sábado, 22 de abril de 2017

Bravehearth


Hace poco más de un mes estuve en Stirling, una de las ciudades históricas de Escocia. A pesar de lo que que pueda parece la presencia de William Wallace en la ciudad pasa más desapercibida de lo queu uno pudiera esperar. Al menos por la ciudad, pues salvo en un edificio,The Steeple, El campanario del Athenaeum, que da inicio a la King Street, y que hace esquina tras descender Baker Street y Saint John Street - más bien su prolongación , Spittal Street, que presenta una escultura sobre la cima de una arcada que lleva el nombre de Wallace, y donde comienza una torre con un reloj, pocas referencias hay más. Eso sí, en los alrededores está el Monumento a William Wallace. Pero eso es otra historia. 

Parece ser que la película  Braveheart estimuló el  turismo en Stirling.  De hecho el estreno europeo de la película fue el 3 de septiembre de 1995 en Stirling.

Al año siguiente , en 1996, tuvo lugar allí la conferencia anual sobre Braveheart que duró  tres días en Stirling Castle que atrajo a los fans de Braveheart , aumentando la asistencia a la conferencia en 100.000 personas pasando de 66.000 a 167.000.

De los turistas que no eran de Escocia, el 15% de los que vieron Braveheart dijo que influyó en su decisión de visitar el país. De todos los visitantes que vieron Braveheart , el 39% dijo que la película influyó en parte su decisión de visitar Stirling, y el 19% dijo que la película fue una de las principales razones de su visita.

Ese mismo año, un informe del turismo dijo que efectivamente hubo un "efecto Braveheart " psando de ₤ 7 millones a ₤ 15 millones en ingresos turísticos, y el informe llevó a varias organizaciones nacionales alentar las producciones cinematográficas internacionales desarrolladas  en Escocia.

La película generó gran interés en Escocia y en la historia de Escocia , no sólo en todo el mundo, sino también en Escocia. Los aficionados vinieron de todas partes del mundo para ver los lugares en Escocia donde William Wallace luchó, también a los lugares en Escocia e Irlanda usados ​​como localizaciones en la película.

Por lo tanto aquí vemos el efecto del cine en el turismo. Gran parte de la responsabilidad de este hecho económico y cultural fue responsabilidad del director, productor y actor principal de Braveheart , Mel Gibson, y del autor en que el australiano se había inspirado un texto de Randall Wallace, qu a su vez partía de un poema épico de Blind Harry titulado de The Actes and Deidis of the Illustre and Vallyeant Campioun Schir William Wallace  y que fue adaptado por otro Wallace, Randall Wallace, autor del guión.

William Wallace fue un héroe nacional escocés que participó en la Primera Guerra de Independencia de Escocia.

La película fue producido por Mel Gibson, Alan Ladd, Jr. y Bruce Davey  como representantes de la productora 20th Century Fox , Icon Productions y Ladd Company , aunque fue distribuida en España - y a nivel internacional - por la 20th Century Fox

Un éxito de la misma fue la música de James Horner , la fotografía de John Toll y el montaje de Steven Rosenblum.

El reparto lo encabeza Mel Gibson como William Wallace , l que se suman James Robinson como joven William Wallace,  Angus Macfadyen como Robert the Bruce , Patrick McGoohan como el Rey Edward "Longshanks",  Sophie Marceau como la Princesa Isabel de Francia,  Catherine McCormack como Murron MacClannough-Wallace , Mhairi Calvey como una joven Murron . Junto a ellos aparecen Brendan Gleeson como Hamish,  Andrew Weir como el joven Hamish,  James Cosmo como Campbell , David O'Hara como Stephen de Irlanda , Peter Hanly como el Príncipe Eduardo , Ian Bannen como el padre de Bruce,  Seán McGinley como MacClannough , Brian Cox como Argyle Wallace - tío de William-,  Sean Lawlor como Malcolm Wallace,  Sandy Nelson como John Wallace , Stephen Billington como Phillip,  John Kavanagh como Craig , Alun Armstrong como Mornay, John Murtagh como Lochlan,  Tommy Flanagan como Morrison , Donal Gibson como Stewart,  Jeanne Marine como Nicolette , Michael Byrne como Smythe, Malcolm Tierney como el magistrado , Bernard Horsfall como Balliol , Peter Mullan como veterano,  Gerard McSorley como Cheltham (inspirado por Hugh de Cressingham ),  Richard Leaf como el gobernador de York , Mark Lees es un viejo escocés lisiado,  Tam White como MacGregor , Jimmy Chisholm como Faudron , David Gant como el magistrado real . Curiosamente a pesar de interpretar a padre e hijo, James Cosmo y Brendan Gleeson son tienen siete años de diferencia en edad.

La película comienza cuando se produce la matanza de un grupo de nobles escoceses, siendo el protagonista , William Wallace, un  niño (hacia 1280) es asesinado poco después de que el rey Edward / Eduardo "Longshanks" invade y conquista Escocia tras la muerte de Alejandro III de Escocia , que no dejó heredero al trono.

Durante la misma, Wallace perdió a su padre y a su hermano a manos de los ingleses, de hecho es testigo de la traición de Longshanks, y sobrevive a las muertes de su padre y hermano y muchos otros han sido asesinados desde entonces.

El joven William pasó entonces a la tutela de su tío Argyle (Brian Cox), quien lo lleva de peregrinación al extranjero (Francia e Italia) para que tenga una buena formación.

Años después vuelve a Escocia con la intención de vivir en paz, pero coincide concede a sus nobles tierras y privilegios en Escocia, incluyendo el endurecimiento de la opresión de Eduardo I con medidas como restablecer el Ius primae noctis, o sea, el derecho de pernada.


Mientras tanto William Wallace (Mel Gibson) ya ha llegado a Escocia y se enamora de la hija de un amigo de la infancia Murron MacClannough (Catherine McCormack) , y los dos se casan en secreto. Wallace rescata a Murron de ser violada por soldados ingleses, pero cuando vuelve a ver un segundo intento, Murron es capturada por el sheriff de Lanark (porque ella y Wallace se enfrentaron a unos soldados ingleses que la intentaron violar), y ejecutada públicamente.

Como venganza, Wallace lleva a su clan a matar a la guarnición inglesa en su ciudad natal y como repele una guarnición de ocupación .

Ahora William se ha convertido  un rebelde escocés que lidera una revuelta popular contra el rey Eduardo I de Inglaterra (Patrick McGoohan), apodado "Piernas Largas" ("Longshanks"), que quiere conseguir para él la corona de Escocia  se encuentra con la revuelta iniciada por Wallace y por su determinación de luchar a muerte para liberar a Escocia del yugo inglés. Por su parte ya no tiene marcha atrás ysu leyenda se extiende.

Su valor, carisma e inteligencia hace que sus filas se llenen de voluntarios, como los miembros de su clan, su amigo de la infancia Hamish Campbell (Brendan Gleeson), un  irlandés como Stephen el Loco (David O'Hara) llevando a los escoceses así como cientos de escoceses de los clanes circundantes que se unen a él. Longshanks ordena a su hijo, el príncipe Eduardo, que detenga a Wallace por cualquier medio necesario.

Wallace lleva a su ejército a la victoria en la Batalla de Stirling Bridge. Wallace busca la ayuda de Roberto el Bruce (Angus McFadyen), heredero del trono de Escocia, el hijo del noble Robert el Viejo y un contendiente para la corona escocesa. Robert es dominado por su padre, que desea asegurar el trono para su hijo sometiéndose a los ingleses.

Tras la victoria de Stirling, Wallace es nombrado "Guardián de Escocia" por los nobles, pero es consciente del oportunismo y la desunión de estos, a los que el rey Eduardo ha comprado con prebendas.

El dubitativo Robert Bruce se debate entre los consejos de su padre leproso (Ian Bannen) de pactar con Inglaterra y su deseo de seguir los pasos de Wallace. Consciente de que el enemigo volvería, Wallace invade el norte de Inglaterra y destruye la ciudad de York, matando al sobrino de Longshanks y enviando su cabeza cortada al rey.

Preocupado por la amenaza de la rebelión, Longshanks envía a la esposa de su hijo, el príncipe de Gales, Isabel de Francia, para tratar de negociar con Wallace. Después de conocerlo en persona, Isabella (Sophie Marceau) se enamora de Wallace. a infligir a los ingleses una gran derrota en Stirling.

Pero William encuentra una inesperada aliada en la  princesa Isabel  a quien el rey Eduardo I había enviado a negociar para ganar tiempo, pero ella se pone de su parte y ambos tienen un intenso romance.

Eduardo envía a todas sus fuerzas para enfrentar a Wallace, entre otras, además de las británicas, tropas irlandesas y francesas.

Gracias a la dama de compañía de la princesa Isabel, Wallace se entera del movimiento de tropas de Eduardo, y de la más que posible deserción de los nobles, los cuales desean pactar con el rey inglés, Wallace consigue la palabra de honor de Robert, the  Bruce de que los nobles lucharán.

Wallace implora a la nobleza escocesa que tome medidas inmediatas para contrarrestar la amenaza y recuperar el país.

Liderando el ejército inglés, Longshanks se enfrenta a los escoceses en Falkirk, donde los nobles Lochlan y Mornay, después de haber sido sobornados por Longshanks, traicionan a Wallace.

Finalmente, se inicia la Batalla de Falkirk, Eduardo envía inicialmente a los irlandeses en una primera oleada, pues le importan muy poco, contra Wallace y sus tropas, pero los irlandeses se unen a los escoceses.

Las tropas de Wallace, ahora con los irlandeses de su lado, luchan contra la infantería inglesa, y se produce una intensa batalla pero al mirar a su retaguardia, Wallace se percata de que los nobles huyen con sus tropas, entonces Eduardo ordena disparar a sus arqueros aunque sabe que también impactarán a sus propias tropas, la lluvia diezma tanto a escoceses como a ingleses.

El tiránico rey inglés ordena a sus refuerzos atacar y se retira, dando por ganada la contienda. Los escoceses pierden la batalla .

Wallace resulta herido en el pecho por una flecha; pese a ello, toma su caballo y se lanza en persecución de los ingleses. Un caballero , realmente un lancero, se bate con él y logra derribarle. Cuando se acerca a Wallace, tendido en el suelo y aparentemente inconsciente, éste logra desenmascararle y descubre que es Robert de Bruce. Consternado, consigue poner a Wallace a salvo antes de que los ingleses puedan capturarlo siempre con la ayuda de Stephen, el irlandés.

Wallace y los suyos reorganizan la resistencia. Los nobles que le traicionaron en Falkirk mueren por la mano de Wallace que mata a Lochlan y Mornay por su traición, y realiza una guerra de guerrillas contra los ingleses durante los próximos siete años, asistida por Isabella, con la que finalmente tiene un romance.

Isabella expone así su venganza por los enfermos mentales y físicos Longshanks diciéndole que está embarazada de la niña de Wallace.

Wallace ya se ha convertido en un mito y es más peligroso que nunca para los ingleses. Sin embargo, sabe que sin el apoyo de la nobleza, no hay nada que hacer.

Por eso se arriesga a reunirse con ellos en Edimburgo, a petición de Bruce (quien realmente desea ponerse de su lado). Robert y Wallace se van a encontrar en el castillo de Edimburgo, pero el padre de Robert ha conspirado con otros nobles para capturar y entregar a Wallace a los ingleses.

Sabiendo de su traición, Robert rechaza a su padre y Wallace es capturado por los ingleses, para desesperación del joven Bruce, quien culpa del engaño a su padre moribundo.

Wallace es llevado a Londres. En Londres, Wallace es juzgado por un magistrado inglés,baja el delito de alta traición y condenado a la tortura pública y a la decapitación.

Wallace se niega a someterse al rey. El juez le dice que pida Clemencia ( Mercy). Los gritos de misericordia proceden de una multitud que mira, profundamente conmovido por el valor del escocés, el magistrado le ofrece una última oportunidad, pidiéndole que sólo pronuncie la palabra "Misericordia", y que así se le conceda una muerte rápida. Por último Wallace grita: "¡Libertad!" Y el juez ordena su muerte.

Momentos antes de ser decapitado, Wallace tiene  una visión de Murron entre la multitud, sonriéndole.

Pero su sacrificio no ha sido en vano. Eduardo I de Inglaterra fallece y le sucede el débil Eduardo II. Años más tarde Robert Bruce se convierte en rey de Escocia, pero debe rendir vasallaje al monarca inglés.

En 1314, Robert, ahora rey de Escocia, dirige un ejército escocés . Momentos antes de enfrentarse a las tropas inglesas en los campos de Bannockburn , parece que puede aceptar formalmente el dominio inglés. Mientras empieza a cabalgar hacia los ingleses, se detiene e invoca la memoria de Wallace, implorando a sus hombres a luchar con él como lo hicieron con Wallace. Robert entonces conduce a su ejército a la batalla , pero antes de luchar y arenga a sus soldados en el sentido y el recuerdo de Wallace, venciendo en la Batalla de Bannockburn (1314) a un ejército inglés superior en número, liberando de esta manera a Escocia.

La película tuvo su  estreno en mayo de 1995. Contó Gibson con un presupuesto de entre $ 65-70 millones (según la web de Imbd fueron finalmente 72 millones) que multiplicó por tres en la taquilla al conseguir unos $ 210.4 millones.

Curiosamente el guionista Randall Wallace estaba  visitando Edimburgo en 1983 para conocer su herencia. Nunca había oído hablar de este personaje histórico con el que compartía apellido, pero estaba bastante intrigado por las historias que le habían contado sobre "el mayor héroe de Escocia" para investigar la historia tanto como fuera posible. De hecho, Randall Wallace empezó a escribir la historia tras ver dos estatuas presentes en la Esplanada previa al Castillo de Edimburgo y le preguntó a un guía turístico quiénes eran. Se trataban la de William Wallace y Robert el Bruce . La guía procedió a contar al guionista sobre su historia. Wallace se inspiró inmediatamente para escribir un guión sobre los famosos guerreros.

Fue un ejecutivo de la MGM, Alan Ladd Jr. , quien le dio el guión de Randall Wallace a Mel Gibson inicialmente rechazó el papel de William Wallace, porque se sentía demasiado viejo para el papel. La productora de Gibson, Icon Productions , tuvo dificultades para iniciar la producción con suficiente dinero incluso  decidiendo que él  protagonizar la película.

Aunque Mel Gibson inicialmente rechazaba el papel de William Wallace, ya que se sentía demasiado viejo para el papel.

Sin embargo, sólo podría obtener financiación para la película si estaba llegaba a un acuerdo con los estudios de Paramount para desempeñar el papel principal. La Warner Bros. estaba dispuesto a financiar el proyecto con la condición de que Gibson firmara otra secuela de Arma Letal , algo que él rechazó.

Paramount Pictures sólo aceptó ayudar si asumía la distribución estadounidense y canadiense de Braveheart , mientras que la 20th Century Fox se tenía que asociar para la distribución de la película a escala internacional. Mel Gibson originalmente quería que Jason Patric interpretara a William Wallace. Sean Connery rechazó el papel del rey Eduardo I porque estaba filmando Causa justa (1995).

El escritor Randall Wallace planeó inicialmente comenzar la historia con William Wallace como adulto y agregó el prólogo de su niñez solamente como un recurso narrativo. Cuando la secuencia fue escrita por primera vez, Murron le dio a William una rosa (en vez de un cardo) en el entierro de su padre. Sin embargo, alguien que leyó el guión útil señaló que la rosa, siendo un símbolo tradicional de Inglaterra, sería algo inapropiado como un rasgo prominente en la historia, mientras que el cardo es un símbolo escocés.

Mientras que el equipo se pasó seis semanas rodando en Escocia, las principales escenas de batalla fueron filmadas en Irlanda usando miembros de la Reserva del Ejército Irlandés como extras. Para bajar los costos, Gibson tuvo   hasta 1.600 en algunas escenas, que asumían el rol de ambos ejércitos. A los reservistas se les había dado permiso para hacerse crecer barbas e intercambiaron sus uniformes militares por trajes medievales. Gibson atenuó las escenas de batalla de la película para evitar una calificación NC-17 de la MPAA ; La versión final fue calificada R por " guerra medieval brutal".

De cualquier manera las dos grandes batallas rodadas en la película, la de Stirling Bridge y la de Falkirk han sido consideradas modélicas por la espectacularidad y su modelo de rodaje. La batalla final de la película fue más real de lo que se piensa, ya que se eligieron como extras a los hombres de dos pueblos rivales. La razón es que los extras utilizados para las escenas de batalla eran en su mayoría miembros de la FCA, el ejército de reserva irlandesa. Debido a que fueron extraídos de muchas compañías diferentes del ejército, y los miembros de éstos se componen generalmente de la misma localidad, la rivalidad local entre tales compañías es habitual.

