viernes, 31 de marzo de 2017

Cara a cara



Face/Off significa algo así como Cara fuera o , incluso, pudiera traducirse como  Cara abajo, pero aquí en España su traducción fue la de  Cara a cara. Para mi desde que la vi es sinónimo de tostón n el sentido más preciso del término. 

La película tuvo que estrenarse algo así como en otoño de 1997 y recuerdo que mientras la veían me llegó a irritar. Las caritas y expresiones de Nicolas Cage y las que les sigue el colega Travolta me fueron dignas del despropósito más absoluto como actores. Desde aquel momento bajé del Olimpo cinematográfico a Nicolas Cage, pues desde la misma su participación en una película es para mi - posiblemente injustamente , o no- de despropósito asegurado. Tres cuartas partes me ocurrió con un Travolta recuperado por Tarantino y que Woo supo estrellarlo con eficacia. Con todo , no nos engañemos, Cara a cara  es una de esas películas en las que uno se siente más alejado entre lo que ha dicho la crítica, en general, que la llenó de elogios y que resultaron ser mayoritariamente positivas, entre lo que pensó el público que la premió masivamente con su asistencia y sus comentarios, y lo que sentí yo como espectador que fue algo así como " me están tomando el pelo". Para mi es una de las mayores castañas que he podido ver en el cine esta película de acción estadounidense dirigida por John Woo en 1997.

Face / Off es una película de acción que, como única virtud, además de alguna escena espectacularmente rodada, la del asalto a la caso de los hermanos Hassler, lo que si tiene es una puesta en escena de la que iba a ser la ciencia ficción  que cuajó en la década siguiente, ya en el nuevo milenio, el actual.

Dirigida por el hongkonés , aunque nacido en Cantón, John Woo , un director con una vida personal interesante, que entró en el cine de Kung Fu de la mano de Jackie Chan y que le dio la opción de rodar trepidantes escenas de acción, variadas coreografías y juegos de cámaras.

Parecía un director encasillado en este género y su estrella parecía apagarse llegando incluso a exiliarse a Taiwán, hasta que llegó su hora en 1986 gracias de la película A Better Tomorrow (1986), un film que contaba la historia de 2 hermanos, uno policía y otro criminal, en un ambiente de thriller violento y que generó el nacimiento de un nuevo género, el de Heroic Bloodshed, en los que eran violentos thrillers de policías y gánsters, llenos por otra parte de honor y amistad, con situaciones dramáticas en medio de tremendas batallas a cámara lenta, gafas de sol y un estilo nuevo y personal.

Tras hacerse un nuevo hueco en el cine de Hong Kong rodó Hard Boiled (1992), cuya escena final de tiroteos en un hospital dura más de 30 minutos ininterrumpidos. Tras el éxito asiático Woo quiso probar suerte en la meca del cine.

Pasando a EE.UU en 1993. Su primer trabajo fue Hard Target, junto a Jean-Claude Van Damme. Pero la libertad de rodaje y creativa que tenía en Hong Kong no existía en los EE. UU. , lugar en el que le obligaban a cumplir un estricto plan de rodaje, teniéndose que preocupar por ínfimos detalles a los que hasta ese momento no había dado importancia. Además la película fue mutilada por parte del estudio en el montaje para “adecuarla al gusto americano”.

Pasarían 3 años antes de la segunda tentativa de Woo hasta que produjo junto a John Travolta y Christian Slater cinta Broken Arrow (1996), una película con un buen presupuesto. Woo volvió a encontrar dificultades debido a las diferencias de estilo entre él y la productora, cosa que privó al film del “estilo Woo” .

Después de sus amargas experiencias, se le ofreció un guión escrito por Mike Werb y Michael Colleary, el de Face off, que rechazó en varias veces hasta que se reescribiera a su gusto. Con la Paramount ofreciéndole más libertad, este aceptó y Woo desarrolló la historia a su manera y produjo un film, estrenado en 1997.

En la producción estaban David Permut, Barrie M. Osborne, Christopher Godsick y Terence Chang por parte de las productoras Permut Presentations, Paramount Pictures y Touchstone Pictures, con distribución de la Paramount Pictures y Buena Vista International y con un presupuesto mareante que alcanzaba los 80 millones de dólares.

En el apartado técnico la película contaba con la música de John Powell, de hecho es la primera película del compositor , la fotografía de Oliver Wood y el montaje de Christian Wagner.

Los protagonistas estelares con John Travolta como Sean Archer / Castor Troy y Nicolas Cage como indistintamente Castor Troy / Sean Archer. Junto a ellos están Joan Allen como la Dra. Eve Archer, Alessandro Nivola como Polux Troy , Gina Gershon como Sasha Hassler , Dominique Swain como Jamie Archer , Nick Cassavetes como Dietrich Hassler , Harve Presnell como Victor Lazarro , Colm Feore como el Dr. Malcolm Walsh , John Carroll Lynch como el guardia Walton , CCH Pounder como el Dr. Holllis Miller , Robert Wisdom como Tito Biondi y Thomas Jane como Burke Hicks. Junto a ellos aparecen Margaret Cho, James Denton, Matt Ross, Chris Bauer y Danny Masterson

En el inicio de la historia vemos a un bigotudo y peligroso terrorista Castor Troy (Nicolas Cage ) que lo vigila con un arma al agente del FBI Sean Archer (John Travolta) que esta disfrutando con su joven hijo Michael en un parque de atracciones, sin darse cuenta que desde la distancia y con una mira telescópica alguien está planeando asesinarlo. En un momento Castor dispara y aunque da en el blanco pues la bala atraviesa el pecho de Sean y el que muere es su hijo Michael en el atentado. Sean sobrevive pero la muerte de su hijo hace que, desde ese entonces, sólo se dedique a perseguir al criminal Castor Troy algo que se alarga cerca de 6 años, hasta que por fin éste es localizado en un aeropuerto.

En esos seis años más tarde, Sean ha ido obsesionándose con Castor al que prepara una emboscada tanto a él como a su hermano menor y cómplice Pollux ( Alessandro Nivola ) en el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles .

Tras una peligrosa persecución por la pista y el asesinato público de una agente que se había introducido en el avión, Castor huye pero es localizado por Archer , al que le cuenta que hay preparad una potente bomba de relojería ubicada en algún lugar de la ciudad y que se pondrá en marcha en pocos días, pero cuano castor intenta acabar con Archer, aquel resulta gravemente herido al activarse la bobina del motor de un avión en prueba. El resultado de esto es la inconsciencia de Castor al recibir un fuerte golpe.

En la operación también es capturado el inseparable hermano de Castor Polux Troy (Alessandro Nivola) quien es llevado a una prisión de máxima seguridad. Tras abrazarse a su mujer por haber conseguido su objetivo su felicidad no es plena pues Sean afirma que la amenaza de la bomba es real, pero no puede convencer a Pollux para revelar dónde está ubicada la peligrosa bomba.

El FBI ha descubierto que los hermanos Troy fabricaron una bomba de largo alcance compuesta con agentes químicos y material radioactivo y deben averiguar dónde está e impedir que explote. A sugerencia de su compañero Tito Biondi ( Robert Wisdom ), aunque con muchas dudas iniciales, Sean secretamente se somete a un procedimiento de trasplante de cara altamente experimental por parte del Dr. Malcolm Walsh ( Colm Feore ) para asumir la cara y la apariencia de Castor Troy.

Así Sean iría a la prisión donde el hermano de Castor permanece recluido a fin de obtener información sobre la bomba. Eso sí, casi nadie conoce lo que ha ocurrido pues los únicos conocedoros de este plan experimental son Tito Biondi, el Dr. Malcolm Walsh y la Dra. Hollis Miller (CCH Pounder).

Por supuesto , la mujer, la Dra. Eve Archer (Joan Allen) y la hija rebelde de Sean, Jamie (Dominique Swain) también son desconocedoras de ello así como el resto de los agentes y cooperadores de Sean.

Una vez realizada con éxito la operación, Sean es llevado a la misma prisión de alta seguridad donde está Pollux y lentamente y tras proceder como un criminal violento en la misma va convenciendo a Pollux de que es Castor, obteniendo información sobre la ubicación de la bomba.

Mientras tanto, Castor se despierta de su coma prematuramente y descubre que su rostro ha desaparecido. Él llama a sus colegas criminales y obligan al Dr. Walsh a poner la cara de Sean - que aún conservan para restaurarla una vez cumpla la misión- sobre él. Castor, una vez operado, visita la prisión y sorprende a Sean. Se burla de su enemigo por la forma en que se quemó el laboratorio del Dr. Walsh con el mismo Walsh y su colega Tito y la Dra. Miller dentro con el fin de eliminar todas las pruebas y evidencias de su cambio y le dice que ahora asumirá la vida de Sean.

Deja a Sean en prisión mientras que él convence a Pollux de quién es él. Ahora nadie conoce el secreto ni la verdad.

Dejando a Sean en la cárcel de máxima seguridad, el nuevo rosto de Sean - aunque sea Castor- marcha a su casa haciéndose pasar el el marido de la Dra Archer ypadre de su hija Jamie. Lógicamente detectan cambia en las formas, pero aceptan los cambios con normalidad.

Más tarde, el nuevo rostro de Sean decide "revelar" la localización de la bomba a cambio de la salida de Pollux de la prisión, pareciendo así como que colabora con la policía.

Desarmando su propia bomba de una manera dramática, Castor-como-Sean se gana el respeto de compañeros del FBI. Castor consuma su venganza iniciando una relación con la que aparentemente es su esposa Eve ( Joan Allen ), aunque igualmente y salva a su hija Jamie ( Dominique Swain ) de un intento de violación.

Mientras tanto Sean es consciente de que tendrá que luchar con todos en contra hasta recuperar su rostro, su familia y su lugar. Así que Sean se escapa de la prisión después de organizar un motín, y se retira a la sede de Castor.

Allí, Sean se encuentra con Sasha ( Gina Gershon ), la hermana del jefe principal del tráfico de drogas que trabaja en el negocio junto a Castor. Ello le confía algunos secretos , entre otros que tuvo una relación con Castor y que producto del mismo es su hijo Adán que le recuerda a Sean de Michael. Por su parte, Castor se entera de la fuga de Sean y se apresura a reunir a un equipo para atacar su cuartel general.

El ataque se torna salvaje, y violento . En el mismo mueren numerosos agentes del FBI y la gran mayoría de los miembros de la banda de Castor, que repelen el ataque. Entre los que fallecen está el hermano de Castor, Pollux.

En principio, Sean, Sasha y Adán son capaces de escapar, no así el hermano de Sasha, Dietrich Hassler (Nick Cassavetes).

