martes, 12 de diciembre de 2017

Wichita


Hace algún tiempo estuve viendo Dodge City, ciudad sin ley. El protagonismo de la historia lo asume Wyatt Earp y, claro, leyendo algo sobre el personaje este me llevó a otra localidad de Kansas, Wichita, donde también el personaje ejerció de sheriff y contó con sus hermanos , Virgil Earp y Morgan Earp , y con Bat Masterson, iniciándose así una leyenda que tendría como punto culminante el IK Corral de la fronteriza Tombstone. 

Wichita hoy -para quien no lo sepa- es la mayor ciudad del Estado de Kansas, el mayor centro cultural e industrial y el hogar donde nació Pizza Hut . Fue en su momento una capital ganadera dada su situación estratégica intermedia en las llanuras centrales junto al río Arkansas, un afluente del Mississippi, y una de las ciudades en las que llegó inicialmente el tren en su expansión hacia el Oeste, lo que permitía ser punto de distribución del ganado que procedente desde Texas, y que , desde esta localidad, podía distribuirse hacia el norte (Chicago) y el área urbanizada de la costa Este de los Estados Unidos. Pues bien , a esta ciudad llegó un día el mítico sheriff entre 1870 y  1874. 

Pues bien este es el momento en que se inicia la película Wichita del año 1955 , dirigida por el artesano Jacques Tourneur, un director que con poco presupuesto hacía mucho , algo que sabían los productores Walter Mirisch y Victor Heerman, así como la productora Allied Artist Pictures para encargarle esta película , destinado al mercado "B" del western. Para ello este descendiente de franceses, como indica su nombre, contó con la inestimable ayuda de uno de los guionistas más importante del género en esa década, Daniel B. Ullman. Igualmente contó con la inestimable ayuda del fotógrafo Harold Lipstein quien rodó esta película en un brillante CinemaScope Technicolor. 

Igualmente papel esencial en la misma tiene la banda sonora compuesta por Hans J. Salter y un buen montaje del que se encargó William Austin. 

Como elenco de actores Tourneur contó con un clásico del género, Joel McCrea en el papel de Wyatt Earp, pero también con Vera Miles como Laurie McCoy. Junto a ellos aparecen Lloyd Bridges como Gyp Clements, Wallace Ford como Arthur Whiteside, Edgar Buchanan como Doc Black, Peter Graves como Morgan Earp, Keith Larsen como Bat Masterson, Carl Benton Reid como el alcalde Andrew Hoke, John Smith como Jim Earp, Walter Coy como Sam McCoy, Robert J. Wilke como Ben Thompson, Walter Sande como Clint Wallace, Jack Elam como Al Mann, Mae Clarke como Mary Elizabeth McCoy y hace un corto papel el que con el tiempo será un gigantesco director, Sam Peckinpah, como el cajero de un banco. 

La película comienza con la aparición en escena de un gigantesco rebaño de ganado vacuno perteneciente a Clint Wallace (Walter Sande) que procedente de Texas se desplaza por las llanuras de Texas con la intención de llegar a Wichita. El grupo está deseoso de parar ya en una ciudad , después de llevar un par de meses llevando el ganado y pasando vicisitudes. 

Al caer la tarde, aparece en el horizonte un jinete solitario que más tarde se presenta ante el grupo. Se trata de Wyatt Earp ( Joel McCrea ), un ex cazador de bisontes y que va a Wichita con la intención de convertirse en empresario a esta nueva y pujante ciudad a la que acaba de llegar el tren. 

Tras invitarle a cenar, esa misma noche Wyatt es asaltado por dos de los cowboys del grupo , los hermanos Gyp y Hal Clements ( Lloyd Bridges y Rayford Barnes). 

Sin embargo, Wyatt consigue abortar el robo, pero se va del grupo. Tras esto lo vemos llegando a Wichita, ciudad que se anuncia con un Everything goes in Wichita. 

Cuando llega a la ciudad del ganado , descubre que la ciudad está rebosante de gente que va en busca de fortuna , pues es una ciudad que , gracias a la llegada del tren ha crecido exponencialmente. En la misma se han abierto múltiples negocios, especialmente salones, pero también hay bancos, tiendas, así como un periódico. A éste llega Earp buscando información , pero el director del mismo , el editor Arthur Whiteside (Wallace Ford) , una hombre comprensivo, viudo y bebedor, le abre las puertas a su caballo. Su ayudante es un hombre valiente, idealista y tranquilo, llamado Bat Masterson (Keith Larsenn) , aspirante a periodista, que no tiene problema en enfrentarse a un hombre armado sin temor alguno.  

Poco después Wyatt Earp conoce al alcalde de la ciudad , Andrew Hoke (Carl Benton Reid), así como a uno de sus prohombres, Sam McCoy (Walter Coy) . Esta da un discurso hablando del enorme futuro que le espera a la ciudad, destinada a convertirse la ciudad más importante de Kansas y del medio oeste. Pero Sam McCoy, no está solo, sino que en el estrado está acompañado de su esposa , Mary Elisabeth )Mae Clarke) y su hija Laurie (Vera Miles) . 

Tras ser presentado al alcalde y al empresario, Wyatt Earp se dirige a un banco, lugar donde coincide con los McCoy el alcalde. Mientras que Earp está entregando en depósito sus ahorros, y se produce el asalto al banco que es abortado por Earp. 

Descubrimos así que este crecimiento tan veloz está convirtiendo a Wichita en una ciudad sin ley. Sus habilidades como pistolero lo convierten en un candidato perfecto para ser el sheriff, cuyo puesto le es ofrecido por el alcalde, pero él rehúsa. 

Finalmente llegan a esta ciudad de oportunidades los vaqueros procedentes de Texas que son recibidos con regocijo por la población a sabiendas que van a dejar una buena cantidad de dinero. Efectivamente, la llegada de los cowboys reactivan la vida de los salones que van en busca de chicas y con ganas de beber. 

Sin embargo, este será el inicio del desenfreno con vaqueros que no paran de beber y , tras emborracharse, de disparar sin ton ni son. Uno de ellos tiene desgracia de matar a un niño de cinco años. 

Este hecho moviliza a Wyatt Earp , que se siente moralmente obligado a llevar la estrella y con ella la defensa de la ley y el orden en esta ciudad salvaje. Wyatt Earp consigue paralizar los desmanes y detener a gran parte de la cuadrilla de texanos que no sólo pasan la noche en la cárcel, sino que tras ser juzgados y de ser obligados a pagar una multa , son expulsados de la ciudad. Además Wyatt Earp ordena la prohibición de entrar en la ciudad con armas. 

Esta orden entra en conflicto con sus patrocinadores, ya que las limitaciones y la expulsión supone un varapalo para sus negocios, especialmente para los salones. Viendo lo que ocurre a la noche siguiente es invitado a comer junto al alcalde y los grandes empresarios de la ciudad. Estos le proponen a un Earp obstinado y coherente que quite su orden en nombre de la ciudadanía. Este responde que el único representante de la ciudadanía de Wichita es el alcalde que considera que la labor de Earp es necesaria. 

Esta determinación genera la oposición por parte de los empresarios. Especialmente de Sam McCoy y de alguno más como Doc Black (Edgar Buchanan), que incluso llega a contratar a dos pistoleros que acaban de llegara a la ciudad. Pero con la desgracia para él, de que los dos pistoleros son los hermanos de Wyatt, Virgil Earp y Morgan Earp ( John Smith y Peter Graves), que junto a Bat Masterson se convierten en los ayudantes del sheriff. 