Al parecer, algunas de las escenas de batalla que se ven en la película son mucho más realistas de lo que se podría imaginar . Muchos de ellos tuvieron que recibir asistencia médica después de la batalla. Se usaron caballos mecánicos diseñados para las secuencias de batalla. La batalla de Stirling tardó seis semanas en filmarse. Alrededor de 90 horas y cientos de metros de celuloide fueron filmados para la secuencia. Con 1.400 extras para algunas escenas, se tardará cerca de 4 horas para conseguir que todos estuviesen con sus trajes y maquillaje. La película tenía tantas escenas de peleas complicadas que Mel Gibson contrató a dos coordinadores de dobles para el trabajo.

Braveheart fue filmado en formato anamórfico con las lentes Panavision C y E-Series. Y las localizaciones se centraron en Irlanda, Escocia, pero también en los Estados Unidos. En Escocia se rodó en Fort William, Glen Coe, Aonach Eagach,Glen Nevis,Loch Leven, Onich, todas en los Highlands de Escocia, en Arizona (Estados Unidos) y en diversos condados de Irlanda como Wicklow (en los Ardmore Studios de Bray, Coronation Plantation , Sally's Gap,Luggala Estate, Kippure Estate en Blessington), Meath (King´s John Castle y Trim Castle, en Trim, Bective Abbey , Castillo de Dunsany, ) Condado de Dublín (Dunsoghly Castle como el Castillo de Edimburgo) , Condado de Kildare (Ballymore Eustace, El Curragh y Curragh Plains para la batalla de Stirling),Condado de Dublín (St Margarets en Dublín).

Durante las seis semanas que duró la filmación en la zona de Glen Nevis, que recibe las lluvias más fuertes de Europa sólo hubo tres días de sol se produjo, durante el cual la escena de la boda fue terminada. Los cineastas se resignaron al hecho de que la lluvia constante era inevitable, y optaron por escenas de cine independientemente de las condiciones climáticas. El primer día de rodaje fue el 6 de junio de 1994. Mel Gibson disfrutó trabajando en un set tan lejos de Hollywood. Los ejecutivos de los estudios no podían interferir con la producción.

La banda sonora de la película publicada en el 1995 fue compuesta por el compositor James Horner conocido por haber realizado las banda sonoras de las películas Titanic, Avatar —ambas de James Cameron—, Legends of the Fall o Una mente maravillosa entre otras. La banda sonora incluye una melodía que apareció luego en 1997 en la banda sonora de Titanic , la cual llegó a vender 24 millones de copias y ganó un varios premios entre ellos dos Grammys en 1998. La partitura fue compuesta y dirigida por James Horner y interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londres . Es la segunda de Horner en tres colaboraciones con Mel Gibson como director. La partitura ha pasado a ser una de las bandas sonoras más comercialmente exitosas de todos los tiempos. Recibió elogios considerables de los críticos de cine y el público y fue nominado para una serie de premios, incluyendo el Premio de la Academia , Saturno , BAFTA Award y Golden Globe Award . Es uno de sus trabajos más aclamados nominado a un Oscar, a un Premio BAFTA y a un Globo de Oro. La producción la llevó a cabo el mismo compositor James Horner.

Durante la post-producción, Mel Gibson y su editor Steve Rosenblum se enfrentaron con una película de 3h: 15m demasiada larga para un lanzamiento general. Cuando la ejecutiva de Paramount Sherry Lansing intervino, ella sugirió qué partes consideraba que debían ser cortadas. Esto al principio irritó tanto a los hombres que se molestaron por ser amonestados por personas de la productora. Después de algunas revisiones de su corte, sin embargo, ambos hombres finalmente acordaron que las sugerencias de Lansing eran el camino correcto a seguir, y así redujeron el tiempo de ejecución de 3h: 15h a 2h: 48m.

Braveheart recibió críticas generalmente positivas, aunque muchos escoceses se ofendieron por el retrato de la película de Robert Bruce, que es considerado un héroe nacional de Escocia (junto con Wallace) o por la edad de Gibson , 40 años, mientras que William Wallace tenía 20 años menos. El agregador de revisión Rotten Tomatoes le dio a la película una puntuación de 78% con una puntuación media de 7.2 / 10.

Las críticas sobre la película varían por la procedencia de la misma. En Estados Unidos fue muy elogiada.

En su crítica, Roger Ebert en las páginas del Chicago Sun-Times dijo sobre la misma que es una película "Una épica de acción con el espíritu de los clásicos de espada de Hollywood y la ferocidad sucia de The Road Warrior ".

La representación de la película de la Batalla de Stirling Bridge fue catalogada por CNN como una de las mejores batallas de la historia del cine.

Para Owen Gleiberman de  Entertainment Weekly entiende que "'Braveheart' ofrece algunas de las secuencias de combate más fascinantes en años, y la excesiva ferocidad de su violencia es parte de la emoción"

Peter Travers dijo de ella en  Rolling Stone que "Con impresionante habilidad, Gibson captura la excitación y el horror del combate en algunas de las más gráficas escenas de batalla jamás rodadas"

Peter Stack del San Francisco Chronicle nos dice que es "Una oda obsesiva al machismo de Mel Gibson"

Sin embargo, algunos medios de comunicación ingleses acusaron a la película de ir contra los británicos, de ser anglofóbicas . The Economist la llamó " xenófobo "   y John Sutherland   en The Guardian declaró que: " Braveheart dio rienda suelta a una anglofobia tóxica".

En The Times , MacArthur dijo que "los efectos políticos son realmente perniciosos, es una película xenófoba".

Ian Burrell, de The Independent, ha señalado que "El fenómeno Braveheart, un ascenso inspirado en Hollywood en el nacionalismo escocés , se ha relacionado con un aumento del prejuicio anti-inglés". 

En un sondeo realizado en 2005 por la revista británica Empire , Braveheart fue el número uno en su lista de "Los 10 peores películas en ganar mejor película Oscar".   Irónicamente, los lectores de Empire Magazine también votaron Braveheart la mejor película de 1995.

En España, Pablo Kurt en filmaffinity que " Gibson sorprendió a todos al arriesgarse con una superproducción no muy frecuente en los años noventa: un drama de 3 horas lleno de fuerza y ritmo sobre un héroe independentista escocés de principios del siglo XIV. Su relato de lucha por la gloria y la libertad, sus asombrosas escenas de acción y su romántica historia la hicieron carne de Oscar, además de arrasar todas las taquillas con una película de pérdidas y conquistas -de tierras y corazones-, que esconde sus debilidades y convencionalismos a base de espectáculo y épica. Muy entretenida.

Según Fernando Morales en las páginas de El País se trataba de "Interesantísimo drama épico. Excelentes secuencias de acción y brillante puesta en escena para un filme realmente espectacular" En ese mismo diario Miguel Ángel Palomo nos decía que "Gibson recupera el sabor de las películas aventureras de los años cincuenta (...) hace gala de una inesperada maestría narrativa y ofrece una obra compleja y excitante"

La película recibió su compensación en cuanto a premios se refiere en ese año 1995. Por lo pronto obtuvo cinco Oscars: el de mejor película (Mel Gibson Alan Ladd, Jr. Bruce Davey Stephen McEveety), director (Mel Gibson) , fotografía (John Toll), sonido (Andy Nelson , Scott Millan , Anna Behlmer, Brian Simmons)  y maquillaje (Peter Frampton , Paul Pattison , Lois Burwell) . Las nominaciones fueron a la mejor banda sonora original dramática (James Horner), Mejor montaje (Steven Rosenblum) , Mejor guion original (Randall Wallace) ,  Mejor diseño de vestuario (Charles Knode ) , mejor edición de sonido (Lon Bender y Per Hallberg)

También tuvo 10 nominaciones al Globo de Oro: Mejor director (Mel Gibson), aunque lo fue a la mejor película, mejor guión y mejor banda sonora.

De las cuatro nominaciones que tuvo obtuvo tres premios BAFTA: Mejor fotografía, vestuario (Charles Knode) y sonido en las personas de Per Hallberg, Lon Bender , Brian Simmons , Andy Nelson , Scott Millan,  Anna Behlmer . Las nominaciones fueron al mejor dirección Mel Gibson, a la mejor música , mejor diseño de producción (Thomas E. Sanders)  mejor maquillaje y peluquería para Peter Frampton, Paul Pattison y Lois Burwell. Otras cuatro nominaciones obtuvo en los MTV Movie Awards de ese año en concreto a la mejor película, mejor actor, pero también a la mejor secuencia de acción ( la batalla de Stirling) y... al hombre más deseable.

Ese año la  National Board of Review le dió a la película de Mel Gibson un buen número de nominaciones.

En los Critics' Choice Awards se le dio a  Mel Gibson el premio al mejor director. El Sindicato de Productores (PGA) la nominó a la Mejor película .

El Sindicato de Directores (DGA)la nominó al mejor director y la distinguió con el mejor guión original  el Sindicato de Guionistas (WGA).

Me ha resultado llamativo un artículo firmado por César Cervera  en HoyCinema titulado Las mentiras de «Braveheart»: el cine al servicio del relato independentista y que comienza así: "Es complicado trazar un perfil histórico sobre William Wallace que no esté barnizado por la propaganda. Su historia, de hecho, se escribió dos siglos después de fallecer.

En manos de Hollywood, se antojaba obvio que la película sobre su vida, «Braveheart» (Mel Gibson, 1995), abrazaría con complacencia el mito para describir al rebelde escocés en términos idealizados. Entre una infinidad de inexactitudes, la cinta oculta los orígenes nobles de Wallace para presentarlo como un humilde líder del pueblo escocés que lucha contra los malvados ingleses en respuesta a una injusticia sufrida en el seno de su familia. En el mejor de los casos, se trata de una visión ingenua de un personaje con poca trascendencia histórica y cuya rebelión se evaporó en cuestión de un año.

(...) Una serie de escritores escoceses, pocas veces historiadores, crearon en los siglos XVIII y XIX un pasado romántico para situarse como víctimas recurrentes de la opresión inglesa.

Según expone el libro «La invención de la tradición» de Eric Hobsbawm y Terence Ranger, el origen del proceso inventivo coincidió con el auge en Europa del Romanticismo, que vanagloriaba la figura del noble salvaje que, al igual que los piratas, los guerreros celtas o los sitiados de Barcelona en 1714, lucha por defender sus ideas y su patria hasta la muerte. Un relato eminentemente literario empleado por el nacionalismo con fines políticos, que Mel Gibson asumió en «Braveheart», ganadora del Oscar a la Mejor película en 1995.

La cinta, como todas las obras de ficción sobre William Wallace, se basa en el poema épico «The Actes and Deidis of the Illustre and Vallyeant Campioun Schir William Wallace», escrito por Blind Harry alrededor de 1470, casi dos siglos después del nacimiento del líder escocés, y que posteriormente se popularizó con la adaptación del poeta William Hamilton en pleno proceso de recuperación de símbolos de una Escocia legendaria.

No obstante, es complicado trazar una biografía verosímil sobre el personaje porque Blind Harry, cuyo poema sirvió de epicentro al relato histórico, afirmó haber empleado como fuente el libro de un amigo de la infancia de William Wallace, sin que nunca se haya podido encontrar el texto.

Del auténtico William Wallace histórico sabemos que fue un hidalgo nacido probablemente en Elderslee (condado de Ayrshire), y que inició la carrera eclesiástica como era costumbre entre los hijos segundos de la nobleza cristiana. No se conocen, sin embargo, las razones exactas por las que dejó el clero y se unió a la guerra contra Inglaterra.

Algunos historiadores han apuntado como causa la muerte de su padre durante una incursión inglesa en 1291, o algún tipo de afrenta personal por parte de las fuerzas de ocupación inglesas. Así, Eduardo I de Inglaterra -apodado «El Martillo de los Escoceses»- se vio obligado a intervenir en Escocia a finales del siglo XIII, donde el rey títere colocado por los ingleses en sustitución del fallecido Alejandro III, Juan de Balliol, se había aliado con los franceses.

La guerra comenzó con el saqueo de la ciudad de Berwick llevado a cabo por las tropas de Eduardo I de Inglaterra en marzo de 1296, seguido por la derrota de las tropas escocesas en la batalla de Dunbar y por la abdicación de Juan de Balliol ese mismo año.

Cuando la situación parecía bajo control inglés, emergió la figura de William Wallace, que, acompañado de Andrew de Moray, personaje omitido en la película, inició una nueva rebelión a principios del año 1297. «Un hombre alto con el cuerpo de un gigante, de aspecto jovial, con facciones agradables, ancho de espaldas y de huesos grandes», describe Walter Bower sobre el supuesto físico de Wallace.

El 11 de septiembre de 1297, Wallace arrasó por completo al ejército inglés comandado por el conde de Surrey en la batalla de Stirling Bridge. El ejército real, formado por 300 caballeros pesados y 10 000 hombres de infantería, fue dispersado por un ejército de apenas 5.000 hombres.

Un año después termina la rebelión y Wallace huye. Pese a los litros de tinta que se han gastada en cantar sus gestas, la aventura militar del hidalgo escocés terminó poco después de su famosa victoria sobre los ingleses y tras arrasar un centenar de pueblos del Norte de Inglaterra. Su trayectoria fue fugaz.

En marzo de 1298, Wallace recibió el nombramiento de Guardián de Escocia, pero unos meses después fue vencido en la batalla de Falkirk.

Aunque Eduardo I no consiguió finalizar completamente la rebelión, la reputación y liderazgo de William Wallace quedaron gravemente dañados, y tuvo que huir de las Islas británicas.  

El líder escocés reclamó sin éxito apoyos al rey Felipe IV de Francia, al Papa Bonifacio VIII ,  al rey Haakon V de Noruega y ante el papa Bonifacio VIII. Pero la firma de la paz entre Inglaterra y Francia echó por tierra estas gestiones. . Este exilio es ignorado en la película, siendo emplazado su viaje al extranjero a antes de la rebelión.

Tras regresar a Escocia en 1305 para reiniciar la rebelión, fue traicionado por un noble colaboracionista, John Mentieth, a cambio de dinero.

Los ingleses lo capturaron en su refugio de Glasgow y lo ejecutaron de forma salvaje en Londres. Lo desnudaron y lo arrastraron por la ciudad atado de los talones a un caballo desde el Palacio de Westminster hasta Smithfield.

De acuerdo con el método habitual de ejecución para los casos de alta traición, «fue ahorcado a una altura que no fuese suficiente para romperle el cuello, descolgado antes de que se ahogase, emasculado, eviscerado, y sus intestinos fueron quemados ante él, antes de ser decapitado».

Finalmente, su cuerpo fue cortado en cuatro partes: la cabeza fue colocada en una pica encima del Puente de Londres y las extremidades repartidas por distintas partes de Inglaterra.

Entre otras errores históricos de la película, Mel Gibson omite que el uso de pinturas de guerra llevaba siglos en desuso y que el kilt, o falda escocesa, es un invento nacionalista moderno. «Cuando los escoceses se juntan hoy para celebrar su identidad nacional, la afirman abiertamente a través de un kilt, tejido en un tartán con los colores de su clan, y de una gaita. Este instrumento, al cual atribuyen gran antigüedad, es de hecho básicamente moderno como el kilt. Su uso se desarrolló mucho después de la Unión con Inglaterra como símbolo de protesta», explica Hugh Trevor-Roper en «La invención de la tradición». Así, lo que eran un instrumento rudimentario y una prenda asociada como signo de barbarie por la mayoría de los escoceses en el periodo de William Wallace han terminado por convertirse en los símbolos nacionales por excelencia.

Otras elementos que omite o se modifican en la película son pequeño o grandes detalles como que Sir William Wallace es el segundo hijo de Malcolm Wallace, un hidalgo terrateniente de ascendencia galesa o que el saqueo de York fue inventado para la película. Wallace nunca llegó tan lejos como York durante su invasión al norte de Inglaterra.

La lengua de Wallace, Robert Bruce y en general de los escoceses de la época era el gaélico escocés, pero la película está totalmente en inglés por motivos prácticos. Por estos mismos motivos se le cambió el nombre a la esposa del Wallace histórico que era Marian Braidfoot. Se le cambió el nombre a Murron para evitar confusiones con Lady Marian, personaje de Robin Hood. Wallace ya había comenzado a hostigar a los ingleses cuando Marian (Murron) fue asesinada como represalia por el sheriff inglés de Lanark, William de Hazelrig, en mayo de 1297.