Una vez culminado el ataque y ya en comisaria, el supervisor de Sean, el director Victor Lazarro ( Harve Presnell ) culpa a Castor por los numerosos asesinatos. Castor, furioso por la muerte de Pollux, mata a Víctor y lo hace parecer un ataque al corazón. Castor-como-Sean es promovido como director interino del FBI , mientras se plantea el funeral de Lazarro. Sean encuentra seguridad para Sasha y Adán y se acerca a su casa.

Allí se encuentra con Eve. Aunque a ella le cuesta trabajo asumirlo, la persuade para que tome una muestra de la sangre de Castor y otra de la suya propia para comparar sus tipos de sangre en el hospital donde trabaja para demostrar que es Sean. Ya en el hospital verifica que la sangre de su marido, el que ahora tiene el rostro de Castor es 0-, mientras que la de Castor con aspecto de Sean es AB.

Ahora Eve convencida de la identidad de su esposo, le dice que Castor que éste será vulnerable en el funeral de Lazarro.

En la ceremonia, Sean encuentra que Castor ha anticipado sus acciones y toma a Eve como rehén. Sasha también llega, se producen amenazas y finalmente un tiroteo; Sasha logra salvar a Eve después que la hiera mortalmente una bala. Antes de morir, Sean promete cuidar a Adam por ella y no permitirle crecer con una vida de crimen.

Castor huye de la iglesia con Sean persiguiéndolo. Después de matar a dos agentes federales, Castor toma brevemente a Jamie como rehén, pero ella se escapa apuñalándolo con un cuchillo de mariposa que Castor le dio irónicamente antes para defenderse de posibles violaciones.

Una persecución de la lancha rápida sigue donde Sean obliga a Castor a ir a la orilla con la que colisiona, entonces se produce una lucha entre los dos protagonistas cuerpo a cuerpo. Castor mutila el rostro de Sean para burlarse de él, pero Sean mata a Castor con una pistola.

Los agentes del FBI llegan y se dirigen a Sean por su nombre, después de haber sido convencidos por Eve de la verdadera identidad de Sean. Después de la cirugía de trasplante de cara se deshace, Sean regresa a casa, pero no va sólo. Va acompañado de Adán que , desde ahora es adoptado en la familia Archer para mantener su promesa a Sasha.

El rodaje tuvo lugar entre el 1 de mayo de 1996 y el 30 de junio de ese mismo año. El mismo tuvo lugar en diversos lugares de California tales como Balwin Park, en Victorville, en Los Ángeles donde rodaron en el Pacific Electric Building, en el Eagle Rock Substation, en el Centro de Convenciones de Los Ángeles en el 1201 S. Figueroa Street, Downtown, así como en San Pedro Bay, en Cabrillo Beach, también en San Pedro, en Pacific Palisades, en Agoura Hills, en el Puerto de Los Ángeles, San Pedro. La escena del barco al final de la película fue rodada en San Pedro.

Face / Off no tuvo una fácil producción. De hecho ya hemos comentado que el guión de especificaciones que habían realizados los escritores Mike Werb y Michael Colleary tuvieron que modificarlo en varias ocasiones tras incorporarse Woo al proyecto. Pro también fue difícil se inclusión como tal en un estudio al que intentaron venderlo desde 1990.

Tras pasar por numerosos estudios, finalmente fue aceptado por productores, aunque se efectuaron las mencionadas reescrituras incluso antes de que John Woo se uniera años después. El guión, presentado al director John Woo, se basaba en un futuro distópico, pero Woo sugirió cambiar el escenario al presente para centrarse en los elementos dramáticos y psicológicos de la historia.

Originalmente escrito en 1990, el guión fue elegido por el productor Joel Silver antes de Michael Douglas , que, según los guionistas esperaban fervientemente lo protagonizaría junto a Harrison Ford.

En cambio, Douglas asumió como productor ejecutivo. El co-guionista Mike Werb tuvo la idea para la cirugía de cara tras el hecho de que uno de sus amigos tuviese un accidente de ala delta. Tuvieron que quitarle la mayor parte de la piel de la cara, reconstruir la materia ósea y volver a poner la cara. Para el personaje de Archer, Woo consideró el casting de Michael Douglas o Jean-Claude Van Damme con quien había trabajado en Hard Target , y con la participación igualmente de Harrison Ford.

También fueron considerados otros tándem además de Harrison Ford y Michael Douglas ; Bruce Willis y Alec Baldwin , Al Pacino y Robert De Niro y Jean-Claude Van Damme y Steven Seagal . Originalmente, Nicolas Cage rechazó el papel de Castor Troy, citando la falta de interés en interpretar a un villano.

Sin embargo, una vez que le dijeron que realmente estaría tocando el héroe para una mayoría de la película, rápidamente firmó. también en la quinielas aparecen Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone estaban en la mente para desempeñar los papeles principales , pero cuando John Woo fue contratado para dirigir, decidió que John Travolta y Nicolas Cage serían los dos más adecuado para los papeles.

Cuando la película finalmente se hizo, Douglas participó como productor ejecutivo. Werb y Colleary han citado a White Heat (1949) y Secondes (1966) como influencias en la trama.

El coordinador de armas Robert 'Rock' Galotti hizo cinco pistolas de oro para la película. Uno fue pre-vendido a Planet Hollywood.

En el papel de secundario, John Woo dejó que Nick Cassavetes, que se afeitó la cabeza para parecer un malvado más poderosos, escribiera muchos de sus propios diálogos para la película.

Con un presupuesto de producción de $ 80 millones, Face / Off hizo uso intensivo de piezas de acción, incluyendo varios tiros violentos y una persecución de botes . Nicolas Cage y John Travolta pasaron dos semanas juntos antes de rodar para aprender interpretarse entre sí. Ellos decidieron qué gestos específicos y cadencias vocales para cada personaje que podría ser imitado.

Nick Cassavetes sorprendió a John Woo por afeitarse la cabeza para el papel. Woo dijo que era sólo la imagen que quería.

La escena de Adam escuchando "Over the Rainbow"interpretada por Olivia Newton-John , en sus auriculares portátiles fue la idea de John Woo y no parte del guión original. Paramount Pictures se negó a financiar una escena extra y John Woo tuvo que usar su propio dinero para hacer que eso suceda. Posteriormente fue devuelto, ya que la película resultó ser rentable.

Según el productor Barrie M. Osborne , la mayoría de las desafiantes escenas de acción, incluyendo la pelea en la cubierta del barco y el avión que baja por la pista, originalmente fueron planeadas como capturas de pantalla verde. Pero los filmaron prácticamente para apoyar el "realismo de la historia".

Los tipos de sangre para los dos personajes principales (es decir, Sean Archer y Castor Troy) se mencionan en la película, ya un nivel sutil reflejan su naturaleza antagónica. Archer's Blood tipo es O negativo, mientras que Troy es AB positivo, estos dos tipos de sangre son tan diferentes como usted puede conseguir. O negativo- el donante universal refleja el papel de Archer como un policía dedicado a servir a la comunidad, mientras que el AB positivo de Troy - el receptor universal sugiere a alguien que toma de la sociedad sin devolver nada.

La película es tecnológicamente avanzada y  premonitoria . La reconstrucción de la oreja es similar a lo que hoy se hace con una impresora en 3D, y primer el cambio de cara se realizó en 2012.

En la misma se invirtieron unos $80 millones de dólares. La película alcanzó una recaudación de $245.676.146. Face / Off fue lanzado en Norteamérica el 27 de junio de 1997 y ganó $ 23,387,530 en su primer fin de semana de apertura, ocupando el primer lugar en su taquilla. Se convirtió en la undécima película doméstica con más alta recaudación y la decimocuarta en todo el mundo en la recaudando de una película del año 1997, ganando un total doméstico de $ 112.276.146 y de $ 133.400.000 en ultramar para un total de $ 245.676.146 mundial. Fue un éxito de taquilla. especialmente en el mercado estadounidense a pesar de su inverosímil argumento y ritmo trepidante.

En Estados Unidos obtuvo además muy buenas críticas, aunque bastante mediocres en Europa. Lo cierto es que Face / Off gustó a crítica y al público y fue un éxito en taquilla, para muchos la mejor cinta americana de Woo, y que abrió el camino a otros directores asiáticos en Hollywood. La primera película de Hollywood en la que Woo recibió un gran control creativo, obtuvo críticas favorables y recaudó 245 millones de dólares en todo el mundo.

La película obtuvo algunos reconocimientos y algunos premios. Por lo pronto fue nominada al Oscar para un Premio de la Academia en la categoría de edición de efectos de sonido ( Mark Stoeckinger ) en la 70 ª Ceremonia de la Academia , pero perdió ante otra película de la Paramount, Titanic . Lo cierto es que ese año perdieron casi todas frente a la historia del trasatlántico. Face / Off también ganó los premios Saturn a la mejor dirección y guión, y en los MTV Movie Awards a la Mejor Escena de Acción (la persecución de la lancha rápida) y al mejor duo para Travolta y Cage.

La crítica ha sido generalmente muy favorable a la película. En el sitio Web de Rotten Tomatoes registra un 92% de opiniones positivas, basadas en 83 reseñas, con una valoración media de 7.9 / 10. El consenso del sitio dice: "Travolta y Cage juegan al gato y al ratón (y literalmente juegan entre sí) en un fondo bellamente estilizado de la típica y elegante violencia de John Woo".

En Metacritic , la película recibió un valoración de 82 %. Lo más valorado, aunque yo no lo entienda fue los papeles de inversión entre Travolta y Cage, al igual que las secuencias de acción estilizada y violenta.

El crítico Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, omentó que "aquí, usando grandes estrellas de cine y pidiéndoles que se toquen entre sí, Woo y sus escritores encuentran un contrapunto fabuloso a las escenas de acción: La película, te encuentras reinterpretando cada escena mientras te das cuenta de que el "otro" personaje está "realmente" tocando. "Las escenas con efectos están hechas perfectas, pero el elemento más interesante de la película son las interpretaciones (...)"

Según Peter Travers  de Rolling Stone , la película: "No puedes comprar la premisa o la liquidación, pero con Travolta y Cage tomando medidas cómicas y psíquicas de sus personajes y sus propias carreras, no hay resistencia a Face / Off Esto es lo que tienes que ver.

Para  Richard Corliss de Time dijo que la película "no es sólo un emocionante paseo, es un cohete en el emocionante pasado, cuando los directores podrían asustar con la emoción que empaquetaron en una película".

Kenneth Turan en las páginas de Los Angeles Times nos dice que "En sus mejores momentos, Face/Off no deja a la audiencia tiempo para pensar, o incluso respirar."

