jueves, 23 de febrero de 2017

La semilla del diablo


Rubén Amón, hace unas semanas escribía en el dio El País que hablar de Polanski era hablar de un director, en muchos sentidos, maldito. Y no sólo debido a qué el cineasta francopolaco a sus 83 años sea un fugitivo para la justicia estadounidense —tras ser acusado de violación, un delito que no prescribe en Estados Unidos—, sino porque cualquier reconocimiento de su trayectoria engendra irritación. La prueba está relataba el periodista y aficionado al Atlético de Madrid que la Academia Francesa ha sucumbido a las presiones del movimiento feminista que le han forzado a renunciar a la presidencia de los Premios César.

Esto ha ocurrido días antes de la gala del cine francés programada el 24 de febrero, día posterior a la película de Polanski que he visto , que lleva por título, Rosemary's Baby aquí conocida como La semilla del diablo. Todo esto se ha debido a las declaraciones de la ministra de los Derechos de las Mujeres, Laurence Rossignol, según la cual al cineasta le protege una omertá corporativa que frivoliza con el delito de violación. Polanski nunca negó el delito cometido en 1977. Un delito cometido a una chica de 13 años, Samantha Geimer, que además había sido drogada y por lo fue sentenciado como culpable de haber mantenido relaciones ilícitas con una menor

Por el mismo fue juzgado y llegó a un acuerdo con la Fiscalía y la víctima y pasó 42 días a "la sombra", lo que evidentemente fue visto como una pena testimonial. Sin embargo la revisión del caso convirtió a Roman Polanski en prófugo de la justicia. Por eso no pudo recoger el Oscar de El pianista en 2002 y por la misma razón fue arrestado en Zúrich en 2009, aunque el Estado suizo se resistió a extraditarlo a EE UU.

Lo cierto es que la persecución permanece activa, casi a escala planetaria como se vio en 2016 cuando el Supremo polaco renunció a la iniciativa de reabrir el dosier. Lo había reclamado un tribunal local esgrimiendo que cineasta formado en la famosa escuela de cine de Lodz “no debía estar por encima de la ley”, una ley que no tiene en cuenta el tiempo transcurrido desde el delito (40 años) y a la diferencia que pueda existir entre la carrera de un director de cine (la obra) y el historial penal (la vida). No es un eximente que su madre muriera en el campo de exterminio nazi de Ausch­witz o que su segunda esposa, Sharon Tate, fuese asesinada por la secta o familia de Charles Mason en 1969.Siete años después sobrevino la violación de Samantha Geimer. La víctima perdonó a Polanski. Y llegó a escribir un artículo en la revista Time en 2003 donde pedía que se dejara en paz al cineasta. “Ni tengo rencor ni tengo simpatía hacia él. Es un extraño”. A Polanski sólo tuvo posibilidad de hacer la muy aclamada Chinatown (1974), pues cuando debía volver a prisión cogió un vuelo en secreto a Londres, y otro inmediato a París, y no ha vuelto a pisar suelo estadounidense.

Tras salir de su Polonia natal, Polanski vivió y trabajó inicialmente en el Reino Unido, donde pudo realizar Repulsión (1965), Callejón sin salida (1966), que ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín, y El baile de los vampiros (1967). Para su siguiente película, Polanski marchó a los Estados Unidos y allí rodó esta película de terror-dramática de 1968 escrita por el mismo y que lanzó a estrellato a una jovencísima y famélica Mia Farrow.

La película está basada en la novela homónima del escritor de suspense neoyorkino Ira Levin, fallecido en 2007, aunque el guión fue adaptado por el director polaco. De cualquier manera Ira Levin declaró que era "la adaptación más fiel de una novela que salió de Hollywood".

Se trataba de una producción de William Castle a través de su productora William Castle Productions y que contaba con el apoyo en la distribución de Paramount Pictures gracias al apoyo del productor ejecutivo de la Paramount Pictures, Robert Evans, que contó con la colaboración del diseñador de producción, Richard Sylbert,  La película contó con un presupuesto de US$3.200.000.

En la misma Roman Polański contó con parte de su equipo , entre ellos el músico y paisano Krzysztof Komeda que fallecía poco después, en abril de 1969 , muriendo en un accidente. Era el preludio de una serie de desgracias que se cebarían con el director polaco en un futuro muy cercano. Junto a Komeda contará con la fotografía de William A. Fraker y el montaje Sam O'Steen y Bob Wyman. Vidal Sassoon fue al set para arreglar el pelo de Farrow ,aunque en la primera parte de la película fue diseñada por el famoso estilista Sydney Guilaroff.

La protagonista de la historia es Mia Farrow como Rosemary Woodhouse junto con el que hace de su esposo John Cassavetes como Guy Woodhouse. Con ellos participan igualmente Ruth Gordon como Minnie Castevet, Sidney Blackmer como Roman Castevet, Maurice Evans como Edward 'Hutch' Hutchins, Clay Tanner como Satanás, Ralph Bellamy como Dr. Abraham Sapirstein, Victoria Vetri o Angela Dorian como Terry Gionoffrio, Patsy Kelly como Laura-Louise, Elisha Cook, Jr. como Sr. Nicklas, Emmaline Henry como Elise Dunstan. También sale en la película Charles Grodin.

La historia se desarrolla en Nueva York. Los protagonistas son los Woodhouse, un matrimonio neoyorquino, formado por Rosemary Woodhouse (Mia Farrow), una joven ama de casa que está casada con el actor de teatro Guy Woodhouse (John Cassavetes). Ambos deciden mudarse a un edificio situado frente a Central Park.

La pareja se instala en un apartamento de la Casa Bramford, antiguo edificio de apartamentos en el centro de Manhattan, aunque desconociendo en profundidad que el apartamento tiene una leyenda un tanto sórdida debido a las siniestras reputaciones de algunos antiguos residentes que han muerto en el mismo. Rosemary es un chica joven y alegre, a la que le gusta su casa y que anhela tener un bebé con Guy, quien por su parte, egoistamente tiene como principal objetivo alcanzar el estrellato.

Según un amigo de Mary, Edward "Hutch" Hutchins (Maurice Evans),sobre el apartamento pesa una maldición.

Una vez instalados, se hacen amigos de sus vecinos colindantes. Se trata de Roman Castevet (Sidney Blackmer) y Minnie Castevet (Ruth Gordon),Minnie y Roman, un matrimonio de edad avanzada que vive en la misma planta del edificio, desde el principio los colman de atenciones y se convierten en una especie de padres sustitutos del joven matrimonio.

Un día Rosemary baja a la lavadora colectiva y conoce a una chica. Se trata de Terri Gionoffrio (Victoria Vetri), una joven vecina del lugar que lleva un collar con una especie de raíz que le regalaron los Castevet después de acogerla en su casa.

La muchacha se muestra amable y simpatizan entre las chicas con facilidad. Un día tras salir la pareja y volver a casa, Guy y Rosemary, mientras vuelven a la misma se sorprenden de ver una gran gentío de personas y a la policía alrededor de la puerta de su bloque.

Al acercarse aún más se enteran de que Terri ha saltado del apartamento de los Castevet y se ha suicidado. Tras subir al apartamento, Minnie y Roman llegan muy asustados, pero Rosemary los consuela diciéndoles que Terri habló mucho de ellos antes de matarse.

Al poco tiempo, Guy consigue un papel en una obra de la que anteriormente había sido rechazado, después de que el actor que iba a protagonizarla se quedara misteriosa e inexplicablemente ciego. Ante esta afortunada circunstancia Guy y Rosemary acuerdan tener el hijo que tanto desea Rosemary, y planean incluso una fecha ideal para que ella quede embarazada.

Ante la perspectiva de un buen futuro, un día Roman y Minnie invitan a Rosemary y a Guy a cenar. Guy parece haber logrado entablar una intensa amistad con la pareja, pero Rosemary no confía tanto en ellos.

Esa noche los Castevet les dan el collar de Terri, diciéndoles que el olor viene de una raíz llamada "Tanis" además de darle de beber una fuerte bebida para celebrar el anuncio de los Woodhouse que han decidido tener un hijo.

Aquella noche, Rosemary tiene un horripilante y extraño sueño, en el que ella se encuentra en la habitación, rodeada por los inquilinos del edificio (los Castevet incluidos), todos desnudos diciendo extrañas palabras, y que una criatura, Satanás (Clay Tanner), la está violando fuertemente y lastimando.

La escena continúa hasta tal punto que Rosemary empieza a gritar que no es un sueño, pero se desmaya mientras la criatura sigue violándola. Cuando despierta, Guy se disculpa por haberle "hecho el amor" mientras estaba inconsciente.

Poco tiempo después ella descubre que está embarazada. Pero Rosemary lo único que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas. A su amigo Hutch le comenta lo de la semilla deTanis, la sustancia en su collar. Y éste tras buscarlo la llama y le dice: "En sus rituales usan a menudo el hongo llamado Pimienta del Diablo, es una materia esponjosa derivada de regiones pantanosas que tienen un fuerte olor acre. La semilla del diablo se considera que tiene poderes especiales.Ha sido utilizado en los rituales y los usos En los encantos ". Su amiga Elise (Emmaline Henry) le recomienda para lleve su embarazo al Dr. Hill, un médico que , en su primera visita se muestra amable y eficaz, pero los Castevet intervienen y le recomiendan a un viejo amigo y prestigioso doctor, el Dr. Abraham Sapirstein (Ralph Bellamy), que tras reconocerla y decirle que todo va sobre ruedas le recomienda que no tome pastillas y que beba un zumo que dice ser mejor que las vitaminas habituales y que sabe preparar su vieja amiga Minnie, según él, una eminencia de la medicina natural.

Durante los primeros tres meses del embarazo, Rosemary sufre continuos y fuertes dolores abdominales, así como cambios de hábitos como el gusto a la carne cruda y el hígado de pollo, y pierde mucho peso.

El médico, Dr. Abraham Sapirstein , le dice que los dolores desaparecerán y que siga tomando el zumo que le prepara Minnie.

Por su parte, Hutch (Maurice Evans), el amigo de Rosemary, ve que Minnie le agrega la extraña "raíz Tanis" al jugo de Rosemary, y le molesta mucho, por lo que decide investigar que es lo que ocurre.

Con el paso del tiempo, Rosemary empieza a sospechar que su embarazo no es normal. Sin embargo, el mismo día que Hutch planea compartir con Rosemary sus hallazgos, misteriosamente, no va a la cita concertado y , más tarde, Rosemary recibe el aviso de que ha caído en coma unas horas antes de la reunión y fallece tres meses después.

Sin embargo, pocos días antes de morir, Hutch recupera brevemente la conciencia y, aprovechando esto, le da instrucciones a otra amiga, Grace Cardiff, entregándole un libro de brujería y un mensaje que Grace le da a Rosemary en el funeral de su amigo. La nota dice "el nombre es un anagrama".

Con esto y con el libro, Rosemary descubre que Roman Castevet es en realidad Steven Marcato, el hijo de un anterior inquilino, Adrian Marcato, quien fue acusado de brujería y posteriormente asesinado. Ella deduce que planean usar a su bebé para un culto extraño y que Guy cooperó con ellos para que sabotearan al actor y su carrera despegara. Luego se entera de que el Dr. Sapirstein es parte de la conspiración, y que ellos asesinaron a Hutch para que no los delatara.

Rosemary ya asustada decide volver a la consulta del Dr Hill. En la misma Rosemary comparte sus problemas con el Dr. Hill, y este cree que delira, así que llama a Sapirstein y a Guy. Ellos le dicen a Rosemary que si coopera, ni ella ni el bebé se verán perjudicados.

Los dos hombres se llevan a Rosemary al apartamento. A pesar de que ella escapa y se encierra en el piso, los vecinos logran entrar con facilidad en el mismo a través de la puerta colindante. Ese mismo día Rosemary se pone de parto. Al despertar, le dicen que el bebé ha muerto, pero ella, escucha los llantos dentro del edificio.

Rosemary entra por una puerta secreta y penetra en el apartamento de los Castevet, donde un grupo de personas entre las que está Guy, Sapirstein, los Castevet y otros, se encuentran reunidos delante de un bebé (al cual no se le ve el rostro).

Al ver esto, ella exige saber la causa de la deformidad, pero rápidamente descubre y le confiesan que el ente que la violó era en realidad Satanás, que no fue un sueño, y se horroriza. Roman la calma y le dice que le dé una madre al niño y que ni ella ni Guy se tienen que unir a la secta si no quieren. La película termina con Rosemary arropando al niño y meciendo la cuna lentamente. Así acaba la película.