El que ahora encabeza la oposición a Wyatt es el banquero Sam McCoy ( Walter Coy ) el líder de los empresarios locales, que se muestra altivo, y que , además se niega a que Wyatt comience a salir con su hija, Laurie, una vez que ambos se enamoran a orillas del Arkansas. 

Una noche Wyatt es convocado a casa de Sam, junto al alcalde, y Sam le dice que dimita y que abiertamente que deje a su hija, pero el alcalde se niega a cesarlo dada su autoridad y reclama su independencia hasta las nuevas elecciones. 

Esa misma noche sufre una tragedia personal, ya que unos pistoleros pertenecientes al grupo de los texanos , Al (Jack Elam) y Hal Clements disparan matando a su esposa. 

Watt , junto a sus hermanos y Bat, persiguen a los asesinos matando a Al y Hal, aunque Doc, el mismo que quería matar a Wyatt y contratar a dos pistoleros. La tragedia hace cambiar de opinión a Sam, que entiende que la supervivencia del pueblo está en la paz y el orden. De cualquier manera la muerte de los vaqueros, espolean a los vaqueros a ir a la ciudad para matar a los Wyatt. 

Sin embargo, cuando los vaqueros llegan la verdad sale , así que deciden no enfrentarse a Wyatt , no así Gyp que quiere vengar la muerte de su hermano. 

Tras el duelo, este muere al igual que Doc Black, que resulta abatido por Sam al ver que quiere , traidoramente, disparar al Sheriff. La película acaba con la boda de Wyatt y Laurie, pero también se salida para otra ciudad de Kansas en problemas ante su ausencia de ley. Hablamos de Dodge City, acabando así la película. 


La película fue rodada en las localidades en California como Santa Clarita, Thousand Oaks, Sonora, en las estribaciones de Sierra Nevada en Modesto, en Melody Ranch - en el 24715 Oak Creek Avenue de Newhall, y en los Monogram / Allied Artists Studios en el 1725 Fleming Street, así como en Arizona. La película obtuvo el Globos de Oro a la mejor película dramática al aire libre y fue la primera de la Allied Artist en debutar en el formato de CinemScope . 

La película se rodó en 21 días, con un presupuesto superior a los de serie B, pero inferior a los de serie A. 

Se estrenó el 3 de julio de 1955 en los EEUU y obtuvo una taquilla interesante de $ 2.4 millones una cifra estimable para un western  de la serie B.

La crítica , en concreto, Jonathan Rosenbaum, en las páginas de Chicago Reader dijo de la película que era "la primera y mejor película de Jacques Tourneur en CinemaScope (1955) y uno de sus western más extraños, aunque los materiales básicos -desde el tema de Tex Ritter hasta el guión de Daniel B. Ullman, son bastante estándar, como es el elenco secundario. 

Lo que Tourneur aporta a la historia es tanto visual como metafísico: composiciones distintivas, conjuntos e interacción entre el fondo y el primer plano; violencia tremendamente abrupta y arbitraria por parte de ganaderos escandalosos; una extraña sensación de Earp de ser una especie de ángel de la muerte que, al igual que los villanos que se propone desarmar, no puede actuar de otra manera o escapar de su destino; y un comentario interesante sobre el capitalismo según el cual el héroe trastorna a los líderes de la ciudad al prohibir todas las armas de fuego, excepto la suya, lo que es malo para los negocios

En España Miguel Ángel Palomo en las páginas de El País comentaba que "El maestro Jacques Tourneur asombra de nuevo (...) puesta en escena cercana a lo fantasmagórico. Así crea una obra tan inquietante como magistral, de belleza plástica desbordante." 

Para Quim Casas , critico en El Periódico , pero que también lo fue de Dirigido por... o MIradas de Cine, considera la película "Wichita es un excelente muestra de western en el que se tensan las relaciones entre el individuo y la colectividad". 

Ademas de poner en relación la película con otras historias protagonizadas por el mítico sheriff , como Pasión de los fuertes (My Darling Clementine, 1946) de John Ford, y destaca que Earp , en vez de ser la solución se convierte en el problema. Destaca que fue Joel McCrea el que impuso al director en este y otros western . 

Y añade que "Tourneur siempre le tuvo un especial apego al western, aunque no fuera el género que le otorgara más prestigio ni crítico ni comercial. En los años cincuenta realizó cuatro, Stars in my Crown (1950) que, como Martín el gaucho, participa de otros elementos genéricos y debería considerarse mejor un neo-western; Stranger on Horseback (1955), Wichita (Wichita, 1955) y Una pistola al amanecer (Great Day in the Morning, 1956), y aún pudo haber un quinto si no hubiera rechazado el guión de La puerta del diablo (Devil’s Doorway, 1950, finalmente realizado por Anthony Mann), en una época en que Tourneur podía permitirse estos lujos. 

Quizá porque no son tan sorprendentes como sus productos fantásticos, ni tan aparentemente vitalistas como sus relatos de aventuras, ni tan reconocidos como su pieza negra Retorno al pasado, los westerns tournerianos han sido por lo general mal considerados o, en el extremo opuesto, elevados a quintaesencia del estilo de su autor. 

El propio Tourneur ayudó a esta última consideración cuando, preguntado por cuáles consideraba que eran sus mejores películas, casi siempre citó entre sus preferencias a Stars in my Crown («creo que es mi mejor film junto a I Walked with a Zombie, estaba sacado de un gran libro y acepté rodarlo por muy poco dinero, únicamente porque me entusiasmaba esta historia»), Tierra generosa y Wichita («guardo un excelente recuerdo de estos dos films, sobre todo de Wichita, era un verdadero western que se apartaba de lo ordinario»). 

Menos entusiasta se mostraba con Una pistola al amanecer («me he olvidado completamente de ella, la historia era demasiado fragmentada, demasiado deslavazada») y se sentía decepcionado por Stranger on Horseback por cuestiones ajenas a su trabajo («el procesado del color fue horrible, tuvimos que montar con una copia en blanco y negro y cuando vi por vez primera el film en color me llevé una decepción: un color plano, sin ningún relieve, una especie de tono gris uniforme como si se tratara de un contratipo»). (...) 

Un actor, Joel McCrea, unifica los otros tres westerns de Tourneur realizados en los cincuenta. Su porte y expresión es muy distinta a la de Robert Stack. Carece de su arrogancia, también del peso de un pasado que ha hecho mella. McCrea, como siempre, encarna tres personajes de mirada limpia, rectos, nada individualistas, aunque a veces se les defina con detalles imprevisibles. En Stars in my Crown interpreta a un ex-combatiente de la guerra civil convertido en pastor de métodos harto expeditivos: llega a la ciudad, entra en el saloon, promete el primer sermón allí mismo y, ante las risotadas de los parroquianos, saca sus dos revólveres y les obliga a escuchar los primeros versículos bíblicos. En Stranger on Horseback y Wichita, McCrea defiende la ley y se obstina en limpiar la ciudad de malhechores; en el primer film lo hace bajo la apariencia de un juez que se enfrenta a un clan familiar digno de los Clanton, mientras que en el segundo asume la personalidad del sheriff Wyatt Earp, unos años antes de enfrentarse precisamente a los Clanton en Tombstone. En ambos casos actúa en ciudades en ebullición económica, siendo testigo de las transformaciones sociales y del fin de los viejos tiempos. Pero la obsesión de Earp por hacer prevalecer la ley en una comunidad en la que, como reza un letrero, sucede de todo, termina por enfrentarle con los ciudadanos que le han contratado: sus métodos no gustan ya que ponen en peligro el crecimiento económico de la zona. Stars in my Crown es un film pausado, en formato cuadrado y blanco y negro, punteado por insinuantes travellings que abren y cierran el relato fundiéndose con la canción que le da título. 

