viernes, 30 de junio de 2017

Josey Wales


Sinceramente es uno de mis western favoritos. Considero que tiene todo lo que ha contener un wester. Un hombre al margen de la ley, un perdedor, una historia de amor, nativos americanos, unos perseguidores, el trasfondo de la guerra de secesión, recompensas, y desperados. Todo eso y muchos más es The Outlaw Josey Wales , también conocida a escala mundial como El fugitivo Josey Wales , The Texaner o El fuera de la ley un western del año 1976 dirigida y protagonizada por Clint Eastwood. 

La historia fue escrita por Philip Kaufman y Sonia Chernus, y está  basada en la novela El forajido rebelde: Josey Wales de Forrest Carter. Un escritor  que en lo personal podía ser detestable, pues era un líder de Ku Klux Klan de los años 50, un segregacionista, escritor de discursos del gobernador segregacionista George Wallace de Alabama, y cuyo verdadero nombre era Asa Earl Carter, publicada en 1972, y reeditada en 1975 como Gone to Texas.

Clint Eastwood dirigió y protagonizó una adaptación cinematográfica de Josey Wales , retitulada The Outlaw Josey Wales (1976), después de que Carter le enviara el libro a sus oficinas . Éste cayó en manos del socio de Eastwood que lo leyó y dio su apoyo al proyecto. En este momento, ninguno de los dos sabía nada del pasado de Carter como un Klansman y un segregacionista rabioso. En 1976, Carter publicó la secuela de The Rebel Outlaw: Josey Wales , titulada The Vengeance Trail de Josey Wales, que Clint Eastwood planeó filmar como una secuela de The Outlaw Josey Wales , pero el proyecto fue finalmente cancelado. Lo curioso es que Carter tenía ascendencia Cherokee en el lado materno de sus abuelos y publicó en 1976 un famoso libro titulado The Education of Little Tree una supuesta autobiografía auténtica que relata las experiencias de la juventud de Forrest Carter con sus abuelos Cherokee en las montañas de los Apalaches. Curiosa historia de este escritor que falleció en extrañas circunstancias en Abilene (Texas) en 1979.  

Tanto  Clint Eastwood como el productor Robert Daley estuvieron detrás de un proyecto con las productoras Warner Bros - que se quedó con la distribución-  y Malpaso Company contando con un presupuesto estimado de $ 3,700,000.

La película contó con el guión de Philip Kaufman y Sonia Chernus . Destaca de la misma la banda sonora, increíble y grandiosa de Jerry Fielding, la fotografía de Bruce Surtees y el montaje de Ferris Webster.

Precisamente Jerry Fielding , compositor nacido en 1932,  colaborará con Clint Eastwood en varios proyectos, como también lo hizo con Sam Peckinpah, pendiente en todo momento de la acción del film y con una incisiva banda sonora.

El reparto lo encabezan Clint Eastwood como Josey Wales, el jefe o the  Chief Dan George como Lone Watie,  Sondra Locke como  Laura Lee,  Bill McKinney como Terrill,  John Vernon como Fletcher , Paula Trueman como la  Abuela Sarah,  Sam Bottoms como  Jamie - actor fallecido en 2008 a los 51 años-,  Geraldine Keams: como la india Pequeño Rayo de Luna,  Woodrow Parfrey como el Vendedor,  Joyce Jameson como  Rose , Sheb Wooley como Travis Cobb,  Royal Dano como Ten Spot , Matt Clark como Kelly,  Will Sampson como el indio Diez Osos , John Quade como el líder comanchero , Richard Farnsworth como uno de los Comancheros,  Kyle Eastwood como el hijo de Josey,  Len Lesser como  Abe , Doug McGrath como Lige,  John Russell como Bloody Bill Anderson,  John Chandler como el Cazador de recompensa,  Charles Tyner como Zukie Limmer , William O'Connell como Sim Carstairs . 

La película comienza el 23 de septiembre de 1861 en Osceola, Misuri, en los primeros meses de la Guerra de Secesión. Allí nos encontramos a Josey Wales (Clint Eastwood), un pacífico granjero, que está siendo ayudado por su hijo en las labores del campo. En un momento dado es llamado por la madre del chico  y mujer de Josey para que vaya a la casa. Tras unos momentos en los que él sigue cavando, escucha algo parecido a un trueno. Pero al mirar al cielo ve que está despejado en ese momento se da cuenta que el ruido viene de la casa de dónde sale humo.

Al llegar ve cómo su familia está siendo  brutalmente asesinada en el incendio de su granja por parte de los «redlegs» o boatas rojas, un grupo de forajidos o «jayhawkers» o guerrilleros de la Unión, , partisanos unionistas de Kansas, que realizaban una asalto sobre la población fronteriza del estado de Misuri.

Desde ese momento deja su apacible vida tras enterrar a su mujer e hijo  y comienza a mejorar su puntería con su colt, casi lo único que se ha salvado de la casa, y está dispuesto a acabar con los responsables, los 'botas rojas'.

Abandonado por los atacantes, que lo dejan por muerto, dado que le han cortado la cara, Josey consigue recuperarse, pero queda con una cicatriz en el rostro, debido al sablazo que le propinó uno de los bandoleros, llamado Terrill (Bill McKinney). La Brigada de Kansas está controlada por el senador James H. Lane.

A la llegada de un grupo de voluntarios sudistas se une a un grupo de las guerrillas confederadas denominadas bushwhackers, lideradas por "Bloody Bill" Anderson que quieren igualmente vengarse de los botas rojas se integra en la partida.

La guerra de secesión norteamericana se nos presenta ahora bajo los títulos de crédito. Tras acabar los mismo comienza su particular guerra de venganza que se extenderá mucho más que la propia contienda.

Con el fin de la guerra, sus camaradas son persuadidos por uno de los integrantes de grupo delos  bushwhackers, el Capitán Fletcher (John Vernon) a rendirse con la promesa de una amnistía; tras debatirlo la cuadrilla se rinde, salvo Wales, que sabe que su guerra es la venganza, pero al poco de llegar ve desde lejos como son traicionados y asesinados por los mismos «redlegs», que ahora son soldados del ejército regular de la Unión, habiéndose convertido Terrill en su capitán.

Josey, que había rechazado rendirse para continuar su venganza contra los asesinos de su familia, presencia el fusilamiento de sus compañeros e interviene abatiendo a varios «redlegs» con una ametralladora Gatling que estaba oculta en un carro, pero acaba teniendo que huir, con su cabeza puesta a precio por el ejército y con la única compañía de un joven y orgulloso soldado  de Alabama Jamie (Sam Bottoms) que está gravemente herido. Ambos huyen en dirección a los territorios indios en las proximidades de Texas.

Desde ese momento el senador Lane obliga a Fletcher a trabajar con Terrill en el seguimiento de Wales y pone una recompensa de 5.000 dólares por la cabeza del Outlaw Wales, que ahora está huyendo de la milicia de la Unión y de los cazarrecompensas.

Comienza así una vida en la que, a la vez que huye del ejército federal y los cazarrecompensas, sigue persiguiendo la venganza y trata de buscar un nuevo comienzo en Texas.

En el camino se une a él, a su pesar, un heterogéneo grupo de compañeros de viaje, que incluye un anciano y locuaz  cherokee llamado Lone Waitie (Chief Dan George), al que sorprende en los territorios indios, una una joven navajo que estaba siendo maltratada por un vendedor que la tenía semiescalvizada y agredía regularmente de nombre Pequeño Rayo de Luna (Geraldine Keams) , así como dos integrantes de una caravana procedente de Kansas que se dirige a Texas para instalarse allí integrada por la abuela Sara (Paula Trueman) una anciana yanqui de Kansas y su nieta Laura Lee (Sondra Locke) que Wales rescata de una banda de Comancheros.

A estos dos últimas las conoce en una tienda mientras busca suministros para afrontar su paso hacia México. Allí son reconocidos por un vendedor ambulante  (Woodrow Parfrey) con los que había cruzado el río Misuri y tras lo cual tiene lugar un tiroteo con lo que Wales y Lone Waitie ponen fin a la vida de cuatro soldados.

Además de los soldados y los cazadores de recompensas, Wales entra en conflicto con los comanches, guiados por el guerrero «Diez Osos» (Will Sampson) y al que los comancheros comandados por su líder (John Quade)  querían vender a Laura Lee, una joven chica virgen.

Tras esto llegan a Santo Rio ya que Wales y sus compañeros van a ocupar el rancho abandonado propiedad del padre de Laura, que se había unido a los botas rojas de Kansas. Ahora se le unen  dos hombres más , Travis y Chato, se unen a su grupo.

En el enfrentamiento final, Wales y sus compañeros se encuentran acorralados en un rancho fortificado para resistir ataques de los indios. Sin embargo, Wales llega a un acuerdo con el indio Diez Osos (Will Sampson) tras hacer las paces con el líder de la tribu Comanche , Ten Bears.

Sin embargo, un cazarrecompensas , cuyo compañaro había sido muerto al "outlaw" identifica a Wales en Santo Río, y guía al capitán Terrill y a sus hombres al pueblo.

A la mañana siguiente, el rancho es atacado por los Redlegs. Los compañeros de Wales se refugian en la casa del rancho fortificado y abren fuego, derribando a todos los hombres de Terrill.

Wales  está herido, y a pesar de estar sin municiones, Wales persigue a caballo a Terrill, el hombre que participó en la masacre de su familia, y le da alcance, produciéndose un duelo singular, en la que se revive lo ocurrido con su familia y concluye cuando Wales mata a Terrill con la propia espada de caballería de éste cuando, aun así, quiso matarle con ella al inicio de la película.

Su muerte causa una catarsis en él. Más tarde, Wales, herido, se encuentra con dos rangers de Texas y el Capitán Fletcher (John Vernon), que han llegado al lugar en su persecución.

Unos lugareños a los que Wales había invitado nada más llegar a la zona le cuentan a los perseguidores que Wales murió a manos de unos pistoleros en  Monterrey , México. Para ellos quien ha entrado es el "Sr. Wilson",

Los rangers aceptan esta versión y ponen fin a la persecución; no así Fletcher, que, fingiendo no reconocer a Wales, y dice que él irá a México a buscar el propio Wales, y tratará de convencerlo de que la guerra ha terminado, porque le debe eso. Wales acepta, reconociendo hasta qué punto la guerra dañó a todos, incluso a él. Fletcher, satisfecho por la contestación de Wales, se marcha y Wales regresa a su nueva casa cabalgando a salvo y en paz.



La filmación comenzó a rodarse a mediados de octubre de 1975 en Lake Powell, Arizona. Ese estado es precisamente en el que tuvo lugar la mayor parte del rodaje como Mescal , Kayenta, Patagonia, Marble Canyon, Aravaipa Canyon,  Colorado City, Fredonia,  Blue Mesa Badlands, en el Parque Nacional Bosque Petrificado,en  Teec Nos Pos, Arizona, en Wolf Hole Valley. en un clásico , el Empire Ranch, de Sonoita, en Página, Cañón de la mina de carbón, Tuba City, en el Cañón de Tsegi, de la nación Navajo, en Tucson , en concreto en  Old Tucson y su famosa Kinney Road.