Janet Maslin sostiene en The New York Times que "Una megapelícula que de hecho ofrece lo que prometen las megapelículas: personajes con carácter, un desarrollo inteligente, acción trepidante y una idea ingeniosa que no se había visto antes."

Desson Thomson en The Washington Post informa que "Una delirante mezcla de espectaculares tiroteos, furiosas explosiones y acrobacioas que quitan el aliento. También es una de las más extrañas historias que jamás ha alumbrado un gran estudio de Hollywood. Hay que quitarse el sombrero ante la Paramount, por permitir que una rareza tan inspirada viera la luz del día."

Por suerte en Estados Unidos hubo una crítica firmada por  Barbara Shulgasser, en las páginas del San Francisco Examiner, que estaba de acuerdo conmigo al calificar la película de "idiota" y argumentó que "un buen director elegiría lo mejor de las seis maneras y lo pondría en su película." Woo pone todos los seis en si mantiene los ojos cerrados durante un Woo Película y abrirlos cada seis minutos, verás todo lo que necesitas saber para tener una velada perfecta en el cine "

En España y coincidiendo con mi opinión Javier Ocaña en Cinemanía nos dice que si bien el "Punto de partida atractivo (...) no hay guión, ni historia, ni nada. Sólo explosiones y tiros, muchos tiros"

Una vez vista por segunda vez, me ha seguido pareciendo ridícula, por el tema y por las interpretaciones, sin embargo, me ha llamado la atención el carácter premonitorio de los avances tecnológicos, ya absolutamente viables y la calidad, eso sí indudable, de algunas escenas de acción. No tan mala me ha parecido, pero , por momentos, es insufrible.


jueves, 30 de marzo de 2017

Los que no olvidan


He visto esta película en varias ocasiones y la considera una gran película, un gran western. Tiene todos los ingredientes del género, pero la combinación lo hace único y diferente.

Los que no perdonan (The Unforgiven) es una película del oeste estadounidense de 1960 rodada en Durango (México). 

El film fue dirigido por John Huston , en uno de sus pocas incursiones en el western, entendido éste como género, - el oto fue 'El juez de la horca' ('The Life and Times of Judge Roy Bean', 1972) , y en este caso contó con actores en la cima de su carrera en ese momento como Burt Lancaster y Audrey Hepburn, y actrices que lo habían sido todo en la historia del cine, como la mítica Lillian Gish. El guion está basado en una novela de Alan Le May que supongo se llamaría igual.

Para la ocasión John Huston contó con el apoyo en la producción de James Hill, uno de los grandes productores de Hollywood en los años 1950 y 1960, casado con Rita Haywarth - murió en 2001 de lo mismo, Alzheimer- donde a menudo trabajó con Burt Lancaster , siendo parte del entramado Hecht-Hill-Lancaster Productions junto a Lancaster , Harold Hecht   y Rick Height . La película contó con el apoyo en la distribución de United Artists. La inversión final en la misma fue de unos 5 millones de dólares, que no llegaron a recuperarse , pues la película apenas recaudó unos 3 millones.

El guión de la misma fue de Ben Maddow que adaptará la novela de  Alan Le May. Destaca sobremanera la música del ucraniano Dimitri Tiomkin - el niño prodigio de la música rusa que acabará tras el crack del 29  engrasando las listas de artistas refigiados en Hollywood neoyorkino. comenzando a trabajar en el cine en 1931 y no parando hasta 1970, teniendo un enorme éxito y reconocimiento en la música creada para western donde llegó a obtener Oscar por ejemplo por Sólo ante el peligro (1952), además de estar nominados en más de 15 ocasiones. El listado de su intervención en el mundo del cine es , simplemente, impresionante.  Además de Tiomkin, participan en apartados técnicos la fotografía de Franz Planer y el montaje de Russell Lloyd

El reparto lo encabezan Burt Lancaster como Ben Zachary y Audrey Hepburn como Rachel Zachary. Junto a ellos aparecen  Audie Murphy como Cash Zachary, John Saxon como Johnny Portugal, Charles Bickford como Zeb Rawlins,  Lillian Gish como Mattilda Zachary,  Albert Salmi como Charlie Rawlins,  Joseph Wiseman como Abe Kelsey,  June Walker como Hagar Rawlins,  Kipp Hamilton como Georgia Rawlins, Arnold Merritt como Jude Rawlins y Doug McClure como Andy Zachary, así como  Carlos Rivas como el kioba y hermano de Rachel  Lost Bird.

Los Zachary son una familia próspera de ganaderos texanos con tres hijos varones y una hija menor adoptada desde que era casi una recién nacida. Es muy respetada en la frontera de Texas, pues son los encargados de llevar el ganado desde allí hasta Wichita, en Kansas.

El padre Will Zachary fue asesinado por los indios Kiowa , dejando a su hijo mayor Ben (Burt Lancaster) como cabeza de la familia. Tanto Ben como su madre Mattilda (Lillian Gish) son muy protectores de la hija adoptiva de Zachary, Rachel (Audrey Hepburn), mientras que sus otros hermanos, Cash (Audie Murphy) y Andy (Doug McClure) la tratan como lo harían con cualquier hermana .

Sus hijos llevan  trabajando asociados con la familia Rawlins desde hace tiempo y han conseguido, tras años difíciles, tener un buen montón de cabezas de ganado.

Al comienzo de la película vemos a Rachel, junto a su madre y sus dos hermanos, que están a la espera de que retorne Ben. En eso que Rachel sale a pasear junto a su caballo y cerca del río se encuentra con un anciano misterioso que lleva una espada  llamado Abe Kelsey (Joseph Wiseman) que le dice que ya es hora de que se conozca la verdad y se desenmascare la realidad de esta próspera familia de la frontera,

Cuando regresa a casa Rachel Zachary (Audrey Hepburn), se lo comenta a su madre que se asusta al recibir la noticia.

En esto retorna Ben con una buena cantidad de ganado, con un grupo importante de hombres y, por supuesto, con el apoyo de una importante familia , su vecino más cercano, Zeb Rawlins (Charles Bickford), el patriarca de una familia racista, cuyo tímido hijo Charlie (Albert Salmi) quiere casarse con Rachel.

Ben, consciente de que en realidad no es su hermana, ama a Rachel y es receloso a esto , pero las presiones que reciben le hacen dudar de esto y de todo.

Poco a poco los ganaderos de todas partes se reúnen para prepararse para un paseo de ganado a Wichita, Entre los nuevos vaqueros que ha venido con Ben hay un mestizo Johnny Portugal (John Saxon) contratado por Ben por su capacidad, indepedientemente de su etnia.

Sin embargo, al relatarle su madre la noticia del anciano que se hace pasar por loco, Abe Kelsey ( Joseph Wiseman ), y que se esconde entre la maleza por las inmediaciones y que ,a demás, va difundiendo por ahí que Rachel Zachary es un india de raza india, y que fue adoptada en secreto cuando era niña molesta especialmente a  Ben y a Cash, su hermano más racista,  creyendo que la historia es una mentira vengativa, tratan de matar a Kelsey. Sin embargo, no lo encuentran. Poco después , durante la domesticación de un caballo comprueba que le han robado el caballo de Rachel, sospechando de él.

Pocos días después se personan en la casa  el verdadero hermano de Rachel  , un kioba llamado Lost Bird (Carlos Rivas) junto con otros dos Kiowas  reclamándola a cambio de unos caballos y diciendo que ella es uno de los suyos y que fue raptada durante un asalto. Comenta que todo les ha sido relatado por un viejo hombre blanco. Los hermanos, con Ben  a la cabeza, no acepta la propuesta.

Poco después, los Kiowa matan a Charlie mientras regresaba a su rancho tras iniciar el cortejar a Rachel.

Cuando los Zachary se disponen a dar el pésame, una dolorida madre de Charlie acusa a Rachel de ser un "una sucia india". Ante el altercado, Ben dice que quiere aclararlo todo y conduce a una partida de ganaderos a rastrear a Kelsey y para llevarlo de vuelta al rancho de Rawlins.

Kelsey es localizado en la montaña y , a pesar de llevar el caballo de Rachel, es detenido por Portugal tras una rápida y larga persecusión por las tierras áridas. Finalmente el viejo es llevado para ser ahorcado como ladrón de caballos. Al ponerle el lazo alrededor del cuello, Kelsey le dice a los rancheros que toda esta situación se debe a que durante un ataque de represalia contra los Kiowa conducido por él y por el padre de los Zachary, Will Zachary, éste encontró un bebé y que estaba a punto de matarlo cuando Will, asqueado de tanto asesinato intervino y tomó a la bebé para sí mismo.

Kelsey afirma que su propio hijo fue capturado por los Kiowa y exigió que Will devolviese a la bebé , que no era otra que Rachel a cambio de su hijo, pero Will lo rechazó.

Ben les dice que el supo por su padre que el hijo de Kelsey fue realmente asesinado en la lucha contra los indios, pero que Kelsey se negó a creerlo, inventando la historia como justificación para la venganza contra los Zachary. Kelsey , desde entonces, fue de ciudad en ciudad, envenenando las mentes de la gente dondequiera iban los Zachary para relatar esto.

Ante la acusación Mattilda reacciona Kelsey golpeando al caballo que Kelsey por lo que termina ahorcándolo. Esto convence a Zeb de la veracidad de la historia de Kelsey, y él y todos los rancheros dan la espalda a los Zachary.

Un vez de regresa a casa, solos, con la operación de venta de ganado a Wichita desvanecida, descubren que la puerta de casa ha sido violentada y en ella han dejado una página sobre cuero del libro sagrado de los Kioba. En la misma Ben descubre como allí relatan el secuestro de una de sus chicas por parte de dos blancos.

Cuando la verdad es revelada por la matriarca, Mattilda Zachary (Lillian Gish), lo admite. Will la trajo para reemplazar a una hija recién nacida que acababan de perder.  Esto genera una enorme tensión entre Ben Zachary (Burt Lancaster), que está enamorado de Rachel, al igual que ella de él y trata de defender a la familia, y  su impulsivo y racista hermano Cash (Audie Murphy) que es incapaz de asumir el hecho de que su hermana sea una «piel-roja». Cash , que intenta matar a su hermana, es frenada tanto por Ben como por el menor de ellos Andy (Doug McClure) y , borracho se va  al rancho de Rawlins.

Los Kiowa regresa con un mayor número de efectivos exigiendo a Rachel, que trata de salvar a su familia e irse con su tribu de sangre, ya que ella , al fin y al cabo es una Kiowa. Para hacer imposible el deseo de Rachel Ben ordena a su hermano Andy matar a un indio y así romper la tregua forzando una pelea hasta el final.