Tourneur, más cómodo que nunca. se toma su tiempo para presentar los conflictos y varía de ritmo sin que nos demos cuenta, agolpando en su reducido metraje la muerte de un viejo médico, la dificultad de integración de su hijo, la destrucción de la granja de un campesino negro por los sicarios del cacique del lugar, la enfermedad del hijo adoptivo del pastor, el tifus que asola la ciudad y la irrupción de los jinetes del Ku Klux Klan. En su primera parte se corresponde con el Ford de Judge Priest (1934) y The Sun Shines Bright (1952), es decir, la contemplación plácida, idealista e idealizada de la América rural de finales de siglo. 

Después remueve en las propias entrañas del sur profundo para pincelar un drama que encuentra sus soluciones mediante el uso inesperado de la razón, como en Martín el gaucho o Circle of Danger. Stranger on Horseback y Wichita, ambas en color, la segunda en Scope, transcurren en espacios más ásperos, entre las paredes de la cárcel, en el saloon, en las calles polvorientas que irremediablemente servirán para que héroes (no proscritos) y villanos resuelvan a tiros sus problemas. Son westerns hieráticos, como lo es la composición de McCrea. 

Tourneur hace angulosos y desazonantes los espacios, especialmente en Wichita, donde el Scope ofrece un recurso longitudinal que busca el dinamismo interno del plano a pesar de que la acción se concentre en escenarios cerrados y progresivamente abstractos. A diferencia de Ford y Lang, pero coincidente con Boetticher, Ray o Fleiseher, Tourneur apreciaba el formato panorámico y tenía unas teorías peculiares al respecto: «Pienso que el CinemaScope es muy relajante para el espectador porque su mirada va de un personaje a otro, y eso cansa menos la vista que mantenerla fija sobre una mancha luminosa en medio de la oscuridad». (Quim Casas, Miradas de Cine) 

En Fotogramas se dice en un artículo que presenta los mejores 50 western de la historia del cine que "Tourneur siempre se sintió libre y creativo en los terrenos de la serie B, fuera el fantástico, el cine negro o el western. En apariencia sin nada que los distinguieran (historias explicadas con pulcritud, bien dirigidas, no falta ni sobra un plano, ritmo, actores bien llevados…), sus películas están llenas de detalles de auténtico genio. Solamente por cómo une a Bat Masterson con Wyatt Earp (excelente Joel McCrea) o por la escena del caballo en la redacción de periódico ya merece la pena visionar la cinta."

Para Alberto Abuín en Espinof ‘Wichita’ es una de las pruebas del enorme talento que tenía Jacques Tourneur, y también uno de los westerns realizados en la década de los 50 que más influyó en el cine posterior. ...Es ‘Wichita’ una película que habla de la justicia, y de un tipo de hombres que en tiempos del salvaje Oeste ayudaron a hacerlo menos salvaje. Justicia vista dependiendo del punto de vista de varios personajes, cuyos valores en la vida no son, evidentemente, los mismos. Tourneur realiza una exquisita puesta en escena, marcada con un uso llamativo de los colores, reflejo de un mundo en expansión (excelente la utilización del formato scope). Consigue además manejar muy bien el tempo narrativo (hablamos de una de esas ejemplares películas en las que nos narran todo muy bien en 80 minutos), permitiéndose el lujo de ofrecernos un par de momentos planteados como si de un film de suspense se tratase. Son éstos instantes en los que ‘Wichita’ se vuelve muy violenta, pero se trata de una violencia contenida, a punto de explotar, y que provoca en el espectador una tensión inesperada. Y acaba escribiendo - y le doy toda la razón- "Sea como fuere, es un título imprescindible dentro de la historia del Western, y que hizo/hace/hará las delicias de todo aficionado".

El film es interesante. Es un buen western, que sabe cpmbinar los elementos propios del género con el drama y romance, pero también con alegatos políticos en favor del orden, de la libertad de prensa, la democracia y , en contra, de la defensa a ultranza y como valor exclusivo del dinero. 

La dirección de Tourneur aporta un tratamiento elegante y sutiles de la historia, utilizando elipsis rotundas (paso de un plano en el que Earp y Sam McCoy se estrechan la mano a otro en el que se prepara el lanzamiento de arroz a dos recién casados) y una puesta en escena . 

La música, de Hans J. Slater (“Rebelión en el fuerte”, Walsh, 1954), aporta una partitura de composiciones de aire country, cortes orquestales apasionados, fragmentos intensamente dramáticos y un hermoso y breve tema de amor. Añade la balada “Wichita” a cargo del vocalista Tex Ritter. La fotografía, de Harold Lipstein (“Pal Joey”, Sidney, 1957), en color (technicolor) y scope, ofrece un eficiente trabajo de cámara, con emocionantes travellings de seguimiento, encuadres inferiores de exaltación del héroe, perspectivas generales de persecuciones a caballo y encuadres fijos del enfrentamiento del héroe solitario con grupos numerosos de oponentes. 

El resultado es un western emocionante de suavidades pictóricas con una fotografía en technicolor en tonos casi pastel y la filmación en Cinemascope con gustos por los encuadres, con interesantes escenas de acción a caballo, en grupos grandes o con pocos jinetes disparando , pero sin omitir escenas con dosis de violencia , aunque no se muestra abiertamente. Hay un planteamiento político y económico que subyace en el film, así como un alegato por la libertad de expresión, la prensa como elemento de opinión. Los diálogos son extremadamente inteligentes y lacónicos como este:” La prudencia es la mejor cualidad del valor”. 

He leído que "Wichita" es la versión positiva y optimista de un estupendo film posterior, en el que se produce la misma tensión y oposición, pero con un final infeliz y sin esperanza: "La ciudad sin ley" (Death of a Gunfighter, 1969), dirigida por Alan Smithee (pseudónimo usado por Don Siegel). Pero esto no impide que veamos a Wyatt Earp como quiso presentarlo Tourneur, la historia de un hombre justo y honesto, con principios,  que ponen en contra a los hombres cuyo único principio vital , el más importante,  es el negocio.


lunes, 11 de diciembre de 2017

Chosen


Cuando pensamos en la Segunda Guerra Mundial, lo hacemos colocando en primer lugar a los principales contendientes (Alemania, Estados Unidos, la URSS,...) o los países ocupados , especialmente por los primeros (Polonia,...). Sin embargo, a veces no somos conscientes que durante la Segunda Gran Guerra hubo muchos regímenes colaboracionistas con el régimen nazi que permitieron la deportación forzosa y en masa de grupos étnicos y religiosos como ocurrió, además de la consabida Francia de Vichy de Pétain y Laval, en otros lugares como la Grecia de Georgios Tsolákoglu e Ioannis Rallis , la Noruega de Vidkun Quisling , la Bélgica de Léon Degrelle y en los territorios yugoslavos a Milan Nedić (en Serbia) y Ante Pavelić (Croacia), la del sacerdote católico Jozef Tiso en Eslovaquia, o de Hungría. 