También se rodó en Utah, en concreto en  Kanab y Glen Canyon, . Igualmente se rodó en California , en concreto en la localidad de Oroville,  y en Wyoming, Arizona,

Las peripecias de Josey Wales están inspiradas en la vida real de un famoso bushwhacker llamado Bill Wilson, héroe de la cultura popular en los condados de Phelps y Maries, en el estado de Misuri. Efectivamente, Wilson mantuvo una actitud neutral al comienzo de la Guerra de Secesión, hasta que, tras un enfrentamiento con soldados de la Unión en su granja, se convirtió en un renombrado forajido, antes de huir a Texas. Para otro la película se basa en la vida de Thomas Atticus Hawkins, un granjero de Missouri del condado de Maries.

La película está considerada como un «western revisionista», en cuanto toma como héroe a un rebelde confederado; el propio Eastwood la considera ante todo como un film «antibélico».

En un principio la película iba a ser dirigida por Philip Kaufman, autor principal del guión, pero al comenzar el rodaje comenzaron las diferencias artísticas y personales con Eastwood condujeron a que este decidiera despedirlo y hacerse cargo él de la dirección. Esto, a su vez, provocó un conflicto con el Sindicato de directores de Estados Unidos, que impuso una multa a las productoras y aprobó una nueva normativa para aumentar en lo sucesivo la cuantía de las sanciones cuando un productor despidiera a un director para reemplazarlo por sí mismo.

La banda sonora de Jerry Fielding para la película fue nominada al Óscar a la mejor música original en 1977, siendo la primera película de Clint Eastwood que fue nominada en los premios de la Academia.

Se trata, además, de la primera película en la que Eastwood dirigió a Sondra Locke, que se convertiría en su pareja durante muchos años, y en ella aparece también el hijo de Eastwood, Kyle, entonces de siete años de edad.

El Outlaw Josey Wales fue inspirado por una novela de 1972 por Forrest Carter, y fue originalmente titulado The Rebel Outlaw: Josey Wales y más tarde retitulado Gone to Texas . El guión fue trabajado por Sonia Chernus y por productor Bob Daley en Malpaso, y el propio Eastwood que pagó parte del dinero para obtener los derechos de pantalla.

Michael Cimino y Philip Kaufman supervisaron más tarde la escritura del guión, ayudando a Chernus.

Kaufman quería que la película se mantuviera lo más cerca posible de la novela con estilo y retuviera muchos de los gestos y lenguaje propio del personaje de Wales que Eastwood mostraría en la pantalla, como su lenguaje distintivo con palabras como "reckon" para el término contar, "hoss" (en lugar de " Caballo "), y" ye "(en lugar de" You ") y escupir   tabaco sobre los animales, las víctimas y los que le importunaban. En la novela igualmente aparece el jefe Cherokee , la mujer Navajo , y la vieja mujer del colono y su hija. Kaufman, sin embargo, quería cambiar el tono político de la novela ya que sentía que había sido "escrito por un fascista " y que "el odio del hombre al gobierno era una locura". También sentía que ese elemento del guión necesitaba ser severamente atenuado, pero, más tarde dijo, "Clint no lo hizo, y fue su película".  la ruptura entre Eastwood y Kaufman tuvo lugar durante la filmación. Kaufman insistió en filmar con una minuciosa atención al detalle, lo que causó desacuerdos con Eastwood, aunque las malas lenguas hablan de la atracción que ambos compartieron hacia Sondra Locke y los celos aparentes por parte de Kaufman con respecto a su relación emergente. Una noche Eastwood ordenó a Surtees rodar  rápidamente una escena mientras la luz se desvanecía y luego se alejó, dejando fuera del rodaje a Kaufman. Kaufman fue despedido más adelante por Eastwood, que asumió la dirección de la película él mismo. Esto tuvo lugar a pocos días de comenzar el  rodaje , en concreto, el 24 de octubre de 1975, cuando le informó al director el productor Bob Daley. Esto generó la queja de la Directors Guild of America y otros importantes ejecutivos de Hollywood, ya que el director ya había trabajado intensamente  en la película, incluyendo completar toda la preproducción. Tanto la Warner Brothers como Eastwood fueron presionados, pero su negativa a readmitirlo se zanjó con una multa de alrededor de $ 60.000. Esto dio lugar a que el Gremio de Directores aprobara una nueva legislación, conocida como "Regla de Eastwood", que prohíbe a un actor o productor despedir al director y luego convertirse en el director mismo. A partir de entonces, la película fue dirigida por Eastwood e que hizo algún cambio en el guión, tomando el dueño de Malpaso Ranch las riendas de la película. mismo con Daley segundo al mando, pero con la planificación de Kaufman ya en el lugar, el equipo fue capaz de terminar de hacer la película de manera eficiente. Fue el  segundo western dirigido por Clint Eastwood tras 'Infierno de cobardes', tres años antes.

En la novela, Josey y Laura se casan y tienen un hijo que llaman Jamie como el soldado herido y primer acompañante de Josey. Esta historia no fue incluida porque Clint Eastwood estaba en contra de dulcificar su película.

En la novela igualmente, Lone Watie es identificado como el sobrino del General Stand Watie, un Cherokee del Territorio Indio, que fue el último confederado general en rendirse al final de la Guerra Civil Americana en abril de 1865.

El director de fotografía Bruce Surtees , James Fargo y Fritz Manes son los responsables de rodar en los ya citados espacios de Utah , Arizona , Wyoming y  California, incluso antes de ver el guión final.

El jefe de reparto de Kaufman Dan George , que había sido nominado para un Premio de la Academia de actor secundario en Little Big Man  hizo del viejo Cherokee Lone Watie.

Sondra Locke , también nominada a un premio de la Academia anterior, fue contratada por Eastwood contra los deseos de Kaufman  como Laura Lee. Esto marcó el comienzo de una estrecha relación entre Eastwood y Locke que duraría seis películas y el comienzo de un romance que continuaría durante casi catorce años, aunque acabaría como el romance de la aurora en los tribunales y paralizaría la trayectoria de la actriz.

Lo cierto es que fue este rodaje el que marcó el inicio de su relación. Después de completar la fotografía principal, Sondra Locke se sorprendió cuando Clint Eastwood se afeitó la barba: "Me había acostumbrado tanto a Josey, me había enamorado de Josey y ahora Clint había despojado a Josey. Era una ligera incomodidad entre nosotros, como si no nos hubiéramos conocido, pero luego pasó y el perfecto y fácil ajuste entre nosotros fue poderosamente recapturado.

Eastwood aderezó la cinta con una ambientación excepcional, dotada de una fotografía sublime, llena de contrastes, y de una gran banda sonora a cargo de Jerry Fielding, nominada al Oscar en 1976.

Debido a la edad del jefe Dan George y a que éste tenía problemas para recordar sus frases durante las tomas, hizo que  Clint Eastwood comenzara a grabar sus historias sin que él se diese cuenta y tenía que decirle que se detuviera porque arruinaría la toma. En los extras del DVD, Eastwood dice que le decía a Dan "Jefe, olvídate de las líneas. Habla sobre la historia sobre el hombre que montó sobre la colina. " Y Dan George, que al parecer era un narrador natural, contaba la historia y salía perfecto.

La película fue bien recibida por el público en general, pero especialmente fue elogiada entre los espectadores nativos americanos por su no estereotipada representación de los nativos americanos en la película. Sin embargo, y en , general, 'El fuera de la ley' no contó con el beneplácito de la crítica.

Puede que en ella influyera su largo metraje —135 minutos— y la poca experiencia de Clint en la dirección junto a su pasado 'spaguetti', que no ayudaron a ver la afortunada labor e inicialmente fue una película incomprendida, adelantada a su tiempo.

Tras ser lanzado en agosto de 1976, The Outlaw Josey Wales fue ampliamente aclamado por críticos, muchos de los cuales veían el papel de Eastwood como un personaje icónico, relacionándolo con  el pasado ancestral de Estados Unidos y el destino de la nación después de la Guerra Civil Americana.

La película fue proyectada previamente en el Sun Valley Center for the Arts and Humanities en Idaho durante seis días dedicadas a los Westerns bajo el programa : Mitosy películas. Académicos como Bruce Jackson, críticos como Jay Cocks y Arthur Knight y directores como King Vidor , Henry King, William Wyler y Howard Hawks fueron invitados a la proyección. La película aparecería más adelante como una de las diez mejores del año en la revista Time.

El mismo  Eastwood dijo que  The Outlaw Josey Wales era sobre todo una película contra la guerra . En una entrevista con The Wall Street Journal , dijo: En cuanto a Josey Wales, vi los paralelos con la actualidad.  Todo el mundo se cansa de ello, pero nunca termina. Una guerra es una cosa horrible, pero también es un unificador de países ... El hombre se convierte en un ser más creativo durante la guerra. Mira la cantidad de armamento que se hizo en los cuatro cortos años de la Segunda Guerra Mundial -la cantidad de barcos y cañones y tanques e inventos y aviones  , y sólo la urgencia y la camaradería y la unificación . Pero eso es una triste declaración sobre la humanidad, si eso es lo que se necesita".

La película recibió críticas mixtas en su lanzamiento, pero no fue hasta unos años más tarde cuando  Orson Welles , durante una aparición en The Merv Griffin Show  declaró: "Cuando vi esa película  por cuarta vez, me di cuenta de que pertenece a los grandes westerns, ya sabes, los grandes westerns de Ford y Hawks y gente así.  Orson Welles elogió la película, llamando a Eastwood "uno de los mejores directores de Estados Unidos".

Por su parte el crítico de la Chicago Sun Times , Roger Ebert , comparó la naturaleza y vulnerabilidad de la representación del Josey Wales de Eastwood  con  personajes  de Leone y elogió la atmósfera de la película."Eastwood es un actor tan taciturno y orientado a la acción que es fácil pasar por alto el hecho de que dirige muchas de sus películas -y muchas de las mejores y más inteligentes- con la fotografía sombría y lúgubre de Bruce Surtees, Él crea un magnífico y sentimental western "

Pero no todo el mundo está de acuerdo . Fernando Morales escribió en El País que es "Una de las más flojas películas de Eastwood en su doble función de director-protagonista. Aunque demasiado narcisista encierra elementos de gran interés"

Para Augusto M. Torres en el diccionario Espasa sostiene que "Comenzó a dirigirlo Phil Kaufman, pero lo acaba Eastwood (...) Uno de los westerns más interesantes de los setenta"

Para Ricardo Salgado en El Mundo Eastwood en esta película "Presenta un sinfín de innovaciones que rompen con los esquemas del 'western' tradicional. Por un lado, está el tópico 'bueno-malo'. Aunque no demasiado convencido por los ideales que defienden uno y otro bando, toma partido por los confederados pese a defender la esclavitud. Lo mismo sucede con los indios; presentados en la película como una raza abierta al diálogo, y aún más, como las únicas personas dotadas de coherencia dentro de un mundo salpicado por la violencia. El propio Eastwood en su papel protagonista intenta huir del estereotipo de vaquero en el que estaba encasillado. Es un tipo duro, solitario y atormentado por su pasado, pero a medida que avanza el filme va abandonando esa posición abriéndose a los demás, defendiendo a los que le importan y solidarizándose con ellos. Es más, deja de lado sus ansias de venganza por unas ganas de convivir con su nueva 'familia'.