El derecho de pernada realmente no existió como tal derecho (excepto tal vez de forma simbólica). Se incluye en la película para dar al dominio inglés una apariencia más vil.

La princesa Isabel no llegó a Inglaterra hasta 1308 (con 16 años), tras la muerte de Wallace y de Longshanks, para casarse en un matrimonio político con el príncipe de Gales, Eduardo II de Inglaterra.

En la película no se menciona al lugarteniente del Wallace histórico, Sir Andrew Moray, uno de los caballeros más importantes de Escocia y que actuaba desde el norte del país. Murió a consecuencia de sus heridas poco después de la Batalla de Stirling.

El emotivo discurso de Wallace antes de la batalla está inspirado en el Enrique V de Shakespeare. En una entrevista de octubre de 2009 con "The Daily Mail", Mel Gibson admitió que la película era muy ficticia, pero afirmó que los cambios se habían hecho con fines dramáticos. También admitió que siempre había sentido que era por lo menos una década demasiado viejo para ser Wallace.

En la batalla de Falkirk las fuerzas de Wallace son diezmadas por los arqueros galeses, por la superioridad numérica de los ingleses y por la deserción de los nobles. Wallace recibió un flechazo en la garganta (en la película es en el pecho), pero logró sobrevivir y escapar. Sin embargo, Eduardo I no pudo conquistar más que una pequeña zona del país. Robert Bruce y otros continuaron la resistencia hasta que la paz anglo-francesa y la caída del castillo de Stirling en 1304 les obligaron a negociar la paz.

Mientras que en la película el rey Eduardo I de Inglaterra muere casi en el mismo instante en el que lo hace Wallace, en realidad lo hizo casi dos años después de la ejecución de éste. A Wallace lo ejecutaron en 1305 y el rey murió en julio de 1307. Por cierto,"Braveheart" era realmente el apodo de Robert the Bruce, no de William Wallace. La película se cita a menudo como la epopeya histórica menos exacta de todos los tiempos, pero está incluida entre los "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

Para más inri, en 1997, se colocó una estatua de piedra arenisca de 12 toneladas que representaba a Mel Gibson como William Wallace en Braveheart en el aparcamiento del Wallace Monument cerca de Stirling ,. La estatua, que era la obra de Tom Church. Además incluyó la palabra "Braveheart" en el escudo de Wallace. La instalación se convirtió en la causa de mucha controversia. Un residente local declaró que era incorrecto "profanar el monumento principal a Wallace con un pedazo de mierda".

En 1998, alguien que manejaba un martillo golpeó la cara de la estatua. Después de que las reparaciones fueran hechas, la estatua fue encerrada en una jaula cada noche para prevenir más vandalismo. Esto sólo incitó a más peticiones para que la estatua fuera removida, ya que entonces parecía que la figura de Gibson / Wallace fue encarcelada. La estatua fue descrita como "entre las piezas más aborrecidas del arte público en Escocia".

En 2008, la estatua fue devuelta a su escultor para hacer sitio para un nuevo centro de visitantes que se está construyendo al pie del Monumento de Wallace y que , por cierto, sólo pude verlo desde la distancia en un frío día de febrero de este año. Era lógico ver la película ¿ o no? Por cierto, entretenida a pesar de la duración, aunque menos épica me ha parecido vista 22 años después. Pero para pasar el rato está bien.




Pandorum


La casualidad ha hecho que veo este film claustrofóbico y desconcertante que lleva el título de Pandorum, pues lo he visto - y ya es raro- en el canal de #0. Pero me encontraba tan cansado después de dos días caminando por la Sierra que me apetecía ver algo y acostarme pronto.  Y así ha surgido Pandorum. El título de la película hace referencia a una psicosis ficticia llamada "síndrome disfuncional orbital" (ODS para abreviar) causada por el espacio profundo y desencadenada por estrés emocional que conduce a paranoia severa, delirio y sangrado nasal. La película recibió críticas mixtas a negativas , pero ha ganado un culto siguiendo con el tiempo. 

Se trata de una película de ciencia ficción del año 2009, escrita por Travis Milloy y dirigida por Christian Alvart , que también firma el guión. Realmente es una coproducción británico-germana que contiene elementos de horror en un estilo cercano a lo Lovecreaftiano es decir HP Lovecraft (1890 - 1937) entendido como ficción del horror que acentúa el horror cósmico de lo desconocido (y en algunos casos, incognoscible) más que gore. y con un sentido de aventura por la supervivencia .  

Está producida por Robert Kulzer, Jeremy Bolt y Paul WS Anderson a través de la  productora alemana Constantin Film Produktion y la británica Impact Pictures , junto a Alliance Films  siendo encargada de la distribución la Overture Films. Contó con un presupuesto final de 33 millones de dólares.

En el apartado musical participa Michl Britsch , mientras que la oscura fotografía es del alemán Wedigo von Schultzendorff y el montaje de Philipp Stahl.

El reparto lo encabeza Dennis Quaid como el Teniente Payton,  Ben Foster como el Cabo Bower, Cam Gigandet como Gallo, Antje Traue como Nadia, Cung Le como Manh,  Eddie Rouse como Leland, André Hennicke como el líder de los cazadores. También aparece , aunque fugazmente Norman Reedus como Shepard, Wotan Wilke Möhring como el Padre de Bower,  Niels-Bruno Schmidt como oficial Eden. Junto a ellos Yangzom Brauen y Alessija Lause

La película comienza con una información de que estamos ante una película de ciencia ficción y que se desarrolla en el año 2174. Para ese año la Tierra está superpoblada, las reservas de agua y comida empiezan a escasear peligrosamente. La población humana ha superado la capacidad de carga de la Tierra. Por esta razón  se envía una gigantesca nave espacial, o arca interestelar,  la Elysium, para colonizar Tanis, un mundo que reúne condiciones similares a la Tierra para albergar vida humana y que había sido descubierto unos años antes, en 2156,  por una sonda espacial.  La Elysium contiene 60.000 personas en un viaje de 123 años para colonizar este planeta parecido a la Tierra llamado Tanis.

Los pasajeros son inducidos al hipersueño estableciéndose una rotación de tripulación cada dos años. Pero el tiempo pasa... Ocho años después de la misión, la nave recibe una transmisión de la Tierra en varios idiomas: "Vosotros sois  todo lo que queda de nosotros. Buena suerte, que Dios os bendiga ".

Algún tiempo indeterminado y desconocido después, - realmente en el año 3097-  dos miembros de la tripulación, el Cabo Bower (Ben Foster), y , poco después, el Teniente Payton (Dennis Quaid) se despiertan en sus cámaras de hibernación, sin recordar nada de lo que ha sucedido: ni quiénes son, ni cuál era su misión o por qué, aparentemente, son los únicos supervivientes.

La pérdida temporal de la memoria se presenta como un fenómeno natural post hibernación que ambos asumen con cierta normalidad.

La nave está experimentando subidas de tensión causadas por la inestabilidad del reactor nuclear, lo que les impide entrar al puente de mando donde creen que está la tripulación a la que deben relevar.

A pesar de tener energía en la estancia en la que se encuentran, Bower es enviado por Payton a investigar lo que sucede y accede a los conductos de ventilación para poder llegar al reactor y reconectarlo para que se pueda abrir la puerta. Mientras Payton se queda atrás para intentar acceder a la computadora del barco, Bower se aventura en la nave aparentemente abandonada usando el sistema de ventilación con la intención de estabilizar el reactor.

Después de sufrir un ataque de claustrofobia comienza a sufrir los síntomas del "Síndrome Disfuncional Orbital", una especie de enfermedad psicológica (que los pilotos apodan como "Pandorum") que causa delirio, alucinaciones, paranoia y violencia.  Se trata de una enfermedad psicótica severa conocida por afectar a los viajeros en el espacio profundo. Pandorum llevó al fracaso de una misión anterior, cuando el capitán de la nave llamado Eden , tan afectado por Pandorum que se convenció de que el vuelo fue maldito expulsó a los 5.000 pasajeros al espacio condenándolos ala muerte.

Payton cuando ve lo que le ocurre a su compañero recuerda lo que sabe sobre la enfermedad y le habla del primer caso: un piloto que mató a cinco mil pasajeros de una nave, al lanzar sus cápsulas de hibernación al espacio debido a que estaba convencido de que el vuelo estaba maldito.

Poco después Bower encuentra el cadáver de un miembro de la tripulación desmembrado y destripado violentamente. Cuando está cerca para analizarlo es atacado por una chica que resulta ser  Nadia, una ex genetista capacitada para la lucha y la supervivencia.

Ella se marcha rapidamente y desaparece al igual que Bower que se esconde al ver unas luces azules y comprobar que se trataba de humanoides salvajes y caníbales de piel pálida, olfato desarrollado y una cultura tribal y primitiva, que se llevan el cuerpo.

Bower, asustado, informa a Payton y le dice que deben intentar contactar con el puente (dado que se había establecido un turno de rotación cada tres años, y tanto Bower como Payton pertencian a la 5ª tripulación de vuelo), alegando que puede que los miembros de la tripulación anterior supieran que estaba pasando.

Payton descubre y le dice a Bower que la nave había sido lanzada con 60.000 personas en un viaje sin retorno.

Entretanto a Bower le llegan flash de su pasado y recuerda el mismo cuando la sonda espacial que precedió a la Elysium aterrizó en Tanis y descubrió vida y condiciones óptimas para la vida humana, además de culparse por dejar a su novia en la tierra.

Bower se reencuentra con Nadia, una ex genetista y con Manh, un agricultor asiático también capacitado para la lucha y más colaborador que Nadia. Pero todos vuelven a ser  atacados por los humanoides que Bower había visto.

El grupo huye hacia uno de los laboratorios de Nadia y ascienden varios niveles. Bower pide ir al reactor para repararlo (dado que logra recordar que era uno de los ingenieros de la 5ª tripulación).

Nadia dice que debían encender el reactor porque la nave estaba perdiendo energía con cada subida de tensión y había peligro de que todo el cargamento biológico y de colonización pereciese.

El grupo de Bower es atacado por los humanoides y se acaban refugiando en un contenedor que forma parte del área de ingeniería y carga, donde se encuentran con un cocinero llamado Leland, que ha estado despierto durante años, viviendo del agua que se filtra en la nave, de algas y del canibalismo.

Leland les cuenta la historia de la Elyisium, y de todo lo que habían visto: al parecer, la tripulación original, ocho años después de partir, recibe un mensaje de la Tierra en varios idiomas que dice: "Vosotros sois lo único que queda de nosotros. Suerte, Dios os bendiga y buen viaje".

Mientras tanto, Payton se encuentra con un joven que se hace llamar Gallo, quien asegura que la nave está perdida en el espacio.  Gallo afirma que después de que la nave recibiera la transmisión y se perdiera en el espacio, tuvo que matar a su tripulación porque según él, estaban desarrollando el Pandorum, después de descubrir que la tierra había desaparecido.

Nadia le dice a Bower que las criaturas salvajes son en realidad pasajeros humanos de la nave, que habían mutado debido a una enzima que se les suministraba durante la hibernación para que se adaptasen a las condiciones de Tanis, pero que por alguna razón se habían adaptado a la propia nave.

Leland da comida al grupo de Bower y les muestra dibujos murales que representan su verdadero origen. Según los dibujos, después de que la Tierra se desvaneciera después de una catástrofe desconocida, Gallo se volvió loco. Les cuenta la historia de como Gallo desarrolló el Pandorum al comienzo de la misión, al igual que otros pasajeros de la nave. Después de matar a su equipo, comenzó a "jugar a Dios" al despertar a los pasajeros y abusar de ellos. Gallo se convirtió en líder de estos y llevaron a cabo asesinatos de algunos pasajeros mientras estaban en hibernación.

Aprovechando su estado mental, Gallo convenció a estos pasajeros, muchos de los cuales eran afectados por Pandorum, para exiliarse a la enorme bodega de la nave en un juego de supervivencia que incluía cazarse, torturarse y comerse los unos a los otros.

Gallo volvió a entrar en hipersueño, dejando a los descendientes de los pasajeros evolucionando a lo largo de generaciones sucesivas, y convirtiéndose en la tribu que en esos momentos vagaba por la nave, jugando al juego que Gallo les enseñó y modificando su aspecto aceleradas por la enzima producida en los tubos de alimentación . Los descendientes de los pasajeros se adaptaron a su condición de vida y se convirtieron en una especie de troglofauna , convirtiéndose el salvaje juego de Gallo en el centro de su cultura.

Con el tiempo, Gallo volvió al hipersolar, dejando a los descendientes de los psicóticos para evolucionar. Después de varias generaciones,

Después de dar de comer alimentos  llenos de drogas Leland, aprovecha que el grupo se queda dormido para controlarlos. Cuando se despiertan, Leland se prepara para matarlos , pero Bower lo convence de que le deje arreglar el reactor de la nave, de lo contrario la nave será destruida, matándolos a todos.

Al notar que el núcleo de la nave ha sido inestable últimamentemente, Leland acepta liberar al grupo. Bower esperaba inicialmente encontrar a su esposa en el barco antes de que las criaturas lo hagan, pero más tarde sus recuerdos vuelven a él y recuerda que ella se divorció de él y se quedó en la Tierra, desapareciendo junto con el resto del planeta. Esta revelación casi le hace renunciar a la misión y lo empuja más cerca de la locura. Cuando esto ocurre el grupo de Bower encuentra el reactor descubren que también es la guarida de los humanoides.

Cuando el grupo de Bower encuentra el reactor, encuentran una gran multitud de mutantes durmiendo a su alrededor. Bower intenta acceder a la computadora del reactor sigilosamente, pero falla. Mientras Manh distrae a los mutantes, Bower reinicia el reactor, matando a muchos mutantes mientras huyen por una apertura.

Leland huye, y Manh es acorralado por el líder mutante alfa, quien lo reta a un combate. . En una pelea uno a uno, Manh mata al líder, pero tras derrotar al líder, Manh mientras huye muere a manos de una niña humanoide, a la que se negó a matar.

Con la energía restaurada, Payton puede acceder finalmente al puente, pero Gallo se vuelve cada vez más agresivo y le asalta, después de escapar de su tubo de hipersueño y en la pelea, Payton  que al preocuparse prepara una inyección sedante para someterlo.

Después de restaurar el poder, Payton intenta acceder al puente, pero Gallo lo asalta. Payton le quiere  inyectar a Gallo un sedante, pero de repente, Gallo se fusiona con Payton, quedando éste con la jeringa en la mano. Gallo desaparece repentinamente, dejando a Payton sosteniendo la jeringuilla en su propia mano.  Se pone de manifiesto que Payton es Gallo y Gallo mató al Payton real hace mucho tiempo. Gallo estaba alucinando con su yo joven (que había recibido el último mensaje de la tierra).Gallo creyó erróneamente que él es Payton.

En ese momento Gallo se encuentra con un Leland que llega al puente y quien dice que Bower había muerto. A continuación Gallo mata a Leland con la jeringuilla de la pistola sedante, clavándosela en el ojo.

Bower llega y al ver el cadáver de Leland, Nadia le pregunta:"¿Donde está el teniente?" a lo que Bower, armado con un arma le responde: "Ese no es el teniente".

Sin embargo, Nadia observa la vida bioluminiscente del océano a través de las ventanas, y la computadora muestra que han transcurrido 923 años desde que se lanzó la misión.

Bower y Nadia acceden al puente de mando y encuentran a Gallo, el cual abre la ventana del puente de mando y revelando que la nave está aparentemente perdida en el espacio.

El choque por la revelación empuja a Bower aún más lejos a la locura y él comienza a derrumbarse. Aprovechando el estado mental de Bower, Gallo trata de convencerlo de que deben mantener la sociedad violenta en lugar de tratar de revivir la civilización humana.  Esta revelación hace que Bower empiece a desarrollar Pandorum.

En ese momento Nadia descubre un animal bioluminiscente y observan que han transcurrido 923 años desde que partieron de la tierra (800 de los cuales los han pasado bajo el océano después de llegar a Tanis de forma automática).

Gallo ataca a Bower y a Nadia, y Bower alucina de repente con humanoides que invaden el puente. En su delirio, Bower dispara a una ventana y hace que la cabina se inunde, matando a Gallo y a los humanoides. Nadia se las arregla para ajustar Bower a la realidad, y se meten en una vaina de hipersueño, mientras que Gallo y los mutantes restantes se ahogan.

Bower y Nadia se salvan por muy poco. La inundación hace que la nave active el protocolo de emergencia y evacuación y salten hacia el exterior  todas las cápsulas de hibernación fuera de la nave a la superficie.

