domingo, 29 de septiembre de 2013

Un motel famoso, con historias


Esta semana he comenzado a ver la serie norteamericana que lleva por título Bates Motel. Se trata de 10 capítulos de 48 minutos cada sobre una precuela anterior a lo narrado por Sir Alfred Hitchcock en Psicosis. 
La serie tiene el encanto de conocer la juventud de Norman Bates y el papel todopoderoso de su madre. Desde el principio con ya una muerte en el primer minuto de la serie ésta te engancha. 
La serie ha contado con el trabajo en equipo de Carlton Cuse , Kerry Ehrin y Anthony Cipriano y ha sido producida directamente para la televisión por Universal Television con la participación igualmente de American Genre, Carlton Cuse Productions, Kenny Ehrin Productions para – entiendo que para una televisión por cable o un canal para mí desconocido- A & E . 
La dirección ha estado en manos del creador Anthony Cipriano y de Tucker Gates. En el guión han intervenido básicamente Anthony Cipriano y Kerry Ehrin Como Productores ejecutivos están Marcos Wolper Roy Lee John Middleton, Jr., Kerry Ehrin,  Carlton Cuse, mientras que en la producción también intervino Justis Greene. En el apartado técnico las labores estuvieron en manos de Christopher Nelson ( el montaje), la música de Chris Bacon y la fotografía se le encargó a Thomas Yatsko y John S. Bartley. 
Lo curioso es que estamos ante una "precuela contemporánea" , al igual que ha ocurrido con la serie Hannibal- a la película Psicosis Psycho del año 1960, que a su vez se inspiraba en la novela homónima de Robert Bloch. 
La historia se centra en la vida de Norman Bates y de su madre omnipotente madre Norma antes de los eventos retratados en la película de Hitchcock, aunque de una ciudad ficticia diferente - estamos ahora en White Pine Bay, Oregon , en lugar de la californiana Fairvale que vemos en la película. 

La serie presenta un ambiente moderno y Norman y su madre, por ejemplo son portadores, por ejemplo, de móviles de generación androide. De hecho de vez en cuando reciben Whatsapps. 
La serie comienza después de la muerte del marido de Norma, tras ello y con el dinero del seguro compra un motel ubicado en una ciudad costera de Oregón para que ella y Norman puedan comenzar una nueva vida. Aunque se rodó en escenarios naturales de Canadá, en concreto en Aldergrove, Columbia Británica. Una réplica del motel original de la película se ha construido en el lugar en esta ciudad de Aldergrove, en la calle 272. El original se encuentra en la Universal Studios de Hollywood, en Los Ángeles. 
La serie cuenta con la participación de Vera Farmiga como Norma Bates, Freddie Highmore como Norman Bates en los principales papeles. Estos son acompañados por Max Thieriot como Dylan Massett, el medio hermano de Norman, Olivia Cooke como Emma Decody, Nicola Peltz como Bradley Martin, Nestor Carbonell como el Sheriff de White Pine Bay Alex Romero, Mike Vogel como el ayudante del sheriff Zack Shelby, Keegan Connor Tracy como Miss Watson, profesora de la escuela de Norman, Ian Hart como Will Decody, Jere Burns como Jake Abernathy, W. Earl Brown como Keith Summers, ex propietario del motel, Jillian Fargey como Maggie Summers, Ian Tracey como Remo, Keven Santos como Bryan, Terry Chen como Ethan, Hiro Kanagawa como Dr. Kurata, Richard Harmon como Richard Sylmore, Brittney Wilson como Lissa, Keenan Tracey como Gunner y Diana como Jiao. 

Carlton Cuse, uno de los creadores y productores, comentaba que en parte hay cierta analogía con la primera renovadora serie Twin Peaks que sirvió de inspiración clave para Bates Motel , afirmando: "Estamos más o menos una variante de Twin Peaks . Esta película tiene la intención de ofrecer a los espectadores una comprensión íntima de la mente herida de Norman Bates y como se desarrolló desde su infancia hasta su adolescencia. Los aficionados tendrán acceso a la oscuridad, al trasfondo complejo y conocer de primera mano cómo su madre, Norma, y su amante dañaron a Norman, ayudando a forjar el propietario del motel más famoso de la historia y uno de los más importantes asesinos en serie. 
La serie se estrenó en los Estados Unidos el 18 de marzo de 2013, y la A & E optó por saltarse un piloto de la serie, la opción de ir directamente- de la serie, ordenando a 10 episodios de la primera temporada. El 8 de abril de 2013, A & E renovó Bates Motel para una segunda temporada, después de las críticas favorables. Se emitirá en 2014 y el rodaje ha tenido que comenzar este recién terminado verano de 2013. 
El primer capítulo es "First You Dream, Then You Die", o sea, "Primero sueñas, entonces mueres". El director de este primer episodio es Tucker Gates, aunque la historia es de Carlton Cuse y Kerry Ehrin y Anthony Cipriano. 

Comienza con la repentina muerte del marido de Norma y padre de Norman en extrañas circunstancias. Ya viuda, Norma Bates y su hijo de 17 años Norman se trasladan de Arizona a White Pine Bay, en el estado de Oregon, donde compran un motel en una subasta. Dicho hotel están en unas condiciones deterioradas. 

Norma tiene la intención de reabrir el motel en un intento de iniciar una nueva vida para Norman y ella misma. Momentos después de la llegada nos enteramos que Norma tiene otro hijo y que , ni tan siquiera le ha informado de que han salido de Arizona. El hijo le pide dinero. 
Norman, por su parte, se integra perfectamente en el instituto tanto por parte de sus compañeras, como por alguna profesora. Un día se persona en el motel su antiguo dueño, Keith Summers, que tras irrumpir en la casa amenaza a la mujer y a su hijo. 
Norma es muy estricta con Norman y , a pesar de que le invitan a estudiar a la biblioteca, realmente es a una fiesta, aunque él no lo sabe, su madre se lo prohibe. De cualquier manera el va. En la noche Keith Summers se persona en la casa y Norma llama a su hijo pensando que está. Sin embargo, Keith agrede y finalmente viola a Norma. Cuando está consumando la misma, Norman se presenta y lo golpea. Aprovechando las esposas que el violador le puso a Norma, lo atan de manos. Pero Norman sale de la habitación y Keith agrede nuevamente verbalmente a Norma que en un arrebato lo asesina. 
Madre e hijo lanzan envuelven el cuerpo en una alfombra y lo llevan a una habitación. Lo meten en la bañera, aunque en ese momento se persona el sheriff Romero y su ayudante que se sorprende de que el motel esté abierto y estén quitando la moqueta a las dos de la madrugada. Romero pregunta por Keith, ya que es su amigo y no aparece. Tras la visita policial madre e hijo abandonan el cuerpo de Keith en la bahía cercana al puerto. 
Mientras han quitado la moqueta Norman se encuentra un cuaderno lleno de dibujos que muestran las mujeres desnudas y en las últimas páginas éstas aparecen torturadas. Del mismo modo, una mujer se ve drogada y encadenado en algún lugar desconocido. Fin del primer episodio. 

El segundo episodio es "Nice Town You Picked, Norma..." "Bonita ciudad elegiste, Norma”. Este título es parte de la conversación con la que se inicia este segundo episodio. Los protagonistas de la misma son Norma y su hijo Dylan, que , de repente, aparece, muy a pesar de la madre. 
Este segundo episodio fue realizado por Tucker Gates siguiendo el guión de Kerry Ehrin. En el mismo la tensión surge cuando Dylan, el hijo de Norma de una relación anterior, llega a White Pine Bay. Norman es testigo , junto a sus amigas, de un accidente de coche protagonizado por el padre de su amiga Bradley. Cuando lo auxilian ven que su cuerpo está carbonizado y casi sin vida. 
En la escuela, Norman conoce a una chica, Emma, con la que se asocia para un proyecto de Inglés. Emma y Norman empiezan a trabar amistad y el chico le comenta el misterio del cuaderno de dibujo. Emma progresivamente se siente más atraída por Norman, al que al final besa. 
Después Dylan hace comentarios despectivos sobre su madre, con lo que se pelea con Norman. Mientras tanto el coche de Keith es localizado cerca del motel por lo que Romero aumenta en sus sospechas. El policía adjunto al sheriff, Shelby, tras flirtar con la madre de Norma,  le sugiere a ésta que la riqueza de la ciudad se gana a través de medios ilegales. Y hay imágenes que lo corroboran. Norma, por ejemplo, ve un cuerpo colgado boca abajo, en el fuego, en el centro de la ciudad y del que son testigos los habitantes del pueblo, lo que demuestra la "justicia" a menudo se resuelve extrajudicialmente. 
Dylan persuade Norma para quedarse con la amenaza de hablar de su difunto marido, Sam. Por su parte, Emma y Norman, intrigados por lo que aparece en el cuaderno se dirigen aun punto de la montaña. Intentan localizar una caseta, pero allí se tropiezan con un gran campo de marihuana. Dos tipos armados le siguen aunque escapan. 

