El regreso

Pocas veces he visto una mejor conjunción en el cine entre una banda sonora externa, es decir, ajena a la música ambiente,  salpicada  con éxitos musicales de los años 60  compuestos e interpretados por The Beatles, Janis Joplin, Bob Dylan, The Rolling Stones, The Doors , Tim Buckley, Buffalo Springs, Aretha Flanklin, Richie Havens, Jimmy Hendrix , Jefferson Airplane o Simon & Garfunkel con el desarrollo de una historia, una narración que años después de su estreno sigue impresionando. 

El regreso no es uno sino múltiples regresos. La idea del regreso en abstracto es lo que impresiona. No sólo el que retorna, sino el cómo regresa. Son varios entre los que regresan en la pelíucla , pero ninguno regresa en buen estado. El regreso puede ser querido y deseado, pero los que regresan o hacen llenos de inquietud o afectados por las circunstancias vividas en Vietnam, trasfondo en el que se desarrolla la historia. 

Algunos lo hacen con heridas físicas , pero todos los hacen con heridas mentales. Unas y otras son incurables pero a pesar de que pueden ser las física lastrantes, las que no tienen remedio son las psicológicas. 

Coming Home en España El regreso es una película dramática estadounidense del año  1978 dirigida por Hal Ashby a partir de un guión escrito por Waldo Salt y Robert C. Jones a partir de una historia de Nancy Dowd . 

Es evidente que Hal Ashby, nacido en el seno de una comunidad mormona de Utah,  no tuvo un gran  recorrido cinematográfico, en parte de por su temprano fallecimiento a los 59 años. Ashby rápido y no tengo claro que bien.

Se trasladó de Utah a California, donde encontró un puesto como ayudante de montaje. Su eclosión en el mundo del cine llegó en 1967 al ganar Oscar al mejor montaje por su trabajo en En el calor de la noche. Previamente había sido nominado por ¡Que vienen los rusos, que vienen los rusos!. Su xarrera estaba encandilada. En aquella entrega del Oscar al mejor montaje en 1968, dio un recordado discurso al recoger el premio por su trabajo al decir, simplemente: "Por repetir las palabras de un querido amigo mío cuando recogió su Oscar el año pasado, solo espero que podamos usar nuestros talentos y creatividad para conseguir la paz y el amor. Gracias".

Su debut como director se produjo en 1970 y bajo el amparo de Norman Jewison pasando en esa década a apostar por una vida cercana al mundo hippie al "flower power" como vegetariano y melenudo.

En sus 16 años de dirección, Ashby comenzó por El casero (The Landlord, 1970) a la que siguieron Harold and Maude y la sátira social Bienvenido Mr. Chance - Desde el jardín, Shampoo o Esta tierra es mi tierra, una biografía de Woody Guthrie protagonizada por David Carradine y que fue el primer film en utilizar la Steadicam.

En 1978, logró uno de sus mejores reconocimientos con el drama inspirado en la Guerra del Vietnam El regreso.

El éxito comercial de esta animó a Ashby a fundar su propia productora: Lorimar. Pero si bien se aventuró con las drogas que aumentaron su carácter introvertido y excéntrico, encerrándose en su vivienda de Malibú, fumando marihuana y evitando comer delante de otras personas.

En la década de 1980, su filmografía se vio afectada por su excentricidad. Así, sus siguientes producciones, Second-Hand Hearts y Lookin' to Get Out , fueron un auténtico fracaso . Pero su prestigió profesional como montador quedó por los suelos cuando tardó casi seis meses en editar el videoclip de The Police Message in a Bottle.

Así que proyectos que podrían relanzar su carrera como Tootsie no llegaron a buen puerto. Su salud se resintió durante el rodaje del documental de los Rolling Stones en la gira de la banda británica por Estados Unidos durante 1981: Let's Spend the Night Together. Sufrió un derrame cerebral y, aunque se recuperó y pudo acabar el documental, no volvió a ser el mismo.

Sus proyectos posteriores como The Slugger's Wife, basada en un guion de Neil Simon así como otro titulado  8 millones de maneras de morir, co-escrito por Oliver Stone, fueron unos auténticos fiascos de taquilla y crítica.

En los últimos años, Ashby dejó las drogas , pero sus problemas con su salud aumentaron cuando se le diagnosticó un cáncer pancreático . Ashby murió el 27 de diciembre de 1988 en su casa de Malibú. Fallecía un director que ha sido presentado como indómito, pero también como raro. Para la historia volvía un nuevo director de culto.  

La película fue producida por Jerome Hellman estando como productor asociado  Bruce Gilbert que , por medio de las productoras United Artists, Jerome Hellman Productions ,  Jayne Productions manejaron un presupuesto de $ 3 millones.

Como hemos señalado la película contaba con un guión en el que habían intervenido Waldo Salt, Robert C. Jones, Rudy Wurlitzer, y Nancy Dowd partiendo de una historia de Nancy Dowd.

En cuanto la música fue responsabilidad de George Brand y en la misma hay fragmentos de canciones del momentos, muchas y muy buenas.

También a destacar la fotografía de Haskell Wexler y el material que fue editado por Don Zimmerman.

El plantel lo encabeza una esplendorosa Jane Fonda como Sally Hyde , Jon Voight como el ex sargento Luke Martin , Bruce Dern como el capitán Bob Hyde , Penélope Milford como Vi Munson,  Robert Carradine como Bill Munson , Robert Ginty como el Sargento Dink Mobley,  Mary Gregory como Martha Vickery,  Kathleen Miller como Kathy Delise , Beeson Carroll como Capitán Earl Delise,  Willie Tyler como Virgil,  Lou Carello como el bigotes, Charles Cyphers como Pee Wee , Olivia Cole como Corrine , Tresa Hughes como la enfermera Degroot y Bruce French como el Doctor Lincoln.

La película se desarrolla principalmente en los Estados Unidos, en California y en el año 1968. Estados Unidos participa abiertamente en la guerra de Vietnam. Una guerra que tiene alta contestación social en el país, dado el alto costo económico y sobre todo humano desde los primeros años de intervención. De hecho la secuencia de inicio nos encontramos con un grupo de veteranos discutiendo sobre en un hospital sus propios puntos de vista sobre la guerra. Entre ellos está un ex sargento Luke (Jon Voight) que se suma a la conversación, pero por respeto, permanece en silencio y escuchando.

Conocemos en ese momento a Bob Hyde (Bruce Dern)  un capitán de la Infantería de Marina de los Estados Unidos , que se está preparando físicamente para ser enviado a Vietnam . Como un oficial militar de carrera Bob ve en la guerra una vía, una oportunidad para subir en el escalafón y progresar en el cuerpo.

Son muchos los que han ido para ese año 1968. Ajena a esta realidad profesional vive Sally (Jane Fonda), la esposa del militar. Una esposa tan fiel como tradicional  que en esos dos años de casada  jamas se ha opuesto a las opiniones de su marido.

Conocemos a ambos en dos momentos. En el bar de oficiales adonde Bob gusta ir una vez se inicia la hora del descanso para beber y hablar con sus amigos, así como en la cama en la que descubrimos que Sally no vive pasión alguna con su marido ya que el único que parece disfrutar haciendo el  amor es él.

Tras esperar algunas semanas Bob anuncia a su mujer que su incorporación ha llegado, así que se preparan para la partida.

El día de la partida coincide con otro pareja, la formada por el capitán ( ¿ o sargento?) Dink Mobley ( Robert Ginty) y su novia con las que no está casada  Vi Munson ( Penélope Milford ). Antes de partir Sally hace entrega a Bob de un anillo que intenta simbolizar la fidelidad ante la separación quedando él fuera de juego al no tener nada para ella.

Tras coincidir las dos en el aparcamiento, Sally propone a Vi ir juntas al bar a tomar una copa , rehusando notoriamente Vi , ante la posibilidad de hacerlo en el bar de oficiales. Sin embargo, cuando parece que el coche va a partir Vi dice conocer un bar en el que, tras pasar por la casa de Vi,  se toman unas cervezas.  Al principio, Sally comenta que teme que la dejen sola, pero en ese momento Vi de propone trabajar donde está ella, en el hospital militar lugar al que ella llegó tras el regreso de su hermano Bill  (Robert Carradine  ) a los Estados Unidos desde Vietnam. Comenta que las dos semanas que pasó allí en el país asiático destruyeron a su hermano en lo psicológico y que ha regresado con con secuelas emocionales graves.

A ella le parece interesante trabajar más allá de sus colaboraciones en el periódico de la base así que , sin nada más que hacer, decide ser voluntaria en el hospital local de veteranos , sin que Bob sepa nada .

A esto se le une la necesidad de liberarse obligada a encontrar una vivienda fuera de la base, decide ayudada por su amiga Vi Munson mudarse a un apartamento nuevo cercano a la playa y , tras romperse su vehículo, comprarse un auto deportivo.

Tras eso comienza su periplo en el hospital y casi el primero en conocer es a Luke Martin (Jon Voight) , un ex compañero de la escuela secundaria. Al igual que su amigo Billy, Luke, que era el capitán de fútbol americano del que ella una de las cheerleaders.

Vemos que a su regreso de Vietnam pero regresó herido por metralla en la columna vertebral quedándose  parapléjico y lleno de dolor, ira y frustración. Cuando habla con su compañeros también con graves heridas algunos todavía convencidos de su participación. Por contra, Luke ahora se opone a la guerra.

El encuentro entre Luke Martin (Jon Voight)  y la voluntaria  Sally (Jane Fonda), es catastrófico pues Luke que se queja de que no le han quitado su bolsa de orines la derrama y el sale violentamente de la sala y resulta atado a la cama. Después se niega a comer e intenta, cuando aparece Sally, a  pedir excusas a que la liberen de sus correajes.

