lunes, 31 de octubre de 2016

Grave Encounters


Supongo que fue el último día de octubre del año 2006 o 2007 cuando comencé esto de escribir sobre el cine que veía. Por supuesto, con la misma intencionalidad que la actual: no olvidarme de aquello que vi o como dice el título del blog Para que no me olvide. Lo cierto que comenzó en una noche de Halloween o víspera de los Santos , como corresponde por estas lides y fue con un clásico del cine de terror dirigido por John Carpenter y con un nombre mítico, Halloween. A esta siguieron muchas más películas, incluyendo todas las de la saga, las que merecían la pena y las que no, las de Rob Zombie, así como otros muchísimos titulos, en los que estaba presente la animación como la grandiosa Persépolis o ,¿por qué no? Clásicos de Disney como ese Donald en el mundo de las Matemáticas. Desde Western como el Django original, así como todas o casi todas las variaciones del incidente en OK Corral y que tenían presente por supuestos a los Earp y a Doc Hollyday o con películas bélicas en la línea de la batalla de Anzio, así como multitud correspondientes a la visión japonesa de la guerra. Pero todo aquello quedó en baldío pues quién creó aquel medio,Google y su Page Creator, con su sencillo editor de páginas webs creado con tecnología AJAX y que permitóa a cualquier inútil como yo , crear sitios web simples con múltiples páginas sin tener ni idea de HTML o cualquier otro lenguaje de los que usados en Internet. Los usuarios recibían 100 Mb de espacio web libre y un máximo de 500 archivos. 

Pero el 03 de agosto de 2008 Google anunció el cierre del servicio, cierre que fue concretó en febrero de 2009. Desde esa fecha todos los sitios se trasladaron a Google Sites , así perdí bastante información sobre lo que había visto. 

Durante , un tiempo, no hice nada hasta que un día, un primero de enero me dio por volver. Y así estamos. Desde aquel día de Halloween opté por ver cine de terror en esa noche, y , más tarde, la idea ha pasado a mis hijos que seleccionan una película de terror. Uno de ellos, el de la tierra media, optó por algunas que ofrece Movistar + y viendo lo que había , casi todas poco interesantes, optó por Grave Encounters o como aquí se conoce por Fenómenos Paranormales, aunque casi literalmente signifique Tumbas encontradas. 

Se trata de una película canadiense de terror sobrenatural rodada en un estilo found footage donde se registra con una cámara de vídeo en primera persona y desde su perspectiva , siguiendo la estela de aquello que fue El Proyecto de la bruja de Blair que destapó y puso de moda eso del metraje encontrado. 

En este caso la película sigue al elenco de un ficticio programa de televisión de realidad paranormal de esos que incluso he visto mientras zapeaba en el Canal 8 que tan afín era a Griñán y a nuestra Reinona Díaz que visitaban fábricas o espacios hoy abandonados , pero que en caso de la película canadiense se centraba en un grupo de periodistas que se encierra en un hospital psiquiátrico embrujado en busca de evidencias de actividad paranormal, lo que termina convirtiéndose en su episodio final. 

La película fue escrita y dirigida por The Vicious Brothers (Collin, Minihan, Stuart Ortiz ), aunque la dirección artística fue de Paul Macarme. Se trata de una producción de Twin Engine Films y Digital Interference Productions en la que participan como productores Shawn Angelski y Michael Karlin, y como productores ejecutivos dos de los "viciocillos" Collin Minihan y Stuart Ortiz. El guión es de ellos, es decir, de The Vicious Brothers. La película contó con un presupuesto de US $2 000 000, aunque he leído igualmente que fueron 100.000 dólares canadienses. 

En el apartado musical cuenta con la música (o ruido)de Quynne Craddock, la fotografía de Tony Mirza y el montaje del mismo Tony Mirza. 

Como protagonistas nos encontramos con los pocos participantes en la misma Sean Rogerson como Lance Preston, Ashleigh Gryzko como Sasha Parker, Merwin Mondesir como T. C. Gibson, John Riedinger como Matt White, Mackenzie Gray como Houston Gray, Ben Wilkinson como Jerry Hartfield,y Bob Rathie como el vigilante del edificio Kenny Sandoval. 

La película comienza con una entrevista al "supuesto" productor de Grave Encounters Jerry Hartfield, especialista en Reality Shows, quien comenta a la cámara lo ocurrido en un proyecto llamado "Grave Encounters" (en español "Encuentros paranormales"), un programa que fue cancelada en 2003 y en el que un grupo de “especialistas” van a lugares donde podrían existir fenómenos paranormales, y cuya intención es grabarlo todo. 