"What's Wrong With Norman" "¿Qué hay de malo en Norman?". Ese es el nombre del tercer capítulo dirigido por Paul Edwards basándose en el guión de Jeff Wadlow. 
El episodio empieza cuando Dylan consigue un nuevo trabajo, que resulta ser la vigilancia del campo de marihuana. Por su parte, Norman confiesa a Norma dos cosas: primera, que guardó el cinturón de herramientas de Summers en la casa y, segunda, que encontró la agenda con los dibujos debajo de la moqueta. Esto tensiona a Norman con su madre y a ésta con Dylan. 
Igualmente entre ambos hermanos comienzan una fricción que acaba en pelea. Norma sospecha que durante la visita de los policias el cinturón ha sido encontrado por Romero o Shelby. Se dirige a casa del adjunto Shelby con el que ya tiene una historia. Éste revela que recuperó el cinturón de Summers sin el conocimiento del sheriff porque quería proteger a Norma, con lo que acaban enrollándose. 
Durante la noche, y ante el temor por su madre y tras acusarla ella de haber puesto en peligro todo, Morman marcha a casa de Shelby para intentar recuperar su cinturón. Cuando está en el cuarto le ataca un perro. Más tarde, baja al sótano y descubre a una de las mujeres que aparecen en el cuaderno de bocetos. La chica se despierta y le pide ayuda, pero Norman se asusta. En eso llega Shelby. 

El cuarto capítulo es “Trust Me" o “Confía en mí” dirigido por Johan Renck con el guión de Kerry Ehrin.
Shelby llega a casa y se extraña por encontrar a su perro en la habitación, pero cuando se dispone a bajar al sótano. Alguien llama a la puerta. Se trata de Dylan, que mientras iba para casa se había cruzado con Norman y había decidido seguirle hasta que observó como entraba en la casa. Con una conversación sin sentido en la que Dylan le pregunta por una gasolinera a Shelby, Dylan consigue distraerlo y permite así que Norman tenga tiempo de escapar. 
A la mañana siguiente y tras contar lo pasado, Norma dice a Norman que se imagina cosas que no suceden. Norman le dice a Dylan todo, y Dylan se compromete a ayudar. A pesar de que Norma no cree que Shelby sería capaz de encarcelar a una persona en su sótano lo comprueba la noche siguiente, al bajar y ver que allí no hay nadie. Mientras Shelby recibe una llamada de su jefe. Un barco ha capturado entre otras cosas una mano que porta el reloj de Keith Summers. 
Tras una conversación entre Dylan y Norman en la que confiesan todo lo ocurrido y luego de recibir un mensaje de Bradley, Dylan le dice que haga cosas de su edad a Norman y éste marcha a casa de Bradley que terminan “durmiendo” juntos. 
Cuando Norma se entera de esto, ella molesta con Norman , pero sobre todo con Dylan al que se enfrenta, declarando que él sabe lo que ha hecho, lo que le da derecho a Norman a quedarse con él en un futuro pues debe romper el cordón umbilical. Mientras la noche transcurre llaman a la puerta, Norma corre a abrir pensando que es Norman, sin embargo, es la policía. El sheriff Romero y Shelby , entre otros, le presentan una orden de detención y arresto por el asesinato de Summers. 

El quinto episodio es "Ocean View" o “Con vistas al Océano” viene a ser parte de la conservación que Dylan tiene con Norman. Este capítulo está dirigido por el director es David Straiton con el guión de Jeff Wadlow. Se inicia el episodio con el regreso de Norman a casa. Norman encuentra a Dylan desayunando y al poco le comenta la detención de su madre. Los hermanos van de visita con el intento de sacar a su madre de la cárcel; Dylan le propone a Norman que se vaya a vivir con él a una casa con vistas al océano.
Mientras Norman busca las escriuturas de la casa con el fin de que le sirvan como ával para conseguir dinero y pagar la fianza para la madre. Tras salir de la cárcel Norma se entrevista en la oscuridad con Shelby. Por su parte, Shelby se deshace de las pruebas de cargo contra Norma, alegando que la ama. Dylan pide prestado 5.000 dólares a Ethan, el socio de su nuevo trabajo. Mientras le hace entrega del préstamo un drogadicto dispara a Ethan. Gravemente herido Dylan le lleva a las Urgencias hospitalarias. 
Por su parte, Emma y Norman se ven y , además de llevar a su amigo al avalista en su Volkswagen rojo, se preocupa por éste tras comentarle la historia de la chica en el sótano y en casa del policía. Ella, que sigue enamorada de Norman, busca por Internet y tiene una premonición. Cuando se reencuentra con Norman le propone ir al barco abandonado Summers. Durante su búsqueda encuentran a la chica. 
Por su parte, Dylan ve el hombre que le disparó a Ethan y lo atropella. 
Mientras Norman y Emma llevan a Jiao al Bates Motel. Cuando la atienden aparece Norma que se extraña de las dos chicas en la habitación y Norman le explica que Jiao es la chica del sótano de Shelby, Norma lo duda pero le muestra una foto de Shelby y Jiao afirma que es él, la persona que la ha tenido secuestrada. Llegando así al final del episodio y al ecuador de la serie. 

Sobre la crítica indicar que ha habido algunas especialmente elogiosas sobre la series. De entre ellas en esta entrada destaco las siguientes. Por ejemplo, Hank Stuever en The Washington Post señala que Bates Motel "resulta ser una digna reinvención de la historia de Norman Bates". En esta línea, Matt Roush en TV Guide afirma que Bates Motel es "Curiosamente convincente". En la revista Time James Poniewozik dejó por escrito lo siguiente: "Tal vez lo más alentador sobre este aventura intrigante de este joven pero imperfecto Norman Bates está en la historia (…) con muchos giros (…) , y que se toman su tiempo de respuesta ". 

Con respecto a la serie debo señalar que la misma te mantiene en tensión y ya pueden verse señales de inestabilidad emocional en Norman dado que , efectivamente como le recrimina Dylan, tanto a la madre como a su hermano, ahora mismo Norman es una ampliación o marioneta de su madre. Se desvive por ella, lo que ocurre es que conocemos el final, lo que tanto desvelo genera termina con convertirse en odio lo que llevará a este aislado motel en convertirse en famoso y , ahora lo vemos, lleno de historias.

martes, 24 de septiembre de 2013

Polar, pero no helado


Algunos recordamos algunas películas francesas que tenían como protagonista a Lino Ventura que hacía tanto de duro policía como de jede del hampa. Eran buenas películas de cine negro en las que participaban igualmente las figuras estelares del cine francés de los sesenta y setenta que tenía en los rostros de Jean Paul Belmondo o Alain Delon alguna de sus figuras estelares. Este tipo de género cinematográfico que recibe el nombre de Polar cayó en el olvido, pero antes de ello dejó algunas joyas como está filmada por Jean-Pierre Melville y que llevaba por título Le Cercle rouge o como se le conoció en España, El Círculo rojo. 
¿Cómo llegué yo a esta película? Pues la “culpa” la ha tenido el programa “Días de Cine” que en esta primavera preparó un monográfico sobre este interesante director francés que apostó or películas basadas en el crimen o el thriller. 
La película es del año 1970 y fue dirigida ( la famosa réalisation ) por Jean-Pierre Melville, al igual que el guión, que contó como asistentes con Bernard Stora y Bernard Girardot, Michel Léonard y Pierre Tatischeff. El Director de production fue Alain Quefféléan y los productores fueron Robert y Jacques Dorfmann , siendo una coproducción italo francesa por parte de las productoras Les Films Corona (Paris) y Selenia (Rome). 
La música, especialmente importante en esta película, en la más pura tradición jazzística fue labor de Éric Demarsan, de la que después hablaremos. El director de fotografía fue Henri Decaë en un buen Eastman Color. El cámara fue Charles-Henry Montel con la ayuda de François Lauliac y Jean-Paul Cornu, mientras que el montaje recayó en Marie-Sophie Dubusy Jean-Pierre Melville. En el sonido estuvieron presentes Jean Nény y Jacques Carrère. Entre los técnicos de vestuario, decorados, joyas y accesorios estuvieron Colette Baudot, Théobald Meurisse y René Albouze, así como Rene Llonguet y Marc Desages. Como asistentes de montaje y sonido destacan Elisabeth Sarradin, Christine Grenet Claudine Kaufmann, Guy Chichignoud y Victor Revelli. 