Descubrimos que Luke está amargado, pero a medida que prosigue en contacto con Sally, se empieza a desarrollar una relación cada vez más cercana. Luke le cuenta que su apodo mientras era animadora era el de "la tía buena" y saca gran parte de su ira cuando consigue una silla de ruedas que le da bastante movilidad. Ahora puede jugar al baloncesto o al fútbol americano como vemos en un intenso partido el día 4 de julio, un día en el que el centro recibe muchas visitas.

Vemos a Sally y Luke, así como a Vi y a su hermano, en la fiesta. Descubrimos que el hermano de Vi es un chico tímido y sensible que no cree casi nadie salvo en su hermana y Luke.  Este demuestra su capacidad con la guitarra en una composición que emociona a los presentes, especialmente a él mismo, siendo consolado por Luke.

Sally, es consciente que   Luke se siente cada día más cercana a ella, así que decide invitarle una noche a casa, Vemos las dificultades que ha de superar para entrar en la casa y durante la estancia le confiesa Luke que le gustaría enormemente hacer el amor con ella. Ella le replica que siempre ha sido fiel a su marido y que siempre lo será.

Finalmente, Luke sale del hospital y, con su propia silla de ruedas, se muda a una nueva vivienda habilitada , se le readapta un coche y comienza a reconstruir su vida. Comienza a salir de forma asidua paseando por la playa o tomando unas cervezas.

Su relación con Sally va profundizando. Ella también es transformada por él y su visión de la vida comienza a cambiar. Por cambiar cambia hasta de peinado. Tienen momentos felices, juegan en la playa y los dos se enamoran.

Pero en esto que llega una carta de Bob que le pide tanto a ella como Vi que marchen un fin de semana a Hong Kong - uno de los espacio que tenía la Marina de los Estados Unidos de "R & R" ( "rest & recuperation" , o "descanso y recuperación") pues los dos oficiales tienen un fin de semana libre. Vi, rechaza la idea de ir, pues supondría dejar a su hermano unos días y ella sabe que no debe.

Finalmente Sally va a la por entonces colonia británica y allí se encuentra con su marido y con Dink, que inicialmente se siente frustrado y se va a un club frente al  bar al que van Bob y Sally. Pero Sally determina y observa el extraño momento que vive Bob, pues se niega a pasar un minuto con ella a solas y casi la rechaza. La situación de fin de semana se salva gracias a que Dink le dice que cuando regrese a casa le pedirá a Vi que se case con él. Con esa buena noticia regresa a casa,

Mientras tanto, descubrimos que Billy, cada día más traumatizado por sus experiencias en la guerra,  se encuentra generando problemas en la sala de rehabilitación. Uno de los amigos de Luke, sabedor del poder que Luke ejerce sobre él lo llama a casa. En ese momento,, el que se encuentra ofuscado porque Sally ha vuelto con su marido, está con una prostituta, pero se siente incómodo.

Al recibir la llamada le pide a un Billy que no atiende a razones que le espere. El hermano de Vi aprovechando un descuido de los cuidadores se mete en la enfermería y se suicida inyectándole aire en las venas.  Cuando se persona Luke ya es tarde.

Dado lo ocurrido con el suicidio de Billy, Luke reacciona comprando en una ferretería candados y cadenas y con ellos se dirige en su coche a la base militar y cierra las puertas de la misma con los candados y se encadena a las puertas de un centro de reclutamiento local en un vano intento de evitar que otros se alisten.

Por su parte, Sally al llegar se entera por Vi del suicidio de su hermano y le pide que salga con ella a tomar unas copas. Unos señores le invitan a champán. Vi parece descontrolada por el champagne y por el dolor, y antes de cometer una barbaridad Sally le consuela.

Al dejarla ve en televisión lo que sale en las noticias con Luke de protagonista así que va a por él a la policía militar y ella le invita a pasar esa noche en casa. Sally y Luke finalmente hacen el amor, enfrentándose a su discapacidad. Es la primera vez que Sally tiene un orgasmo.

Sin embargo, ella sigue siendo leal a su esposo, y tanto ella como Luke saben que su relación tendrá que terminar cuando su esposo regrese a casa.

Pero desde ese momento y dada la mala prensa, un par de agentes de Inteligencia Militar siguen a la pareja, tomando fotografías y documentando su relación.

Un día Sally recibe un telegrama que anuncia que Bob regresa, demasiado pronto, alegando que se hirió accidentalmente en la pierna. Vi y Sally le preparan una fiesta, pero Bob está extraño , como ido , le molesta de Sally que se haya puesto a trabajar en el hospital de veteranos con esos desgraciados , le molesta el peinado y que haya alquilado una apartamento en la playa. lo único que no parece molestarle es el coche que se ha comprado, un descapotable.

Nada más entrar en la casa lo vemos tenso , especialmente, cuando explica como se ha herido en la pierna, de una forma bastante ridícula, por cierto, pues se ha autolesionado involutariamente, al parecer, con su propia arma. Lo peor y más ridículo es que va a ser condecorado con ello. Pero la casa se le cae encima y decide ir a tomar unas copas con al bar de oficiales.

Cuando Sally está quitando las guilnardas , globos y carteles de bienvenida llega Bob con unos compañeros que acaba de conocer en el bar. Todos borrachos se quedan en la casa a dormir. Descubre que Bob duerme con su arma en la mano. No hay duda de que está afectado y sufre de estrés postraumático de lo que ha visto en combate.

Una vez premiado con su medalla Bob , ante una inesperada visita de dos agentes de la Inteligencia Militar , las relaciones que mantiene Sally con Luke ya que han estado espiando a Luke desde el incidente de la puerta.

Bob le comenta algo a Sally y después avisa a Luke de lo ocurrido. Temiendo por la vida de ella, Luke se persona en la casa justo en el momento en el que Bob está amenazando a Sally con su rifle de asalto cargado. Luke, finalmente, a Bob de que debería tratar de arreglar las cosas con Sally. Bob finalmente se da la vuelta.

La película termina con Luke hablando con un grupo de jóvenes en una High School sobre su experiencia en Vietnam contrastando la información que ha dado previamente un sargento de la Marina que habla de su positiva experiencia. La charla es intercalada con Bob colocando su uniforme de marinero de gala cuidadosamente doblado en la playa, quitándose su anillo de bodas y nadando desnudo en el océano para poner fin a su vida.

El regreso o Coming Home fue concebida por Jane Fonda como el primer largometraje de su propia productora, IPC Films (para la Campaña por la paz de Indochina), y tuvo como productor asociado a Bruce Gilbert, un amigo de sus días de protesta. Fonda tenía en mente hacer una película sobre la Guerra de Vietnam inspirada en su amistad con Ron Kovic , un veterinario parapléjico de la Guerra de Vietnam, a quien conoció en un mitin contra la guerra y del que conocimos su vida y circunstancias con la película de Oliver Stone inspirada en su libro autobiográfico Nacido el cuatro de julio, una película ganadora del Oscar protagonizada por Tom Cruise como Kovic.

En 1972, Fonda contrató a Nancy Dowd , otra amiga de sus días en el movimiento feminista, para escribir un guión sobre las consecuencias de la guerra vista a través de los ojos de una esposa militar.. Originalmente, la historia de Dowd, titulada tentativamente Buffalo Ghosts , se centró en dos mujeres, voluntarias en un hospital de veteranos, que deben enfrentarse a la carga emocional que la guerra asume en sus víctimas y en sus familias.

El proyecto se prolongó durante seis años, hasta que Bruce Gilbert y el productor Jerome Hellman lo tomaron. El guión fue remodelado significativamente por el grupo que eventualmente lo llevaría a la pantalla: Fonda, Ashby, Wexler, Jon Voight, el productor Hellman y los guionistas Waldo Salt y Robert C. Jones, todos ellos opositores a la guerra de Vietnam, y preocupados por los veteranos que regresaban a Estados Unidos y las dificultades a las que se enfrentaban para adaptarse a la vida en su hogar. Rudy Wurlitzer hizo un trabajo sin acreditar en el guión.

La película iba a ser dirigida por John Schlesinger , quien había trabajado con el productor Hellman y Voight en Midnight Cowboy , pero abandonó el proyecto después de sentirse incómodo con el tema especialmente ya que consideraba que la película debería ser dirigida por un director estadounidense comprometido. Fue reemplazado por Hal Ashby .

Fonda fue elegida desde el principio como Sally Hyde, la ama de casa. Se buscó a una estrella como protagonista masculino, para compensar la naturaleza sombría de la historia. Entre los posibles candidatos se sopesaron a Al Pacino , Jack Nicholson y Sylvester Stallone se les ofreció el papel, pero se negaron. Jon Voight que había sido considerado para el papel del marido, pero después de involucrarse con la película, hizo campaña para interpretar al veterano parapléjico. Voight había participado en el movimiento contra la guerra, y era un amigo de Fonda, quien fue fundamental para ayudarlo a conseguir el papel, a pesar de que había perdido popularidad desde su día de Midnight Cowboy .

Bruce Dern , que era un actor bastante encasillado fue elegido como el marido ya que era del gusto de la Fonda , ya que ella y Bruce Dern habían trabajado juntos previamente en Danzad, Danzad, Malditos (1969).

Jane Fonda como productora quería a Meryl Streep para el papel de Vi, pero estaba comprometida con otra película.

El guión fue escrito y reescrito hasta que el proyecto no pudo esperar más. Jane Fonda, que acaba de terminar Julia (1977), tenía programada su  participación en una película de Alan J. Pakula Comes a Horseman (1978) , aquí llamada "Llega un jinete libre y salvaje".