Actualmente en  Rotten Tomatoes esa la  película se le da una calificación del 95% basada en las críticas de 38 críticos.

Tuvo en su momento algunos reconocimientos como su nominación  para el Premio de la Academia de Música Original Score o banda sonora.

En 1996, fue considerado "culturalmente, históricamente o estéticamente significativo" por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y seleccionado para su preservación en el Registro Nacional de Cine . Está incluida entre los "1001 películas que usted debe ver antes de morir ", publicado  por Steven Schneider .

Fue también una de las pocos western  que recibió el éxito crítico y comercial en los años 70 en un momento en que se pensaba que el Western estaba muriendo como un género importante en Hollywood.

Clint Eastwood dice en el lanzamiento en DVD 1999 que la película es "ciertamente uno de los puntos culminantes de mi carrera ... en el género del western en el cine". La película  consiguió una gran taquilla de  $ 31.800.000

La película cuenta con una secuela realizada en 1986 y titulada The Return of Josey Wales, con Michael Parks en el papel principal (Josey Wales), quien a su vez es el director de la entrega.

Personalmente considero que estamos ante uno de los western necesarios que enlaza el modelo clásico como la inclusión de las grandes aportaciones de Leone al género. Grandiosa en su banda sonora y la fotografía no queda atrás brillante y sucia a la par. La he visto en múltiples ocasiones, más posiblemente que el número de ocasiones de las que hablaba Orson Welles y no me canso. Es una obra de arte.


lunes, 26 de junio de 2017

Scarface o Caracortada 84


Hoy , precisamente, hoy, me he cruzado con un chico que llevaba una camiseta con la cara de Al Pacino sobre la que aparecía un título Scarface. En la historia de los bajos fondos Caracortada o Scarface, como se diría en inglés, era Al Capone, un gangster neoyorkino que se hizo con el Outfit de Chicago, y que quedó como la representación de la violencia y la brutalidad del hampa. 

Sin embargo, Scarface es un clásico del cine 1932, el terror del Hampa es una película dirigida por Howard Hawks y producida por Howard Hughes y con Paul Muni, George Raft, Boris Karloff, Ann Dvorak. De hecho poco antes de los títulos de crédito hay una dedicatoria para Howard Hawks y el guionista que la adaptó originalmente , Ben Hecht..

Esta versión es otro cosa. Estamos ante un Scarface muy apalancado en los ochenta, con una interpretación que puede que sea incluso exagerada por momentos por parte de Al Pacino, y con la marca de la música del productor musical por antonomasia de aquellos años, Giorgio Moroder. Pero de la misma manera he de decir que he visto un gran filme.

Scarface, el precio del poder es una película estadounidense de 1983, dirigida por Brian De Palma. La he visto en versión original subtitulada, por lo que por momentos he visto y he escuchado un , en ocasiones, inadecuado uso de parrafadas en español, en los que distintos acentos de los protagonistas (cubanos, colombianos, bolivianos,...) no están tan presentes como yo esperaba y deseaba para dar más verosimilitud a la historia.

El guión fue escrito por Oliver Stone y está basado en la novela de Armitage Trail, cuya historia dio origen a la película desarrollada con el mismo nombre en 1932, dirigido por Howard Hawks. La novela que llevaba por título Scarface fue escrita en 1929 y publicado al año siguiente transformada en guión cinematográfico en tan sólo once días por el guionista nativo de Chicago, Ben Hecht. La casual procedencia del libretista le proporcionó la experiencia necesaria para imprimir una espectacular carga de realidad al guión, al añadirle éste escenas basadas en sus recuerdos como cronista en los periódicos de la que fuera ciudad del crimen organizado.

La historia original bebía del personaje Al Capone, que se había postulado como el principal capo de la mafia en Chicago durante la época de la prohibición y que se encontraba, en esa época, encarcelado por evasión de impuestos. A los personajes de la película se les atribuyen ciertas semejanzas con otros importantes “capos” de la época como pueden ser Johny Torrio o “Big Jim” . Aunque Trail nunca conoció personalmente a Capone, el miembro de Outfit no se sintió muy contento con retrato hecho por Trail y transformado en guión por Ben Hecht, pero nada le pudo hacer ya que escritor falleció en 1930.

Lo cierto es que el productor Howard Hughes había contactado con Trail y le había expresado su interés por la novela para adaptarla al cine. Trail vendió los derechos de Scarface a Hughes por $ 25,000, tras lo cual se mudó a Los Ángeles En octubre de 1930, murió de un ataque al corazón en el Paramount Theatre .

Una vez estrenada Capone habría enviado a algunos de sus hombres a preguntar al guionista Ben Hecht cómo y por qué había retratado asó a Capone que , parece ser , estaba muy ofendido por el retrato que de él hacía la película interpretado por el actor Paul Muni . 61 años después el reto de llevar a este brutal jefe del hampa fue asumido en la dirección correspondió a Brian De Palma , aunque la producción fue de Martin Bregman. Se trataba ahora de un proyecto de Universal Pictures como productora y distribuidora contando con un presupuesto de unos US $25 millones de dólares.  

Como ya he dicho la música fue asignada al productor musical Giorgio Moroder, mientras que la fotografía lo fue a John A. Alonzo y el montaje a Gerald B. Greenberg y David Ray.


La película está protagonizada por Al Pacino como Tony Montana,  Steven Bauer como Manny Rivera, una jovencísima Michelle Pfeiffer como Elvira Hancock, otra joven como es  Mary Elizabeth Mastrantonio que hace de Gina Montana, un magnífico  Robert Loggia como Frank Lopez . Junto  a ellos aparecen F. Murray Abraham como Omar Suárez , Harris Yulin como  Mel Bernstein , Paul Shenar como el barco boliviano Alejandro Sosa , Ángel Salazar como  Chi Chi un colaborador de Tony, Pepe Serna como Angel Fernandez , Miriam Colón como Mamá Georgina Montana , Al Israel como Hector "El Sapo" , Michael Alldredge como George Sheffield , Mark Margolis como Alberto "La Sombra" , Geno Silva como"El Cráneo" , Dennis Holahan como Jerry y Ted Beniades como Seidelbaum.

La película empieza con imágenes reales de la conocida crisis de los marielitos cubanos. Los marielitos son aquellos cubanos que partieron del Puerto de Mariel, en Cuba, hacia los Estados Unidos entre el 15 de abril y el 31 de octubre de 1980.

El origen de este éxodo está en el asalto a la embajada del Perú por parte de un grupo de civiles cubanos a bordo de un autobús público. Su objetivo era entrar al recinto y solicitar asilo político. el presidente cubano Fidel Castro amenaza a la embajada del Perú (un país con el que mantenía relaciones tensas) con retirar la protección si no entregan a los asaltantes. La embajada se niega y les concede protección diplomática.

Fidel cumple su amenaza y hace público que todo el que quiera asilarse en la embajada podrá hacerlo sin represalias. La respuesta de la población desborda las previsiones del gobierno cubano, y en solo unos días, más de diez mil cubanos se refugian en los jardines de la embajada.

Ante esta situación, y necesitado de encontrar una salida a su error, Fidel Castro autoriza a que los exiliados en Miami que quieran recoger a sus familiares, atraquen sus embarcaciones en el puerto del Mariel, al oeste de La Habana, y se lleven a todo el que quieran , de ahí que se les conozca desde entonces como los “Marielitos”. Fueron más de 125 mil cubanos salieron por el puerto del Mariel (aproximadamente el 1,3 % de la población cubana.

Fidel Castro les llamó "escoria", y el gobierno cubano le advirtió a los Estados Unidos que la mayoría de los disidentes eran indeseables que habían sido considerados como un "peligro para la sociedad". Pero la mayor parte de los 125.000 cubanos que llegaron a EEUU por el puente marítimo de Mariel se integró, pues eran trabajadores. Aunque entre ellos había delincuentes sacados de las cárceles y enviados por Fidel Castro a Estados Unidos que llegaron a protagonizar disturbios y atemorizaron a comunidades, estos eran sólo un 2% de todos los llamados "marielitos".

Nada más llegar algunos serían recluidos en Fort Chafee, Arkansas, pero también en Atlanta, Georgia , Oakdale o Louisiana, o albergados en hangares de la base aérea de Boca Chica .

Vemos como entre los que llegan se encuentra Antonio «Tony» Montana (Al Pacino), un delincuente cubano, de fuerte carácter, que he estado según dice él en el ejército y que es de los "colocados" por el régimen a los Estados Unidos.

Esta harto de vivir en la miseria y quiere triunfar a cualquier precio. El precio es el dinero y ese dinero da poder y mujeres como le comenta en un momento dado a su amigo Manny Rivera (Steven Bauer) que llega junto a él a los Estados Unidos durante el éxodo de Mariel en mayo de 1980.

A su llegada a Cayo Hueso es recluido, junto con la mayoría del resto de los refugiados cubanos, incluido su amigo , pues hay sospechas, especialmente por su tatuaje de que se trata de un criminal. Ambos son llevados a un recinto vallado debajo de una autopista, a la espera de la resolución de su situación política. Junto a Tony está su mejor amigo Manny Ribera y sus asociados Angel y Chi-Chi.

Ya allí, confinados,  reciben un encargo por parte de un capo de Miami, Frank López (Robert Loggia), para asesinar a Emilio Rebenga, un ex-funcionario del régimen cubano que mató al hermano de López en Cuba, y ahora también se encuentra recluido en el recinto de detención. Como recompensa les ofrece conseguirles a ambos tarjetas verdes de residencia.

Aprovechando los motines que tienen lugar por todo Estados Unidos de aquellos marielistos confinados , en el suyo hay un violento motín entre los recluidos, y durante el mismo , y al grito colectivo de Libertad!, Libertad! Tony apuñala a Rebenga , matándolo y, poco después,  consiguen así salir de su confinamiento.

Ya con las tarjetas verdes, Tony y Manny encuentran un trabajo en un puesto de comida latin donde además de servir comidas trabajan como lavavajillas en el fast food.  Tony expresa a Manny su desencanto por cómo viven hasta que un día Manny le dice que se llegarán los que lo han liberado y que tendrán un trabajo acorde con su competencia y ambición.

