martes, 29 de diciembre de 2020

Noche de estreno



De octubre del pasado año hasta hoy está siendo el año del matrimonio Cassavetes/Rowlands. Desde que abrí la puerta del mito del cine independiente estadounidense, alternativa al cine de los grandes estudios, reacción que tuvo como protagonista entre otros al actor , guionista y director neoyorkino John Cassavetes, han pasado por aquí algunas de sus películas más representativas del director que siempre contaba con su mujer y sus amigos para hacer cine con marca independiente. 

Esta es una de las once películas que hicieron juntos John Cassavetes y de una Gena Rowlands que hoy disfruta de sus 90 años. Las otras películas fueron Sombras (1958), Ángeles sin paraíso (1963), Faces (1968), Las Vegas, 1.970 (1969), Así habla el amor (1971), Una mujer bajo la influencia (1974) - pendiente de hacer la entrada-, Pánico en el estadio (1976), Gloria (1980), Tempestad (1982) y Corrientes de amor (1984), con ella para mi empezó todo. 

En esta como en otras aparecen Ben Gazzara, Peter Falk, los familiares de Gena como su madre Lady Rowlands, su hermano David, pero también su suegra y madre del director Katherine Cassavetes aunque sea en breves apariciones como ya ocurrió en Una mujer bajo la influencia, y gran parte de su troupe: Fred Draper, Seymour Cassel, hasta el mismísimo Peter Bogdanovich junto con una diva del periodo clásico del cine de Hollywood como Joan Blondell y a otro veterano actor como Paul Stewart y actrices que aquí están enormes como Zohra Lampert.

El director John Cassavetes señaló en una entrevista televisiva realizada en 1978, que esta era la mejor película con la que tenía algo que ver y eso que el director tuvo problemas importantes para distribuir la película en los Estados Unidos tras su estreno ya que la película fue muy pobre en la taquilla. 

Después de que Cassavetes falleciera a principios de 1989, la película fue adquirida en 1991 por un importante distribuidor estadounidense para su relanzamiento. La película se proyectó fuera de competición en el Festival de Cine de Cannes en 1992. 

La película es un drama psicológico estadounidense del año 1977 escrita y dirigida por John Cassavetes y producida por Al Ruban para la Productora y distribuidora Faces contó con la música por de Bo Harwood, la fotografía de Alan Ruban y la edición de Tom Cornwell. 

Como ya he señalado en ella participan Gena Rowlands como Myrtle Gordon, Ben Gazzara como el dramaturgo Manny Victor, Joan Blondell como la veterana actriz y ya retirada Sarah Goode junto a Paul Stewart como el productor David Samuels. 

Junto a ellos aparecen Zohra Lampert como Dorothy Victor, John Cassavetes como Maurice Aarons, John Tuell como Gus , Laura Johnson como Nancy Stein y Lady Rowlands como Melva Drake. 

Myrtle Gordon es una famosa pero problemática actriz de mediana edad. En estos momentos está viviendo una crisis personal pues siente que poco a poco quedará relegada para papeles de mujer madura, mayor. 


Está en estos momentos ensayando una obra de teatro titulada "La segunda Mujer" -The Second Woman - escrita por un dramaturgo de éxito Manny Victor (Ben Gazzara) y amparada por el productor solvente como David Samuels (Paul Stewart ) que cuenta como asesora con una veterana actriz cuyos días de gloria ya han pasado como Sarah Goode (Joan Blondell). 

La obra que ensaya tiene que ser estrenada en Broadway , pero su estreno limitado como ocurre en muchas ocasiones tiene lugar en la cercana ciudad de New Haven, Connecticut. Myrtle tiene dudas y muchas sobre este nueva obra antes de su presentación en Broadway. Para ella pudiera suponer su declive definitivo aunque ahora está en la cresta de la fama. 



 Un día al salir del teatro después de una actuación, Myrtle procede a firmar autógrafos ante sus muchos fans. Pero esa noche de lluvia se encuentra con una fan adolescente obsesiva, Nancy Stein (Laura Johnson ), que la asalta, la estruja, la abruma. A pesar de corresponderle Myrthe la chica corre detrás del coche que lleva a Myrtle y parte del equipo siendo atropellada por un automóvil. Nada más producirse Myrtle entra en crisis. 

Al llegar al hotel está inquieta por el incidente y se niega a salir a cenar como si hace el resto del equipo. Se queda bebiendo, a la mañana siguiente pide el periódico y descubre que la chica ha fallecido de las heridas. 

Tras eso decide ir a shiva de la niña , aunque su familia la saluda con frialdad, pues es conocedera de la obsesión de la chica por la famosa actriz. 

Myrtle lucha por conectarse con el personaje que interpreta en La segunda mujer y que ha escrito para ella Manning. Sin embargo, ella descubre que no tiene ninguna motivación para interpretarlo más allá de su edad. Esto provoca el caos en el equipo. Manning no quiere que le toquen en una letra de los escrito. Pero ella insiste en que no puede asumir ese rol. 


Entra en conflicto con su "partenaire" en escena Maurice Aarons (John Cassavetes) que asume que el papel de su esposo en un matrimonio que ha entrado en crisis. 


En el transcurso de numerosas actuaciones, Myrtle se aparta del guión de la obra de muchas maneras, incluido el cambio de líneas, lanzando accesorios por el escenario, romper la cuarta pared y caer en el escenario. Esto frustra a los demás involucrados en la obra. 

A esto se suma que Myrtle habla de que en ocasiones ve a Nancy, aunque es consciente que es producto de su subsconciente. 


La ex actriz y ahora escritora, Sarah Goode, intenta obligar a Myrtle a enfrentarse a su edad. Myrtle le admite que ha estado viendo la aparición de Nancy, la adolescente muerta en el accidente automovilístico, que Myrtle cree que es una proyección de su juventud. Este demuestra que el estado mental de Myrtle continúa deteriorándose y comienza a beber en exceso. 

El mismo escritor la atiende de manera afectuosa al igual que el productor. Pero nada de nada. Se imagina a Nancy entrando en casa y atacándola arrojándola contra las paredes de la habitación del hotel de Sarah, lanzándole objetos, rompiéndose las gafas de sol y cortándose la cara. 


El incidente perturba a Sarah, quien expresa su deseo de que Myrtle sea reemplazada en la obra, sintiendo que se encuentra psicológicamente incapacitada para actuar. Después de salir furiosa de un ensayo, Myrtle visita al médium espiritual de Sarah en busca de ayuda y tiene otro encuentro violento con su visión de Nancy, esta vez contraatacando y "matando" el fantasma de Nancy. 

Myrtle intenta seducir a Maurice Aarons, su protagonista y ex amante, pero él se niega a mantener una relación con ella dado el estado de inestabilidad emocional en el que se encuentra. Los ensayos y actuaciones en New Haven han terminado, ahora queda pasar por Broadway. 

Antes del estreno, todos tienen muchas dudas. Pero especialmente Myrtle que se persona en la noche de estreno con mucho retraso y completamente bebida. 

Cuando finalmente llega, Myrtle está tan borracha que apenas puedetenerse en pie. Con el público cada vez más inquieto, el director Manny Victor exige que el espectáculo continúe y tanto el propietario del teatro (Fred Draper) como el productor salen a pedir perdón al público excusándose por la tardanza debido a un inconveniente de última hora, pero informa que la obra va a comenzar en minutos. Mientras en el camarino Myrtle no puede articular una palabra. Un café, le sigue a otro. 

Finalmente toma fuerzas y aparece sobre el escenario. Afortunadamente cuenta con el apoyo de sus compañeros, especialmente de Gus (John Tuell) que interpreta a su primer marido. Con su apoyo físico, pues la sostiene con su brazo, ella lucha por articular las palabras adecuadas en la escena que estaba programada un encuentro con Gus y su actual familia. 

Ella cae en un par de ocasiones, colapsando antes de su entrada y nuevamente en el escenario. A medida que continúa el espectáculo, Myrtle encuentra algo de ritmo. 


Al final, ella y Maurice deciden salirse definitivamente del guión e improvisaron el acto final de la obra, para disgusto de los productores , pero no para el escritor que está literalmente descompuesto, tanto es así que sale a tomarse una copa, y al igual que los productores entran y salen de las butacas, pero sobre todo el que queda entusiasmado es el público entre la que se encuentra la mujer de Manning(Zohra Lampert) que ha tenido que aguantar carretas y carretones y los amigos de la pareja protagonista entre los que descubrimos a Peter Falk al que vimos antes un segundo por las escaleras y a Seymour Cassel, hasta el mismísimo Peter Bogdanovich. 