Para el director Ashby, esta fue su segunda película sobre la década de 1960 desde su película de 1975 Shampoo. Ashby había contratado a la cantante y compositora Guthrie Thomas para interpretar el papel de Bill Munson en la película después de revisar la prueba de pantalla de Thomas. Thomas se unió a Ashby y al elenco completo en un restaurante en Malibu Beach, California, antes del comienzo de la producción. Thomas era un amigo cercano de Ashby y había sido elegido para una película anterior de Ashby, Bound for Glory , protagonizada por David Carradine .

Al finalizar la reunión del elenco, Thomas habló en privado con Ashby y le dijo a su amigo: "Hal, soy un cantante y compositor, como tú sabes, y no un actor. Para ser sincero contigo y con este increíble elenco, necesitas un actor extremadamente talentoso para esto  y no un mal cantante. Recomiendo a Bobby Carradine o Keith Carradine". El elegido fue Robert Carradine para interpretar el papel de Bill Munson.

La secuencia inicial en el hospital de veteranos no donde hablan los veteranos no tenía guión. Eran verdaderos veteranos de Vietnam discutiendo sus propios puntos de vista sobre la guerra. Y añadir que hay dos cameos curiosos. El primero del director Hal Absby que aparece en un momento realizando el signo de la paz cuando se cruza con Sally que va con su descapotable; el otro,  el que realiza el director de fotografía Haskell Wexler que aparece como general durante la ceremonia de entrega de medallas del capitán Hyde.

La película acabará rodándose en California y en concreto como espacio destacable se reconoce la playa de Manhatam Beach.

Coming Home se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1978 , donde Voight ganó el premio al Mejor Actor por su actuación.

Fue un éxito en taquilla consiguiendo $ 36 millones  en todo el mundo contra un presupuesto de $ 3 millones, convirtiéndose en la 15ª más taquillera película de 1978.

La película fue estrenada de forma general en febrero de 1978 y fue un éxito popular entre el público y, en general, recibió buenas críticas.

En cuanto a las críticas Charles Champlin de Los Angeles Times comentó que: "A pesar de una banda sonora demasiado explícita y algunos momentos en que la historia se convirtió en un sermón, la película tradujo efectivamente un cambio en la conciencia nacional en términos personales creíbles y conmovedores".

En The Toronto Sun se calificó la película como uno " Los mejores años de nuestras vidas alrededor de 1978 con los mismos estándares y la misma moral elevada de una época anterior".

En Variety se dice de la película " Coming Home es, en general, una excelente película de Hal Ashby que ilustra las actitudes conflictivas sobre la debacle de Vietnam desde el punto de vista de los participantes. La excelente producción de Jerome Hellman tiene una Jane Fonda en otra actuación memorable y conmovedora; Jon Voight, vuelve a la pantalla mucho más maduro, seguro y efectivo; Bruce Dern, sigue forjando una nueva dimensión de carrera." Y añade "Fonda y Ashby han frenado cualquier tendencia a ser presumidas o pedantes. En cambio, ella proporciona una caracterización excelente. El personaje de Voight evoluciona a medida que él y Fonda se convierten en amantes. Una escena de sexo entre los dos es una obra maestra del erotismo romántico discreto. "

Por su parte, Jonathan Rosenbaum tiene ciertas dudas sobre la película y termina un extenso artículo con lo siguiente: " Coming Home intenta recordar y olvidar con la misma intensidad de dedicación, al mismo tiempo que nos mantiene tan confusos como nosotros, mientras que proporciona una salida emocional a nuestra confusión. Justo lo que todos necesitamos, ¿no es así? "

La película ganó tres premios de la Academia en la 51 Edición de los mismos: al mejor actor ( Jon Voight ), a la mejor actriz ( Jane Fonda ) y al mejor guión original ( Waldo Salt , Robert C. Jones y Nancy Dowd ).  También fue nominado a seis Premios de la Academia, incluyendo al Mejor Actor de Reparto ( Bruce Dern ), Mejor Actriz de Reparto ( Penelope Milford ), Mejor Director ( Hal Ashby ), Mejor Edición de Película (Don Zimmerman) y Mejor Película( Jerome Hellman ).

En los Globos de Oro consiguió dos , el de mejor actor (Jon Voight) y actriz (Jane Fonda)de las seis nominaciones.

El Sindicato de Directores (DGA)nominó a Hal Ashby como mejor director en aquel año 1978 y el Círculo de Críticos de Nueva York premió a  Jon Voight como mejor actor . El Sindicato de Guionistas (WGA) valoró la película al mejor guión original dramática.

La película está incluida entre la lista de 1998 del American Film Institute dentro de las cuatrocientas películas nominadas a las 100 mejores películas estadounidenses.

Destacar el impresionante trabajo por parte de todos. De guionistas, director, actor y actrices en la que destaco a una Jane Fonda nunca tan parecida físicamente y profesionalmente a su padre y que en aquellos años se encontraba en pleno esplendor.

También destacar el trabajo de interpretación de John Voight  en un esfuerzo titánico y en una interpretación que roza la perfección. Se trata de una película valiente para la época , una película en la que trata abiertamente la idea del sexo entre una persona sin discapacidad y una persona discapacitada. De hecho muestra como la mujer, Sally, alcanza un orgasmo a partir del sexo oral, algo que evidentemente llamó la atención a los censores de la época. Así se refleja en el documental los censores de Hollywood (2006), que toma como referencia a esta película de ejemplo de lo mucho más estricto que se había convertido la MPAA con respecto al contenido sexual de las películas desde la década de 1970.

Para terminar quiero acabar refiriéndome al director y rescatar un artículo publicado por Juan Manuel Freire en El Periódico con respecto al director del que dice que "su ritmo paciente, bastante hipnótico, o algunos de los mejores empleos de canciones pop que se hayan visto en la historia del cine. Películas perceptivas sobre amor y amistad, clase y raza, guerra y paz, a menudo con un sutil sentido del humor tan imitado como inimitable. " 

Gracias a él he conocido que la montadora Amy Scott se adentró en la dirección por medio de un documental dedicado al director de la película con "Hal , director de culto".

La película parte de una biografía del director escrita por Nick Dawson, 'Hal Ashby: Life of a Hollywood rebel', que le sirvió como base. Ellla misma declaró que "parecía que con ella ya estaba la película hecha", pero finalmente 'Hal, director de culto' fue muy diferente al libro. 

Amy Scott, según Freire,  logró establecer paralelismos inéditos entre el hombre y la obra: "En sus películas, el protagonista siempre es un hombre blanco, a menudo desconectado de la sociedad, en busca de algo", explica. "Me parecía muy evidente que esta debía ser la línea central que debíamos explorar, pero me llevó un tiempo extraer los momentos clave de sus películas y poder construir una tesis sólida". Ashby no escribía los guiones de sus películas, pero es fácil entreverle en muchos de sus personajes protagonistas; o, mejor dicho, Scott lo ha hecho fácil. 

En dicho documental se comenta como muchos directores de aquel periodo conocido como 'New Hollywood' y que lograron renovar la sensibilidad del cine estadounidense  están influidos por su obra así como los nuevos valores, algunos presentes y otros ausentes en el documental como le ocurre, en este último caso, a Wes Anderson, no así a directores como Alexander Payne ('Entre copas'), Judd Apatow ('Lío embarazoso') o Adam McKay ('El vicio del poder'). Es una buena manera de recuperar a un director, de ver el regreso del mismo.

Ruta suicida

Cada día me parece más admirable Clint Eastwood. Por su presente y por su pasado. Hasta los 90 Eastwood fui catalogado por algunos críticos de cine, indudablemente afectados por el mayo francés del 68, como casi un filofascista. Sólo había que leer las crónicas de las películas que emitían , por ejemplo, de la saga Harry para darte cuenta del poco aprecio que tenían al mismo director que había hecho a finales de los 60 Escalofrío en la noche o Infierno de cobardes, dos obras notables en dos de sus campos favoritos, el thriller y el western. Los dos con personalidad propia , pero con un estilo aprendido o capturado en el procedimiento de tres de sus padres putativos: Don Siegel, Sergio Leone y Brian G. Hutton. Pero hay un detalle que no me ha gustado de él. Puede que sea el único, pero fue doloroso creo que para una persona: Sondra Locke y su carrera profesional.

Además ya estaba , creo, que consolidada su productora de referencia: la Malpaso. Pues bien, en los noventa televisión española y sobre todo sus programadores de cine continuaban con la idea de grandes ciclos dedicados a actores, actrices y directores, tan propio de la televisión de los 80 y allí, y no en otro sitio, descubrí a Clint Eastwood, primero con sorpresa, era mucho más que un actor que hacía de hombre duro, pues su versatilidad llegaba a todos los géneros, y luego con admiración saltaba de la actuación a la dirección , a la escritura, después también a la música con mucha soltura. 

Descubrí igualmente que siempre gustaba de colaboradores que repetían con él en muchas ocasiones y entre los que repetían habían un grupo de actores y actrices que lo acampaban en un film y en el siguiente. Entre las que participaban siempre aparecía , al menos, en gran parte de las películas de esa época era Sondra Locke, - aquí acompañada de otro habitual, Pat Hingle - que en las distintas lectura que hacía en el diario El País y en el nuevo de la época, El Mundo, descubrí que era su pareja sentimental. 

El pasado año Sondra Locke murió. Y yo, como siempre , sin tiempo ni para respirar y casi ni publicar estas entradas que sólo pretender ser un recuerdo personal de lo que veo cinematográficamente hablando acabo de ver - intento escribir la entrada al día siguiente de ver la película, aunque no siempre lo consigo- no hice dedicada a la actriz entrada alguna, le dedico ésta en la que ella juega un papel fundamental. 

Compañera en pantalla de muchas película de esta década, desde Outlaw Jessie Wales hasta , incluyendo la presente. Normal, era , por entonces, la compañera sentimental del director y actor entre 1975 y 1989. 