Durante el asedio a la casa  Mattilda es es herida mortalmente  durante la lucha que sigue. La situción se pone casi imposible, pues se van quedando sin municiones y la táctica final de los indios es subir el ganado a lo alto de la casa y que con el peso esta se hunda.

Cash, mientras tanto, ya recuperado , pues ha pasado una noche, escucha el toroteo y , finalmente,  regresa y apoya a su familia.

Rachel, protegiendo a un herido Andy y consciente de que Ben la ama, se enfrenta a su hermano Kiowa, y le dispara matando a Lost Bird.

Tras comprobar que los tres hermanos y Rachel siguen vivos, se abrazan y Andy reconoce que lo que más le hubiese dolido es no haber podido ir a Wichita a beber cerveza y a estar con unas  chicas en Wichita que sólo tienen un nombre.

La película rodada en el año anterior  en México, concretamente en Durango, fue presentada en sociedad el 6 de abril de 1960  , no teniendo ni una  gran aceptación por la crítica ni por el público. En taquilla apenas llegó a los 3´2 millones de dólares.

La película ponía de relieve algo que le interesaba a un Huston que no obstante había querido mantenerse dentro de los cánones clásicos del western: la cuestión del racismo en el Viejo Oeste, tanto contra los nativos americanos como contra aquellas personas a las que se les atribuía sangre indígena. Un tema ciertamente inusual para la época en la que fue filmada.

El film también fue famoso por los problemas que hubo durante el rodaje. Huston a menudo citaba que ésta había sido su película menos satisfactoria.

Lo cierto es que no muy habitual la presencia de Hepburn en el mismo, auque Natalie Wood estuvo en la agenda. Fue inusual elección de Audrey Hepburn para el papel de Rachel Zachary,  en lo que fue su único western.

Los problemas se sucedieron. La  producción fue suspendida durante varios meses en 1959 después de que Audrey Hepburn se rompiese la espalda por una caída de caballo mientras ensayaba una escena. Ella fue capaz de completar su papel con un corsé de espalda, que su guardarropa tuvo que ser rediseñar para ocultar. A pesar de que finalmente se recuperó, el accidente provocó un posterior aborto espontáneo.

De acuerdo con varias biografías publicadas, Hepburn se culpó por el accidente y posteriormente repudió la película, a pesar de lo cual la completó cuando estuvo lo suficientemente bien como para volver a trabajar.

Al concluir el film, Audrey Hepburn se tomó un año de descanso para tener un hijo, y regresó a la pantalla en 1961 con Desayuno con diamantes.  Eso sí, no paró de fumar tres paquetes de cigarrillos al día.

Además, Huston estaba constantemente peleándose con Rick Height y su compañía, que financiaban la película, sobre la manera de filmarla. Height quería un film más comercial y menos polémico, mientras que Huston quería hacer una declaración sobre el racismo en Estados Unidos. Además, John Huston quería que la película fuera una respuesta a los Centauros del desierto de John Ford (1956). El resultado final fue que ninguno de los dos obtuvo lo que quería.

Irónicamente, el crítico David Thomson , en crítico alejado de los admiradores de Huston, que dijo de ella que era su mejor película.

Lo cierto es que la producción fue compleja desde el principio. El escritor original JP Miller y el director original Delbert Mann originalmente pensaron "The Unforgiven" como un cuadro arenoso, despreocupado, pero exacto de la vida post-Guerra civil de Texas, como John Ford había hecho anteriormente con Alan LeMay en "The Searchers".

Hecht / Hill / Lancaster quería asegurar su comercialidad y cambiar la dirección de la película. Querían presentar  a Kirk Douglas como el hermano de Lancaster, lo cual desecharía el equilibrio en la relación de los hermanos. Su primer esfuerzo en una reescritura no funcionó y después de cincuenta páginas en la segunda reescritura, el escritor abandonó la película y rompió su relación con los productores. Mann pronto lo siguió.

Los guionistas fueron reemplazados por Ben Maddow, John Gay y John Huston. Cuando se decidió no utilizar Douglas, los siguientes en cartera fueron  Tony Curtis, que  rechazó el papel de Cash Zachary, sintiendo que en este momento de su carrera, ya no necesitaba ser un secundario de lujo, y luego Richard Burton . que lo rechazó debido a sus creencias supersticiosas fuertes ya que un adivino había predicho que moriría a los 33 años, por lo que no hizo ningún trabajo cinematográfico en absoluto en 1959- , incluso  Robert Mitchum, aunque  Audie Muephy fue finalmente el elegido.

El director de fotografía de Huston Oswald Morris no estaba disponible para hacer la película, lo que llevó a Huston a no hablar con hablarse con él durante varios años.

Antes de comenzar la filmación , el director John Huston y la estrella Burt Lancaster intentaron que Bette Davis se uniera al proyecto, pero ella rechazó el papel de Mattilda Zachary, porque no quería interpretar a la madre de Burt Lancaster . Así que llevaron a la actriz Lillian Gish al desierto para enseñarle a disparar, lo que tendría que hacer en la película. Sin embargo, Huston se sorprendió al descubrir que Gish podía disparar con más precisión, y más rápido, que él y Lancaster, que se consideraban tiradores expertos. Lo cierto es que al principio de su carrera, Gish fue enseñado a disparar por el notorio proscrito y pistolero occidental Al J. Jennings , que se había convertido en actor después de cumplir una larga sentencia de prisión por robo de tren y estaba en el elenco de uno de ellos . En ese momento ella descubrió que le gustaba disparar y que a lo largo de los años se había convertido en un experta.

Huston , como siempre dificultó en algunas ocasiones a los productores y a los actores. Según el biógrafo de Burt Lancaster, Gary Fishgall, Lancaster y Audie Murphy participaron en un torneo de golf en la inauguración de un nuevo campo de golf cerca de Durango. John Huston introdujo en un avión  2000 bolas de ping-pong  y la desparramó  por todo el campo, haciendo imposible continuar ya que ninguno de los jugadores podía encontrar sus pelotas de golf. Lancaster, que copatrocinó el evento, estaba furioso con Huston.

John Huston se culpó por el contratiempo y odió esta película.  El biógrafo de Burt Lancaster , Gary Fishgall, cita a dos de los biógrafos de Huston que afirman que Huston no renunció porque necesitaba su sueldo de $ 300,000 para restaurar su casa de campo irlandesa y vio el rodaje de localización como una oportunidad para complacer su pasión por el arte precolombino y quedarse más tiempo en México.

Fue la primera película en la que John Huston trabajó con el subdirector Tom Shaw , quien posteriormente se convirtió en uno de sus colaboradores más confiables y frecuentes

Reconozco que me ha encantado ver en la película de nueva a Lillian Gish, aquella mujer que en 1926 firmó un contrato con la MGM, y consiguió ser una de las pocas actrices con poder sobre las cámaras y el director. Y que tras protagonizar El viento (1928) del director sueco Victor Sjöström  y aquí ya comentada, empezó a declinar su carrera con la llegada del sonoro y su convencimiento de que esta nueva técnica jamás triunfaría la alejó del cine , lo que le hizo volver al teatro.

Años después -tras la muerte de David Wark Griffith, a quien ayudó económicamente en sus últimos años de vida, cuando había sido relegado del mundo del cine- reaparecería a lo grande en el celuloide en 1946, en un western asumiendo su papel como Laura Belle McCanles en Duel in the Sun (Duelo al sol) lo que le haría merecedora de una nominación al premio Óscar como mejor actriz secundaria.

Destacó luego en Portrait of Jennie (Jennie; 1948) y La noche del cazador (1955). Cinco años más tarde, estaba aquí en unas de sus últimas interpretaciones cinematográficas, poco , poco después quedó relegada a la televisión y a algunas de sus apariciones públicas en su vejez, en la que se puede destacar su presencia, a los 87 años, al presentar el Premio Óscar a la Mejor Película del año en la 53ª Ceremonia de dichos premios, el público asistente la ovacionó.

No lo consiguió en aquel momento, pero su total dedicación le valió un Óscar honorífico en 1971, tres años después de la muerte de su hermana Dorothy. Dieciséis años después, a la edad de 93 años, Lillian protagonizó su última película, Las ballenas de agosto junto , curiosamente, a Bette Davis, la que no quiso ser la madre de los Zachary.  Murió en 1993, pocos meses antes de cumplir cien años.


En cuanto a las críticas de ella ha escrito Pablo Kurt en filmaffinity que se trata de "Un western magnífico de John Huston que, si bien no se encuentra entre los clásicos del género, sí contó con un reparto excelente de secundarios y secuencias dramáticas tan potentes como bien rodadas.

En el País Fernando Morales comentó que en ella "John Huston da otra clase de cine en este interesantísimo western. (...) original historia de relaciones interraciales."

Para uno de los editores de blog de cine, Alberto Abuín nos dice que se trata de " un extraño western que tampoco suele citarse cuando se quieren destacar las mejores obras de su director, uno de los más grandes de Hollywood y también uno de los más incomprendidos, con una carrera que abarca desde el tiempo del sistema de estudios hasta finales de los ochenta cuando el cine parece ya otra cosa. Un realizador todo terreno con una fuerte personalidad y cierto espíritu rebelde en casi todas sus cintas.

En este caso - relata Abuín- que  la productora cortó numerosas secuencias quedando algunos personajes secundarios algo incompletos en una historia que versa sobre las relaciones interraciales y que se aparta de la épica de muchos de los westerns de aquellos años y también del habitual retrato de perdedores al que nos acostumbró Huston a lo largo y ancho de su filmografía, al menos en los roles protagonistas.

El desarraigo, la identidad y la convivencia son temas a tratar en una película cuya primera media hora parece ocultar sus cartas mientras propone un dibujo de personajes de lo más extraño. Diálogos punzantes, algunos de una sutileza increíble y que se encuentran entre lo mejor que ha salido de la pluma de Ben Maddow, que adapta una novela de Alan Le May, no por coincidencia el autor del material base del film de Ford antes mencionado.

Baste citar los diálogos entre Lancaster y Hepburn, trasunto de relación incestuosa en medio de un mundo de envidias, celos, secretos de familia y enfrentamientos entre vecinos sólo por defender lo que cada uno piensa, cree y siente ser.

En pocas películas, y hay que reconocer que un western se presta a ello como ningún otro género, se ha visto con tanta intensidad a clanes familiares enfrentados por diferencias raciales. Huston no se corta un pelo y lleva su películas hasta sus últimas consecuencias.