El programa - informa Hartfield, sólo constó de cinco capítulos plenamente realizados, pero que nunca vieron la luz. La película en realidad se trata de un sexto capítulo, compuesto del material fue finalmente recuperado en 2010 y llevado a Hartfield. 

En ella, el presentador del programa de Lance Preston, junto con equipo lograron graba más de 72 horas de filmación, que podremos visualizar en parte durante la película. 

El equipo está formado por Lance Preston (un redactor que busca fama y reconocimiento); Sasha Parker (especialista en fenómenos paranormales); T. C. Gibson (el cámara oficial); Matt White (integrante técnico del equipo) y Houston Gray, una estrella invitada que interpreta a un espiritista. 

En este episodio van siniestro, tenebroso y abandonado Hospital Psiquiátrico de Collingwood de Maryland, uno de los lugares más embrujados del mundo. Pasarán una noche entera explorándolo con el objetivo de confirmar si hay o no fantasmas que puedan estar atrapados. Se intención es la de grabarlo todo, durante las llamadas “horas muertas” (en las que el tiempo transcurre entre la media noche y las cuatro de la mañana, lapso en el que las energías psíquicas, fantasmales y demoníacas se manifiestan con mayor fuerza). 

El equipo comienza con entrevistas a los residentes cercanos tal como a un historiador, quien revela que el hospital de enfermos mentales desde el siglo XIX, y que eran maltratados de todas formas imaginables, padeciendo hambre, frío y enfermedades. Le habla del director que hubo entre finales de los treinta y cuarenta, el Dr. Arthur Friedkin, que se entretenía haciendo brutales y siniestros experimentos con los internos, así como múltiples lobotomías hasta que un día los pacientes se hartaron de él y lo asesinaron. Al día siguiente su cuerpo fue encontrado por una enfermera. Hablan igualmente con el vigilante de noche del edificio Kenny Sandoval (Bob Rathie), que siempre descubre una ventana abierta que el siempre se cerciora que está cerrada o le cuenta la historia de una chica que se suicidó en una bañera ahora abandonada, con un latino que es el jardinero, que no sabe nada pues acaba de ser contratado, pero que se deja comprar por un puñado de dólares, para explicar cosas que nunca vivió, así como una pareja que vio a un tipo calvo o un contratista que tuvo que dejar la obra cuando en el estado de Maryland quitó el dinero presupuestado. 

Al final del día, y tras diseñar una estrategia de trabajo, el grupo se encierra voluntariamente en el interior de Collingwood para pasar la noche. Kenny tiene el honor de colocar las cadenas que cerrarán el edificio en la entrada principal desde el exterior. 

Comienza su investigación, instalando su campamento base en el vestíbulo principal justo en la entrada. Lance y su equipo tratan de establecer contacto con las entidades invisibles responsables de las actividades paranormales que ocurren en el sitio. 

Al principio, todo está tranquilo, pero pronto, comienzan a ocurrir fenómenos extraños, como sonidos extraños, puertas cerrándose automáticamente, ventana que se abre en el cuarto piso o una silla de ruedas que se mueve por su cuenta. 

Después de grabar con asombro como una entidad invisible mueve el cabello de Sasha, el grupo decide terminar su filmación y esperar a las 7 de la mañana para irse cuando el cuidador los dejará salir. Sin embargo, el equipo cada vez tiene más problemas para salir sobre todo cuando empiecen a ser hostigados por fantasmas. 

El equipo está cada vez más asustado por presencias que se van encontrando conforme exploran el lugar, escapando de muchos espectros y fantasmas, hasta que finalmente deciden abandonar el lugar, sin éxito. Media hora antes de que el vigilante del hospital llegue, el equipo comienza a empaquetar todo. 

Cuando Matt va a recuperar las cámaras y quitar la cámara de visión nocturna en la habitación en la que todas las noches una de las ventanas se abría sin motivo aparente, desaparece, tras oír un ruido. El equipo es incapaz de contactar con la radio. 

Los compañeros lo esperan, pero desesperados deciden salir en busca de Matt. T. C. Gibson (el cámara oficial)al buscarlo en la escaleras, es empujado por una entidad invisible hasta caer, donde luego Lance y Sasha lo levantan. 

Gibson que cada vez está más desesperado, con la ayuda de Lance, derriba la puerta principal con una camilla para escapar, pero con horror descubre que los lleva a otro corredor, al igual que muchas otras puertas "de salida" que encuentran. Se dan cuenta de que aún es de noche afuera aunque , por el tiempo pasado debería haber amanecido. Lance comprueba la hora, y su móvil marca las 13:00 de la tarde. 