El primer encuentro de Sondra Locke con Clint Eastwood fue en 1972 cuando la actriz se presentó al casting de la película dirigida por Eastwood, Breezy. 

En 1975 comenzaron una relación sentimental durante el rodaje de la citada en inglés, pero citada, El fuera de la ley, separándose de hecho de su esposo Gordon Anderson en 1978 que para entonces ya vivía con otro hombre. 

Durante la segunda mitad de la década de 1970, Locke se convirtió en la compañera de pantalla de Eastwood tanto si éste actuaba o tan solo dirigía. La actriz apareció en films como El fuera de la ley (1976), Ruta suicida (1977), Duro de pelar (1978), Bronco Billy (1980) e Impacto súbito (1983). Juntos también protagonizaron Any Which Way You Can (1980), secuela de Every Which Way but Loose que dirigió Buddy Van Horn. 

En esos ochenta su relación personal se mantuvo, pero menos intensa fue la profesional, aunque eso no evitó que trabajaran juntos en ocasiones para alguna serie televisiva como Tales of Unexpected o Cuentos asombrosos; en esta última fue dirigida por Clint Eastwood en un episodio titulado Vanessa en el jardín. 

En 1986 realizó su debut como directora, con una película de poco éxito Ratboy, donde también actuaba.En 1990, dirigió otra película con más éxito, el drama Impulso. Pero lo cierto es que el año anterior, en 1989, llegó su tormenta en lo personal que a la larga le afectaría en lo profesional. 

En 1989, su relación con Eastwood acabó de una manera tormentosa. En su autobiografía, The Good, the Bad, and the Very Ugly (publicada en 1998) explica exhaustivamente sus años junto a Eastwood. 

Cuando la relación acabó, Locke interpuso una demanda contra Eastwood, donde le pedía 1.300.000 dólares. Locke alegó que Eastwood cambió de un día para otro las cerraduras de su casa. Según dice la biografía, Eastwood la obligó a tener dos abortos y a una ligadura de trompas. Eastwood siempre negó esas alegaciones y afirmó que su ex pareja estaba ganando dinero a su costa, gracias a la venta de ese libro. 

Pues bien, antes de esta "guerra incivil doméstica" trabajaron juntos en Ruta Suicida. He visto la película en un canal que , sin apostar por los ciclos, si que presentó el domingo pasado un pack de película de Eastwood: El nido de águilas y Ruta suicida. Se trata de 13 TV una cadena a la que le tengo que agradecer que recupere títulos setenteros y ochenteros que no hay manera de ver en otras circunstancias. 

Setentera es Ruta Suicida o The Gauntlet, concretamente su estreno tuvo lugar en 1977. La dirección estuvo en manos de Clint Eastwood, no así la producción que fue de Robert Daley , al menos oficialmente , pues Malpaso Productions es del actor californiano y contó con un presupuesto estimado de $5,500,000 . La otra compañía interviniente y responsable de la distribución fue la Warner Bros.

El guión fue escrito por Michael Butler y  Dennis Shryack , mientras que la música en tonos jazzísticos- impresionante en el inicio de la película - es de Jerry Fielding responsable de la partitura  y dirección musical y que contó con los Art Pepper y Jon Faddis.

La fotografía fue de Rexford L. Metz , mientras que el montaje, que tuvo que ser complicado,  pasó por Joel Cox y  Ferris Webster.  

El reparto lo encabeza Clint Eastwood como el Detective Ben Shockley y junto a él  Sondra Locke como Augustina "Gus" Mally. Además participan Pat Hingle como Maynard Josephson, William Prince como el Comisionado Blakelock, Bill McKinney como el policía de local de un pueblo de Nevada  Constable,  Michael Cavanaugh como Feyderspiel. 

También salen Carole Cook que interpreta a una camarera , Mara Corday como Matrona de la cárcel  de Las Vegas, Doug McGrath como Bookie , Jeff Morris como el sargento de Las Vegas,  Roy Jenson como un motero,  Dan Vadis como otro motero. 

Con las fantásticas notas procedentes de una banda de jazz comienza la película en la que inmediatamente conocemos a Ben Shockley (Clint Eastwood), un jugador, mujeriego y policía alcohólico que se pasa las noches apostando y bebiendo que trabaja en Phoenix (Arizona) y que nada más llegar al trabajo en un estado lamentable - se le cae una botella de bourbon de las manos nada más salir del coche - es informado por su compañero de siempre  Maynard Josephson (Pat Hingle ) recién ascendido a oficinas que lo espera su jefe, el Comisionado Blakelock (William Prince ), un hombre inflesible con las normas y con las formas que, además de echarle en cara no ir afeitado, le ordena ir a Las Vegas con la misión de acompañar a un preso  "Gus" Mally desde su lugar de detención,  Las Vegas. 

Su superior, el comisionado EA Blakelock, dice que la persona que va a recoger es un "testigo de nada" para un "juicio de nada". 

Nada más llegar al aeropuerto de Las Vegas, Ben se dirige al cuartel de la policía y pregunta por el preso Gus Mally. El sargento de la puerta ( Jeff Morris ) le vacila durante unos minutos diciéndole que no tienen preso alguno con el nombre de Gus, pero cuando se va desesperado le aclara que eso sí tienen una chica   Augustina "Gus" Mally, una prostituta,   que ha de recogerla un policía de Phoenix.

Nada más llegar a la celda, la encargada de las mismas (Mara Corday ) le informa que la chica se ha levantado enferma y que tiene fiebre, pero Ben sabe que es algo que se usaban en el ejército para librarse de servicio y la levanta. En ese momento descubre a Augustina "Gus" Mally (Sondra Locke) una chica combativa que lo primero que le dice que los dos van a morir pues las apuestas cuando ella entró en la cárcel iban 50 a 1 a que Mally no salía de la ciudad con vida. 

Ben no la cree , así que marcha a un bar donde pide una cerveza y mientras una camarera que la sirve  (Carole Cook  ) le dice si no va a apostar . Cuando levanta la cabeza se fija en una apuesta, aparentemente de las carreras,  que va 50 a 1 titulada "Mally no llegará a su destino", ante lo cual se pone en alerta y al llegar al calabozo pide a los dos sanitarios que lo van a trasladar al mismo que alquilen un coche para llegar al aeropuerto con el fin de despistar a aquellos que los persiguen. 

Únicamente pide que uno de los sanitarios le acompañen hasta el lugar en el que han dejado el vehículo y al llegar Ben le pide al sanitario que revise su interior y en ese momento estalla el vehículo. A sabiendas que las amenazas están fundadas deciden esconderse en casa de la chica, con la intención de esperar ayuda y volar a la ciudad de Arizona. Pero al querer contar con apoyo llama directamente al Comisionado y éste le dice que espere en la casa y que llegarán dos vehículos de la policía.

Al llegar a la casa "Gus" Mally  se muestra como una prostituta inteligente y  beligerante que quiere luchar y escapar para salvar la vida ya que sabe que ha estado con personas ligadas con la Mafia como Di Marco, la persona que será juzgada en Phoenix donde ha de declarar. Sabe que  está en posesión de información incriminatoria sobre un hombre importante, pero no sabe su nombre pero si quién era pues tuvo una desagradable experiencia con él en Las Vegas. 

Sus sospechas de que van a por ambos se confirman cuando no dos vehículos de la policía sino decenas se personan ante la casa de la chica y de inmediato la casa de Mally es atacada con miles de disparos. 

Shockley y Mally logran salir airosamente por una salida que había tras una trampilla , pero sabe que serán perseguidos por todo el Estado sin asistencia oficial y con la fuerza policial considerándolos como fugitivos. 

Ante lo complejo de la situación deciden secuestrar a un agente local de una pequeña localidad de Nevada de nombre Constable (Bill McKinney ) un hombre desagradable que ataca a la chica por ser prostituta y que se pasa tres pueblos con ella. 

Sin embargo Ben a punta de pistola lo lleva en coche por carreteras secundarias hasta la frontera con Arizona. Pero , a sabiendas que lo pueden detener al pasar al Estado del Gran Cañón, deciden dejarlo ir, ya que Mally sabe que habrá otro golpe. Ellos pueden ver desde la distancia como el agente de la ley muere a manos de varios hombres armados con ametralladoras. 

Esa noche la pasan en una cueva en la que entre ambos se produce un acercamiento , aunque ella hace un amago de huir por no querer salir de Phoenix. A la mañana siguiente se encuentran con una enorme pandilla de moteros a los  que Shockley amenaza con su revólver, y a uno de ellos le confisca una de sus motocicletas , aunque destruye el depósito de otra. En la moto sale junto a Mally. 

Para ese momento ya no hay dudas de que el jefe de Shockley, el comisionado Blakelock, los quiere a ambos muertos, porque Mally sabe de la vida secreta de Blakelock. 

Por su parte, el asistente del fiscal de distrito Feyderspiel (Michael Cavanaugh) está igualmente involucrado en el complot para matar a Shockley y Mally. 

Ambos van a ser presentados ante lo opinión pública como los responsables de la muerte del agente local en la frontera. 

Mientras los que han escapado en la moto se dirigen a una ciudad donde Shockley y Mally son localizados por un helicóptero lleno de policías enviados por Blakelock que les dispara. Con la moto ambos huyen por la sierra y una zona de túneles en pleno desierto , pero el helicóptero los persigue en la carretera  disparándoles desde arriba. 

Durante la persecución a alta velocidad en la que ellos se ocultan por momentos en los túneles el helicóptero se estrella contra una torre eléctrica y explota. Tras esto los dos abandonan la motocicleta dañada y se suben a un tren en el que, casualmente, viajan los mismos dos motociclistas y una chica acompañante cuya moto habían cedido al policía. 