Entre besos y abrazos acaba Opening Night. Opening Night, aunque ambientada en Connecticut y la ciudad de Nueva York, donde van a estrenar, fue rodada en Los Angeles, y en el Pasadena Civic Auditorium de Pasadena, en diciembre de 1976. 

Al igual que las películas anteriores, Cassavetes luchó para que la Noche de estreno se distribuyera en los Estados Unidos. Después de una serie de proyecciones previas, se estrenó el 25 de diciembre de 1977 en el Fox Wilshire Theatre de Los Ángeles, donde se presentó pero sin casi asistencia de público, y cerró en febrero sin haber sido exhibido comercialmente en ningún otro lugar. Las proyecciones en la ciudad de Nueva York que tuvieron lugar en marzo fueron igualmente ignoradas. 

La película sólo fue recogida por un distribuidor estadounidense en 1991, dos años después de la muerte de Cassavetes. 

La película de John Cassavetes, que en esta fue actor, escritor y director, entró en competición en el 28 ° Festival Internacional de Cine de Berlín en 1978, donde John Cassavetes fue nominado al Oso de Oro. La película ganó dos premios en Berlín, Gena Rowlands ganó el premio Oso de Plata a la Mejor Actriz, mientras que la película ganó el Premio Interfilm Otto Dibelius Film Award ex aequo. 

En los Globos de Oro de 1977la película obtuvo dos nominaciones a la mejor Actriz (Gena Rowlands) y mejor actriz secundaria (Joan Blondell).

Opening Night fue criticado en los EE. UU. tras su limitado lanzamiento. La reseña en Variety que apareció después de una proyección de prensa concluyó: "Uno debe preguntarse si más de un puñado de espectadores están interesados en el esfuerzo, si el público no ha visto ya suficientes personajes de Cassavetes ... Él ha hecho estas películas antes y no muchos parecían interesados en ellos ". 

Cuando se estrenó en Nueva York, la película no fue valorada ni en periódicos ni revistas. La película fue mejor recibida en Europa y con el tiempo ha ganado peso. 

El crítico de cine Dan Schneider escribió sobre la estructura narrativa de la película: "Muchos críticos han interpretado esta película como un retrato de una alcohólica ... Pero esto está mal, porque el alcohol no es su problema, ni tampoco su fumador empedernido. Son simplemente desviaciones de cualquier cosa que realmente la esté obligando a su propia destrucción, y para mucho crédito de Cassavetes, como narrador, nunca nos deja descubrir exactamente qué le pasa a Myrtle, y a pesar de que ella lo logra al final, no hay ninguna razón para esperar que realmente quede resuelto algo importante. Este tipo de final sin resolución vincula directamente a Cassavetes con los directores europeos más atrevidos del pasado reciente, que se sentían cómodos al no revelarlo todo a un público y obligaban a sus espectadores a reflexionar, aunque les doliera". 

Para Ana Josefa Silva V. del diario chileno La Segunda dijo de ella que es "Una experiencia inolvidable, un estremecimiento vital que sacude al espectador hasta el fondo del alma." 

La película influyó en algunos músicos como la compositora Jessica Pratt que citó la película como una influencia en su álbum Quiet Signs y tituló la primera pista instrumental "Opening Night". Al describir su reacción a la película después de verla en una proyección, dijo: “A veces, cuando ves una película, especialmente una película emocional y angustiosa como esa, puede hervir a fuego lento en tu subconsciente por un tiempo. Definitivamente hizo eso por mí ".

La influencia también llegó a otros directores como ocurre con la escena del accidente será homenajeado por Pedro Almodóvar en su película Todo sobre mi madre. 

En una retrospectiva de 2018 para Esquire , el crítico Dom Nero describe Opening Night como una película de terror , escribiendo: "En la forma en que la secuencia del título magnifica los vítores mundanos de una audiencia en un sonido violentamente furioso, toma nuestra realidad y presenta la concurrencia oscuridad interior como las películas de terror impulsadas por la verdad como Get Out . En la forma en que cubre a Gena Rowlands con capas y collares largos, negros, como espectros, y el mundo primordial que la rodea coloreado en rojos brillantes y sangrientos, se vuelve un Funhouse refleja los rituales aplastantes y casi satánicos de la actuación cinematográfica y la cultura de las estrellas de cine como en Mulholland Drive . En la forma en que su partitura inquietante y minimalista recuerda a una película de John Carpenter , provoca una ruptura psicológica tan premonitoria como un hombre del saco enmascarado que acecha a los adolescentes suburbanos ". 



Por mi parte destacar que es una película que analiza el paso del tiempo pero no que queda ahí ya que como otras del director tratan de la locura - la influencia- , la soledad, el (des)amor y la pérdida ante la muerte repentina, inesperada y , por supuesto de la pareja y la compleja relación que existen entre hombres y mujeres como se ve en esta frase que John Cassavetes le suelta a Gena Rowlands en uno de sus ensayos cuando analiza la foto que aparece en le escenario: "Puedo mirar a esta mujer, a esta señora mayor, y contar las arrugas de su cara. Por cada arruga hay un dolor y por cada dolor, un año. Y por cada año, una persona, una muerte, una historia..." 


A destacar el admirable trabajo de Gene Rowlands en un trabajo físico inconmensurable , pero que aparece acompañada por la participación brillante de su marido en la vida real, Joan Blondell, Paul Stewart o las breves pero intensas actuaciones de Zohra Lampert y John Tuell. 

Igualmente admirable es el presentar la cara b de los escenarios, de las bambalinas, del mundo del teatro y del miedo que siente unos actores / actrices endiosados por el público, pero que siente y sufren como humanos y humanas que son. 

Destaco de la misma manera como nos introducimos no sólo en la parte trasera del escenarios, sino también en la butaca en la que nos sentamos desde la distancia como el público asistente a la obra de teatro representada. 

De esa colaboración entre director y Ben Gazzara y entre lo mucho que me queda pendientes de Cassavetes esperan Maridos (1970) y El asesinato de un corredor de apuestas chino (1976). A la espera quedo.



miércoles, 23 de diciembre de 2020

The Movies



Recorrido contratemporal del cine de Hollywood a través de las décadas, comenzando en los ochenta con la carga política que tuvo la década, pasando por los noventa hasta llegar a las sagas literarias y las trilogías de este nuevo milenio hasta el año 2018 aproximadamente, y desde allí pasamos como un reloj contrariado a los setenta y el nuevo cine americano, a los sesenta arrivando hasta la edad de oro del cine, omitiendo el cine mudo, pues se referencia es el cine sonoro. 

Buen intento de llevar en doce capítulos una larga historia del cine aunque hay que decir de ella que es excesivamente onanista, pues para ellos el cine con mayúsculas, es únicamente le de Hollywood, el suyo. Omiten toda referencia al cine de otros lugares.

Se trata de una serie en la que está involucrado de lleno Tom Hanks, que también aporta su granito de arena, por medio de su productora Playtone , así como Gary Goetzman y Mark Herzog y el apoyo de la HBO. Combina imágenes de archivos y de las películas , junto con entrevistas. Junto a ella cuenta con la música de Nathaniel Blume y Blake Neely y la fotografía de Jack Kney. 

A destacar de la misma la intervención de un buen número de directores notables, unos en activo y otros retirados, así como guionistas, críticos e historiadores de cine y actores y actrices de renombre. Entre los que aparecen a lo largo de estos doce capítulos de 40 minutos están Paul Thomas Anderson, Tim Burton, Ridley Scott, Brad Bird, Alonso Duralde, Neal Gabler, Renée Graham, Ben Mankiewicz, Amy Nicholson, Kenneth Turan, Edgar Wright, Alec Baldwin, Todd Boyd, Larry Charles, Jon Favreau, Antoine Fuqua, Cameron Crowe, Rob Reiner, Nelson George, Bill Hader, Tom Hanks, Holly Hunter,Ron Howard, Morgan Freeman, Julianne Moore, John Landis, Mia Mask, Tim Naftali, Robert Redford, Julia Roberts, Maya Rudolph, John Singleton, Steven Spielberg, Nia Vardalos, Rob Zombie, Sean Baker, Jacqueline Coley, Chris Connelly, Billy Crystal, Robert De Niro. 