El elenco de actores es amplio Alain Delon (Corey) , André Bourvil (el comisario François Mattei), Gian Maria Volontè (Vogel) e Yves Montand (Jansen) como actores principales. Además participan Paul Amiot (el inspector general de la policia), Paul Crauchet, Pierre Collet (el guardia de la prisión) , André Ekyan ( Rico) y Jean-Pierre Posier ( el asistente de Mattei), François Périer (Santi). También como secundarios aparecen Yves Arcanel, René Berthier, Jean-Marc Boris, Jean Champion, Yvan Chiffre, Anna Douking, Robert Favart, Roger Fradet, Édouard Francomme, Jean Franval, Jacques Galland, Jean-Pierre Janic, Pierre Lecomte, Jacques Léonard, Jacques Leroy , Jean Pignol, Robert Rondo, Marcel Bernier, Stéphanie Fugain y Jean-Pierre Castaldi. 

La película comienza con una cita de Buda. "Sidhartha Gautama el sabio, más conocido por Buda, cogió una tiza roja, trazó un círculo y dijo, “Si unos hombres, incluso aunque ellos lo ignoren, deben volver a encontrarse un día, pese a lo que les haya podido suceder o a los caminos que hayan seguido, ese día, ineluctablemente, serán reunidos en el círculo rojo" 
Después de cinco años de prisión en una cárcel de Marsella, Corey (Alain Delon ) está a punto de ser puesto en libertad tras cumplir su condena y debe enfrentarse de nuevo a la sociedad. En la víspera de su lanzamiento, el director de la prisión le ofrece un trato. 
Mientras esto ocurre y Corey, sale de prisión tras cumplir condena en una cárcel francesa, Vogel (Gian Maria Volontè), un criminal custodiado por más brillante comisario Mattei, escapa del tren en el que viajan.
Libre pronto, Corey visita a su ex compañero de fechorias, un hombre llamado Rico , al jefe de la banda a la que pertenecía antes de dar con sus huesos en la cárcel, un hombre rico , y amante de antigua novia. Corey obliga a Rico a que le diera una gran suma de dinero en efectivo. Corey busca refugio en una sala de billar. Corey tiene un taco y una tiza roja , con la que dibuja un círculo y empieza ajugar. En ese llegan dos esbirros de Rico de los que se desembaraza sin muchos problemas. 
Corey sale ileso del salón. Nada más salir se compra un coche, un Plymouth Fury III de 1966 con el dinero de Rico, y con el mismo intentar regresar a su hogar en el distrito XVI de París. 

Mientras tanto, un matón llamado Vogel ( Gian Maria Volonté ) acompañado del comisario Mattei (Bourvil) se monta en el tren nocturno que va de Marsella a París. A pesar de la vigilancia del policía, Vogel escapa saltando por la ventana del tren tras deshacerse de las esposas . Se las arregla para escapar de los disparos del Comisionado , así como de la policía y sus perros. 
Después de un viaje agotador y a pie, con cruce de río incluido, en un día helado se detiene en un restaurante de carretera ( " Relairoute ") y se mete en el maletero de un automóvil abierto. Se trata el coche Corey. Tras ser detenido en un control, por segunda ocasión, Corey sale del coche y le pide a Vogel que salga del mismo. 
Éste sale armado y Corey le comenta que lo visto entrar así como se ha informado de su fuga. Corey quiere ayudar a Voguel resentido con las fuerzas de la ley tras cinco años en prisión, pero Voguel no se fía de el y le apunta con un arma, Corey le lanza el paquete de tabaco para que fume con él en un claro gesto de camaradería, Voguel lo atrapa al vuelo pero cuando le lanza el encendedor se le cae al suelo ya que tiene una mano ocupada con el paquete y la otra con el arma, Voguel se lo piensa un segundo, guarda su arma y recoge el encendedor, enciende un cigarrillo y ambos fuman juntos. Le propone ir juntos a París y afrontar un golpe, propuesto por el jefe de la prisión. Ambos hombres se sintieron cómodos . Dos nuevos secuaces Rico intentan darles caza, pero Vogel acaba con ellos. 

Mientras ellos se dirigen a París, el comisario Mattei, un policía corso y reputado en el gremio, organiza la detención de Vogel, en parte por la presión de sus superiores. Así que ambos son esperados en los antros parisinos. Vogel y Corey deciden unirse para realizar el robo en una joyería de la Place Vendome. 

Para el mismo se necesita no sólo la complicidad de ambos sino, sobre todo la capacidad de un tirador experto, Jansen ( Montand ) , un ex policía alcohólico con problemas de delirios - aunque ahora sobrio -. Se trata de un excepcional tirador compañero de promoción de Mattei. 

El robo se ejecuta a la perfección tras un estudiado estudio por parte de Jansen. Corey intentan vender el producto del robo, una amplísima colección de joyas. Tras un intento en un perista conocido de Corey fracasa, pues Rico presiona para impedirlo. Sin embargo, consiguen contactar con otro perista. Se trata de Mattei , que se hace pasar por un tratante de joyas. Acuerdan llevar el trato y el intercambio en una casa de campo. 

Cuando Corey procede a la venta, entra Vogel en escenas tras darse cuenta de que se trata de un trampa planteada por Mattei. Corey huye, le protege en la retirada Vogel que cae por los disparos de la policía. Igualmente Jansen que no quiere nada producto del robo apoya con su rifle la huida pero cae también bajo disparos policias. El último en caer en Corey . Mattei parece lamentar la muerte de los tres, pero se siente satisfecho pues ha conseguido poner fin a la fuga de Vogel y ha detenido a los ladrones del robo más impactante de Francia y declara a sus compañeros que " ha matado dos pájaros de un tiro. " 
El rodaje tuvo lugar entre el 26 enero y el 13 abril de 1970 en Marseille, y se hizo por la A7 al norte de Marseille ( cuando Corey se para para guardar los dos revolver) , la RN6 en Saint-Loup-de-Varennes al lado del monumento consagrado a Nicéphore Niépce. Meursault, Relais de la ruta de Bel-Air (al norte de La Rochepot en la Côte-d'Or) sobre la RN6 , Studios de Boulogne, la rue Danielle-Casanova de Paris, al igual que la place Maubert, la quai des Orfèvres, avenue Paul-Doumer, la joyería de Mauboussin, en el 20 de la place Vendôme. 
La película se estrenó el 20 de octubre de 1970 en territorio francés. Parece ser que su propósito fue realizar la mejor película de atracos de la historia del cine teniendo muy presente las otras dos obras maestras del género anteriormente mencionadas: "La jungla de asfalto" de Huston y "Rififi" de Jules Dassin. 
Jean-Pierre Melville, el más americano de los directores franceses y el más francés de los directores americanos , es ante todo el director con más talento de los que realizaron Polar entre los años 50 y los 70. Su cine negro es uno de los más personales, especiales y extraordinarios, y responde a la admiración que sentía del cine norteamericano y su cine no deja de ser un homenaje. Sus historias son sencillas, tópicas y muy masculinas, pero las formas cinematográficas son las de un gran artista obsesionado con la perfección y visible no sólo en “Circulo Rojo (Le Cercle Rouge)” (1970) , sino en “El Silencio de un Hombre (Le Samouraï)”, en “El Confidente (Le Doulos)”, en “Hasta el Último Aliento (Le deuxième souffle)” o la “Crónica Negra (Un Flic)”. 
“Circulo Rojo” tiene además un reparto de primer orden y además tiene una de las mejores escenas de atracos que se han filmado jamás. Jean-Pierre Melville había planteado un elenco diferente, con Lino Ventura como comisario Mattei, Paul Meurisse como Jansen y Jean-Paul Belmondo como Vogel. 
Esta fue la penúltima película de Bourvil, entonces ya la víctima de la enfermedad de Kahler, y también la única película en la que se acredita con su nombre genérico: André Bourvil. 
Como curiosidad señalar que el Plymouth Fury III 1966 negro utilizado por Delon y un coche blanco, un Pontiac Firebird de 1969 que se puede ver en la noche estacionado en una calle de París (donde los ladrones se roban las joyas), son los coches personales de Jean-Pierre Melville. También puso en una película de policías en 1972. 
La secuencia del robo dura 25 minutos sin ningún diálogo, al igual que los primeros siete minutos que no incluyen diálogo alguno. 
La fotografía, de Henri Decaë (“A pleno sol”, Clément, 1960), en color (eastmancolor), presenta un trabajo de cámara diligente, pausado y eficaz. Hace uso de celajes nubosos, luces dispersas y ambientes húmedos, que trasmiten sentimientos de opresión y fatalidad. Predominan los colores cremas y los azules oscuros en funciones de contraste. Filmada con una gama de tonos apagados, el director quería conseguir el blanco y negro por medio del color, destacando las asoladoras y heladas tomas filmadas en los bosques y las carreteras de las afueras de París. 