El inicio de la producción comienza cuando Robert Evans, productor de la Paramount,  recuerda que Willian Castle le trajo las primeras páginas  de la novela de Ira Levin y le pidió comprar los derechos para la adaptación cinematográfica aún antes de que Randon House, la editorial del escritor, publicara la novela ya con el título de  Rosemary's Baby.

Como los responsables de la Paramount habían reconocido el potencial comercial de una posible adaptación, pronto estuvieron de acuerdo en que William Castle, que tenía una excelente reputación como productor de películas de terror de bajo presupuesto, podría producir, aunque no dirigir la adaptación de película.

Por aquel entonces Robert Evans, quien ya conocía y admiraba las películas europeas de Roman Polanski, confiaba en poder convencerlo para que se involucrara en el proyecto, y con ello debutar en su primera producción para el cine estadounidense.

Pronto Roman Polanski recibió de manos de Robert Evans, una primera y rústica versión del guion de Rosemary's Baby y quedó fascinado. Tanto es así, que leyó la novela original en una sola noche.

A la mañana siguiente llamó a Robert Evans y le dijo que aquel guión era un proyecto muy interesante para su debut como cineasta en Estados Unidos, y que no solo le gustaría dirigirlo, sino participar en la redacción del guion final.

En su lectura de la novela, Roman Polanski imaginó al personaje principal, Rosemary, como una chica robusta física y mentalmente, pero también normal y corriente, ni guapa ni fea. Para ello pensó que el papel lo podría interpretar en un principio la actriz Twesday Weld. Pero Robert Evans tenía sus dudas al respecto, ya que el libro todavía no había alcanzado la posición de best seller,

Evans no confiaba en que el título del film por sí mismo garantizase la atención del público, y que para ello se necesitaba de otra actriz más conocida. Con un papel secundario en Guns at Batasi y la, por aquel entonces no estrenada A dandy in Aspic no parecía que Mia Farrow tuviera una gran filmografía, pero su papel de Allison MacKenzie en la serie de televisión Peyton Place, así como su reciente matrimonio con Frank Sinatra la convertían en una actriz interesante para el papel, según Evans.

A pesar de su apariencia endeble y alicaída, Polanski finalmente le hizo una prueba. Desgraciadamente, aceptar este papel supuso muchos problemas en el matrimonio de Mia Farrow. Frank Sinatra, quien le exigió a su mujer que abandonara su carrera cuando se casaron, fue el primero en protestar, y a la larga le pidió el divorcio a mitad del film y ante todo el equipo de rodaje.

Mia Farrow, en un intento de salvar su matrimonio, le suplicó al productor Robert Evans que le rescindiera su contrato. Sin embargo, él la convenció para que siguiera en el proyecto cuando le mostró metraje del film todavía no montado.

Tras verlo, Mia Farrow decidió continuar, porque Evans le aseguró que con esta película conseguiría la nominación al premio Óscar a la mejor actriz protagonista, cosa que nunca sucedió.

Para interpretar a  Guy Housewood se barajaron varios nombres para el papel. Robert Redford fue la primera opción, pero éste, por alguna razón, rechazó el papel.

Pronto se pensó en Jack Nicholson, pero finalmente se impuso el criterio de Polanski y se eligió a John Cassavetes.

El diseñador de producción, Richard Sylbert, fue quien propuso a Ruth Gordon para el papel de Minnie Castevet, la entrometida vecina.

Ahora solo faltaba ubicar a todos los personajes en el edificio donde tenía lugar la acción: el ficticio edificio Bramford. Sylbert creyó que usar el edificio Dakota sería una buena idea. Dicho edificio, situado en la parte alta del Westside, en Manhattan, Nueva York, era famoso por la cantidad de personas vinculadas al mundo del espectáculo que vivían en él. Pero el edificio ya se estaba ganando su mala fama como edificio problemático: los propietarios no dieron su permiso para que filmaran en su interior, y Polanski no estaba satisfecho con el grado de oscuridad y penumbra de sus vestíbulos y pasillos. A la sazón, el edificio solo fue usado para las tomas exteriores que reflejaban en la ficción la Casa Bramford rodándose exclusivamente algunas escenas exteriores en el Dakota Hotel en el 1 West 72nd St. en Central Park West de Manhattan. Tenía casi un siglo de antigüedad y aspecto de fortaleza gótica con amenazantes gárgolas decorando la fachada. Por si fuera poco, Boris Karloff, uno de los más reconocidos actores de terror, era propietario de un ático ahí. Sin embargo, gran parte del rodaje tuvo lugar en los Paramount Studios en el 5555 Melrose Avenue, Hollywood, en Los Ángeles.

No fue un rodaje plácido ni para los actores ni ara el productor. El primer día de rodaje en el Dakota, Polanski empezó a dar señales de perfeccionismo extremo. A la hora de comer seguía pidiendo ensayos y cambiando de lugar la cámara, mientras el productor William Castle fumaba un cigarrillo tras otro, preso de la angustia le dijo Roman, llevamos aquí seis horas y no hemos grabado una sola secuencia. Polanski le contestó que Te preocupas demasiado, Bill. . Contestando él, Soy el productor. Eso es lo que hacemos los productores.Roman le volvió a decir: Fumas demasiado. Hoy llevas ocho. Le quitó el cigarrillo de la boca y lo pisó. Añadió: —Hoy no te dejaré fumar más hasta después de comer.

Por otro lado, Polanski quiso contratar a viejas estrellas de Hollywood para los miembros del aquelarre o el sabbat pero no conocía a ninguna personalmente. Para el aquelarre dibujó bosquejos de cómo había previsto cada personaje, y fueron finalmente los propios actores elegidos quienes tuvieron que terminar de crear sus papeles.

En cada caso, el actor elegido se parecía físicamente a los dibujos de Polanski; estos fueron Ralph Bellamy, Patsy Kelly, Elisha Cock Jr, Phil Leeds, y Hopes Summers.

Mia Farrow tuvo que lucir una peluca en prácticamente la primera mitad del metraje, y no fue hasta después, cuando ya lucía su embarazo ficticio, que se la pudo ver con su auténtico peinado, el que ella misma anuncia como la última moda de Vidal Sassoon. Es decir un pelo , muy, muy corto.

Como contrapartida a esto, también la actriz estadounidense vivió momentos muy amargos durante el rodaje. Una de las escenas de la película más cargadas emocionalmente era aquella en la que, en medio de una fiesta celebrada en su apartamento, sus amigas echan de la cocina a Guy, su marido, mientras tratan de consolarla a causa del embarazo tan traumático de Rosemary. Dicha escena fue rodada en un solo día, pero justo después de filmar la primera toma de la escena, un mensajero irrumpió en el set de rodaje, trayendo consigo toda la documentación referente al divorcio de Mia Farrow enviada por Frank Sinatra. Cuando la actriz leyó los documentos rompió a llorar sobre el suelo de la cocina, tal y como el personaje de Rosemary hace al comunicar a sus amigas lo extrañamente mal que siente su embarazo.

Alarmado, Polanski quiso suspender la filmación de aquella escena por aquel día y concentrarse en otras que no implicaran la presencia de la actriz. Pero Farrow, en un arranque de profesionalidad, le suplicó al director continuar con el plan de trabajo original, y la escena se pudo terminar sin más complicaciones.

Polanski no deseaba que en ningún momento apareciese el "bebé de Rosemary", pues de esa forma, y con razón, daría más miedo imaginárselo. Pero los demás lo convencieron de "siempre mostrar al monstruo", por lo que, muy a su pesar, Polanski agregó, al final de la cinta, la toma de unos ojos amarillos que miran a la cámara.

En 1976 se estrenó en los Estados Unidos una miniserie para la televisión titulada Look What's Happened to Rosemary's Baby / ¿Qué pasó con l bebé de Rosemary? en donde se retomaban algunos personajes de la novela original de Ira Levin. Aunque Mia Farrow no participó en la producción, su personaje fue interpretado por la actriz Patty Duke, y Ruth Gordon repitió el papel de la entrometida vecina, la excéntrica Minnie Castevet. En 1997 Ira Levin, autor igualmente de Los niños de Brasil, escribió un libro titulado Son of Rosemary (1997) o El hijo de Rosemary.

La película se estrenó el 12 junio 1968 en los Estados Unidos y generó una oleada de críticas positivas y un buen número de premios. De hecho obtuvo un Óscar a la mejor actriz de reparto (Ruth Gordon), y Polański obtuvo una candidatura al Óscar en la categoría de Mejor Guion Adaptado. En los Globo de Oro de ese año el premio fue igualmente para la mejor actriz secundario (Ruth Gordon)y las nominaciones a la mejor actriz (Farrow), así como al guión y música. En los británicos Premios BAFTA también fue mominada a mejor actriz Mia Farrow.

El sindicato de Directores (DGA) nominá a Polanski al Mejor director y en se 1968 la película consiguió un par de Premios David di Donatello, tanto al Mejor director como a la mejor actriz extranjera (Mia Farrow)

En cuanto a las críticas destaco lo dicho sobre ella por Miguel Ángel Palomo en El País al decir que era "La obra maestra de Polanski (...) el espectador se ve abocado a una pesadilla que le desborda y le encoge el ánimo como pocas veces ante una pantalla. El auténtico terror se hace presente con la máxima de sugerir siempre no mostrando jamás. Una maravilla", mientras que declaraba que era "Inquietante historia efectista, hábil e interesante que hizo de Polanski el director de moda. Un producto tan hábil como capaz de ponernos los pelos de punta" el columnista de Cinmanía, Javier Rioyo.

En la revista Vanity Fair coincidiendo con el enésimo aniversario de la película se nos cuenta que Sinatra leyó el guión de La semilla del diablo una noche en la cama junto a su jovencísima esposa Mia Farrow.

A Mia le habían ofrecido el papel principal, el primero de su carrera, pero Sinatra no estaba muy convencido. No quería que su mujer se ausentase de casa demasiado tiempo ni que trabajara lejos de él. No quería que Mia se acostumbrase a vivir por su cuenta. Y por último, según le dijo esa noche: “No te veo haciendo el papel que te ofrecen”.

La reacción de ella figura en su libro de memorias,  “De repente, yo tampoco me veía. Hasta cierto punto, esperaba que Frank me librase de la decisión y me prohibiese aceptar”.

Mia, hija de John Farrow, que ya ha pasado por aquí, un director de cine australiano, y de la actriz irlandesa Maureen O'Sullivan. había conocido a Sinatra en los estudios de la Fox en Los Ángeles, un par de años antes, cuando ella tenía 19 y él ya era una estrella consagrada. En su primera cita, el cantante la había invitado a su casa en Palm Springs. Mia era virgen por entonces y estaba tan nerviosa que se negó.

Argumentó que esa noche tenía que alimentar a su gato. Él respondió: ¿Y mañana? Enviaré mi avión a recogerte. Puedes llevar a tu gato.

Y así comenzó uno de los romances más extraños en la historia de Hollywood. Todos los viernes, Sinatra y Mia se desplazaban de Los Ángeles a Palm Springs en el avión, o en el helicóptero de Sinatra, o en su coche italiano hecho por encargo. Ahí, y después en su mansión de Sunset Boulevard, recibían a los amigos en la piscina, o asistían a fiestas con la flor y nata del cine y el teatro americanos, o jugaban hasta el amanecer en los casinos de Las Vegas.

Sinatra podía haber sido el padre de Mia. De hecho, ella era menor que dos de sus hijos. Al igual que el padre de Mia, el director de cine John Farrow, habían compartido una mujer, Ava Gardner.

Sinatra había estado casado con la sensual Ava Gardner. Por su parte, el señor Farrow había sido amante de Gardner durante tanto tiempo que su esposa mandó construir una puerta extra en su casa para no cruzarse con ella.

Ahora Sinatra protegía a su joven esposa con actitud paternal. Trataba de resguardarla de la prensa del corazón. La ayudaba a conseguir papeles. Incluso le compró una pistola con incrustaciones de madreperla y trató de enseñarle a disparar. Sinatra quería protegerla de sí misma y de su carrera. Mia actuaba en una serie de televisión producida por Fox, donde Sinatra tenía influencias. Si el cantante quería llevársela de viaje, los guionistas ponían a su personaje en coma hasta que ella tuviese a bien regresar. Sinatra no se oponía a que Mia actuase. Tan solo esperaba que lo hiciese siempre bajo su control.

Entonces Mia recibió la propuesta de protagonizar La semilla del diablo. A pesar de sus dudas y las de su esposo, aceptó.

Para la inocente jovencita, ese sería su primer contacto con una novela, la  de Ira Levin que bajo el título Rosemary’s baby, olía a taquillazo.

