viernes, 31 de agosto de 2012

Ravenous, bueno para comer



La comida es un hecho cultural. Para algunas la ingestión de determinados alimentos está permitida, para otras no. Pensad en prohibición de alimentarse con la carne de un vacuno para un hindú, o de un cerdo para un musulmán. A lo mejor comer caimán es repulsivo en un país, pero una delicia en otro. Un libro magnífico que presenta desde el punto de vista antropológico la alimentación es el escrito por Marvin Harris y que tiene como título el de la entrada, Bueno para comer. Pues bien, estamos ante una película que podría tratar de la alimentación, que para unos es repulsiva y para otros una necesidad o incluso una especie de comunión, pues la fuerza de la carne del otro puede pasar a tí.

Ravenous es una película del año 1999 en la que participan diversos países (Reino Unido, Estados Unidos, República Checa y México- en donde se la conoce por Voraz, al igual que en Argentina) de 103 minutos de duración y que está dirigida por Antonia Bird – al parecer ésta sustituyó a Milcho Manchevski, quien fue despedido por la productora a causa de su particular visión de la historia. (Zinema.com).
La película está protagonizada por Guy Pearce, Robert Carlyle, David Arquette, Jeremy Davies, Jeffrey Duncan Jones, Stephen Spinella, Sheila Tousey, John Spencer y Neal McDonough.

Se trata de una producción de Adam Fields, David Heyman, Tim Van Relim para la Fox 2000 Pictures, quienes invirtieron unos 12 millones de dólares, de los que apenas recuperarán dos millones. Vamos un pequeño o gran fiasco comercial.

La película parte del guión de Ted Griffin  aquien se le ocurrió el guión leyendo  la obra de Stephen King "The Thing man", y tiene una magnífica fotografía de Anthony B. Richmond. La música de enorme peso en el filme es obra una en conjunto de Michael Nyman, Damon Albarn, Stephen Foster, Quiltman, Philip Phile.

La película se rodó en las Montañas Tatras y en los Estudios Barrandow de la República Checa, así como en Durango México.

Un día aparecerá Colqhoun, un extraño personaje que asegura que él y otro colonos fueron sorprendidos por una avalancha que les dejó encerrados en una cueva durante largo tiempo y en la que lograron sobrevivir practicando el canibalismo. Pero la verdadera historia aún está por descubrirse...

La película comienza con la frase que se atribuye a Friedrich Nietzsche: “El que lucha con monstruos debe tener cuidado de no convertirse él mismo en monstruo” y continua con un anónimo: “Cómeme”.
De inmediato la película se traslada a 1847, durante la guerra entre México y Estados Unidos y al papel que jugará en la misma el Capitán John Boyd (Guy Pearce). Éste está siendo condecorado por el general Gen. Slauson (John Spencer) en un aparentemente acto de  valentía como “héroe” – aunque después sabremos que realmente lo suyo fue un acto de supervivencia o de cobardía según lo queramos entender-. El capitán John Boyd es enviado a un apartado fuerte en California en un desolado puesto militar, para atender a los viajeros en el oeste árido y helado de las montañas de Sierra Nevada Occidental en California.
A su llegada es recibido por un pequeño y variopinto grupo de soldados, incluido su comandante, Hart (Jeffrey Duncan Jones), un hombre que ha prácticamente renunciado a la vida; Toffler (Jeremy Davies), el religioso; Knox (Stephen Spinella), el "médico", que es alcohólico; Reich (Neal McDonough), el insensible soldado del grupo; la india Martha (Sheila Tousey) y Cleaves (David Arquette), un cocinero cuyas comidas son más inspirado por el peyote que ambiciones culinarias.
En este frío, sombrío y extraño lugar aparece un extraño, Colqhoun (Robert Carlyle), un explorador hambriento que había estado viajando con un grupo de colonos hasta que se quedaron incomunicados en la nieve. Se refugiaron en una cueva, pronto se acabó la comida y se vieron forzados a comerse primero a sus animales y luego unos a otros. Colqhoun escapó, según él,  antes de ser devorado por el guía y la mujer para evitar ser devorado.
La historia de Colqhoun oculta acontecimientos, más allá de canibalismo y la voluntad de sobrevivir. Se trata de un viejo mito indio llamado Wendigo, que establece que un hombre, sobre todo herido y enfermo, que come la carne de otra persona le roba la fuerza, el espíritu y su esencia. Su hambre se convierte en un insaciable deseo: el que come más, más quiere y se convierte en el más fuerte. Nunca es suficiente y la muerte del otro para ser devorado es la única solución.
Antes de salir el indio que vive en el campamento le explica al comandante Hard la leyenda india de Wendigo. Un grupo formado por Hart, Boyd, Tofler, Reich, Colqhoum y el indio marchan a auxiliar supuestamente a la mujer que queda en la cueva con el guía.
Durante el camino Tofler sufre un accidente y por la noche se despierta gritando pues Colqhoum le ha lamido la sangre. Éste es detenido por el grupo, pero siguen con el plan inicial de ir a la cueva. En la misma entra Boyd y Reich y descubren el macabro espectáculo en u interior, pero dado el número de cuerpo descubren que el devorador es Colqhoum. Éste asesina a Tofler y al comandante Hard.
Más tarde a Reich y a pesar de que Boyd dispara sobre Colqhoum éste se salva y Boyd e lanza al vacío, cayendo junto al cuerpo de Reich. Días más tarde sale de su escondite y regresa al fuerte. Allí se encuentran Martha (Sheila Tousey), Knox ( el médico) y Cleaves (David Arquette).
A su llegada Boyd cuenta lo acontecido y uno marcha al fuerte principal a contar la historia. Nadie cree a Boyd, pues parece una persona inestable. La masacre provoca la llegada al cuartel del general Gen. Slauson, quien nombra a un nuevo comandante, Ives. Ante la sorpresa de Boyd ese comandante es  Colqhoum, (ahora con el nombre de Ives) quien asume el mando.
Boyd se niega a comer y a dormir pues teme ser devorado. Una noche y  a pesar de la aparente normalidad Boyd y Colqhoum se ven en el patio, y Colqhoun mostrará a Boyd su increíble secreto. La carne de otro se genera en el que se la come. Colqhoum  le pide colaboración a Boyd, pues el comió la carne de Reich para sobrevivir y bebió la sangre de  su capitán cuando se hizo el muerto. Un Boyd enfermo tiene ahora un dilema: cenar o ser cenado.
 