La música, de Éric Demarsan, ofrece una partitura rica en matices, rítmica y colorista, que se adapta muy bien al desarrollo de la acción y a sus incidencias. La banda original en francés está firmada por Eric Demarsan y es su segunda colaboración musical completa después de “''El silencio de un hombre- El samurai”, en donde la música estaba compuesta por François de Roubaix y él participaba como asistente. 
Con esta experiencia previa, Eric Demarsan ahora con el mando único del trabajo, en la composición, arreglo, interpretación y grabación, ya sea solo o con un quinteto de jazz y cuerdas adicionales. La banda sonora fue grabada por Claude Ermelin en los Studios Davout en París en octubre de 1970. 
Se trata de una banda sonora con base de jazz que tanto gustaba a Jean -Pierre Melville También a lo largo de la película aparecen repetidamente formaciones de músicos de jazz en los bares nocturnos y discotecas de París. A lo largo de la película vemos actuaciones de jazz que son bailadas por un grupo de baile disfrazado. Estos datos demuestran , si todavía hubiera dudas , el apego Melville a la música Jazz . 
Melville también pidió que Demarsan para componer una pieza de música minimalista en el espíritu del Modern Jazz Quartet . Era obviamente una cierta nostalgia por su colaboración con John Lewis en The Second Wind . Melville también insisten con Demarsan de personalizar algunos lugares emblemáticos de la película con temas específicos: una radio de jazz en el coche, un vals para el hotel, una gran banda para el club de noche. 

En una entrevista para la serie “Escucha el cine” , el joven compositor Dermasan recuerda que una de las principales dificultades para él, fue el escenario del “jazz dance club”, en donde la banda realmente toca la música en vivo compuesta por Michel Legrand. Melville especial énfasis en una imagen de Corey ( Alain Delon ) durante la película con su permanente gabardina, su lacónica imagen, y su limitada vivacidad. Melville pensaba que era " La imagen es una premonición de la muerte. Su música nos debe dar la impresión de eso" . 

En este punto, el espectador tampoco hay duda sobre el trágico desenlace de la película. “Circulo Rojo” Penúltima película de Melville. Forma con “El silencio de un hombre” (1967) y “Crónica negra” (1972) la llamada “trilogía samurai” del autor, inspirada en códigos de conducta y honor de los samuráis. Es una película policíaca al más puro estilo cine negro, pero realizada en base a la conjunción de unas imágenes frías y distantes, y de una banda sonora repleta de silencios… 
Jean-Pierre Melville está obsesionado con la perfección y el detalle, cada imagen, cada sonido, cada silencio o gesto, todo parece ser importante. El cine polar de Melville es quietud, pausa, reflexión, es un cine de contrastes, en el que parece que pueda ocurrir cualquier cosa en cualquier momento. 
El Polar es un género propiamente francés pero sumamente influenciado por el cine norteamericano, es en definitiva una versión francesa del cine negro y policíaco que se hacía en Estados Unidos en los años 40 y 50, y de la literatura de las novelas pulp norteamericanas de los años 20 y 30. La influencia va más allá de las historias y sobretodo es patente en la estética, en los usos de tópicos y de elementos que conforman tanto los personajes como la ambientación, pero con una sensibilidad propiamente francesa. El destino (ahora se entiende lo de la cita budista) hará que en su camino se cruce el asesino prófugoVogel (Gian Maria Volonté) incansablemente perseguido por el comisario Mattei(Bourvil). A esta pareja de delincuentes se les unirá el ex policía Jansen (Yves Montand) con el fin de perpetrar el atraco perfecto a una de las joyerías más lujosas de la lujosa plaza Vendôme del ya de por sí lujoso París. 

La historia está protagoniza por hombres lacónicos y parcos en palabras. Jean-Pierre Melville imprime a los tres principales personajes de este film un carácter profundamente dramático, donde el honor adquiere una dimensión de tragedia griega y el héroe, al igual que un samurai herido en su dignidad, no tiene más que una salida: la muerte. Una lógica implacable determina sus movimientos: los confidentes cederán siempre ante los chantajes policiales y colaborarán con quienes les extorsionan; los truhanes guardarán mudo silencio; los comisarios e inspectores interrogarán sin ninguna esperanza de éxito a éstos y chantajearán a aquellos; el resto de personajes deberá mentir si quiere seguir viviendo. El protagonista es Alain Delon que permanece serio y frío, distinguido, refinado y hermético que aparece acompañado de un solitario y alcohólico, de pasado oscuro Yves Montand y Gian María Volonté un asesino de sangre fría, que carece de escrúpulos. Por el contrario, encontramos a Mattei, natural de Córcega y amante de los gatos, es astuto, tenaz y perseverante. No tiene reparos en extorsionar a los delatores para obtener la información que busca pues chantajea a los confidentes. Los personajes se mueven y evolucionan de acuerdo con un patrón de comportamiento que se ajusta a un determinismo inexorable e implacable.

La fotografía es en color pero parece en blanco y negro, remitiéndose a las gabardinas de los detectives clásicos estadounidenses. Melville dirige la película con una elegancia envidiable y con una tensión continua con un silencioso atraco de 30 minutos . 
Se basa en un guión ingenioso, bien concebido y construido con gran sentido del ritmo y la intriga. Destaca su sobriedad, elegancia y precisión. Desarrolla una historia esencialista, depurada y estilizada, de gran fuerza expresiva. 
La acción dramática principal tiene lugar en Marsella y París, a lo largo de unas pocas semanas, en el invierno de 1970. Construye unos protagonistas coherentes, bien diferenciados y verosímiles. Melville crea una atmósfera densa, que envuelve la acción en un clima de fatalismo y tragedia. Presta gran atención a los detalles, sobre todo en la extensa y minuciosa escena del atraco. 

En el apartado técnico se merece un capítulo aparte, con esa alternancia de movimientos lentos de cámara con movimientos más rápidos y con el excelente montaje de la película. El motor de la acción no es la lucha entre el bien y el mal, sino entre la eficacia del trabajo realizado con rigor y un estilo sobrio y frío. Con una parquedad en palabras maravillosa, son los gestos y detalles los encargados en transmitir al espectador todas las emociones contenidas en sus rostros petrificados. Corey sale de la cárcel convencido en querer dejar el camino del mal, pero su pasado le persigue y pierde todo su dinero para comenzar una nueva vida, sin embargo el destino quiere que se cruce con Voguel con quien volverá a su vida delictiva de nuevo. En el caso del ex policía, parece que sí fue la sociedad y su entorno quien le corrompió y le alejó del buen camino. No se llega a saber nunca si Voguel, huido de la justicia, es culpable o inocente, pero el inspector Mattei acaba creyéndose las palabras de su superior y decide que si es culpable. Los policías, los confidentes ceden al chantaje, los malhechores no confiesan en los interrogatorios, los delincuentes a penas hablan y si mueren lo hacen en silencio y con honor, como los samuráis. Las personas ajenas al caso se mantienen al margen y, si se les pregunta, mienten con cínica indiferencia, etc. 