El agente del novelista negoció una versión cinematográfica con Alfred Hitchcock, pero terminó por cerrar el trato con William Castle, el productor y director de películas de terror como Escalofrío o La mansión de los horrores.

Seguro del éxito, Castle quería dirigir él mismo la película, pero como ya hemos comentado  la productora Paramount, que financiaba el proyecto, lo persuadió de que entrevistara a un joven y prometedor director de 32 años radicado en Londres llamado Roman Polanski con cierta trayectoria en Francia y Gran Bretaña, además de en su Polonia natal.

Polanski, el ahora en parte despreciable personaje, aunque nadie duda de su capaciad como director, trataba de hacerse un lugar en Hollywood.

El productor recuerda que Polanski le pareció un presumido. Al entrar en su despacho para la entrevista, el director se negó a tomar asiento. Y durante la conversación no hizo más que mirarse en el espejo. Para colmo, hablaba de sí mismo en tercera persona, usando frases como: “Nadie podrá dirigir esta película tan bien como Roman Polanski”. Sin embargo, su propuesta lo convenció: el polaco quería rodar la historia sin cambios, tal y como figuraba en el libro. Y quería hacerlo de modo directo, sin florituras de cámara ni regodeos de estilo. Eso era exactamente lo que Castle deseaba.

Polanski decidió mudarse a Santa Mónica y se puso a trabajar en el guión. En tres semanas tenía lista una primera versión de 272 páginas.

Después llegó la hora de decidir a quién ofrecer el papel principal masculino. James Fox era demasiado británico. Tony Curtis, demasiado mayor. Paul Newman estaba comprometido. Steve McQueen era completamente incorrecto. El único que podía hacer el papel era Robert Redford. Pero Redford tenía sus dudas.

Paramount lo acusaba de incumplimiento de contrato por una película anterior y su relación con la productora era tensa. Para seducirlo, Polanski lo invitó a almorzar en la mismísima cafetería de Paramount. Podía haberlo convencido, pero la mala suerte le asestó un golpe inesperado. Un joven abogado de la productora sorprendió al actor en su territorio y se le acercó de improviso para entregarle en mano una citación judicial. El actor se sintió víctima de una encerrona y Polanski no pudo hacer nada para cambiar esa impresión. El polaco tendría que conformarse con John Cassavetes.

Para el papel femenino, el director quería a Tuesday Weld. Pero Castle insistió en una joven promesa de 22 años llamada Mia Farrow, y organizó un almuerzo para presentarlos. Mia era etérea, frágil. Nada más verla, Polanski se decidió por ella.

Según su biógrafo Christopher Sandford, Polanski se transformaba en un ogro tiránico y déspota durante los rodajes. El director lo confirmó en una entrevista de 1986 al declarar: “Me estimulo repitiéndome a mí mismo que soy el mejor, un genio. Mientras trabajo en una película, estoy convencido de que será un gran éxito. Por eso le exijo a la gente con la que trabajo todo tipo de cosas que no les pediría normalmente”. Una de esas cosas era repetir, una y otra vez, las escenas que rodaban. Polanski era capaz de hacer 40 o hasta 50 tomas de cada una para tener muchas opciones en la mesa de montaje. Al final de cada toma, ni siquiera decía “corten”. Su frase más habitual era “otra vez”.

En una ocasión, de madrugada, Polanski detuvo el rodaje porque la chaqueta de uno de los actores estaba arrugada. Llamó a la diseñadora de vestuario y le ordenó: —¡Plánchala! —Pero se supone que es verano y la chaqueta debería estar arrugada por el calor. —¡Llévala a planchar! —¿Dónde? ¡Son las dos de la mañana! —Ese no es mi problema ¡Hazlo!

En sus memorias, el productor William Castle habla de Polanski con verdadero pavor. Recuerda especialmente un rodaje nocturno en la calle, con el director pidiendo sangre a gritos y probándola sobre el cuerpo de una actriz. Polanski no estaba contento con el aspecto del líquido artificial que había preparado el departamento de maquillaje y, otra vez a gritos, pidió que le trajeran sangre nueva.

Los rodajes callejeros estaban llenos de mirones que querían ver de cerca a la joven esposa de Frank Sinatra. Al escuchar lo que pedía Polanski, uno de esos curiosos se acercó a Castle con una propuesta: “Dígale al director que yo le vendo una pinta de mi sangre por cincuenta dólares”. Castle no transmitió el mensaje a Polanski porque estaba seguro de que aceptaría el trato.

El estilo maniático y obsesivo de Polanski también desquiciaba a la Paramount. Con tantas repeticiones, el rodaje se iba retrasando, y los costes aumentaban. En algún momento, Castle recibió una orden fulminante: “Despide al polaco”. Afortundamente para el polaco, el material grabado tenía una pinta demasiado buena, y la productora no se atrevió a echarlo.

Tampoco era feliz el protagonista masculino, John Cassavetes. Él era actor y director, pero pertenecía a una escuela muy diferente a la de Polanski, mucho más experimental y arriesgada. Sus películas tenían un estilo improvisado y fresco. Cassavetes sufría con las 30 tomas que le exigía el polaco y con la orden de repetir cada línea de sus diálogos tal y como estaba escrita. En su opinión, eso le quitaba vida a la película. Además, ni siquiera simpatizaba con Polanski. Los roces entre los dos se fueron agudizando hasta convertirse en peleas. John se rebelaba contra las indicaciones de Polanski, que por toda respuesta lo mandaba callar.

En una entrevista, un periodista le preguntó a Polanski cómo había sido trabajar con un colega director de prestigio como Cassavetes. Contestó: “Cassavetes no es un director. Simplemente ha hecho algunas películas. Cualquiera podría agarrar una cámara y hacer lo que él hace. Tuvo la oportunidad de trabajar en estudios y demostró ser un perfecto incapaz. Él le echa la culpa a Hollywood, pero yo también fui a Hollywood y me va muy bien”.

Al parecer, la única que estaba contenta en el rodaje de La semilla del diablo era Mia Farrow. Ella toleraba con tranquilidad los excesos del director. Donde otros veían soberbia y prepotencia, Mia encontraba “un entusiasmo contagioso” y “un profundo conocimiento de lo que funcionaría profesionalmente”. Para una de las tomas, Farrow comió hígado crudo, aunque era una vegetariana radical. Y, como de costumbre, la escena se repitió decenas de veces, cada vez con un hígado nuevo.

En otra ocasión Mia,  tuvo que rodar en la calle, en la que Rosemary embarazada deambula por el tráfico, ida, a punto de ser atropellada. Para grabarla, Polanski no se planteó cortar la circulación. Los coches de verdad circulaban por seis carriles diferentes. Y él le ordenó a Mia Farrow que empezase a caminar entre ellos. —¿Te has vuelto loco, Roman? —exclamó ella. —Oh, por favor, querida. A nadie se le ocurriría atropellar a una mujer embarazada. Como nadie más se atrevía a hacerlo, Polanski manejó la cámara personalmente y caminó entre los autos junto a Mia. Pero para que los vehículos saliesen en la toma, él debía colocarse del otro lado. Si llegaban a atropellarlos, le darían primero a la actriz.

Farrow incluso se tomó como un cumplido la descripción que Polanski le dio de ella a un periodista: “Hay 127 variedades de locos. Mia entra en 116 de ellas”.

De toda la gente que detestaba a Polanski, el más furioso era Frank Sinatra, que veía su vida marital seriamente perturbada. A veces, intempestivamente, después de cenar, Sinatra llamaba a su piloto y volaba a Miami o a Las Vegas. Pero ahora que Mia trabajaba todos los días, ella no podía acompañarlo. En una de esas excursiones, Sinatra se metió en una pelea y perdió varios dientes de un puñetazo. Más tarde llamó a Mia llorando, para decirle que la amaba y que no quería perderla nunca.

A pesar de ser 30 años mayor que ella, a veces actuaba como un niño. Los retrasos de Polanski empeoraban la situación, porque Sinatra esperaba a su mujer para trabajar juntos en The detective. Según Farrow: “Frank quería que yo cumpliese con él aunque tuviese que dejar sin terminar La semilla... Su ultimátum estaba claro. Corría riesgo mi matrimonio. Pero si abandonaba la película mi carrera estaría acabada”. Mia optó por su carrera. Sinatra lo tomó como una traición. Discutió con ella. Llamó al director “polaco inútil”, lo acusó de ser incapaz “de encontrar sus propio culo con las dos manos”. Movió sus influencias en la productora para paralizar la filmación, pero había demasiado dinero en juego y nadie iba a cancelar un rodaje ni siquiera por él. El matrimonio se enfrió.

Mia regresó a California para grabar las escenas de interior y Sinatra se marchó a Nueva York para trabajar en una nueva película, The detective. Comenzaron a circular rumores de un amorío entre el cantante y su coprotagonista, Lee Remick. Las llamadas telefónicas se espaciaron. Un día, el abogado de Sinatra se presentó en el camerino de Mia,  con un sobre marrón que contenía los papeles del divorcio. Sinatra jamás había hablado de divorciarse. Impactada, ella firmó todo. Dijo que haría lo que quisieran, que no recibiría consejo legal. Y luego se encerró a llorar sola. Como ya hemos comentdo en la escena en la que sus amigas en una fiesta le felicitan.

Durante el mes siguiente se refugió en el trabajo. Los fines de semana los pasaba con Roman Polanski y su esposa, Sharon Tate, que siempre tenían amigos allí. Seguía viviendo en la casa de Sinatra. De vez en cuando, él llamaba por teléfono. Pero jamás mencionaba el tema del divorcio.

Mia volvió a Nueva York para terminar el rodaje, cuya última escena se filmó en vísperas de Navidad. Tras despedirse del equipo, recogió y se sentó en sus maletas. De repente, no sabía a dónde ir. Al verla deprimida y desconcertada, una amiga la llevó de vuelta a Palm Springs. Sinatra la recibió con frialdad. Ella continuó recibiendo visitas y organizando fiestas. Pero seguían sin hablar del divorcio ni de La semilla del diablo ni del futuro. Ni siquiera podían hablar de política, porque el cantante estaba comenzando la deriva hacia el republicanismo que años después le haría apoyar la campaña de Ronald Reagan. El regalo de Navidad de Mia para su esposo era un taxi londinense, que  Sinatra apenas valoró.

En Nochevieja Sinatra viajó solo a Acapulco. Días después, la actriz abandonó la casa. Al año siguiente tramitarían su divorcio en Ciudad Juárez, México, donde el procedimiento podía resolverse en cuestión de horas.

La semilla del diablo, presupuestada originalmente en menos de dos millones, acabó costando 400.000 dólares más. Pero rápidamente alcanzó el número uno en la taquilla.

Durante los siguientes 40 años recaudó 130 millones y se convirtió en un clásico del terror, una mezcla perfecta entre suspense psicológico y thriller satánico. Para "Entertainment Weekly" ves el décimo film más terrorífico de todos los tiempos.

De manera inquietante, como si se tratase de una maldición, muchos involucrados en ella sufrieron varias desgracias. John Cassavetes empezó a mostrar los síntomas de la hepatitis infecciosa que se lo llevaría a la tumba antes de cumplir los 60. Polanski vivió el atroz asesinato de su esposa, Sharon Tate, a manos de una panda de lunáticos dirigidos por Charles Manson. El edificio Dakota se hizo tristemente célebre cuando John Lennon fue asesinado en él. El música polaco habitual colaborador de Polanski, Krzysztof Komeda , murió al año siguiente en un accidente de tráfico.

Por el contrario, Mia Farrow inauguró una carrera estelar. En sus siguientes trabajos, compartió cartel con Elizabeth Taylor y Dustin Hoffman. Encontró en Polanski a un buen amigo y consiguió escapar de un matrimonio asfixiante, marcado por la búsqueda del padre. Para ella, La semilla del diablo fue una puerta al éxito y la libertad. Después se casó con el pianista y dorector de orquesta de origen alemán André Previn en 1970. Tuvieron tres hijos (Matthew, Sascha y Fletcher) y adoptaron otros tres, Soon Yi, Lark Song y Daisy. Ambos se divorciaron en 1979.... hasta que en 1980 topó con Woody Allen y la semilla de la rosa de su corazón se tornó en cardo.

miércoles, 22 de febrero de 2017

Reservoir dogs


Pocas veces una película y un director hicieron tanto ruido en su presentación. Otros también lo hicieron, y pienso en este momento en Robert Rodríguez, pero no mantuvieron ese nivel a lo largo de su carrera. Ese nos es el caso de Quentin Tarantino cuyo dos primeros bombazos, lo colocaron en la cabecera y allí sigue, y lo que queda.