En paralelo Martha descubre que los caballos han sido decapitados para impedir la huída y que Cleaves han ido en parte devorado. Knox culpa de ello a  Boyd y lo detiene. Colqhoum mata a Knox y le ofrece su carne. Sorprendentemente aparece el comandante Hart y le explica a Boyd que sobrevivió al ataque de Colqhoum alimentándose más tarde de la carne que le ofrece éste. Hart y Colqhoum le explican el plan: devorar algunos de los colonos que en su camino a California. Pero previamente han de devorar al jefe del puesto militar. Antes de su llegada Boyd acaba con Hart – por petición de éste al ver el horror y el monstruo que se ha convertido- y se enfrenta con Colqhoum.
Luchan a muerte y un cepo de caza supone la trampa mortal para los dos: la muerte de ambos y la llegada y degustación de la carne de Knox por parte del general Slauson - por cierto, la última película del actor John Spencer fallecido en 2005- pone fin a “Ravenous”.
Ravenous en inglés significa algo así como "hambre de lobo" y recoge una vieja leyenda de los indios norteamericanos que alude al mito del Wendigo. Una extraña criatura que una vez fue un hombre, transformado en bestia antropófaga por haber matado y devorado a un semejante. Dicha leyenda se basa al parecer en hechos reales: durante las periódicas hambrunas que sacudían a las tribus indígenas del actual Canadá y norte de EE. UU., era común que surgieran actos de canibalismo. Pero ello repugnaba tanto a los nativos que los autores de tales actos eran expulsados de sus tribus y condenados a vagar en soledad por los abruptos montes nevados de Norteamérica. Además de esta explicación existe otra en base a una historia real tristemente acaecida a mediados del siglo XIX (1847) en el oeste americano: El único superviviente de la malograda expedición de George Donner, un hombre de origen escocés (buscador de oro), completamente desfallecido, delirando y extenuado, llega en uno de los peores inviernos del siglo XIX a un pueblo del paso fronterizo de Sierra Nevada –cinturón montañoso emplazado entre los estados de California y Nevada- . En un principio, y aun con lo completamente enajenado de su estado, cuenta la historia de lo ocurrido en las montañas de donde proviene, y así es escuchado y creído. Pero, con el tiempo, algunos datos investigados no casan de manera satisfactoria, y es en la primavera de ese mismo año organizada una partida de expedición para corroborar esa historia….

Es curioso que para el papel de un antropófago como el de Boyd eligieran a un actor que es vegetariano y que tuvo que comer carne en alguna escena, como cuando devora a Knox mediante lo que era realmente un estofado de cordero. Se comenta que al final de la escena cuando cortaba la directora el escupía lo que tenía en la boca. Igualmente llama la atención de que el enfrentamiento entre Boyd y Colqhoum / Ives iba a tener lugar en el tejado, y no en un interior.

La Academy of Science Fiction, Fantasy and Horror Films, en 2000, nominó a esta película a mejor film de horror, mejor maquillaje y mejor música. Los premios First Americans in the Arts Awards en 2000, concedieron a  Sheila Tousey el premio FAITA por su excelente interpretación, aunque al parecer, este papel femenino iba a ser en prinicipio asumido por un chico, el hermano del indio George.

M. Torreiro en el Diario El País afirmaba que "Aborda uno de los temas tabúes del ser humano, el canibalismo, y resulta al principio interesante por su enfoque antropológico, pero pronto cae en picado hacia los procelosos terrenos del gore", mientras que Omar Khan en ese mismo diario decía que la película es una "Inquietante historia llevada con frialdad, sin excesos truculentos, llegando incluso a cierto cinismo. Relato distante y certero sin resbalar nunca por lo más previsible y fácil. Aunque es muy recomendable y comedida, evitar las palomitas". Lo que queda claro es que la película te descoloca.

El guionista Ted Griffin adapta esta macabra historia verdadera, y le imprime elementos fantásticos y un desarrollo argumental francamente originalísimo. Mención aparte la magnífica banda sonora del binomio Nyman-Damon Albarn (el líder de Blur), en la que destacan temas como el magnífico “Boyd´s Journey”; que evoca a una marcha de soldados vencidos, y que deambulan por los caminos como una horda sin rumbo ; Banjos y flautas muy sugerentes que imprimen a la dirección de Antonia Bird más fuerza si cabe.

El tema central es de corte existencial: una batalla interna entre lo animal-instintivo y lo humano-racional. Hasta qué punto puede uno mantener sus convicciones morales cuando éstas van en contra del instinto básico por excelencia: el de supervivencia. Una misma batalla que mantienen protagonista y antagonista, pero con desarrollos completamente distintos.