La serie está dedicada a John Singleton, fallecido el mismo año de su estreno, 2019. Todos ellos van hablando de las películas fundamentales de cada periodo; quiénes fueron las estrellas más famosas; los realizadores que crearon escuela, los distintos estilos y géneros cinematográficos y cómo fueron evolucionando con el tiempo. 

Se trata de un repaso general que toca prácticamente todos los géneros desde la comedia hasta la ciencia ficción pasando los músicales y los demás, pero haciendo mención siempre en cada una de las décadas analizadas al papel de la mujer en el cine y de los representación de la comunidad negra. 

Habla igualmente de las grandes sorpresas que hubo en la historia del cine haciendo referencia a los grandes éxitos y a los grandes fracasos así como la enorme importancia del contexto. “El objetivo de la serie no es otro que recordar y trasladar al público el amor al cine”, explicó Gary Goetzman en su presentación , mientras que Mark Herzog afirmó que “Esperamos que los más jóvenes se interesen por las películas que se comentan en cada capítulo para que luego las vean”. 


Tom Brueggemann de Indiewire dijo de ella que servirá “Para acercar a nuevas generaciones a las historias desarrolladas en aquellos años, (...) Ese es el objetivo principal de The Movies, que el público joven conozca la influencia de los filmes que disfrutan en la actualidad" .

Una serie que invita a disfrutar del cine, a reconocer títulos - ya que gran parte de ellos son más que conocidos- y lo mejor es que contextualiza cada obra en su periodo. 

domingo, 20 de diciembre de 2020

Cita en Sundown



Randolph Scott y Budd Boetticher pareja de hecho cinematográfica , compañeros de trabajo, en el que uno asume dirección y el otro el protagonismo en esta Cita en Sundown, pero también en Buchanan Rides solo , Estación Comanche , Paseo solitario , y Los Cautivos, apuestan por un western, cuyo género era marca de la casa Boetticher como comprobamos hace unas semanas con Horizontes del Oeste-  en los que la justicia, justiciera se torne en un tono triste, en el que , al final, los que aparentan ser los buenos y los aparentemente malos se transforman en perdedores. El resultado es un western distinto éste que originalmente se llamó Decision at Sundown Se trata de una obra de uno de los grandes del género Budd Boetticher que ya pasó por aquí en varias ocasiones y que en este caso estuvo producido por Harry Joe Brown para la productora Scott-Brown Productions , en la que estaba igualmente integrado Randolph Scott y Producers-Actors Corporation, siendo distribuida por la Columbia Pictures. 

La película es un guion escrito por Charles Lang Jr. que partía de una historia escrita en 1955 pot Vernon L. Fluharty en la novela, “Decision at Sundown” y en la que transforma, con suma valía, una historia simple, la idea de venganza, en un estudio de caracteres muy significativo y, Boetticher, impone su sello logrando un desenlace muy original. 

La música de la película es de Heinz Roemheld siendo la fotografía de Burnett Guffey que rodó en un luminoso Tecnicolor, siendo el montaje responsabilidad de Al Clark. 


El reparto lo encabeza Randolph Scott como Bart Allison, Noah Beery Jr. como Sam, John Carroll como Tate Kimbrough, Karen Steele como Lucy Summerton, Valerie French como Ruby James, John Archer como el Dr. John Storrow y Andrew Duggan como el sheriff Swede Hansen. Junto a ellos aparecen James Westerfield como Otis, el barman, John Litel como Charles Summerton, Ray Teal como Morley Chase, Vaughn Taylor como el Sr.Baldwin, el barbero, Richard Deacon como el reverendo Zaron y HM Wynant como ayudante mexicano. Igualmente aparecen Jack Perrin, Al Haskell, Vaughn Taylor, Herman Hack y Frank O'Connor. 

La historia se inicia con la llegada a las cercanías de Sundown una diligencia de la que se baja con malas manera un tejano que luchó en la Guerra de Secesión (1861-1865). Se trata de Bart Allison ( Randolph Scott ) que tras amenazar al cochero con el fin de que parase. Tras disparar al aire se persona en la zona un jinete. 


Se trata de un viejo amigo, Sam (Noah Beery Jr.) que le dice que está ansioso por comer. A pesar de los deseos de Sam,Bart insta a éste a ir a una ciudad llamada Sundown. No sabemos el por qué , pero casi de inmediato nos enteramos que tiene intención de matar al jefe local Tate Kimbrough ( John Carroll ) antes de la puesta del sol. Sam y Bart entran en el establecimiento del Sr.Baldwin, el barbero (Vaughn Taylor) en el que está afeitando a Charles Summerton (John Litel ) padre de Lucy (Karen Steele ) la chica que a mediodía se casará con el potentado local. Ya en la barbería Bart se muestra especialmente grosero con el el Sr. Summerton. 


Para empeorar las cosas cuando se monta en su coche de caballos descubre que el hombre que se va a casar con su hija está visitando a una chica del local principal, Ruby James (Valerie French) con la que mantiene una relación desde hace años, algo que es público y notorio en Sundown. 

Tras salir de la barbería Bart y Sam dejan sus caballos en un establo y allí entablan conversación entre otro con Dr. John "Doc" Storrow (John Archer) un hombre que manifiesta una enemistad abierta con el Sr Kimbrough. Tras eso los tres van al bar que regenta Otis, el barman (James Westerfield). Allí conoce al sheriff Swede Hansen (Andrew Duggan) y a sus hombres. Tate Kimbrough (John Carroll)  es dueño del sheriff (Andrew Duggan) y tiene al pueblo asustado. 

Ese día en el bar invita Tate Kimbrough, pero Bart se niega a ser invitado por el hombre al que piensa matar. Tras unos momentos de tensión con el sheriff, finalmente, ellos parten para ir a la inminente boda, pero Bart se queda bebiendo junto con un Sam hambriento. 

Ruby James está deseosa de ir y le pide a Doc que le acompañe. El oficio va a tener lugar cuando el reverendo Zaron (Richard Deacon) pregunta si hay impedimento. En ese momento Bart habla ya que está al fondo y dice que no debe haber boda ya que el responsable de la muerte de su mujer hace tres años fue Kimbrough , el hombre que tuvo una aventura con la esposa de Allison, quien luego se suicidó. 



Las tensiones aumentan a medida que se acerca la puesta del sol, no solo entre Allison y Kimbrough, sino también entre la gente del pueblo. Bart Allison y su amigo, Sam, se esconden en un establecimiento de la ciudad de Sundown para matar a su cacique, Tate Kimbrough. 

Por lo pronto Lucy Summerton se replantea su matrimonio con Tate Conforme pasa el tiempo Su intención es su idea de vengarse de Tate es criticada por Sam quien le cuenta que su mujer nunca fue la persona que realmente él pensaba. 


Tras eso se pelean y Sam va a comer , tras comer junto a Doc vuelve al local pero uno de los hombres del Sheriff al que había herido le dispara por la espalda. 

La tranquila ciedad comienza a replantearse se relación con el hombre que resulta ser el terrateniente más rico de la comarca y del que Bart Allison piensa que “Cuando un hombre llega muy alto, el suelo lo golpea con más fuerza cuando cae”. 

Dada la brutalidad mostrada por Bart Allison y su reflexión sobre Tate Kimbrough los hombres de la ciudad reaccionan contra Tate y contra su gente encabezada por oponerse al sheriff títere de Kimbrough y sus hombres. El Barman le llega a decir a Doc que "Si usted regentase un bar como yo, no esperaría tanto de la raza humana." 


Cuando Sam recibe un disparo en la espalda después de que le dijeron que podía irse a salvo, algunos de los habitantes cambian de bando y desarman a los hombres del Sheriff, lo que lo obliga a enfrentarse solo a Allison. 


Al hacerse cargo del Sheriff, Allison se lesiona la mano con el arma y ahora debe enfrentarse a Kimbrough como un zurdo finalmente el enfrentamiento abierto será con el sheriff quien muere. 


Por último, Tate solo encuentra consuelo en Ruby, volviendo las cosas a Sundown al status quo previo a la llegada de Tate. Con la imagen del protagonista abandonando el pueblo solo y triste al darse cuenta de lo equivocado del motivo para su venganza), acaba la película. 