Bower y Nadia salen a la superficie frente a una exuberante costa, y son testigos de como otras cápsulas con supervivientes ascienden a la superficie, cerca de una exuberante costa , y presenciar la salida  una a una del resto de cápsulas. Así comienza el primer año en Tanis, con 1.213 sobrevivientes de los 60.000 pasajeros originales. comenzado así el año uno en Tanis, con 1.213 supervivientes, de los 60.000 pasajeros originales.

La película empezó a rodarse en una planta de energía abandonada en Berlín en agosto de 2008 y fue estrenada en Estados Unidos el 25 de septiembre de 2009. El 2 de octubre del mismo año fue estrenada en el Reino Unido y el 6 de noviembre en España.

La película comenzó la vida como un guión preliminar escrito por Travis Milloy a finales de los años noventa. El escritor Travis Milloy nunca pensó que sería considerado como una producción de estudio debido a su tono oscuro. La historia fue originalmente ambientada en un nave carcelario llamado Pandorum , transportando a miles de prisioneros más mortíferos de la Tierra a otro planeta. Los cazadores caníbales serian  el resultado final de la degeneración de los prisioneros. Los personajes interpretados por Antje Traue y Cung Le eran presos. El personaje de Ben Foster era un no prisionero que no confiaba en nadie.

Creyendo que ningún estudio querría hacer la película, Milloy pensó en hacerla como una película de bajo presupuesto con $ 200.000, rodada en video en una fábrica de papel abandonada con actores desconocidos.

Sin embargo, atrajo la atención del cineasta Paul WS Anderson y Jeremy Bolt , que estuvieron vinculados al proyecto cinematográfico de Resident Evil, y lo dieron a Impact Pictures, quien asumió, en parte, el proyecto.

Los productores dieron el guión al director Christian Alvart, que vio las similitudes con su propio guión titulado No Where . Su historia dramática era acerca de cuatro astronautas a bordo de un nave de colonos que sufren de amnesia. Alvart decidió que debían combinar los dos guiones juntos, y los productores y Milloy acordaron hacer la película. La nave ya no se identificaba con  el Pandorum, sino como un tipo de enfermedad mental causada por el recorrido profundo sostenido del espacio. 

Pandorum fue anunciado en mayo de 2008 con Dennis Quaid y Ben Foster en los papeles principales. Christian Alvart fue adjunto para dirigir la película, basada en el guión escrito entre él y Travis Milloy.

La película fue financiada por Constantin Film a través de un acuerdo mixto con la filial Impact Pictures.

La sociedad ayudó a financiar la producción que alcanzó  unos costes de $ 40 millones. Constantin obtuvo subsidios del fondo regional de cine alemán Medienboard Berlin-Brandenburg (MBB), el FFA ( Federal Film Board ) y el Fondo Federal Alemán para el Cine (DFFF). El Fondo Federal Alemán para la Película proporcionó 6 millones de dólares a la producción, el segundo mayor desembolso del 2008 después de 7,5 millones de dólares para Ninja Assassin .

El rodaje tuvo  lugar en los estudios de Babelsberg en Potsdam en agosto de 2008. El nombre de la nave, 'Elysium', significa un lugar o estado de felicidad perfecta. En la mitología griega, los héroes preferidos de los dioses fueron transportados a los Campos Elíseos o Elysium, su lugar de descanso final en los extremos de la Tierra. Esta es una interpretación figurativa del viaje a Tanis, el planeta semejante a la Tierra considerado el paraíso de los "elegidos".

Summit Entertainment manejó las ventas en el extranjero y presentó Pandorum a los compradores en el Festival de Cine de Cannes 2009 , pero debido a un acuerdo con Contender Films en el Reino Unido, Metro-Goldwyn-Mayer Pictures se hizo cargo y manejó las ventas extranjeras a la película. Overture Films distribuyó Pandorum en Norteamérica, Icon en el Reino Unido y Australia, Svensk en Escandinavia y Movie Eye en Japón.

La película se creó como una posible franquicia y la idea era, según Travis Milloy, crear una trilogía con una secuela y una precuela. Si funcionaba bien, Impact Pictures podría iniciar una o más secuelas. 'Pandorum' sería , por lo tanto, la primera película en una trilogía propuesta, pero es muy probable que las secuelas jamás vean la luz del día debido al bajo rendimiento de la primera película en taquilla.

Se contrató al actor Ben Foster siendo éste la primera opción de Christian Alvart para la tripulación. Dijo que sí a la película de inmediato, pero casi se la perdió debido a los retrasos en la producción. Foster insistió en comer insectos vivos en lugar de usar F / X especiales o animales muertos. La presencia de Dennis Quaid entiendo que es para su lanzamiento en el mercado internacional.

Nadia ( Antje Traue ), Manh ( Cung Le ) y Leland ( Eddie Rouse ) nunca son mencionados por su nombre durante la película. La niña cazadora es interpretada por Asia Luna Mohmand , hija del director, Christian Alvart . Es la primera película en la que trabajan los hermanos Ben Foster y Jon Foster juntos. Ellos comparten una escena en la que Jon Foster se despierta a una pesadilla como un pasajero sin nombre y Ben Foster como Bower no puede salvarlo. Me ha sorprendido ver  a Normand Reedus , nuestro Daryll, en el fugaz papel de Shepard, uno de los tripulantes de la nave.

La película obtuvo críticas mixtas , pero ha ido ganando enteros como película de un culto ya que en 2010 los fans comenzaron un grupo de Facebook, con los usuarios instando a una secuela de Pandorum . El director Christian Alvart se convirtió más tarde en un miembro del grupo. El grupo cuenta actualmente con más de 3.700 miembros.

Pandorum en el  agregador de reseña Rotten Tomatoes informa que la película tiene un 28% de críticas positivas de 81, con una calificación de 4.2 / 10. El consenso del sitio es que "aunque pueda resultar algo satisfactorio para los devotos fanáticos de la ciencia ficción, el complot hinchado y derivado de Pandorum lo deja a la deriva en el espacio".  En Metacritic tiene una puntuación "generalmente desfavorable" de 28 basado en 13 revisiones.

La revista de ciencia ficción SFX fue más positiva, afirmando que " Pandorum es el mejor horror interestelar en años".

En IMBD tiene una valoración de 6'8 puntos sobre diez. Film Ireland también le dio a Pandorum una revisión positiva, apreciando la sinergia de la película por sus técnicas cinematográficas, diseño de conjuntos y personajes desarrollados.

La película recaudó 20.645.327 dólares en todo el mundo, no recuperando su presupuesto de 33 millones de dólares. Esto es más probable debido a la falta de publicidad. La falta de promoción probablemente se debió a que Overture Films carecía de presupuesto, ya que el estudio se declaró en bancarrota varios meses después.

De ella Jeannette Catsoulis opinaba en las páginas de The New York Times  que presenta una "Impresionante escenografía (...) Según la nota de prensa, pandorum significa 'síndrome disfuncional orbital'; signifique lo que signifique, estoy convencido que al final de la película lo había pillado."

Frank Scheck desde  The Hollywood Reporter afirma que es "Claustrofóbico y tedioso thriller de ciencia-ficción (...) copia de principio a fin de películas como 'Alien', 'Event Horizon', 'Pitch Black' y muchas otras"

Ya en España Fausto Fernández en las páginas de  Fotogramas comenta que "La película deja pronto sus pretensiones a un lado para jugar al horror, las peleas (...) Lo mejor: El paranoico e inquietante despertar de los astronautas. Lo peor: Un final mejorable. (...) ."

Jordi Costa en el  El País comenta que la película "Naufraga por su déficit de carisma y su identidad estilística con síntomas de anemia."

José Manuel Cuéllar en las de ABC sostiene que "Comienza con una atmósfera terrible, inquietante, claustrofóbica (...) y promete mucho. (...) Pero luego todo se va desvaneciendo. (...) se va deslizando lentamente hacia propuestas vulgares. (...) ."

Conjuga a la perfección la cantidad justa de terror, suspense, intriga y acción en tonos oscuros como la fotografía dominante en la película que genera a lo largo de la misma una atmósfera asfixiante y ambiente opresivo apropiada para la acción, la angustia , el desconcierto y la inquietud dominante de la narración. Se deja ver.


viernes, 21 de abril de 2017

Kumiko: el sueño de Fargo.


Pude ver Fargo en su estreno. Me encantó. Desde entonces los Coen, yo diría que desde la anterior Muerte entre las flores, ya vista y comentada por aquí, se encuentran entre mis directores favoritos. Pero, aparte de haber inspirado una grandiosa serie homónima, - con la que me cuesta trabajo decidirme por la serie o por la película-, desconocía que había dado a una historia paralela en lo cinematográfico  e , incluso, en la vida real.

De esta segunda, de la real comentar que se inspira en la muerte real de Takako Konishi (1973 - noviembre 2001), una chica japonesa empleada en una oficina de Tokio que fue encontrado muerta en un campo cerca de Detroit Lakes, Minnesota, el 15 de noviembre de 2001. Konishi había llegado originalmente a Minneapolis a principios de ese mes. Viajó a Bismarck y , desde allí, fue luego a Fargo , pasando después a Detroit Lakes, donde murió.

Su muerte fue un suicidio , pero algunos medios de comunicación de la época informaron que, bajo una impresión equivocada que la muerte de la chica había estado inspirada en la película del año 1996 , Fargo, que comenzaba en que se basaba en una historia real, por lo que la chica había muerto tratando de localizar el dinero escondido por Carl Showalter, el personaje interpretado por Steve Buscemi.

Las investigaciones del escritor y director estadounidense Paul Berczeller revelaron que la teoría de Fargo sobre la muerte de Konishi se debía a un malentendido entre Konishi y uno de los oficiales de policía de Bismarck con los que había estado hablando. La historia fue luego mal interpretada por los medios de comunicación, lo que llevó a la leyenda urbana de que había venido a América para buscar el dinero en la película.

En realidad, Konishi había estado deprimida después de perder su trabajo en una agencia de viajes de Tokio, y había llegado a Minneapolis porque era un lugar que había visitado previamente con su amante, un hombre de negocios estadounidense casado.

Konishi había estado vagando por Detroit Lakes antes de que ella decidiera suicidarse acostándose en la nieve después de consumir dos botellas de champán, aunque otras informaciones hablan de vodka y sedantes. Es cierto que  fue asistida por un bien intencionado policía estatal que la llevó a un restaurante chino, con la esperanza de que puedan ayudar a traducir ; o que la madre de Takako Konishi también pidió repetidamente que Takako volviera a casa, aunque Takako y su madre estaban en mejores condiciones que Kumiko y su madre.

Esto fue apoyado por el descubrimiento de una llamada telefónica de cuarenta minutos que había hecho a su amante la noche anterior, y una nota de suicidio que ella había enviado a sus padres que expresaban su intención de suicidarse y que ella había dispuesto la mayor parte de sus pertenencias antes de que dejara Bismarck.

De esa historia real llegamos a la historia ficción de Kumiko, el Treasure Hunter , una película estadounidense del año 2014 co-escrita y dirigida por David Zellner, que aquí además es actor .

La película fue producido por Jim Burke, Andrew Banks, Cameron Lamb, Chris Ohlson y , por el hermano del director, Nathan Zellner que junto a David, escribieron el guión. Las productoras implicadas fueron Lila 9th Productions y Ad Hominem Enterprises

La fotografía grandiosa e impactante fue de Sean Porter, mientras que la banda sonora está interpretada por The Octopus Project. El montaje fue labor de Melba Jodorowsky.

El elenco lo componen un grupo de actores y actrices japoneses y estadounidenses encabezado por Rinko Kikuchi como Kumiko, Nobuyuki Katsube como Sakagami, Shirley Venard como la mujer mayor en Minnessotta, David Zellner como el policía, Nathan Zellner como Robert, Kanako Higashi como Michi, Ayaka Onishi como Chieko, Mayuko Kawakita como Sra. Kanazaki, Yumiko Hioki como madre de Kumiko y Brad Prather como Brad. Se suman igualmente Ichi Kyokaku, Takao Kinoshita, Natsuki Kanno.

La primera imagen de Kumiko The Treasure Hunter muestra el clásico advertimiento legal que reza aquello de Based On A True History. Al momento la imagen parece fallara, pues es un televisor emitiendo el VHS de Fargo en ella la entrada de la misma que nos dice que «Esta es una historia verdadera. Los acontecimientos descritos en esta película ocurrieron en Minnesota en 1987. A petición de los supervivientes, los nombres han sido cambiados, por respeto a los muertos, el resto se ha relatado tal y como ocurrió».

Sin embargo, la película empieza en una playa japonesa. Por la playa pasea la protagonista , Kumiko, (Rinko Kikuchi) que en una cueva encuentra un VHS de la película Fargo, y que , tras verlo, un número indeterminado de veces da por real todo lo que en ella sucede por ese encabezado que advierte sobre lo real de lo narrado en el film.

Kumiko, una solitaria mujer japonesa de 29 años se convence de que el bolso con una enorme cantidad de dinero enterrado en la película 'Fargo' es real.

Tras ver una y otra vez la película, la joven cree haber descifrado una especie de mapa del tesoro en esa maltrecha copia en VHS de "Fargo".

Mientras ve el video y lo intenta descifrar descubrimos como es su solitaria vida en Tokio. Kumiko es una oficinista de veintinueve años que vive en soledad absoluta en Tokio . Ella trabaja en un despacho, con compañeras con las que no empatiza y , a pesar de su trayectoria, npo tiene reconocimiento por parte de un jefe al  que odia, y que se le exige pleitesía constantemente.

Se siente intimidada por sus iguales que la ignoran y siente igualmente la presión de su egoísta madre que le exige una promoción en el trabajo, encontrar a un hombre y casarse. Y si no cumple con ella que lo abandone todo y que se vaya a vivir con ella.

Las únicas alegrías en su vida provienen de su conejo mascota, Bunzo, y su copia VHS de la película Fargo , que encontró en una aislada cueva. Convencido de que la película se basa en una historia real, Kumiko se obsesiona con una escena en la que un personaje interpretado por Steve Buscemi entierra una cartera con fajos de dinero de rescate a lo largo de una carretera nevada y comienza a tomar notas mientras mira la cinta desgastada.

Un día , en su obsesión, Kumiko incluso intenta robar un atlas de una biblioteca. En su intento fracasa por un guardia de seguridad , que se compadece de ella y le permite quedarse con la página que muestra el Estado de Minnesota .

Su jefe la usa de chica para todo. Ella cuando le lleva el té , con cierta carga emocional y salival, o cuando le exige llevarle al tinte la ropa lo hace sin interés ninguno.

Esa misma desgana se le ve ante una amiga, con la que forzadamente queda y que aprovecha su salida al servicio para dejar abandonada a su hija.

En la empresa y con su madre la cosa va a peor. Con la amenaza dela llegada de una joven empleada para quitarle  su posición en el trabajo y aumentando la presión de su madre  para volver a casa, Kumiko decide lanzarse a la aventura, una vez vista nuevamente la película , ahora en un DVD  tras romperse la cinta. Así que decide abandonar a Bunzo primero en un parque y luego en un tren y costearse el viaje a los Estados Unidos con la tarjeta de empresa de su director.

Dejando atrás su estructurada vida en Tokio, viaja a la fría y desangelada Minnesota, embarcándose en una búsqueda impulsiva para encontrar la mítica fortuna perdida.

Tras volar desde Japón, sin dar información a nadie, aterriza en Minneapolis usando la tarjeta de la compañía de su jefe. Con un mapa de tesoro cosido a mano y un espíritu quijotesco, Kumiko se embarca en un viaje por  a través de las llanuras congeladas de Minnesota para encontrar la supuesta fortuna.

Una vez allí, ella se encuentra en primer lugar con la rareza de algunos de sus habitantes, pero también desprevenida por el invierno áspero, que dificulta su viaje a Fargo, al norte del Estado-

A esta difcultad su suma su débil comprensión del inglés, la  rotura del autobús, su impaciencia y el hecho de que la tarjeta será cancelada, careciendo de fondos.

Ella es recogida en la helada carretera por una anciana, pero se escabulle por la ventana cuando la señora trata de convencerla de que se quede en su casa.

Más tarde se instala en un motel de mala muerte que, finalmente, no puede pagar por anular la tarjeta.Tras ello huye sin pagar haciéndose un abrigo con una manta del motel y marchando por la carretera.

Un policía da con ella en la estatua del leñador , una vez que recibe la denuncia de que una mujer está transitando con una manta por la carreterra.

Tras recogerla el policía vagando por las calles  intenta ayudarla, creyendo que está perdida. Ella le habla  la película y él intenta entenderla, ganando su confianza.