Ravenous es una rareza, un film sin género definido y de culto sobre el canibalismo y sobre la supervivencia con algunos puntos comunes con todo el vampírismo. Al fin y al cabo a Boyd le pasa lo que afirmaba Nietszche: “Cuando miras al abismo, el abismo te devuelve la mirada”.


miércoles, 29 de agosto de 2012

Ingrid Bergman, in memoriam


Hoy se cumplen treinta años de la muerte de Ilsa, la protagonista de Casablanca. Ingrid Bergman. Murió en Londres el día de su 67 cumpleaños hace ahora tres décadas. Bergman, nacida el 29 de agosto de 1915 en Estocolmo y fallecida en Londres el mismo día de 1982, había llegado a Hollywood algo reticente por su belleza un poco campestre, su voz grave y su estatura excesiva (1,75 metros), que hizo que Humphrey Bogart en "Casablanca" y Claude Rains en "Encadenados" tuvieran que llevar alzas a su lado.
Y como al mito siempre se vuelve escribo algo sobre Casablanca y el papel de Ilsa / Bergman en el filme. Uno de los rumores famosos más sobre la película es aquel que afirma que los actores no supieron hasta el último día de filmación cómo terminaría la historia. De hecho, la obra original (que por cuestiones técnicas se desenvuelve por completo dentro del café) terminaba con Rick enviando a Ilsa y a Víctor hacia el aeropuerto. Durante la adaptación del guión se discutió la opción de hacer morir a Laszlo en Casablanca, lo que hubiera permitido que Rick e Ilsa volaran juntos, pero —como Casey Robinson le escribiera a Hal Wallis previo el inicio de la filmación— el final de la historia «está hecho para que haya un giro oportuno en el momento en que Rick la envíe en el avión con Víctor. Entonces así, haciendo eso, no sólo está resolviendo el triángulo amoroso. Está forzando a la chica a estar a la altura del idealismo de su naturaleza, obligándola a cargar con el peso de un trabajo que en estos días es más importante que el amor entre dos personas insignificantes».
Hubiera sido ciertamente imposible presentar una Ilsa que dejara a Laszlo por Rick, pues el código estadounidense de producción cinematográfica de 1930 prohibía exhibir a una mujer dejando a su marido por otro hombre. La disputa como tal no era, pues, sobre si Ilsa se iría con Laszlo, sino sobre cómo esta solución podía ser resuelta en el guión. ¡Qué poco sabían de lo haría la Bergman real con su marido real, cuenda ella lo deja en la estacada por Roberto Rossellini!
Así que es posible que el rumor se propagase a partir de una afirmación de Ingrid Bergman en la que dijo que ella no sabía de qué hombre tenía que enamorarse. Sin embargo, y puesto que el guión se reescribe a lo largo de todo el rodaje, la revisión de Aljean Harmetz concluye que muchas de las escenas clave habían sido ya filmadas cuando Bergman hizo el comentario, y que ya sabía cómo terminaría el filme: por lo tanto, la confusión fue, en todo caso, «emocional» y no «factual».
Muchos afirman que Michael Curtiz dirigió la historia sin un guión definido. Todavía la última edición del Guinness book of film, de 1998, afirma: «El triunfo de Casablanca es aun más valioso porque el guión fue escrito en el plató día a día, y cuando comenzó el rodaje, el desenlace de la trama era aún desconocido para los actores tanto como lo es para el espectador». La verdad es que existía un guión muy definido escrito por Julius e Irving Epstein, en cuyo único final Bogart sacrificaba su amor para permitir a Ingrid Bergman y a Paul Henreid escapar de la persecución nazi. Sin embargo es cierto que Curtiz fingió que no sabía el final, con el objetivo de que los actores tuvieran el mismo desconcierto que sus personajes en cuanto al destino que les esperaba. Sólo Bogart lo sabía dado que su contrato de gran estrella le daba el derecho de aprobar el guión.
Uno de los aspectos más significativos de Casablanca y  de algunas de las grandes, como el padrino es la existencia de frases memorables. Pues bien, hubo una dedicada a Ingrid. Se trata de una frase que Rick le dice a Ilsa y no se encontraba en los guiones preliminares.Su aparición en la película ha sido atribuida a las lecciones de póquer que Bogart le daba a Bergman entre toma y toma. Fue elegida por expertos estadounidenses como la quinta frase más memorable en la historia del cine de aquel país en una encuesta realizada en el 2005 por el American Film Institute. Y esta frase especialmente adecuada en este treinta aniversario de su pérdida es «Esta va por ti, muñeca» («Here's looking at you, kid.», en inglés).


Lluvia negra



Todavía no tengo claro el por qué grabe esta película en VHS, creo que se debió a que aparecía en la colección del diario "El mundo" dentro de la serie "La historia más grande jamás contada" o a que a Andy García le cortaban la cabeza. Realmente no me acordaba de gran cosa de esta película así que decidí verla anoche y tras ello le puse este título como entrada: Cuando la lluvia es negra.

Black Rain es un largometraje de 1989 dirigido por Ridley Scott ambientado en Japón. La película fue nominada en dos categorías de los Premios Óscar del 1990, al mejor sonido (Milton C. Burrow, William L. Manger ) y a los mejores efectos  sonoros (Donald O. Mitchell, Kevin O'Connell, Greg P. Russell, Keith A. Wester), así como a la mejor película extranjera en los Premios de la Academia Japonesa del cine en el año 1990. 

Tiene una duración total de 115 minutos. En principio la cinta la iba a dirigir Paul Verhoeven quien firmó para ejecutar la obra.

Con un presupuesto de 30 millones de dólares y controlada la producción por Craig Bolotin, Stanley R. Jaffe, Julie Kirkham, Sherry Lansing y Alan Poul – Pegasus Film - siendo la productora distribuidora la Paramount Pictures. El guión es obra de Craig Bolotin y Warren Lewis. 

Apartado especial juega la música de Hans Zimmer y la estupenda fotografía del también director de cine Jan de Bont – aunque según la página imbd el fotografo que inició el filme fue Howard Atherton - con una la maestría que no se limita a la fotografía: inolvidable es también su densísima atmosfera sonora (apabullante el festival de sonido de la factoría metalúrgica). Tampoco se le puede reprochar falta de pulso a la hora de dirigir a los actores.

Los protagonistas son Michael Douglas (Nick Conklin), Andy García (Charlie Vincent), Kate Capshaw (Joyce), Ken Takakura (Masahiro), Yusaku Matsuda (Sato), Ohashi ( Shigeru Koyama), John Spencer(Oliver), Luis Guzman (Frankie) y John Costelloe (El chico).