Su presentación para el gran público fue Reservoir Dogs, nombre que no llegó a traducirse en España , aunque sí en otros países como México, -Perros de reserva- o en otros países donde se les llamó Perros de la calle.

Y es que el director de Knoxville, Tennessee (27 de marzo de 1963), aunque recriado en Harbor City, una comunidad del Distrito 15 de la ciudad de Los Ángeles, se hizo con ella un lugar ya fuese como director , guionista, productor y actor  es una película estadounidense de 1992. Fue el estreno de Quentin Tarantino como director, contando  con Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney y Michael Madsen como actores principales. La actuación de Tarantino es de menor trascendencia, como también la del escritor exconvicto, Eddie Bunker. 

Reservoir Dogs incorpora muchos temas y estéticas que se transformarían y se darían a conocer como sellos propios de Tarantino, como director y guionista. En ella ya introduce algunos elementos que estarán muy presentes en toda su filmografía como la idea de contar o emplear historias no lineales o una estetización de la violencia, o al crimen violento o referencias de la cultura pop, etc... 

Es conocida la anécdota de que se puso a trabajar en el videoclub Video Archives en Manhattan Beach junto a otros entusiastas del cine, entre ellos Roger Avary, donde discutían de cine y en donde hacia recomendaciones a los clientes, fijándose especialmente en sus gustos. El propio Tarantino ha dicho: "Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine les digo, ‘no, fui al cine‘". 

Intento y comenzó a escribir junto con Avary y otros amigos, e intentando poner en marcha dos guiones , el de que pretendían ser su debut como director. Se trataban los de True Romance (Amor a quemarropa, 1992, dirigida por Tony Scott que adquirió el guión por 50.000 dólares) y Natural Born Killers (Asesinos natos, reescrita y dirigida por Oliver Stone en 1993), pero ambos quedaron en el cajón hasta que escribió en 1991 Reservoir Dogs. En verano de 1991, Quentin Tarantino acudió al taller de guiones del Sundance Institute con el libreto de 'Reservoir Dogs' bajo el brazo (foto). Algunos de sus tutores se mostraron muy efusivos con aquella historia, aunque quien más alentó al director para que tirara el proyecto adelante fue el cineasta y ex miembro de Monty Python, Terry Gilliam, que aquel mismo año había estrenado 'El rey pescador'. Años después, en una entrevista en The Charlie Rose Show, QT recordó que el mejor consejo que le dio Gilliam, y uno de los mejores que jamás ha recibido, es que para ser director tenía que aprender a delegar. "Me dijo: Una de las cosas que tienes que aprender para ser director es que no tienes que hacer según qué cosas, sino contratar a personas con talento para que lo hagan por ti. Debes contratar a un director de cinematografía que pueda obtener la calidad de imagen que tú buscas. Tienes que tener a una diseñadora de vestuario que encuentre los colores y diseños que quieres. Entonces mi idea de ser director dio un vuelco, y me di cuenta de que yo podía hacer eso, que era capaz de describir mi visión, de explicar qué tengo en mi cabeza". Gilliam aparece, por ese motivo, en los agradecimientos del film.Su intención era plantear un proyecto minimalista en base a la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un solo plató. Pretendía que fuese una película de 16 mm en su formato ,  extremadamente barata con un presupuesto de 30.000 dólares y con Tarantino y sus amigos de Video Archives interpretando todos los papeles.

Afortunadamente, el ambicioso productor Lawrence Bender  que sería quien realizaría el papel de "Eddie Cabot", leyó el guión de Reservoir Dogs, le fascinó y pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar convertirlo en esa "película de verdad". 

Fue Bender por vía de la esposa del profesor de actuación de Bender, quien hizo llegar el guión al actor Harvey Keitel y fue el entusiasmo de este lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción que llegó a alcanzar los 1,2 millones de dólares

Rodada en menos de un mes en Los Ángeles, en lugares tales como el Johnie's Coffee Shop en el 6101 Wilshire Boulevard, Fairfax, en el Pat & Lorraine's Coffee Shop en el 4720 Eagle Rock Blvd. de Eagle Rock, en North Figueroa Street en Hihg Land Park, en el Belmont Tunnel en el 1304 West 2nd Street, o en Burbank, y con un reparto excepcional que incluía al propio Keitel (que también se encargó de coproducirla). Keitel también pagó para que Tarantino y Bender realizaran sus sesiones de casting en Nueva York, donde el dúo encontró a Steve Buscemi, Michael Madsen, y Tim Roth. Ya con tal proyecto este superaba la concepción inicial de cine independiente, aunque corta para una producción media de Hollywood se sumaron en el apartado de actores Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, Lawrence Tierney, Chris Penn y el propio Tarantino. 

Reservoir Dogs fue todo un éxito,  primero en el Festival de Cine de Sundance donde se estrenó en una de las secciones a competición, creando un verdadero maremoto entre los asistentes y la prensa acreditada, aunque no se llevó ningún premio, y después en todo el mundo, consiguiendo cerca de 15 millones de dólares en taquilla. Ya sólo faltaba introducir en futuras películas otras influencias estilísticas como el Grindhouse, el kung fu y los spaghetti western. La película desde entonces es vista como un importante y muy influyente hito del cine independiente. 

Como ya está dicho Reservoir dogs fue una producción de Lawrence Bender y con las productoras Live Entertainment ,  Dog Eat Dog y Productions Tarantino,, aunque con Miramax Films y la  Rank Film en la distribución que sigue el guión de Quentin Tarantino , la música de Karyn Rachtman , la fotografía de Andrzej Sekula y el montaje de Sally Menke 

Como protagonistas aparecen Tim Roth como el señor Naranja, Harvey Keitel como el señor Blanco , Steve Buscemi como el señor Rosa, Michael Madsen como el señor Rubio ,Quentin Tarantino como el señor Marrón y Edward Bunker como el señor Azul. Lawrence Tierney como Joe Cabot, Chris Penn como Eddie Cabot, Randy Brooks como Holdaway, Kirk Baltz como el policía joven Marvin Nash y Burr Steers.

La historia comienza con la reunión, en concreto un desayuno en un restaurante de Los Ángeles, en la que están presentes seis criminales profesionales que son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo "Nice Guy" Eddie (Chris Penn) para un trabajo, que también asiste al desayuno. No se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: el señor Naranja (Tim Roth), el señor Blanco (Harvey Keitel), el señor Rosa (Steve Buscemi), el señor Rubio (Michael Madsen), el señor Marrón (Quentin Tarantino) y el señor Azul (Edward Bunker)- como ya ocurriera en Pelham 1 2 3-. Nos encontramos con unos hombres desayunando en un bar donde comentan hechos banales.

En la reunión intercalan la preparación minuciosamente del robo a un almacén de diamantes, con historias menos profesionales como el debate sobre el significado oculto de la canción de Madonna 'Like a Virgin'. Para el Sr. Marrón (el personaje al que interpreta el propio QT), la canción trata de "una chica que se cuela por un tipo con una polla enorme", un tema que abre la discusión entre el resto de miembros de la banda (- A Madonna le gustó mucho la película. Tanto es así que le mandó una copia de su disco 'Erótica' (1992) a Tarantino. Eso sí, con una dedicatoria especial: "Para Quentin. No se trata de pollas, sino de amor"-). El asalto resulta un fiasco porque la policía aparece inesperadamente en el momento del atraco convirtiéndolo en una masacre que tiene como resultado las muertes de algunos policías, empleados y también del señor Azul y del señor Marrón. Todo hace sospechar que hay un traidor infiltrado.

Reunidos a puerta cerrada en un viejo almacén abandonado, los supervivientes se enfrentan entre sí intentando descubrir quién les ha conducido a esta situación límite. La mayor parte de lo anterior no se muestra en la película sino que el espectador lo deduce de los diálogos y de flash-backs parciales que ilustran los antecedentes de la situación central.

Cuando terminan los créditos iniciales, se muestra el interior de un coche. El Sr. Blanco lo está conduciendo y trata de tranquilizar al señor Naranja que se desangra en el asiento de atrás a causa de una herida en el estómago. Los dos llegan al punto de encuentro, ubicado en un almacén abandonado. Allí, el señor Naranja pierde el sentido. Aparece el señor Rosa. Ha escondido los diamantes robados porque sospecha que hay un policía infiltrado entre los ladrones. Tiene una confrontación con el señor Blanco, porque no están de acuerdo en qué hacer con el señor Naranja.

El señor Blanco quiere llevarlo a un hospital, pero el señor Rosa no lo permite porque el señor Naranja sabe el nombre y la ciudad natal del señor Blanco y puede traicionarlos a todos.

La llegada del señor Rubio interrumpe la disputa. Ha secuestrado a un policía y los tres pegan al rehén. Llega Eddie, enfadado a causa de la masacre que tuvo lugar en la joyería. Pide ayuda para tomar los diamantes escondidos. El señor Rosa y el señor Blanco salen con él.

El señor Rubio sigue torturando al policía, que afirma su ignorancia acerca de quién es el policía infiltrado. El señor Rubio corta la oreja del rehén y decide quemarlo. En este momento, el señor Naranja mata al señor Rubio de varios disparos. El Sr. Naranja (Tim Roth), resulta ser el topo. Su nombre es  Freddy Newandyke, un policía joven que se ha infiltrado en el grupo de ladrones y cuyo objetivo principal es capturar a Joe Cabot. Tras confiesar al policía su verdadera identidad, que éste ya conoce reconoce que fingió ser un delincuente despreocupado y venció la desconfianza de los otros ladrones con anécdotas inventadas.

Durante el robo lo han herido y él ha matado a la mujer que lo ha hecho. Llegan Eddie, el señor Blanco y el señor Rosa. Al encontrar a su amigo, el señor Rubio, muerto, Eddie mata al policía. Exige explicaciones, y el señor Naranja sigue mintiendo. Dice que el señor Rubio quería matarlos a todos y obtener los diamantes. Nadie lo cree excepto el señor Blanco.

Después llega Joe diciendo que el señor Naranja es un policía infiltrado y el señor Blanco se niega a creerlo. Se forma un triángulo mortal: Joe dirige su pistola al señor Naranja, el señor Blanco dirige la suya a Joe, Eddie dirige la suya al señor Blanco y el señor Rosa se esconde. Esta situación se resuelve con las muertes de Eddie y Joe.

El señor Rosa coge los diamantes y huye. Mientras el señor Blanco, herido, se arrastra hasta el señor Naranja, moribundo. Lo conforta sosteniéndole en sus brazos.

Entonces el señor Naranja confiesa la verdad. Irrumpe la policía. El señor Blanco, llorando, mata a su amigo y de inmediato muere acribillado por la policía. O no, porque no sale en escena, sólo se oyen los disparos, por lo que no se puede saber si solamente dispara la policía (el Sr. Naranja vive y el Sr. Blanco muere); o bien ambos disparan (el Sr. Naranja y el Sr. Blanco mueren).

En diversos flashbacks vemos el fracasado robo y vamos viendo como Sr. Blanco (Harvey Keitel), un ladrón de mediana edad y con mucha experiencia, y cuyo nombre verdadero es Lawrence "Larry" Dimick  y que se considera a si mismo como un ladrón honesto y con principios, y recibe un encargo de un jefe criminal, en concreto de Joe Cabot (Lawrence Tierney) , un mafioso que ha planeado el robo de diamantes. al que conoce desde hace muchos años. Ahora está acompañado de Eddie Cabot (Chris Penn) , el hijo de Joe Cabot que planea el robo. Joe Cabot, un criminal experimentado que ha ensamblado a un equipo de ladrones para un gran robo de diamantes considera que parte de la clave de su plan es que sus socios no se conozcan entre sí, y por lo tanto no pueden hablar si son atrapados. Los nombra en una carta de colores: el Sr. White, el Sr. Orange, el Sr. Blonde, el Sr. Pink, y así sucesivamente. A Mr. Pink no le gusta su nombre. -Tienes suerte de que no seas el señor Amarillo -gruñó Cabot / Tierney-.

Eddie es también  amigo de Sr. Rubio (Michael Madsen) ,  un psicópata que acaba de salir de la cárcel y descubrimos que le divierte la violencia.

A lo largo de la conversación entre el señor blanco y el señor naranja nos enteramos que fue el primero en disparar durante el robo debido al ruido de la alarma. Se llama Vic Vega y la experiencia que tuvo en cárcel lo hizo un poco cruel, especialmente con policías.