La película fue rodada en Agoura y sus alrededores en California. 


En cuanto las críticas Fernando Morales en El País dijo de ella que "Aunque no se encuentre entre los mejores westerns de Boetticher, se trata de una film muy entretenido que, pese a su escaso presupuesto, encierra escenas de gran calidad. El cacique no deja de ser un cobarde pero tiene la obligación de retarse a duelo para mantener su credibilidad, Allison (Scott) hace de su venganza su razón de vivir, el Juez de Paz, interpreta a un hombre sobrio y respetable pero esconde avergonzado su condición de alcohólicoVenganzas familiares para una atractiva entrega de serie B" 

En ABC Play se señala que es el "Segundo de los memorables siete wésterns de bajo presupuesto que rodaron juntos el director Budd Boetticher y el intérprete Randolph Scott a lo largo de la década de los años 50. En esta ocasión, la tradicional historia de venganza, corrupción y odio adapta una historia escrita originalmente por Vernon L. Fluharty. Un rasgo importante del filme es su fotografía, obra de un competente técnico como Burnett Guffey, ganador de dos Oscar por "De aquí a la eternidad" y "Bonnie y Clyde". La espectacular rubia Karen Steele, quien se casaría posteriormente con Boetticher, y la pelirroja Valerie French, aportan el toque femenino a un reparto sobrado de testosterona. ". 


Para Guilherme de Alencar Pinto en La Diaria lo más interesante son los "primeros 20 minutos se caracterizan con cierta nitidez una buena veintena de personajes, y hasta el final estaremos descubriendo detalles sobre su psicología y sobre su pasado, hasta componer un cuadro singularmente complejo y ambiguo." 


Western  profundo con una dirección magistral, ya que hace un excelente trabajo al generar tensión desde las escenas iniciales hasta el final. La mayor parte de la película tiene a Scott retenido en un granero, lo que provoca que los personajes secundarios vayan adquiriendo protagonismo y que la actuaciones de todos, con Scott a la cabeza, aquí como antihéroe, sean brillantes al igual que Noah Beery, Jr. también es excelente en su papel de amigo de Scott. 


Esto hace que descubramos un producto artesanal bien resuelto con una gran puesta en escena, con la duración adecuada y actores que dan la talla en este preaviso de lo que con el tiempo será el  western crepuscular con buen reflejo de exteriores,con un tema propio y recurrente como la idea de la venganza en este caso por una cuestión de honor y por tratamiento dosificado de la  información que  va llegando poco a poco. Realmente es una buena película en la que no está clara la linea entre los buenos y los malos. 


sábado, 19 de diciembre de 2020

El territorio de la bestia



Hay películas de la que no esperas nada y te encuentras un producto muy entretenido y que te mantiene atento de principio a fin. Si eso se consigue, hablamos de que la película te ha gustado. Es el caso de El territorio de la bestia llamada Rogue en su versión original. Se trata de una película australiana de 2007 que mantiene los códigos del mejor cine de catástrofes protagonizados por un animal, llámese un Tiburón, una Orca, un banco de Pirañas o un Dinosaurio. En este caso un caso es protagonista para pesar de los protagonistas humanos es un gigantesco Cocodrilo marino del norte del país como ya ocurrió en otra película australiana , Black Water- que causó terror desde su estreno y que salvo, su tramo final, donde lo que ocurre se acerca a lo imposible, el resto es magnífico. 



La película está dirigida por Greg McLean, un director de cine australiano, productor y escritor que llamó la atención en 2005 con su largometraje debut, Wolf Creek. La secuela largamente esperada de esta película fue estrenada en 2013. 

Fue Mclean el que escribió, dirigió y produjo Rogue (2007) y que además se lanzó como productor ejecutivo en otras películas como Red Hill (2010) y Crawlspace (2012). Es también el coautor de dos novelas sobre el personaje ficticio Mick Taylor y el cómic de cuatro partes serie de libro Eje Oscuro: Batallas Secretas de la Segunda Guerra Mundial y la novela gráfica Sebastian Hawks – Cazador de Criaturas. En 2016 estreno Miranda Drive, así como una serie de televisión basada en su film Wolf Creek. 

En este caso la película fue producida por Matt Hearn, David Lightfoot y el director Greg McLean por medio de las productoras De Naray Sothcott Entertainment, Village Roadshow Pictures y Emu Creek Productions y el respaldo en la distribución de la Dimension Films de los hermanos Weinstein. La película contó con un presupuesto de 26 millones de dólares australianos. 

La película sigue el guion de Greg McLean. La película contó además con la música de Frank Tetaz, la fotografía lumninosa en gran parte del recorrido y que se oscurece al final de Will Gibson y el montaje de Jason Ballantine. 

La película contó con un elenco solvente integrado por Michael Vartan como Pete McKell, Radha Mitchell como Kate Ryan y Sam Worthington como Neil Kelly. Junto a ellos aparecen Caroline Brazier como Mary Ellen, Stephen Curry como Simon, Celia Ireland como Gwen, John Jarratt como Russell, Heather Mitchell como Elizabeth, Geoff Morrell como Allen, Damien Richardson como Collin, Robert Taylor como Everett y Mia Wasikowska como Sherry "Sher". 

La historia se desarrolla al norte de Australia en la Australia más profunda que en poco tiempo se ha ido llenando de turistas que están, por un lado, aportando riqueza a la zona ya que asumen servicios turísticos y , por otro, el rechazo de los blancos a los que desagrada la presencia de forasteros. 

Entre esos forasteros que llega a la zona para conocerla nos encontramos a Pete (Michael Vartan), un periodista americano que hace un reportaje sobre la industria turística en el norte de Australia. Nada más llegar se pide un café asqueroso que prepara un repulsivo camarero que lo atiende y escucha los ruidos de un natural guarro que erupta sin freno ni medida. 


Tras tomárselo se unirá a un grupo de excursionistas y a su hermosa guía local, Kate (Radha Mitchell), una chica de la zona que conoce el río. La idea es realizar un crucero por un río que es afectado por las mareas marinas y que atraviesa un parque natural australiano. 

Todo transcurre con normalidad. Durante el trayecto vamos descubriendo la condición de los integrantes del grupo viajeros, como Russell (John Jarratt), que está lidiando con la muerte de su esposa y que hace el viaje para depositar en el río sus cenizas; Simon (Stephen Curry), un fotógrafo aficionado bastante egoísta; y Allen (Geoff Morrell), un miembro de la alta sociedad británica que hace el viaje con su esposa enferma (Heather Mitchell) y su hija (Mia Wasikowska) mientras vamos viendo la flora y fauna del lugar en especial a los esperados cocodrilos. 

Cuando ya han llegado casi al final del camino tiene lugar un inicidente entre los de la barca y un bote motorizado que pilota el ex novio de  novio de Kate, Neil Kelly (Sam Worthington) un hombre desagradable  que se enfrenta al grupo y especialmente a Pete y a Kate. 


Sin embargo, el incidente queda en nada y casi logran culminar el curso más alto del río. Sin embargo, cuando llegan perciben una bengala. En el río es sinonimo de problemas así que Kate, a pesar del recelo de la mayoría, se lanza a la búsqueda del por qué surgió la bengala. 

Tras subir tres kilómetros, pero incómodos por la tandanza encuentran una barcaza hundida. De repente, el barco es sacudido por un descomunal cocodrilo salvaje y se encalla en un islote. Desde ese momento las fricciones aumentan en el grupo ya por miedo ya por intranquilidad y deseo de regresar. 


Tras ese ataque hay un segundo que le cuesta la vida a  Everett (Robert Taylor) lo que desespera a su mujer. 


Cuando cae la noche, y comienza a subir la marea el grupo se convierte en una presa fácil para la bestia, y comienza una feroz lucha por la supervivencia en uno de los lugares más inhóspitos del mundo. 

El animal poco a poco va atacando a todos, incluyendo a Neil Kelly que ha retornado y que el cocodrilo le sorprende costándole la vida al compañero.

Inicialmente el intento para escapar del islote lo lidera Neil, pero tras ser atacado por el animal sera Pete el que asume la responsabilidad junto a Kate. 