Esa noche llega y tiene lugar un encuentro con los hombre de López, Omar Suárez (F. Murray Abraham) y Waldo Rojas.

Tras recibir un encargo para recoger droga que  Tony rechaza por ser algo indigno , que apenas le aporta 500 $ que consistía en vigilar un cargamento de marihuana a cambio de quinientos dólares cada uno, Omar le encarga hacer un trabajo más arriesgado pero mejor pagado el cual consiste en un intercambio de dinero a cambio de cocaína con unos colombianos en un hotel de Miami Beach con el que recibirán como pago  cinco mil dólares para él y Manny.

Tony, Manny y sus amigos, Chi-Chi y Ángel, van al hotel donde Tony y Ángel van a hacer el cambio y mientras Manny y Chi-Chi se quedan en el auto con el dinero, él y Ángel suben para hacer el intercambio.

Los dos son recibidos por un narcotraficante colombiano, Héctor, y una chica que está sobre la cama,  que le pregunta por el dinero.  Tony le dice que no lo lleva encima, mientras Tony le pregunta por la droga, respondiendo Héctor que está cerca.

Mientras hablan sobre el dinero y la droga, aparecen un par de colombianos más que capturan a Tony y a Ángel. Héctor amenaza con matarlos si no le entregan el dinero. Tony le insulta y Héctor saca una motosierra de un maletín (donde también se encontraba la droga) y ordena que se lleven a los dos rehenes al baño.

Ángel es atado a la ducha y amenaza con descuartizarlo. Tony se niega a decir dónde está el dinero, esperando que Manny se de cuenta de que alto extraño ocurre.

Como no habla, Ángel empieza a ser  desmembrado por Héctor  frente a Tony ; mientras Manny y Chi-Chi se dirigen al motel, ya que Tony estaba tardando mucho.

Cuando Héctor está apunto de matar a Tony, Manny abre fuego contra los colombianos. Manny es herido , pero la bala entra y sale sin dejar daños. Por su parte, los colombianos han sucumbido salvo Héctor que escapa.

Tony sale a la caza de Héctor mientras Chi-Chi y Manny vuelven al auto con la droga. Tony mata a Héctor en la calle frente a un grupo de jubilados y  escapa con sus amigos.

Tony contacta con Omar y le informa de que el trato salió mal, pero que logró quedarse con el dinero y la droga y que se la entregarían a López en persona ya que sospecha que Omar los traicionó, así que Tony y Manny insisten en entregar personalmente las drogas y el dinero recuperados a Frank.

Una vez llegan a la mansión de López, Tony y Manny son recibidos por éste. Al escuchar la chulería de Tony, el "capo" les dice que quiere contratarlos por sus habilidades y les invita a cenar con su chica, Elvira (Michelle Pfeiffer)  , de la cual Tony queda impresionado. Se trata de una chica rubia, de Baltimore, de apellido Hankcock, que impacta en Tony y que desde ese momento queda enamorado. Entre Frank y Elvira comentan las normas básicas para llegar arriba en este mundo.

Meses después, Manny y Tony se han enriquecido trabajando con Frank. Las aspiraciones de Tony está enriquecerse a toda costa. Para él el dinero da poder y el poder te proporciona las mujeres.

Tras tontear una y mil veces con Elvira, que cada vez se rie más con el cubano, Tony vuelve a reencontrarse con su madre y su hermana Gina (Mary Elizabeth Mastrantonio). Gina lo recibe felizmente, pero su madre (Miriam Colón), Mamá Georgina Montana , se disgusta con él por trabajar con criminales y lo echa de su casa cuando le da un fajo de billetes a Gina. Tony deja claro tanto a  a su madre Georgina y a su hermana Gina que no quiere que trabajen. Se muestra como su protector. Pero la madre insiste en lo que le molesta  su vida de crimen, así que Georgina expulsa a Tony de su casa.

Tony se despide de su hermana y se va con Manny, que queda fascinado con  la belleza deGina , pero Tony le advierte que no se acerque a ella.

Tony y Omar son enviados a Bolivia para hacer un trato con el productor de cocaína Alejandro Sosa en nombre de Frank, ya que éste no podía salir del país. Aunque en principio la persona que negocia la compra es Omar, es , finlmente, Tony , quien cierra un trato con Sosa fuera de la autorización de Frank.

Algo molesto Omar le recuerda que no tiene el poder para hacer el trato pero Tony sigue igual, así que Omar, tras hablar con Tony,  se va para hablar con Frank del trato y Tony se quedará en Bolivia, pero momentos después de la partida de Omar, Sosa le dice a Tony que éste es un informante de la policía y que es el causante del encarcelamiento de varios hombres de Sosa, así que los dos ven como un magullao Omar es colgado de una soga del helicóptero. Luego, Tony le asegura a Sosa que arreglaría las cosas con Frank y parte de vuelta a Estados Unidos. Sosa, antes de parte, le hace una  advertencia a Tony, nunca debe traicionarlo.

De vuelta en Miami, Frank está furioso con Tony, no sólo por la muerte de Omar, sino también por la enorme inversión que supondría el negocio con Sosa. Tony le dice que es una buena inversión y que conseguirán muchos ingresos. Frank sigue molesto ya que sabe lo traidor que es Sosa y que si algo sale mal en el trato, Sosa les declararía la guerra, por lo que decide posponer el trato y le advierte a Tony que no se pase de la raya o sino no duraría como se lo había aconsejado antes.

Tony va a casa de Frank y se encuentra con Elvira en la piscina y toman unos tragos juntos. Tony le declara su amor a Elvira y le propone que se case con el y que sea la madre de sus hijos. Elvira le pregunta por Frank y Tony le asegura que Frank no durará.

Por la noche, Tony y Manny van al Club Babylon. Allí le sorprende ver a Gina bailando con un hombre de otra banda rival colombiana. Tony se enfurece, pero Manny lo detiene antes de que pueda hacer algo. Entonces, un hombre se acerca a Tony para hablar con él.

Tony lo reconoce como Mel Bernstein, un policía corrupto al cual Tony debe pagar si quiere cubrir los asesinatos y crímenes que cometió. Bernstein lo lleva aparte para conversar en privado pero Tony está más concentrado en Gina.

Bernstein le dice que hubo un problema y que debe darle una buena cantidad de dinero, si no, las muertes de Rebenga, Héctor y los demás colombianos se darían a conocer. Mel Bernstein intenta extorsionar a Tony a cambio de protección e información policial. Tony acepta y le dice a Manny que Frank lo traicionó, ya que nadie conocía lo de Rebenga y los colombianos salvo ellos tres. Tony ve a Elvira y se acerca a coquetear con ella.

Poco después llega Frank y le dice a Tony que se vaya , pero Tony lo ignora. Tras una breve discusión, Frank se va furioso con Elvira. Desde este momento  Tony  establece su propia organización.

Tony y Manny se sientan pero Tony sale disparado de la mesa al ver que el acompañante de Gina la estaba llevando al baño para tener relaciones. Los encuentra en un inodoro y empuja al hombre fuera del baño y empieza a regañar a Gina, pues piensa que es muy joven para hacer esas cosas. Gina le grita que puede hacer lo que quiera incluso tener relaciones con hombres. Tony la golpea y Manny se la lleva del club. Tony vuelve a la mesa furioso.

En el camino a casa, Gina se da cuenta de que Manny siente algo por ella y le ofrece que salgan juntos, pero Manny la rechaza ya que Tony lo mataría si lo hiciera.

Una noche  en el club de Tony dos hombres armados abren fuego contra el cubano e intentan asesinarlo.  Tony escapa del club.

En su casa, Tony piensa que Frank organizó el golpe, por lo que llama a Manny para que unirse a él e ir al negocio de López. Antes de salir le encarga a su amigo Nick que llame a López a las tres para comprobar sus dudas  y decirle que todo ha salido mal.

Tony, Manny y Chi-chi van al concesionario de Frank y entran en su oficina, donde lo encuentran con Bernstein. Están seguros de que su ex jefe envió tanto a Bernstein como a los asesinos.

Tony le comenta sus sospechas a los dos y le asegura que encontrarán al culpable y se vengarán. Frank se pone nervioso al ver a Tony y a sus amigos con armas. Tony sigue conversando con Frank hasta que a las tres suena el teléfono tal y como había conveniado con Nick. Tras descolgar López dice que es Elvira con lo que  Tony confirma sus dudas.

Tony le dice  a Frank que es un cerdo,  que juega sucio y al ver que no tiene salida, Frank López confiesa su participación. Tony prepara su arma pero Frank suplica por su vida y le ofrece a Tony todo el dinero y además a Elvira. Sin embargo, Tony lo rechaza y hace que Manny dispare sobre López mientras que él mata a Bernstein siendo los dos asesinados.

Tony se dirige a la casa de Frank para buscar a Elvira, casándose con ella pocos meses después, y ocupa el lugar de López en su organización comprando su propia mansión, con seguridad privada y enriqueciéndose hasta un límite casi infinito. Tony se ha conviertido en el distribuidor de los suministros de Sosa. Construye un imperio multimillonario, viviendo en una vasta y fuertemente custodiada propiedad. Paralelamente, Manny comienza un romance con Gina a espaldas de Tony.

Al cabo de tres años, en noviembre de 1983, Tony convertido ya en un adicto a la cocaína, incumpliendo el segundo de los "preceptos" dichos tanto por Frank López como Elvira, ya también convertida en una cocainómana.

En 1983, sin embargo, Tony se vuelve paranoico, siente permanentemente el acoso policial y la presión de otros narcotraficantes,  mientras él y Elvira consumen   cocaína a escala. Al principio el dinero es limpiado por un banco, pero el encargado de ello va exigiendo cada vez más  un mayor porcentaje. Además su relación con Elvira se resiente y también su relación con Manny todavía su gran valedor y único amigo.

Manny le propone contacta con la organización de un judío de nombre Seidelbaum (Ted Beniades) para aclarar el dinero. Cuando están contando dinero el supuesto mafioso saca su arma y afirma pertenecer a la policía acusando a Tony de blanqueo de dinero y evasión de impuestos. Posteriormente, Elvira lo abandona tras discutir en un restaurante por acusarla de ser estéril y no darle un hijo; mientras que la relación con Manny se enfría por ser él quien le propuso contar con Seidelbaum.

Pagando una gran cifra logra retrasar el juicio por unos meses, ya que estaba dispuesto a pagar lo que fuera por evitar volver a prisión. Ante estas circunstancias su situación se hace pública afectando igualmente sus relaciones con otros personas del tráfico de drogas como Añejandro Sosa.

Tony es llamado por Sosa para eliminar a un periodista que investigaba la relación entre Tony el magnate boliviano, a cambio de sobornar a los jueces que manejaban el caso de Montana. Tony acepta, pero al viajar a Nueva York junto al sicario de Sosa, Alberto "La Sombra"  , (Mark Margolis)  descubre que el "modus operandi" para acabar con el denunciante es colocar un coche bomba en los bajos del auto con el que va a las Naciones Unidas donde iba a denunciar a los narcotraficantes, no supondría sólo la muerte del hombre sino la de la familia de éste, pues se desplaza con su mujer e hijos.