La de este país fue muy singular pues nos encontramos con el extraño caso del almirante Miklós Horthy , que tomó el poder como regente "permanente" del Reino de Hungría (1920 - 1945), aunque impidiendo la restauración del rey Carlos IV de Habsburgo (que falleció en 1922), quien contaba con un apoyo social muy amplio. Así, con una dictadura muy al estilo fascista italiano, Horthy, el regente, estableció una alianza con la Alemania nazi y los otros miembros de las Potencias del Eje (Italia y Japón) en los años 1930, con la promesa de revisar el Tratado de Trianon. Hungría fue recompensada por Alemania con territorios pertenecientes a Checoslovaquia, Yugoslavia y Rumanía, y tomó parte activa en la Segunda Guerra Mundial, pudiendo así recuperar temporalmente unos territorios donde había húngaros (sur de Eslovaquia, Rutenia subcarpática, Transilvania septentrional y el norte de la Voivodina), y donde las autoridades húngaras pretendieron que los húngaros eran la mayoría, aunque los censos hechos por las autoridades rumanas, eslovacas o serbias decían lo contrario. Por supuesto, que hubo personas que no aceptaron eso como aquellas formaciones de izquierda así como la de algunas minorías religiosas como aquellas en la que se encontraban los judíos. 

En octubre de 1944, Adolf Hitler forzó la abdicación del no demasiado dócil Horthy, por un mayor colaboracionista pronazi húngaro, Ferenc Szálasi, con el fin de evitar así la defección de Hungría, así que la situación de los integrantes de esta comunidad fue a peor, iniciándose las deportaciones con destino a los campos de concentración y exterminio. Esa es de alguna la manera la historia que se nos narra en Chosen o , como se llamó en España, Elegidos para ser héroes .

Hablamos de una producción británica en la que aparece como  Michael Riley y  Tim Dennisonen la coproducción, por parte de las productoras Dolger Films y Sterling Pictures Ltd. dirigida por  Jasmin Dizdar y que sigue el guión de Gabriel De Mercur que a su vez parte de una historia basada en hechos reales.

Dizdar contó con el apartado musical de Philip Sheppard y la fotografía del húngaro Balazs Bolygo .

El reparto lo encabeza Luke Mably como protagonista masculino que interpreta a Sonson , junto a él se encuentra Ana Ularu como Judith . Igualmente aparecen en la película Tomasz Aleksander como Jeno , Jordan Renzo como Robi,  Freddie Fuller como Zoltan , Sam Churchill como Ezra y Luke Jerdy como Efrahim . Igualmente aparecen Julian Shatkin como el joven Max , Harvey Keitel como Papi , Diana Cavallioti como Florence, Paul Ipate como Aronson .

Además participan en la misma Andrei Albulescu, Tomasz Aleksander, Radu Banzaru, Claudiu Bleont, Alma Caldare, Paul Carroll,  Ioachim Ciobanu, Andrei Csolsim, Sorin Dobrin, Andreea Dogaru y Cosmin Dolea.

La historia comienza en los Estados Unidos con la llegada de un joven Max (Julian Shatkin) que va a visitar a su abuelo, Papa (Harvey Keitel). El chico ha de presentar un trabajo en la escuela hebrea y le han pedido que sea sobre un personaje que el considere un héroe. El abuelo Papi se muestra muy remiso a darle una opinión o contarle una historia, pero, finalmente, accede a contarle una historia ocurrida en Hungría durante la Segunda Guerra Mundial.

La historia se desarrolla en la localidad de Debrecen, la segunda ciudad del país, en el extremo oriental , durante los convulsos años de la Segunda Guerra Mundial y más concretamente en el momento en que el dictador local, el Almirante Horthy le quedan pocos días en el poder, dando paso poco después al Gobierno títere  Ferenc Szálasi.

La historia se centra en un modesto y joven abogado que debido a su condición de judío debe abandonar su ejercicio profesional para ganarse la vida como peón de caminos.

A pesar de ello vive felizmente casado con la joven Florence que adora a su hermana Judith (Ana Ularu) , una chica comprometida con la oposición al régimen y que anda vinculada con grupos clandestinos cosa que enerva a su cuñado Sonson.

Sin embargo, la vida se va complicando cuando la mujer de Sonson cae gravemente enferma y nos es tratada en el hospital debidamente con la atención requerida por ser judía. Eso la condena a muerte, aunque poco antes de morir ella le obliga a su marido cuidar de su hermana Judith.

Justo en ese momento Judith que se niega a ser deportada a un campo de concentración polaco logra escapar de las autoridades, pero , finalmente ella y su grupo es detenido por las tropas colaboracionistas que, además tienen la orden de entregar a los judíos locales a la Gestapo. Los hombres detenidos en la operación anterior logran escapar, y uno de ellos va en busca de Sonsón sabedor de la promesa realizada por el marido a su hermana. Al comentarle que está detenida, no lo dude y cumple su promesa.

Antes de que todo eso ocurra los sicarios de régimen agreden y violan a las mujeres del grupo. Justo cuando esto se ha producido Sonson y algunos de los fugados se hacen con los trajes de la Gestapo y liberan a las mujeres, para después enfrentarse a los colaboracionistas húngaros y a los auténticos miembros de la Gestapo que se personan.

Sin embargo, entre el grupo de mujeres ya  no se encuentra Judith que ha sido deportada al ser reconocida por una mujer que la delata. La cuñada de Sonson logra escapar del convoy ferroviario cuando ya se encuentra en tierras de Polonia y se une  a los partisanos polacos que luchan contra los nazis.

Sonson, hombre de principios, una vez repelido el ataque a colaboracionistas y miembros de la Gestapo decide ir a Polonia en busca de su cuñada. Lo hace caminando tardando ocho días, en un recorrido que debería hacerse en un mes.

Cuando llega al Ghetto de Varsovia éste se encuentra en plena ebullición, pues parte de los judíos que allí viven se están preparando para una insurección. La llegada de Sonson coinicde con el levantamiento, uniéndose éste a los rebeldes polacos. Cuando se encuentra en pleno fragor de la batalla aparece Judith junto a los partisanos.

La historia del reencuentro dará, más tarde, según se cuenta al final de la película a una relación entre los antiguos cuñados. De esa relación van a nacer dos niñas que crecen en los Estados Unidos , país al que llegaron finalmente los protagonistas. Max es hijo de una ellas y Papi es Sonson, aunque éste nunca se reconoce como un héroe, sino por un hombre que luchó por lo que era justo y por su supervivencia y la de sus seres queridos.

La filmación de la película tuvo lugar en Bucarest (Rumania) en concreto en los MediaPro Studios y en el estado de Nueva York. La primera escena de la batalla fue filmada en la noche en una calle central de Bucarest y la última escena de la batalla fue filmada en una fábrica de productos químicos abandonada en Bucarest, Rumania.  Un tren de carga de deportación de la Segunda Guerra Mundial fue construido a partir de cero con ruedas viejas y oxidadas, piezas y escombros encontrados en el viejo desguace de trenes. La escena de la deportación donde los judíos "elegidos" subieron a un tren de deportación que los llevaba a los campos,fue rodada en las pistas abandonadas en el patio trasero de una antigua estación de trenes en Bucarest, Rumania.

El actor Harvey Keitel interpreta al abogado en el presente. Todas las escenas con Harvey Keitel fueron filmadas en Long Island, Nueva York, EE. UU. Harvey Keitel se hizo amigo de un sobreviviente del Holocausto de 90 años con el que solía pasar tiempo como parte de su preparación para interpretar a Sonson Kovács, sobreviviente del Holocausto húngaro de 95 años.

Al ser un actor de método, Harvey tuvo que aprender a caminar con un bastón y con una ligera cojera exactamente igual que un verdadero superviviente del Holocausto de 90 años.