La película estuvo inspirada en el hecho real de «Sweetheart», un gigantesco cocodrilo australiano que atacaba embarcaciones a finales de los 70. Se trataba de un cocodrilo gigante de agua salada de 5,1 metros (16 pies) responsable de una serie de ataques entre 1974-1979, Sweetheart atacó motores fuera de borda, botes y barcos de pesca, pero nunca mató a nadie. En julio de 1979 Sweetheart finalmente fue atrapado vivo por un equipo de la Comisión de Parques y Vida Silvestre del Territorio, pero se ahogó mientras lo transportaban cuando se enredó con un tronco, su cuerpo montado está en exhibición permanente en el Museo y Galería de Arte del Territorio del Norte. 

Rogue se estrenó en Australia el 8 de noviembre de 2007 llegando a recaudar unos $4 620 096.

La película se rodó en diversos lugares de Australia como en Melbourne y alrededores como Maidstone - donde se recreó la guarida del cocodrilo en un almacén durante unas tres semanas.- Yarra Valley, en el Estado de Victoria, en Yellow Water, , sito en el Kakadu National Park, al norte del país en el llamado Northern Territory, donde también se rodó en el Nitmiluk National Park entre los meses de noviembre de 2005 y febrero de 2006, aunque las tomas de la "isla" se hicieron en un lago artificial en el país de Victoria. El departamento de arte fue el responsables de hacer que las rocas y los árboles se pareciesen a los del Territorio del Norte. 

Hay algunas anécdotas del rodaje. Por ejemplo, en la escena en la que Sam Worthington se cayó del bote, el rodaje se retrasó ya que hubo informes de que se vio un cocodrilo de cinco metros de largo en el área. Después de varias horas de que Worthington estuviera aterrorizado y se negara a entrar al agua y arruinar las tomas, Greg McLean decidió saltar al agua y nadar para convencerlo de que lo hiciera correctamente.La secuencia de la cuerda se rodó en el transcurso de cuatro noches. Un golpe de calor sufrió la joven Mia Wasikowska durante un día de rodaje especialmente caluroso. 

Radha Mitchell fue la primera elección del director Greg McLean para interpretar a Kate no así ocurrió en el papel de Neil Kelly por el que audicionó para ese papel de Nathan Phillips que finalmente pasó a Sam Worthington. 

La película consiguió algunos premios o nominaciones. Fue presenta en el Festival de Sitges en la Sección oficial largometrajes a concurso 

Aunque la película fue un fracaso de taquilla, ha recibido críticas muy positivas. Entre los críticos locales, el crítico Leigh Paatsch del Herald Sun de Melbourne  dijo de ella que «si hay que ver al menos una película sobre un cocodrilo asesino antes de morir, puede ser esta pulida película australiana de bajo presupuesto».

La crítica Sandra Hall del Sydney Morning Herald le dio a la película tres y media estrellas de cinco escribiendo que «es casi elegante. Su única desventaja es que evoca las inevitables comparaciones con Tiburón... un punto de referencia que la película no tiene esperanzas de alcanzar» 


Ya en España Jordi Costa en El País señaló que "McLean no se anda por las ramas, no dilata innecesariamente su relato, pero explora todas las posibilidades de esa situación única mediante un virtuoso manejo de las viejas mecánicas del cine de aventuras" 

José Manuel Cuéllar en ABC consideró que era "Engañosa apareriencia. Tiene mala pinta, ¿verdad? Cocodrilos gigantes, serpientes enormes (...) Pues fallo. Para nada. (...) todo es comedido menos la angustia y el suspense, que es mayúsculo. (...) ." 

Para Alberto Luchini del El Mundo lo mejor es la "Atmósfera opresiva e inquietante (...) lástima que en la última media hora, en clara concesión a la taquilla, ese suspense de paso a una sucesión de sustos fáciles y previsibles e inverosimilitudes absurdas (...)." 


Alfons Gorina señala en un tweet que "El director de "Wolf Creek" nos regaló un clásico con mayúsculas de este sub género. " 

Fausto Fernández señala en Twitter que se trata de una película muy buena, potente y molona , con Cocodrilos con más gusa que Carpanta arrean mordiscos de realidad gore selvatica australiana en la top ROGUE, que muestran la furia primaria irracional letal entre brutales atmosféricas y salvajes muestras de hombre vs. Naturaleza (cocodrilo) Muy grande y alaba su " clímax final ".

Como he dicho anteriormente estamos ante una película que puede verse, entretenida de principio a fin, que te mantiene en tensión y que va desprendiéndose de todos lo protagonistas, pero que salvo la lucha final en la guarida/ depósito del animal, es hasta creíble. Es magnífica para pasar un mal rato. Una grata y angustiosa sorpresa.  


sábado, 12 de diciembre de 2020

Congo Crossing



Unas películas son deudoras de otras. Tanto es así que no solo heredan el espacio, el continente africano, sino también la historia, por lo general, peor contada, con menos interés, y que, en ocasiones, heredan al equipo técnico incluso a algunos actores. Este es el caso de Congo Crossing, una película que mira de reojo y con mucha distancia a un par de películas . A LA PELÍCULA, Casablanca, y en la segunda mitad de la misma, a otra gran película La Reina de África (1951) de John Huston. 

Cuenta la historia de un refugio, en este caso no político sino de malhechores que están bajo la administración francesa ejercida aquí por un inspector de la gendarmería de un territorio ficticio que asume el rol del capitán Louis Renault que interpretó Claude Rains, pero en la persona de otro de los protagonistas menores de Casablanca , Peter Lorre, que en la obra de arte asumen el rol de Ugarte aquí el coronel John Orlando Arragas. 

A esto se suma que la segunda parte de la película trascurre en una barca y en un río que hay que explorar. El resultado de la película es una mezcla de cine aventuras con cine negro realizado en tecnicolor. 

El responsable de esta película del año 1956 no fue otro que Joseph Pevney, el director especializado en cine de aventuras que trabajo en la Universal y del que Fausto Fernández dice que era uno de los " asalariados de los grandes estudios (la Universal) que dirigieron decenas de películas de cualquier género " y del que hice una semblanza en la entrega que hablaba del clásico de la literatura norteamericana Yankee Pasha en película que trabajó con la recientemente fallecida Rhonda Fleming y con Jeff Chandler. 

La película, un producto destinado a la Universal Pictures, fue producido por Howard Christie y conatba con la historia escrita por Richard Alan Simmons, - en otras fuentes he leído que de Richard DeKoker - que se basaba en una Historia de Houston Branch. 

La película contó con la fotografía en Technicolor de un magnífico Russell Metty y el montaje de Sherman Todd. 


El elenco lo encabezaba la bellísima y exuberante Virginia Mayo como Louise Whitman y era acompañada por George Nader como David Carr y Peter Lorre como el coronel John Miguel Orlando Arragas. Junto a ellos aparecían Michael Pate como Bart O'Connell, Rex Ingram como el Dr. Leopold Gorman, Tonio Selwart como Carl Rittner, Kathryn Givney como Amelia Abbott, Tudor Owen como Emile Zorfus, Raymond Bailey como Peter Mannering, George Ramsey como Miguel Diniz, Maurice Donner como Marquette, Bernie Hamilton como Pompala y Harold Dyenforth como Steiner. 

La historia se desarrolla en un espacio irreal llamado Congotanga, situado en África Occidental. Un lugar sin normas y sin futuro. No tiene leyes de extradición. Un lugar en el que no hay ni hielo como dicen en la película. Su gobierno está controlado por gánsteres extranjeros, encabezados por un desalmado y racista Carl Rittner ( Tonio Selwart ). 

La única bolsa de bondad y de buen sentido en el territorio está en el hospital que está gestionado por el Doctor Leopold Gorman (Rex Ingram ) que cuenta con la amistad del topógrafo David Carr ( George Nader ) un hombre que está delimitando espacios para saber si el territorio es una espacio de autoridad propia o se integra en territorio belga , junto al territorio del Congo Belga. Por eso gran parte de su trabajo lo hace con mediciones en los meandros del río Congo. 

Mientras tanto en la capital administrativa de Congotanga, aterriza el último avión que llega de Europa lleva a Louise Whitman ( Virginia Mayo ), una mujer norteamericana elegante , descreida que llega a decir en un momento de la película que "Perdí la ilusión [en la vida] cuando vi que los cucuruchos de los helados eran huecos" y que ahora huye de un cargo de asesinato en Francia. 