Los motociclistas atacan y golpean brutalmente a Shockley e intentan violar a Mally que los llama para quitar su atención e impedir que  maten a Ben a probar su cuerpo. La motorista quiere participar del espectáculo.

Esto es aprovechado por un malherido Shockley que agarra su arma y somete a los motociclistas, que son expulsados a las bravas del tren. 

Shockley y Mally se dan cuenta de que volver a Phoenix por su cuenta será un suicidio, pero es la única forma de demostrar su inocencia. 

Ante las circunstancias complejas deciden dos cosas: por un lado, Ben llama al único policía del que se fía, su amigo Maynard, que le propone dar protección con el apoyo del fiscal Feyderspiel, a quien cree una persona honesta; y , por otro, secuestrar un autobús que va para la ciudad y , tras bajar a los ocupantes, en los que una señora mayor parece estar encantadas de participar en esa aventura, lo equipan gracias a encontrar un enorme soplete con un conjunto de armadura hecha de chatarra de acero. 

Con el vehículo casi acorazado están a punto de entrar en Phoenix, una ciudad tomada por la policía.  ya que entrar por el recorrido que había explicado Ben a Maynard Josephson, para que sus compañeros protegieran su entrada con el  visto bueno del ayudante del fiscal.

Observamos como durante todo el trayecto por las avenidas del centro de la ciudad hay cientos o miles de policías armados que Blakelock ha establecido para "darles la bienvenida". 

Josephson , que para el autobús acorazado , convence a Shockley para que se entregue a Feyderspiel, quien cree que es un fiscal honesto. Mientras los dos siguen a Josephson fuera del autobús, Josephson recibe un disparo desde un edificio cercano y, presumiblemente, muere, mientras que Shockley  es alcanzado en la pierna. 

Sin otra opción, los dos regresan al autobús y reciben cientos o miles de disparos mientras  avanzan de los cientos de oficiales armados que bordean ambos lados de la carretera, hasta que llega finalmente ante los escalones del Ayuntamiento, donde el autocar queda inmovilizado. 

Los dos salen del autobús ante la mirada de los agentes que han dejado de disparar  y se rinden, pero en eso llegan tanto el ayudante del fiscal como el Comisionado que grita furibundo que hay que matar a Shockley y a la chica.

Ben ante las circunstancia usa Feyderspiel como escudo, para que confiese que Blakelock es  corrupto. El enfurecido Blakelock dispara a Shockley y Feyderspiel, hiriendo al primero y matando al segundo. Por su parte, Blakelock es asesinado a tiros por Mally. 

Al darse cuenta del crimen de Blakelock y haber presenciado su asesinato injustificado de Feyderspiel, el resto de los oficiales reunidos no hacen nada para detener a la pareja mientras Shockley y Mally se alejan de la zona caminando, como gusta a Clint Eastwood, con una imagen que va elevándose y con ellos alejándose de la zona.  

La película se rodó en tres estados diferentes: Nevada, Arizona - en  los desiertos cercanos en ambos estados- y California. Una parte minúscula del mismo tuvo lugar el 13 y 15 de septiembre de 1977 en los The Burbank Studios de Hollywood,. Pero el grueso se rodó en Las Vegas y alrededores en Nevada, y en distintos puntos de Arizona como Phoenix Civic Plaza, en la ciudad de Phoenix, al igual que en el Phoenix Police Department ; en Superior, en Globe y Florence.  

La película se basaba en la obra escrita por Dennis Shryack y Michal Butler y se iba a convertir en una película originalmente fue protagonizada por Marlon Brando y Barbra Streisand ; Brando se retiró posteriormente, reemplazado por Steve McQueen . Sin embargo, las diferencias entre Streisand y McQueen finalmente llevaron a que ambos se retiraran pasando el proyecto a favor de Eastwood , quien- según ClintEastwood.net, Eastwood compró el guión a Streisand-  y Locke.  Fue la segunda de las seis películas realizadas por la ex pareja.

Se dice que hubo un planteamiento de que Sam Peckinpah  dirigiese a Kris Kristofferson como Ben. Incluso, Walter Hill también estuvo interesado, y también pensó en Kristofferson como Ben. Pero Peckinpah y Kristofferson en cambio optaron por rodar  Convoy (1978) con Ali MacGraw, a quien Peckinpah consideró para la chica protagonista ideal para la película que proyectaba, The Gauntlet. Como sabemos el proyecto pasó a Eastwood convirtiéndose en el sexto largometraje dirigido por el director.

Durante el rodaje  se usaron , como pocas veces he visto en el cine, un número de disparos inauditos y un nivel de destrucción muy elevado teniendo momentos cumbres de destrucción en el ataque a la casa, el helicóptero y su persecución así como en la entrada en la ciudad de Phoenix.

Para la escena de la casa, de acuerdo con el libro "Clint Eastwood: Hollywood's Loner" (1992) de Michael Munn, se construyó una a un coste de $ 250,000 e incluyó 7,000 agujeros perforados que incluirían detonadores explosivos para su demolición. Un equipo de quince hombres trabajó ocho horas al día durante un mes armando la vivienda con los explosivos que culminarían con   la demolición y derrumbe del edificio. El coordinador de efectos especiales Chuck Gaspar dijo: "¡No hace falta decir que solo tuvimos una oportunidad de filmar la toma!". Y Clint Eastwood dijo de la secuencia que quería "no solo una explosión ordinaria ... Quería que la casa se derrumbara en el suelo como si una gran masa de termitas se la comiera".

Para la escena de persecución del helicóptero incluía un helicóptero que fue construido sin un motor para la secuencia de choque con la torre eléctrica. Esta secuencia con el helicóptero costó  250,000 dólares y requirió alrededor de dos docenas de personas para construir una torre de 75-85 pies que terminó siendo explotada por el equipo de efectos especiales.

Para simular los disparos que proceden de las armas de los oficiales al final de la película, el autobús fue volado con 8,000 explosivos. Según un ejecutivo de Warner Bros. en ese momento, cuando la película se mostraba en las pruebas de detección y llegó al clímax, la mayoría de la audiencia gritó "¡Dispara a los neumáticos del autobús, idiotas!" . Para esta escena Eastwood contó con verdaderos oficiales de policía tanto en activos como en la reserva de Phoenix.

Esta fue la primera "película de policías" dirigida por Clint Eastwood. Eastwood continuaría a dirigir las películas policiales Deuda de sangre (2002), El principiante (1990) e Impacto súbito (1983). Por cierto hay miles de disparos en la película , pero en ella Eastwood no mata a nadie.

 Del presupuesto total de $ 5.5 millones, $ 1 millón se gastó en varias secuencias de acción. El equipo de efectos especiales de la película estaba formado por treinta y cinco personas . Para el citado Chuck Gaspar , en el momento en que se hizo la película y se estrenó,  ésta implicaba las tareas de efectos especiales más desafiantes que se le habían asignado hasta ese momento. Según ClintEastwood.net, "Con 5,5 millones de dólares, esta fue la película más cara de Malpaso hasta la fecha. Los efectos especiales representaron una quinta parte de este costo, el explosivo helicóptero y las casas llenas de balas representaron 250,000 dólares cada uno".

Antes de que saliera la película, Clint Eastwood predijo que Sondra Locke ganaría un Premio de la Academia por su actuación, pero Locke ni siquiera fue nominado y eso que Locke  en los créditos aparece antes que su compañero.

Fue también la segunda de las tres películas de cine que el actor Pat Hingle hizo con Clint Eastwood pues antes lo hizo en Cometieron dos errores (1968) y después en Impacto súbito (1983). Y esta fue una de las siete colaboraciones de Bill McKinney y Clint Eastwood.

La escena con los motoristas,  The Bikers, contó con verdaderos miembros de la vida real de un Club de Motocicletas llamado The Noblemen de Las Vegas y del sur de Nevada.

En rodaje en el desierto no fue ni fácil ni cómodo durante el mismo, en el desierto de Nevada, Clint Eastwood descubrió una serpiente Rey de aspecto letal pero inofensiva e intentó compartir su descubrimiento con Sondra Locke, pero al principio ella se resistió. "Hice lo típico de chillar y correr", recordó Sondra, "pero Clint dijo: 'Sondra, ¡mira qué hermosa es!' Así que miré y tenía unas marcas magnñificas. Antes de darme cuenta, estaba escalando sobre mí ... y parecía perfectamente natural ". Clint devolvió la serpiente al desierto.

La cueva en la que Sondra Locke y Clint Eastwood pasan la noche es un hito de la vida real que forma parte de un grupo de formaciones rocosas escénicas. Es conocido como "Hole in the Rock" y está ubicado en Arizona en Papago Park, Phoenix llena de aberturas o tafoni.

La película  tuvo éxito en pantalla y del público como muestra que su recaudación se multiplicó po siete a lo invertido alcanzando los $35,400,000.  

En cuanto a las críticas Judith Crist, del New York Post, escribió que la película era "un compendio sin sentido de trama antigua y personajes estereotipados barnizados con lenguaje grosero y adornados con violencia". En ese mismo diario, un clásico como Vincent Canby señalaba que "No tiene ni una sola neurona en la cabeza, pero sus secuencias de acción han sido reproducidas de manera tan feroz que es inevitable prestar atención durante la mayor parte del metraje."

Para Roger Ebert: rogerebert.com , entiendo que en sus revisiones, consideraba que la película "Rápida, divertida y furiosa: la clásica película de Clint Eastwood (…) "

Para  Chris Petit de Time Out "Lo más divertido de la película es ver cómo el Eastwood director deja que el Eastwood actor tome por completo el control de lo que sucede en pantalla. ¿Es esta su particular versión de 'Annie Hall'?"