Tras asignar Cabot los nombres respectivos, cosa que molesta especialmente al Sr. Rosa (Steve Buscemi) , un delincuente un egoísta y miserable, pero muy inteligente  que dice que es un "profesional" y pide a los otros que lo sean también. Algo que igualmente está presente en el Sr. Azul (Edward Bunker), un ladrón experimentado y el Sr. Marrón (Quentin Tarantino) , un ladrón joven y lenguaraz encargado de la conducción.

Hay igualmente que destacar la presencia sonora de la voz de Steven Wright como K-Billy DJ  un DJ del programa de radio ficticio K-Billy y el Supersonido de los 70.

Al hilo de la música decir que una parte del éxito de la película se encuentra en su banda sonora cuyo disco, Reservoir Dogs: Original Motion Picture Soundtrack  supuso un modelo a seguir en algunas de las siguientes películas de Tarantino , al menos , en cuanto su estructura de su banda sonora. La banda sonora cuenta con selecciones de canciones de la década de 1960 hasta los años 80. Sólo el grupo Bedlam grabó canciones originales para la película, un grupo de rock de Nashville de los 90 liderado por Jay Joyce, que firmó con MCA Records. Su álbum Into the Coals (en las brasas) fue lanzado en 1992. Otros miembros fueron Chris Feinstein (bajo) y Doug Lancio que interpretan  "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf, "Harvest Moon" de Jay Joyce, "Fool for Love" de Sandy Rogers.

La estación de radio "K-Billy y el Supersonido de los 70" jugó un papel prominente en la película. El DJ de la radio fue elegido Steven Wright. Tarantino ha dijo, y yo en eso estoy de acuerdo,  que siente que la música sea un contrapunto a la violencia en la pantalla y la acción. También declaró que deseaba que la película tuviera una sensación de década de los 50 con música de los 70. La lista de canciones está compuesta por "And Now Little Green Bag..." , "Little Green Bag" , "Rock Flock of Five" , "Hooked on a Feeling" , "Bohemiath" , "I Gotcha" "Magic Carpet Ride" -compusta por  Bedlam - "Madonna Speech" , "Fool for Love" ,  "Super Sounds" "Stuck in the Middle with You" , "Harvest Moon"  "Let's Get a Taco" "Keep on Truckin'", "Coconut" y "Home of Rock" .

Reservoir Dogs estaba, según Tarantino, influenciado por The Killing de Stanley Kubrick . Tarantino dijo: "No salí para hacer un remake de The Killing , pero pensé en él como algo mío". La trama de la película fue sugerida por la película Kansas City confidencial de 1952 . Además, parece estar influia por la película 1955 de Joseph H. Lewis que llevaba por título The Big Combo y por otra de Sergio Corbucci , Django, que le inspiró la escena donde un policía es torturado en una silla. Tarantino ha negado que plagiara con Reservoir Dogs y, en su lugar, prefereía hablar de homenajes como el que hace con la nominación de colores a la película de 1974, Pelham uno dos tres .

La película también contiene elementos clave similares a los encontrados en la película de 1987 de Ringo Lam, City on Fire .

El rodaje en Los Ángeles y su área no estuvo exento de problemas con alguno de los actores. En este caso, fue precisamente Lawrence Tierney que hacía de Joe Cabot al que durante la primera semana de rodaje, Tarantino le despidió después de tener una dura discusión con él, aunque después se retractó de la decisión. Algunos miembros del reparto y del equipo técnico del film recuerdan verle acudir a trabajar borracho en más de una ocasión, y rememoran la noche en que tuvieron que sacarle de un bar después de que se bajara los pantalones.

Pero el episodio más controvertido con el actor tuvo lugar durante uno de los días de descanso del rodaje. Tarantino y parte del equipo de producción tuvieron que acudir a comisaria para pagar una fianza y sacarle del calabozo, pues al parecer Tierney había amenazado con un arma de fuego a su sobrino. Edward Bunker, que interpretó al Sr. Azul, pasó gran parte de la primera mitad de su vida en la cárcel, condenado por robo de bancos, narcotráfico, extorsión, robo a mano armada y falsificación. Fue en la cárcel donde se hizo amigo de otro conocido actor con el que después Tarantino coincidiría en 'Abierto hasta el amanecer': Danny Trejo.

Tarantino sobre la narración en la que la elipsis puede casi con todo lo explica al entender que su trabajo es similar al de un novelista, y ha dicho que quería que la película fuera sobre algo que no se veía . Con respecto al título de la película reconoce que el mismo provino de un cliente de Video Archives, que pidió la película de Louis Malle en 1987, " Au revoir les enfants" , pero pronunció erróneamente el título de "Reservoir Dogs". Una variable sobre esa teoría es que fue una novia de Tarantino quién le recomendó el film de Malle, y él el que entendió mal el título. La hipótesis más plausible, no obstante, es que el cineasta se inventó una explicación para convencer a sus productores de que aquel título era genial porque 'Reservoir Dogs' era una expresión que se utilizaba en los polars franceses de la Nouvelle Vague, como 'Bande à parte' o 'Breathless' ('Al final de la escapada en su traducción al español), y que esa expresión significaba literalmente "canalla" o "rata". Como los que pagaban la película no tenían ni idea de cine francés, se creyeron la historia y avalaron el título.

Reservoir Dogs se estrenó en el Sundance Film Festival en enero de 1992. Se convirtió en la película más comentada del festival, y posteriormente fue comprada para su distribución por Miramax Films.

La película obtuvo bastantes reconocimientos como el premio al mejor director para  Quentin Tarantino en el Avignon Film Festival (1992), el premio al mejor actor secundario: Steve Buscemi en el Independent Spirit Awards (1993), donde obtuvo tres nominaciones, el Premio al nuevo director del año para Tarantino entregado por London Critics Circle Film Awards (1993).

En el Festival de Cine de Sitges (1992) se le premió a Quentin Tarantino como mejor director y mejor Guion: . Recibió el Premio Caballo de oro Quentin Tarantino en el Stockholm Film Festival (1992) y el Premio de la Crítica Internacional, el Premio FIPRESCI, para Tarantino e el Festival de Cine de Toronto (1992) . El Círculo de Críticos de Nueva York en el año 1992 la nominó a la Mejor Ópera prima

En cuanto a las críticas la revista británica de cine Empire la considera como "La película independiente más grande de todos los tiempos" . En el sitio web de agregación Rotten Tomatoes da a la película una calificación de aprobación del 90%, basada en 62 reseñas, con una calificación promedio de 8.8 / 10, mientras que en Metacritic la película tuvo una puntuación media de 78 de cada 100, basada en 23 críticas.

En el estreno de la película en el Sundance Film Festival, el crítico de cine Jami Bernard del New York Daily News comparó el efecto de Reservoir Dogs con el de la película de 1895, L'Arrivée d'un Train en Gare de la Ciotat. Bernard dijo que Reservoir Dogs tenía un efecto similar y la gente no estaba lista para ello.

Para Vincent Canby de The New York Times comentó que disfrutó con el elenco y el uso de la narración no lineal. Igualmente felicitó a Tarantino por su dirección y le gustó el hecho de que no usara a menudo los primeros planos de la película. Kenneth Turan de Los Angeles Times también disfrutó de la película y la actuación, en particular la de Buscemi, Tierney y Madsen, y dijo: "El entusiasmo palpable de Tarantino, su pasión apasionada por lo que ha creado, revigoriza esta venerable trama y, , lo involucra durante más tiempo de lo que podría sospechar.

El crítico James Berardinelli fue de una opinión similar; felicitó tanto al reparto como a las habilidades de escritura de diálogo de Tarantino. Hal Hinson, del Washington Post , también estaba entusiasmado con el reparto, felicitó a la película por su "sentido inexpresivo del humor". Para Desson Thomson del The Washington Post dijo de ella que "La película es un largo clímax. Incluso con sus flashbacks y saltos temporales, nunca decae. Tienes que remitirte al 'Le salaire de la peur', la película de Clouzot de 1952, para encontrar un suspense tan implacable"

Para Mick LaSalle columnista del San Francisco Chronicle se trataba de "Una película brutal, brutal en el mejor de los sentidos: brutalmente austera, brutalmente divertida, brutalmente brutal"

Gene Siskel del Chicago Reader comentaba que era "Una aclamadísima película revisionista del cine de gánsgers que me parece que tiene más estilo que sustancia". Desde las páginas del Chicago Sun Times Rogert Ebert comentaba "En cuanto a la película, me gustó lo que vi, pero quería más. Conozco la historia detrás de la película - Tarantino promovió el proyecto desde cero, con talento y nervios - y creo que es todo un logro para un principiante. Se hizo en un presupuesto bajo. Pero la parte que necesita trabajo no cuesta dinero. Es el guión. Habiendo creado los personajes y formado el contorno, Tarantino no hace mucho con sus personajes, excepto para dejarlos hablar demasiado, especialmente cuando deben estar inconscientes de shock y pérdida de sangre".

En la revista Todd McCarthy afirmaba que era "Un drama criminal directo, intenso y sangriento sobre un chapucero robo y sus consecuencias"

Ya en España y en concreto en las páginas del diario El País M. Torreiro decía que era un "Guión perfecto (...) gran puesta en escena", mientras que Luis Martínez comentaba que era "Sin duda, poderosa"

Por su parte, en entonces columnista del diario El Mundo, Carlos Boyero afirmaba que era "Insólita y violenta ópera prima, donde se mezclan la sangre, el talento y una apasionante estructura" .

En filmaffinity Pablo Kurt comentaba que , "para muchos -entre los que se incluye este cronista-, estamos ante la mejor ópera prima de los noventa y una de las mejores películas "independientes" del cine americano. Apenas 100 fascinantes minutos que reformulan algunos de los códigos del cine de autor de las últimas décadas. Un desconocido Quentin Tarantino sorprendió con un violento thriller sin apenas acción, de trama apasionante, ingeniosos diálogos, contundente banda sonora, puesta en escena calculada y un montaje espacio-temporal diferente. Un film genial que rebosa talento.


martes, 21 de febrero de 2017

Possession


Potente película la que hemos visto en el Club de la Filmoteca. Potente y física. Menudo ejercicio físico el realizado la bellísima Isabelle Adjani, a la que siempre he visto así, pero que en esta película hace todo un esfuerzo físico que llega a impresionar hasta el agotamiento. Tampoco ha parado un jovencísimo Sam Neill, con razón estuvo más tarde en forma para la primera y tercera entrega de Parque Jurásico .

La película que he visto se llama Possession y es una película surgida en régimen de coproducción en la que interviene franceses y alemanes, pero quien dirige es un polaco. El resultado es una película de terror y suspense que fue estrenada en los cines el 27 de mayo del 1981.

La película fue dirigida por Andrzej Zulawski, uno de los cuatro prometedores directores polaco que salieron del país cuando percibieron las limitaciones artístivcas y temáticas que implicaba el trabajar bajo un régimen dictatorial como el polaco dominante en este periodo de la guerra fría. 

De los cuatro - Roman Polanski, Walerian Borowczyk, Andrzej Zulawski y Jerzy Skolimowski - del que vimos hace nada Essential Killing- sólo el primero ha tenido un recorrido de larga distancia y bastante éxito tanto de crítica como de público. Sin embargo, los otros tres, incluido el ya fallecido Zulawski (murió el 17 de febrero de 2016) optaron por una concepción del cine arte en oposición a lo comercial posición lo que les dio cierto prestigio ante la crítica.

En esta película Andrzej Zulawski contará como ayudante de dirección con Eva-Maria Schönecker y con Holger Gross en la dirección artística. Possession es una producción eminentemente francesa en la que interviene Marie-Laure Reyre y la gran e histórica productora Gaumont que empleó en la misma un presupuesto de $1.113.538.

La película contó con el guión de Andrzej Zulawski y Frederic Tuten , la música, casi inaudible o imperceptible salvo al inicio y al final de Andrzej Korzynski, la fotografía de Bruno Nuytten, el montaje de Marie-Sophie Dubus y Suzanne Lang-Willar. La encargada de vestuario fue Ingrid Zoré y en los efectos especiales aparecen Charles-Henri Assola, Daniel Braunschweig y Carlo Rambaldi.

El reparto lo encabezan Isabelle Adjani como Anna / Helen, Sam Neill como Mark, Margit Carstensen como Margit Gluckmeister, Heinz Bennent como Heinrich, Johanna Hofer como la madre de Heinrich, Carl Duering como el detective privado, Shaun Lawton como Zimmermann, Michael Hogben como Bob Maximilian Rüthlein u Hombre de los calcetines rosas , Thomas Frey como uno de los colegas de Maximilian, Leslie Malton como Sara y Gerd Neubert como el borracho del metro.