Junto a ella llegan otras personas de dudosa honestidad como Peter Mannering ( Raymond Bailey ), un potentado que nada más llegar al único hotel que alberga a los expatriados busca a su hombre de referencia, un criminal. 

Cuando se entera en qué habitación está va en busca de un asesino a sueldo de nombre Bart O'Connell ( Michael Pate ) para que mate a la recién llegada. O´Connell, que lo único que desea es salir de ese condenado lugar en el que reside sin dinero, acepta la oferta de Mannering. 


Nada más llegar Louise conoce en el hall del hotel a su compatriota David Carr. Pero este primer contacto es poco amistoso pues Carr le pone sobreaviso a la mujer sobre la peligrosidad del espacio. De hecho Carr es ya conocedor de la historia que rodea a la chica acusada de asesinar a su compañero sentimental. 

Ella ajena a las circunstancias ese día recibe la visita desagradable de uno de los residentes en el hotel Carl Rittner (Tonio Selwart) que se ofrece a darle protección y muchas más cosas, aunque ella se niega rotundamente. 

Esta noche baja al comedor y allí se encuentra con Carr. Éste le dice "Puede que incluso le ofrezca un consejo". Y ella le responde:"Me conformo con una copa". Poco después tras ver que entre ellos no hay nada en común aparece Bart O´Connell cuya presencia no es bien recibida por Carr. 

Tras ver la tensión que existe entre Carr y Bart, decide salir con éste a los jardines del exterior para dar una vuelta. descubren que el lugar fue una misión abandonada. Cuando Bart está a punto de cumplir lo pactado con Peter Mannering y ya tiene preparada la pistola para matar a Louise, aparece el coronel John Miguel Orlando Arragas (Peter Lorre) al que conocimos al inicio de la película saludando a los recién llegados en el avión. No lo sabe pero ha salvado la vida de Louise. 

Una vez hablado la autoridad local con la chica, este vuelve al bar y descubre que ni está Carr ni el bolso. Pero de inmediato se persona el barman y le hace entrega del mismo. 

Tras eso sube a la habitación y mientras se da cuenta de que alguien ha entrado en su habitación y revisado sus maletas dejando un desorden absoluto, es golpeada por una mujer que aparece desde las sombras. Esa mujer se lleva el bolso. 

Una vez recuperada del golpe va a pedir ayuda a la habitación contigua que es la del topógrafo para decirle que le han robado el bolso. Mientras se lo comunica descubre que Carr tiene su fajo de billetes que sacó del bolso cuando ella salió del comedor. Ella se siente molesta pero él le explica que era la única manera de proteger su dinero, quitándoselo del interior del mismo pues el estado de degradación moral que hay entre los expatriados es absoluto. Carr le hace entrega de lo que es suyo y le deja claro que sin él , ella estaría en esos momentos sin blanca. 

Ya sabemos como funcionan las cosas en Congotanga , así que David Carr le propone a Louise que le acompañe al único lugar seguro de Congotanga que en el Hospital del Doctor Leopold Gorman. 

A la expedición río arriba va igualmente O´Connell que se suma a la misma para ofrecerse como ayudante del topógrafo pues necesita dinero para salir del país, - aunque su intención es la misma que la de Cart Ritter , hacerse con los mapas que está trazando como topógrafo- y él un ayudante pues el suyo muere al inicio de la película por las fiebres originadas por la mosca tsé-tsé así como otra mujer, Amelia Abbott (Kathryn Givney), precisamente la mujer que en la noche anterior atacó y robó a Louise. 

El pequeño barco llega así al Hospital de Gorman que está en mitad de la selva. Esa misma noche Bart, pensando en los 20.000 dólares prometidos por  Peter Mannering, atenta contra la que cree que es Louise y a mata. Sin embargo, la que estaba en la habitación de Louise ungando entre su ropa era nuevamente Amelia que fallece en el acto. 

Al día siguiente y dada la inseguridad reinante, Louise, O'Connell y el topógrafo David Carr ( George Nader ) marchan para reanudar lo que estaban trazando en el mapa. No era como pensaba Ritter ubicando un hallazgo de un tesoro o una mima, sino que está en la jungla con la misión de Carr encomendada por el Doctor Leopold Gorman de determinar la verdadera frontera de Congotanga con el fin de saber si el territorio puede estar bajo el amparo de la ley , aunque sea la belga, o sigue siendo el imperio del horror y el terror. 

Mientras salen al área del río serán atacados por Carl Rittner y sus hombres pues él está profundamente interesado en el mapa, por las moscas tsé-tsé, habra peleas entre Bart y Carr por hacerse con el mapa y por hacerse con la chica. Un cocodrilo pondrá fin con la vida de un nativo colaborador de Bart y las fiebres atacan a Bart del que ya está enamorada Louise. 

Finalmente, habrá un acuerdo entre Bart y Louise para llevar a un Bart enfermo al Hospital a cambio de los mapas, aunque Bart ya sabe que la elaboración del mismo es por delimitar los espacios territoriales dado que este mapa supondrá la reclamación del espacio para el Congo Belga y anexionarse este territorio fronterizo dado que tras la variación del curso de un río ahora pertenece a la metrópoli europea. 

Pero al llegar al Hospital los tres descubren que ha sido asaltado y quemado. Cuando creen que la muerte es el final de Carr se aproxima, son descubiertos por una tribu nativa que han acogido al Doctor que , finalmente, recupera al topógrafo. 

Cuando se recupera Louise le cuenta la verdad a Carr sobre que ella no es una asesina, sino que detrás de la muerte estuvo Peter Mannering y que por asumir su salida ha recibido un dinero. La relación entre Carr y Louise se consolida tanto es así que es percibida por el Doctor que le pregunta si está enamorado y el le dice: "- Doctor, por favor no me diagnostique, hace mucho calor". 

Por último, al poblado llega el coronel que los devuelve a la ciudad con el fin de que Louise y Bart puedan salir , aunque con dudas sobre su autoridad futura. Antes de partir en el avión se produce un tiroteo en el que caen inicialmente Bart O´Connell, cuyo único interés era salir de Congotanga, Peter Mannering y los hombres de Cart Ritter. 


Finalmente el coronel John Miguel Orlando Arragas como nuevo aliado de la pareja acaba con Ritter. Éste los despide en el avión asumiendo que Congotanga es territorio belga, acabando así la película. 

La mayoría de las secuencias exteriores se rodaron en el otoño de 1955 en el Jardín botánico y arboreto del condado de Los Ángeles, en Florida y en los Universal Studios en el 100 de la Universal City Plaza, Universal City. 


La participación en la película de Virginia Mayo , que por entonces era una megaestrella de Hollywood y una de las actrices más sexys y ligadas al cine de aventuras, supuso un cambio de cromos, pues si bien Virginia Mayo trabaja para la Universal, está empresa, la Universal-International acordó ceder a Rock Hudson a la Warner Bros. para que éste interpretara el papel de Jordan 'Bick' Benedict Jr. en la mítica película de George Stevens "Gigante". 


En cuanto a la crítica quiero destacar lo que ha dicho de ella uno de los críticos más sabios que existen en este país, Fausto Fernández que ha publicado en diversos tweets lo siguiente: "Decorados reciclados y metraje de archivo para salvarle la carrera a una Virginia Mayo en una película de aventuras africanas con marcha y gracejo, lejos de su estatus de estrella, pero encendiendo pasiones africanas. El oficio de Joseph Pevney dirigiendo y la presencia de Peter Lorre suman". 


Y añade en otro "El continente negro (¿se le puede seguir denominando así o vendrá la Inquisición flower power?) vuelve a ser el escenario de esta película ligera con Virginia Mayo, aunque es más de decorado y material de archivo que real". En este mismo sentido recalca que "También bastante besuqueablemente de pega son los parajes africanos de Congo Crossing, aventis sin más (Joseph Pevney con el piloto automático) para una Virginia Mayo ya saltando de productora en productora" Y concluye otro diciendo "Aventuras africanas sin otro objetivo que amortizar imágenes de documentales, decorados, extras de color (negro) y a Virginia Mayo".  


Al final lo que descubrimos que no es nada del otro mundo, pero resulta vistosa por el cocktail, por sus referencias y colorista por el entorno creado aunque sea artificial como jungla que simulan ser de África, pero que no deja de ser a un lado y otro del sur de los Estados Unidos . 