Gary Arnold del The Washington Post "Una notable mejora con respecto a los típicos éxitos de taquilla de Eastwood (...) 'The Gauntlet' está diseñada para que podamos liberar nuestros impulsos destructivos."

En  Variety se dice que  "Eastwood protagoniza 'The Gauntlet' como una persona que podría padecer del tipo de violencia que encarna su famosa franquicia de 'Dirty Harry'."

Según  David Ansen, de Newsweek , comentó , algo que es evidente, que  "No te crees ni un minuto de eso, pero al final de la búsqueda, es difícil no reírse".

Ya en España, Luis Martínez - crítico como siempre- en El País señala que "Empacho de acción tan gozoso como inverosímil. El policía más rudo conduce a la rea más amenazada. El resto, sin frenos".

Por su parte en ABC se dice "Una de las películas menos convencionales de Clint Eastwood en la que, huyendo de su típica imagen de Harry el sucio, interpreta a un policía más bien de pocas luces, que vive un romance con una prostituta. De todos modos, el filme deja entrever la mano de Eastwood en sus numerosas escenas de acción y tiroteos. Fueron estas secuencias las que dispararon el presupuesto, convirtiéndola, en su día, en la más cara de las producidas por Malpaso. Inicialmente, el filme fue pensado para que lo protagonizaran Steve McQueen y Barbara Streisand. Pero estos no se llevaban nada bien, de forma que, al final, Eastwood se encargó de interpretar el papel protagonista y su compañera sentimental en esos momentos, Sondra Locke, le dio la réplica. "

A mi la película, que he visto por segunda vez , me ha parecido un buen espectáculo de juegos de artificio, casi literalmente. Una historia ciertamente increíble, pero que te mantiene en atención permanente dado el hilo del thriller y el avance por el desértico terreno en este buena road movie que va en coche, avión, moto, autocar y que pocas veces usa armamento tan pesado como en esta.

Elemento de Eastwood hay muchos. La figura de perdedores que asumen ambos al inicio, la idea de cumplidor con la ley, muy a pesar de que los que la administrar o la protegen estén en su contra, el tipo de rodaje con esa escena final o la idea de alto espectáculo que  buscaba el actor y director en sus películas de los setenta y ochenta, la forma de rodar con sellos propios como el final alejándose, o el pulso narrativo que Eastwood en ese sentido sigue la estela de Siegel que la de otros maestros.

La historia real de los actores protagonistas y como acabaran a finales de los ochenta . Lo cierto es que durante el rodaje Clint Eastwood y Sondra Locke se quedaron en el Jockey Club en Phoenix, todavía activo como club de baile y "night club" , y aunque Clint Eastwood y Sondra Locke ya llevaban dos años viviendo juntos, no fue hasta después de que saliera la película no  comenzaron los rumores públicos de un romance fuera de la pantalla. Ambos estaban casados ​​con otras personas.  Eastwood desde 1953 con Margaret Neville, y Locke desde 1967 a Gordon Anderson, quien más tarde declararía ante el tribunal que el matrimonio nunca se consumó dada la homosexualidad de este amigo de la juventud. Se dice que cuando Gordon Anderson, y su entonces novio, John, fueron a visitarla a ella y a Clint Eastwood en Phoenix durante la producción, Eastwood les dijo cómo encontrar un bar gay local por la zona.

Una noche, cuando el elenco y el equipo filmaron en el centro de Phoenix, algunos lugareños estaban observando. Locke recordó en su libro que entre ellos se encontraba un hombre pequeño de aproximadamente 3 pies de altura, que obviamente tenía defectos de nacimiento graves. Sondra Locke lo miró luchando con dificultad tratando de obtener una buena vista de ellos mientras preparaban un disparo. Sondra sintió una enorme compasión y le dijo a Clint Eastwood: "¿Viste a ese hombrecito allí? ¿Crees que podríamos darle un trabajo, hacerle un extra o algo así? Apuesto a que estaría tan emocionado". "No lo mires", fue la respuesta de Clint, "no hagas contacto visual".

También en el libro narró como tras pillarse las manos con las puertas correderas del Jockey Club las golpeó hasta hacerse daño mientras lanzaba todo tipos de improperios. 

Lo cierto es que, al final la relación entre ambos , acabó fatal. En medio de batallas legales, y mientras el actor tocaba el cielo como director con Sin Perdón (1992) , Locke engrosaba la lista negra de la industria hollywoodiense de la que nunca se recuperó.

Alguna obra más como directora haría como en  Hazme un favor (1997), además de algún telefilm como Death in Small Doses (1995). También algún trabajo asumiría como actriz en un par de films independientes , volviendo a sus orígenes pues ella se vinculó, desde sus inicios con lo "indie" con títulos como El corazón es un cazador solitario, dirigida por Robert Ellis Miller desarrollada en el sur profundo de los años 40, junto con Alan Arkin,  y por la que fue nominada al premio Oscar en la categoría de Mejor actriz, y dos premios Globo de Oro, en la categoría de Mejor actriz y de New Star Of The Year .

También participó en otras como La rebelión de las ratas, con Bruce Davison y Ernest Borgnine, A Reflection of Fear (1973) y The Second Comming of Suzanne (1974) así como en series de televisión como Barnaby Jones o Kung fu, Galería nocturna, El planeta de los simios o Cannon -como Clean and Narrow y The Prophet's Game con Dennis Hopper. Pero esto fue antes. Ya para los niventa era una mujer marcada por un conflicto y esto nunca ayuda en ningún mundo, por supuesto, en el cinematográfico tampoco. Su relación que acabaría en pleitos cercenaría la carrera de la actriz y directora porque, como señalaba en su libro de 1997 The Good, the Bad and the Very Ugly, trabajar para Eastwood te separaba del resto de Hollywood. De hecho, tras dos películas con él, dejaron de llegar guiones y propuestas porque "todo el mundo asumía que Eastwood me tenía en exclusiva".

Locke afirmaba que la razón de que Eastwood y ella terminasen enfrentados fue porque ella quería labrarse una carrera más allá de las películas de Eastwood, un deseo que incluía dirigir sus propias películas. "Sabia que si lo haría, pondría nuestra relación en peligro", le contaba Locke al Washington Post hablando de su deseo de hacer películas al margen de Eastwood. "Y cuando lo hice, fue el principio del fin".

Durante el rodaje de Impulse, Locke volvió a la casa donde vivía con Eastwood sólo para encontrarse con que el actor y director había cambiado las cerraduras y empaquetado todas sus cosas. Locke le demandó. En su declaración, Eastwood dijo que ella no había sido más que "una compañera de piso ocasional... durante 10 años".

Ambos llegaron a un acuerdo extrajudicial, en el que Locke consiguió un contrato de 1,5 millones de dólares y tres años con Warner para proponer posibles películas como directora.

Entre 1990 y 1993, como señalaba su abogada Peggy Garrity, Locke propuso 30 películas distintas. Todas rechazadas. Eastwood declaraba sentirse una víctima. “Me sentí como si me estuviera extorsionando socialmente, llámalo chantaje o llámalo como quieras”. En 1996, el caso se resolvió con un acuerdo por una cantidad desconocida.

Locke declaró tras el acuerdo que era una advertencia "alta y clara" a Hollywood de que "la gente no puede hacer lo que quiera y salirse con la suya sólo porque tengan poder".

En el  Washington Post Locke hablaba sin tapujos del padecimiento que reflejaba en su libro. "Habrá quien diga 'Él la hizo famoso, le dio sus películas'. Él no me 'dio' nada: yo hacía un trabajo. No me hizo famosa. Nunca fue mi fama, sino la suya. Yo era la chica de Clint. Tenía todas las de perder, profesionalmente hablando".

Un año antes de morir tuvo su último papel , coprotagonizar la comedia romántica Ray meets Helen (2017), de Alan Rudolph, junto a Keith Carradine. El 3 de noviembre de 2018 a la edad de 74 años fallecía por un cáncer de mama , pero nos dejó un buen legado en forma de películas. Pues aquí está su historia, vinculada con una película.

Revisión de locos del aire

La semana pasada -creo- viendo Días de cine me enteré que había un estreno inminente en la cartelera española que se centraba en la última gira que Laurel y Hardy - el Gordo y el Flaco, como le conocíamos aquí- por la Gran Bretaña de postguerra cuando el dúo ya reflejaba cierta decadencia profesional - intentaban revitalizar sus carreras- y física. 

De hecho la película titulada El Gordo y El Flaco. La película se basa en el guión , un guión original- escrito por Jeff Pope y que se lanzó a dirigir el escocés Joh S. Baird. Tras ver el programa no se si me quedaron ganas para ver la película recién estrenada, a pesar de haber sido nominada a tres premios BAFTA ( mejor película, mejor actor para el británico que interpreta a Laurel (Steve Coogan) y mejor maquillaje ), aunque en los Globos de Oro fue Peluquería.

Supongo que la película refleja ya que los buenos tiempos se han quedado atrás, tan atrás como la etapa de Hal Roach. Laurel en ese momento reprocharía a los directivos de la Fox, con la que trabajan a partir del 45, sus continuas interferencias en su trabajo, que terminó en su coerción de su libertad y presupuestos de producción bajo mínimos.

Aunque Laurel y Hardy intentaron remontar el bache aprovechando su fama en actuaciones teatrales y en music-hall , la decadencia se precipitó. A esto se unión la no recepción de ni un sólo centavo cuando Roach vendió sus viejas películas a la televisión por 750.000 dólares. Su última obra fue "Robinsones atómicos" (Atoll K, 1952 ) rodada en Francia.  Un obra que reflejaba que el final estaba próximo.