Discute con el hombre de Sosa sobre los términos del trato y finalmente lo mata disparándole a la cabeza. Ya de vuelta a su mansión , Tony recibe una llamada de Sosa, quien enfadado le explica que la bomba fue encontrada en el vehículo y que ahora el lugar está muy vigilado y que ahora, en esas circunstancias, es imposible repetir la misión . Además Sosa se enteró de todo gracias al discurso que dio en las noticias, le promete vengarse. Tony ante esto lo insulta pero Sosa le cuelga.

Mientras esto tiene lugar, unos de los suyos, chi - chi, le informa de que su madre ha llamado y que ha dicho que Gina no está y no costesta. Por su parte, Tony intenta localizar a Manny, pero éste lleva un par de días ilocalizable. La madre finalmente le dice que Gina se ha fugado con un hombre, por lo que visita a su madre, quien lo culpa acusándolo de ser un mal ejemplo, discuten fuertemente pero Tony consigue la dirección en la que ella vive y le promete traerla de vuelta.

Al llegar a la dirección donde se encontraba descubre que era la casa de Manny. Manny lo recibe con bata y ve a Gina también con bata con Manny. Tony cegado por unos celos irracionales, mata a Manny de dos disparos, Gina llorando le dice demasiado tarde que ella y Manny se casaron el día anterior y que iban a darle una sorpresa. Tony, enloquecido, se lleva a Gina a su mansión dejando el cadáver de Manny en el suelo.

Mientras Tony busca refugio en su mansión, precisamente en el momento en que la gente de Sosa comienza a asaltar la casa. Tony, completamente drogado no logra comprender la magnitud de lo que le viene encima, mientras  entierra su rostro en un gran montículo de cocaína.

Mientras los hombres de Sosa invaden la mansión y matan a los hombres de Tony. Durante el asalto, Gina que también está drogada y ha pretendido matar a su hermano al que amenaza con una pistola es asesinada por un matón de Sosa pero Tony lo tira por el balcón y lo mata. Después de no abrir la puerta para Chi-Chi, que es asesinado a su llegada. Tony ante el elevado número de asaltantes tomar un arma pesada y comienza a disparar de forma enloquecido con un rifle de asalto Colt AR-15 con un lanzagranadas M203 de 40mm unido al cañón matando a varios sicarios de Sosa.

Tony es alcanzado por las balas repetidamente, pero continúa luchando hasta que  muere de un disparo por la espalda con una escopeta por la nueva mano derecha de Sosa quien subió por la ventana de su despacho.

El cuerpo de Tony  cae en una fuente debajo. El atacante de Tony baja las escaleras mientras los demás atacantes miran el cuerpo de Tony, el cual queda tendido en la pequeña fuente de agua que contiene un globo terráqueo con el  lema personal de Tony: «The world is yours» o lo que es lo mismo "El mundo es tuyo" delante de una estatua, acabando así la película.


Scarface fue dirigida por Brian De Palma, producida por Martin Bregman, y escrita por el ahora famoso director y guionista Oliver Stone. Pero Scarface comenzó el desarrollo después de que Al Pacino viese la película de 1932 del mismo nombre en el Tiffany Theatre. Más tarde llamó a su gerente, el productor Martin Bregman , y le informó de que creía que la historia tenía un enorme potencial para un remake.

Pacino originalmente quería hacer una película de  época , pero se dio cuenta de que debido a su naturaleza melodramática sería difícil de lograr.  Sidney Lumet se unió como el director, desarrollando la idea de Tony , un cubano que llega en América durante la crisis de Mariel .

Las diferencias creativas de Bregman y Lumet hicieron a Lumet abandonar el proyecto. Lumet había querido hacer una historia más política que  culpaba abiertamente  a la actual administración presidencial, la de Reagan,  por la afluencia de cocaína a los Estados Unidos, y Bregman no estaba de acuerdo con las opiniones de Lumet.

Bregman lo reemplazó con Brian De Palma , y contrató al escritor Oliver Stone , declarando más tarde que sólo le costó cuatro llamadas telefónicas para asegurar su participación.


Para el fallecido ensayista cubano el productor Martin Bergman miente al decir que "no consideraba su Caracortada un rehecho de Scarface. ¿Su razón comercial? "El bajomundo" declaró en Hollywood, "ha cambiado radicalmente desde los días de Al Capone". Sin embargo, Cabrera Infante concluye rotundamente que es simple y llanamente un remake.

Stone investigó el guión mientras luchaba contra su propia adicción a la cocaína. Oliver Stone nombró a Tony Montana inspirado en su jugador de fútbol americano favorito, Joe Montana . Él y Bregman realizaron su propia investigación, viajando a Miami, Florida, donde se les dio acceso a los registros de la Oficina del Fiscal de los EE.UU. y la Oficina del Crimen Organizado.  Stone se mudó a París para escribir el guión, creyendo que no podía romper su adicción mientras estuviese en los Estados Unidos, declarando en una entrevista de 2003 que estaba completamente drogado en ese momento "porque no creía que la cocaína le ayudara a escribir. Es muy destructivo para las células del cerebro ". Stone escribió el guion en Francia, mientras se recuperaba de su adicción. Allí introdujo lo aportado por la policía de Miami y la DEA, - la Drug Enforcement Administration- e incorporar muchos detalles de verdaderos crímenes en la película, entre ellos  la   escena de la motosierra.

Al Pacino insistió en asumir el papel principal como Tony Montana, aunque Robert De Niro se lo había ofrecido y lo había rechazado. Pacino trabajó con expertos en combate de cuchillos, entrenadores y con el  boxeador Roberto Duran "Mano de Piedra" para lograr el tipo de cuerpo que quería para el papel. Durán también ayudó a inspirar al personaje, que tenía "un cierto león dentro de él", según Pacino.

La idea de un papel de inmigrante que había visto en Meryl Streep en Sophie's Choice / La decisión de Sofía (1982) también influyó en el retrato de Pacino de Tony Montana. Por su parte, Bauer y un entrenador de dialectos le ayudaron a aprender aspectos de la lengua y la pronunciación cubanas , aunque insisto, apenas se inluyen algunos interjecciones en la película.


Por su parte, la Pfeiffer, que  era una actriz casi desconocida en ese momento, y que había participado únicamente en la segunda entrega de Grease - la II-  generó dudas en el tándem  Pacino /  De Palma sobre su inclusión o no en el casting, pero Bregman luchó por su inclusión. Lo cierto es que se plantearon otras opciones como Glenn Close , que fue la elección original para el papel, pero también Geena Davis , Carrie Fisher , Kelly McGillis , Sharon Stone ,Rosanna Arquette , Jennifer Jason Leigh , Kim Basinger , Kathleen Turner , Jodie Foster y Sigourney Weaver .


Steven Bauer consiguió su papel sin siquiera audicionar. Durante el proceso de audición, el director de casting, Alixe Gordin, vio a Bauer y al instante advirtió que tenía razón para el papel de Manny, un juicio con el que tanto De Palma como Bregman estaban de acuerdo. Él era el único actpr cubano en el reparto principal. Durante la filmación de F. Murray Abraham le fue notificado que había conseguido el papel de Antonio Salieri en Amadeus (1984) que iba a rodar para el director Milos Forman .

Tras esto comenzaron los ensayos. Al Pacino se hirió  en la mano con el cañón caliente de un arma . La lesión lo dejó fuera durante dos semanas. La escena del tiroteo final también incluye una cámara que fue dirigida por Steven Spielberg que estaba visitando el estudio ese día.

Durante la filmación, algunos cubano-americanos se opusieron a la representación de los estereotipos de  personajes cubano-americanos que son retratados como criminales por actores no cubano-americanos. Para contrarrestar esto, la película presenta un descargo de responsabilidad durante sus títulos de créditos afirmando que los personajes de la película no eran representativos de la comunidad cubanoamericana. Parece que en parte de la industria del entretenimiento la película no gustó.

A pesar de que el escenario en la que se desarrolla la historia es  Miami, gran parte de la película fue filmada en Los Ángeles, ya que la junta directiva de Miami temía que la película disuadiera al turismo aldescribir al estado como un refugio para las drogas y los gángsters.

La opulenta mansión de Tony en Miami fue grabada en diversas mansiones, algunas de ellos la mansión de estilo romano en Santa Bárbara, California. También se rodó en diversos puntos del estado californiano como en la I-110 y la intersección I-10, de Los Angeles,  que representa el campo de Ciudad de la libertad o Freedom Town, en el West Sunset Boulevard, West Hollywood, en Ventura Boulevard, en Wilshire Boulevard, en Sunset Blvd, West Hollywood, en Torrance,  en Montecito todos ellos en los alrededores de Los Ángeles.  y en la Stage 12 de la  Universal Studios y en el número 100 de la  Universal City Plaza, Universal City, en California.

También se rodó en Florida, en concreto en el 485 West Matheson Drive en Key Biscayne,  o sea, en Cayo Vizcaíno para entendernos en Florida, como los interiores y piscina de la casa de Frank López  igualmente en el famoso Ocean Drive de Miami Beach, en la Southwest 130th Avenue, de Davie,  que es el exterior del Club Babylon. Igualmente en el South Beach de Miami Beach, en la Piscina del Fontainebleau que es el Hilton Resort en Collins Avenue,   en el Condominio Atlantis, en Avenida Brickell, en Miami. Por último también se rodó en Nueva York, en concreto en Tudor City,

La película fue rodada en 24 semanas extrendiendose desde el 22 de noviembre de 1982 al 6 de mayo de 1983.

Los efectos especiales fueron realizados por Ken Pepiot y Stan Parks. Al Pacino le pidió al director de fotografía John A. Alonzo que le hablara sólo en español.

Scarface recibió una calificación X  por violencia extrema, lenguaje fuerte y uso de drogas duras. La calificación restrictiva estaba más asociada con la pornografía en ese momento, y limitó el número de cines dispuestos a proyectar una película y restringió la publicidad promocional, lo que pudo afectar negativamente cualquier recaudación de taquilla.

Como parte de esta calificación estaba en la escena de la motosierra, aunque todo queda  fuera de la pantalla, De Palma hizo ediciones a la escena y la volvió a presentar a la Motion Picture Association of America (MPAA), pero de nuevo recibió una calificación X. Hizo nuevas ediciones y la volvió a presentar de tres a cinco veces antes de negarse a editar la película, diciéndole a la Universal que la lanzara en su forma actual o que la reemplazara con alguien que la editaría. Universal optó por apelar la decisión de la MPAA.

El presidente del estudio, Robert Rehme, asistió a la audiencia presidida por su amigo MPAA, el presidente Jack Valenti .