El director quiso presentar esta historia , en parte, como una guerra civil entre húngaros, En la última gran escena de la batalla en la película, los soldados del ejército rumano hicieron de los soldados nazis alemanes y un grupo de civiles  asumieron el rol de los rebeldes judíos del ghetto. Esta última batalla que se ve en la película se filmó en siete días de los 30 que en total se filmaron y, mientras dirigía , la directora Jasmin Dizdar resultó herida, se apresuró a A & E y al día siguiente continuó dirigiendo con la pierna vendada. "Chosen  que es el título en inglés contó con un elenco de 60 actores.

La película fue publicada salió directamente al mercado de DVD y de  Video On Demand disponible desde el 2 de agosto de 2016

En cuanto a las críticas decir que el crítico Phil Hoad de The Guardian cree que la película está desenfocada y solo araña la superficie. Y añade "Este drama desenfocado sobre un judío húngaro que se une a la resistencia en 1944 sólo toca la superficie. Y la aparición de Harvey Keitel es decepcionante (…)  "

Para Isabelle Milton  la película muestra la brutalidad que los judíos húngaros tuvieron que sufrir al final de la Segunda Guerra Mundial, pero no tiene nada nuevo que ofrecer. Ella también menciona que durante la película, la banda sonora parece molestar al aparecer  en momentos inapropiados. Además, ella piensa que el desarrollo del personaje es muy ligero.

Rizaya Reviews cree que hay varios problemas de guión en la película, que son auténticos  agujeros de trama, secuencias de cliché y familiaridad con la narración. Sin embargo, también cree que cuenta con la fotografía es competente para perdonar este tipo de errores.

Para terminar, pues tampoco hay mucho que decir que grabé la película al ver una secuencia, esperando mucho más de ella. Creía una película  bélica, pero se queda en las intensiones. Si me resulta interesante contar esta parte de la historia vista desde el plano de observación de un judío húngaro , y al hecho de presentarse esa pequeña guerra civil húngara , así como la historia del levantamiento del ghetto de Varsovia, uno de los episodios más interesantes del conflicto, pues fue un ejemplo de la lucha por la supervivencia con unas y dientes.

Francamente la película es mejorable. La escena de los húngaros haciéndose  pasar por los miembros de la Gestapo parece poco creíble., al igual que la reacción de los soldados húngaros colaboracionistas.  La película es para pasar el rato, pero si no tienes tiempo, pues no la ves. No pasa gran cosa. En todo caso, destacar el papel de Keitel muy envejecido, ¡qué lejos queda es Teniente corrupto del que hablaba hace unos días!


domingo, 10 de diciembre de 2017

La ola en el fiordo


El cine noruega está de moda. Pasamos de Zombies nazis a Kom Tiki o de la primera versión del Guía del desfiladero a esta sorprendente película de catástrofes , muy al gusto de mi mujer e hijos que es la Ola o Bølgen. 

¿Qué tiene el cine noruego? Lo primero la frescura y el desparpajo a la hora de afrontar una historia, lo que les permite tener guiones tremendamente originales, a los que se suma una calidad técnica notable y cierta capacidad interpretativa. Todo ello provoca las películas noruegas no sean despreciables. 

Curiosamente estuve en Noruega hace algo más de 21 años. Sus espectaculares paisajes naturales , tanto en la alta montaña que pudimos recorres en la zona de Lillehammer como la de Bergen , intimidaban a cualquiera. Cascadas que caían imponentes y que irrumpían ante ese tren de cremallera de Flåm, o disfrutar de las vistas a uno y otro lado de Sognefjord , hablaban de que allí la naturaleza es salvaje, tan salvaje que puede resultar peligrosa. Y eso es lo que , ahora el cine, que cuando fui allí era algo residual.

Hoy es como la música, una industria cultural importante. Ya puede faldar algo más que de Ibsen o de Grieg. La alternativa es , como la sueca y danesa, una apuesta. 

En este caso la dirección está en manos de Roar Uthaug que tira de un guión escrito por John Kåre Raake y Harald Rosenløw-Eeg. Los productores son Are Heidenstrom y Martin Sundland que lo hacen en nombre de la productora local, Fantefilm. Además se suma la música de Magnus Beite, la fotografía de John Christian Rosenlund y el montaje de Christian Siebenherz. La cuidada dirección artística es de Adrian Curelea y Astrid Strøm Astrup. 

El reparto lo encabezan Kristoffer Joner como Kristian Eikjord, un geólogo experimentado de unos 40 años y casado con su mujer Ane Dahl Torp como Idun Eikjord, la esposa de Kristian , y dos hijos Jonas Hoff Oftebro como Sondre Eikjord y Edith Haagenrud-Sande como Julia Eikjord. 

Junto a ellos aparecen Mette Horn como Maria Poulsen y su marido, Bo Larsen como Phillip Poulsen, un turista danés, así como los compañeros de trabajo de Kristian que son Fridtjov Såheim como Arvid Øvrebø, ex jefe de Kristian . 

También están Herman Bernhoft como Georg, Arthur Berning como Jacob Vikra, Silje Breivik como Anna, una de las vecinas de Eikjord, Laila Goody como Margot Valldal, asistente de Arvid y Eili Harboe como Vibeke, colega del hotel en el que trabaja Idun. 

La película comienza con imágenes con una breve introducción en forma de imágenes de archivo y una voz en off que informa al espectador de los peligros a los que están expuestos los preciosos fiordos noruegos, para, acto seguido, presentarnos a los protagonistas.  Las fotografías antiguas hacen referencia a antiguos desastres vividos en el país escandinavo de los fiordos , desastres vinculados con las paredes rocosas de los fiordos y con el mar. En este caso la historia tiene como protagonista a la pared rocosa de Åkneset que enmarca el estrecho fiordo noruego Geiranger. 

En esta pared, desde hace un buen tiempo, los investigadores noruegos han instalado un equipo de vigilancia para evitar pretéritos accidentes mortales. 

En el día de hoy trabaja Cristian Eikjord ( Joner ), un geólogo experimentado , que acaba de recibir una oferta de trabajo para trabajar en la capital del petróleo noruego y que hoy está en su último día de servicio en su centro de investigación ubicado en un famoso destino turístico noruego Geiranger. Su capacitación como geólogo le ha permitido cambiar de trabajo y trasladarse , desde de bastantes años en Geiranger, a la rica ciudad de Stavanger con su familia. La marcha no satisface a todos, ya que su esposa Idun ( Ane Dahl Torp) trabaja en la recepción de un hotel, y sus hijos Sondre (Jonas Hoff Oftebro) y Julia (Edith Haagenrud-Sande) están bien asentados en la localidad. 

Después de una pequeña fiesta de despedida por parte de sus colegas en la estación de monitoreo de Åkerneset, Kristian y sus hijos se preparan para ir, mientras su esposa Idun ( Torp ) ha de trabajar en el hotel local por unos días más. Kristian , de cualquier manera, se siente preocupado pues en la estación de investigación se han detectado anomalías en los últimos días en las capas freáticas y en los sensores que lo controlan. 

Mientras espera el ferry, Kristian tiene una premonición de lo que está ocurriendo desde el punto de vista geológico, después de observar los eventos que lo rodean. Así que , en vez de tomar el ferry, se dirige al centro de geología, dejando a sus hijos Sondre (Joner) y Julia (Sande) en la furgoneta. 