Deciden descansar para recuperar fuerzas, pero mientras duermen, su único equipo de iluminación (un foco) es empujado hacia el suelo, rompiéndose. Tras esto, se llevan un susto de muerte. Lance va en busca de comida de su nevera, pero al abrirla, comprueba que está infestada de gusanos. Empiezan a tener dudas sobre el espacio y el tiempo en el interior del recinto. 

Tras cerrar la nevera, que desprende un olor nauseabundo son conscientes de que sólo les quedan varias botellas de agua. 

Después de buscar más salidas, incluso tratando de escapar por el techo, el equipo descubre que la escalera termina tapiada misteriosamente con un sólido muro que bloquea la entrada a la planta superior. Se oyen gritos de alguien. Ellos piensan que es Matt. Entran en una habitación con una camilla de metal, que por sorpresa se eleva violentamente. Deciden volver a dormir, pero poco después, Sasha descubre de que algo le ha arañado con mucha fuerza. Lance le ayuda a quitarse la camisa, para encontrar que tiene un mensaje inquietante tallado en su espalda diciendo "HELLO" (HOLA). 

El equipo sigue buscando a Matt y alguna salida, cuando se encuentran con una chica que corre a otra habitación. Le hacen preguntas, pero al darse la vuelta hacia ellos y deforma su cara con aspecto demoníaco mientras suelta un grito. 

El grupo huye afectado por el pánico, pero Houston, el espiritista, que lleva ya un buen tiempo asustado, se separa de los demás y luego es agredido violentamente por una fuerza invisible que lo zarandea y finalmente lo ahorca en el aire, lanzándolo contra el techo y luego contra el suelo de cabeza, matándolo al instante. Su muerte es grabada por una de las cámaras de pared. 

Mientras los tres supervivientes se quedan dormidos en una habitación. Al despertar los tres descubren que llevan pulseras con sus nombres en sus muñecas, exactas a las que tenían los pacientes. 

Poco después entran en una habitación y, en ella, descubren a Matt, que lleva una bata de hospital, una pulsera y que está totalmente enajenado. Parece haberse vuelto loco, murmurando tonterías acerca de su trastorno psicológico, y explicando que la única manera para que puedan escapar es mejorando su estado. Parece que Matt ha sido lobotomizado y explica que la única salida es que ellos mejoren [mentalmente], suponiendo, que con una lobotomización a manos de los doctores. 

Tras compadecerlo salen los cuatro de la habitación. Cuando van por los pasillos el equipo es perseguido por el hospital por varios espectros y huye de una habitación en la que pretenden ocultarse en la oscuridad. 

Sin embargo, Lance descubre horribles manos que salen del techo, intentando atraparlos. Vuelve a huir entrando ahora en la habitación en la que la chica se suicidó, según les comentó el vigilante Kenny. Ahora descubren que una de las bañeras está llena de sangre. Al acercarse Gibson es atrapado por la chica que se suicidó en una bañera y aunque los demás le dan la vuelta a la misma y la vacían, Gibson desaparece sin dejar rastro. 

Vuelven a salir a los pasillos descubriendo un ascensor. lance plantea la posibilidad de huir del hospital por los subterráneos que comunican todos los edificios. Cuando Lance busca una barra de hierro para abrirla. Lance, mientras buscaba dicha palanca, descubre en una habitación una lengua que parece haber caído del techo, así como gotas de sangre. 

En ese momento ve un fantasma en el techo y es atacado por dicho fantasma calvo y sin lengua que trepa por las paredes. Mientras tanto, cuando Sasha ayuda a Lance, Matt aprovecha para arrojarse al hueco del ascensor que Lance abrió con una palanca para escapar. Lance y Sasha escapan del demonio y entran en los túneles en busca de otra salida. Sasha, que cada vez se va sintiendo más enferma debido a una fiebre comienza a vomitar sangre. Derrotados se tiran al suelo y caen rendidos.

De repente el túnel se llena de una neblina y Sasha desaparece en la neblina, mientras Lance duerme. Aterrorizado y demente, Lance continúa a través de los túneles , solo. Para sobrevivir se ve obligado a matar y comer ratas hasta que encuentra una puerta que ve en su recorrido por el hospital. 

Esta puerta le lleva a una vieja sala que parece ser la sala de operaciones del Dr. Friedkin. Allí se ve un libro de runas así como material quirúrgico antiguo. También hay un altar con velas y encuentra un cráneo humano, dibujos extraños y la estrella de cinco puntas pintada en el suelo, todo ello símbolo de un ritual demoníaco, demostrando que el Dr. Friedkin había utilizado magia negra en su práctica médica. 