Nick Conklin (Michael Douglas) es un oficial de policía de Nueva York que se enfrenta a posibles cargos criminales. El Departamento de Policía, y más concretamente asuntos internos  cree que Nick estaba involucrado con su compañero en una trama por quedarse  con el dinero de una actuación en un escándalo de corrupción. Nick también tiene dificultades financieras. La razón de su actuación de Nick está en el divorcio de su esposa, quien tiene la custodia de sus dos hijos. 

En un restaurante, Nick y su socio Charlie Vicent (Andy García), dos policías de Nueva York, se ven inmersos en un ajuste de cuentas de varios miembros de la mafia japonesa residente en los Estados Unidos. Observan como dos hombres japoneses se reúnen con los gángsters de la mafia. Las sospechas de Nick se concretan  cuando otro hombre japonés entra en el restaurante, se apodera de un pequeño paquete a punta de pistola, apuñala a varias personas, y se va. Nick y Charlie Chase arrestan al sospechoso después de que casi mata a Nick. El sospechoso, es un gángster yakuza llamado Sato.

Uno de los psicópatas asesinos, «Sato», es detenido.  Sato no será procesado en los EE.UU., y Nick se compromete a escoltarlo pues ha de ser extraditado a Osaka. Para acompañarlo a Japón se le asigna la misión de escoltar a este peligroso asesino de la Yakuza. El Capitán de policía cree que Nick puede causar  problemas en Japón dado su carácter rebelde.
Una vez en el aeropuerto de Osaka, y nada más llegar al aeropuerto un grupo de yakuzas suplanta a la policía y engañan a los americanos que les entregan al detenido sin sospechar nada y el detenido se escapa. 

Como todavía son responsables de él, los dos policías intentan capturarle nuevamente. Nick convence a la policía de Osaka para que puedan seguir como observadores la investigación , a pesar de sus armas son confiscados. Se le asignan al mando de  Masahiro Matsumoto (Ken Takakura) un  policía nipón que les hará de guía e interprete.

Nick se comporta con rudeza y ofende a Matsumoto, mientras que Charlie intenta ser más educado. Nick también hace contacto con una chica de una discoteca americana, Joyce, quien explica a Nick y Charlie que representan ineficiencia de América y la estupidez de los japoneses. A través de ella, Nick descubre que Sato está actuando en  una guerra de bandas frente a un  notorio jefe del crimen, Sugai, y que viajó a Nueva York para interrumpir una plancha de  falsificación de Sugai.

Intentando atraparlo van a parar a los bajos fondos de la ciudad, donde se verán envueltos en una encarnizada guerra entre bandas rivales de la mafia japonesa, en concreto la del todopoderoso y clásico yakuza Oashi y el irrespetuoso Sato, por unas planchas para la falsificación de moneda norteamericana .



Nick se une a una redada policial sin permiso y se queda con unos billetes de 100 dólares. Al día siguiente, Matsumoto explica que se han deshonrado a sí mismos, a él, y al cuerpo de policía por el robo, que será deportado a los Estados Unidos. Nick lo llama un soplón y demuestra que el dinero es falso mediante la combustión del mismo.


Todo ello les obliga a introducirse más y más en los círculos de la mafia local. En el momento y lugar más inesperados, y tras una noche de fiesta en la que Andy García marcándose en un karaoke una canción de Ray Charles - acompañado por el agente Masahiro.


Esa misma noche, Nick y Charlie van caminando de regreso a su hotel, borrachos y sin escolta, a pesar de las advertencias sobre su seguridad serán protagonistas de un desagradable suceso: en una aparente broma, un joven motociclista roba el abrigo de Charlie y lo lleva a un estacionamiento subterráneo. Nick observa con horror como el policía neoyorkino «Charlie Vincent» de manos de Sato y varios de los suyos - una banda de motoristas- que lo torturan brevemente y lo matan.



Joyce (K. Capshaw) , en el fondo una enigmática mujer, consuela a un angustiado Nick en su apartamento, y Mastumoto entrega le entrega pistola de servicio de Charlie. Es entonces cuando Nick se da cuenta de que deberá usar los mismos métodos turbios que los criminales japoneses si quiere tener éxito en su misión.  


Matsumoto y Nick siguen el rastro de uno de los hombres de Sato, Nick admite ante Matsumoto que robó dinero en Nueva York. Con el operativo consiguen  recuperar un billete falso de la muestra, que Nick se lo pasa al jefe de los Yakuza, Sugai.
Sato está  en contacto con  Sugai, y el objetivo es lograr la plancha de impresión de billetes de 100 dólares americanos. Nick se enfrenta a Sato, que se escapa cuando a su vez portar un arma en público. Es deportado, pero Nick se cuela en el avión para perseguir Sato por su cuenta, y para ello contará con la inestimable ayuda de Matsumoto que ha sido suspendido y degradado.
Joyce le ayuda a contactar con Sugai, quien explica que la falsificación de moneda de Estados Unidos es su venganza personal por haber sufrido la "lluvia negra", o lluvia radiactiva, después del bombardeo de Hiroshima durante la Segunda Guerra Mundial. Nick sugiere un acuerdo donde Sugai puede permitir a  Nick que recupere la placa robada de Sato, dejando la reputación y las manos de Sugai limpias.


Sugai comenta a Nick que en una granja remota tendrá lugar una reunión al más alto nivel de los Yakuzas. Nick asiste con una escopeta de cañones recortados.
Matsumoto va en su ayuda, y deduce que  Sato planea una masacre. Durante la reunión con Sugai, Sato se corta uno de sus dedos en la ceremonia Yakuza, pero tras esto apuñala a Sugai, y se escapa con las placas, lo que provocó un tiroteo entre los hombres de Sugai y los de Sato.
Sato se escapa con una motocicleta por un campo de cultivo. Nick lo persigue, luchan entre ambos brevemente. Nick toma ventaja y decide si lo mejor es matarlo o no. Opta por humillar a Sato.
Matsumoto y Nick llevan esposado a Sato al cuartel general de la policía ante el asombro de todos, y más tarde reciben elogios, que Nick acepta.
Antes de abordar su vuelo a casa, Nick da las gracias a Matsumoto por su ayuda y le ofrece su amistad, y le da una camisa de vestir en una caja de regalo. Debajo de ella, Matsumoto la encuentra las planchas de impresión falsificadas.