Allí, convence a sus compañeros de que las aguas están generando efectos profundos en la grieta, por lo que se dirige allí en helicóptero con su compañero Jacob. Juntos comprueban que los cables conectados al instrumento se han roto porque algún movimiento se está produciendo en las rocas. De regreso en el centro de geología, las preocupaciones de Kristian son descartadas; a pesar de todo, su antiguo jefe , Arvid ( Såheim ) acepta entrar en un estado de alerta superior, pero se niega a dar la alarma de evacuación en función de la evidencia actual. 

Después de hacer lo que puede, Kristian regresa a su automóvil, pero una nota en el parabrisas le dice que sus hijos se han ido al hotel cansados de esperar a su padre, así que impacientes han ido en busca de su madre. Él se dirige allí y se disculpa con ellos por haberlos dejado atrás durante horas. Idun les ofrece a los niños dormir en el hotel por la noche, pero Julia quiere despedirse de su casa. Así que ella y Kristian van a casa para quedarse allí una última vez. 

Mientras tanto, Sondre que se ha quedado sólo en su habitación y tiene únicamente su monopatín baja de la habitación del hotel y se dirige al sótano con auriculares para patinar. Mientras los Eikjord descansan , los cálculos de los instrumentos dan como resultado cambios de contracción en la grieta, por lo que Arvid y Jacob se dirigen a la grieta para verificar las "bombas C" que miden las condiciones. Allí descubren que son precisas. 

Por su parte, Kristian observa entre sus antiguos documentos y revelan que las contracciones pueden ser un signo de una próxima avalancha, debido a la presión del agua que cambia dentro de la montaña. Ante la lectura y su interpretación, Kristian va a la estación y ordena a sus colegas evacuar a Arvid y Jacob de la grieta . Pero , precisamente, en ese instante la grieta se rompe, generando una caída importante de rocas al fiordo, ante lo que deciden hacer sonar la alarma para alertar a los habitantes de Geiranger de que están amenazados por el inminente tsunami. 

Momentos después, ocurre la avalancha y Arvid se sacrifica para unir a Jacob a su tirolina después de que su pie queda atrapado. Como se temía, el desprendimiento de rocas desarrolla un tsunami de 80 metros que se precipita hacia Geiranger. 

Con diez minutos de margen, Kristian y Julia corren hacia Geiranger para recoger a los otros dos familiares, pero Idun les ordena a los clientes que sigan el protocolo de seguridad. Ella y su colega de trabajo en la recepción intentan desesperadamente evacuar a los clientes del hotel en un autobús que está en la puerta, esperando, pero Sondre no está entre ellos. El tiempo se está agotando rápidamente, pero Idun se niega a dejarlo. Al igual que Idun, dos turistas daneses (Maria y Philip Poulsen) la siguen en la búsqueda de su hijo. 

Por su parte, Kristian y Julia se encuentran en un atasco tráfico de personas que huyen a la zona alta. Pero son tantas que bloquean la carretera, y al darse cuenta de que su altitud es peligrosamente baja, comienzan a correr cuesta arriba a pie, gritando para que todos los demás hagan lo mismo. 

Durante la huía a pie, ven a Thomas (el vecino de Kristian) y olvida poner el freno del auto, haciendo que ruede hacia atrás y atrape la pierna de su hermana Anna. Unos segundos después la zona sufre el impacto de la ola, pillando de pleno a Kristian y a Anna en una furgoneta en un último intento desesperado por sobrevivir. 

El tsunami envuelve el vehículo en un torbellino caótico bajo el agua. Por su parte, Idun encuentra a Sondre en el sótano, pero el tsunami se acerca rápidamente. Al precipitarse escaleras abajo al refugio antiaéreo del sótano, la ola golpea el hotel violentamente y arrastra a María Poulsen, forzando a Idun a cerrar la puerta del refugio ante la mirada de su marido Philip que no puede hacer nada por ella. Kristian se da cuenta de que sobrevivió milagrosamente a la vorágine, pero Anna murió a su lado. Con Thomas y su hija cuidando a Julia , Kristian decide regresar a Geiranger para buscar al resto de su familia. 

Cuando llega Kristian la ciudad ha sido borrada del mapa, y él encuentra el autobús de evacuación, lleno de pasajeros muertos. Al darse cuenta de que Idun y Sondre no están entre ellos, se dirige a las ruinas del hotel. 

Mientras en el refugio antiaéreo, el nivel del agua sube y deforma la puerta, que, por otro lado, está bloqueada por escombros pesados ​​detrás de ella. Con la situación empeorando, los tres supervivientes en la zona alta del mismo, en la única cámara de aire, pero Philip entra en pánico y empuja a Idun y Sondre bajo el agua en un frenético intento de respirar. Incapaz de calmarlo, Idun se ve obligado a ahogarlo. 

Kristian, por su parte, encuentra la mochila de su hijo en el vestíbulo, y sintiéndose sin esperanza de que todavía estén vivos, golpea furiosamente algunas tuberías expuestas con una varilla de metal, pero los ruidos son escuchados por Idun y Sondre. Ellos le responden. El sonido lleva a Kristian hasta el refugio antiaéreo, pero a medida que se sumerge, se producen más daños en las ruinas, lo que provoca que el agua inunde el área donde se refugian. Kristian quita los escombros pesados ​​y se reúne con Idun, pero cuando regresa con Sondre, accidentalmente inhala agua. Idun se dirige hacia él, en un intento desesperado de revivirlo. Si bien parece que Kristian se ha ahogado e Idun acepta su muerte. Sondre hace un último esfuerzo frenético de reactivación, lo cual da sus frutos. 

La familia , tras todo eso, se reúne en la zona alta de la localidad, en Ørnesvingen, y la película se cierra con un información que dice que los eventos pueden ocurrir en el futuro, pero la fecha exacta sigue siendo un misterio. Así acaba la película. 

Noruega es un área propensa al deslizamiento de rocas (creada por la orogenia Caledoniana), esto y la bella naturaleza noruega sirvió para desarrollar la película que se rodó en parte en el país, en concreto, en la ciudad de Geiranger, Stranda, Møre og Romsdal, y en parte en Rumanía, en concreto, en los MediaPro Studios, de Bucarest. 

Y Bølgen se basa , en parte, en un incidente ocurrido en el pasado en el que un tsunami destruyó la aldea de Tafjord el 7 de abril de 1934, matando a 47 personas. Este tsunami del año 1934 , el único constatado en la historia de Noruega - aunque parece que hubo otro en 1905 que mató a 60 personas. fue provocado por el desprendimiento de dos millones de metros cúbicos de roca que cayeron al agua cerca de Tafjord, creando una ola de más de 60 metros de altura que mató a 40 personas, todo ello provocada por un corrimiento de tierra que se precipitó sobre el fiordo de Tafjord, un pequeño pueblo de la costa occidental de la península escandinava, desde una altura de 700 metros. 

Según los expertos en geología, a día de hoy están contabilizadas unas 300 laderas inestables en montañas de aquel país, por lo que las posibilidades de una nueva tragedia de magnitudes similares a la de Tafjord son muy elevadas.

Uno de los lugares que mayor riesgo presentan de derrumbamiento por erosión está en el paso de montaña de Åkneset, situado sobre el estrecho fiordo de Geiranger, por lo que se encuentra en constante vigilancia por un grupo de geólogos del Centro de detección y aviso de desprendimientos de montaña, que controlan cualquier actividad sospechosa de tan colosal mole de roca. Todo ello inspiró este superproducción  que ha contado con un generoso capital de 50 millones de coronas para reconstruir de manera espectacular una catástrofe de grandes dimensiones que poco tiene que envidiar a otros títulos del género concebidos por los grandes estudios de Hollywood.