En ese momento, los espectros de Friedkin y algunas enfermeras que parecen encontrarse haciendo una lobotomía. Lance, preso del pánico, tropieza y hace ruido. Al voltear su cámara para ver qué ha tocado, se gira hacia el frente para encontrarse con el Dr. Friedkin, quien deforma monstruosamente su cara y suelta un rugido, y lo arrastra en medio de gritos hacia su mesa de operaciones. 

Atacado por Friedkin, que lo arrastra mientras grita, antes de que la cámara se corte. La cámara se vuelve a encender, mostrando a Lance vivo, aunque su ojo está sangrando de una lobotomía hecha por Friedkin. La cámara es derribada hacia una calavera y un libro que dice "Tratamiento medico para enfermedad mental". 

La pantalla se vuelve negra por un momento antes de mostrar a Lance tras haber sido lobotomizado, completamente demente y con un agujero manando sangre en la frente. Se despide diciendo: "Él [refiriéndose al Dr. Friedkin] dijo que estoy mejor ahora ... , me puedo ir a casa. Para Grave Encounters, soy Lance Preston. La pantalla se funde en negro y acaba la película. 

La película se rodó en Vancouver y en Riverview Hospital, Coquitlam, en la British Columbia de Canada. lugar de muchas otras producciones televisivas y cinematográficas.

La película se estrenó el 22 de abril de 2011 en el neoyorkino Festival de Cine de Tribeca con opiniones favorables. En julio pasó por el Festival Internacional de Cine Fantástico de Neuchâtel en Suiza y en octubre por Festival Internacional de Cine de Busan (Corea del Sur) En septiembre fue proyectada en los cines de Estados Unidos, y en España y otros países europeos asó directamente al mercado del DVD, salvo en Italia donde se estrenó internacionalmente a través del distribuidor Eagle Pictures bajo el título ESP Fenomeni Paranormali el 1 de junio de 2011. 

A pesar de recibir críticas mixtas, el filme es un objeto de culto y dio lugar a una secuela en el año 2012, a pesarde su modesta recaudación que alcanzó los US $5 408 334. Grave Encounters recibió críticas mixtas por los críticos. Mientras que la prensa de Nueva York- The New York Press - le concedió el "Scariest Film Since The Ring", la película de más miedo desde The Ring, otras críticas no fueron tan favorables. 

En el sitio web de calificación Rotten Tomatoes dio a la película una calificación mixta de 50%, en su mayoría positivas, asimismo a la de IMDb, en donde recibió 6,1 puntos de 10. Flesh Eating Zipper escribió que : «... Este hijo bastardo de The Blair Witch Project y House on Haunted Hill ofrece menos sustos que la combinación de ambos». Considerándose también un plagio del episodio 10 de la primera temporada de Supernatural, en donde ambos personajes abordan un hospital psiquiátrico, con acontecimientos que son iguales a "Grave Encounters". 

Para Jeannette Catsoulis del The New York Times cr´tica el papel de los " personajes uniformemente molestos que no paran de tropezar , gritar y maldecir, no damos un pitido para su supervivencia. 

Dennis Harvey en Variety "El factor de espeluznante de la foto es suficiente para clasificar esta una muesca por encima del promedio del género. Nick Schager de Slant Magazine dice de Grave Encounters que "ni siquiera puede pretender ser otra cosa que irremediablemente derivada". 

Aaron Hillis del The Village People "El terror verdadero necesita por lo menos algo de autenticidad. Eso es quizás demasiado pedir de una película falsa sobre un reality show falso que todavía no puede asustar ni aporta idea nueva alguna". 

Esta película u otras como estas pueblan las cadenas televisivas y las pantallas de los cines siguiendo el modelo creado en 1999. En este caso el grupo se encuentra que el edificio además de maldito está vivo y no tiene la menor intención de dejarles salir de allí con vida del abandonado Collingwood Psychiatric Hospital. 

La investigación paranormal, capturando en la cámara, es rutinaria y no aporta nada. Al final mi hijo y yo nos hemos aburrido de lo lindo. Y nos da un poco igual que el grupo se encuentre perdido en un laberinto de pasillos y corredores sin fin, aterrorizados por los fantasmas de los antiguos pacientes. Al final todos tienen una pérdida de su cordura siendo alcanzados por la locura y , lo peor, es que lo graban para que ilusos como nosotros lo veamos.


domingo, 30 de octubre de 2016

Hércules, la leyenda... coñazo


Desde finales de los cincuenta, Hércules es un personaje recurrente en el mundo del cine y de la televisión. Para ello el cine ha contado con actores con buena fachada para mostrarnos sus 12 trabajos , más otros muchos añadidos. Actores como el mítico Steve Reeves, como Gordon Scott, Alan Steel, Reg Park o el mismísimo Lou Ferrigno o Kirk Morris que en un momento escaparon del mundo extraño del fisioculturismo para probar suerte en el mundo del cine. Su paso por el cine, en la inmensa mayoría de los casos no los llevó a la historia del séptimo arte. Recuerdo ir al cine junto a mi hermano para ver Hércules y la conquista de la Atlántida, una película del año 1961, en los primeros años setenta. No recuerdo casi nada de la película. Pasó por mi sin pena ni gloria. 