Entre los que hablaron en nombre de la película durante la apelación fueron el crítico de cine Roger Ebert , el jefe de la división del crimen organizado del Condado de Broward, y el jefe de una importante cadena de teatro llamada Alan Friedberg. El miembro de la MPAA, Richard Heffner, admitió más tarde que podría haber luchado más duro para conservar la calificación X, pero creía que Valenti no apoyaba la decisión, ya que no quería alienar a los grandes estudios cinematográficos. La decisión fue abrumadoramente a favor de la liberación de la película con una clasificación R menos restrictiva. En respuesta, De Palma argumentó que, si la última versión de la película se consideraba ahora un R. La MPAA le dijo a De Palma que sólo su última edición sería certificada como una R. De Palma creía que los cambios eran tan leves que nadie se daría cuenta si lanzó su versión original de todos modos, lo que finalmente hizo. Tan sólo hasta varios meses después de distribuirse la película en vídeo, reconoció que había comercializado sin editar su primera versión de la película.

Scarface se estrenó el 1 de diciembre de 1983 en Nueva York , donde fue recibido inicialmente con una reacción mixta, pero inició el camino para alcanzar una recaudación final de  casi 66 millones de dólares. Scarface fue lanzado el 9 de diciembre de 1983 ya en todo el país y a escala mundial.   Scarface fue  la 16ª película de mayor recaudación  de 1983.

En aquel estreno de primero de diciembre de 1993 asistieron grandes las estrellas de la película, Al Pacino y Steven Bauer, y fueron acompañadas por Burt y Diane Lane , Melanie Griffith , Raquel Welch , Joan Collins , su novio Peter Holm y Eddie Murphy , entre otros.

Con el tiempo la película se relanzó en su  20 aniversario, en 2003, donde  contó con una banda sonora remasterizada con efectos de sonido mejorados y música.

En los años que siguieron, la película ha recibido la reevaluación de los críticos, considerado por alguno como una de las mejores películas de la historia del cine. Guionistas y directores como Martin Scorsese la han elogiado y , además, se ha convertido en un icono de la cultura pop, sobre todo en el mundo de la  música, especialmente el rap o el incipiente  hip hop , en cómics y videojuegos entre ellos sirvió de inspiración para el premiado videojuego del año 2002 Grand Theft Auto: Vice City , que tenía lugar en   la década de 1980 en Miami y presentó la música de la banda sonora de la película, así como una recreación de Montana Palace. Scarface consiguió su producto en 2006 con dos productos Scarface: El mundo es   suyo y Scarface: Dinero. Poder. El respeto.

La película sirvió a Al Pacino en la consolidación de su "status", pues  ya era un actor exitoso y establecido, de hecho Brian de palma le permitió incluir elementos propios como la palabra "yeyo" usada por Tony Montana como una palabra de argot para la cocaína. Esta palabra no estaba en el guión y fue añadida por Pacino durante la primera escena de la droga y Brian De Palma lo gustó bastante para seguir utilizándolo a través de la película. También incluyó la escena de colocarse la pamela de Elvira en el coche que no estaba en el guión. Pacino aprendió la palabra mientras aprendía el acento cubano.Al Pacino dijo que Tony Montana ha sido uno de sus personajes favoritos. Por otro lado, Scarface ayudó a lanzar las carreras de Pfeiffer y Mastrantonio, ambas relativamente desconocidas.

Para la revista Entertainment Weekly la película está clasificada en octavo lugar en su lista de "The Top 50 Cult Films", y en Empire Magazine lo colocó entre las 500 mejores películas de todos los tiempos, en # 284.

En 2009, la película total lo enumeró en el número 9 en su lista de las mejores 30 películas sobre gángster.

La recepción inicial de la crítica puede considerarse como mixta. Las críticas se centraron en la violencia excesiva y el uso de drogas gráficas. Algunos cubanos expatriados en Miami se opusieron a la película de la representación de los cubanos como criminales y narcotraficantes.

A pesar de eso obtuvo buenos y malos premios ya que hubo de todo- En los Globos de Oro del año 1984 fue candidata a los mismos en cuatro categorías: al mejor actor de drama para Al Pacino ; al mejor actor de reparto para Steven Bauer; a la mejor banda sonora, la de  Giorgio Moroder. Fue nominado al Premio Golden Reel a la Mejor Edición de Sonido en la persona de Maurice Schell. Sin embargo, en las películas de ese año de 1983 fue nominada a los Premios Razzie al  Peor director .

Al entrenarse Scorsese se volvió hacia el actor que hizo de Manny ,  Bauer , y le dijo: "Ustedes son geniales, pero estén preparados, porque van a odiarlos en Hollywood ... porque se trata de ellos".

El sitio Web de agregación de críticas Rotten Tomatoes le da hoy un grado de aprobación del 83% en base a 65 críticas , con una calificación promedio de 7,5 de 10 . En Metacritic le da una puntuación media de 65/100. La película forma parte del AFI's y está dentro del 10 Top 10 en la categoría "películas de gángsters". la película está incluida entre las "1001 películas que usted debe ver antes de que usted muera",de Steven Schneider .

Roger Ebert calificó a cuatro estrellas de cuatro en su revisión de 1983, y más tarde lo añadió a su lista de "Grandes Películas".  Ebert escribió sobre ella que "DePalma y su escritor, Oliver Stone, han creado una galería de personas específicas, y una de las fascinaciones de la película es que no estamos viendo clichés de película criminal, estamos viendo a gente que está Criminales ".  El crítico de Illinois sostenía que "'El precio del poder' es una de esas películas especiales, como 'El Padrino', que está dispuesta a tomar a un mal hombre imperfecto y permitirle ser humano. (...)

Vincent Canby elogió la película en su artículo del New York Times : "El estado de ánimo dominante de la película es ... sombrío y inútil: lo que sube siempre debe bajar." Cuando cae en Scarface, el accidente es tan aterrador como Es vívido y sorprendente ".El columnista del The New York Times proseguía en su crónica de diciembre del 83 con lo siguiente 'El precio del poder' es la película más elegante y provocativa - y tal vez la más viciosa - sobre el inframundo americano desde 'El Padrino' de Francis Ford Coppola".

En otro diario neoyorkino  New York Daily News , Kathleen Carroll comentaba que "La película reduce un problema verdaderamente grave, el éxito alarmante de los traficantes de Miami (...) [Montana] sólo es una caricatura de un monstruo, una excusa para que De Palma exhiba su talento para escenificar tiroteos."

Leonard Maltin fue uno de los críticos que sostuvieron una opinión negativa de Scarface, afirmando que Scarface "se revuelca en exceso y desagradable durante casi tres horas , y no ofrece nuevas ideas excepto que el crimen no paga. Maltin incluyó un addendum a su revisión en ediciones posteriores de su guía anual de la película , indicando su sorpresa con la nueva fama de la película convertida ahora en un film de culto-clásico.

En su crítica para Newsweek , David Ansen escribió: "Si Scarface te hace estremecer, es de lo que crees que ves y de la tensión acumulada de este paisaje salvaje. Es un entretenimiento grandioso, superficial y decadente, que como todas las buenas películas de gángsters de Hollywood Ofrece el punzón y contrapunto de glamour y disgusto ".

Jay Scott escribía en su crítica para el Globe and Mail : "Por un tiempo, Al Pacino es hipnótico como Montana, pero el esfuerzo se dedicó al impecable acento cubano ya los intentos de dar cuerpo a un personaje cortado en cartulina gruesa No tienen esperanza ".

En su crítica para el Washington Post , Gary Arnold escribió: "Una película que aparecía con la intención de revelar una subcultura alarmantemente contemporánea criminal gradualmente vuelve a cliché del submundo, cubriendo sus pistas derivadas con una decoración escandalosa y un apocalíptico final de número de producción ingeniosamente Coreografiado para dejar al antihéroe flotando boca abajo en un baño de sangre literal ".

En   Variety se decía que "Todas las interpretaciones son extremadamente eficaces, con Pacino a la cabeza."

En el  Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas de The Guardian añadía lo siguiente: "Sigue siendo una película de visionado obligatorio por la potente e influyente interpretación de Pacino.(...)".

En las páginas de Empire se destacaban que "Las actuaciones son excelentes, y a pesar de su conclusión moralista, la película se ha vuelto obligatoria para magnates expertos, que saben cuándo una película de acción es buena (…) "

Por su parte, la BBC dijo de ella que "De un guion de Oliver Stone que no deja hueco para el tedio (...) Es una película de los 80 que retrata, no el declive moral (...) sino el egocentrismo imparable (…) "

Tom Huddleston en la edición británica de Time Out sostenía que la película es "Un desvergonzado estudio sobre el crimen sádico y egoísta, con todo lo mejor. (...)  "

En  España Fernando Morales en El País decía que era un "Filme sumamente violento con un guión demasiado complicado (...) maravillosa banda sonora de Moroder. Lo mejor, sus cuidadísimas interpretaciones".

Más me interesa la opinión de Guillermo Cabrera Infante que en Cine y Sardina le dedicó un capítulo entero que  tituló "La otra Caracortada". Tras hablarnos de la versión original en un primer momento,  el cubano sostiene que "La presente Caracortada, es cierto,omite la antigua metáfora del poder por el dinero expresado en el aprecio al lujo con la repetición sinuosa de la frase "Expensive, eh?" de la versión original asumida por Paul Muni.

Para Cabrera Infante "la transferencia de cetro...la toma del poder por Al Pacino  no se completa , como en la primera caracortada con  la conquista pacífica de la chica del jefe , que antecedía  a su muerte violenta. Esta vez la muñeca sajona de ojos septentrionales detesta tanto a su primer amante como a su actual marido: los dos son sólo escoria para dar cuerpo a la coca. la actual camada cubana en el exilio es para ella más despreciable porque ha llegado a Miami, a su sociedad, a su cresta  de la última ola de miseria humana  epelida casi como materia fecal al mar, al mal. Pacino nunca conuistará a esta muñeca rubia de mirada azul, entre otras cosas porque no está interesado en la conquista amorosa sino sólo en la posesión física: su mujer es su casa y entre en ella como su amo. Ambos, sin embargo, están unidos por el impoluto cordón blanco de la coca". ...La coca es vida  muerte. Como dice uno de los cocaineros  del film: " En este negocio sucio uno puede hacerse muy rico o terminar muy muerto". Al Pacino sufre ambas metamorfosis y termina en un sepulcro blanco".

Continua el premio Cervantes en que esta "Caracortada 84 tiene por sede secreta a la Little Havana de Miami  y por antihéroe a Tony Montana, un cubano expelido  de Cuba por el Mariel. El marielito, al presentar sus credenciales al principio de la película , asegura que aprendió inglés viendo película de gánsters. Este género de cine se había convertido en una educación".