El director  Uthaug , parece ser, que ha sido siempre un fanático de las películas de desastres de Hollywood como Twister y Armageddon y hacía tiempo que quería hacer una película sobre desastres en Noruega. Según él, el desafío era combinar los elementos de la película de género estadounidense con la realidad de la situación en Noruega. Así que hizo la primera película sobre desastres no sólo de Noruega , sino del cine Escandinavo. Si lo había hecho José Antonio Bayona , ¿cómo no lo iba a hacer él?

El director ha declarado en alguna ocasión que la montaña está en constante movimiento y caerá, tarde o temprano. El director Roar Uthaug dijo: "Esto realmente sucederá allí algún día. Hay una grieta en la ladera de la montaña en el fiordo, y se sigue expandiendo cada año y en algún momento causará un enorme desprendimiento de rocas en el fiordo y tendrán 10 minutos antes de que la ola llegue a Geiranger, queríamos ser fieles a los hechos, a lo que los geólogos creen que serán los hechos algún día ". 

Todos los actores realizaron sus propias acrobacias, algo que el director dijo que era "totalmente estresante". Y para una escena climática, en la que Joner intenta rescatar a su familia de un hotel inundado, se entrenó con instructores de buceo libre para poder contener la respiración durante tres minutos bajo el agua. 

Bølgen tuvo su estreno internacional en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 16 de septiembre de 2015. 

La película recibió críticas positivas de los críticos, con elogios dirigidos a las actuaciones del elenco (sobre todo los dos protagonistas), a la fotografía, a la partitura y a los efectos visuales.Los efectos especiales fueron alabadas por los críticos, recibiendo una comparación favorable con los de Hollywood. 

En Rotten Tomatoes , la película tiene una valoración del 80% basado en 74 revisiones, con una calificación promedio de 6.6 / 10. Y en Metacritic se le da una calificación de 68 sobre 100 basada en 26 críticas, indicando "revisiones generalmente favorables". 

Deborah Young, de The Hollywood Reporter, calificó la película como "un borde de silla exótico que juega con la belleza y el terror de la naturaleza" y como "un paseo emocionante" y alabó sus imágenes "convincentemente aterradoras", concluyendo con que era "Un trepidante entretenimiento que toca todas las notas del género con acento noruego (...) Uthaug y los guionistas sacan el mayor partido de su localización única" 

Para Peter Debruge de Variety lo describió como "un thriller de tsunami y con un peligro igualmente impresionante" Y añade que " adhiere en su mayor parte a la fórmula de los grandes estudios (aunque con mucho menor presupuesto), introduciendo a un puñado de potenciales víctimas antes de bombardearlas con espectaculares efectos digitales" 

En Chile Ascanio Cavallo en El Mercurio dijo de ella que "Tiene una eficiencia familiar y a la vez extraña. Como todas las cintas de su tipo, descuida a los personajes y repite la dinámica del relato. Pero, por otro lado, consigue ciertos momentos visualmente cautivantes, lo que al final del día es el material del cine." 

En Argentina Fernando López en La Nación comenta que "Uthaug es fiel a su propósito: en su film no abundan los grandes golpes de efecto, pero sí hay una tensión creciente." 

Horacio Bilbao en Clarín señala que "Tiene todos los condimentos de un thriller catástrofe, con belleza, ritmo, intriga, tensión y efectos." 

Juan Pablo Cinelli en Página 12 dice de ella que es "Un film que no es bueno ni malo, que puede ser visto hasta con cierto interés." 

La película fue elegida por la Academia noruega de cine para representar a su país en los Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en los 88 Premios de la Academia, pero no pudo ser nominada. La ola, fue considerada como la mejor película noruega de 2016, llevándose tres Amandas, incluyendo el más importante; el de mejor película. El Amanda —el galardón nacional de cine— se le entregó  en la ceremonia de premios celebrada en el Maritim Hall de Haugesund como clausura del Festival Noruego Internacional de Cine 2016. También recibió  los premios al Mejor Diseño de Sonido y Mejores Efectos Visuales. Además, la película también fue nominada en las categorías Mejor director, Mejor fotografía y Mejor música. 

La película del director noruego Roar Uthaug, fue la que vendió más entradas ha vendido en Noruega, con cerca de 833.000 entradas en Noruega, uno de cada seis noruegos fue al cine a verla, convirtiéndose en la película más taquillera de 2015 en el país (y la séptima de toda la historia).

En los Premios Kanon de 2016, la película ganó como Mejor Actor Masculino en la persona de  Kristoffer Joner , al igual que el de Mejor Productor, Mejor Edición y Mejor Diseño de Producción ( Lina Nordqvist ).

La película presenta una factura impecable, un guión ágil de John Kåre Raake y Harald Rosenløw-Eeg  y la buena dirección de Roar Uthaug. A esto se le une una cámara, elegante en sus encuadres y con una fotografía de gran calidad a cargo de John Christian Rosenlund, que sabe capturar toda la belleza de su espectacular marco natural

La narración transcurre de forma pausada, sin demasiados indicios de lo que está por venir , mostrando los lazos de amistad del geólogo resultando de todo ello no una gran película , pero sí un gran espectáculo con unos limitados , pero suficientes,  efectos especiales y un buena dosis de suspense.  La película es como mínimo entretenida.



Viaje a Quantez


Rutinario western en tres actos: su presentación de la banda- que lleva aparejada una huida tras una persecución que termina con la llegada a Quantez- , un nudo - la mala relación entre los cinco integrantes de la banda, seis, con la llegada del músico ambulante , puritano- y un desenlace - la corta huida final. 

Así de simple es esta película dirigida por el californiano Harry Keller, un artesano de la Universal Pictures, que no sólo fue director sino editor y productor especializado en westerns y que trabajó durante muchos años en Universal Pictures, desde 1943 a 1971, falleciendo en 1984 cuando cumplía los 74 años . Él es quizás mejor recordado hoy por filmar imágenes adicionales en Touch of Evil (1958) de Welles. 

En Quantez la producción que he visto, no fue suya, sino que recayó en Gordon Kay, un productor de cine especializado en westerns, que trabajó principalmente en Republic Studios,y a partir de 1947 en la Universal International Pictures. 

La película responde a un guión bastante plano y nada brillante de R. Wright Campbell , inspirado en un Historia de R. Wright Campbell y Ann Edwards. 

En la música participa Herman Stein, mientras fotografía está en clásico como Carl E. Guthrie que rodó en CinemaScope Eastmancolor, posiblemente lo mejor de la película; mientras que el convencional montaje es de Fred MacDowell. 

El reparto lo encabeza un desapercibido Fred MacMurray en un doble papel de Gentry / John Coventry, a la que se une - otra vez en otro western- la bella Dorothy Malone como Chaney. Junto a ellos sale James Barton como puritano, Sydney Chaplin como Gato, John Gavin como Teach, John Alerce como Heller y Michael Ansara como Delgadito. 

Con una clásica banda sonora y entre los títulos de fondo que enmarcan un espacio desértico en el estado de Arizona, vamos viendo como cinco monturas van corriendo a toda prisa por el mismo hasta alcanzar la parte central de la pantalla. Puede que sea la mejor escena de la película. 

Descubrimos tras ella que los que huyen son una banda de ladrones, integrados por cuatro hombres y una mujer, que se dirigen hacia Río Grande para cruzar la frontera con México cuando se encuentra una inesperada oposición en el camino de una tribu india. 

Se trata de la banda de Heller ( John Alerce ) que acaba de cometer un robo, y que durante el mismo han matado a un hombre . 