El oficial la lleva a un restaurante chino, un buffet, creyendo erróneamente que alguien allí podría hablar japonés, para explicarle que la película es ficción. Pero la chica del restaurante saca de dudas al oficial de policía ya que ella habla mandarín, pero no chino.

Mientras en el restaurante, Kumiko llama a su madre de un teléfono público con la esperanza de que ella podría mandar su dinero descubriendo que su madre la acuse de robo , de dejar el  trabajo y la critica una vez más por estar soltera, exigiéndole que se vaya a cuidarla.

Esto conduce a Kumiko a contar únicamente con la ayuda del oficial. Mientras compra su traje de invierno, Kumiko besa al oficial, pero él explica que está casado y con dios hijos y trata de explicarle que el tesoro no es real; Ella se molesta, sale de la tienda y sale en un taxi.

El taxista sordo conduce hacia Fargo y cuando se detienen y ella es incapaz de pagar la tarifa, ella huye a través de un campo.

Ella pronto vaga a través de un lago congelado donde, mientras mira a través del hielo, ella ve lo que parece ser una maleta. Convencida de que éste es el tesoro, trata de romper el hielo, sólo para encontrar un remo deteriorado .

Esa noche, durante una tormenta de nieve, Kumiko se adentra más en el bosque y la mañana siguiente la cámara muestra sólo un montículo de tamaño humano de nieve.

En las siguientes escenas, una Kumiko aparentemente recuperada, emerge de la nieve, toma un remonte a lo que parece ser el escenario de la escena de Fargo y descubre el marcador que indica la ubicación del tesoro. Encuentra la bolsa que contiene el dinero. Llena de alegría con su triunfo, exclama "Yo tenía razón después de todo". Entonces descubrimos que va junto a su conejo Bunzo  y, reunido con él, anda orgullosa mientras se  pierde en la distancia enmarcadas los títulos de crédito y bajo los sones repetitivos de Yamasuki.

La película fue rodada entre Estados Unidos y Japón. En concreto se rodó en Minnesota en localidades como Bemidji, , Afton, Cottage Grove, Robbinsdale, Aeropuerto Internacional Minneapolis-Saint Paul, Minneapolis,Newport, en concreto en North Pole Restaurant & Boyd's Motel. Además se rodó en Tokio,.

Inspirado en la historia real de  una mujer japonesa, Takako Konishi, y contada y que fue encontrada muerto en Lakes Detroit, Minnesota el 15 de noviembre de 2001. Los medios insinuaron que ella buscaba el dinero del rescate de Fargo (1996) .

La película fue presentada el 20 de enero de 2014 en la sección de competición del Festival de Sundance y el  8 de febrero de 2014 en la 64 edición del Festival Internacional de Cine de Berlín .

Para el 13 de marzo de 2015 tuvo lugar su estrenó , pero tuvo un éxito limitado en taquilla  con cifras que apenas superaron el medio millón de dólares.

En una Q & A en el Festival de Cine de Sundance de Londres 2014, el director (y su hermano que no estaba presente) afirmó que la introducción ambigua estuvo fuertemente influenciada por el comienzo de las películas de James Bond que tanto amaban como niños.

La película ha pasado por otros festivales como BamCinemaFest, Maryland , Karlovy Vary , o en  el Festival de Cine de Sydney .

La película recibió amplias críticas positivas tras  su estreno en el Festival de Cine de Sundance 2014 .  El agregador de Rotten Tomatoes le da a la película una calificación del 87% basada en las críticas de 61 críticos, con una puntuación de 7/10.

En Metacritic se le da a la película un valor de 68 % basada en   31 críticas, indicando que estas son "generalmente favorables."

En cuanto a las críticas concretas Scott Foundas, en su crítica para Variety , dio a la película una revisión positiva diciendo que ""Una película de aventuras maravillosamente extraña y encantadora, que se compone de tesoros enterrados,  y una obsesión alimentada por la película" y agregó que "en cada vuelta, podemos sentir lo que está pasando detrás de los ojos de Kumiko. Kikuchi nos atrae profundamente a su mundo. " Habla igualmente "de una obsesión probablemente insana con los hermanos Coen"

Todd McCarthy en su crítica para The Hollywood Reporter llamó a la película "Una obra de excentricidad rigurosamente disciplinada, Kumiko, el cazador de tesoros es a la vez totalmente accesible y sin embargo atractiva sólo para  una multitud rara lista  a entrar en la banda estrecha de humor." Y concluye diciendo que es "Una comedia del absurdo centrada en un personaje tan bizarro que no tienes más remedio que tomártelo a broma"

Eric Kohn de Indiewire elogió la película y dijo que "golpea con su  tono complejo de la tragedia y  la elevación al mismo tiempo, Kumiko, el cazador del tesoro celebra el poder escapista de fantasías personales y da testimonio de sus más peligrosos extremos. Es la rara clase de historia que resulta tan inspiradora como devastadora" .

Para David Ehrlich de Film.com  concluye que es una de las mejores películas de estreno en Sundance ".

Por su trabajo en Kumiko y otras películas, el productor Chris Ohlson recibió el Premio Espíritu Piaget Producers Award. [

La película ha recibido algunos premios siendo el Premio Especial del Jurado para la partitura musical El Proyecto Octopus en Sundance, siendo nominado David Zellner .

Tuvo dos nominaciones en los Premios Independent Spirit incluyendo Mejor director y mejor actriz femenina. En el Festival Internacional de Cine Fantasia (Montreal) ganó el premio al Mejor director David Zellner ; en el Festival de Cine de Little Rock ganó el Golden Rock Narrative Award para David Zellner. En el Festival de Cine de Nantucket obtuvo el Premio Showtime Tony Cox como mejor guión en un largometraje para los hermanos David Zellner y Nathan Zellner. En España obtuvo en el Festival de Cine de Las Palmas el Premio del público al mejor largometraje . En el Festival de Cine de Sydney David Zellner fue nominado, En 2015 en el Festival de Cine de Crested Butte ganó David Zellner.

Kumiko, the Treause Hunter" es una película absolutamente original, un retrato insólito de la esperanza extrema cercana a la locura  que nos muestra a través de una fotografía espléndida una película diferente.

Es muchos sentidos es una película triste. La protagonista no tiene amigas, ni empatiza con compañeras de trabajo, no soporta a su jefe, ni a su madre… ni siquiera a sí misma. Lo único que la mantiene en pie es la fe y la esperanza de ser una conquistadora para dar con algo memorable y extraordinario que la saque de su monótona existencia.

Pierde , indudablemente el sentido de la realidad  para perseguir su espejismo. . La película de David Zellner propone una fábula que transita por lo metacinematográfico , partiendo de la mítica Fargo  y lo hace con gran ternura y la calidez narrativa dentro de un contexto gélido y agreste.

A destacar la fotografía deslumbrante del rojo del traje de Kumiko con el entorno blanco inmaculado  del paisaje nevado circundante crea una sensación de atracción y angustia casi irreal, potenciando el componente casi alegórico y espectral. En definitiva, una experiencia cinematográfica preciosa la de este sueño de Fargo.

En ocasiones es muy  lenta, pero nos hace sufrir por ella , por su incapacidad para relacionarse consigo misma. Es de destacar como el guión describe absolutamente a su madre sin mostrarla nunca así como el trabajo de la protagonista.



Se trata de una obra llena de ternura, sensibilidad y  muy brillante, en mi opinión.  Kumiko es un tesoro escondido muy recomendable. 

Para terminar indicar que la despedida se produce con la canción  Yamasuki, escrito por Daniel Vangarde (como Daniel Bangalter) , Jean Joseph Kluger , interpretado por Yamasuki Singers Publicado por September Music Corp.  No puedo olvidar como Kumiko se va desplazando por la nieve y su imagen en negro sobre fondo blanco se pierde en el horizonte mientras suena Yamasuki. Un tesoro esta película. 

 

lunes, 17 de abril de 2017

Una película salvaje, una joya


El californiano David Samuel Peckinpah, natural de El Fresno, muere el 28 de diciembre de 1984. Aquel día era viernes. Supongo que la noticia llegó a España ese mismo día. Al día siguiente, el magnífico programa de Televisión Española que emitía los sábados noches y de título Informe Semanal emitía en uno de sus cuatro habituales reportajes uno dedicado a este director y guionista de cine, televisión y teatro estadounidense. yo del mismo conocía para entonces poca cosa. 

Mucho cine había visto, pero especialmente el clásico en esa magnífica cantera que fue la televsión y el cine de mi barrio y mi colegio, pero diría que poco o nada había visto de este director. Era presentado como un director transgresor que llevaba a las pantallas una enorme violencia. Esta es la causa por la que algunos entendidos criticaban su manera de entender el cine al pensar que Peckinpah hacía una apología de la violencia o la banalizaba. Otra parte del público bendecía su obra porque entendía que el realizador usaba la violencia como una renovación del canon narrativo más clásico.

De hecho Peckinpah está considerado uno de los directores que reactivaron la industria de Hollywood a finales de los 60 y en los 70. Especialmente relevante es la nueva lectura y textura que le va a dar al género norteamericano por antonomasia, el western dándole un tono crepusculares - algo que había iniciado con Ride the High Country (Duelo en la alta sierra, 1962)- y con dotes de mayor violencia explícita algo que irritará a los más fieles del canon clásico como John Wayne. Dentro de ese género The Wild Bunch , la película que realizará en 1969 mercará la historia del cine. 

Sin embargo, en cualquier caso lo que intentaba era cargar su obra de lirismo y dar profundidad psicológica sus personajes, así como recursos estilísticos propios como el uso de la cámara lenta en numerosas secuencias - que por supuesto tendrá continuación y seguidores en la dirección- y una técnica de montaje bastante vanguardista. Fue considerada por algunos críticos como «la película más violenta que se haya filmado jamás» y que acabarían llamándole con el apodo de Bloody Sam (Sam el sanguinario) . 

A finales de la década de 1970, Peckinpah parecía haber pasado al olvido. Ninguna publicación hablaba de él. Su salud era ya muy precaria debido a su alcoholismo y su adicción a la cocaína y, sin embargo, hoy es para muchos un director clave en el el cine. 

El nombre "The Wild Bunch" fue aplicado por primera vez por la prensa a una banda de proscritos en Oklahoma y de los entonces llamados Territorios Indios, encabezados por Bill Doolin. Cada miembro de esa banda finalmente murió violentamente. Más tarde, el nombre "The Wild Bunch" fue aplicado por la prensa a la gente de Butch Cassidy . 

No obstante lo que más impactó de The Wild Bunch  o Grupo salvaje como se llamó en España fue el inicio de su película que fue presentado en ese informe semanal que empieza con la llegada del grupo y el posterior tiroteo. Tras ver esas secuencias no tuve duda alguna: tenía que ver esa película.

La película la he ido revisando y viendo cada cierto tiempo, no sólo porque el western como género me encanta sino por considerar que es una de las grandes películas que va mucho  más allá de su género. 

Indudablemente en la película juegan un papel esencial tanto el guión como el montaje y su nítida fotografía en Technicolor y Panavision .

La película fue una producción de Phil Feldman para la productora Warner Bros. 8 en este caso también como distribuidora) y Seven Arts Productions. Contará para su realización con un presupuesto que superó ligeramente los 6 millones de dólares y que duplicará en beneficios tras su exhibición , que alcanzó algo más de 11 millones de dólares.

La historia de la misma está inspirada en lo narrado por Walon Green y Roy N. Sickner  que también se transformará en guión por parte del primero y el director de la misma, Sam Peckinpah.

Hay pocas películas en la que el equipo técnico tenga por su parte un reconocimiento tan intenso como esta. A destacar el papel de la música compuesta por un habitual colaborador de Peckinpah  (aunque también de Eastwood) Jerry Fielding , uno de los músicos afectados por el seguimiento del Comité de Actividades Antiamericanas, e incluido en la Lista negra de Hollywood, con una buena cantidad de fragmentos de música mexicana. También a destacar la luminosa y en ocasiones fotografía Technicolor y presentada en Panavision de uno de los grandes de Hollywood, Lucien Ballard, así como uno de los mejores montajes de la historia en este caso en manos de un competente y esforzado Lou Lombardo.

Sobresalientes igualmente es su elenco formado por un ramillete encabezado por  William Holden como Pike Bishop , Ernest Borgnine como Dutch Engstrom, Robert Ryan como Deke Thornton , Edmond O'Brien como Freddie Sykes,  Warren Oates como Lyle Gorch, Ben Johnson como Tector Gorch . Junto a ellos aparecen  Jaime Sánchez como Angel , un grandioso Emilio Fernández como General Mapache, Strother Martin como Coffer,  LQ Jones como TC,  Albert Dekker como Pat Harrigan , Bo Hopkins como Clarence 'Crazy' Lee, George Russek como Mayor Zamorra,  Alfonso Arau como Teniente Herrera , Dub Taylor como Wainscoat , Rayford Barnes como Buck,  Paul Harper como Ross , Chano Urueta como Don José,  Elsa Cárdenas como Elsa,  Bill Hart como Jess,  Stephen Ferry como el sargento McHale,  Fernando Wagner como el comandante Mohr,  Sonia Amelio como Teresa,  Aurora Clavel como Aurora.

Estamos en 1913. Un grupo formado por nueve soldados , que en realidad son veteranos atracadores de bancos y que viven al margen de la ley y que actúan en la frontera entre los Estados Unidos y México, se aproximan a un pueblo de Texas, Starbuck . Los títulos de crédito iniciales de ‘Grupo salvaje’ muestran el camino que la película tomará a lo largo de más de dos horas.

Mientras el grupo, vestidos de soldados, se dirigen a caballo a atracar un banco, vemos a un grupo de niños ajenos a la acción y practicando un  juego: torturan a un escorpión dándoselo a comer a unas  hormigas hambrientas que lo devoran poco a poco, para luego prender fuego a las hormigas. Los niños observan tan terrible acto con total impasibilidad. El grupo de chicos para para ver al grupo como pasa.

.Mientras el grupo avanza la cámara enfoca primeros planos de los actores, para sobreponer el nombre, la imagen se congela virando a una especie de espectral dibujo del personaje, como si de un fantasma se tratase. La muerte pues, marca desde el inicio del film a los personajes.

Más tarde pasa ante un predicador amenaza con el infierno a todos aquellos que beben. A la predicación asisten principalmente mujeres mayores. Pronto el grupo de fieles inicia un desfile cantando por las calles.

Los soldados desmontan y entran en las oficinas del ferrocarril del sur de Texas. El grupo está encabezado por   Pike Bishop ( William Holden ), líder de una pandilla de proscritos envejecidos, que está buscando la jubilación con este robo  final en la una oficina de ferrocarril. Son , como ya he dicho, en realidad atracadores. Pero mientras se disponen a dar su gran golpe descubrimos que realmente es una  trampa, ya que hay un grupo de cazarrecompensas apostados en las azoteas de los edificios y que los está esperando para acabar con ellos. La emboscada está dirigida  por el ex socio de Pike, Deke Thornton ( Robert Ryan ), quien liderando el grupo de cazarrecompensas contratados  por el ferrocarril.

Cuando el grupo descubre la emboscada comienza un sangriento tiroteo que no sólo mata a varios de los asaltantes y de los cazarrecompensas, sino a muchos de los participantes en el desfile contra el alcohol en el fuego cruzado que es aprovechado para huir.

Del grupo inicial de asaltantes encabezados por Pike, eran nueve, únicamente salen ilesos  cinco Dutch Engstrom  ( Ernest Borgnine ), los hermanos Lyle ( Warren Oates ) y Tector Gorch ( Ben Johnson ), y Ángel ( Jaime Sánchez ). Así comienza la encarnizada huida de esta banda,

Al llegar al punto en que han quedado con otro integrante de la banda, el veterano Freddie Sykes ( Edmond O'Brien ) deciden  dirigen a México tras comprobar que el botín del robo resulta ser un señuelo: arandelas de acero en vez de moneda de plata.

Los hombres de Pike tras cruzar la frontera del Río Grande buscan refugio  esa noche en el pueblo donde Angel nació.

Al llegar el grupo Ángel descubre que su padre ha sido asesinado y su novia se ha fugado con el responsable de la muerte del padre, el sanguinario general Mapache ( Emilio Fernández ), un oficial corrupto y brutal del Ejército Federal Mexicano , que ha estado devastando las aldeas de la zona para alimentar a sus tropas y que han estado luchando -y perdiendo- las fuerzas del revolucionario Pancho Villa, a pesar de contar con asesores del ejército alemán.

Tras recuperarse y ser informados de lo ocurrido por un anciano, veterano de correrías , otro ladrón en este caso mexicano Don José (Chano Urueta) el grupo de Pike decide entrar en contacto con el general Mapache que está en la localidad de Agua Verde.