Como en muchas de sus obras la muerte domina el tramo final del film.'Los que no perdonan' es una película que empieza de forma muy vitalista y alegre; poco a poco se va oscureciendo sin dejar de ser el gran espectáculo que proponen alguna de sus imágenes. Esos grandes espacios abiertos cobran todo su sentido en una espléndida persecución filmada a base de sorprendentes tomas cenitales que al lado del fantasmagórico pasaje a través del polvo y la niebla tras el misterioso personaje de Ben (Wiseman), choca con toda esa parte final introspectiva en la que Huston no da nada por sentado.

La verdad sale a flote y cada uno deberá enfrentarse a ello como mejor puede subrayado por ese oscurecimiento de situaciones y personajes a los que Huston trata con una dureza casi extrema. El ataque al hogar de los Zachary está mostrado con una violencia sin concesiones y con cierto suspense —esa munición que poco a poco se va acabando—.

A la vitalidad de Lancaster, actor cuya excelente forma física se proyectaba sobre sus interpretaciones, hay que sumar la delicadeza/dureza de una Hepburn muy cómoda con un personaje nada fácil y sobre el que recae el mayor cambio dramático. Aunque no lo parezca y aún tratándose de Huston, 'Los que no perdonan' simula por momentos una película en la que las mujeres dominan la trama.

La mítica Lillian Gish se adueña varias veces la función con uno de los poco personajes que conocen la verdad sobre el pasado que tan fuerte marca el futuro de los Zachary. Si algo merece la pena recordarse por encima de los demás valores del film es esa bella secuencia de Gish tocando el piano, de un lirismo arrebatador, de una belleza anómala en un mundo salvaje en el que se enfrentan la naturaleza y la identidad de cada uno. A eso sumemos su participación en el salvaje ajusticiamiento de Ben, en el que la calma de alguien que tiene la sensibilidad para interpretar a Mozart, se vuelve juez, jurado y ejecutor con un simple golpe al caballo que sostiene a Ben bajo la soga, y en cierto modo marca su propio destino también.

Una magnífica película que no debería caer en el olvido a pesar de la coincidencia en título, menos el artículo, con cierta obra maestra de Clint Eastwood, actor/director por cierto de aire hustoniano a veces. Existe, eso sí, un paralelismo entre ambas que llama la atención, esa forma de mostrar al personaje central bebiendo como preámbulo al infierno que está por venir.

Por mi parte que voy a decir, si ya todo lo ha dicho y muy bien, Abuín. Toda una joya que hay que ver con detenimiento y con pasión como todos aquellos/as que no perdonan, ... ni olvidan.


miércoles, 29 de marzo de 2017

Atracción fatal


Atracción fatal es el nombre que le di a una chica que vio cosas que no eran y , finalmente, ante su insistencia realmente llegue a sentirme acosado. Estoy convencido que aquello no era su intención. Pero la insistencia, las llamadas, su deseo que quedar conmigo. Su exigencia a la hora de querer saber en dónde me encontraba si no daba conmigo hizo que yo por una temporada no quisiera responder al teléfono y que cada vez que sonara casi temblara. La sensación es horrible. Lo cierto es que era joven y amable. Y la amabilidad, a veces, puede ser mal entendida, especialmente , si a la otra parte le falta madurez y entiende cosas que no son, pero que en su mente parecen ser. El caso es que tras varias semanas de seguimiento vía telefónica aquello se ve apaciguando por su parte, y mi vida volvió a ser la que era, simple y monótoma, pero , al menos, tranquila y sin sobresaltos. Por momentos, llegué a temerme una atracción fatal. Y es que Atracción fatal hizo huella en mí, y creo que fue una lección de lo que podía ser equivocarse gravemente con la persona elegida, aunque no la hubieses elegido tú, en ningún momento. El problema es que se creyera que era la elegida. Toda una locura. 

Atracción Fatal , en inglés Fatal Attraction es una película estadounidense de 1987 dirigida por Adrian Lyne. y escrita por James Dearden . Se basa en un cortometraje del mismo Dearden realizada siete años antes del estreno , en 1980, llamado Diversion . 

Adrian Lyne es un director británico , nacido en Peterborough, el 4 de marzo de 1941 comenzó su carrera dirigiendo comerciales de televisión, donde adquirió una gran pericia para el manejo de la cámara y en la calidad visual. Su década de gracia fueron los ochenta cuando filmó Flashdance en 1983, Nueve semanas y media en 1986 lanzando al estrellato a Kim Basinger y Mickey Rourke y sobre todo Atracción fatal 1987 con Michael Douglas y Glenn Close donde fue nominado al Óscar al mejor director. Sin duda estaba en su mejor momento, la década de los noventa prometía mucho, pero se quedó en poco. La olvidada ya La escalera de Jacob (1990) y Una proposición indecente con Robert Redford y Demi Moore (1993). También se ha desempeñado como productor y como guionista confirmaban que no iba a ser así, cosa que se concretó en su adaptación de Lolita en 1997, que casi puso final a carrera que parecía sin freno. 

Atracción fatal fue una producción de Stanley R. Jaffe Sherry Lansing para la Productora Jaffe / Lansing Productions. La película también contó con la distribución de la Paramount Pictures. La película tuvo un coste de 14 millones de dólares , pero, por contra, consiguió en taquilla la friolera de 320 millones de dolares, todo un bombazo. 

La música de la película sería encargada a uno de los grandes de la segunda mitad del siglo XX, Maurice Jarre. Mientras que la fotografía lo fue de Howard Atherton y en el montaje participaron Peter E. Berger y Michael Kahn.

El reparto estuvo integrado por Michael Douglas como Dan Gallagher, Glenn Close como Alexandra "Alex" Forrest,  Anne Archer como Beth Rogerson Gallagher , Ellen Hamilton Latzen como Ellen Gallagher , Stuart Pankin como Jimmy,  Ellen Foley como Hildy , Fred Gwynne como Arthur , Meg Mundy como Joan Rogerson, la madre de Beth , Tom Brennan como Howard Rogerson, el padre de Beth , Lois Smith como Martha, la secretaria de Dan,  Mike Nussbaum como Bob Drimmer , J. J. Johnston como O'Rourke , Michael Arkin como el teniente, Jane Krakowski como Christine, la niñera .

Dan Gallagher (Michael Douglas) es un exitoso abogado neoyorquino, felizmente casado con su  mujer Beth (Anne Archer) con la que tiene una encantadora hija Ellen (Ellen Hamilton Latzen). Los tres viven en un apartamento de Manhattan, aunque Beth quiere vivir en las afueras de Nueva York para criar mejor a su hija.

Una noche, la pareja está invitada a un evento, la apertura de un nuevo establecimiento, un restaurante japonés. Allí van con unos amigos. Durante la recepción coinciden con Alexandra "Alex" Forrest (Glenn Close), editora en una editorial de moda, y  una madura mujer atractiva, con la que Dan entabla conversación mientras toman una copa.

Al poco tiempo, durante un fin de semana en la que la familia tiene previsto ir al campo con los padres de Beth, Dan es convocado a última reunión de última hora para asistir como asesor legal  y decidir si han de publicar un libro o no. 

Mientras que su esposa, Beth, y su hija, Ellen, están fuera de la ciudad a la casa de sus suegros de Dan a las afueras de la ciudad. durante el fin de semana, Dan coincide en la reunión con Alex Forest y , al salir de la misma, se van a tomar unas copas juntos. Las copas llevan a las confesiones y de éstas pasan a la cama y , al final, acaban teniendo un romance de fin de semana.

Tras un fin de semana de sexo ardiente se queda a trabajar en la ciudad, Decidido a que él está seguro de que no pasará de una breve aventura, y que no perjudicará su matrimonio, Dan, que no sabe gran cosa de Alex, intenta regresar a su casa, ya que el cree que la historia ha sido entendida por ambos como solo una aventura, se da cuenta de que Alex comienza a aferrarse a él. Pero aunque para Dan se trata únicamente de una aventura ocasional, va descubriendo algunos "tics" de  Alex, que le indican que algo extraño hay en ella. 

Dan pasa una segunda velada no planificada , pero cuando Dan anuncia el fin de la relación ella reacciona con una violencia inaudita, no acepta ser rechazada y sus sentimientos se convierten en una obsesión enfermiza y peligrosa... Dan trata de irse, pero ella se corta las muñecas en un intento de suicidio. Él la ayuda a vendarlos y luego , tras permanecer la noche junto a ella, se va. Él piensa que el asunto está olvidado, pero ella hace todo lo posible  para verlo. 

A los pocos días espera en su oficina . Ella, inicialmente le dice que ha ido para disculparse pero también lo invita a una actuación de Madame Butterfly , pero él educadamente la rechaza. 

Tras este rechazo vemos un montaje en paralelo en la que Dan está junto a Beth y unos amigos cenando, celebrando un posible ascenso profesional, mientras que Alex está sola en casa, llorando mientras escucha la Ópera de Madama Butterfly y jugando con el interruptor de una lámpara.

Esa misma noche se inicia el acoso vía telefónica , pues recibe llamadas en la madrugada en casa y también estas so insistentes en la oficina. Ella entonces continúa llamándolo hasta que él dice a su secretaria que no atienda sus llamadas. A continuación, llama a su casa a todas horas, hasta el punto que él decide cambiar el número de teléfono.

Un día Alex consigue quedar con él y mientras se desplazan por el metro ella le dice que está embarazada y que planea mantener al bebé. Aunque él no quiere nada que ver con ella, ella argumenta que él debe asumir la responsabilidad. 

Después de que él cambie su número de teléfono y junto a su mujer decida comprarse una casa en Bedfort, Alex aparece en su apartamento, pues está a la venta  y se entrevista con Beth, fingiendo interés como potencial compradora. 

Más tarde, esa noche, él va a su apartamento para enfrentarse a ella. El resultado es una pelea. En respuesta, ella le dice  que ella no será ignorada y le amenaza con llamar a su mujer y decirle todo.

Dan, finalmente, se muda con su familia a Bedford , pero esto no disuade a Alex. Ella  le envía en un sobre una grabación en cassette en la que amenaza e insulta a Dan. Además ella le sigue hasta localizar la casa de Bedfort.

Un día ella lo acecha en un garaje de estacionamiento, y vierte ácido en su coche, y lo sigue a casa una noche para espiar a la familia. Viendo la felicidad y la armonía que hay entre Dan, Beth, y Ellen desde los arbustos del exterior, su locura se agrava aún más. 

Al ir su obsesión en aumento Dan va a la policía para solicitar una orden de restricción contra ella (alegando que es "para un cliente"), a la que el teniente afirma que no puede violar los derechos sin causa y sobre todo sin pruebas. 

En un día en el que los Gallaghers no están en casa, pues han ido a la casa de los suegros de Dan, Alex mata al conejo de Ellen, que le habían regalado sus padres y lo pone a cocer para que hierva. 