Desde entonces, salvo la versión de Walt Disney Pictures de 1997 y el personaje televisivo interpretado por Kevin Sorbo en Hercules: The Legendary Journeys (1995-1999), a veces, interrelacionado con Xena, la princesa guerrera, la impresionante Lucy Lawless, el personaje ha pasado por las pantallas grandes y pequeñas con zapatillas de paño. Jamás , a pesar del empeño, he hecho ruido alguno. Por supuesto este es el caso de The Legend of Hercules o Hércules la leyenda ... coñazo. 

Se trata de una película del año 2014 dirigida por Renny Harlin y co-escrita por el mismo Harlin con Daniel Giat, Giulio Steve, y Sean Hood. Fue una de las dos películas que sacaron los Studios de Hollywood sobre el mítico Hércules ese 2014. Ya he visto en este caso la realizada por Summit Entertainment - que además la distribuyó- y la Millennium Films y no por la Paramount Pictures 'y MGM en régimen de coproducción. La película contó con un presupuesto de $70 millones de dólares que no se recuperaron con la recaudación que apenas llegó a los 61.3 millones de dólares. 

En este caso la producción estuvo en manos de Boaz Davidson, Danny Lerner, Les Weldon y el director Renny Harlin. Para contarnos la historia el guión fue cosa de Daniel Giat, Renny Harlin, Sean Hood, Giulio Steve. La música le fue asignada a Tuomas Kantelinen, mientras que la fotografía lo fue a Sam McCurdy y el montaje a Vincent Tabaillon. Reparto Kellan Lutz, Liam McIntyre, Scott Adkins, Roxanne McKee, Liam Garrigan, Rade Serbedzija, Johnathon Schaech, Luke Newberry, Jukka Hilden, Rick Yudt 

El reparto está integrado por Kellan Lutz como Hércules/Alcides, Gaia Weiss como Hebe, Scott Adkins como Anfitrión, Roxanne McKee como Alcmena, Liam Garrigan como Ificles, Liam McIntyre como Sotiris, Rade Šerbedžija como Quirón, Johnathon Schaech como Tarak, Luke Newberry como Agamenón, Jukka Hilden como Creonte, Kenneth Cranham como Lucius, Mariah Gale como Kakia, Sarai Givaty como Saphirra, Richard Reid como uno de los Arqueros, Spencer Wilding como Humbaba, Bashar Rahal como el Comandante. 

En la Grecia Antigua, hacia el año 1200 A.C. las guerras entre polis están a la orden del día. El rey Anfitrión de Tirinto invade Argos . Amphitryon se enfrenta en un combate directo y personal con su rival el rey Galeno, matando a Galeno y aprovechando para ampliar su ejército y engrandecer su reino. 

Por su parte su mujer, la Reina Alcmena está disgustado por la sed de poder de su marido por el poder y su belicismo. En un intento desesperado por liberar a su pueblo de la opresión de su vengativo esposo, la reina Alcmena dirige sus súplicas hacia los dioses. Ella reza a Hera para que la oriente y Hera, la esposa de Zeus , le dice que permitirá a Zeus que se relacione con ella para que de ella nazca el salvador de su pueblo, un hijo semidiós que debe ser llamado Hércules . El único testigo de esto es Quirón, el asesor leal de la reina. 

Fruto de sus plegarias nace Hércules, engendrado por Zeus, padre de los dioses y los hombres. Ajeno a su verdadera identidad, Hércules sufre el desprecio del rey Anfitrión, quien favorece siempre a su hijo legítimo, Ificles frente a su nuevo "hijo" Alcides, aunque Alcmena en secreto le da su verdadero de Hércules. 

Veinte años más tarde, el príncipe Alcides (Hércules) es el amante de la princesa Hebe de Creta . Creta en esa momento es la gran rival de Tirinto , además Ificles quiere tener relaciones con Hebe y fuerza a su padre para que lo consienta, a pesar del interés de ella por Hércules. Su hermano mayor, el príncipe Ificles , van a las montañas y se enfrentarán a un león , el de Nemea, que Ificles dice que no puede matar ya que sus lanzas literalmente rebotan en su piel. Hércules, ya no con la lanza, se lanza contra el león lo asfixia con sus manos. Quintándole más tarde la piel. 