Cuando llega un ángel celoso ve a Teresa, su antigua amante, en los brazos de Mapache y , tras tener unas palabras, le dispara matándola. Esto enoja a Mapache, pero Pike desactiva la situación y se ofrece a trabajar para Mapache. Su tarea es robar un cargamento de armas de un tren del ejército estadounidense para que Mapache pueda reabastecer a sus tropas y apaciguar al Comandante Mohr ( Fernando Wagner ), su asesor militar alemán , que desea obtener muestras de los armamentos de Estados Unidos. La recompensa será en monedas de oro.

Mientras todo esto transcurre, al otro lado de la frontera el comisionado del ferrocarril persiste en la idea de que Deke Thornton ( Robert Ryan ), continúa con la caza y captura de los miembros del grupo  liderando el grupo de cazarrecompensas contratados  por el ferrocarril. Descubrimos por medio de flashbacks que Thornton era el compañero de Pike y que se ve obligado a ello para escapar del penoso penal el que ha pasado los últimos años. El no odia a Pike, en todo caso, lo admira. Sabe lo que va a hacer y el representante del ferrocarril que lo sacado de la cárcel a cambio de que lo captura le ordena seguirle más allá de la frontera.

El asalto al tren que transporta las armas se realiza con éxito. Todo  va en gran parte según lo planeado hasta que descubren que Deke y su grupo de cazarrecompensas va en el mismo y está preparado para la persecución. Los soldados que van en el tren también van en su búsqueda. Tras eso se produce una carrera contrarreloj para cruzar la frontera.

El grupo perseguidor, que acaba disparando hasta los soldados norteamericanos,  está cerca de alcanzar a los asaltantes que han llevado su carro hasta allende del río. Cuando el grupo de Deke está cruzando el puente que hay sobre el río en la frontera mexicana, los ladrones hacen estallar el caballete que atraviesa el Río Grande , arrojando toda la pandilla al río.

Los perseguidores se reagrupan ya con bajas considerables temporalmente en un campamento ribereño y luego rápidamente reanudan la búsqueda como Pike esperaba por el interior del desierto mexicano.

Cuando el grupo custodia las armas robadas son a su vez asaltados por un grupo de indígenas mexicanos que necesitan las armas para defenderse de Mapache. Por su parte, Ángel entrega su parte del oro a Pike a cambio de entregar  una caja de los rifles robados y municiones a esa banda de rebeldes opuestos a Mapache. Pike accede.

Pike y sus hombres, sabiendo que corren el riesgo de ser engañados  por Mapache como por el grupo de Thorton, idea una forma de entregarle las armas robadas sin que él acabe con ellos , les engañé o los mate.

De hecho los hombres de Deke dan con la zona en la que se refugian y Sykes es herido por la gente de Thronton, mientras asegura los caballos de repuesto.

Sin embargo, Mapache sabe por medio de la madre de Teresa que Ángel entregó una caja de armas y de munición al grupo contrario a él, y cuando  Ángel y Engstrom hacen la última entrega de armas Ángel es rodeado por el ejército de Mapache, cuando éste le exige que se entregue a Dutch. Mapache deja ir a Engstrom, y regresa para reunirse con la pandilla de Pike y contarles lo que ha pasado.

Ángel desesperadamente trata de escapar, sólo para ser capturado. Dutch parece que ha renunciado a salvar a Ángel pero va a describir lo ocurrido a su jefe Pike, que juntos a sus compañeros deciden ir a por su compañero.

Cuando llegan ven a Ángel  torturado, siendo arrastrado poruna cuerda atada detrás del coche del general por la periferia de Agua Verde. Ellos intenta  negociar por Ángel pero Mapache se niega. El general les dice que se queden pero para disfrutar de las prostitutas que van junto a ellos.

Después de un breve regocijo con las prostitutas y un período de reflexión, Pike y la banda intentan forzar a Mapache a liberar a Ángel, que aún está vivo después de la tortura. El general y parte de su ejército está en una bacanal para celebrar la transferencia de armas.

Cuando Pike, Dutch, Lyle y Tector deciden ir a rescatar a su amigo Angel de las garras de Mapache, saben que será un camino sin retorno, que no regresarán de dicha misión. Y toman esa decisión porque saben que sólo pueden terminar así, con coherencia a como han vivido, como pago a sus pecados.

Tras una larga caminata los cinco supervivientes, ya que Sykes ha sido detenido por un mexicano, vuelven a pedirle a Ángel. El general parece que lo va a entregar. Sin embargo, mientras esperan su liberación el general en su lugar corta la garganta de Angel.

La respuesta de Pike y la banda es disparar sobre Mapache frente a cientos de sus hombres. Con un conciso montaje de los rostros de los cuatro protagonistas, expectantes ante la reacción de los cientos de mexicanos que allí hay, se produce el último momento de paz, el último respiro de tranquilidad que vivirá el grupo salvaje, la tensión alcanza su máximo punto, Borgnine se ríe,   libera la tensión, la violencia explota, y la muerte aparece.

Por un momento, los soldados federales están tan sorprendidos que no logran devolver el fuego, provocando que Engstrom dispare con la ametralladora que habían entregado al general.

Pike , por su parte, mata a Mohr , resultando de la refriega inmediatamente posterior un violento y sangriento tiroteo, en el que la ametralladora demuestra su eficacia. Con todo Pike y sus hombres irán cayendo poco a poco, junto con gran parte de las tropas de Mapache y el consejero alemán restante.

Una vez concluido el tiroteo,  Deke y los suyos alcanzan un desolado Agua Verde. Deke permite que los miembros restantes de su grupo tomen los cuerpos acribillados por balas de los miembros de la pandilla para así recoger la recompensa, mientras él prefiere quedarse atrás, sabiendo lo que espera a la pandilla.

Después de un rato se persona Sykes que llega acompañado de una banda de los rebeldes mexicanos que previamente han matado lo que queda a la gente de Deke a lo largo del camino. Sykes le pide a Deke que venga y se una a la revolución y los hombres de Pancho Villa . Deke sonríe y se va con ellos. Con ello se pone fin al trágico y violento destino tras descubrir que el honor y la palabra dada valen más que el pillaje y la avaricia.

La película fue filmada en México , especialmente en la Hacienda Ciénaga del Carmen que hace de Villa verde (en el desierto entre Torreón y Saltillo , en la localidad de Coahuila ) y en el Río Nazas .  También se rodó en La Goma, Durango, en  Parras, también en Coahuila, al igual que   Bavispe, en Sonora, y en la México Sierra Madre Occidental de Sonora. Igualmente se rodó en los Churubusco Studios de la Ciudad de México.

La última escena a ser terminada era el puente que explotaba sobre Río Nazas (presentado como Río Bravo). Para rodarla su utilizaron seis cámaras y la escena se rodó en una toma. Una de las cámara cayó al río y se perdió.

El rodaje fue sorprendentemente bien. En los 79 días del mismo sólo hubo dos pequeños accidentes . Ben Johnson se rompió el dedo en la ametralladora y William Holden se quemó el brazo , pero el polvo y el calor fueron implacables. Según Joe Canutt , quien también trabajó en el Mayor Dundee (1965), "Estábamos en una zona tan seca que los cactus se habían secado y los sapos de cuernos llevaban cantimploras". Sin embargo, Sam Peckinpah insistió en que la película tenía que ser filmada en México. Había trabajado previamente en el guión de Paramount para Villa cabalga (1968) y algunas de las localizaciones  habían sido protagonistas en décadas anteriores durante la revolución mexicana.

Gran parte de la película fue filmada en Parras de la Fuente, donde estaba  la bodega más antigua de las Américas. También el centro de Parras será la Starbuck de Texas. En 1968, la ciudad era todavía lo suficientemente pequeña y rural como para pasar por una ciudad de 1913, pero los funcionarios locales estaban a punto de ir a la electricidad. La adición de las líneas eléctricas habría arruinado el paisaje, así que Peckinpah consiguió que sus productores pagaran a la ciudad una cantidad no revelada de dinero para mantenerla sin red eléctrica otros seis meses.

Todas las "tropas" involucradas en el tiroteo final en el cuartel general de Mapache- realmente una bodega abandonada fuera de Parras- eran verdaderos soldados mexicanos de un regimiento de caballería estacionado cerca de Parras en el estado de Coahuila, y que fueron contratados como extras por la compañía cinematográfica.

Se hicieron siete vestuarios idénticos para cada actor principal. Todos fueron arruinados durante la filmación. El presupuesto pasó de $ 3.5 a $ 6 millones y el  rodaje original previsto en 70 días aumentó a 79 ( u 81, según otras fuentes).

Peckinpah tuvo la oportunidad de dirigirla en un momento delicado de su vida. Tras conocer el éxito y la fama después de tres largometrajes, de repente se encontró sin trabajo. Todo sucedió muy rápido durante el rodaje de ‘El rey del juego’ (‘The Cincinnati Kid’, 1965), film que empezó Peckinpah, pero que cuando éste sugirió un desnudo femenino, le despidieron, siendo sustituido por Norman Jewison que curiosamente consiguió uno de sus mejores trabajos. De repente, Peckinpah no tenía trabajo y le costaba mucho encontrarlo, hasta que en el campo de la televisión obtuvo cierto reconocimiento con una película titulada ‘Noon Wine’. Tras eso todo cambió.

El polémico cineasta logró vender un guión titulado ‘Villa cabalga’, que giraba en torno a la figura de Pancho Villa. La película la dirigió Buzz Kulik, director enfrascado normalmente en el campo televisivo que Peckinpah conocía muy bien, pero cuando el personaje central recayó en manos de Yul Brynner, Peckinpah se desentendió totalmente del proyecto.

Tras dar clases durante un tiempo en Los Angeles sobre dirección y escritura de guiones para cine y televisión, recibió una oferta de la Warner Brothers para dirigir una película.

De esa oferta nació ‘Grupo salvaje’. Peckinpah entró en contacto con Dick Hyman por haber producido en Inglaterra ‘La colina’, una película de Sidney Lumet protagonizada por Sean Connery, con la que el director de ‘Duelo en la alta sierra’ quedó asombrado.

En 1967 el productor Kenneth Hyman junto a Phil Feldman de la Warner Bros. Seven Arts comenzaron a estar interesados ​​en que Sam Peckinpah reescribiera y dirigiera una película de aventuras llamada The Diamond Story . Pero Hyman le hizo llegar junto a este guión, otro, con la esperanza de que los reescribiera y dirigiera. El otro era ‘Grupo salvaje’ —y aunque  ‘The Diamond Story’ nunca llegó a filmarse—, y venía firmado por Walon Green a partir de una historia de Roy Sickner, un especialista de cine, viejo amigo de Peckinpah, que terminó trabajando en el film como doble y productor asociado.

El trabajo de Green fue retocado por el propio director, como hacía con todos los guiones que no eran suyos, aproximadamente en un 30 % de lo escrito, lo cual generó problemas para que Peckinpah pudiese ser acreditado —se exige al menos un 60% para ello—, cosa que al final pudo ser, logrando el director la única nominación al Oscar que tuvo en su vida, la de mejor guión en la edición de 1970. Durante el rodaje hubo modificaciones del mismo si las sugerencias eran buenas. Por ejemplo, inicialmente no estaba en el guión la imagen del escorpión con las hormigas fue sugerida por Emilio Fernández porque él y sus amigos hacían eso cuando eran niños. Por ejemplo, otra fue el robo del tren no estaba en el guión. Todas las escenas se improvisaron en el acto, lo mismo con "el paseo" del grupo para ayudar a "Angel". El paseo realmente iba de hecho a comenzar con el grupo dejando el burdel. Una vez que se tomó la decisión de alargar la escena, muchos de los extras mexicanos fueron coreografiados por los directores asistentes mientras la escena se estaba filmando.

Lo cierto es que ya Peckinpah había dado muestra tanto de genialidad y saber hacer como de  dificultades de producción de una película anterior, el Mayor Dundee (1965). De cualquier manera su trabajo y su calidad ya eran indiscutibles , así que Peckinpah se centró en un guión alternativo al que ya disponía el estudio , y que fue el inicio de The Wild Bunch , escrito por Roy Sickner y Walon Green .

En ese momento, el guión de William Goldman sobre Butch Cassidy y el Sundance Kid ya había sido comprado recientemente por la 20th Century Fox, así que en este caso la Warner Bros quiso apostar por el género en esta The Wild Bunch.

Lo cierto es que ambas guardaban ciertas similitudes. En el otoño de 1967, Peckinpah estaba reescribiendo el guión y preparándose para la producción. De hecho durante el rodaje cambió el mismo y en varias ocasiones como hemos visto.

Antes del comienzo de la película parece que Peckinpah estaba al tanto de cómo que se estaba haciendo en el cine y de cómo iba  la sociedad norteamericana. Mucho del espíritu épico de Peckinpah pudo  inspirarse en   la violencia vista en Bonnie y Clyde de Arthur Penn (1967) y esa sensación de frustración procede de la intervención de los Estados Unidos en la Guerra de Vietnam . Quiso hacer una película que retratara  no sólo la violencia viciosa de la época, sino también los hombres rudos tratando de sobrevivir a una época. Múltiples escenas intentadas en  el Mayor Dundee se introducen en esta película, incluyendo secuencias de acción en cámara lenta que parecen estar inspiradas en el trabajo de Akira Kurosawa en Siete Samurias / Seven Samurai (1954) así como la idea de  los personajes que salen de un pueblo como si se tratara de un cortejo fúnebre y el uso de locales inexpertos como extras.

A pesar de su coste, hubo limitaciones presupuestarias y materiales. Por ejemplo, como no había suficientes uniformes para todos los extras en la batalla, el supervisor de vestuario Gordon T. Dawson que en principio tenía un montón de uniformes - 350 de ellos - para los soldados mexicanos . Pero como estos recibían disparos o verían como sus trajes se rasgarían o quedaban ensangrentados después de casi cada toma decidió que el y todo su equipo trabajarían todo el día para limpiarlos y repararlos. Si alguien fue filmado recibiendo un disparo, los encargados del vestuario repararían el uniforme lavando la sangre falsa, o tiñendo los agujeros de bala, secando la pintura y enviando a un ejecutante igual o diferente para que le dispararan de nuevo. tenía las manos llenas manteniendo a los extras que jugaban a los soldados mexicanos vestidos apropiadamente. En total, esos 350 uniformes vistieron a unos 6000 hombres.

El director Sam Peckinpah y Walon Green , coautor del guión con Peckinpah, consideraron que este proyecto requería una mirada más realista de los personajes del Viejo Oeste, cuyas acciones en la pantalla rara vez coincidían con la realidad violenta y cobarde que algunos de aquellos hombres en los que ellos se basaron. Green resumió los sentimientos de los autores cuando dijo: "Siempre me gustaron los westerns, pero siempre me pareció que eran demasiado heroicos y con demasiado glamour. Había leído lo suficiente para saber que Billy the Kid le disparó a la gente por la espald mientras bebían café." Tanto Green como Peckinpah consideraron importante no sólo demostrar que los protagonistas de la película eran hombres violentos, sino que lograron su violencia fuese nada heroica y horrible, como usar a la gente como escudo humano y matar a espectadores desarmados durante los robos o a prostitutas.

Walon Green basó el personaje de Freddie Sykes en Howard, el prospector interpretado  por Walter Huston en El tesoro de Sierra Madre (1948). Walon Green reveló más tarde la inspiración detrás de muchos de los nombres de los personajes principales: "Pike era un nombre que siempre quise usar, es es duro y depredador como un pez, mientras que los Gorch eran una verdadera familia basura que yo conocía ..."

Ya he comentado que esta película fue adaptada de una historia ideada por Roy N. Sickner. Walon Green escribió el guión, que luego fue reescrito por Sam Peckinpah . Green sentía que la reescritura de Peckinpah era lo suficientemente importante como para merecer aparecer en los créditos, pero tuvo que presionar al WGA (Gremio de Escritores de América) para permitir a Peckinpah que apareciera en los mismos.  Green, Sickner y Peckinpah compartieron nominaciones a los premios de la Academia al mejor guión (la única nominación al Oscar que recibió Peckinpah en toda su carrera).


Para la película el director Sam Peckinpah consideró a muchos actores para el papel de Pike Bishop antes de decidirse por William Holden. Estuvieron en cartera Richard Boone , Sterling Hayden , Charlton Heston , Burt Lancaster , Lee Marvin , Robert Mitchum , Gregory Peck y James Stewart . Marvin realmente aceptó el papel pero se retiró después de que le ofrecieran un papel y más dinero en por protagonizar Paint Your Wagon (1969), vista y comentada aquí hace muy poco.