Estamos, pues, ante un sólido y elegante film, de ritmo cadencioso, perfectamente pulido y mejor acabado en el que predominan los gestos y las miradas sobre los diálogos, que cuando se producen son secos y precisos. Contiene los elementos propias de este género, ladrones insaciables, guardianes corruptos, confidentes, chivatos, extorsionadores, dinero, joyas valiosas. Existen códigos de honor no escritos que son respetados, en una misma escala, por delincuentes y defensores de la ley (difícil también saber, en ocasiones, quienes son unos y otros). 
Gracias a “Días de cine” y a la oportunidad por recordarnos lo bueno que era ese cine francés, que puede ser polar, pero que no te deja helado.

domingo, 22 de septiembre de 2013

Combustionado no. Más bien quemado


No , no me ha gustado nada esta cinta firmada por Daniel Calparsoro como director. Y eso que en el apartado técnico alguna cosa no está mal, digamos en la fotografía, pero lo que he visto es una historia sin pies ni cabeza. Claro que también veo películas de zombies ¡ qué sí, que son absurdas también y lo sé! Pero cuando las veo ya sabía a qué iba. 
Con Combustión la verdad es que no. En estos casos la decepción es mayor pues esperaba mucho de un director al que he seguido desde 1995 con Salto al vacío, y del que he visto en cine la mayor parte de su obra Pasajes (1996), A ciegas (1997), Asfalto (1999), Guerreros (2002) y Ausentes (2005), aunque no la penúltima y , según he leído la más lograda, : Invasor (2012). 
Combustión se trata de una película española estrenada en 2013 y que mezcla un triángulo amoroso increíble, carreras de coches ilegales, chicas guapas, bueno guapísima Adriana Ugarte, o robo con buena planificación. Lo metes en la coctelera y lo que podría ser interesante es una película , pero que a mí no me engancha. 
La película fue presentada en la 16ª edición del Festival de Málaga de Cine Español y allí fue el equipo dirigido por Daniel Calparsoro. Sí escucháis la entrevista que el director dio en Málaga y después veis la película parece que han cambiado un producto por otro. Lo reconozco no me ha gustada nada. 
Calparsoro contó como ayudante de dirección con Sara Mazkiarán y la dirección artística de Antón. Hasta ahí bien. Sin embargo, el problema radica en el guion ¿por qué? Porque no tiene. Yo no sé que pensaron los firmantes del mismo: Carlos Montero, Jaime Vaca y Daniel Calparsoro para decir que tienen un guión cuando realmente lo que tienen sus cuatro ideas deshilachadas y sobre todo sin sentido. La producción fue importante. Estaba detrás de la película Francisco Ramos y Mercedes Gamero, y contó igualmente con el diseño de la misma por parte de Josep Amorós. Todos representaban intereses del grupo Antena 3 Films, además de Canal+ España, La Sexta y Zeta Audiovisual A3, aunque también he visto por ahí que la Generalitat y ya no me queda tan claro del Gobierno de España. Dinero invirtieron, pero , para mí, con un pobre resultado.

La música omnipresente en la película es de Carlos Jean, pero lo dicho omnipresente. En muchos momentos parece realmente que estamos ante un videoclip más que ante una película dados los bailes de la Ugarte, los coches, la discoteca, las escenas aéreas, las escenas de sexo, etc…En el sonido en el que el tema de los coches tiene su peso estuvieron presentes Sergio Burmann, Nicolás de Poulpiquet y James Muñoz. La fotografía, uno de los mejores aciertos de la película, es de Daniel Aranyó, no tanto el montaje de David Pinillos y Antonio Frutos. Del vestuario de Loles García poco puedo decir apropiado el de noche, especialmente de Ari, estiloso inicialmente el de Mikel con chaquetas y camisa, y , posteriormente, abuso de la “chupa” de cuero en los hombres y los coches.

El elenco de actores estuvo formado por Álex González como Mikel, Adriana Ugarte como Ari, Alberto Ammann como Navas y María Castro como Julia en los principales papeles. A estos le acompañan Christian Mulas (Nano), Juan Pablo Shuk (Argentino), Marta Nieto (Carla), Luis Zahera (Detective) y Miguel Barberá (Arturo).

La historia es más o menos la siguiente. Navas (Alberto Ammann) Ari (Adriana Ugarte) y Nano (Christian Mulas) son una banda de atracadores que utilizan a la chica como cebo para entrar en las casas. De hecho la película empieza cuando Ari entra acompañando a un chico a su casa, en lo que parece una conquista nocturna y que degenera en un robo a mano armada en la casa por parte de Navas y Nano. 
Por su parte, Julia (María Castro) es dueña de una joyería heredada de sus padres, que hace poco fallecieron en un atraco. Ella está a punto de casarse con Mikel (Álex González) su novio, es más éste acaba de mudarse con ella. En breve se van a casar.
La banda está buscando dar un último golpe para retirarse y para conseguir su objetivo: marcharse a la paradisíaca punta del Este. Navas, Ari y Nano han colocado a la pareja en el punto de mira de su robo. Utilizarán los encantos de Ari para acercarse a Mikel. Durante la fiesta en la que anuncian su compromiso, Mikel conoce a Ari, una de las camareras del catering. En la misma fiesta de despedida de solteros lo consigue. Ella le pasa el número y de ahí a la acción.
Ya en la primera cita, ella tiene que salir por piernas de un pub, pues la víctima del inicio de la película la reconoce y la persigue por las calles de Madrid. En ese momento, donde conocemos la pericia de Mikel al volante. Tras acercarse más en posteriores encuentros, Ari y Mikel, éste tras ser seducido por ella entra en un mundo de estafas y engaños. La atracción que surge entre ambos hará que Mikel se interese por el mundo de Ari, en el además del robo están presentes las carreras ilegales de coches. Se enamora de ella hasta el punto de abandonar a Julia, sin saber siquiera cuáles son los planes de Ari y su novio.
Al final todo degenera es un extravío sin fin donde están presentes el engaño, la traición, la extorsión, las agresiones, las deudas, el robo de coches o el robo incluso a Julia con la colaboración de Mikel. Vamos un disparate.

La crítica no ha sido unánime ni homogénea. Van desde la generosa de Carlos Boyero publicada en el Diario El País al afirmar que estábamos ante "Un producto digno para las multisalas. (...) Los personajes utilizan los coches para expresar lo más profundo de su personalidad, como forma de vida, como suprema afirmación" hasta la muy crítica de Luis Martínez escrita en el Diario El Mundo en donde afirma "¿Han visto algún 'Fast and furious'? ¿Les pareció el horror? Pues aquí viene la réplica española, con peores coches y menos sexo.".

Entre medias están las positivas de Gregorio Belinchón acorde con su compañero del Diario El País "Apuesta por hacer taquilla, pero desde una premisa elegante: no todo vale. (...) la trama empieza a girar y revirar, mientras Calparsoro hace lo que sabe y la película no pierde el norte." O la de que firma en el Diario La Razón Carmen L. Lobo que dice que "La cámara de Calparsoro se mueve elegantemente entre coches de alta gama (...) el guión sufre algunos interesantes giros en un «thriller» de buena factura técnica" u otras más tibias firmadas por Antonio Weinrichter del Diario ABC , Carlos Marañón de Cinemanía o M. Torreiro de Fotogramas . Éste último opina que estamos ante "Un 'Fast & Furious' que no pisa a fondo. (...) El meollo en el que se mueven los personajes no está a la altura de la estampa, lo único que imprime carácter a esta carrera que de tanto ir hacia todas partes y tocar todos los palos archisabidos acaba salvándose de la quema", mientras que el primero afirma "Calparsoro sigue sabiendo hacer muy bien un cine físico y planificar la acción (...) pero cuando rugen más los motores que los diálogos, y lo que chocan son los coches y no los personajes, a mí al menos me pierde como espectador".

Por último en Cinemanía escribe Carlos Marañón lo siguiente: "Estamos ante una película comercial, sí, pero inteligente; funcional, pero que engancha se la mire por donde se la mire. (...). Como dijimos antes la película fue presentada en el Festival de Cine de Málaga de este año no ganando premios alguno, aunque estuvo en cuarto o quinto lugar de las favoritas del público.