Comentar que Jackie Chan rechazó el papel del villano y que Yusaku Matsuda, quien interpreta al villano, Sato, tenía cáncer de vejiga, y sabía que su condición empeoraría al participar en la cinta. Eligió participar en la cinta manifestando "Así, voy a vivir para siempre". El director Ridley Scott no tenía conocimiento de la enfermedad del actor. Murió el 9 de noviembre de 1989, a menos de siete semanas del estreno.

Ridley Scott acabó dirigiendo el filme. Su mano tan sólo se nota en una atmósfera opresiva y decadente que, a pesar de tener siempre presentes miles de luces de colores, es oscura. Por su estética, incluida la musical es una película muy de los ochenta, aunque la componga Hans Zimmer.

La atmósfera opresiva de las calles de Osaka es excelente, la amistad entre los dos policias, la dualidad entre la cultura colectiva Japonesa e individualista occidental, la organización yakuza, el psicótico mafioso que busca escalar posiciones en la yakuza, etc. La película resulta muy interesante desde un punto de vista social y de mentalidades. Nos presenta un Japón desarrollado, activo tecnológicamente hablando y vivo, pero también controlado por el poder de la mafia japonesa personificada en la yakuta, eso sí, con tópicos: “el buen policía descarriado”, “el choque cultural oriente-occidente”, “el código de los samuráis”, “la redención a través del sacrificio”, “la lealtad”…


La estética ochentena se aprecia en el papel de Michael Douglas, un rudo ( y corrupto) policía policía heterodoxo, deprimido e individualista de New York con un modo de vida típicamente estadounidense (con todo lo que eso conlleva), pero que cambiará su forma de ver las cosas a medida que se van sucediendo los acontecimientos en Osaka. Con una caracterización del personaje muy bien realizada (un policía motero, chulesco, con deudas y tendencia a la bebida, violento, transgresor de normas...), pues se ve claramente su dificultad para adaptarse a una cultura totalmente ajena a la suya (sobriedad, sencillez, tradiciones, modo de trabajar) al mismo tiempo que libra su propia lucha interna.  

La película ilustra muy bien el choque entre ambas culturas, el modus operandi de la mafia japonesa, la cultura del karaoke, la diversión nocturna. Existe una buena dosis de acción como la escena inicial de las motos, o la lucha en la fábrica o la pelea final entre Sato y Douglas.

La película presenta un buen guión, una buena historia, muy buenos actores, tanto en los americanos como en el resto del reparto, en su mayoría son japoneses. La ambientación esta muy lograda, la película tiene momentos de drama, comedia, tensión, acción, etc. Sin dejar de mencionar la buena música de Hans Zimmer. En general, es una muy buena películas de mafias, ahora enfocada en los bajos mundos de Japón, de los Yakuza, en si un mundo muy despiadado y cruel, y que fue muy bien retratado por el director.

"Black Rain" asume muy bien las influencias anteriormente anotadas y las recicla en un espectáculo vibrante, de estética a lo "Blade Runner" y ética del "Yakuza" pero con bastante brillantez formal y un gramo de lirismo ensamblado y consciente que otorga personalidad y entidad propias al film. Buena ambientación parecida a citada de Scott con una ciudad, la de Osaka, con sus luces de neón, sus calles abarrotadas de gente y los vapores que salen de las alcantarillas mucha oscuridad, lluvia, suciedad, luces de neón...)

Hay  referencias a Hiroshima (la parte de vosotros trajisteis la lluvia negra), de los particulares códigos de conducta de la Yakuza y también de la forma de proceder de la policía del país de sol naciente. Su sentido del honor, del deber, la lealtad y la tradición resultan admirables. Se estrenó en una época, a finales de los ochenta, en la que los americanos contemplaban horrorizados como los japoneses dominaban la economía norteamericana.

De ella ha dicho
Miguel Ángel Palomo en el Diario El País que era un "Decepcionante thriller que abraza la comercialidad. Entretiene, sí, pero a Ridley Scott hay que exigirle mucho más", frente a la opinión de Francisco Marinero en el Diario El Mundo que llama la atención por  "El escenario y la dirección artística son determinantes y la violencia adquiere carácter coreográfico. (...) Buena." Como gustos os pongo esta para que contrastéis.

La película que se rodó entre New York (Puente de Brooklyn, Long Island, Queens, Manhattan), Los Ángeles y Osaka en Japón, obtuvo quince millones de dólares de beneficio.

Entre las curiosidades señalar que la oficina de la policía de Osaka es de hecho la "Oficina para la Prevención de los Desastres Naturales", que se encuentra al lado. O que la bodega donde la batalla final tiene lugar no se encuentra en Japón, pero en el condado de Napa, California. Esto se debió a que el visado de Scott en Japón había terminado , así que el rodaje final se trasladó a los Estados Unidos.

El personaje al final de la película dice "kan", que significa "el final". Lo mismo digo yo. 


domingo, 26 de agosto de 2012

Una precuela en el tiempo


En la primavera de 1982 - aquel año fue el primero que salía con amigos y compañeros de clase, por lo tanto lo recuerdo con emoción-  fui al cine de los Reyes Católicos a ver una película de terror. Con 17 años y en 3º de BUP era un plan absolutamente apropiado. La película era La Cosa (The Thing) del director  John Carpenter y sin saberlo fui a ver una película que se convertiría en una obra de cine de culto.  La película quedó en mi recuerdo, y con ellas el detalle de que llegamos tarde al inicio de la pelí y tuvimos problemas para sentarnos. Volví a ver esta película en 2008.