No obstante, cuando ambos hermanos se personan ante el rey, Ificles públicamente en un banquete real que la piel que lleva es del león que acaba de matar y , mintiendo, llama a su hermano cobarde, aunque Hebe ve a través de él que todo es mentira. En el banquete Anfitrión anuncia la boda de Hebe y Ificles, lo que provoca la salida de Hebe de palacio. 

Mientras a Hércules se le envía a una campaña militar en Egipto . Ante de marchar Alcmena le dice a Hércules la verdad sobre su linaje y su nombre oculto durante todo este tiempo: Hércules, no Alcides. Hercules se compromete a volver con Hebe en tres lunas, antes de que sus nupcias se celebren. Se une al mando del capitán Sotiris que tiene que marchar por orden del rey al desierto de Egipto. Allí es emboscado perdiendo al resto de la expedición de la que únicamente sobreviven "Alcides" y Sotiris. 

Cuando el líder de los que han llevado la emboscada pregunta dónde está el príncipe, Sotiris señala hacia el cuerpo de un soldado muerto, mientras que Hércules finalmente utiliza su nombre y oculta su identidad . Tras esto se revela que Anfitrión organizó la emboscada para eliminar Hércules. 

Los dos son vendidos como esclavos a un promotor de gladiadores en el que tras varios combates sobresalen por sus victorias. Los dos le insisten al promotor para ser llevarlos a Grecia para luchar en una batalla sobre la arena, donde los dos lucharán seis gladiadores invictos y, que potencialmente, puede hacer al promotor convertirlo en un hombre tremendamente rica. El promotor les dice que antes han de luchar en Sicilia con dos gladiadores con fama de invencibles. 

En la Magna Grecia Sotiris es herido antes de viajar a Grecia. De cualquier manera , Hércules convence al promotor para dar libertad a Sotiris y él se ofrece a luchar contra los seis gladiadores. Sotiris le sigue en secreto a Grecia. Alcmena y Hebe lloran la muerte de Alcides / Hércules. Cuando Alcmena solicita la orientación de Hera, Anfitrión la descubre y descubre la verdad de la filiación de Hércules y que está destinado a derrocarlo. 

Ante esto , el rey de Tirinto apuñala Alcmena con su propia daga, y le dice a Quiron que la reina se ha suicidado en su dolor. Mientras tanto, Hércules llega en Grecia y fácilmente vence en la batalla de los seis gladiadores. 

Las personas celebran su victoria y los desertores del ejército de Anfitrión se unen a él y Sotiris. Hebe, por su parte, sigue angustiada después de la muerte de Alcides y teme que se celebre finalmente la boda con Ificles. Ella trata de saltar de la azotea del palacio, pero es salvado por Quirón, que la lleva a Hércules. 

El ejército de Anfitrión comienza a abandonarlo, lo que le obligó a contratar a mercenarios extranjeros cuando Hércules y Sotiris comienzan una campaña de lucha contra la tiranía de Anfitrión. Ificles amenaza con matar al hijo de Sotiris, obligando a Sotiris para conducirlo a Hércules. Ificles se sorprende al descubrir que Hércules es Alcides. Hércules es encadenado y azotado públicamente, y a continuación, ve con horror el asesinato de Quirón bajo las órdenes de Anfitrión. 

Ahora reconoce a Zeus como su padre y le hace un llamamiento para que le de fuerza. Hércules se libera de sus cadenas y mata a la guardia del Anfitrión, aunque Anfitrión e Ificles escapan. Hércules y Sotiris levantan a su ejército al que se une tras una arenga la guardia de palacio . Todos juntos ahora luchan contra los mercenarios de Anfitrión. 

Hércules hace un llamamiento a su padre, que infunde en su espada la fuerza de un rayo. Hércules vence a los mercenarios con su espada y, a continuación, lucha contra Anfritrión en combate personal. Hércules casi derrota a Anfitrión pero Ificles sostiene a Hebe como rehén y amenaza con matarla si Hércules no le permite liberar a Anfitrión. 

Hércules vacila pero Hebe le clava la daga en su hombro matando a Ificles. Hércules finalmente venga la muerte de Alcmena y mata a Anfitrión con la misma daga que mató a su madre. Hércules corre al lado de Hebe mientras ella se va desvaneciendo. 

Casi un año después, el llanto se escucha el llanto de un bebé, es el hijo de Hércules y de Hebe. Esa noche, él mira su reino, ya que , finalmente, ha cumplido con su destino. Hasta aquí este engendro hercúleo.