A destacar la presencia de una impresionante Virginia Mayo eficaz como siempre en su papel de sex symbol y la presencia de Peter Lorre en un papel similar al que Casablanca, la de un hombre sin suerte, aunque sea la máxima autoridad en el territorio de Congotanga. La película contiene los elementos propios de un film de aventuras sumado a la tensión sexual entre los dos protagonistas y algunos diálogos inteligentes. La dirección de Pevney como siempre capaz. Se deja ver, sin más.



lunes, 7 de diciembre de 2020

El chip prodigioso


 

El chip prodigioso de Joe Dante es deudora de la película Richard Fleischer que hizo 21 años antes, en 1966 y que proponía un viaje por el interior del cuerpo humano . Mientras que la segundo tenía mucho que ver con un trasfondo de thriller de la guerra fría la de Joe Dante, un ejemplo magnífico del sello de la Amblin de Spielberg partidario de un cine divertido y fresco de aventuras de los 80 en los que `la representación del mal está en unos espías industriales que buscan el chip necesario para miniaturizarse. La película producida por Michael Finnell y en la que Steven Spielberg se desempeñó como productor ejecutivo por medio de la Amblin Entertainment, junto a sus eternos compañeros Frank Marshall y Kathleen Kennedy creada seis años antes, en 1981. 



La película parte del guion escrito por Jeffrey Boam y Chip Proser que fue el que ideó una historia que fue hija putativa de Chip Proser y que con el apoyo de la Warner Bros. contó con un presupuesto de $ 27 millones. 

La película contiene la banda sonora creada para ella por Jerry Goldsmith, la fotografía de Andrew Laszlo y el monteja de Kent Beyda. 

Contó en su elenco con Dennis Quaid como el teniente Tuck Pendleton, Martin Short como Jack Putter, Meg Ryan como Lydia Maxwell. Junto a ellos están Kevin McCarthy como el millonario Victor Scrimshaw, Fiona Lewis como la Dra. Margaret Canker, Robert Picardo como el cowboy, Vernon Wells como el Sr.Igoe, Henry Gibson como Mr.Wormwood, William Schallert como el Dr. Greenbrush, Wendy Schaal como Wendy, Harold Sylvester como Pete Blanchard, John Hora como Dr. Ozzie Wexler, Orson Bean como el editor de Lydia, Kevin Hooks como Duane Florney y Dick Miller como taxista. 



Junto a ellos aparecen en pequeños cameos Chuck Jones, director de muchos episodios de Looney Tunes, concretamente en la cola del supermercado detrás de la mujer que es origen de las pesadillas de Jack y Joe Dante, el director, como un empleado del laboratorio atacado por los terroristas. 

La película comienza con un cocktail homenaje a los militares que trabajan para la NASA en viajes espaciales, y otras muestras como cohetes, etc... En el cocktail un  militar borracho el teniente Tuck Pendleton (Dennis Quaid) mucho más bebido de lo normal comienza una trifulca con sus compañeros de armas siendo la novia de Tuck , Lydia Maxwell (Meg Ryan) la que saca de la fiesta a su novio.

Esa noche la pasan juntos en el apartamento de Tuck en San Francisco. Pero a la mañana siguiente ella decide dejarlo en casa y huye en un taxi ( Dick Miller) mientras él queda desnudo en la calle. 


Dos meses despues, en una base experimental de la aviación en el área de San Francisco, vemos al teniente Tuck Pendleton, que ha renunciado a su graduación y se ofrece como voluntario para un experimento secreto de miniaturización que dirige el Doctor Ozzie Wexler (John Hora ) por lo que entra en una cápsula sumergible y ambos se reducen a un tamaño microscópico y se transfieren a una jeringa para inyectarlos en un conejo, pero el laboratorio es atacado.

Mientras tanto un hipocondríaco trabajador de un gran almacén, Jack Putter (Martin Short) está de visita al médico que lo trata el Dr. Greenbrush (William Schallert). Le comenta que tiene pesadillas con una mujer pelirroja a la que le cobra en exceso. Tras esto el médico le recomienda que se tome unas vacaciones y que se relaje.  

El laboratoria mientras tanto vive la ofensiva de una organización criminal, liderada por la científica Dra. Margaret Canker (Fiona Lewis ), que planea aprovechar el experimento y robar la tecnología de miniaturización. 

El supervisor del experimento Ozzie Wexler, conociendo sus intenciones, escapa con la jeringa en una persecusión en bicicleta por la carretera de Palo Alto. Se produce una persecución desde la sede de la organización en Silicon Valley hasta un centro comercial de la zona en la que uno de los secuaces de Canker, el Sr. Igoe (Vernon Wells) , con una sola mano siendo la otra la propia de un cyborg le persigue hasta el centro comercial cercano. 

El Sr. Igoe tras apuntar con su mano cyborg dispara sobre el científico. Ozzie después de recibir un disparo, inyecta a Tuck con ello mete la cápsula y a Tuck en el cuerpo del científico sobre el desprevenido e hipocondríaco trabajador de Safeway , que es la primera persona con la que entra en contacto.


Tras eso Jack se pone a trabajar en la tienda y comienza a notar algo en su interior como algunos dolores. Pero lo peor es que se cumple la visión que había tenido con la mujer en la cola a la que le parece cobrar miles de dólares. 

Al recuperar la conciencia, Tuck no se da cuenta de lo que ha sucedido y cree que lo han inyectado en el conejo. Después de que los intentos de comunicarse por radio con el laboratorio no tienen éxito, conduce la cápsula hasta el nervio óptico e implanta una cámara para poder ver lo que ve el "anfitrión" lo que le causa un dolor agudo a Jack. 


Al darse cuenta de que está dentro de un humano, hace contacto conectando otro dispositivo al oído interno de Jack, lo que le permite hablar con Jack. Tras tranquilizarse Tuck le explica que la cápsula solo tiene un suministro de oxígeno para unas pocas horas y necesita su ayuda para poder extraerlo y regresar al laboratorio. 

Mientras en el laboratorio, los científicos explican a Tuck y Jack que el otro grupo robó uno de los dos chips de computadora que son vitales para el proceso. Su cerebro es Victor Scrimshaw (Kevin McCarthy ) . 

Sus secuaces incluyen a Canker, Igoe y a "The Cowboy" (Robert Picardo) que está llegando en avión a San Francisco. 

Jack se pone en contacto con la novia separada de Tuck, Lydia Maxwell , una reportera que ha tenido tratos con The Cowboy y que ve como Jack lleva el coche rojo descapotable de Tuck. 


Pero tras contactar Jack es secuestrado por Sr. Igoe y metido en un camión de carne congelada que lo lleva hasta la zona de Presidio en San Francisco.

Allí la Dra Canker y Victor Scrimshaw comprueban que él es quien lleva el chip en su interior. Y mientras la Dra se desplaza en su coche, Victor lo hace dentro del camión. Nada más salir llega Lydia que se dispone a perseguir al vehículo congelador. 


Mientras tanto Tuck le dice a Jack que tiene que salir lo mejor de él y , al observar que la puerta del camión, no está cerrada con llave le dice que la abra, aunque lo hace antes de tiempo. De cualquier manera tras unos segundos de dificultades Jack entra en el descapotable de Tuck que lleva Lydia. Ambos se enteran de que planea comprar el chip de computadora de Scrimshaw. 

Después de localizarlo llevarlo a un hotel y dejarlo inconsciente, Tuck usa el equipo de la cápsula para controlar los músculos de la cara de Jack, alterando sus rasgos para que parezca Cowboy.

Tras eso Lydia y Jack, haciéndose pasar por Cowboy, se encuentran con Scrimshaw que está en la casa alimentando a su perro, un pastor suizo, Murnau, para robarle el chip. Sin embargo, cuando están a punto de tomar posesión de ella, el nerviosismo de Jack anula la transformación de su rostro, exponiendo la estafa. 

Igoe lo captura a él y a Lydia y los lleva a su laboratorio. Mientras están encarcelados, Jack y Lydia se dan un beso que, sin saberlo, transfiere a Tuck al cuerpo de Lydia a través de su saliva. 