La historia se sitúa en el Berlín dividido y con su Die Mauer, anterior a la caída del muro. La película se inicia cuando Mark (Sam Neill) regresa de un viaje. Mark realmente llega tras una misión de espionaje, ya que su función es viajar constantemente en el extranjero. De allí toma unos frascos llenos de líquidos secretos que entrega en la Corporación donde trabaja y a cambio recibe una elevada suma de dinero que lleva en su maletín.

Tras este viaje Mark encuentra a su esposa Anna (Isabelle Adjani) muy cambiada, muy nerviosa y perturbada.

Nada más llegar su esposa Anna le pide el divorcio y no es capaz de decir la causa por la cual ella quiere separarse, pero insiste no puede seguir con él y en  no tiene un amante.

Una vez acabada su relación con la empresa, tras una reunión entre Mark y unos ejecutivos de la misma, vemos que Mark llama a su mujer y que en el maletín lleva mucho dinero.

Aunque Mark preferiría quedarse con Anna y arreglar las cosas, ella casi le obliga a cambiar de apartamento y ella , además, se queda con la custodia de su hijo pequeño, Bob.

Viviendo solo en lo que parece un hotel, él comienza a obsesionarse con ella, haciendo docenas de llamadas, y aparentemente volviéndose loco. Tras pasar casi tres semanas sin comer, sin ducharse,ni lavarse, un día decide salir de la habitación e ir al apartamento en el que vivía para encontrar a Bob, su hijo.

El niño está solo, abandonado y descuidado. Cuando regresa Anna, se niega a dejarla sola con el niño, pero trata de arreglar la casa. De cualquier manera , ella parece estar fuera de sus casillas.

Mark se queda en el apartamento para cuidar a Bob, pero Anna se va en medio de la noche.Mark prefiere que regresa al apartamento y está decidido a arreglar la situación con Anna, pero yambién manifiesta querer la custodia de su pequeño hijo, Bob.

Tras ese momento comienzan una serie de incidentes, ya que Mark no entiende nada y se da cuenta que su mujer actuar de una manera diferente, errática y extraña. Ella no dirá por qué, pero insiste que no es porque haya encontrado a alguien más, aunque, finalmente, le confiesa que tiene una aventura y lo abandona.

Mark cae en una terrible depresión que lo lleva casi al borde de la locura. Ante la situación decide ir a un gabinete de investigadores privado con el fin de hacerle un seguimiento a su ex.

Unas semanas después, el detective privado que ha contratado para que siga a su mujer se pone en marcha y le hace un seguimiento que le lleva hasta un piso destartalado cercano al muro de Berlín. Allí sube y se hace pasar por alguien que ha de ver las condiciones de habitabilidad de la vivienda, pero al entrar en la habitación ve un extraño ser, una cosa informe, a la que es lanzado y, finalmente, el investigador es salvajemente asesinado.

La verdad sobre la aventura secreta de Anna se revelará monstruosa. Anna parece ya definitivamente perdida.

Por otro lado, Mark recibe una llamada telefónica del amante de Anna, Heinrich (Heinz Bennent), diciéndole que Anna está con él.A continuación, obtiene el número de teléfono de Heinrich de la amiga de Anna, Margie.

Al día siguiente, Mark acompaña a su hijo al colegio y conoce  a la maestra de Bob, Helen (también interpretada por Isabelle Adjani), y descubre que es igual a Anna, pero con los ojos verdes y es tranquila y amable mientras que Anna es en estos momentos una histérica.

Luego, Mark hace una visita a Heinrich y este dice que no realizó ninguna llamada telefónica y no ha visto a Anna después de haber estado fuera en un viaje de negocios. Heinrich  le dice a Mark que Anna necesitaba espacio; Mark se llega a la casa de Heinrich donde vive el con su madre y le hace insinuaciones de corte homosexual. Al final, Mark ataca a Heinrich violentamente en una pelea sangrienta siendo golpeado brutalmente por Heinrich. .

Mark regresa al departamento para encontrar a Anna, y ambos discuten y se pegan brutalmente. Anna sale corriendo a la calle bajo una intensa tormenta, mientras Mark trata de disculparse con ella. Mark le sigue bajo la lluvia, disculpándose, intentando la reconciliación, pero ella lo deja solo en la calle.En su camino de regreso al piso, Mark se encuentra con Margie, cuya pierna izquierda está entablillada, y le dice, "Te odio" cuando se ofrece a cuidar de Bob.

Poco después, Mark tiene una reunión con un investigador privado, y luego regresa al piso donde él y Margie , la amiga de Anna, se abrazan en el dormitorio.

Al día siguiente, Mark y Anna tienen otro nuevo incidente, y tras el mismo ella se corta el cuello con un cuchillo eléctrico que estaba usando para cortar carne. Este le cura la herida y y luego se sienta en una silla, parece desolado en la cocina, toma el mismo  cuchillo y se hace cortes con el mismo en su propio brazo.

Tras recuperase, Anna sale nuevamente del apartamento con el cuello vendado hacia un lugar misterioso. Siguiendo a Anna por la ciudad, el investigador privado pronto descubre el otro apartamento de Anna. El investigador informa telefónicamente a Mark de su descubrimiento, luego entra en el apartamento, haciéndose pasar por gerente de edificio. Se asombra al encontrar una criatura extraña en el dormitorio. Anna se acerca por detrás y mata al investigador con una botella rota cortándole el cuello.

Mientras tanto, Mark comienza una relación con Helen, la maestra. Cuando se queda por la noche en a casa, Bob se desperta por las pesadillas, gritando por su madre. Helen se disculpa y se va diciendo que no debería haber intentado reemplazar a Anna.

Ahora quien a Anna es Zimmerman, el jefe del gabinete de investigación privada que fue  contratado para vigilar a Anna. Resulta que el anterior investigador era la pareja profesional y personal de éste.

Zimmerman aborda en la calle a Mark para preguntar por el paradero de su compañero. Mark le da la dirección del misterioso apartamento de Anna. Pronto da con el apartamento. Cuando Zimmerman va al apartamento de Anna, descubre la criatura extraña así como el cuerpo de su amante muerto. Anna dice que la criatura "está muy cansada, me hizo el amor toda la noche", y "todavía está inacabado, ¿sabes?". Luego golpea violentamente a Zimmerman cuando intenta dispararle.

Anna, regresando al piso que compartía con Mark, continúa su comportamiento errático, poniendo ropa en la nevera y comida en el dormitorio. Luego le habla a Mark sobre su aborto, que ella cree haber causado su colapso nervioso.

En algo que parece un flashback, vemos a Anna, en su camino a casa a través del metro desde el mercado con una bolsa, y en un momento dado tiene lo que parece ser un ataque de violencia inusitada, que termina con ella en el suelo del pasillo, exudando sangre y fluidos de cada orificio de su cuerpo.

Ella lo deja de nuevo y Mark llama a Heinrich, dándole la dirección de Anna. Heinrich intenta hacer el amor con ella, pero encuentra la criatura, ahora más desarrollada pero aún monstruosa, en su dormitorio. Anna revela entonces que todo es fruto sombrío de sus esfuerzo, y nos muestra una  colección de partes del cuerpo en su refrigerador, presumiblemente los del detective muerto y Zimmerman.

Ella ataca a Heinrich con un cuchillo y éste huye, sangrando, a un teléfono público para llamar a Mark.

Anna, mientras tanto, se prepara para hacer el amor con la criatura. Heinrich le dice telefónicamente a Mark lo que ha visto y pide que lo recoja del bar más cercano en el que Heinrich busca refugio.

Mark va al apartamento de Anna primero y descubre los restos en el refrigerador, pero parece que la criatura se ha ido.

Luego cruza al bar donde mata a Heinrich en el baño, haciéndolo parecer como si se ahogara en su propio vómito. Él entonces vuelve al apartamento de Anna y lo destruye encendiendo la estufa de gas. Se escapa en la motocicleta con la que se había desplazado hasta ese lugar Heinrich.

Al regresar a su apartamento, Mark encuentra a Margie en el descansillo del piso, fuera,  con la garganta cortada, posiblemente asesinada por Anna.

Él introduce el cuerpo de nuevo en el piso donde Anna espera. Ella lo saluda tiernamente, lo limpia y le hace el amor en la cocina. Él establece un plan para ellos para ocultar el problema y, como Bob despierta para encontrarlos juntos, ella huye.

Mark le dice que se esconda en el piso de Margie mientras él dispone del cuerpo de Margie. Mientras tanto, la madre de Heinrich llama a Mark , preguntando por su hijo, al que busca.

Ella le dice a Mark que el cuerpo de Heinrich fue descubierto pero que no lo identificó porque era sólo su cuerpo: "Su alma no estaba allí".

Mark, ante eso, va a la casa de Heinrich y  se encuentra con la madre en persona y afirma que "debe estar con él". Ella aparentemente se envenena, se tiende en la cama  y muere.

Al día siguiente, cuando Mark se pasea por la calle, se encuentra con sus antiguos socios de negocios. Insisten en seguir haciendo negocios con ellos otra vez. Mark parece negarse y huye en la motocicleta de Heinrich.

Regresa al apartamento de Margie para encontrarlo rodeado por la policía y sus antiguos empleadores. Él se pone como cebo para la distracción, permitiendo que Anna, se escabulla en el coche de Mark, pero Mark es herido en el tiroteo que sigue. Una vez más huyendo, tiene un terrible accidente y corre hacia un edificio donde es perseguido por Anna, la policía y sus socios comerciales.

Anna le dice: "Yo quería encontrarte, está terminado ahora", y le muestra la criatura, ahora completamente formada que presenta el idéntico aspecto de Mark. Mark levanta su arma para disparar, pero él y Anna son asesinados por una  andanadas de balas que disparan desde los pisos bajos, mientras que el clon de Mark sigue perfecto. Sangrando y moribunda, Anna se encuentra encima de Mark y usa su arma para dispararle en la espalda. Ella muere en sus brazos y él salta por el hueco de la escalera para morir de inmediato.

El clon de Mark huye por el tejado. Más tarde, vemos que Helen está en el piso con Bob cuando suena el timbre. Bob repite una y otra vez: "No abras", pero Helen ignora su súplica. Ella va a la puerta mientras suenas en el exterior los sonidos de las sirenas, los aviones y las explosiones que llenan el aire.

Entre tanto, Bob corre a través del piso, terminando en el cuarto de baño donde salta dentro de una bañera llena de agua y flota como si estuviera muerto.

Mientras tanto, Helen, escuchando las sirenas y los aviones como si temiera algo, parece ignorar al clon de Mark que se puede ver a través de la puerta de cristal. Su expresión cambia a algo indeterminado mientras la luz de las explosiones ilumina sus brillantes ojos verdes. Y así acaba esta extraña película.

La película fue presentada el 27 de mayo de 1981 en el Festival de  Cannes, y se estrenó en los Estados Unidos el 14 de octubre de 1983 . La película, a pesar de su extraño argumento, tuvo un modesto total de 541,120 espectadores en Francia. La película desde el principio fue muy controvertida tuvo varios montaje. Luego, fue lanzada en Reino Unido, pero fue censurada , aunque la versión definitiva no se estrenará en ese país hasta 1999.

La película se filmó en el entonces Berlín Occidental , en aquel tiempo perteneciente a la República Federal de Alemania. En ocasiones durante la película el mure, Die Mauer, es el protagonista silencioso de la misma, con solados de la RDA viendo y siguiendo con sus prismáticos el rodaje.

El director declaró en alguna ocasión que escribió el guión en medio de un desordenado divorcio y que la violencia visual y verbal detectada pudo deberse a ello., llegando a extremos inauditos en el caso de la posesión de Anna mientras se desplaza por el metro.

El artista de efectos especiales Carlo Rambaldi colaboró ​​en la creación de la criatura tentáculo que aparecía en la película.

Desde el principio de su presentación pública se hizo patente su  difícil clasificación, especialmente por que la temática responde por igual a un drama, al horror o al suspense ,  incluso a la ciencia ficción visto el mostruo.

Para la crítica Possession actualmente tiene una valoración  del 82% en el agregador de críticas de Rotten Tomatoes .

Para  Vincent Canby, critico de The New York Times "Possession es un verdadera carnaval de sangre, debido a que los tres personajes principales; Anna, su marido Mark , y su amante Heinrich, todos se golpean entre sí violentamente, desempeñan la mayor parte de sus escenas en un estado de histeria. Y prosigue señalando que algunas veces, la posesión de colores vivos recuerda la Repulsión la película de Roman Polanski  en blanco y negro , y en lugar de Adjani  con Catherine Deneuve de protagonista. Para Camby la versión en blanco y negro y anterior  es simplemente "mucho mejor ".