Pero creo que me cuesta bastante no ver a los originales , que tanto vi de pequeño, ahora en los cuerpos de Steve Coogan (Laurel ) y el norteamericano John C. Reilly ( Hardy) así que ayer volví a ver a los auténticos en una película del año 1939 que ya había visto. 

Lo cierto es que ayer tras ver la película leí algo de la historia de Norvell " Oliver" Hardy , recordaba perfectamente su final, pero no recordaba su inicio como chico problemático, nada interesado en la educación, aunque sí para la música y el teatro y que se fugó de un internado cerca de Atlanta, el estado en el que nació en 1892. 

La madre lo envió a Atlanta para estudiar música y canto con un prestigioso maestro de música, pero Hardy prefería el vodevil. Entonces decidió seguir sus impulsos y comenzar una carrera como cantante. En 1910 se abrió una sala de cine en Milledgeville, y consiguió el trabajo de proyeccionista, taquillero, portero y encargado. Pronto, como pudimos ver anoche en Cinema Paraíso, se sintió atraído con la nueva industria de las películas, que veía cada noche mientras las proyectaba. 

Estaba convencido de que era capaz de hacerlo tan bien como aquellos actores que veía en la pantalla y él, como obeso, quería seguir los pasos de otro obeso, Roscoe Arbuckle, una de las grandes estrellas del cine del momento, el hombre que descubrió a Buster Keaton  y que usaba el sobrenombre de Fatty, le estimuló para iniciar su propia carrera cinematográfica. 

Un amigo le sugirió que se trasladara a la cercana Jacksonville, ya que allí se estaban haciendo películas. Lo hizo en 1913, trabajando como cantante de cabaret y vodevil por las noches, y consiguiendo trabajo en los estudios Lubin durante el día. 

Al año siguiente actuó en su primera película, Outwitting Dad. En ella nació Babe Hardy o , como será conocido Oliver Norvell Hardy. Así nacía Ollie un hombre de buen carácter con sus 1,90 metros de altura y hasta 125 kilos de peso. El resto ya lo desarrollamos en una entrada sobre estos ángeles gordos y flacos en el cielo , Laurel & Hardy. Ya sabemos bastante de Laurel y su llegada a Estados Unidos en el mismo barco y con la misma compañía que Chaplin.

La suma del Gordo y el Flaco, de Laurel y Hardy -el uno, pusilánime , inepto y asustadizo- ; el otro, atildado, perfeccionista y en sabelotodo- cosecharon su mejor etapa profesional en la década de los treinta, habitualmente de la mano de Hal Roach.

Apartados de la dirección de Roach, la pareja de cómicos encontró en su camino a Albert Edward Sutherland, el director británico quien consiguió recrear los grandes éxitos de antaño. El director que actuó en 37 películas al principio de su carrera con la Keystone Cop y junto a Chaplin. Aunque pasó a la historia como director con más de 50 películas entre 1925 y 1956, principalmente de comedias. Pero llama la atención lo que dijo de Stan Laurel , una vez acabada su relación profesional, "Prefiero comer una tarántula antes que trabajar con Laurel de nuevo". En otra entrada analicé - eso es un decir, más bien narré - la película que completó el documental sobre ambos, que se llamaba The Flying Deaces . Película en la que está presente la esencia de la pareja, en la que del perfeccionismo de Hardy en su intento de solución acaba saliendo inclusive mucho peor, terminando en estropicio asegurado. Y en la que vuelven a tirar de elementos cotidianos  que parecen rebelarse  contra ellos: una pared curvada, un colchón, una silla, una plancha, un avión. 

Como ya está comentaba he valorado lo que afectivamente me trasmite esta pareja que fue responsable de 107 películas, entre cortos y largometrajes,  desde 1921 a 1951 , con su humor naïf, encantador , siempre con bombín, y salteada de 'slapstick' y con un único objetivo básico: hacer reír.

Por eso apostaron por el humor simple, básico, infantil, con golpes en la cabeza, con patadas en el culo, con jarrones de agua sobre la cabeza para quitar el dolor o la fiebre, con argumentos absurdos , casi infantiles y diálogos minimalistas , cercanos al surrealismo como el que vemos en la película en la que Ollie le dice a Stan que como son amigos se han de suicidar juntos , o con un tiburón por el Sena, con miradas expresas a la cámara, o cumpliendo con los sueños del otros , en el que uno , Ollie, muere , pero consigue reencarnarse en su animal favorito: un caballo, con bombín y bigote. Son la pareja  que cierra la excepcional lista de nombres del primer cine cómico americano.

Ellos, como recoge Terenci Moix  haciendo referencia a la obra de Carlos Fernández Cuenca " Recuerdos y presencia de Sant Laurel y Oliver Hardy", no fueron grandes creadores  , ni grandes innovadores, sino "excelentes intérpretes de fórmulas acreditadas"... Gracias a su etapa sonora no cayeron en el olvido que sepultó a otros grandes cómicos. Fernández Cuenca afirma que  que gran parte del éxito estuvo en "el equilibrio de la pareja". frente a otros cómicos que se sostenían en el otro elemento de la pareja (Abbott en Costello / Dean Martin en Jerry Lewis).

Apostó la pareja por la evasión en los tiempos de crisis - mientras veía la película del año 39, pensaba en los españoles que en aquellos años contemplaban como se mataban en nuestra guerra incivil- . Son muchos, como señala Nando Salva, en El Periódico de Barcelona " quienes consideran que El gordo y el flaco fueron las únicas estrellas de la comedia muda que supieron adaptar su humor con éxito al cine sonoro; después de todo, incluso en sus películas con diálogos las palabras siempre tuvieron menos importancia que su enorme capacidad gestual" o , como señala en otro punto, "representaban al hombre común, que carece de medios y de perspectivas pero que, de algún modo, logra sobrevivir. En cualquier caso, su humor se basa en una observación del comportamiento humano que no entiende de épocas, porque habla de los absurdos de la vida y de lo vano que resulta esforzarse por dotarla de un sentido."

Fueron tremendamente influyentes en el espíritu de la comedia. Como señala Nando Salva en su artículo sobre la pareja "Peter Sellers aseguraba llevar consigo una enorme foto autografiada por Laurel adondequiera que fuera. Ricky Gervais dijo una vez, en referencia a sus series 'The Office', 'Extras' y 'Derek': «Todo lo que he hecho se lo he robado a ellos dos». Cómicos como Jerry Lewis, Steve Martin y Roberto Benigni se cuentan entre sus seguidores más incondicionales. Pero su club de fans trasciende el mundo del cine y el de la televisión. El novelista Ray Bradbury dijo que verlos sobre un escenario fue uno de los momentos más felices de su vida, y su homólogo JD Salinger los describió como «dos artistas caídos del cielo».

Mi hijo pequeño anoche, viendo a dos desconocidos que me provocaban con sus gestos y sus historias sonoras carcajadas , me preguntaban ¿quiénes eran esos? Se los dije y , como el poder de Youtube y de los youtubers es tan inmenso que acabó preguntándome , eso que hacen estos dos, el Gordo y el Flaco, no es lo mismo que podía hacer El chavo del ocho. Y yo les comenté que Stan y Laurel fueron los maestros de muchos artistas del humor. Ellos, los humoristas, lo sabían. En el funeral de Laurel en 1965, Keaton afirmó: «Chaplin no era el más divertido. Yo no era el más divertido. Stan era el más divertido».

Por la travesía / traverse del Sena

Una película en base a tres secuencias y con transiciones obtenidas mediante el seguimiento de la cámara a una de las protagonistas. Y como hilo conductor una historia de amor transversal o diagonal como la productora. Una película actual hecha hace cuarenta años, para una vez sacada del baúl de los recuerdos, descubrir que está sin polvo, pues la historia podría ser actual. De ayer.

Son tres historias, tres. Las historias de dos amigas, la historia de amor no consumada de dos mujeres; la historia de un hombre y una mujer que se necesitan para hablar y descubrirse. En definitiva una bonita historia del año 1980 , sin etiquetas , con ambiente,  "avec ambiance".

Una gran historia casi sin historia,  pero con un hilo conductor, en la que la protagonista, que , parece todo, menos protagonista no lleva a una historia humana, y sin embargo, plena de humanidad.

Todo un descubrimiento esta Simone Barbès ou La Vertu de una desconocidísima directora Marie-Claude Treilhou, natural de Toulouse y que hoy cuenta con 70 años por los que ha pasado por todo: actriz, profesora, directora documentalista, guionista, ayudante de dirección, y eso una vez que se graduó en Filosofía e Historia del Arte, y colaboró ​​con las revistas Cinéma et Art Press desde 1974 hasta 1977.

Después de ser  asistente de dirección en 1978 con Paul Vecchiali en Corps à cœur , se embarcó en la producción, en 1979 , con su primer filme titulado Simone Barbès ou la virtue , una película que, sin ser biográfica, sí habla de ella, al menos, de sus experiencia como trabajadora   en diversas actividades (  vendedora, mensajera, investigadora, cajera, ...) para hacer una película que  se mueve entre la ficción y el documental.

La directora formaba parte de aquellos directores/as que al inicio de los ochenta no se vinculaban ni con la nouvelle vague ni con la rivière gauche. Habían bebido del cine francés de los años treinta y querían recuperar su estilo y la forma de narrar historias de escritores ignorados por la ola y la ribera que formaron parte del cuerpo cinemátográfico francés anterior a la invasión alemana a partir de 1940. Además, gran parte de este grupo alterativo y sin vínculos a corriente alguna tenían el común denominador de trabajar para una productora, Diagonal, realmente un laboratorio experimental que daba cobijo a los mismos, un grupo heterogéneo pero cercano al mundo de la intelectualidad y de la cultura homosexual.

Simone Barbès ou la vertu, de Marie-Claude Treilhou, se rodó a lo largo de 1979,y se estrenó al año siguiente, en 1980.