Sí tuvo nominaciones en los primeros premios Neox Fan Awards 2013, tanto a la Mejor película como a la Mejor actriz de cine para María Castro. No obtuvo nada. Muchos insiten que estamos ante la versión hispana de A todo gas , la de Vin Diesel, pero con menos carreras, yo no lo sé pues no me atraen ni las películas de coches ni las carreras. Lo cierto es que esta película se acerca al tono de las películas de rebeldía en parte por el papel de Mikel, que no quiere ser succionado por la realidad de un matrimonio. Y a pesar de distar de la estética choni de los tunning sí intenta ser algo más elegante en el fondo y las formas, salvo el desparrame de la discoteca. Extraña y poco creíble es la relación de camaradería que surge de la nada entre Alberto Amman, éste para usarlo en su beneficio, y Álex González, éste para estar cerca de la chica que parece obsesionarle.
Combustión es una película de acción, algo plana y no muy excitante para mi gusto, sustentada en un triángulo amoroso cuya evolución –y conclusión – sólo se entiende en parte. Combustión tiene un montaje caótico y precipitado a la hora de orquestar las secuencias de acción; una dirección firme pero sin mucho ritmo, lo que permite que no aburra, pero no enganche en esa hora y cuarenta minutos. Calparsoro , dicen las malas lenguas, opta por un producto comercial y para ello cuando con niños presentables y televisivos, coches caros, algo de sexo, mucha música y videoclips, un toque de mafias vinculada a las carreras ilegales de coches caros.

Para mí esta Combustión de Calparsoro no me ha servido de entretenimiento, pues carece de sentido o de un descontrolado guión. Con todo a resaltar el apartado técnico en lo referente a la iluminación, el sonido y la fotografía con interesantes planos de Madrid, en los movimientos de cámara, o en la filmación de las carreras. En una entrevista publicada en El periódico de Extremadura en la primavera de este año (4 de mayo de 2013) el director afirmaba que Combustión era una película para disfrutar, pero no creo que esté cerrada a un público concreto. La puede ver gente de 15 a 45 años. Cuando el productor, Paco Ramos, me ofreció el proyecto me llamó la atención el elemento lúdico. Y también el argumento: ese viaje al lado salvaje de la vida del personaje de Mikel Alex González. La historia de amor es muy básica pero muy potente: cómo un tío se encoña con una mujer y es capaz de dejar todo lo que tiene, su pareja y su trabajo, por irse con ella. Y sin saber si va a durar. Y seguía con que era “una historia para disfrutar. La fotografía está muy cuidada, la estética invita a la sensualidad y la banda sonora de Carlos Jean es muy emocional y potente. Cuando acaba la película, te dan ganas de salir de copas”. A mí me invitó a irme a la cama. Pero no os fiéis de mí y escuchadle, puede que él os convenza.

domingo, 15 de septiembre de 2013

Noventa frente a diez


Tras dos intentos, uno el 5 de julio y otro en septiembre, por fin, he conseguido ver Mamá, una película que narra la historia de dos niñas abandonadas en una cabaña del bosque, y que serán protegidas por una entidad desconocida a la que ellas llamarán Mama. 
Se trata de una película de terror hispano-canadiense del año 2013, dirigida por Andrés o Andy Muschietti, persona que también interviene en el guión y en la producción. Lo cierto es que tanto en el guión como en la producción participan Neil Cross y Bárbara Muschietti, igualmente, en lo primero, al igual que J. Miles Dale y Bárbara Muschietti, en lo segundo con Guillermo del Toro como productor ejecutivo, partiendo del corto argentino Mamá de Andy Muschietti realizado en el año 2008. Tras el visionado del corto Guillermo del Toro quiso estar presente en la obra.
Tras una inversión de 15 millones de dólares y la intervención de las productoras Toma 78 y De Milo Producciones la película fue estrenada en los Estados Unidos el 18 de enero de 2013 - aunque estaba inicialmente previsto se lanzamiento el octubre de 2012- con notable éxito de público y de taquilla, obteniendo ingresos que se acercaron a los 150 millones de dólares. 
En la producción intervinieron igualmente el músico Fernando Velázquez, el fotógrafo Antonio Riestra y el montador Michelle Conroi. La distribución corrió a cargo de la Universal Pictures que realizó una notable campaña publicitaria que llegaba a asustar a los niños. 
Está protagonizada en sus principales papeles por Jessica Chastain como Annabel Moore y el televisivo Jamie Lannister , o sea, Nikolaj Coster-Waldau como los hermanos Lucas Desanges / Jeffrey Desanges . Igualmente en el elenco de actores y actrices están presentes Morgan McGarry como Victoria e Isabelle, Nelisse y Maya y Sierra Dawe como Lilly – que hacen el papel de hermanas e hijas de Jeffrey. Daniel Kash hace el papel del Dr. Gerald Dreyfuss, Javier Botet como Mamá, Jane Moffat como Jean Podolski, aunque también pone voz como Mama al igual que Laura Guiteras y Melina Matthews. David Fox como Burnsie, Julia Chantrey como Nina. En papeles más secundarios están Elva Mai Hoover, Dominic Cuzzocrea, Diane Gordon y Hannah Cheesman.

La película se inicio con unos títulos de crédito inquietantes de dibujos de las niñas y unas voces en off de una aparente discusión entre un hombre y una mujer, mientras un coche mal aparcado se sitúa delante de una casa. Casi de inmediato penetramos en la casa y vemos a un hombre llamado Jeffrey Desange que saca a toda prisa a sus hijas de la casa, la joven Victoria de tres años y la pequeña Lilly de un año.

Estamos en el año 2008 y Jeffrey es hombre de negocios angustiado que mata a varios de sus socios y a su ex esposa. 
En el coche que huye a Jeffrey se le ve abatido y a la mayor de las pequeñas muy preocupada. La conversión de la niña, la alta velocidad y el ensimismamiento del padre mientras recorren por una remota carretera de montaña, provoca que el coche se deslice por el asfalto helado y finalmente un accidente al estrellar el padre su coche contra unos árboles tras caer por un barranco. 
Del accidente salen aturdidos, pero ilesos. El padre lleva a las niñas a una cabaña abandonada que encuentran en mitad del solitario bosque. Antes de entrar vemos que algo se mueve en la casa. 
El padre busca inicialmente cobijo para las niñas, encendiendo el hogar, pero sumido en la desesperación y el remordimiento, se prepara para matar con su pistola a sus hijas y luego suicidarse, pero en el último momento cuando pone la pistola en la cabeza de Victoria, pero una sombra que habita la cabaña lo arrastra lejos y le rompe el cuello. Victoria mira la figura, pero al encontrarse sin gafas puesto las mismas se rompieron en el accidente que solo divisa una silueta. Esa noche, mientras cuida a su pequeña hermana, la silueta reaparece llevando una cereza o manzana para ambas. 
Cinco años después Lucas Desange (Nikolaj Coster-Waldau), tío de las niñas y hermano gemelo de Jeffrey, sigue buscando a su hermano y a sus sobrinas en compañía de su novia, músico de una banda de rock llamada Annabel Moore (Jessica Chastain). Lucas emplea el dinero de la herencia de su hermano en ello contratando a dos hombres para la búsqueda de datos sobre el accidente o paradero de su familia. 
La búsqueda que se extiende en el tiempo finaliza con el hallazgo del automóvil destruido y las niñas en la cabaña. Victoria y Lilly están con vida, pero sucias, medio desnudas, y con un comportamiento animal. 
A esas alturas, Victoria (Megan Charpentier) y Lilly (Isabelle Nélisse) se comportan completamente como animales y son llevadas a un sanatorio psiquiátrico para evaluarlas. Además son puestas en terapia psiquiátrica con el Dr. Gerald Dreyfuss (Daniel Kash). 
El Dr. Dreyfuss se extraña cuando las niñas hacen referencia a la "Mama", una figura maternal protectora. Las niñas, que son inicialmente hostiles, ante Lucas pero Victoria le reconoce por su parecido a su padre después de que él le da un par de gafas y ella le puede ver bien. En esto se inicia la disputa legal por la custodia de las niñas entre Lucas y la tía de la madre, Jean Podolski (Jane Moffat), una adinerada tía materna de las niñas. Dadas sus necesidades especiales, la corte cuestiona la capacidad de Lucas y Annabel para criar a dos niñas en un pequeño apartamento, especialmente porque Lucas es artista y Annabel bajista de una banda de garaje y todo el capital que poseían fue usado en los cinco años de búsqueda. 
Sabiendo que no podrá estudiar a las niñas si se van con su tía al otro lado del país, el Dr. Dreyfuss hace un trato con Lucas y Annabel para recomendarlos como guardianes legales, y prestarles una casa más adecuada a condición que permitan sean tratadas y estudiadas por él, casa de propiedad de la clínica y la concesión de Dreyfuss para estar en contacto con Victoria y Lilly para fines de investigación. 
El doctor está interesado en el caso ya que las niñas se refieren constantemente a un ser que las cuidó y protegió todos esos años y que él define como imaginario. Él cree que se trata de una personalidad secundaria de Victoria creada para tolerar su situación y poder criar a su hermana. 
Pronto se vuelve evidente que la extraña figura, a quien las niñas llaman Mamá, está presente en la nueva casa junto a ellas. Annabel se muestra reacia a cuidar a las muchachas, ya que no considera agradables a los niños, por lo que el cuidado de las chicas recae en Lucas.