Por su parte, Michael Brooke de Sight & Sound comentó: "Aunque es fácil ver por qué fue clasificado como una película de terror, su primera mitad presenta lo que sigue siendo uno de los retratos más visceralmente vivos de una relación de desintegración comprometida con el cine, rivalizando cómodamente con Lars von Trier y su "Anticristo", u otras películas de David Cronenberg y "Escenas de un matrimonio" de Ingmar Bergman ".

En 2013 el británico Michael Dodd de Bring The Noise quedó impresionado con lo que él llamó "una intensa exploración de la ruptura conyugal". Argumentó que esto hizo Posesión es "una de las pocas películas de terror que construye con éxito una historia trasera para sus personajes principales". 

La revista Variety dijo de ella que " Posesión comienza con una nota histérica, se queda allí y la supera a medida que avanza la película. Hay excesos en todos los frentes: en la vida supuestamente ordinaria de los matrimonios y luego en los acontecimientos ocultos, intrincados escándalos políticos con el infame muro de Berlín . Todos abundan en este cuento horror--político--psicológico. "

Para Rogert Ebert "Posesión" está impregnado por una genuina sensación de temor y tristeza ocasionales. No es mero "Satanás" que se apodera del cuerpo de Adjani - es el mal mismo, aunque definido en términos puramente seculares".

El director Andrzej Zulawski decidió que la película  se desarrollara en Alemania, ya que se encontraba cercano a su país y ciudad de origen. Cuando escribió el guion, y se divorciaba y tuvo la oportunidad de trabajar con el rodaje en Estados Unidos, pero se negó finalmente.

En España Jordi Costa escribía en El País en las que dice que "Incluye algunas de las escenas más tremendas e inquietantes del moderno cine de horror: el aborto de Adjani en el metro, sus retozos con los reptantes falos del monstruo, o cuando golpea a su marido"

Żuławski desde principio pensó que Isabelle Adjani era la indicada para protagonizar la película, creía que tendrá éxito en el personaje. Adjani se negó a trabajar con un personaje tan fuerte y caracterizado, pero el director de fotografía, Bruno Nuytten, logro convencerla.

La "extraña criatura" que aparece en la película, fue creada por Carlo Rambaldi , escultor italiano, quien trabajo en notables obras como King Kong - entiendo que la versión de Guillermin- y E.T., el extraterrestre.

Además de en Cannes donde Andrzej Żuławski fue nominado a la Palma de oro e Isabelle Adjani resultó la ganadora a la mejor actriz, la película fue presentada en la muestra Internacional de Cine de São Paulo en el 1981 donde obtuvo el Premio de la crítica y Andrzej Zulawski fue el ganador ala dirección.

En los Premios Cesar del año 1982 Isabelle Adjani fue premiada como mejor actriz Isabelle Adjani . En el portugués Fantasporto en 1983 la película tuvo una mención especial del jurado y fue nominada a la mejor película y mejor actriz , resultando ella Isabelle Adjani, la ganadora del mismo. En los Deutscher Filmpreis del año 1982 tuvo dos nominaciones al Mejor actor de reparto para Heinz Bennent por su papel de Heinrich y a la mejor actriz para Isabelle Adjani.

Lo cierto es que Posesión de Zulawski no es una película fácil. Es delirante, potente, atroz, terrorífica, lírica,etc... en la misma media que es dispersa, soporífera por momentos, excesiva, brutal, violenta hasta decir basta. Puede que Zulawski estuviese divorciándose y odiase a su mujer en ese momento, pero lo cierto es que la película nos mete en un infierno psicológico. Żuławski escribió el guión después de su matrimonio con Małgorzata Braunek (la estrella polaca de sus dos primeras películas) y le quedó la responsabilidad de cuidar de su hijo Xawery (hoy en día un célebre director por derecho propio). 

Al mismo contribuye el silencio y la soledad de una ciudad dividida como era ese Berlín, en todo momento plomiza, decadente, fría y gris en la película como vemos permanentemente en su fotografía, aunque lo haga con una narrativa hiperactiva, crispada y en muchos plano-secuencias. En ella Isabelle Adjani, siempre vestida de azul,   hace de loca poseída como nadie lo ha hecho en el cine. Su interpretación es física y agotadora. Pocos metros atrás queda Sam Neil con una mirada y una sonrisas que da miedo. Ambos estremecen en esta declaración íntima y personal , aunque expuesta al público que somos los espectadores, su perspectiva de crisis personal por medio de estos personajes complejos como pocos. 

Como bien declaraba Santiago González desde luego la película se saca de su zona de confort, llegando a ser tremendamente incómoda. O como señalaba Rogert Ebert "Żuławski permanece profundamente comprometido con los secretos del alma humana, que percibe como desgarrados para siempre por violentas contradicciones. Sólo en eso, él es un director profundamente romántico: un explorador apasionado de lo que es más autodestructivo sobre nosotros. Y sin embargo, uno siente que él se esfuerza por una exaltación que demostraría ser lo suficientemente redentora como para ayudarnos a continuar a pesar de nuestros deseos profundamente divisorios.


domingo, 19 de febrero de 2017

Medianoche con Clint Eastwood


Primavera del 98, posiblemente abril del mismo, Clint Eastwood volvía a estrenar una película y ¡qué menos! que ir a verla. Por supuesto, bien acompañado. Sin embargo, me sorprendió la misma , no sé si para bien o para mal. Esperaba algo así como un nuevo Los Puentes de Madison , sin embargo, lo que pude ver fue una mirada a las peculiaridades de una de las ciudades históricas de Georgia, concretamente, Savannah, una de las pocas ciudades que se salvaron de la destrucción absoluta con la guerra civil. 

Esta ciudad portuaria, la tercera en importancia y la más antigua del Estado , conocida por ser la ciudad más "hechizada" de los Estados Unidos, con más de 80 cementerios y cerca de 50 edificios encantados donde se datan fenómenos paranormales, que llaman la atención de quien visite la ciudad. 

Dicen de Savannah que es una de las ciudades más hermosas de los Estados Unidos. Sus 24 plazas ornamentadas con estatuas y fuentes, con árboles de elevado porte plantados en las mismas dan un aspecto especial a la ciudad, que se complementa con la supervivencia de numerosas viviendas anteriores a la Guerra de Secesión. Es pues una de las ciudades más típicas del Viejo Sur (Deep South) de Estados Unidos y que será el marco ideal para el desarrollo y la presentación de personajes pintorescos que aparecen en Medianoche en el jardín del bien y del mal. 

Medianoche en el jardín del bien y del mal  es una película estadounidense del año 1997, dirigida por Clint Eastwood y no está protagonizada por Clint Eastwood, y eso que para la fecha en cuestión él era todavía protagonista de la mayoría de sus películas. Clint Eastwood aparece como productor , al igual que Arnold Stiefel por lo  que en la misma están implicadas Malpaso Productions,  Silver Pictures y la Warner Bros. Pictures encargada de la distribución. 

El guión correspondió a John Lee Hancock , aunque basado en la novela de John Berendt, al que no hace mucho leí en su libro La ciudad de los ángeles caídos, libro que se centraba en Venecia y lo que había supuesto el pavoroso incendio de la Ópera del Lido. Periodista y escritor vinculado a la revista Esquire y al New York Magazine , al mundo televisivo - trabaja junto a David Frost, por ejemplo- y que en los años 80, su vida se vio dividida entre los frecuentes viajes a Savannah, en Georgia, y su oficina de Nueva York.

Finalmente, estuvo viviendo en Savannah casi ocho años de su vida. Allí conoció a numerosas personas y célebres nouveau riches (nuevos ricos), y recopiló todo lo necesario para escribir una apasionante novela acerca de los sucesos que había visto y vivido en la ciudad, respecto al asesinato del joven Danny Hansford. Todo lo que el sintió en esta cálida ciudad del sur. así como sus gentes extravagantes, sus clubes, jardines y evocadores cementerios absorbieron de tal manera a Berendt que su novela Medianoche en el Jardín del bien y del mal invitó a muchos curiosos a visitar la ciudad; se dice incluso que algunos de los conocidos de John Berendt hicieron lo que podían para salir en su novela, ávidos de fama. Su libro fue durante tres años consecutivos el más leído de los más recientes best-sellers en la lista elaborada por el New York Times. Ante esto Clint Eastwood no dudó en llevarla al cine.  

El director contó con la música de Lennie Niehaus, la fotografía de Jack N. Green, el montaje de Joel Cox.

En el reparto aparecen Kevin Spacey como Jim Williams y John Cusack como John Kelso en los dos principales papeles. Junto a ellos aparecen Jack Thompson como Sonny Seiler, Irma P. Hall como Minerva, Jude Law como Billy Hanson, The Lady Chablis como Chablis Deveau, Alison Eastwood como Mandy Nicholls, Paul Hipp como Joe Odom, Kim Hunter como Betty Harty, Geoffrey Lewis como Luther Driggers - el señor de las moscas-, Bob Gunton como Finley Largent, Richard Herd como Henry Skerridge. Igualmente aparecen Leon Rippy como Detective Boone, Sonny Seiler como Juez White, Dorothy Loudon como Serena Dawes y Michael Rosenbaum como George Tucker.  

Un joven escritor de Nueva York, John Kelso ( John Cusack ), es enviado a la sureña localidad de Savannah por parte de su periódico para informar sobre la prestigiosa fiesta de Navidad de un adinerado y excéntrico personaje local llamado Jim Williams.

Williams, un millonario coleccionista de arte, anticuario, vividor y después descubrimos que homosexual. Kelso queda intrigado por la personalidad de Williams y la de otros curiosos habitantes de la ciudad georgiana, como un señor que sale a pasear un perro, aunque sólo sea con su collar,  o los ciudadanos a los que gustan pasear e incluso fotografiarse con un famoso perro , un bulldog, símbolo de la universidad que ante todo le sorprende cuando conoce a un rudo chico limpiando su coche y que resulta ser el amante secreto de Williams, Billy Hanson (Jude Law), un joven atractivo y violento.

Williams que vive en una famosa vivienda de la ciudad, la Mercer House  ahora llamada Mercer-Williams House Museum , - ubicada en el 429 Bull Street y que se encuentra en el extremo suroeste de Monterey Square de Savannah- es enseñada por su propietario que le cuenta como fue diseñada por John S. Norris para el General Hugh Weedon Mercer (bisabuelo del compositor Johnny Mercer ) y cuya construcción de la casa comenzó en 1860 aunque fue interrumpida por la Guerra Civil Americana. Se terminó alrededor de 1868 por un nuevo propietario, John Wilder . El edificio fue utilizado como el templo de Savannah Shriners Alee y luego quedó vacante hasta que en 1969 Jim Williams , uno de los primeros restauradores privados más antiguos y más dedicados de Savannah, la compró y la restauró.  Ese será el escenario de un par de fiestas previas al día de Navidad. La primera de solteros y la segunda la que viene a constatar con su reportaje.

Esa noche Kelso se despierta ante la llegada de una visita imprevista. Una joven Mandy Nicholls (Alison Eastwood) se presenta en su casa por hielo. Más tarde, le invita ir a una fiesta en la que intima con ella y con otros invitados.

Al día siguiente tiene lugar la fiesta y al propio Kelso le entregan un frac. A la misma asiste la jet set local a la que vemos deambular como una fauna curiosa de personalidades locales.

Pero, mientras que Williams, le hace algunas confesiones como su estrato social humilde o sus dudas sobre algunos de los asistentes le presenta igualmente su más privada colección de armas como la daga con la que el Príncipe Yusupov mató a Rasputín, una lugger, así como otras cosas.

En un momento dado se persona el violento joven Billy Hanson ( Jude Law ), que le pide dinero a quien posiblemente sea su  amante de Williams para drogas, algo que se niega Williams, amenazándose el uno al otro con una botella que rompe el chico y con una pistola el propietario.El chico finalmente huye.

Esa misma noche, cuando ya está en su casa Kelso detecta que hay mucha policía y se entera que Billy ha sido asesinado, y Kelso decide quedarse y transformase en un reportero policíaco para investigar por su cuenta lo ocurrido, lo que le permitirá conocer a fondo el ambiente y los estrafalarios personajes del lugar.

Por lo pronto, Williams reconoce ser la persona que ha disparado, pero alega que lo ha hecho en defensa propia , pues- según afirma- Billy se personó con un arma con la intención de matarle.