La película se rodó en los Boyana Film Studios de Sofia (Bulgaria) a lo largo del año 2013 y fue estrenada a lo largo del mes de enero en diversas partes del mundo. Se contrataron a dos morlacos como Kellan Lutz y Scott Adkins por sus aspecto físico. El director eligió a este último debido a "sus habilidades de actuación, su increíble capacidad física y su increíble físico". Dijo que Anfitrión "tenía que ser el tipo duro más grande de la audiencia había visto nunca y sólo Scott Adkins podía darle forma ".

Para daros cuenta de como es la película voy a dar un dato. En los Premios Razzie o Golden Raspberry correspondientes a los engendros del año 2014 y entregados el 21 de de febrero del año 2015, la película en cuestión tuvo nada más y nada menos que seis nominaciones, incluyendo Peor película, Peor precuela, remake, Rip-off o secuela, peor actor Kellan Lutz, peor actriz Gaia Weiss, peor director Renny Harlin y Peor Combo de pantalla Kellan Lutz y, o bien sus abdominales, pectorales o sus glúteos. Kellan Lutz fue ominado para los Teen Choice Awards y para los Young Hollywood Awards. 

La película fue un fracaso en taquilla y en la crítica. Recaudó $8,868,318 en su primer fin de semana. A partir del 9 de marzo de 2014, la película recaudó $18.8 millones en Estados Unidos y $42.4 millones internacionalmente matizando así la pésima recaudación que apenas se acercaba al desembolso inicial. 

Las críticas negativas no se hicieron esperar . Fue literalmente destrozada por la crítica llegando a un 3% de críticas positivas en Rotten Tomatoes. 

Scott Foundas en Variety dijo de ella que "Los músculos interpretativos de Lutz no están tan desarrollados como sus pectorales y deltoides, y aunque el papel no requiere de un gran actor, al menos pide a alguien que pueda mostrar emoción sin que parezca que está esforzándose por levantar un peso muerto." 

Todd McCarthy en The Hollywood Reporter sostiene que "Harlin abraza la mediocridad del guión con una cara seria y adusta, vaciándolo de cualquier otra posibilidad de convertirlo en diversión camp." 

A. O. Scott en las páginas del The New York Times escribe que "Ofrece lo que promete, tíos musculosos en poca ropa que luchan y aullan, así como algunas secuencias de batalla a gran escala mejoradas digitalmente." 

En USA Today Scott Bowles nos dice que "Hay una diversión retro-camp en 'Hércules', con guiños a clásicos como 'Ben-Hur' y 'Espartaco'. (...) 

Por su parte, Joe Neumaier en New York Daily News comenta que "Resulta increíble pensar que haya adultos tras la realización de ' Hércules: El origen de la leyenda'. (...) " 

Ya en España Jordi Costa en el El País nos dice que "Es un exploit paupérrimo, para adictos a la sobreactuación de gimnasio, de la ya de por sí bastante infausta '300' (2006) de Zack Snyder".

José Manuel Cuéllar en el Diario ABC destaca los "Pectorales y mucho cartón piedra (...) El resto ya se sabe: de usar y tirar. (...) Si al menos no se lo hubiesen tomado en serio nosotros tampoco (...) "

Carmen L. Lobo en el Diario La Razón comenta que es "Un poco de Skakespeare, unos vistosos, pero demasiado elocuentes, efectos digitales, mucho aire de serie B un tanto venida a menos, y, sobre todo, bastante músculo bien trabajado" 

Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia sostiene que es "Un irresistible perfume de cine de barrio, de genuino cine popular desenfadado y sin pretensiones acaba apoderándose del filme (...) algo parecido a un (simpático) episodio del Hércules producido por Sam Raimi (...) " 

Para Mikel Zorrilla , editor de blog de cine, la película es un bodrio lamentable. Y prosigue diciendo "estamos ante una película perfecta para ser calificada como puro anticine" Continúa diciendo que Hércules: El origen de la leyenda' luce cutre y vulgar en el apartado visual, y que se limita a imitar la querencia de la franquicia '300'(Zack Snyder, 2006) por los ralentís en las escenas de combate cuerpo a cuerpo con la esperanza de que eso añada una muy necesaria capa de épica a un relato tan simplón como el 'Hércules: El origen de la leyenda'. Aquí sólo sale gente musculada dándose de leches hasta que solamente uno de ellos siga con vida. Kellan Lutz parece ausente de talento para transmitir las diversas emociones 

En Argentina Pablo Raimondi en las páginas del Diario Clarín nos dice que es "Un collage que ni la serie televisiva 'Spartakus' o la producción 'Furia de Titanes' puede igualar desde lo irreal." En esa misma línea Fernando López en el Diario La Nación comenta que "La lucha más dura que deben enfrentar los actores es contra los torpes diálogos que el guión les hace pronunciar." Y Hugo F. Sánchez del Diario Tiempo Argentino comenta que es "Una historia de amor sin pasión ni empatía, un elenco anodino, elementos que conforman una puesta sin alma, que deja poco margen para conformar un producto con algún atractivo para el espectador medio, salvo para los fanáticos del género para quienes puede ser entretenida." 