Sin embargo, una noche algo emerge de una pared, es una sombra con una figura monstruosa, y lo arroja desde las escaleras del segundo piso y termina en estado de coma. 
Esto obliga a Annabel a hacerse cargo de ellas. Annabel, que no tiene relación con las niñas y es incómodo estar cerca de ellos, se ve a la izquierda solo para cuidar de ellos mientras que las visitas "de mamá" siguen para obtener más evidentes y hostil. Aunque Annabel avanza con Victoria, se encuentra con la hostilidad de Lilly. 
Alarmados por las pesadillas y la advertencia de Victoria sobre los celos de Mama, Annabel pide al Dr. Dreyfuss que investigue. 
La presencia de Mama (Javier Botet) es generalmente acompañada por mariposas negras y problemas eléctricos. Juega con las niñas, pero se esconde del resto de las personas. Victoria siempre se quita las gafas para mirarla y le dice al Dr. Dreyfuss que ella no aparecerá donde pueda ser vista. Al principio cree que "Mama" para ser un imaginario alter-ego de Victoria, creyendo que tenía que asumir el papel de padre / madre para cuidar de Lily durante esos cinco años, sin embargo, su investigación corrobora la historia de Victoria.

Siguiendo las pistas y nombres que Victoria revela durante sus sesiones de hipnosis, el doctor rastrea sus testimonios hasta una mujer del siglo XIX que escapó de un sanatorio. Al investigar, descubre los restos de un niño que no fueron reubicados tras cambiar de lugar el cementerio y él toma custodia de ellos. Comprueba la historia de Mamá que parece ser una madre agraviada y separada de su niño. Investigando saca a la luz la historia de Edith Brennan, una paciente de un manicomio del siglo XIX. 
Dreyfuss recupera una caja que contiene los restos de un bebé y observa como Mama se manifestaba mientras entrevistaba a Victoria. Annabel tiene una pesadilla revelando el pasado de Mama, cuando mamá fue enviada al asilo de Santa Gertrudis con su hijo, que le fue arrebatado y entregado a las monjas. Se trataba de Edith Brennan, una paciente extremadamente inestable, violenta y peligrosa que se fugó del manicomio, mató a una monja y robó de nuevo a su bebé. Huyendo, perseguida por las autoridades, terminó al borde de un acantilado con vista a un lago. Sabiendo que no tenía otra opción, saltó de un acantilado con su bebé en brazos, pero su hijo se quedó enganchado en una rama, muriendo por el impacto, mientras que Mamá murió en el agua. Mama se convirtió en un fantasma que recorrió el bosque obsesionada con encontrar a su hija. Esto provocó que se corrompiera y tomara una extraña forma, con las partes del cuerpo retorcidas y las articulaciones dobladas por el golpe contra la rama que quebró todos sus huesos. 
Por más de un siglo, el espíritu de Mama buscó a su hija en el bosque hasta que encontró a Victoria y a Lilly a punto de ser asesinadas en la cabaña. Allí las protegió como si fueran sus hijas.

Annabel se da cuenta de que mamá nunca supo lo que le pasó a su hijo (porque el bebé no estaba en el agua con ella) y que lleva buscando a su hijo desde hace más de cien años. Al descubrir a Victoria y Lilly en una cabaña no muy lejos del acantilado que saltó, Mamá los vio como sustitutos. 
Al pasar el tiempo, Victoria (quien poseía una crianza y desarrollo social previo a su vida en el bosque) vuelve a ser como una niña normal, pero Lilly (quien solo conocía la vida en la cabaña) mantiene sus modales de animal y una actitud agresiva. 
Con el tiempo, Annabel se siente atraída por las niñas y Victoria comienza a preferirla sobre Mama, pero Lilly no. Annabel comienza a sospechar que algo va mal y cree que Mama podría ser real. Victoria se preocupa por su seguridad, diciendo que no debe mostrar interés en ellas, ya que Mama está muy celosa. 
Esa noche, Mama acosa a Annabel mientras duerme y esta tiene un sueño que Victoria también dijo tener hace tiempo.

En el hospital, Lucas tiene un sueño inducido por su hermano fallecido mientras está en coma, el cual le pide que cuide a las niñas y le señala el bosque, logrando despertarlo. Lucas vuelve en sí después de una inquietante visión de su hermano muerto. 
A su vez el Dr. Dreyfuss comienza a creer en las historias de Mama, primero porque Victoria es capaz de contarlas con detalles que no debería saber y después porque termina viéndola por sí mismo durante una sesión tras mostrar a Victoria una foto de Edith Brennan en vida. 
El Dr. Dreyfuss sospecha que Mamá se encuentra en la cabaña del bosque, desde donde encontró una forma de abrir un portal hasta la casa, por lo que decide ir en su búsqueda, pero ella lo ataca allí y lo mata rompiendo su cuello. 
Annabel y las niñas reciben la visita de la tía Jean, que se alarma por contusiones de las niñas que provienen de su comportamiento sigue siendo animal, pero intenta controlar Annabel investigado por abusar de ellos. La creciente cercanía de Victoria con Annabel hace que ella esté cada vez menos dispuesta a jugar con mamá, a diferencia de Lilly, que todavía prefiere Mamá sobre Annabel.

Esa noche, Lilly y Victoria discuten, ya que la niña mayor ya no comparte con Mama como antes. La razón es que se ha encariñado con su familia y ahora puede ver el aspecto de Mama gracias a las nuevas gafas que le dio su tío. Lilly se molesta y escapa al patio sola a medianoche. 
A la mañana siguiente, Annabel descubre a la niña semicongelada bajo un árbol y, tras hacerle entender que se preocupa por ella, logra por primera vez una conexión que despierta su amor de madre.

Mientras tanto, Jean cree que Annabel está maltratando a sus sobrinas debido a los hematomas que presenta Lilly —por su comportamiento animal y los juegos con Mamá — por lo que decide buscar evidencias para demostrarlo y obtener la custodia. Al mismo tiempo Lucas descubre que los lugares que su hermano le mostró en el sueño eran reales, por lo que sale del hospital y va hasta el bosque buscando la cabaña. 
Mientras Dreyfuss visita la casa del bosque por la noche para investigar y tratar de comunicarse con Mama. Después de la linterna deja de funcionar, se utiliza el flash de su cámara como una luz. Múltiples flashes de las cámaras revelan Mama atacarlo, empujándolo al suelo y romperse el cuello.

Por su parte, Annabel visita la consulta del Dr. Dreyfuss después de otro evento sobrenatural, pero descubre que está ha desaparecido y roba archivos del caso de las chicas de su oficina al igual que extrae algunos objetos que el doctor ha recopilado sobre su caso, incluidos los restos del bebé Brennan, enterándose así de la historia que el médico había descubierto. Se entera de que Edith y mamá son la misma persona. Mientras que Lucas deja el hospital y se marcha en busca de la cabaña en el bosque pues quiere comprobar el sueño que ha tenido con su hermano como protagonista.

Al mismo tiempo, Mama se vuelve furiosa y poco después de hacer un gran avance con Lilly, Annabel y las niñas son atacadas por una mamá fuerte, celosa, que sujeta a Annabel, y ataca a las niñas y a Annabel. Victoria logra defender a su tía, pero Lilly continúa siendo leal a ella. Annabel queda inconsciente mientras Jean entra de noche a la casa buscando evidencias, pero es atacada por Mama, quien posee su cuerpo para llevar a las niñas a la cabaña. Mientras posee el cuerpo de la tía Jean, que había entrado en la casa para buscar evidencia del abuso. Mamá se escapa con las chicas. 
Al recobrar el conocimiento, Annabel toma la caja que contiene los restos del niño y la cabeza de mamá para el bosque y conduce hacia el lago, donde se encuentra con Lucas en el camino. Usando los mapas del doctor ambos encuentran la cabaña y el cadáver de Jean allí, pero no están las niñas. Tras mirar en el patio, Annabel descubre que el acantilado donde murió Edith está junto a la casa por lo que corren hacia la cima. Allí está Mama con las niñas para volver a representar su caída. 
Lucas y Annabel llegan a tiempo para impedir que las niñas salten, pero Mama los ataca casi matando a Lucas, no obstante se detiene cuando Annabel le entrega los restos de su hija. Con ellos en su poder, Edith llora y comienza a volverse nuevamente un alma humana y se transforma en la mujer hermosa que era antes de morir.