Así va conociendo una galería de personajes, entre los cuales están los vinculados con Billy como The Lady Chablis (Chablis Deveau ), un travestí de color o por parte de Williams con Sonny Seiler (Jack Thompson), el abogado de Williams cuyo famoso perro " Uga IV " es la mascota oficial de los Universitarios "Bulldogs" de Georgia , o  Minerva (Irma P. Hall), una médium con la que va Williams junto a Kelso a un cementerio local, uno de tantos, para reconocer media hora antes de la medionoche en ese jardín del bien y del mal, para averiguar el lado bueno del chico, la enorme creatividad, algo malo del mismo, su carácter violento.

Envuelto en este  ambiente extravagante y tratando de resolver el asesinato de Billy, Kelso no tiene un minuto de descanso entre tantas excentricidades de Savannah.

A una de las personas que ha de preguntar el periodista es  Lady Chablis , una comediante transexual  que le tira los tejos a Kelso. Para también en una cafetería descubre a un hombre que mantiene las moscas atadas a unas mini correas en sus solapas y que amenaza diariamente envenenar el suministro de agua local. También conoce a Serena Dawes, una ex actriz de cine mudo; el club de la tarjeta de las señoras casadas; y , especialmente a  Minerva, una practicante espiritualista y vudú .

Estos no le impide iniciar una relación con  la chica que le invitó a la fiesta  y que descubre que es una cantante   y ayudar a resolver algunos de los misterios que rodean el asesinato de Hanson, y que parece apuntar a Williams como asesino.

La cosa se complica por el ambiente en que se movía Billy , chapero profesional y consumidor habitual de droga y alcohol, que daña la imagen pública del rico hombre. La misión de Kelso es demostrar que el caso está lleno de lagunas, especialmente ahora que la policía y la fiscalía han decidido que Williams ha de ir a la cárcel como responsable de la muerte de Billy. Pero hay dudas en los indicios como el hecho de que Billy no tiene restos de pólvora en las mismas.

De cualquier manera el juicio comienza y ahora es cuando el abogado defensor Sonny Seiler sca su artillería pesada ante el juez y el jurado que han de encontrar a Williams culpable o inocente.

Mandy Nicholls y Kelso inician su investigación y para ello contarán con Minerva, pero sobre todo con la declaración de  Lady Chablis, con la que asiste Kelso a una puesta de largo de la sociedad negra local, y sobre todo la de la enfermera de urgencias del hospital al que llevaron el cuerpo de Billy, donde se detecta una irregularidad.

Para el agrado de Kelso y de los testigos. Williams es declarado inocente , aunque  Kelso que ha probado la inocencia del mecenas local, aunque momentos antes éste le confiesa que lo mató cuando Billy tiró el reloj y se encontraba inerme.

La verdad le duele a Kelso  que se despide de Williams  no sin antes agradecer lo mucho que ha hecho por él, por el que le regala un importante cuadro. Nada más marcharse Kelso , Williams sufre un ataque al corazón y muere una semana después de que el juicio concluye.

Al morir en el suelo cerca de donde Hanson murió de sus heridas, Williams tiene una aparición del chapero en la muerte, entonces momentáneamente vivo y soniendo. Tras ello vemos a Hanson y Williams muertos a sólo unos pocos metros el uno al otro.

Después del entierro al que asiste Kelso vemos como Minerva está afuera y ve como asisten muchos de los protagonistas ante la tumba de visita de Hanson.

Al final vemos a Kelso y Mandy, que salen junto a la señora Chablis a un picnic con Uga por  el parque de Forsyth de Savannah, cruzándose a una vez más con Minerva, mientras ella da de comer a una ardilla.

La fotografía principal comenzó en la primavera de 1997 y fue rodada en Savannah, Georgia principalmente, especialmente en edificios históricos de la ciudad como Mercer House (La casa de Williams),   Forsyth Park, el  Cementerio de Bonaventure, , el Pub  Churchill's , el edificio Federal Tomochichi  que es palacio de justicia,  Armstrong House, en Bull Street,  una de las principales calles de la ciudad como la Oficina de Abogados de Jim William, así como en la Warner Brothers Burbank Studios.

La película nos muestra a Uga V , el bulldog inglés mascota que es el símbolo  de la universidad de Georgia , que hace de Uga IV ,aunque la película está dedicada a la música de Johnny Mercer , natural de Savannah. La imagen de apertura de la película, por cierto, es de la lápida de Johnny Mercer.

La película se basa como ya hemos visto en la novela homónima escrita en 1994 con el título de Midnight in the Garden of Good and Evil por el escritor y periodista John Berendt. El libro trata sobre el viaje que Berendt realizó a principios de la década de 1980 a Savannah, en Georgia; allí conoció a un sinfin de personajes famosos en la ciudad, desde los aristócratas, como James Arthur Williams, hasta personas humildes o curiosas como Joe Odom, pasando por cantantes, pianistas, chaperos, sacerdotisas vudú y drag-queens (Lady Chablis).

El propio Berendt afirmó que el libro mezclaba a partes iguales realidad y ciertos toques o licencias artísticas, como por ejemplo, el cambio de algunos nombres para no herir la sensibilidad de algunas personas, o para proteger su identidad, pero en líneas generales, Berendt relató lo más fielmente posible la ciudad y sus personajes por medio de  notas que iba tomando, y los recuerdos que tenía de cada personaje que conoció, intentando representar tanto la dulcificada como la cruda realidad.

Su estilo, y seguro que es detectable en la versión original,  abunda en lenguaje coloquial, rápido y directo; la novela está estructurada en varios capítulos y ordena de forma organizada cada suceso.

En general, se centra en las investigaciones en torno al crimen Williams-Hansford, un episodio tristemente conocido en Savannah, acerca del asesinato de un joven (Danny Hansford) a manos de su jefe y amante, el propio James Williams.

A Berendt le encantó el  estilo decadente, las fiestas lujosas y la creencia de que era una ciudad parada en el tiempo, aún evidenciando su pasado colonial, incluso pirata, convirtieron a Savannah en un lugar turístico de moda en torno allá por el año 1990, acrecentando su interés debido a la restauración de las mansiones y por la fama de sus bellos asesinatos, como se conocía a principios de siglo a Savannah. Tras su publicación en 1994, Savannah sufrió un espectacular incremento del turismo, debido al  morbo e interés que despertaban las descripciones y los hechos acaecidos en la novela de Berendt.

Para la película se hicieron varios cambios en la adaptación de la película del libro. Muchos de los personajes más coloridos fueron eliminados o combinados en caracteres compuestos. El escritor, interpretado por Cusack, estaba basado en Berendt, pero se añadió la historia amorosa que no figuraba en el libro, que es  interpretado por la hija de Eastwood, Alison . El abogado de la vida real de Jim Williams, Sonny Seiler, aparece en la película en el papel de Juez White, el juez presidente del juicio.

Hoy día, tras sus espectaculares y cuidadas reconstrucciones de mansiones, y su tono general de serenidad y de «ciudad detenida en el tiempo», como una «Venecia de Norteamérica», todavía recibe un gran número de visitantes al año, y según dicen, la fama se la deben ya no sólo a su calidad como ciudad sino a Berendt, al que consideran uno de sus cronistas particulares.

En 1997 el director y actor Clint Eastwood, atraído por la historia de la ciudad y el libro, llevó al cine la adaptación de esta novela. El actor John Cusack dio vida a Berendt (si bien bajo otro nombre) y el presunto asesino fue interpretado por Kevin Spacey. El joven asesinado fue interpretado por un joven Jude Law en uno de sus primeros papeles, y la testigo principal —la drag-queen Lady Chablis (1957)— fue interpretada por ella misma.

Para la escena de la fiesta de Navidad en la casa Mercer, en realidad invitaron a un gran número de personas que habían estado anteriormente en las fiestas de Jim Williams, incluyendo a varios miembros de su familia. Estos extras elogiaron la película porque, no sólo era la atmósfera correcta, sino que además Kevin Spacey hizo perfectamente de Jimcomo anfitrión de sus fiestas.

Joe Odom era realmente una persona real, un ex abogado que abrió un piano bar con la vida real "Mandy", Nancy Hillis, pero Odom y Hillis nunca tuvieron nada. Odom murió de SIDA en 1991.
La famosa estatua de Bird Girl mostrada al principio de la película no es una de las originales sino  una réplica.

Alison Eastwood se sometió a tres audiciones, lecturas múltiples y pruebas de video antes de ser elegido como Mandy Nichols. El hecho de que su padre Clint Eastwood fuera el director era simplemente una coincidencia.

En cuanto a la producción no pudo encontrar una compañía de seguros que suscribiría el proyecto dado el valor extenso de las antigüedades. Todos los elementos vistos en la película son, por tanto, réplicas con los originales guardados durante la filmación.

El personaje de Luther Driggers interpretado por Geoffrey Lewis , ese extraño señor de las moscas, se basó en la vida real de un habitante local de nombre Moe Fetzer, y que fue en realidad un químico empleado por el gobierno federal. Está pobremente retratado en el libro, ya que no era un excéntrico en absoluto. Nunca tuvo una botella de veneno y la mosca en una cuerda fue un incidente de una vez en una fiesta. Murió odiando la forma en que fue retratado por Geoffrey Lewis.  El papel de John Kelso fue ofrecido previamente a Edward Norton  que lo rechazó.

La película no pudo recuperar su presupuesto, solo recaudando $ 25.1 millones frente a lo presupuestado y gastado que fue de unos $ 30 millones.

También recibió críticas mixtas, con una puntuación 'podrida' de 48% en la revisión agregada de Tomates Rotten , aunque su cu casting fue alabado, sin embargo, por la semejanza de Spacey con Williams. Spacey ganó el premio al mejor actor de reparto de la Sociedad de Críticos de Cine de Texas .

Mike Clark de USA Today dijo de ella que era una extravagancia cinemática opresivamente larga.

Antonio Weinrichter en  Cinemanía comenta que "Película llena de apuntes, exacta descripción de un escenario sureño y con momentos fascinantes" Omar Khan en esta misma revista afirma que "Estupenda pero poco atractiva para la taquilla"

Miguel Ángel Palomo en El País comenta que "Eastwood no sólo ofrece una asombrosa lección de cine, de intensidad narrativa, de dominio técnico, sino que también disecciona a sus personajes como reflejo de muchos otros, como espejo de una sociedad decadente, al tiempo que absorbe al espectador en una trama judicial"

La película fue galardonada con el premio STFC 1997  al mejor actor secundario  para el gran actor que fue y, posiblemente sea, Kevin Spacey.

Alberto Abuín en blog de cine nos dice que el realizador californiano sorprendió por varios motivos. Primero, él no aparecía como actor, algo que no ocurría desde su laureada ‘Bird’ (1988), y segundo, se adentraba en un tipo de cine que hasta ese momento no había formado parte del universo de Eastwood. En realidad, al director/actor no le interesaba demasiado la historia, le habían ofrecido un guión y no le llamó demasiado la atención. Sin embargo, el destino a veces juega sus cartas de forma muy curiosa, y un campeonato de golf llevó al director de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992) hasta Georgia, y enseguida le convencieron para visitar Savanah, la ciudad en la que se habían desarrollado los hechos recogidos en un libro, convertido en best selller, escrito por John Brendt y adaptado al cine por John Lee Hancock con quien Eastwood ya había colaborado en ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993). Una vez en Savanah, Eastwood oyó de la propia boca de los protagonistas la historia que se convierte en el eje central del film: el asesinato de un chapero a manos de su amante, un millonario conocido en la ciudad por su lujosa mansión en la que daba unas fiestas monumentales conocidas en todo el país. El director se sorprendió de la diferencia de opiniones y de cómo la historia cambiaba según quien la narraba. Eastwood dejándose impresionar por la magia del ambiente y el universo variopinto, comenzó su propia investigación sobre los hechos. y el resultado no está a la altura de las grandes obras del cineasta.

La película se divide en dos partes bien diferenciadas. La primera es simple y descriptiva, para nos presenta los extravagantes personajes que pululan por el relato, mientras que la segunda es un juicio en el sentido más clásico del término.

Gran trabajo del actor Jack Thompson el abogado de Williams, soberbio es igualmente el de Kevin Spacey o de la fotografía de Jack N. Green, una banda sonora  impresionante con canciones de Johnny Mercier, interpretadas por los propios actores o ese genio de nombre Brad Mehldau que reinventa el piano, la adaptación brillante del guión resumida al final de la película con la frase : “La verdad, como el arte, está en los ojos de quien la mira. Tú cree lo que quieras, yo creeré lo que sé”. Una película que se deja ver, y que yo afortunadamente he visto para recordarla, pues de la primera visión no recordaba nada de nada.