Ayer a medianoche pudo ver “La cosa”, pero su precuela homónima, una película de 2011 con una duración de 102 minutos, y que narra los acontecimientos previos a los mostrados en la película homónima de John Carpenter. 

No ha cambiado nada en el género pues sigue siendo de terror y ciencia ficción, aunque sí en el planteamiento y, sobre todo, que ahora está dirigida por el holandés Matthijs van Heijningen Jr., escrita por Eric Heisserer, y protagonizada por Mary Elizabeth Winstead y Joel Edgerton en los papeles principales. Fue estrenada en España el 21 de octubre de 2011.

La producción estuvo en manos de Marc Abraham y Eric Newman. Para ello se inspiraron en la obra de John Carpenter, aunque el guión lo firma ahora Eric Heisserer. Si en la primera la música era obra de Morricone ahora es obra de otro italiano Marco Beltrami. La fotografía es labor de Michel Abramowicz, mientras que en el montaje se implican Jono Griffith y Julian Clarke.

Está protagonizada por Mary Elizabeth Winstead (Dr. Kate Lloyd) , Joel Edgerton (Sam Carter),Ulrich Thomsen (Dr. Sander Halversen), Adewale Akinnuoye-Agbaje (Derek Jameson) y Eric Christian Olsen (Adam Finch), Jonathan Walker como Colin, Kim Bubbs como Juliette, Stig Henrik Hoff como Peder, Trond Espen Seim como Edvard, Carsten Bjørnlund como Karl, Jørgen Langhelle como Lars, Jan Gunnar Røise como Olav, Kristofer Hivju como Jonas y Jo Adrian Haavind como Henrik.