Después de esto, viendo Dan hasta el extremo al que Alex puede llegar, le dice a Beth la aventura que ha tenido con Alex, la causante de todo esto así como su supuesto embarazo. Beth , enfurecida, exige que se vaya. 

Antes de irse, Dan llama a Alex para decirle que Beth conoce el asunto y, en ese momento, Beth se pone al teléfono y advierte a Alex que si ella persiste, ella (Beth) la matará. 

Dan se instala en otro vivienda, mientras que Beth ha de iniciar una vida en soledad. Es ella la que lleva y trae  a la niña al cole. Pero un día, sin el conocimiento de Dan y Beth, Alex recoge a Ellen en la escuela y la lleva a un parque de diversiones, le compra su helado y la lleva a una montaña rusa. 

Ante la desaparición, Beth se asusta cuando se da cuenta de que nadie sabe dónde está Ellen. Ella conduce buscando frenéticamente y mientras intenta encontrarla tiene un choque con  un coche parado en una intersección. Del mismo resulta herida y hospitalizada. Mientras tanto, Alex lleva a Ellen a casa, pidiéndole que le de un beso en la mejilla. 

Después del ingreso  de Beth en el hospital, Dan, una vez localizada la niña, va a ver a su mujer. Ella perdona a Dan y regresan juntos a casa. 

Tras lo ocurrido, Dan entra en el apartamento de Alex y la ataca, estando a punto de ahogarla y estrangularla. Finalmente, para y se detiene, pero mientras lo hace, ella se lanza contra él con un cuchillo de cocina. Él la domina, pero deja el cuchillo y se va, con Alex apoyada en el mostrador de la cocina, sonriendo. 

Tras esto va a la policía para que la arresten y comienzan a buscarla. Sin embargo, Alex desaparece. Mientras en Bedfort, Beth se prepara un baño ,  y mientras Dan le asiste le pregunta si quiere algo. Beth le pide un té. 

Mientras Dan lo prepara en la cocina, Alex de repente aparece en el cuarto de bala y otra vez con el cuchillo de cocina. Ella comienza a explicar su resentimiento hacia Beth, mostrando un inquietante nerviosismo (que le hace cortarse con el cuchillo en la pierna) y luego la ataca. 

Dan no escucha los gritos, pero al ver el goteo de agua procedente de la bañera y los gritos que , finalmente, escucha corre hacia el cuarto de baño y aparta a Alex, metiéndola en la bañera y aparentemente la ahoga. 

Cuando parece que todo ha terminado, Alex , de repente, emerge del agua, portando el cuchillo, pero Beth, que fue a buscar el arma de Dan, le dispara en el pecho, matándola. 

La escena final muestra coches de policía fuera de la casa de los Gallagher. Mientras Dan termina de hablar con la policía, entra dentro, donde Beth lo está esperando. Se abrazan en  la sala de estar mientras la cámara se centra en una foto de ellos junto a Ellen , acabando así la película.  


La película fue rodada en puntos diferentes del Estado de Nueva York. Por supuesto en el neoyorkino Manhatann, pero también en Bedford, Mt. Kisco, Valhalla, en el Playland Parkway de Rye, y otros puntos de New York City como Hudson Street,  en el Midtown de Manhattan. Curiosamente, el apartamento utilizado para el apartamento de los Gallaghers hacia el comienzo de la película, es el mismo apartamento que Adrian Lyne utilizó en Nueve semanas y media (1986) para el apartamento de Elizabeth. 

La película fue adaptada por James Dearden con ayuda de Nicholas Meyer del cortometraje  Diversion de 1980 realizado por el mismo James Dearden para la televisión británica. 

En el libro de Meyer "La vista desde el puente: Memorias de Star Trek y una vida en Hollywood", explica que a finales de 1986 el productor Stanley R. Jaffe le pidió que mirara el guión desarrollado por Dearden, y escribió un libreto de cuatro páginas haciendo sugerencias para el guión incluyendo un nuevo final para la película. 

Unas semanas más tarde se reunió con el director Adrian Lyne y le dio algunas sugerencias adicionales. 

Los productores Sherry Lansing y Stanley R. Jaffe tuvieron dificultades para conseguir un estudio para realizar la película, y para encontrar a un actor destacado. Michael Douglas tenía dudas sobre que el escritor James Dearden escribiera y dirigiera. La experiencia de Douglas con otros directiores menos experimentados le llevó a pedir un director diferente, pero Dearden seguiría siendo escritor - una rareza en el negocio cinematográfico. 

Inicialmente, Brian De Palma aceptó dirigirlo, lo que hizo que Paramount apoyara la película, pero se negó a permanecer en el proyecto a menos que pudiera reemplazar a Michael Douglas.  De hecho muchas opciones para el papel de Dan y se valoró a otros muhos tales como Martin Sheen, John Heard, Steve Martin, John Travolta, Harrison Ford, Bruce Willis, Dan Aykroyd, Mel Gibson, Sylvester Stallone, Kevin Costner, Chevy Chase, Nicolas Cage, Robert De Niro, Kevin Kline, Tom Hanks, Al Pacino, Jack Nicholson, Dennis Quaid, Bill Murray, James Belushi, Rick Moranis, Jon Voight, y Arnold Schwarzenegger fueron considerados para el papel de Dan Gallagher , aunque finalmente quedo para el hijo de Kirk Douglas. 

Sin embargo, Lansing y Jaffee tenían una lealtad absoluta hacia Douglas, que fue el primer actor en expresar su interés en el papel, y que él mismo tenía experiencia como productor. Para mantener a Douglas en el proyecto, salió del mismo De Palma. Brian De Palma temía que la historia fuera demasiado similar a Escalofrío en la noche (1971). De Palma también sentía que Michael Douglas no era un buen líder, pero desde entonces admitió que estaba equivocado acerca de Douglas. 

John Carpenter rechazó la dirección porque sentía que la audiencia no aceptaría el final inicialmente programado, donde Alex se suicidaba y  condenan a  Dan por eso (se demostró que tenía razón: el final de la película tuvo que ser re-filmado después de que una audiencia de prueba lo desaprobara ). John Boorman también se le ofreció el trabajo del director pero lo rechazó para hacer su memoria personal de la infancia de la guerra  en Esperanza y gloria (1987). 

Lansing y Jaffee temían que Paramount cancelara el proyecto, pero en lugar de eso, simplemente retrasaron el inicio de la producción tras un parón de 10 semanas. Más de 20 directores se fueron planteando para dirigir la película. Finalmente el elegido fue el director británico Adrian Lyne.

Adian Lyne también pensó que Glenn Close era "la última persona en la Tierra" que debería interpretar a Alex.  Se planetó a otras muchas como Demi Moore, Rosanna Arquette, Ellen Barkin, Daryl Hannah, Holly Hunter, Jennifer Jason Leigh, Michelle Pfeiffer, Meryl Streep, Raquel Welch, Cybill Shepherd, Susan Sarandon, Kim Basinger, Melanie Griffith, Kathleen Turner, Geena Davis, Jessica Lange, Diane Keaton, Sissy Spacek, Sigourney Weaver, Goldie Hawn, Farrah Fawcett, Jamie Lee Curtis, Jodie Foster, e Isabella Rossellini fueron consideradas para el papel de Alexandra Forrest , incluso a Elisabeth Shue fue originalmente considerada para el papel de Alex Forrest, pero se vio obligada a cambiar el papel, porque estaba firmada en la película de Disney Aventuras en la gran ciudad (1987).  Finalmente la elegida fue , obviamente, Glenn Close que , poco después , se catapultó también con su papel en Las amistades peligrosas. 

Hubo dudas igualmente con el título de la película. Se plantearon algunos antes del definitivo tales como "Affairs of the Heart" ("Problemas del Corazón") y "Lethal Attraction" ("Atracción Letal") fueron los títulos originalmente considerados para la cinta.

Lo más impactante pudo ser el final, pero hubo finales alternativos. Por lo pronto decir que ese final, sorprendente y agresivo es muy similar al visto no hace mucho por la primera película de Clint Eastwood como director, Escalofrío en la noche.

De cualquier manera, el guionista incialmente planteó la idea de que  Alex Forrestacabara cortándose su garganta en el final de la película con el cuchillo que Dan había dejado en el mostrador, a fin de hacer que pareciese que Dan la había asesinado estuvo planeándose durante un tiempo. Después de ver a su esposo ser llevado por la policía, Beth encontraría la cinta de cassette reveladora que Alex envió a Dan en el que le amenaza con suicidarse. Al darse cuenta de las intenciones de Alex, Beth lleva la cinta a la policía, para evitar que Dan fuese condenado por el asesinato. La última escena mostraría, en flashback, Alex tomando su propia vida rasgándole la garganta mientras escucha a Madame Butterfly .  Sin embargo, tras un estreno de prueba con resultados insatisfactorios, se desecho en beneficio del que todos recordamos. Creo que la película hubiese sido otra, pero no Atracción fatal. 

En el DVD de Edición Especial de 2002, Close comenta que tenía dudas de volver a rodar el final de la película, porque creía que el personaje se "autodestruiría y se suicidaría". Sin embargo, Close dio a conocer sus preocupaciones, y filmó la nueva secuencia después de haber luchado contra el cambio durante dos semanas. 

La película fue lanzada inicialmente en Japón con el final original que es ese que acabo de describir. Ese final original también apareció en una edición especial de VHS y LaserDisc lanzado por Paramount en 1992, y fue incluido en el lanzamiento del DVD de la película una década más tarde.

La película fue la de mayor recaudación de 1987 en todo el mundo. En una entrevista de 2013 con CBS News, Glenn Close admitió que habría repensado su interpretación de Alex Forrest, debido a su temor de que la popularidad de la película podía haberle afectado al estigma de la salud mental. Cuando Glenn Close finalmente obtuvo el papel de Alex Forrest, una de las primeras cosas que hizo fue llevar el guión a dos psiquiatras diferentes. Ella les preguntó: "¿Es este comportamiento posible y si es así, por qué?" Los dos psiquiatras que revisaron el guión a petición de Glenn Close llegaron a la misma conclusión: el comportamiento de Alex Forrest era, a su manera, un comportamiento clásico. Su diagnóstico fue que Alex había sido dañada y sexualmente torturada durante un largo período de tiempo mientras era niña. Como resultado, ella naturalmente golpearía a cualquiera que la encontrara deseable. Sería victima de lo que se conoce como síndrome de Clérambault. Y declaró que " Ahora, leería ese guión de forma totalmente diferente", dijo Close. 

Glenn Close dijo que en su opinión, no tenía problemas para hacer sus escenas de desnudos porque creía que no eran explotadores de la mujer, en absoluto, y que todos ellos servían para fortalecer la historia.