Cabrera Infante valora el final de la película y comenta que "Al finar de nuestra Caracortada hay un ataque silencioso a la guarida del gran gángster por una chusma sigilosa, pero el fin termino entre el estruendo de la violencia armada" Y prosigue diciendo que "Algunos críticos han protestado por esta larga lucha letal. Para mi no es más que el paroxismo del melodrama que quiere set tragedia. Tony Montana muere acribillado a balazos, entre espasmos que recuerdan el orgasmo que nunca tuvo cuando fornicaba con su muñeca de matón,... Es más este coito con coca no se ve nunca. Ni siquiera los vemos a los dos en la cama y Montana se solaza solo en el baño. Caracortada es, para este tiempo, una película sin sexo.

Indudablemente, esta nueva versión de Scarface no gustó al crítico cubano y se expresa perfectamente en estos términos ""...No es la violencia ni la sangre derramada ni siquiera el sucio sadismo lo que nos molesta de Caracortada, sino su exagerado sentido de la vida y de la muerte. Su protagonista, Tony Montana, no se contenta con coger cocaína ...sino que aspira , literalmente, montañas  del codiciado polvo blanco. Aquí el héroe es una exagerada versión del machismo ...y la única heroína es la coca. Con Tony Montana, el marielito, el cubano, el nuevo Al Capone , lo trash es realmente trashcendente".

Y concluye "la única inocencia posible para Montana es la del salvaje- y no precisamente la de un noble salvaje sino la de una bestia... El único contacto visible de Montana con el arte es haber visto en Cuna castrista viejas películas de Cagney y Bogart por televisión. Proviene de la cultura popular y eso lo ha convertido en un hombre de acción. Su única diversión son los vicios: la cocaían o fumar un puro enorme sumergido en el baño de espuma blanca en su inmensa  bañera barroca y dorada... Montana es un hombre que huye, un criminal con prisa. Solo la madre de Montana  escapa de la contaminación. Entre el dinero y el oropel y el vicio no hay lugar ( ni tiempo) para la virtud. Ni siquiera para la ley y el orden.

Lo único que elogia el cubano y que supone la redención de Tony Montana es el negarse a matar a un testigo peligroso al verlo acompañado de su mujer y sus hijos, pero el contexto de la película lo presenta como un comportamiento inexplicable , absurdo.

A final Cabrera Infante justifica el haber escrito de manera detallada sobre la película por una razón: es una buena muestra de lo que es el arte popular  que no quiere ser considerado como otra cosa que entretenimiento puro. En este sentido Caracortada tiene tanto que ver con la sociedad ( o con la vida en Miami  y el contrabando de coca o la moral al uso) como tenían que ver  con la realidad otras películas de Brian de Palma. De  Palma  ha seguido la regla de oro del arte: nadie que se considera artista piensa que el arte tiene que ofrecer soluciones o plantear problemas...Si Caracortada  califica como arte es porque es la reproducción de una obra de arte anterior, Scarface, que tenía que ver con el mundo gangsteril lo que tenía que ver la relación incestuosa de sus protagonistas con Lucrecia Borgia y su Cesare,..."  aquí en el reflejo de Gina y Tony.

A destacar que en lugar de utilizar la música del período en el que la película se estableció, la música genérica en Scarface fue producido por el galardonado productor  y compositor italiano  Giorgio Moroder, ganador como compositor de tres premios Oscar  . Desde mi punto de vista en la misma el estilo de Moroder, hoy lastra la película por el sonido de sus sintetizadores y secuenciadores que le dan un sonido muy particular, pero que lo atan a una época. Era su séptima incursión en una banda sonora que centró su trabajo desde finales de los 70 a 1990.  

De Palma dice que se ha negado repetidamente las peticiones de Universal de lanzar la película con una puntuación "pop" e incluso "rap" ispiradas en la película porque considera que la puntuación de Moroder es adecuada.

Universal anunció en 2011 que el estudio está desarrollando una nueva versión de Scarface . El estudio afirmó que la nueva película no es ni una secuela ni un remake, sino que tomará elementos de esta versión y de su predecesora de 1932, incluyendo la premisa básica: un hombre que se convierte en un pivote en su búsqueda del sueño americano . El neoyorkino Martin Bregman , ahora con 92 años, al parecer estaba interesado en un guión de David Ayer ,  y se pensó en David Yates   para dirigir la película.

El 24 de marzo de 2014, TheWrap informó que Pablo Larraín estaba en negociaciones para dirigir la película, junto con Paul Attanasio escribiendo el guión de la película. La actualización de la película será una historia original ambientada en el moderno Los Angeles que sigue al ascenso de un inmigrante mexicano en el inframundo criminal mientras se esfuerza por el Sueño Americano. Más tarde se pensó en Jonathan Herman -marzo de 2015.  para volver a escribir ambos borradores del guión. Entiendo que sería cerrar el círculo de su relación con Scarface y sus vínculos con este universo cinematográfico. Una especie de legado que podría pasar a su hijo Michael involucrado, por ejemplo, en una historia con la que se comunica Carlito´s way de la que fue productor.

El 10 de agosto de 2016, Deadline.com informó que Antoine Fuqua estaba en conversaciones para dirigir la película.  El 28 de septiembre de 2016, Variety informó que Terence Winter escribiría el guión de la película.

En enero de 2017, Fuqua abandonó el proyecto y Diego Luna fue elegido como protagonista.  El 10 de febrero de 2017, se anunció que la película será lanzada en cines el 10 de agosto de 2018, con el guión de la película escrito por los hermanos Coen .

Para acabar con la película y el tema de los marielitos cubanos he leído que ya en este milenio se han devuelto algunos de estos  marielitos a Cuba. Una cifra de 1999 fueron devueltos a Cuba desde las cárceles de los Estados Unidos.

En el año 2005, alrededor de 700 marielitos que permanecían encarcelados a pesar de haber cumplido sus condenas tuvieron que ser liberados. Una decisión del Tribunal Supremo de Estados Unidos, prohibió las detenciones indefinidas de personas que no podían ser devueltas a su país de origen.

Pero como  dijo en su artículo Guillermo  Cabrera Infante,  Tony Montana nunca existió. Sólo existe ahora cada vez que se proyecte la cinta: entre luces y sobras de un cine o en la pantalla de un televisor. Desde mi punto de vista, con los matices ya señalados, muy recomendable.


domingo, 25 de junio de 2017

The Brave


Los indígenas de los Estados Unidos, también conocidos popularmente como Native American (Nativo Americanos), representan las etnias amerindias que viven en los Estados Unidos. Su número de individuos varía en cuanto a número de personas, lo que influye a su vez en temas tales como las personas que hablan una lengua amerindia. 

En Estados Unidos lo que sí llama la atención es la enorme diversidad existente y el hecho de identificarse y protegerse a través de la Ley de Auto-Determinación del Indio y Asistencia a la Educación del año 1975 que reconoce la necesidad de autodeterminación para los nativos americanos. Esta autodeterminación no tiene nada que ver con las exigencias que aparecen en algunos países europeos que me suenan , sino con reconocer el derecho a formar un gobierno propio, cumplir las leyes (tanto civiles como penales), los impuestos, establecer los requisitos para la adhesión, autorizar y reglamentar las actividades en una determinada zona o para excluir a las personas de los territorios tribales. Las limitaciones a los poderes tribales de gobierno autónomo son las mismas limitaciones aplicables a los estados,; por ejemplo, ni las tribus ni los estados tienen el poder de hacer la guerra, participar en las relaciones exteriores, o acuñar moneda. 

En los actuales Estados Unidos se reconocen 562 gobiernos tribales reconocidos a nivel federal. Pero el hecho de ser reconocidos como nación no implica que sus relaciones con el Gobierno Federal sea a través de un Secretario de Estado sino a través de una Oficina , la Oficina de Asuntos Indígenas. La función de esa Oficina de Asuntos Indígenas es la administración y gestión de 55.700.000 hectáreas (225.000 km2) de tierra en fideicomiso existentes en los Estados Unidos para los indios americanos, tribus indígenas y los nativos de Alaska." 

El estatuto interno de los amerindios depende del estado en el que se encuentren. Los amerindios de los EE. UU. se encuentran internados en reservas, que son una especie de territorios autónomos dependientes del gobierno federal. Estas reservas son en muchos casos el espacio en que aún se conservan sus lenguas indígenas autóctonas . 

En la actualidad en Estados Unidos se calcula que entre 300.000 y 400.000 indígenas hablan algunas de las 135 lenguas nativas supervivientes en el territorio. El número de indígenas hablantes está muy por debajo del número de personas de etnias nativa americana, debido a que en muchas familias han ido relegando e incluso olvidando su lengua materna en favor del inglés. 

Hace dos años en Arizona tuve la oportunidad de descubrir que todavía en algunos lugares de Estados Unidos los nativos americanos hablaban su idioma, pero usando como lengua franca el inglés. Como ya he contado en alguna ocasión rompí una rueda en Flagstag. Allí tuve que buscarme la vida en una gasolinera que regentaba una nativa americana. Digamos, aunque no lo sé con seguridad que era de la nación navajo. En la larga, a mi se hizo largísima, espera, ella fue la que contactó con el seguro, la que nos explicó la solución y la que me ayudó a salir del atolladero. 

Durante la espera, de vez en cuando entraba nativos que hablaban su lengua materna. Una extraña sensación de inmersión tuve durante esas dos horas de espera en aquel domingo de julio. Nativo americano fue igualmente la persona del taller en la que me arreglaron en coche y el que me explicó como solventaría la documentación directamente en el aeropuerto de San Francisco, como así fue. 

Lo cierto que en mi periplo por Montana, Wyoming, Nevada, Arizona y California, fueron varios los indígenas que pude ver y en algún caso escuchar. A veces, vi que su situación sociolaboral o personal no parecía la mejor. Pude ver igualmente que vivían en caravanas que se agrupaban en las cercanas vías del tren de aquella localidad del estado de Arizona y que estaban en paralelo a la ruta 66 . 

Pues bien, la situación de marginalidad que viven algunos miembros de esta comunidad es lo que mueve, en parte, la película The Brave, una película dirigida, producida y escrita por Johnny Depp. Hasta el momento, creo, que ha sido su primera y última película y que contó con una de las últimas apariciones en el cine de uno de los grandes de la interpretación, Marlon Brando ya muy envejecido.

Se trata de una película en la que la presencia de Johnny Depp está en casi todo incluyendo en la producción que es asumida igualmente por Charles Evans, Jr. y Carroll Kemp representantes de las productoras Majestic Films , Jeremy Thomas, Inmotion Productions y Acappella Pictures que lograron reunir un presupuesto de unos 6 millones de dólares. El guión de la misma es de Johnny Depp, Paul McCudden y el hermano de Johnny , DP Depp. Dicho guión parte de una obra literaria basada en la novela The Brave escrita por Gregory McDonald. 

La banda sonora es de un amigo del director, el músico Iggy Pop que , por cierto hace un breve cameo casi al final de la misma comiendo durante la fiesta que organiza el protagonista. 