En 1982, en las llanuras de la Antártida un equipo oruga integrado por tres hombres captan una señal. Bajo una enorme grieta se encuentran un enorme platillo volador es descubierto en el hielo antártico. Tras informa al resto del equipo de investigación noruego: Edvard (Trond Espen Seim), Jonas (Kristofer Hivju), Olav (Jan Gunnar Røise), Karl (Carsten Bjørnlund), Juliette (Kim Bubbs), Lars (Jørgen Langhelle), Henrik (Jo Adrian Haavind), Colin (Jonathan Lloyd Walker) y Peder (Stig Henrik Hoff) contactan con el Dr. Sander Halvorson (Ulrich Thomsen) y su asistente Adam Finch (Eric Christian Olsen), quien a su vez solicita colaboración a la paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) con el fin de investigar el descubrimiento del equipo. 
Viajan a la Base antártica noruega de McMurdo en un helicóptero pilotado por Carter (Joel Edgerton), Derek (Adewale Akinnuoye-Agbaje) y Griggs (Paul Braunstein). Nada más llegar se dirigen con los noruegos a ver la nave espacial. Kate, Sander y Adam son informados que el grupo también ha descubierto al tripulante de la nave, un alienígena que tras el impacto de la nave está enterrado en el hielo.
El alienígena es transportado a la base noruega en un bloque de hielo. El Dr. Sander ordena la recuperación de una muestra de tejido de la criatura sin hacer caso omiso a las advertencias de Kate. Esa noche, mientras el equipo celebra su búsqueda y recuperación, Derek observa la resurrección del alienígena y como se escapa de las instalaciones. El equipo alertado busca a la criatura y descubre que mató al perro de Lars. Olav y Henrik encuentran al alienígena, quién mata a Henrik, mientras que Olav queda muy afectado. El resto del grupo llega y prenden fuego a la criatura. Más tarde, una autopsia del cadáver, revela que sus células se mantienen vivas, y consumen e imitan al cuerpo de Henrik.
Derek, Carter, Griggs y Olav preparan el helicóptero para buscar ayuda. Justo antes de partir Kate en el cuarto de baño descubre empastes dentales metálicos cubiertos de sangre cerca del lavatorio, y corre afuera y da señales de aterrizaje a los pilotos del helicóptero. Cuando intentan aterrizar, Griggs en el interior del helicóptero se transforma en la Cosa para atacar a Olav, y el vehículo impacta en las montañas.
Tras el accidente, Kate regresa a la ducha, ella encuentra que la sangre ha sido limpiada con lo que la Cosa está nuevamente transformada en alguien del equipo. El equipo de la base decide marcharse e intenta buscar ayuda, pero Kate los enfrenta con su teoría de que la Cosa es capaz de imitarlos y probablemente lo haya hecho, y que lo mejor es que el equipo permanezca en la base como cuarentena de la protección de la humanidad. El equipo hace caso omiso a sus aclaraciones, pero Juliette le dice privadamente a Kate  que vio a Colin salir del baño. Juliette conduce a Kate al lugar donde se guarda las llaves para impedir propagaciones. Mientras Kate busca, Juliette se transforma en la Cosa y ataca a Kate. Ella escapa milagrosamente, pasando junto a Karl, quien es consumido por la criatura. Lars llega con un lanzallamas y quema la Cosa.
Por la noche, Carter y Derek aparentemente heridos tras el accidente de helicóptero regresan a la base, pero el equipo no creen que ellos podrían haber sobrevivido al accidente. Kate mantiene a Carter y Derek en cuarentena hasta un examen para comprobar si son humanos. Adam y Sander desarrollan un examen, pero el laboratorio es destruido en un aparente acto de sabotaje cuando ambos hombres abandonan el lugar en el momento. Kate propone la revisión de todos los miembros del equipo. La cosa es incapaz de mimetizar los elementos metálicos insertados en el cuerpo humano como son los empastes creyendo que la Cosa no puede imitar material inorgánico. Ella inspecciona el equipo y los selecciona en un grupo que no contiene dientes postizos: Sander, Edvard, Adam y Colin. Durante una revisión el 50 % del equipo descubre que carece de ellos. Lars y Jonas se van para traer de vuelta a Carter y Derek, y descubren que ambos escaparon de la cuarentena. Cuando Lars ingresa a un local en busca del dúo, éste desaparece en un almacén. Jonas regresa donde Kate y Peder, pidiendo ayuda. Peder tiene un lanzallamas, pero Derek ahora tiene un arma y le dispara a quemarropa, matando a Peder y dañando el tanque de gasolina del lanzallamas. El combustible inflama causando una explosión que deja a Edvard inconsciente. Mientras él es llevado para curarlo, Edvard se transforma en la Cosa, infectando a Jonas y matando a Derek antes de mezclarse con Adam, formando un par. Kate quema al Jonas infectado y Derek antes que ella y Carter persigan la Cosa. Mientras el par busca, Sander es encontrado e infectado por la Cosa. Después que el par se separa, la Cosa acorrala a Carter en la cocina, pero Kate llega y lo quema antes que pueda atacarlo. Kate y Carter ve a Sander llevarse un vehículo en medio de la ventisca y lo persiguen en el snowcat restante.
Llegan a la nave especial ahora activada por la cosa transformada en Sander. Kate cae en la nave y se separa de Carter. Enfrentada con la Cosa, Kate lo destruye con una granada explosiva y es salvada en el último momento por Carter. La reacción en cadena desactiva la nave. Cuando Kate y Carter regresan al vehículo, Kate se da cuenta que Carter es una Cosa cuando no lleva su pendiente o arete en su oreja habitual y le señala que lo lleva en la oreja incorrecta. Kate quema a Carter y se retira a un snowcat. Finalmente, ella contempla inexpresiva hacia fuera de la ventana.
A la siguiente mañana, un piloto noruego, Matías, llega a la base en un helicóptero. Colin se ha suicidado en la estación de radio. Lars aparece y ordena a Matías a punta de pistola para mostrar sus empastes para probar si es humano. Mientras lo hace, La Cosa, con la forma del perro muerto de Lars, escapa de un edificio y corre mientras Lars y Matías empiezan a perseguirlo en el helicóptero. Acaba una peli y empieza otra, la de 1982.
En cuanto a la producción señalar que después de la creación del remake de El amanecer de los muertos, los productores Marc Abraham y Eric Newman por vía de las productoras  Strike Entertainment y Morgan Creek Productions buscaron un nuevo proyecto a través de Universal Studios. Al enfocarse en La cosa de John Carpenter, los dos convencieron a Universal para crear una precuela en lugar de un remake, cuando sintieron que rehacer la película de Carpenter sería como «pintar un bigote en la Mona Lisa». Eric Newman explicó: «Seré el primero en decir que nadie intenta hacer Tiburón otra vez, y ciertamente no deseo a nadie haciendo un remake de El exorcista... Y realmente siento lo mismo por La cosa. Es una gran película. Pero una vez que nos demos cuenta que hubo una nueva historia que contar, con los mismos personajes y el mismo mundo, pero desde una perspectiva diferente, decidimos ponernos un reto. Es la historia sobre los chicos que son realmente fantasmas en la película de Carpenter. Ellos ya están muertos. Pero cuando Universal nos dio una oportunidad para contar su historia fue irresistible». La Universal será quien la distribuya e invierta unos 35 millones de dólares en el film.
A inicios de 2009, Variety reportó el lanzamiento de un proyecto para filmar una precuela con Matthijs van Heijningen Jr. como director y Ronald D. Moore como guionista. Matthijs van Heijningen Jr. estuvo involucrado en el proyecto cuando su primer largometraje planeado, una secuela del remake de El amanecer de los muertos, un película de zombis ocurrida en La Vegas escrita y producida por Zack Snyder, quien dirigió el remake de El amanecer de los muertos, y co-producida por Abraham y Newman, llamada El ejército de los muertos, fue cancelado por el estudio tres meses antes que la producción diera comienzo. Con la necesidad de iniciar todo nuevamente, consultó a su agente para ver si el proyecto de La cosa estaba en desarrollo. Desde hacia años Alien, el octavo pasajero y La cosa eran sus películas favoritas. Como fan de la película de Carpenter, estuvo interesado en el proyecto porque, siendo europeo, siempre ha preguntado lo que pasó en el campo noruego.