Como ya he dicho, en un principio, el personaje de Pike Bishop debía estar interpretado por Lee Marvin. Al final Marvin consideró que ‘Grupo salvaje’ podría parecerse demasiado a ‘Los profesionales’ (‘The Professionals’, Richard Brooks, 1966), a lo que hay que añadir que fue contratado por un millón de dólares para participar en ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’ (‘Paint Your Wagon’, Joshua Logan, 1969), lo que le ayudó a tomar una rápida y lógica decisión. A Peckinpah no le gustó demasiado la idea de que Marvin abandonase un proyecto en el que parecía muy involucrado, pero cuando vio a William Holden enseguida determinó que era el Bishop perfecto.

William Holden ya no era un galán de Hollywood y , como tantos otros, director incluido, tenía serios problemas con el alcohol. Este detalle convención a Peckinpah quien consideró que con ello Holden encarnaría al Bishop adecuado.

Antes de comenzar la filmación , William Holden y Sam Peckinpah discutieron sobre el bigote que Peckinpah sentía que el personaje de Holden, Pike Bishop, tenía que llevar, porque a  Holden no le gustaba su imagen en la película. Peckinpah argumentó y , finalmente, Holden llevó un bigote falso durante la filmación. 

A su lado, un Ernest Borgnine en absoluto estado de gracia, como Dutch Engstrom , inseparable compañero de Pike en sus andanzas. Peckinpah no estaba muy convencido con el hecho de que Borgnine interpretase a Dutch, pero la profesionalidad demostrada por el actor el primer día de rodaje hizo que se ganase el respeto del director, famoso por tratar mal a sus trabajadores. Borgnine y Holden demuestran una compenetración no vista en el resto del reparto. Las parrafadas de Dutch en castellano durante la película en su versión original son magníficas. Entre los considerados para interpretar a Dutch   fueron Charles Bronson , Jim Brown , Alex Cord , Robert Culp , Sammy Davis, Jr. , Richard Jaeckel , Steve McQueen y George Peppard . En la elección de Ernest Borgnine tuvo mucho que ver su actuación en The Dirty Dozen (1967).

Su integración con Holden fue absoluta. Es más, después de filmar la escena donde Ernest Borgnine y William Holden se sientan junto a una fogata y sus personajes comentan que "no tendrían otra solución", fue difícil para el director Sam Peckinpah gritar "Cut!" porque estaba llorando. Al final, y a pesar de sus disputas, Ernest Borgnine habló muy bien de Sam Peckinpah como director, alegando su profesionalidad, el cumplimiento con el calendario,la  buena relación con el elenco, y que sólo bebió duro durante días libres. En su autobiografía, Ernest Borgnine indicó que   algunos de los miembros  molestaban a menudo Jaime Sánchez  ya que "Apenas tenía treinta años y era como un niño en una tienda de dulces. "

El elenco de secundarios no tiene desperdicio alguno, Warren Oates —el actor Peckinpaniano por excelencia— interpretó a Lyle Gorch, y es que ya  había trabajado con Peckinpah en la serie de televisión The Rifleman y en películas anteriores, Ride the High Country (1962) y Major Dundee (1965). Junto a él su hermano en pantalla, el actor Ben Johnson —actor Fordiano por excelencia, y que en cierto modo representa los valores del western clásico— forman el resto del grupo salvaje —junto con Jaime Sánchez—, y son los únicos que protagonizan la única escena cómica del film —la de la borrachera en la bodega con varias prostitutas—. En una entrevista, Ben Johnson dijo que las mujeres mexicanas que "se divirtieron" con él y con Warren Oates en las enormes cubas de vino no eran actrices sino prostitutas de un burdel cercano y que fueron contratados por Sam Peckinpah para poder decirle a la gente que Warner Bros pagó unas putas para el reparto.

Robert Ryan, otro rostro conocido en el género, da vida a Dake Thornton, hombre que lidera el grupo que persigue a los protagonistas, y que en otros tiempos fue compañero de Pike. Las primeras dos elecciones de Peckinpah para el papel de Deke Thornton fueron Richard Harris (quien había co-protagonizado en Major Dundee ) y Brian Keith (quien había trabajado con Peckinpah en The Westerner (1960) y The Deadly Companions (1961)). Harris nunca fue tenido en cuenta formalmente, pero Keith sí. Finalmente . Robert Ryan fue finalmente elegido después de que Peckinpah lo vio en la película de acción de la Segunda Guerra Mundial The Dirty Dozen (1967). Otros actores considerados para el papel fueron  Henry Fonda , Glenn Ford , Van Heflin , Ben Johnson (más adelante contratado para el papel  Tector Gorch), y Arthur Kennedy .  Las incesantes quejas de Robert Ryan por no recibir una facturación superior molestó al director Sam Peckinpah que decidió "castigar" a Ryan. En los créditos de apertura, después de congelar la pantalla en los primeros planos con las caras de William Holden y Ernest Borgnine, Peckinpah congeló la escena en los cuartos traseros de varios caballos y allí Ryan fue incluido.

Robert Blake fue inicialmente la elección original para interpretar a Ángel, pero éste pidió demasiado dinero. Peckinpah había visto a Jaime Sánchez en la adaptación cinematográfica de Sidney Lumet de The Pawnbroker , quedó impresionado y exigió que lo contratarán para el papel de Ángel.

Edmond O´Brien, Strother Martin, L.Q. Jones y un enfermo Emilio Fernandez cierran con gloria uno de los castings más perfectos que haya habido jamás, como si pareciera que han nacido para interpretarlos. Según el editor de la película, Lou Lombardo , Sam Peckinpah sabía que Strother Martin tenía miedo de los caballos, así que le dio el caballo más alto para montar, y luego lo hizo montarlo y , durante un momento de la misma, vemos como rueda cuesta abajo.  De acuerdo con un informe, Roy N. Sickner levantó tanto infierno beber y pelear en México después de llegar a trabajar en la película que las autoridades mexicanas lo escoltaron físicamente fuera del país, impidiéndole regresar.

Para el general Mapache fue considerado al actor germano-italiano Mario Adorf, pero el papel fue para Emilio Fernández, el director de cine mexicano y actor y amigo de Peckinpah.  Adorf rechazó la oferta cuando se enteró de que su personaje cortaría la garganta de un niño, pero lamentó su decisión tres años después cuando vio la película.

Albert Dekker , un actor de teatro, fue elegido como Harrigan, el detective del ferrocarril siendo Wild Bunch su última película pues murió pocos meses después de que sus escenas finales estuvieran terminadas.

También se emplearon a familiares del director.  Durante la secuencia de robo de apertura, se ve a dos niños sosteniéndose mutuamente, y viendo como uno de los asaltantes se aproxima a caballo y recoge una bolsa de dinero tirada en el suelo. El niño en esa escena es Matthew Peckinpah , hijo del director Sam Peckinpah .

La relación entre actores, equipo y director no fue nada fácil. Sam Peckinpah fue muy duro con todo su equipo. A veces tanto que, a veces, creaba fricciones y enfrentamientos entre él y ciertos miembros del elenco. Al principio del rodaje, William Holden amenazó con abandonar el set si Peckinpah continuaba abusando verbalmente de los demás en su presencia. Robert Ryan amenazó con golpear al director después de hacer que Ryan le hiciera pruebas de vestuario durante diez días  y maquillaje sin filmar ninguna escena o sin permitirle unos días libres para hacer campaña a favor del senador Robert Kennedy . Ernest Borgnine también prometió "acabar con el mierda" de Peckinpah si el director no le permitiera algo de alivio del polvo que le obstruía la garganta y que estaba afectando la respiración del actor en un momento.

Por contra la colaboración de Sam Peckinpah con el productor Phil Feldman fue mucho mejor. LQ Jones comentó: "Si no fuera por Phil Feldman, no creo que Sam hubiera hecho nada de importancia". Feldman le dio consejos a Peckinpah sobre personajes, líneas de diálogo, colocación de escenas e incluso cambió la idea previas de Peckinpah. A esto se une su buen conocimiento en su trabajo al conocer el trabajo de Lou Lombardo  usando la cámara lenta y ángulos diferentes en algunas muertes rodadas en películas anteriores. Esto impresionó al productor Phil Feldman y a Sam .

La película fue filmada en Panavisión con unas lentes especiales de proyección anamórfica . Peckinpah y su director de fotografía, Lucien Ballard , utilizaron también teleobjetivos que permitían comprimir en perspectiva tanto a objetos como a personas fotografiadas incluso en primer plano.

La edición de la película es notable ya que las imágenes rodadas desde múltiples ángulos fueron empalmados juntos en rápida sucesión, a menudo a velocidades diferentes, poniendo mayor énfasis en la naturaleza caótica de la acción y los tiroteos.

Lou Lombardo, que previamente había trabajado con Peckinpah en Noon Wine , fue personalmente contratado por el director para editar The Wild Bunch . Peckinpah había querido un editor que cumpliese sus funciones y no el de la productora. La juventud de Lombardo también era un plus, ya que no estaba obligado por las convenciones tradicionales.

El director filmaría hasta con seis cámaras, operando a varias velocidades de película, incluyendo 24 fotogramas por segundo, 30 fotogramas por segundo, 60 fotogramas por segundo, 90 fotogramas por segundo y 120 fotogramas por segundo. Cuando las escenas fueron finalmente cortadas juntas, la acción pasaría de lento a rápido a más lento, dándole al tiempo una calidad elástica nunca antes vista en las imágenes en movimiento hasta ese momento. La película fue filmada con el proceso anamórfico. Sam Peckinpah y su director de fotografía, Lucien Ballard , también hicieron uso de teleobjetivos que permitían comprimir en perspectiva objetos y personas tanto en el fondo como en el primer plano. El efecto se ve mejor  está en "el paseo" a por Mapache para liberar a Angel. A medida que avanzan, un flujo constante de personas pasa entre ellos y la cámara; La mayor parte de la gente en el primero plano es tan agudamente centrada como el manojo.

Para el rodaje de la película, Peckinpah había filmado 101.000 metros de carretes. Lombardo y Peckinpah permanecieron en México durante seis meses editando. Después de los cortes iniciales, la secuencia de disparos de apertura duró 21 minutos. Al cortar cuadros de escenas específicas e intercalar a otros, fueron capaces de cortar con precisión el robo de apertura hasta cinco minutos.

El montaje creativo se convirtió en el modelo para el resto de la película y "cambiaría para siempre el modo en que se harían las películas".

Según el editor Lou Lombardo, la versión original contiene unos 3.643 cortes editoriales, más que cualquier otra película de Technicolor jamás procesada. Algunos de estos cortes son casi subliminales, consistentes en tres o cuatro marcos, haciéndolos casi imperceptibles a simple vista.

Sam Peckinpah le advirtió a Lombardo que ante la previsible llegada de personas del Estudio que: "No le muestres a nadie nada que cortes hasta que lo vea, si Feldman entra, tira de la tapa de la moviola".

Lombardo y  Peckinpah habían entrado en contacto mientras Peckinpah estaba dirigiendo la película para televisión Noon Wine (1966).  Peckinpah estaba particularmente interesado en las técnicas de edición que Lombardo había ideado durante la edición de Felony Squad

Grupo salvaje está sustentada por dos tiroteos, uno cerca del comienzo de la película y uno cerca del final. Los tiroteos son demostraciones de virtuosismo de las posibilidades de narración cinematográfica. Lombardo trabajó con Peckinpah tanto para diseñar el trabajo de cámara para Grupo salvaje y editar la película. Nada menos que seis cámaras estaban grabando simultáneamente desde diferentes lugares; las cámaras estaban grabando a velocidades de 24 a 120 fotogramas por segundo. La edición de la película es notable ya que los tiros de múltiples ángulos fueron empalmados juntos en rápida sucesión, a menudo a velocidades diferentes, poniendo mayor énfasis en la naturaleza caótica de la acción y los tiroteos.

Él y Peckinpah estuvieron editando el material grabado durante seis meses en México, donde una parte de la película fue grabada.

En su valoración de 2011, Daniel Eagan escribió: "Grupo salvaje tenía 3642 ediciones, más de cinco veces el promedio de Hollywood para este tipo de característica cinematográfica, este tipo de montaje tan denso no se había intentado desde la vuelta de Sergei Eisenstein en los años 1920.

Stephen Prince escribió: "La edición es audaz y visionaria, como el espacio de montajes curvo y alargado en el tiempo de una manera cuyo alcance y ferocidad no tenía precedentes en el cine estadounidense".

En la biografía de Peckinpah, Daniel Weddle escribió sobre este efecto: "La acción haría constantemente estar cambiando de lento a rápido a más lento y a aún más rápido, dando en las secuencias una extraña cualidad elástica".

Antes de filmar, Sam Peckinpah escribió en una carta a su amigo, Charlton Heston , hablándole de la película y que la misma "podría resultar ser razonablemente buena". Después, él decía: "De todos los proyectos en los que he trabajado, esto es lo más cercano a mí."

Gabrielle Murray resumió como Grupo salvaje afectó al cine: "Peckinpah, con la ayuda del brillante editor Lou Lombardo y el director de fotografía Lucien Ballard, desarrollaron un enfoque estilístico, que a través del uso de la cámara lenta, la grabación con varias cámaras y el montaje de edición, parecía tener una violencia más intensa y visceral".

Muchos críticos han señalado la influencia de la edición de los tiroteos de Grupo salvaje en películas posteriores. Paul Monaco ha escrito: "Lombardo empujó la revolución en la edición de Hollywood más que nadie, y Grupo salvaje fue establecida a finales de la década de 1960 como epítome de la edición de ritmo rápido en una película narrativa".

Sam Peckinpah , famoso por ser un director exigente, para la escena clave en la que Pike hace estallar el puente por el que va a pasar Deke, dio instrucciones muy específicas para el técnico de efectos especiales Bud Hulburd , que no era experto en dinamita, pero que iba a usar 50-60 cartuchos de explosivo.  Joe Canutt estaba preocupado por los hombres a caballo pudieran  ser heridos o muertos si se metían en el agua  antes de que la carga de dinamita final estallara. Sin embargo, Hulburd se negó a prestar atender a Canutt, por lo que, según Marshall Fine en "Bloody Sam: La vida y las películas de Sam Peckinpah", "Sin saberlo Peckinpah y Hulburd,  decidieron que "Si cualquier persona entraba en el agua antes de que Hulburd hiciera estallar la carga tendrían problemas. Afortunadamente para todos, la secuencia salió como estaba planeada y nadie salió herido salvó un caballo que se ahogó y una cámara que se hundió.

Se realizó una nueva edición para obtener una calificación favorable de la MPAA que estaba en el proceso de establecer un nuevo conjunto de códigos. Peckinpah y sus editores cortaron la película para satisfacer los nuevos y amplios parámetros de clasificación R que, por primera vez, designaban una película como inadecuada para los niños. Sin este nuevo sistema, la película no podría haber sido lanzada con sus imágenes explícitas de derramamiento de sangre.

Peckinpah declaró que uno de sus objetivos para esta película era dar al público "alguna idea de lo que es ser abatido". Una anécdota sobre el rodaje cuenta como  mientras Peckinpah rodaba con su equipo y le consultaba sobre los efectos del "fuego de arma" para ser utilizado en la película, el director no satisfecho con los resultados se exasperó y , finalmente, gritó: "Eso no es lo que quiero! ¡ Eso no es lo que quiero! " Luego agarró un revólver real y disparó contra una pared cercana, vaciando el cargador del arma. Peckinpah gritó a su equipo  aturdido: "¡Ese es el efecto que quiero!"

Esta película también cambió los efectos de sonido de los disparos para la película. Antes, todos los disparos en las películas de Warner Bros sonaban idénticos, independientemente del tipo de arma que se disparara. Peckinpah insistió en cada tipo diferente de arma de fuego que tiene su propio efecto de sonido específico. Igualmente Sam Peckinpah quería añadir el sonido de las moscas que zumbaban en la escena tras la batalla y, sin ella, sentía que la película era incompleta.  Y así se hizo.

Los críticos de The Wild Bunch señalaron el tema del fin de la era la historia de unos proscritos, pero la película habla de muchas más cosas. Habla de la palabra dada, de la amistad, del compromiso con un causa, de la perseverancia, de la vejez, de la desubicación  y de los cambios.

El personaje de  Pike Bishop responde a todos estos temas. El es consciente de que su tiempo se ha terminado y de que  vive con un código de honor anacrónico sin  lugar en la sociedad de principios del siglo XX. Cuando inspeccionan el automóvil nuevo del General Mapache, perciben el coche refleja ese tiempo en el que ya ellos no tienen cabida. Es el final de su viaje y con él de su mundo.