La fotografía fue obra de Vilko Filač , aunque también aparece como ayudante Eugene D. Shlugleit. El montaje fue realizado por Pascale Buba y Hervé Schneid. 

El reparto está formado por Johnny Depp como Raphael, Marshall Bell como Larry, Elpidia Carrillo como Rita, Frederic Forrest como Lou Sr., Clarence Williams III como el Padre Stratton, Max Perlich como Lou Jr., Luis Guzmán como Luis, Cody Lightning como Frankie, Nicole Mancera como Marta, Floyd Red Crow Westerman como Papa, Pepe Serna como Alessandro, Lupe Ontiveros como Maria, Alexis Cruz como Heyman, Chuck E. Weiss como Whizzy y la aparición especial de Marlon Brando como McCarthy. 

La historia se centra en Raphael (Johnny Depp), un joven indio que vive con su esposa, Rita, y sus dos niños, Frankie y Martha, de unos diez y seis años, respectivamente. Todos viven en Morgandown, un pueblecito de chabolas asentado a los pies de un vertedero, en la más absoluta miseria. Raphael ha pasado por la cárcel por desórdenes públicos y por sus problemas con la bebida , problema que todavía no ha superado, pero quiere mucho a Rita y a los niños, y un día, asqueado por la vida que lleva y obliga a llevar a sus hijos decide marchar a buscar trabajo en la ciudad para la que se desplaza en un autobús público. 

Mientras que se desplaza ve como están levantando nuevos viviendas en las cercanías de la localidad. Sabe que su futuro está en otro sitio, puesto que sabe que una gran empresa estatal ha comprado las tierras del vertedero y va a demoler las viviendas cercanas al vertedero. Raphael en ese nuevo viaje está decidido a hacer todo lo que esté en sus manos por sacar adelante a sus hijos y a su mujer del pueblo y sobre todo de la miseria. 

Cuando va a un almacén donde se ofrece el trabajo, el "gerente" le pregunta que cómo se ha enterado del mismo. Raphael reconoce que ha sido en una conversación casual en un bar dónde se ha enterado de que un tipo está ofreciendo alguna clase de trabajo misterioso a gente desesperada, en la ruina y con antecedentes. Por el mismo les dará mucho dinero y tras ese  día de trabajo, ya nadie sabrá nada más de ellos. 

Raphael decide que cumple todas las características Allí, el gerente le toma el nombre y le hace algunas preguntas. Tras ver que reúne el perfil, le introducen por detrás de una pared por medio de un panel secreto y le bajan en un montacargas a un sótano donde es recibido por un anciano en silla de ruedas (Marlon Brando). Éste le dice que desea ver y retratar a alguien muriendo de forma muy dolorosa antes de morir . 

El trabajo consiste en el rodaje de una "snuff movie". El macabro anciano lo compara con las parturientas: la cara perlada de sudor, contorsionada de dolor y angustia, pero con destellos de felicidad en la mirada. Ellas, normalmente porque lo han deseado, y él, que es el candidato perfecto, porque lo hace por alguien muy importante para él. Por su trabajo recibiría unos cincuenta mil dólares y le dice que le pagará más cuando vuelva, más cuanto más tiempo resista el dolor, pues el trabajo consiste en dejarse torturar y asesinar. 

Raphael acepta, coge el dinero y se va. Desde ese momento Raphael intenta satisfacer las necesidades vitales de su familia en lo que le queda de vida lo dedica, gracias al dinero cobrado, y sobre todo, en esta semana contra el tiempo, quiere demostrar el amor que siente por su familia y sus amigos y darles una oportunidad para una vida mejor. 

En esa semana Raphael aprovecha el dinero para comprar alimentos, juguetes para sus hijos, ropa para su mujer y organiza una gran fiesta para toda la comunidad. La única persona que sabe lo que va a ocurrir es el extraño gerente que lo amenaza con matar a toda la familia en caso de que no cumpla, su viejo amigo Luis (Luis Guzmán), que le exige parte del dinero cobrado previamente como el extorsionador que es, su padre que hablará con él tras asesinar a Luis cuando éste ha agredido a su mujer y ha intentado violarla y el sacerdote que ha de confesarlo y que es consciente de que lo que ha hecho es algo así como venderle el alma al diablo. 

Finalmente, antes se despide de su familia mientras abandona los barracas de autoconstrucción ante la mirada del sacerdote, dejando a su familia durmiendo. 

Tras ello vuelve al almacén para ser torturado y asesinado frente a la cámara. Un fundido en negro dentro del almacén pone fin a la misma. 

La película fue rodada en Los Ángeles y en Ridgecrest, ambas en la parte más desértica de la caldeada California en 1996. 

The Brave supuso el debut en la dirección de Johnny Deep y desde entonces no ha vuelto a ponerse detrás de las cámaras . Depp asegura que eligió dirigir este film porque "habla del mayor sacrificio que se puede hacer en esta vida. Nos pasamos la vida diciendo que seríamos capaces de morir por nuestra familia, que mataríamos por ellos. ¿Pero lo haríamos en serio? ¿Se puede llegar a querer tanto a alguien?". Mientras la presentaba en Cannes  afirmó "The Brave es una historia sobre la dignidad y la espiritualidad de la gente expulsada de la historia de mi país, arrojada a los vertederos de una sociedad que los exprime y luego los echa y aplasta como si fueran insectos. Pero son hombres genuinos y algunos de ellos, como mi personaje, tienen un sagrado sentido del sacrificio: saben amar y dar la vida por quienes aman". 

Para la banda sonora contó con la música de Iggy Pop, quien hizo una banda sonora consistente en crear ambientes o atmósferas . 

La película tiene algunas escenas interesantes, rodadas desde perspectivas sugerentes como cuando sube por la escalera de almacén, o las vistas desde la montaña de basura del estercolero, o algunas imágenes propias de la naturaleza árida california. A destacar la escena del encuentro entre Marlon Brando y Johnny Depp, actores que habían coincido en Don Juan de Marco  o las charlas que denotan la buena relación entre padre e hijo y al protagonista con su mujer que acaban resultando interesantes o la lucha a muerte con Luis  Pero en su conjunto  la película pudiera ser un ejercicio fallido al que le falta cohesión. A destacar un par de cosas, el primer diálogo en la película  comienza diez minutos iniciada la película y , por lo curioso, destacar el cameo de Iggy Pop durante la fiesta.

La :película está hecha a base de silencios, con un drama que se desesmascará en el tramo final del mismo y una emotividad basada en las razones familiares. 

En cuanto a la crítica la película tiene actualmente una aprobación de 33% en Rotten Tomatoes y 6.5 en IMDb. 

Fue presentada en mayo del 97 en el Festival de Cannes , en la selección oficial del Festival de Cannes de 1997. La película se estrenó en los cines y en DVD a nivel internacional, - en España lo hizo el 3 de julio de 1998- pero no en los Estados Unidos. 

Antonio Weinrichter en Cinemanía dijo de ella que "Depp debuta en la dirección con una película sobre las snuff-movies, y por lo menos no ha hecho el indio" 

Para Miguel Ángel Palomo en las páginas de El País se trataba de "Una obra de hondura admirable y excelente rigor narrativo. (...) Complejo y, sobre todo, diferente, es un filme que mereció mejor suerte comercial." 

Un estudio más detallado fue el realizado por Ángel Fernández Santos también en El País . El articulista, asistente al estreno en Cannes, nos dice que "The Brave, primera incursión del actor Johnny Depp detrás de la cámara, parece destinada a alcanzar resonancias minoritarias seguras, aunque es dudoso que obtenga un premio de los grandes, a la altura de las ambiciones de este proyecto. Y prosigue diciendo "La actuación de Depp es magnífica, tal vez su mejor trabajo interpretativo; y el paso, fugaz pero intensísimo, de Marlon Brando por la primera y la última escena de la película otorgan a éstas el peculiar poder irradiador que caracteriza a este actor, ya convertido en una leyenda viviente de la historia del cine. Prácticamente sin moverse, Brando otorga a su diabólico personaje esa peculiar pegada seca y exacta a la cámara que sólo él posee. Es sólo una presencia de alrededor de cinco minutos, pero tan fuerte y contagiosa que impregna a las dos horas que separan el arranque y el final de esta extraña historia". 

Y añade " El resto de The Brave está invadido por un Johnny Depp que se autodirige con (sorprendente en un novato) contención y trazo firme en su interrelación con los otros intérpretes, todos excelentes. Es The Brave una historia oscura y enigmática, muy hermosa si se la rebobina interiormente una vez terminada la película, pero que incurre en arritmias y dilaciones graves en la graduación y la armazón de la secuencia, lo que nos obliga, tras quitarnos el sombrero ante Depp actor y director, a volvérnoslo a poner ante Depp guionista. La bella (atroz y tierna al mi , sino tiempo) metáfora está graduada sin orden ni timón, ya que hace falta que nos adentremos más. de una hora en el relato para percatarnos de lo que está ocurriendo en él, tiempo de perplejidad y desorientación que fatiga e invita a irse a la calle al espectador. 

Acaba diciendo "Depp olvida una regla inviolable de la escritura cinematográfica que formuló Billy Wilder: la que ordena a la pantalla situar con toda exactitud al espectador en los 15 o 20 primeros minutos de la duración de una intriga. Y paga un alto peaje por este olvido, pues el excesivo alargamiento por Depp del tiempo de acceso al enigma que intenta expresar hace que la tardía llegada de éste coja al espectador desconectado del hilo de interés y con la receptividad emocional muy gastada. Y, de esta manera, cuando nos encontramos a media película pasada, es cuando realmente comenzamos a verla y vivirla. Luego, en los tres cuartos de hora finales, levantamos los ojos del suelo y los clavamos en la pantalla. Es ya irremediablemente tarde, pero en todo caso mejor que nunca, pues entonces recuperamos poco a poco la perturbadora fuerza de la escena inicial y por fin remontamos el vuelo hacia una zona de desenlace que ciertamente tiene gran calado poético".

El director y estrella Johnny Depp se quedó tan profundamente molesto por las críticas negativas de los críticos estadounidenses que asistieron a la exhibición en el Festival de Cine de Cannes que  se negó a lanzar la película en los Estados Unidos. 

Lo cierto es que estamos ante una película con una   gran carga social, con una estupenda y lumonisa fotografía y con un buen acompañamiento  musical. Es en  el fondo una reflexión sobre la importancia de la familia y la necesidad de darle en buen futuro.

Hay algunas personas que entienden que la película tenía mucho de los padres "putativoscinematográficos" de Depp como son  Emir Kusturica y Tim Burton, pero otros lo acercan más a las obsesiones de David Lynch o Arturo Ripstein conteniendo , además, algo del espiritualismo nativo americano, así como de todos aquellos, especialmente , en los muchos hispanos que malviven en un basurero. Los honestos  parecen los verdaderos "Braves" de la historia como siempre recordaré a la persona de aquella nación que me ayudó.