En marzo de 2009, Moore describió su guión como una «pieza de acompañamiento» para la película de Carpenter y «no un remake». «Estuvimos contando la historia del campo noruego que encontró la Cosa antes que el grupo de Kurt Russell lo haga», dijo. Eric Heisserer fue más tarde contratado para completar el guión de Moore. Heisserer explicó que en la escritura del guión, fue necesario para él investigar toda la información que fue revelada sobre el campo noruego en la primera película, mostrada en pequeños detalles, de tal modo que sería incorporada en la precuela para crear una historia consistente». La decisión para titular la película como la primera se debió a que los productores sintieron que añadir un «título con dos puntos» como el Exorcista II: El hereje sería poco respetuoso.
Matthijs van Heijningen Jr. explicó que el creó la película para no ser simplemente una película de terror, si no para también enfocar a gran escala en el drama humano con la interacción entre los personajes, como tuvo la primera película. El director sintió que las películas de terror trabajan mejor cuando se explorar los pasajes emocionales de los personajes, permitiendo a la audiencia preocuparse por ellos. El director también esbozó inspiraciones adicionales de la película Alien, el octavo pasajero en la creación de la película, particularmente en referencia a su protagonista femenino, y en la forma como las criaturas alienígenas no son mostradas por completo. Matthijs van Heijningen también citó las películas del director Roman Polanski como influencias, como sus trabajos en La semilla del diablo. El director Matthijs van Heijningen dijo que la película mostraría a las criaturas alienígenas en su «forma pura», cuando fue descubierta en su nave por los noruegos; sin embargo, no se revela si esta es la forma original de la criatura o la forma de otra criatura que ha asimilado. John Carpenter desea tener un cameo en la película, pero conflictos en el programa impidió esto.
Mary Elizabeth Winstead insistió que la película no incluiría ningún elemento romántico o sexual con su personaje, ya que sería inapropiado para el tono de la película.
Adewale Akinnuoye-Agbaje dijo que la película trataría de recrear el sentimiento de paranoia y desconfianza que la primera película tuvo, donde los personajes no pueden contar que han sido infectados por la Cosa.
Los cineastas esbozaron inspiraciones adicionales para la película de la novela original ¿Quién anda ahí?, para hacer que los personajes de la película sean científicos educados diferente a trabajadores manuales.
Los actores noruegos fueron elegidos para interpretar personajes noruegos en la película, y el director permitió que los actores improvisar diferentes elementos de lo que fue escrito cuando sintieron que fue apropiado, como una escena donde los personajes cantan una canción popular noruega llamada Sámiid Ædnan («Laponia»).Varias escenas donde los personajes hablan noruego fueron subtituladas, y la barrera lingüística entre ellos y los personajes de habla inglesa es explotada para añadir un sentimiento de paranoia en la película. [
La película fue filmada en un formato anamórfico en una película de 35 mm, ya que el director no le gusta el aspecto de las películas filmadas digitalmente. El director escogió no hacer cortes rápidos en la película, en lugar optando por un ritmo más lento, esperando construir una sensación de inminente pavor.
La precuela fue filmada en los estudios Pinewood Toronto, Port Lands el 22 de marzo de 2010, y finalizó el 28 de junio de 2010. En el set, el director tuvo una laptop que contuvo «un millón» de capturas de pantallas de la película de Carpenter, que él uso como un punto de referencia para mantener el campo noruego visualmente consistente con la primera película.
Alec Gillis y Tom Woodruff, Jr. creó efectos prácticos de criatura para la película, en los estudios de Amalgamated Dynamics. Además de crear los efectos para la transformación de humano a la Cosa, Gillis, Woodruff y su equipo tuvieron el reto para mostrar el aspecto del alien dentro del bloque de hielo descubierto por los noruegos. Mientras esto fue inicialmente intencionado para ser mostrado como una silueta, el director le gustó los diseños y los animó para crear un aspecto completo de la criatura, que fue producido creando un traje de monstruo que Tom Woodruff vistió. El equipo de efectos especiales optó por usar animatronics operadas por cables sobre controles hidráulicos más complejos, ya que consideraban que dio una mayor «sensación orgánica». Para emular los efectos de la criatura de la primera película, Heisserer reveló que los efectos especiales tradicionales serían usados en las criaturas cada vez que sea posible. Las imágenes generadas por computadora de la película fue creada por Image Engine, la casa de efectos que trabajo en Sector 9 (2009) de Neil Blomkamp. Los gráficos de computadora fueron usados para crear digitalmente extensiones en algunas efectos prácticos de animatronics, así como para retoques digital de maté y extensiones de escenarios. Alec Gillis declaró que los progresos de la tecnología de animatronic desde 1982 combinada con efectos digitales permitieron que el equipo de efectos se explaye en la concepción de posibles criaturas. 
Matthijs van Heijningen preferió usar efectos prácticos en las imágenes computadorizadas, al creer que los actores entregan un mejor rendimiento actoral cuando ellos reaccionan a algo físico. Dobles cubiertos con gel retardante de fuego fueron usados en escenas donde los personajes son quemados.
El interior de la nave alienígena fue creada por el diseñador Sean Haworth. Para diseñar la nave, Haworth recreó lo pequeño que fue mostrada en la nave especial en la película de Carpenter, entonces «llenando los vacíos» para lo que no fue originalmente mostrado. Haworth y un equipo de aproximadamente doce crearon el interior de la nave como un escenario interior de varias plantas altas construida principalmente de una combinación de espuma, yeso, fibra de vidrio y madera contrachapada. La nave fue diseñada específicamente para darle un aspecto que no estuvo hecha para la comodidad humana, pero tanto que las criaturas más exóticas de diferentes tamaños y formas que podían caminar sobre cualquier superficie. Una sección de la nave llamada el «cuarto de especímenes» fue diseñada para sugerir que las criaturas alienígenas han coleccionado especímenes de diferentes especies alienígenas de todo el universo para una expedición zoológica.
La banda original de Ennio Morricone fue reflejada en la música de la película, pero fue inicialmente reportado que Morricone no musicalizaría la película, ni la música de 1982 fue usada. Sin embargo, su tema «Humanity (Part II)» de la banda sonora de la película de 1982 aparece en una escena adicional durante los créditos finales de la precuela.
Mientras la película fue originalmente elaborada para el lanzamiento en abril, Universal Pictures cambió la fecha al 14 de octubre de 2011, para permitir tiempo para regrabar. La intención de las regrabaciones fue para «realzar secuencias existente o dejar muy claro un par de ritmos en la historia o añadir marcas de puntuación para la sensación de pavor de la película».
En su página de Facebook, Matthijs van Heijningen Jr. afirmó que las regrabaciones de la película incluyó haciendo un final totalmente diferente, referiendo al corte final como la «versión piloto y el nuevo corte como la «versión tetris». En el final original, Kate fue a descubrir a los pilotos originales de la nave espacial y que todos han sido matados por la Cosa, el cual era un espécimen en fuga que ellos han localizado en otro planeta, con lo que se deduce que la nave fue impactó en la Antártida con la intención de matar el monstruo. «Me gustó esa idea porque sería el campo noruego en el espacio. Kate ve el cuarto de especímenes y un espécimen estando roto, entregándole las pistas de lo que pasó. Lo que no funcionó fue que ella quería encontrar a Sander y detener la nave de despegue y todavía resolver el misterio de la nave. Estas dos energías están en conflicto.»