Sin embargo, Lilly se niega a separarse de ella y la llama. Esto corrompe nuevamente su espíritu regresando a su forma monstruosa y, despreciando los restos de su hijo, ataca a Annabel y trata de llevarse a las niñas para caer con ellas Annabel es brutalmente golpeado y se niega a rendirse y a pesar de estar muy débil por los ataques, pero no suelta a Victoria. Mamá se prepara para saltar por el acantilado con las niñas una vez más. Victoria, finalmente, se despide de Edith, demostrando que a pesar de todo la quiere como a una madre, pero desea vivir. Ya al borde del precipicio, Victoria intenta convencer a su hermana que no siga, pero Lilly solo conoce la vida junto a Mamá e insiste en que las tres deben lanzarse juntas, por lo que Victoria se despide de ambas en medio del llanto. Ha decidido quedarse con Annabel y Lucas. Lilly grita que ella y su hermana debe estar con mamá y Victoria le dice entre lágrimas de despedida. Mama permite que Victoria se quede, ante Mamá y Lilly se unen formando un capullo de tela y salta al vacío con Lilly, pero antes de golpear la rama del árbol ambas se convierten en una nube de mariposas. La película finaliza con Victoria creyendo que una de las mariposas que la mira desde lo alto es su hermana Lilly mientras llora abrazada con Annabel y Lucas.

La película comenzó su producción en Pinewood Toronto Studios, el 3 de octubre de 2011. La producción terminó el 18 de diciembre de 2011. Partes de la película también se rodaron en la ciudad de Quebec y en Washington D. C.. La película estaba programada inicialmente para el lanzamiento en octubre de 2012, pero más tarde fue reprogramado para el 18 de enero de 2013.

Mamá recibió críticas generalmente favorables de los críticos. El gran crítico desaparecido en este año 2013 , Roger Ebert, comentó en su diario y en una de sus últimas críticas que “ Películas como Mama son montañas rusas, son experiencias emocionantes y escalofriantes. Vamos a asustarnos y luego reímos, nos asustamos y luego reímos, nos asustamos y luego nos impactamos. Y, por supuesto, hay trama de sobra para una secuela. Es una experiencia que yo volvería a vivir. (...). Igualmente Richard Roeper , en el Chicago Sun-Times , disfrutó de la película, dándole tres estrellas de cuatro y diciendo: "Películas como Mama son paseos de la emoción. Vamos a tener miedo y risa, miedo y risa, miedo y sorprendido. Por supuesto, casi siempre hay un poco de terreno de sobra para una secuela. Es un viaje que tomaría de nuevo ". Todd McCarthy del The Hollywood Reporter valora positivamente la película cuando afirma que "'Mama' representa algo retro y una modesta delicia para aquellas personas a las que les gusta un buen susto, pero que prefieren no pasar terror o asco" . En esta línea prosigue Mick LaSalle según dejó escrito en el San Francisco Chronicle "'Mama' está bien realizada y aunque Chastain es lo mejor de ella, no es lo único (...) como en las mejores películas de terror, mantiene una reverberación más allá de las circunstancias de la película". Owen Gleiberman , en la revista Entertainment Weekly , dijo de la película que: " Mamá cumple cada uno de sus elementos visuales del factor miedo. Scott Corulla escribió:" Esta es una buena primera película del director Andrés Muschietti y, a pesar de algunos errores y decepciones, bien podría ser un presagio de las interesantes cosas que vienen para el cineasta. En The Huffington Post escribió: que "Con el nombre de Del Toro en la delantera, espera que mamá pueda ser la película de terror de invierno de 2013”.

Keith Uhlich de Time Out fue menos generoso al dejar por escrito que "Por el momento Muschietti sólo consigue un ambiente creado con destreza, pero hay el suficiente material prometedor como para estar dispuesto a darle un poco de manga ancha a este talentoso recién llegado". Algo similar a lo que dice Justin Chang en Variety: "'Mama', con sus escalofriantes prótesis y elementos digitales, resulta finalmente algo pesada"."No hay nada en 'Mama' que se acerque mínimamente a la lógica. (...) [Chastain] es lo más espeluznante en 'Mama'. Todo lo demás es de televisión por cable" escribió Rex Reed en The New York Observer.

En España las críticas fueron mixtas de las positivas de Jordi Costa dejada en el : Diario El País "Es una película realmente aterradora, con imaginario propio y dimensión poética" o la Pere Vall en Fotogramas "Una película inteligente y rica en sugerencias argumentales y estímulos visuales (...), a la crítica feroz de E. Rodríguez Marchante en el Diario ABC al afirmar que "El arranque es sobrecogedor y terrible (...) aunque la película se desliza (aunque con indudable talento visual) hacia otros paisajes más tópicos, más calcados y vistos (...) Muschetti tiene, sí, las armas, pero aquí se le ha quedado corta la munición" . Más tibias fueron las de Carmen L. Lobo en el Diario La Razón "Posee una extraña belleza (...) Hay guiños al terror de siempre, un tímido conato de tragedia social, mero y débil pretexto para desarrollar la trama, y un amor increíble por esas atormentadas criaturas" o las de Jordi Batlle Caminal en el Diario La Vanguardia "El primer tramo es admirable (...) Pero el guión empieza a embarullarse en la segunda parte, muy reiterativa (...) Impecable en lo formal, discutible en su estructura dramática (...), o la de Manuel Piñón en Cinemanía al decir que “"Chastain asume el reto de hacer especial lo que podría ser rutinario (...) Mérito compartido con Muschetti al que sólo se le puede echar en cara la confusión de conceptos e intenciones con la que resuelve una historia especial".

Estrenada en más de 2.600 cines de Estados Unidos, esta coproducción hispanocanadiense de Guillermo del Toro, basada en un cortometraje previo de su autor -de idéntico título-, se colocó sorprendentemente en el nº1 de la taquilla norteamericana en su primer fin de semana con 28 millones de dólares de recaudación.
El punto de partido fue un corto de unos tres minutos elaborado por dos realizadores argentinos, Andrés y Barbara Muschietti, procedentes del mundo de la publicidad y fue filmado en España. Decía Bárbara Muschietti que “ El cine siempre fue nuestro objetivo. La publicidad vino por accidente, aunque nos sirvió muchísimo como escuela".

La intención inicial de los hermanos era filmarlo en la Argentina, pero – he leído, aunque no sé si es cierto o coña – que no pudieron rodarlo en su país pues el INCAA – la entidad o instituto que financia o apoya el cine en Argentina, quería que contara con otro elenco de actores. Lo que crearon fue un cuento gótico, hermoso, radiante y simple como solo el amor de una madre por su hijo puede serlo. Nos introducen en la historia unos créditos fabulosos, muy en la línea de las últimas producciones e intervenciones de Guillermo del Toro, enmarcados en unos dibujos infantiles que narran todo lo que va a acontecer (accidente con el padre, supervivencia en soledad a base de cerezas en el inhóspito bosque gracias a la ayuda de "alguien" a quien las niñas llaman "mamá") .
Desde el inicio sufrimos todo tipo de sustos truculentos cada tres minutos, intriga, así como elementos visuales y sonoros característicos de la narrativa gótica de terror. La película opta por el miedo psicológico así como por el susto ante lo inesperado para ver a oscuras y con el volumen alto para pasarlo de miedo con miedo y contiene todos los tópicos del cine de terror: apariciones horrendas, una historia truculenta, irrealidad, así como los inevitables jóvenes, en este caso, niñas con altas dosis de tensión.
La película es más efectiva durante la primera mitad, donde sólo tenemos vistazos fugaces de Mamá. Cuando ya no nos dejan usar la imaginación y nos la muestran abiertamente el miedo se esfuma. Noventa minutos de terror para acabar con diez minutos de espanto y bochorno. No, no está, desde mi punto de vista, bien terminada y tiene un final más que confuso hiriente y en todo caso con un desenlace un tanto decepcionante. La escena final, en la que el director se explaya y abusa de los efectos digitales, supone una pequeña tacha en la película que, sin embargo, considero que no es suficiente para empañar el conjunto. De cualquier manera son muy aprovechables y dan miedo esos noventa minutos largos que no deberían de empañarse por los diez finales.