Partía de una historia escrita por Marie-Claude Treilhou y  Michel Delahaye y que contaba en el apartado técncio como director asistente con Gérard Frot-Coutaz en este trabajo para una productora alternativa  a todo el sistema de producción francés: Diagonale. Esta productora fue fundada por Paul Vecchiali en 1976, un hombre que en esta película participa como editor. En una entrevista con el periódico Libération en 2007, Serge Bozon cita a Diagonale como la "última gran escuela de cine francés después de la Nouvelle Vague".

En ella , además de Vecchiali, se integran otros directores como Jean-Claude Biette, Jean-Claude Guiguet, Noël Simsolo, que en la película de Treilhou, trabaja de actriz en un pequeño papel o Gérard Frot-Coutaz , y que desarrolló su actividad desde 1976 a 1994 con la película de Paul Vecchiali , Wonder Boy. En 1983 los integrantes del grupo publicaron una serie de cortos titulado "Archipel des amours" con cortos de Jean-Claude Biette, Cécile Clairval, Jacques Davila, Michel Delahaye, Jacques Frenais, Gérard Frot-Coutaz, Jean-Claude Guiguet, Marie-Claude Treilhou y Paul Vecchiali.

Marie-Claude Treilhou ganó el premio Jean-Vigo por su cortometraje Lourdes, l'hiver . Después del burro que bebió la luna , la adaptación de los cuentos del sur, atrae excepcionalmente a los actores profesionales con El Día de los Reyes , o al loco equipado con tres ancianas encarnadas por Danielle Darrieux , Paulette Dubost y Micheline Presle acompañadas por Robert. Lamoureux y Michel Galabru .

La cineasta hizo algunas apariciones en películas de amigos como las de Vecchiali y, a la inversa. Los héroes y heroínas de Marie-Claude Treilhou son a menudo personas simples atravesadas por los grandes trastornos de la historia llevados por una obra que los transforma y que ella quiere  comunicar entusiasmo, perfeccionismo y gracia.

Para la película que nos ha traído Simone Barbès, cuenta en la fotografía con  Jean-Yves Escoffier, como responsable de arte con Bénédicte Beaugé, siendo el sonido responsabilidad de Yves Zlotnicka y la edición al líder de diagonal: Paul Vecchiali, quedando como distribuidora la empresa MK2.

La música está interpretada por Matho que interpreta Ca tourne Saturnin , Oh papa, oh mama, Etrange amour , Serenita , J'entends , así como un fragmento de la ópera Night On Bald Mountain del músico ruso Modest Mussorgsky .

El reparto lo encabeza Ingrid Bourgoin como Simone Barbès,  Martine Simonet como su amiga y compañera de trabajo Martine, Raymond Lefebvre, Sonia Saviange, Michel Delahaye . Nöel Simsolo , Max Amyl , Pascal Bonitzer como una cliente de la discoteca lesbiana , Pierre Belot , Denise Farchy , Véronique Fremont , Paulette Bouvet , Nella Barbier, Hélène Banville , Alexandre Rignault y Elli Medeiros como cliente del club nocturno lésbico.

La película que se desarrolla en tres espacios y que está básicamente presentada en tres grandes secuencias intercalas por algunas transiciones que apenas se desplazan por la calle nos llevan al barrio de Montparnasse , cerca del Hotel Sheraton , en cuyas cercanías se encuentra un Cinevog que presenta películas pornográficas.

En la recepción del cine recordando las entradas compradas conocemos a una chica menuda  vestida de negro , Simone Barbès (Ingrid Bourgoin) , pero emponderada que maneja con soltura y seguridad a los clientes que entrar a ver las distintas películas del programa de este cine porno. Es una mujer abierta y valiente que espera la legada de su compañera Martine ( Martines Simonet) que, como otros días llega tarde. La excusa que presenta siempre es la misma, ha tenido un problema con su novio.

Simone le abronca en los primeros minutos por su falta de responsabilidad con el trabajo y su tardanza, pero casi al momento vemos que son buenas amigas, que se ríen , que comparte la cena, un bocadillo, y que saben quitarse a los pesados de turno que ven en  ellas a dos posibles objetos de deseo. Vemos como se quitan del medio a tres jóvenes, a hombres enchaquetados, trabajadores , mirones y toda esa fauna que, en los ochenta, acudía a estas proyecciones. Algunos se quejan de que en la película de la sale a la que asisten sea homosexual, otros de que ya la han visto, otros de cualquier cosa. Algunos de los clientes , son raros, otros son ya viejos conocidos del barrio como el marqués que recita poesías o un amigo mayor y desdentado que les hace un chiste de conejos  con contenido sexual, pero les ríen las gracias pues son de la familia.

Simone sale un  momento a un bar cercano y trae dos copas de vino. Describe una situación cómica que acaba de vivir en el bar con una chica que parecía estar loca que se había metido en el baño. Después dispensan algo de ambientador y al llegar a las doce Simone se despide amablemente de su amiga y sale a la calle para ir a un bar en las esquina.

El bar o la boîte es un local de ambiente. Está al final de una empinada escalera y tras entrar vemos que es un bar de ambiente femenino. En el mismo es bien recibida por el camarero que sirve y las chicas que atienden. Ella busca a su chica, una de las que atienden, con la que parece mantener una relación informal.

Vemos que allí las chicas se entretienen , en parte , bailando al son del grupo que interpreta canciones para amenizar la noche, en parte, con la fauna humana presente de diverso pelaje en la que unas van a mirar y otras a ser vistas , y algunas a disfrutar del champán , el whisky o el combate a través de un espectáculo.

En un momento dado el grupo informa que va a subir al escenario una rockera que cantará una canción para animar el cotarro. Mientras vemos que Simone no se siente del todo cómoda , primera por estar , cansada, segundo, porque su chica no le hace mucho caso.

Poco antes de marcharse se produce un incidente en la puerta en la que uno de los que la custodían, unos señores con extraño aspecto, similar al de otros del interior, recibe un ¿disparo?. No tengo claro que sea o no sea parte del espectáculo, lo cierto es que en ese momento Simone abandona cansada la sala y se desplaza hacia su casa.

Durante el desplazamiento por la solitario calle vemos que un coche se pone en paralelo y reclama su atención. El conductor que invita a subir a Simone le dice de ir a tomar una copa, algo que ella rechaza, pero poco después prosigue en su empeño.

Sin embargo, el conductor cambia de asiente y le dice que si no le importa que lo puede llevar , que estaría encantado de invitarle a una copa. Ella acepta, pero le dice que el sitio lo elige ella y que ella paga.

Descubrimos que el que la ha invitado a subir es un señor mayor con bigote. Parece que , únicamente, pide hablar con ella y ella , amablemente lo hace. A ella le llama su atención su bigote y bromea con él sobre su capacidad sexual.

Sin embargo, en un momento dado el hombre , solitario y desesperado, comenta que es suizo, que trabaja de croupier en la actualidad en Berna y descubrimos que su bigote es postizo. Tras eso lo vemos llorando conforme el coche avanza por la ciudad. Simone no encuentra local ninguno abierto y , cansada, lleva el coche hasta su casa. Le dice que no lo invitará a subir ya que se siente agotada. Tras esto se baja del vehículo y va a su casa.

Mientras vemos como las luces de la ciudad se apagan y con el albor del día la película va terminando presentando los títulos de crédito.

He leído que para descubrir a esta directora es mucho mejor ver "Le Jour Des Rois" (1990), una de las comedias francesas más ingeniosas de la década de los noventa, que lamentablemente no ha sido reconocida. Pero "Simone Barbès", es otra cosa. No digo que sea una gran película , pero sí que es una película como el tema que toca: diferente, alternativa.

Lo interesante es la distribución en tres secuencia, perfectamente delimitadas y desiguales. La valoración que podemos hacer de la misma es tan variable como las historias. Para mi la más emotiva es la tercera, en la que hay un ejercicio de contención precioso entre Simone y el señor; la primera es algo altamente una comedia con tintos de excelencia dada la "fauna" masculina que visita el local que es representada por "microrretratos" de los usuarios y la reacción positiva y valiente de las chicas  o los sonidos guturales , afirmaciones de placer y jadeos que salen de la sala cada vez que alguien abre la puerta que contrastan con las caras impasibles de las acomodadoras ; frente a la segunda, la más grotesca y la más cercana a lo Tinto Brass que he visto en muchos años, en la que percibe la tranquilidad de Simone frente a la inestabilidad del entorno , la atmósfera de la "boîte" lesbiana, que , por momentos, me ha recordado por la estética de la mascarada el Salon Kitty del director italiano.

Eso sí, frente al drama hay comedia , algo al parecer del gusto de  Treilhou, responsable de sus guiones, en ocasiones casi ridícula como vemos en la muerte del portero, la lucha entre las mujeres , la intervención de la borracha o ese monumento a lo bizarro que es la versión rockera de "Si je suis Une Nana, Mec" (Si soy una chica, chico).

Esta atmósfera de la segunda escena es valiente , eso sí, dado que nos encontramos en los primeros años ochenta , y rara vez este ambiente -digamos- transversal o tendente a una sonrisa vertical, para aquel entonces casi un tabú, apenas se había reflejado en el cine ,salvo por alguna valiente como la directora rompedora ¿y feminista? Jacqueline Audry, una directora que falleció en los años 70, en concreto en 1977, y que empezó como ayudante de directores como Jean Delannoy, G. W. Pabst y Max Ophüls  responsable de   su " Olivia" (1950) o de "La Garçonne" (1957), obras en las que no ocultaba el lesbianismo,  y en las que si bien se acercó a los postulados de los "nouvelle vague" lo hizo desde  una perspectiva o tamiz feminista desde una óptica transversal o diagonal.