresa del espectador, el ambiente se va cargando y adquiere la auténtica densidad de las cosas densas."

Jordi Costa en El País opinaba que "Su aparente modestia no compromete ni condiciona en absoluto su potencial para seducir a un público amplio"

Por su parte, Oti Rodríguez Marchante en las páginas de ABC afirma que "Con notable acierto en el reparto de la escasez, «Stockholm» presenta con naturalidad la batalla y el paisaje después de la batalla, y habla con desparpajo de la juventud (...)"

Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia afirma que la película es "Minimalista, cálida y con gran duelo entre Pereira y Garrido (...) "

Andrea G. Bermejo en Cinemanía escribe que "Hacia la mitad (...) Stockholm se rompe y se rompe bien, con elegancia, con la sutileza del cine bien rodado."

M. Torreiro en Fotogramas señala que "Es lo que siempre querríamos ver en una pantalla: un guión astutamente construido, en el que la atención no decae nunca; unos personajes construidos con primor (...) "

En un país en el que se verbaliza tanto como en Argentina Pablo O. Scholz en Clarín afirma que es "Demasiado tarde, tal vez, ( cuando ) pasan algunas cosas en 'Stockholm'. El interés va de un personaje al otro, y sin la sintonía y lo disonante que resultan los seres interpretados por Javier Pereira y Aura Garrido (...) otro sería el resultado."

Por último, Carlos Bonfil, no le gusta nada y afirma en La Jornada que "Una verborrea sin lustre que en mucho confía, diría Tennessee Williams, en la generosidad de los extraños."

Indudablemente Rodrigo Ruy Sorogoyen puede ser hoy uno de los grandes directores y en su debut, con esta película, demostraba lo mucho que manejaba a nivel de guión y a nivel de dirección. Pues llevar una historia de amor y desamor  basada en un dialogo vivo entre dos personajes es una apuseta tan arriesgada como magníficamente retratada.

Gran parte de mantener viva la historia está en el trabajo brillante, glorioso, de sus dos protagonistas , Javier Pereira capaz de encantarte como odiarle en un plazo de noventa minutos, pero especialmente, el encanto doloroso que trasmite Aura Garrido que descubrí como funcionaria del Ministerio del Tiempo. Lo que podría ser una historia rolliza y plomiza es una bonita y encantadora historia que acaba de forma dramática en ese paso de la noche al día.  Una historia realista, que creo que hemos vivido en algún momento, al menos, momentos de la misma. Me ha gustado...y mucho.