La misma Glenn Close reconoce que muchas personas se le siguen acercándose a ella para decirle "gracias, por ti salvé mi matrimonio!" 

Durante el rodaje de la escena final, Glenn Close sufrió una conmoción cerebral en una de las tomas cuando su cabeza se estrelló contra un espejo. Después de ser llevada al hospital, descubrió, para su horror, que en realidad estaba embarazada de unas semanas de la que es su hija, la actriz Annie Starke. Hasta el día de hoy, Close dijo que ver el final la hace sentir incómoda debido a lo mucho que sin saberlo puso a su hija en riesgo por esa exigencia física. 

Michael Douglas, mientras trabajaba en Atracción fatas, también estaba trabajando en la película Wall Street (1987) al mismo tiempo que esta película. Para evitar un conflicto de horario, Douglas alternaría entre cada película durante la semana. 

El propio Douglas afirma que para obtener la reacción deseada de Ellen durante la escena donde ella presenció a sus padres en una discusión intensa, Michael Douglas estaba detrás de la cámara intimidándola y amenazando con quitarse el animal de peluche que estaba sosteniendo, por lo que empezó a llorar y abrazarlo de forma más intensa. Después de que el director gritara "corten" inmediatamente se disculpó con ella y dijo que sólo estaba bromeando. 

En los Estados Unidos la película tuvo un gran impacto en la opinión pública por su dramático guión  y su potente final, planteando a todos los niveles la reflexión sobre el tema de la infidelidad conyugal. 

Algunas feministas  les molestó que vinculara la idea de una mujer fuerte e inteligente acaba siendo una psicópata . La feminista Susan Faludi habló de la película en Backlash: The Undeclared War Against American Women , argumentando que se habían hecho cambios importantes en la trama original para hacer a Alex un personaje totalmente negativo, mientras que el descuido de Dan y la falta de compasión y responsabilidad que el tiene no se planteaba. 

La película también dejó una impresión indeleble en los espectadores masculinos. Close en 2008 afirmaba que : "Los hombres todavía se acercan a mí y dicen: 'Me has asustado, mierda'. A veces dicen: "Salvaste mi matrimonio". 

La película pasó ocho semanas en el número 1 en los Estados Unidos y finalmente recaudó 156,6 millones de dólares en el mercado nacional, convirtiendo a la película en la segunda película con mayor recaudación de 1987 en Estados Unidos detrás de Three Men and a Baby . También recaudó 163,5 millones de dólares en el extranjero por un total bruto de 320,1 millones de dólares, lo que la convierte en la película más taquillera de 1987 en todo el mundo. 

Esta película provocó  a su vez una revitalización de los thrillers psicológicos temáticos parecidos que se hicieron a lo largo de los últimos años ochenta y noventa. 

En general, la película recibió críticas positivas por parte de los críticos y de la audiencia. En Rotten Tomatoes todavía se le da a la película una calificación del 78% sobre la base de las críticas de 46 críticos, . En Metacritic , la película tiene una calificación de 67/100 basado en las críticas de 16 críticos. 

Para Rogert Ebert articulista del Chicago Sun Times dijo de ella que "Atracción fatal" es un thriller psicológico fascinante que podría haber sido una gran película si los realizadores no hubiesen arrojado la credibilidad al viento en los últimos minutos para darnos su versión de " Viernes 13 " para adultos". Y señalaba que "Debido a que la película presenta cosas buenas - incluyendo las actuaciones - que son muy buenas, es una pena que el potencial de la película para la grandeza fue tan descaradamente comprometido. La película es tan correcta durante tanto tiempo que casi se puede sentir el momento en que el guión  deja de tener un realismo psicológico convincente. Los diálogos de James Dearden son razonables sobre todo en la forma sobre los celos, la posesión y, finalmente, la culpa (después de que ella dice, inevitablemente, que está embarazada). Con la excepción de las escenas de sexo que Ebert califica de "tontas", "Atracción fatal"  la película se sostiene  hasta su tercer acto, el último - y entonces deja de gustarle. 

La película fue un gran éxito, terminando como la segunda película de mayor recaudación de 1987 en los Estados Unidos y la película de mayor recaudación de fondos del año en todo el mundo.

Consiguió seis nominaciones a los Oscar, a la mejor película (Stanley R. Jaffe y Sherry Lansing), al mejor director (Adrian Lyne), a la mejor actriz principal (Glenn Close), a la mejor actriz de reparto (Anne Archer), al mejor guion adaptado (James Dearden), y al mejor montaje (Michael Kahn y Peter E. Berger).  El de Mejor película (lo  perdió ante El último emperador ), Mejor actriz  y Mejor actriz secundaria para Archer lo perdieron ante Cher y Olympia Dukakis , respectivamente, por Moonstruck.

El sindicato de Directores (DGA) y el de guionistas (WGA)  las nominó al Mejor director  y Mejor guión adaptado respevctivamente.

En los Premios BAFTA ganó el de  Mejor montaje para Michael Kahn y Peter E. Berger, aunque tuvo tres nominaciones (actor y actriz, emtre otros). También fue nominada a los Eddie ACE a la mejor película editada , ganó el Premio ASCAP para Maurice Jarre.

La Sociedad de Casting de América la nominó al Mejor Casting para Largometraje, en la persona de Bramon Garcia y Billy Hopkins . También fue nominado en el David di Donatello al mejor actor extranjero y Mejor actriz extranjera.

En los premios Globo de Oro las nominaciones fueron a la Mejor Película dramática , a la mejor dirección, actriz y actriz de reparto . En los Goldene Kamera o Cámara dorada ganó el premio al mejor actor internacional Michael Douglas y mejor actriz internacional Glenn Close .

Y en los Grammy fue nominado Maurice Jarre al Mejor álbum escrito para cine o televisión Maurice Jarre .

La película fue incluida entre los "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

Para concluir diré que , ante todo, es una película en la que tanto el  actor principal , como las dos actrices llevan el peso de la misma. Michael Douglas interpretó su trabajo con una solvencia y convicción que le hará consolidarse como uno de los grandes actores de los ochenta y los noventa, interpreta perfectamente al hombre corriente que se ve envuelto en una situaciónde la que no sabe cómo salir. Glenn Close como mujer obsesa y enfermiza que acaba transformándola en una psicópata de mucho cuidado también completa aquí sus años mágicos en su carrera culminándola al alño siguiente en su trabajo para Stephens Frears y Anne Archer igualmente realiza la que pudo ser la mejor interpretación de su carrera como la sufrida esposa y víctima de la locura de su rival.

Como señalaba Ebert, la historia se ofrece en tres actos. Comienza como una aventura erótica, después se transforma en un drama, para proseguir en un thriller con una gran dosis de suspenso. Para el público, como yo que la recordaba, se queda en lo último, en un thriller, lleno de emoción y suspense, que ha quedado para la historia como uno de los mejores exponentes del cine americano de los años 80, que se inspira en historias previas como la de Escalofrío en la noche, y que, al igual que ésta, no se ha dejado afectar por el paso del tiempo.

martes, 28 de marzo de 2017

Experimentos cinematográficos


Hace años , cuando hice el curso sobre el centenario del cine , allá por 1995, recuerdo que hubo una sesión sobre el cine experimental. Al tratarse de un curso sobre la historia del cine los cineastas seleccionados fueron, entre otros, Fernand Léger y su Ballet Mécanique, que realizó junto a Dudley Murphy en 1924, L´étoile de mer de Man Ray (1930) o Witch's cradle, película filmada por Marcel Duchamp y Maya Deren, entre otras. Fueron películas que , sólo pude entender como una parte más de los ismos artísticos propios del siglo XX. 

Lógicamente comprendí con ella el significado de lo que se entiende como cine experimental. Se suele ver como un medio de expresión más artístico, que gusta romper de las barreras del lenguaje audiovisual y , por lo tanto, huye del cine narrativo o simplemente estructurado. En su manifestación usa recursos, muchas veces muy básicos, para expresar y hacer sentir emociones, experiencias, sentimientos, acrecentando su estético y artístico, buscando efectos plásticos o rítmicos, ligados a al tratamiento de la imagen o el sonido. 

 El cine experimental es un cine desvinculado de la industria, es un refugio creativo, por parte de las escuelas de cine, o por francotiradores con cámara e ideas de cambio. Por supuesto, rehuye del público amplio, quedando lo elaborado como algo marginal es su conocimiento.

La sesión de cine experimental, aparte de aquella sesión dedicada a El hombre con la cámara, película soviética de 1929 dirigida por Dziga Vertov, ha consistido en una recopilación de cortos de Guy Sherwin, Gunvor Nelson y Patrick Bokanowski. Un ojo, un bol de agua, una bicicleta, una mano sobre la cara y la cámara, unos padres, el pie de un bebé y un hombre en el espejo (Man with mirror) por parte del realizador británico Guy Sherwin. A estas creaciones se han sumado a la evolución de la vida en la obra True to life de la directora sueca radicada en San Francisco Gunvor Nelson, en el 2006. Por çultimo, se han sumado postales en movimiento junto a un lago o frente al mar. Compleja la sesión de hoy. Pero también original, diferente, dilatante, sorprendente, pictórica y agotadora por momentos. 

El británico Guy Sherwin nacido en 1948 después de haber formado en pintura en la Chelsea School of Art de Londres entró en los sesenta en el mundo del cine vinculandose con la London Film-Makers 'Co-operative ,(ahora LUX, que ha publicado gran parte de su obra) dedicada al cine de vanguardia , y comenzó a hacer performances y películas de corta duración que más tarde llegaría en forma de series en las llamadas Short Film series. 

En sus películas, Sherwin lleva a cabo una investigación plástica sobre el medio con el que trabaja, jugando con las diferentes velocidades e indagando las posibilidades de la luz, el movimiento y el sonido. Estas obras se basan en un plano de una duración sistemática de tres minutos, basada en un pensamiento básico que , sin continuidad secuencial , domina toda la película. Vive en Londres y enseña en la Universidad de Middlesex y en la Universidad de Wolverhampton. Su obsesión parece centrase en el concepto de la luz y el tiempo. Igualmente es un divulgador de la experimentación como he comprobado cuando ha participado en el llamado "Nicho Experimental", una organización independiente, creada en 2010, enfocada en ampliar la apreciación de la música experimental, haciendo énfasis en proyectos específicos que se realizan en vivo y que mantienen un festival "El Nicho". En la edición 2015, el Laboratorio Experimental de Cine - creo de Oaxaca en México participó con la coproducción de instalaciones organizadas en torno al cineasta inglés Guy Sherwin y la cineasta de Singapur Lynn Loo. Además de una charla sobre su trabajo se habló de la experimentación del Cine sin Cámara y la viabilidad de la experimentación sonora.  