Una vez llevados al laboratorio, los criminales encogen a Igoe y lo inyectan en Jack para localizar a Tuck, Una vez que se ha inyectado Igoe, Jack y Lydia escapan, pues como le dice Tuck a Jack “Cuando peor están las cosas es cuando mas marcha tiene el guerrero.” recuperan el chip y ordenan a todos, incluidos Scrimshaw y Canker, en el laboratorio a punta de pistola que entren en el dispositivo de miniaturización. Sin embargo, al no saber cómo operarlo, solo logran encoger a todos a la mitad del tamaño original. 

Tuck, ahora dentro de Lydia, encuentra un bebé en crecimiento y se da cuenta de que está en su interior y que además está embarazada de él. Al ir a su tímpano y tocar su canción ( "Cupido" de Sam Cooke ), él puede alertarlos de lo que sucedió. 

Como quiere salir y volver a entrar en el cuerpo de Jack y Lydia se besan de nuevo para transferirlo de regreso. Conducen frenéticamente de regreso al laboratorio para agrandarlo, sin darse cuenta de que Scrimshaw y Canker encogidos se esconden en el asiento trasero. 


Mientras intentan someter a Jack y Lydia, Igoe localiza a Tuck en el esófago de Jack y le ataca. Tuck desactiva la nave de Igoe y éste muere después de que Tuck lo deja caer en el estómago de Jack por medio de sus jugos gástricos. 

De vuelta en el laboratorio, con solo unos minutos de oxígeno suplementario en la cápsula, Jack sigue las instrucciones de Tuck para expulsarlo de sus pulmones estornudando. Al hacerlo queda en las gafas de uno de los científicos. Con el chip ya en sus manos, Tuck y la vaina se amplían con éxito, se reúne con Lydia y finalmente conoce a Jack en persona. 


La película termina en la boda de Tuck y Lydia, celebrada en Wayfarers Chapel , donde Tuck usa los chips del experimento como gemelos. Cuando suben a la limusina, se revela que The Cowboy es el conductor y Scrimshaw y Canker encogidos se esconden dentro de una maleta en el maletero. 

Ahora confiado y en control de su vida, Jack reconoce a The Cowboy y se sube al Mustang de 1967 de Tuck , persiguiendo la limusina para rescatar a los recién casados. 

La película comenzó como un guión original de Chip Proser, quien lo llamó "básicamente una copia de Fantastic Voyage". El guión fue elegido por Peter Guber de la Warner Bros. en 1984. Guber le ofreció el guión a Joe Dante, quien lo rechazó. Luego hizo que Jeffrey Boam reescribiera el guión como una comedia. 

Boam afirmó que "La idea era algo ridícula, que era una persona miniaturizada y puesta en el cuerpo de otra persona. Eso es todo lo que guardé del guión original. Al principio pensaron que podría ser Michael J. Fox dentro de Arnold Schwarzeneggercuerpo . De hecho, seguí rechazándolo, y ellos fueron persistentes y seguían volviendo a mí ".  Según Dante, Boam "lo abordó ... desde el concepto de lo que sucedería si encogiéramos a Dean Martin y lo inyectamos dentro de Jerry Lewis ". 

La cosa cambió se involucró Steven Spielberg en el proyecto como productor ejecutivo y que pudo haber sido responsable de la comedia. "Era una idea tan tonta que no tenía límites", dijo Boam. "Sentí que podía hacer cualquier cosa, por lo que el guión que escribí era muy loco y estaba muy lejos, pero a todos les encantó. Dick Donner, Joe Dante, John Carpenter e incluso Steven Spielberg querían hacerlo. Así que cuando Steven se mostró interesado, la Warner pensó que Spielberg lo podía hacer con cualquier cantidad de dinero que se necesitara para hacer la película. Steve finalmente decidió que solo quería producir, así que Joe vino y realmente se aferró a la idea ".


Originalmente, se pensó que el papel de Quaid sería interpretado por un actor mayor, pero luego decidieron hacer al personaje más joven.  Dante recordó durante las escenas de filmación en las que los personajes de Quaid y Short interactuaban, "Dennis estaría en el set en una cabina, por lo que la interacción realmente estaba sucediendo. Dennis seguiría el guión un poco más que Marty. Después (...) , pedía más tomas, con la voz de Katharine Hepburn , que era difícil de resistir ". 

Dante comentó que Spielberg "te protegería del estudio y, a veces, de los otros productores. Había una atmósfera muy amigable para los cineastas allí [en Amblin]. Tenías el mejor equipo y las mejores personas con todos los juguetes que querías jugar. Además, tenías a alguien a tu lado que también era cineasta y sabía exactamente de lo que estabas hablando cuando tenías un problema o una pregunta ". 
El actor Dennis Quaid dijo de ella que era "una comedia tonta y estúpida, que es exactamente lo que la gente necesita en el verano". "Es muy idiota y me encanta. Nos encontramos con todos los clichés tontos y estúpidos del libro. Deja tu cerebro en casa y lo pasarás bien". Fue allí donde Meg Ryan conoció a Quaid en el set y luego se casaron. 

El creador de la idea Proser, dijo más tarde: "En realidad, nunca he podido sentarme a verlo todo a la vez. No me pagan por ver esta mierda.(...) Uso una máscara para cobrar el cheque". 

Por su parte, Joe Dante dijo más tarde que la película "fue un éxito en video. Fue uno de los primeros videos importantes y, básicamente, se descubrió en video. Aunque al público le gustó en los cines, cuando fui, estaban medio vacía" ya que  la campaña publicitaria fue tan terrible para esa película. Era solo un pulgar gigante con una cápsula diminuta. No se podía decir que era una comedia, no se podía decir nada, y tenía un título terrible, porque nunca podríamos encontrar uno mejor. Y el estudio estropeó la venta. Quiero decir, les gustó la película e intentaron reeditarla, incluso, con una campaña diferente, y aún así fue un bombardeo ". "Se ha visto en retrospectiva como si hubiera sido un gran éxito, mientras que, de hecho, fue una decepción en su día", dijo.

Dante después calificó la película "probablemente la película que había hecho hasta entonces que era la más cercana a mi intención. Como resultado, estaba muy feliz con ella. Cuando la miro hoy, todavía creo que es una cantidad de diversión ". 

En los Oscars del año  1988 se le concedió el Premio de la Academia a los mejores efectos visuales ( Bill George , Dennis Muren , Harley Jessup y Kenneth F. Smith ).

Consigió igualmente el premio al mejor director en los Premios de la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films  y a la Mejor película de ciencia ficción, siendo nominado a los Mejores efectos.  

La película tuvo una acogida positiva por parte de la crítica. Roger Ebert del Chicago Sun-Times escribió en su periódico lo que "Aquí hay una película absurda, difícil de manejar y sobre trama que, sin embargo, es entretenida, y parte de la diversión proviene de la forma en que la trama sigue desarrollándose y se mantiene así [absurdo y con demasiadas cosas]. (...) 

Para Sheila Benson de  Los Angeles Times señala que "Con un giro ingenioso de la premisa de 'Fantastic Voyage', y un par de protagonistas muy distintos, pero irresistibles por igual, es densamente imaginativa e hilarante".

Ian Nathan en la revista Empire afirmó que "No tiene el filo oscuro de otros trabajos de Joe Dante, pero las brillantes interpretaciones de Martin Short y Meg Ryan la hacen una gozada de principio a fin (...) " 

Hal Hinson en The Washington Post defiende que "No es suficientemente imaginativa para ser nada más que un buen rato de entretenimiento. Pero es una comedia enormemente modesta y agradable" 

Ya en España Fernando Morales en El País escribió que era "Espectacular viaje intravenoso producido por Spielberg, que sigue los argumentos de la mítica 'Un viaje alucinante' (1966), de Richard Fleischer. Su diseño de producción: realmente conseguido".

Y Fausto Fernández en Twitter comenta que es absoltamente ochentera en parte por ser un disfrute absoluto ese chiste y contener ese chiste a costa de Murnau o el pesronaje que asume Robert Picardo como el Cowboy así como diálogos como el que tiene Jack con uno en el servicio mientras habla con Pendelton y que le dice "juegue con ella, pero por dios, no hable con ella".

Por mi parte señalar que la película que se mueve en el terreno de la comedia, la ciencia ficción y la aventura para toda la familia. Una de las míticas y queridas de la ciencia ficción juvenil de los años 80 en parte con sus secuencias del interior del cuerpo humano son antológicas. La película ganó 42 millones de dólares en alquileres de salas de cine en todo el mundo.