En su carrera a México con el botín han sido localizaciones por indios y ahora han de llegar a una localidad cercana , Quantez, con el fin de buscar refugio momentáneo, descansar, dar de beber a los animales y plantear el reparto del dinero. Para despistar a los indios Heller ordena a uno de los fugados de nombre Gato (Sydney Chaplin) , y que es considerado por Heller como un mestizo, que borre las huellas. 

La acción de Gato tiene éxito puesto que los indios se desvían en su persecución. Una vez paran para que se le una Gato, descubrimos que en la banda la integran Gentry ( Fred MacMurray ), el hombre más experimentado de la pandilla, Teach ( John Gavin ), un pistolero nacido en el Este y que es el más joven de la partida e igualmente junto a ellos huyendo está Chaney ( Dorothy Malone ), que es la chica de Heller. 

La intención del grupo es pasar la noche en la ciudad fronteriza de Quantez. Al llegar se sorprenden al descubrir que se ha convertido en un pueblo fantasma, pues no hay nadie. Afortunadamente hay agua, con lo que los caballos - han sacrificado ya a uno- podrán descansar. 

Nada más llegar a Quantez, Gentry ( Fred MacMurray ) encuentra licor en el salón y va junto a Teach ( John Gavin ) a dar de beber a los caballos. 

De cualquier manera, Teach se queja del trato de Heller y es remiso a cumplir órdenes. Además Teach se interesa por Chaney ( Dorothy Malone ), la mujer que les acompaña que está tan asustada como molesta por el asesinato durante el atraco . 

Descubrimos una vez instalados que Heller es un hombre brutal y cínico que trata a su compañera, Chaney, con desdén y desprecio. Gentry es el segundo al mando de Heller y demuestra ser un pistolero experimentado y sabio . Teach es un recién llegado a Occidente e inexperto pero ansioso, con un toque adicional de caballerosidad hacia las mujeres. 

Cuando Heller trata mal a Chaney, Teach la defiende, causando violentos enfrentamientos entre él y Heller. Gentry tiene que intervenir y separar a los dos antes de que se maten entre ellos por Chaney.

Por su parte, se aprecia igualmente malestar en Gato, por el desprecio que siente Heller hacia él por su condición de mestizo, aunque no lo sea, ya que , simplemente, fue criado por los apaches de Cochise. Enfurecido con Heller y cansado una vez que ha sacrificado a su caballo que ha muerto por agotamiento y que ha tenido que recorrer las últimas millas a pie. 

Mientras se asientan en el abandonado pueblo, Gato ( Sydney Chaplin ), descubre una advertencia de los Apaches a cualquiera que llegue a la ciudad. Así que sale a las afueras del pueblo y busca al jefe de la tribu, Delgadito ( Michael Ansara ), y le propone que maten a los blancos y dividan el botín.

Heller, mientras tanto, está tratando de hacer que sus socios hagan lo mismo, matar a los demás para que haya más dinero para repartir entre los que quedan. Además se muestra despótico con todos y tremendamente machista con la mujer. 

Precisamente, Gentry y Teach comienzan a sentirse atraídos por una Chaney, que quiere irse de la ciudad lo antes posible , abandonando a un hiriente y cada vez más grosero Heller. 

Mientras las desavenencias en el grupo van a más, llega al pueblo un señor mayor, pintor y cantante errante . El se llama a sí mismo Puritano ( James Barton ), y tras tomar una copa y cantar unas piezas , a petición de Heller, y tras pinta el retrato de Heller, canta una canción sobre John Coventry, un forajido legendario en esos lares. 

Puritano, cada vez más mosqueado con el grupo, se sorprende de repente cuando ve a Gentry y se da cuenta de que él es Coventry. 

Mientras sale Gentry y Puritano al exterior cumpliendo la orden de Heller , cuya intención es acabar con puritano , teniendo así ya las cinco monturas necesarias, el veterano pistolero le dice al pintor que está tratando de dejar atrás su vida violenta para siempre y permite al músico errante huir en su animal. 

Tras esto, la relación entre todos se encona aún más. Heller quier acabar con Teach, puesto que tontea con la chica, pero al final ve a ésta basando a Gentry, además no aguanta ir con un mestizo. Así que propone Heller a Teach matar a Gentry, algo que ne niega y que le cuenta a su compañero, que finalmente reconoce ser Coventry y acaba disparando a Heller, justo en el momento en que los indios inician su ataque sobre los cinco. 

En el ataque , Gato es asesinado por Delgalito , así que Gentry, Teach y Chaney huyen a toda velocidad para cruzar un puente. Conventry se le ve muy eficaz con el rifle, pues mata a muchos indios, pero alguna flecha le impacta en la pierna. 

Finalmente, Gentry se sacrifica, proporcionando cobertura mientras Chaney y Teach se escapan, acabando así la película mientras los indios se marchan. 

La película fue rodada en Sonoita, Arizona y tuvo como fecha de lanzamiento el 6 de septiembre de 1957 en Nueva York y Los Ángeles, siendo su estreno generalizado comercialmente el 8 de octubre de 1957. 

The New York Times dijo de la película que "no podría ser más aburrida" no tratando especialmente a este western de este artesano que era Harry Keller que más tarde pasó a la televisión . 

Quantez viene a ser un western psicológico e intimista con escasa acción , siendo lo más significativo la tensión existente en la cantina que el temor a lo exterior- y muchos diálogos algunos de ellos bastante repetitivos. Los mismos hacen que la película se alargue pues aportan poco a la rama. Cada personaje parece contar algo de su pasado y de lo que siente, pero o tienen poco pasado o sienten muy poco. Los cinco son sus propios enemigos. 

Lo mejor sin duda alguna el escenario de rodaje, al menos en los escenarios naturales de Arizona y la cuidada fotografía , así como la banda sonora de Herman Stein. 

A destacar entre los actores a la bella Dorothy Malone y Fred MacMurray -. De la primera señalar que todavía vive. Tiene 92 años y que fue una de las rubias "femme fatale" del Hollywood que pasó por muchos estudios desde la RKO a la Warner Brothers, y cuyo papel en El último atardecer (1961) alabé no hace mucho. Paso del cine, donde consiguió un Oscar a la mejor actriz de reparto (1957) por su papel en Escrito sobre el viento de Douglas Sirk y trabajó con los garndes actores del momento (Kirk Douglas y Rock Hudson, pero también Humphrey Bogart, Dean Martin, Robert Stack, Henry Fonda , Richard Widmark o James Cagney, a la televisión, como le ocurrió a Harry Keller , donde intervino en series como Peyton Place y sobre todo Hombre Rico y Hombre Pobre. Si buscas en su biografía Quantez no se incluye entre su filmografía seleccionada...y con razón. 


Sobre el actor hoy casi olvidado pero que participó en más de cien películas, especialmente comedias, pero a partir de 1940 comenzó también a intervenir en películas de distintos géneros como western, drama y cine negro demostrando su versatilidad como actor, así como exitosas series de televisión, en una carrera profesional que se extendió desde los años 1930 hasta los 70. 

En la década de 1950 su estrella se fue poco a poco apagando y apareció en producciones menores o en papeles secundarios en películas mayores, siendo su última película El enjambre de Irwin Allen. Pero reconozco que yo especialmente guardo un grato recuerdo de él, por ser el protagonista de muchas de las películas de Disney que pude ver de pequeño en el cine y en la televisión. Falleció en 1991. Pues esta entrada se la dedico al actor que iluminó la pantalla en las películas de mi infancia.