De entre lo que vimos el programa comenzó con Eye (1978) realizada ajustando simultáneamente la apertura de la cámara y el brillo de una bombilla solitaria. Mientras que la luz se atenúa y la apertura se abre podemos ver el iris de un ojo abriéndose también. En sus comentarios nos enteramos que la protagonista es Stephanie era una estudiante de la Wimbledon School of Art, donde daba clases en esa época. Fue capaz de mantener la vista fija sin parpadear " en demasía". 

La segunda proyección fue Tap (1978) en el que vemos que un grifo que gotea perturba el agua, inicia una acción y establece un ritmo, como una nota de piano repetida debilitándose. Nos dice el autor que "estaba interesado en el juego de las superficies, el agua, la taza, las nubes reflejadas que se veían por la ventana. Una amplia apertura de las lentes ofrece una pequeña profundidad de campo con la que se puede seleccionar cada superficie". 

La tercera fue Cycle (1978) en la que una cámara aparece sujeta a la espalda de una bicicleta y graba los círculos con la bicicleta alrededor de un charco de agua acumulado en los caminos esperando secarse con el sol. Y nos comenta que "Mi sombra da vueltas por el encuadre". Cycle y  también se puede mostrar como instalación en loop proyectada en el suelo. 

La cuarta entrega fue Hand/Shutter (1976), una obra, tan simple como compleja. Hecha bloqueando alternativamente la lente de la cámara y tapando mis ojos, de modo que mi mano funciona como un obturador secundario respecto al de la cámara. 

La quinta fue Portrait with parents ( 1975). Este retrato fue la primera película de las Series de Cortos. El comenta que "Mis padres me visitaron y yo hice este retrato de los tres, en el que aparezco reflejado en el espejo, enrollando la película a mano. La cámara está colocada en un trípode de madera que se mueve suavemente al girar la manija". Durante la escena vemos la naturalidad de la madre, como se cruza una chica, como , desde el silencio clamoroso, se le habla a la cámara. Muy naïf, pero ¿no es una nueva visión del hombre de la cámara? 

Mei (2010) es la protagonista y el nombre de la hija más pequeña de Guy Sherwin. Unos días después de que le hubiera ayudado a nacer (la matrona llegó demasiado tarde) muestra la planta del pie y el pie en sí mismo, desenfocando la cámara. ¿El nacimiento de alguien no desenfoca la vida de los que le rodean? 

Por último , vimos de Guy Sherwin, Man with mirror , una obra que acabó siendo una performance cinematográfica que se inició en Inglaterra en 1976 y que culminó en 2010. Es una obra que ha sido interpretada en varias ocasiones hasta mediados de los años 80 en un primer momento, que después fue después abandonada por el autor, que no volvió a retomarla hasta el año 2000.

Desde entonces, Sherwin vuelve a interpretarla habitualmente. En ella vemos como por medio de un proyector de ocho milímetros (donde Sherwin proyecta lo que filmó en 1976) y él mismo situado, 35 años después, frente a ese proyector sosteniendo, al igual que en las imágenes de 1976, y usando una lámina de doble cara (por un lado una superficie blanca y por otra un espejo), consigue con ese efecto que une pasado y presente es simplemente mágico.  Hay un juego de imágenes, pero también de las formas geométricas que van oscilando de unas formas a otras  hasta que el hombre , en este caso Guy, se convierte en el protagonista absoluto.



Se trata de una performance lúdica y brillante, que surge de una extremada economía de medios y obtiene una eficacia máxima, y que aparece como una de las propuestas más originales que se hayan formulado en este periodo de intensa experimentación. Ejemplo de una forma artística que se situaría en el encuentro entre el cine y la perfomance, Man with mirror, mezcla la experiencia íntima y la reflexión sobre el medio en una obra cuyo propósito es a la vez el envejecimiento y la representación del espacio y del tiempo. 

La segunda autora experimental fue una mujer, Gunvor (Grundel) Nelson , la llamada cineasta inesperada que en 2013 participó en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Se trata de una cineasta que apuesta por las imágenes y sonidos que se superponen, en una suerte de juego rítmico de capas, en el que podemos ver la principal marca de Nelson como autora. Nelson, sueca pero que pasó un tiempo instalada en la Bahía de San Francisco, ya tiene una carrera dilatada, con 20 cortos, y más tarde se pasó al vídeo, realizando más tarde cinco piezas, y una instalación. Ella gusta de mostrar el poder estético de la naturaleza.

Obtuvo un Master en Artes en el Mills College en Oakland, California. Su experiencia docente incluye el San Francisco Art Institute de 1970 a 1992, después de lo cual se trasladó a Suecia en 1993. Otros puestos que ha ocupado incluyen un año en la San Francisco State University desde 1969 hasta 1970 y un semestre en 1987 en la Escuela del Art Institute de Chicago.

Su trabajo ha sido presentado en numerosos festivales europeos y norteamericanos, muestras individuales, y ha recibido varios premios y becas. Las películas de Nelson se mostraron de forma discreta en el circuito underground de la costas este y oeste de los Estados Unidos, hasta mediados de los años 70 cuando empezaron a obtener eco en la prensa a partir de fuentes diversas, desde los editores de Playboy hasta Pauline Kael.

En sus obras los temas que toca y relacionados con el mediometraje visto - True of life- está presente el envejecimiento y la muerte, y el simbolismo de las fuerzas naturales . Su talento para la edición de lo que son a menudo imágenes oníricas, en combinación con una fina atención a los efectos de la lengua y el sonido sobre la imagen en movimiento, sirven para afianzar la consistente estética de sus películas experimentales.

Ella considera que darle el nombre de películas experimentales a lo que hace le parece algo incompleto. "He hecho películas tanto surrealistas como expresionistas, pero yo prefiero el término 'película personal'. Eso es de lo que se trata. Aunque muchos no entienden el significado de la palabra. Por otro lado, puede ser más fácil referirse a ellas como películas de vanguardia. Pero me gusta la descripción de 'película personal', ya que surge de una persona. Cuando se pinta, el término que elijas será descrito por e el método, pintores de murales, por ejemplo, y así sucesivamente. Pero cuando se trata de películas nos falta capacidad para describir lo que realmente estamos haciendo".

En True to life (2006) toma lo de la cámara táctil al pie de la letra y se acerca lo máximo posible a flores y otros elementos vegetales, llegando a tocarlos y buscando planos que vayan más allá de la representación para, de nuevo, buscar formas abstractas. El roce del micro con los objetos está muy presente, tan en primer plano como las coloridas flores que llenan el cuadro. De nuevo, un protagonismo compartido que deja perplejo al espectador.

En True to life Gunvor Nelson toca de manera libre y natural la vida en un jardín y lo hace introduciendo la cámara en la naturaleza, y la naturaleza en la cámara para revelar una la nueva fuerza vital y el ciclo de la vida. La cámara con los colores , empezando con el color blanco de una escarcha espinosa donde se esbozan las paredes de una flor en ciernes. Con la cámara ella friega, barre la flor y el tallo hasta llegar al suelo.

La planta y la vida realmente crujen en el suelo del jardín. La lente penetrante es pesada en las hojas delicadas y en la retina del espectador. El resultado es una película en primerísimos planos, agotadora, cegadora , que te deja derrotado, como te derrota al final la vida. Al fin y al cabo, es un ciclo vital.

La última entrega han sido dos cortos filmados por el francoargelino Patrick Bokanowski. En este caso no se trata de "un lobo solitario" sino de una autor al que le gusta trabajar acompañado por una banda sonora de su esposa, Michèle Bokanowski pues , según él, la música, le añade una calidad táctil. Su manera de tratar el material fílmico es por medio de una investigación que lo lleva a la frontera de las artes ópticas y visuales, siempre en un "intermedio" para crear.

El autor pone en tela de juicio la idea de que la esencia del cine debe ser reproducir la realidad, es decir, nuestros hábitos de pensar y sentir. Sus películas contradicen la "objetividad" de la fotografía que es sólidamente esencial para la mayoría de las producciones cinematográficas globales. Los experimentos de Bokanowski, con el objetivo de abrir el cine a otras posibilidades expresivas -por ejemplo, la "deformación" de las lentes objetivas (aunque prefiere el término "subjetivo" )- dan testimonio de visiones puramente mentales que ignoran las representaciones convencionales que afectan a la realidad, dando al espectador de sus películas nuevas aventuras perceptivas.

El trabajo de Patrick Bokanowski puede considerarse como el inicio de la animación contemporánea. Este antiguo pintor, alguna vez ha reconocido que "al principio no estaba seguro de si mis deseos eran la fotografía, la escritura, el cine o la pintura. Sus películas se caracterizan por el uso del vidrio y otros materiales para cambiar la percepción directa de una cosa y con la necesidad de ver las cosas desde un ángulo diferente.

De este investigador óptico enamorado del cine y nacido en 1943 hemos visto dos obras. La Plage (1992), una obra en cuatro actos en las que vemos imágenes trabajadas y coloreadas que de personas que están en la costa. Al final transforma la pantalla en un lienza, dando lugar a una obra pictórica.

La segunda ha sido Au bord du lac (1994). Con ella Bokanowski regresa a la compleja red de arreglos ópticos de espejos, prismas y sustratos refractarios de su anterior película, La Plage, para crear el extravagante y lúdico Au bord du lac.

La película se compone de escenas cotidianas que son recreadas en un día soleado y idílico en un parque que domina un lago - remar un barco, jugar al voleibol, patinar, andar en bicicleta, leer un periódico, tomar el sol, montar a caballo , o dar un paseo por el paseo marítimo - todo ello es modificado o visto a través de distorsiones ópticas dando lugar a imágenes fracturadas y anudadas que se asemejan a las ilustraciones de cuento de hadas gótico embellecido, a patrones geométricos que parecen llevarnos al cubismo. Evocando los colores vibrantes y la paleta empañada por el sol de un vigorizado Vincent van Gogh en Arles, Bokanowski transforma lo cotidiano en un caleidoscopio dinámico infinitamente fascinante de texturas que cambian la forma y objetos auto-reconstituyentes del arte orgánico y abstracto.

Es curioso pero ante una pregunta realizada en la revista Avoir. alire en la que se le cuestiones sobre ¿Qué experiencia puede tener al espectador ver la película no convencional cuando ve sus películas, o la experiencia que él tiene cuando ve películas otros creadores? Responde que a él le atraen los realizadores más atrevidos, y sentencia diciendo que él nunca se embarcará en narrativas que ya ha visto mil veces. Puede que tenga razón, pero creo que el cine experimental está bien, pero en pequeñas dosis están mejor.