Hay elementos curiosos y paradójicos en  la película como el hecho de que Deke Thornton describa al general Mapache como "un asesino a las órdenes de Huerta". Se refería al general Victoriano Huerta  que había derrocado y asesinado al presidente mexicano Francisco I. Madero en 1913, desencadenando una guerra civil. La ciudad mexicana que filmó esta película, Parras en el estado de Coahuila, fue el lugar de nacimiento de Madero.  Por su parte, Emilio Fernández , que interpreta Mapache, fue seguidor del posterior revolucionario mexicano, Adolfo de la Huerta, que era una persona completamente diferente al Huerta mencionado en la película. Adolfo de la Huerta fue finalmente derrotado, y sus seguidores, entre ellos, Emilio Fernández fue capturado, juzgado por traición y sentenciado a 20 años de prisión. Se escapó y huyó a Los Ángeles, California, donde encontró su camino en la industria cinematográfica y comenzó una amistad de por vida con el director John Ford . Después de regresar a México, se convirtió en un actor y director y se hizo conocido como uno de los grandes cineastas de la historia del cine mexicano. Pero Victoriano Huerta y Adolfo de la Huerta no eran en absoluto la misma persona y en realidad representaban facciones opuestas en la Revolución, según se desarrollaba. Victoriano Huerta murió de cirrosis como exiliado en El Paso en 1916, mucho antes de la subida de Adolfo de la Huerta.

Emocionan igualmente en la película el uso de la bansa sonora. Especialmente emotiva es "La Golondrina" cantada por los aldeanos mexicanos cuando los miembros del Grupo Salvaje salen del pueblo de Ángel. Es una canción escrita en 1862 por el médico mexicano Narciso Serradell Sevilla (1843-1910), mientras estaba exiliado en Francia debido a la intervención francesa en México.  Se convirtió en la canción de la firma de los mexicanos exiliados. Pero, lo que es más importante, para la época de la Revolución Mexicana, "La Golondrina" (o, de hecho, su nombre propio, "Las Golondrinas") se había convertido en una canción de despedida en el norte de México y las fronteras del sur de Texas. Fue en este tiempo cuando se convirtió en una canción funeral común, una tradición que continúa hasta hoy.  También a lo largo de la película se escucha otra canción el "Corrido de Santa Amalia".

Por supuesto , el tema de la violencia también está presente. Fue de hecho muy criticada desde el principio en 1969 generando muchas controversias. Peckinpah señaló que era una alegoría de la guerra estadounidense en Vietnam, la violencia televisada de todas las noches a los hogares estadounidenses a la hora de la cena. Trató de demostrar que la violencia armada era un lugar común en el histórico período de la frontera occidental, rebelándose contra la televisión esterilizada con western y películas que glorificaban los tiroteos y el asesinato: "El punto de la película es tomar esta fachada de violencia cinematográfica y abrirla". El objetivo era la reacción    y mostrarla como es "brutal y horrible, algo alejada de la  diversión y los juegos, de los vaqueros y los indios, ... en definitiva, fea.

También hubo mesura, a pesar de los muchos muertos que se ven durante la película, 145 (22 en el primer tiroteo y un enorme 112 en la batalla final). se decidió que la escena de la muerte de los cazarrecompensas iba a ser un tiroteo elaborado, pero el productor Phil Feldman sugirió matarlos completamente fuera de la pantalla. A Sam Peckinpah le gustó tanto que le escribió para darle las gracias diciendo: "Tu idea de eliminar la matanza de los cazarrecompensas era absolutamente correcta".

Peckinpah utilizó la violencia como una catarsis , creyendo que su público se horrorizaría al presenciarla explícitamente en la pantalla. Posteriormente confesó  que la audiencia llegó a disfrutar más que horrorizarse por la violencia de sus películas, algo que le preocupaba.

La traición es otro tema secundario de The Wild Bunch . Los personajes sufren por sentir que han traicionado a un amigo y lo han dejado a su destino, violando así su propio código de honor

El crítico David Weddle entiende que el heroísmo de Pike Bishop es propulsado por un sentimiento de culpa  y un deseo de búsqueda desesperanzada de muerte".

‘Grupo salvaje’ fue un éxito, directores como Martin Scorsese y George Lucas lo consideraron el mejor western jamás hecho. Durante una proyección en Nueva York, Sam Peckinpah invitó a Jay Cocks , de la revista Time, quien trajo a su amigo Martin Scorsese . Se sentaron en una sala vacía de Warner Bros. con sólo dos otros críticos, Judith Crist y Rex Reed . La escena final los sacó de sus asientos. Recordó Scorsese: "Estábamos cautivados por ella, era obviamente una obra maestra, era un cine real, usando la película de tal manera que ninguna otra forma podía hacerlo, no podía hacerse de otra manera. Declaró que fue todo emocionante. " Cocks recordó que él y Scorsese "literalmente se volvieron el uno al otro al final y estuvieron atónitos, nos miramos, sacudiendo la cabeza, como si acabáramos de salir de un sueño de fiebre compartido".

Aún así, muchos quedaron escandalizados por el uso de la violencia en el film. Además cambió la idea de western clásico tradicional de tendencia crepuscular como puede ser  ‘El hombre que mató a Liberty Valance’ (‘The Man Who Shoot Liberty Valance’, John Ford, 1962), para dar nuevas claves del western crepuscular, ya tratado en ‘Duelo en la alta sierra’.

Vincent Canby comenzó su crítica calificando la película como "muy hermosa" , presentándolo como el " primer western  interesante en muchos años". Dijo igualmente "También está tan lleno de violencia - de una intensidad que difícilmente puede ser apoyada por la historia - que va a inducir a una mucha gente que no conoce el efecto real de la violencia de la película (como yo no) para escribir  condenas automáticas sobre ella. " Y prosigue :  "Aunque las secuencias de acción convencionales y poéticas de la película son extraordinariamente buenas y sus paisajes bellamente fotografiados ... es muy interesante en su desarrollo el alegre del caos, la corrupción y la derrota". De los actores, comentó en particular de William Holden: "Después de años de actuaciones aburridas en películas aburridas, Holden regresa galantemente en The Wild Bunch . Parece más viejo y cansado, pero tiene estilo, tanto como hombre como por el personaje que persiste en hacer lo que siempre ha hecho, no porque realmente quiere el dinero, sino porque simplemente no hay nada más que hacer ".

En 1995, Peter Stack escribió: "Es sorprendente lo desgarradora que sigue siendo Grupo salvaje, más de 25 años después (...) Se convirtió en una mezquina poesía pictórica inquietante y resumió la corrupción de la culpa, la vejez y la muerte en la fantasía americana del viejo oeste.

Stephen Prince escribió en 1999 que: "Grupo salvaje es una obra épica, y que ha tenido un impacto épico en el cine estadounidense y señaló la descripción realizada por Martin Scorsese de la película a la que definió como poesía salvaje".

Paul Seydor en su libro "Peckinpah: The Western Films A Reconsideration" describió la película como: "una de las grandes obras maestras del cine mundial", y señaló además que "cualquier discusión sobre Grupo salvaje reconoce implícitamente la edición de Lou Lombardo y Robert Wolfe. En la edición de películas no se conocen picos más altos que en Grupo salvaje y muy pocos están cerca de su cumbre".

En la revista Time también elogió el trabajo de Holden, describiéndolo como su mejor desde Stalag 17 (una película de 1953 por la que ganó Holden un Oscar ); también elogió el trabajo de Robert Ryan . Y concluyó que " The Wild Bunch contiene faltas y errores" (como flashbacks "introducidos con torpeza sorprendente"), pero "sus logros son más que suficientes para confirmar que Peckinpah, junto con Stanley Kubrick y Arthur Penn , pertenece a lo mejor de la nueva generación de cineastas estadounidenses ".

Roger Ebert en sus revisiones de películas dijo sobre ella en 2002 que "vio la versión original en el estreno mundial en 1969,  cuando Warner Bros. proyectó cinco de sus nuevas películas en las Bahamas para 450 críticos y reporteros", y añadió que en aquella época había declarado públicamente que la película era una obra maestra durante la conferencia de prensa de la reunión, motivada por los comentarios de "un reportero de Reader's Digest [quien] se levantó para preguntar" ¿Por qué se hizo esta película? "Comparó la película con Pulp Ficción : "alabada y condenada con igual vehemencia".

El crítico de cine Michael Sragow dijo que "Lo que el Ciudadano Kane fue para los amantes del cine en 1941, The Wild Bunch fue para cineastas en 1969"; añadiendo que Peckinpah había "producido una película americana que iguala o supera lo mejor de Kurosawa : el Gotterdammerung de Westerns" .

Hoy día, la película tiene una calificación de "Fresh" de 98% en  Rotten Tomatoes basada en las críticas de 46 críticos.

Se hizo un documental sobre Sam Peckinpah y el rodaje y creación de The Wild Bunch bajo el título The Wild Bunch: Un álbum en montaje (1996) dirigido y editado por Paul Seydor. El documental se hizo a partir del descubrimiento de 72 minutos de imágenes en blanco y negro silenciosas de Peckinpah y su equipo  en el norte de México durante el rodaje de The Wild Bunch .

Michael Sragow escribió en 2000 que el documental era "una introducción maravillosa a la película histórica radicalmente detallada de Peckinpah sobre los proscritos estadounidenses en México revolucionario - una obra maestra y un vuelo poético "

Seydor y su co-productor Nick Redman fueron nominados en 1997 para el Premio de la Academia de Mejor Documental.

Carlos Boyero en las páginas del diario El Mundo comentaba que era  "Uno de los mejores westerns de todos los tiempos"

Por su parte, Miguel Ángel Palomo de El País escribía en sus páginas que era "Una película mítica y de importancia capital (...) una obra maestra de indecible amargura, de inolvidable lirismo"

Alberto Abuín en blog de cine comienza elogiando la labor de montaje realizada por Lou Lombardo al recoger unas palabras del montador en relación a la pelíucla. "Había 3462 cortes en la película. Recordaba que Hitchcock había dicho una vez que, si quieres que una película sea realmente emocionante, tienes que meter muchos cortes. Una película normal no suele tener más de unos 600. Así que, según ese criterio, ‘Grupo salvaje’ es la película más emocionante de la historia.

Pero - prosigue Abuín, aunque ‘Grupo salvaje’ es una historia llena de violencia, a ratos insoportable, se ven en ella algunos matices que ponen en la mirada de Peckinpah cierto punto de esperanza hacia sus malditos personajes. Con un inusitado uso de los flashbacks —eliminados en un primer montaje por parte de la productora— en el que vemos el pasado conjunto de Pike y Deke, éstos añoran sus tiempos de amistad, una amistad traicionada, que se sellaría indefinidamente como elemento común en la filmografía de Peckinpah. Dicha amistad se ve latente en secuencias como la que transcurre tras descubrir los protagonistas que han robado anillas de metal en vez de oro. Nada pueden hacer y sólo les queda reír, escenas recordadas en el cierre del film, mientras Robert Ryan y Edmond O´Brien se alejan.

El primer montaje duraba casi cuatro horas. Peckinpah deslumbró a medio mundo con esta película, escandalizando al otro medio, que no aceptó la impresionante orgía de violencia descrita en el film.

Dice igualmente que el director innovó en muchos aspectos el lenguaje cinematográfico, trastocando las preconcebidas ideas que se tenían sobre el séptimo arte.

De acuerdo con Paul Seydor hubo un estreno previo de la película con 151 minutos de duración y  tuvo lugar  en Kansas City el 1 de mayo de 1969. Con este preestreno se inició la controversia sobre la violencia extrema de este película. Varios espectadores supuestamente salieron corriendo por las salidas a un callejón cercano para vomitar. Esta versión de la película tuvo que recortada por otros seis minutos antes de su lanzamiento, pero por esto que la película obtuvo la calificación R de la MPAA. A pesar de todo el masivo derramamiento de sangre, y la objeción de Motion Picture Association of America a gran parte de ella, sólo el corte de la garganta de Angel es lo que consideraron "inaceptable".

Los ejecutivos de Warner Bros se pusieron nerviosos cuando la película se abrió a la mediocre taquilla, y dieron vía libre al productor Phil Feldman para cortar 10 minutos de la película, pensando que un tiempo de ejecución más corto  podría ayudar. Feldman lo hizo sin siquiera decirle nada a Sam Peckinpah.  Feldman provocó que algunos elementos de la trama fuesen incomprensibles. Un furioso Peckinpah nunca volvió a hablarse con Feldman.

No ganó el Oscar, ya que acabó  siendo la vencedora ‘Dos hombres y un destino’ (‘Butch Cassidy and Sundance Kid’, George Roy Hill, 1969), la gran triunfadora de aquel año, otro western imprescindible. Pero fue la 17ª película de mayor recaudación de 1969 .  Después de su lanzamiento, Peckinpah fue uno de los diez directores para recibir una nominación para el Premio Sindicato de Directores (DGA) -Guild of America- como mejor director.

La película recibió dos nominaciones al Premio de la Academia, por Mejor Guión Original (Walon Green, Roy N. Sickner, Sam Peckinpah) y Mejor Música Original ( Jerry Fielding ). Pero en esa  42ª ceremonia de entrega de premios de la Academia , los premios fueron para miembros de la tripulación de Butch Cassidy y Sundance Kid (guionista William Goldman y compositor Burt Bacharach ). Contiene frases míticas como esa de los primeros minutos de la película:  "Si se mueven, matarlos". Fue elegida como la cita # 72 de "The 100 Greatest Movie Lines" de Première en 2007.

El fotógrafo Lucien Ballard ganó el Premio de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine a la Mejor Cinematografía.

La película se ubicó en el puesto 80 en las 100 mejores películas estadounidenses del American Film Institute y en la 69ª película más emocionante.  En 2008, la AFI reveló su " 10 Top 10 " de las mejores diez películas en diez géneros: The Wild Bunch clasificado como el sexto mejor Western.

La película está clasificada en el puesto  # 94 en la lista de la revista Empire de las 500 películas más grandes de todos los tiempos.

Grupo salvaje está incluido entre las "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

En 1999, el US National Film Registry la seleccionó para su conservación en la Biblioteca del Congreso como cultural, histórica y estéticamente significativa.

La película recaudó 10,5 millones de dólares en la taquilla de Estados Unidos en 1970 y otros 638.641 dólares en Estados Unidos en 1995, gracias a su versión restaurada, que totalizó 11.138.641 dólares.

Uno de los aspectos más llamativos y destacados de la película fue su edición en varios ángulos, de corte rápido, utilizando imágenes normales y de cámara lenta , una técnica de cine revolucionaria en 1969.

La obra del director nacido en El Fresno influirá en muchos directores posteriores por su "extraña cualidad elástica" del tiempo en la película, como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, pero también John Woo, Quentin Tarantino, Kathryn Bigelow y los Hermanos Wachowski, entre otros.

John Woo ha emulado la violencia a cámara lenta de Peckinpah y el realista derramamiento de sangre. Mucho de lo que sucede en Grupo salvaje parece un cliché ahora, con mucha frecuencia se ha copiado y repetido. A Woo , además se suman Takeshi Kitano y Wong Kar-Wai, han referenciado las innovaciones de Peckinpah.

La directora Kathryn Bigelow ha escrito de Grupo salvaje: "la edición era  radical y tremendamente vibrante".

En la película The Matrix (dirigida por los hermanos Wachowski y editada por Zach Staenberg) escribieron que la realización de la película fue influenciada por el trabajo del director de cine Sam Peckinpah y los movimientos de artes marciales de Bruce Lee. John Goodman escribió en 2011: "La combinación de diferentes velocidades en la película realizada por Peckinpah y su estilo de edición elíptica poco convencional fueron una revelación.

El 19 de enero de 2011, fue anunciado por Warner Bros. que un remake de The Wild Bunch estaba en las obras. El guionista Brian Helgeland habia sido contratado para desarrollar un nuevo guión. El suicidio de 2012 de Tony Scott , que estaba programado para dirigir supuso el abandono del proyecto.

No se hizo y casi me alegro. Tocar el legado de Peckinpah es casi intolerable e intentar mejorar uno de los mejores western de la historia es , simplemente, imposible. De la pelíula me quedo con todo. Por supuesto con la historia, con unas actuaciones geniales, inolvidables, con su banda sonora, con su fotografía , con su montaje. Habré visto la películas en multitud de ocasiones  y cada día me parece más grande. En definitiva ¿qué voy a decir de esta película salvaje?. Responderé lacónicamente: es una joya.