En definitiva, 'Hércules: El origen de la leyenda' es solamente un completa de pérdida de tiempo, ha invitado a mi sueño como pocas. Su única virtud parece la de tener a buen coreógrafo para alguna de las escenas de acción, . Es como dice Mikel Zorrilla "Absurda, aburrida, cutre y mal hecha. Un completo disparate".

sábado, 29 de octubre de 2016

Último tren para Auschwitz


Tremenda película la que he visto ayer noche. No hay nada más terrorífico en estos días previos a la noche de Halloween que la realidad. Si esa realidad habla de la brutalidad humana en un momento de crueldad absoluta como fue la Segunda Guerra Mundial en general y del Holocausto, en particular, creo que está todo dicho. 

Dicen que Hobbes dijo que el hombre era un lobo para el hombre, pero en ese contexto de los años cuarenta o como ocurre a día de hoy con los malnacidos del Daesh descubrimos que Hobbes se quedó corto.

Por supuesto, el holocausto no por ser conocido me deja de sorprender, de irritar o de angustiar. Cuando he visitado los campos de concentración de Dachau o de Sachsenhausen he podido ver algunas muestras de ese horror que, en mi caso, llega a estremecerse.

Volviendo a la película la misma responde a ese deseo de releer la historia que los alemanes hicieron casi desde el final de la guerra, como ocurre con aquella magnífica película que fue Die Brücke(1959) de Bernhard Wicki, en la que un grupo de niños ha de defender absurdamente un puente hasta la muerte, pero que a partir de los noventa ha ido a más... y a mejor. Prueba de ello han sido películas como Stalingrado , del mismo director, o El hundimiento (2004) de Oliver Hirschbiegel, así como de alguna magnífica serie para la televisión como Generation War , ya comentada en estas páginas.

En este caso el director toma un episodio real de los últimos momentos de la guerra. En concreto, el último envío de más de 600 judíos alemanes al campo de concentración de Auschwitz.

El último tren a Auschwitz  o Der letzte Zug , en el original alemán,  es una película alemana dirigida por  Joseph Vilsmaier y por su mujer, la actriz checa Dana Vavrova . En este caso es una producción de Artur Brauner que es igualmente el guionista junto con  Stephen Glantz. La productora es Central Cinema Company Film (CCC) junto con Diamant Film y cont´ó con un presupuesto de $2.700.000.

El director está presente igualmente en la fotografía conjuntamente con Helmfried Kober , y ambos, a su vez, son responsables del montaje.

El reparto está integrado por Gedeon Burkhard como Henry Neumann, Lale Yavas como Lea Neumann, Lena Beyerling como Nina Neumann, Sibel Kekilli como Ruth Zilbermann, Roman Roth como Albert Rosen, Ludwig Blochberger como SS-Obersturmführer Crewes, Brigitte Grothum como Gabrielle Hellman, Hans-Jürgen Silbermann como Jakob Noschik, Juraj Kukura como Dr. Friedlich, Oliver Sauer como el miembro de la Gestapo-Oberst Walter Klempt. Junto a ellos aparecen actores y actrices alemanes y checos como Ludwig Blochberger, Vojtech Kotek, Csongor Kassai, Magdalena Sidonová, Nina Divísková y Stanislav Zindulka.

La historia comienza en abril de 1943. Con motivo del cumpleaños de Hitler, los dirigentes nazis deciden sacar de Berlín a los últimos judíos que aun se encuentran en la capital del Reich. Son más de 70.000 los que ya han sido deportados de la ciudad y ahora los nazis se han propusto eliminar definitivamente a todos los judíos de Berlín. 

En la noche previa, los soldados entran en las casas en mitad de la noche y arrastran a varias familias con apenas una maleta hasta el andén 17 de la estación de  Berlín-Grunewald . Para esta última deportación, de abril de 1943, son  688 judíos los enviados en un tren destinado al ganado desde la estación de Berlín-Grunewald con destino al campo de concentración Auschwitz. En un viaje que durará seis días en medio de una lucha contra el calor, el hambre y la sed. 

Durante el trayecto hacia el campo, de varios días de duración, y en el que participan en cada transporte 15 soldados de la SS y un oficial al mando - en este caso el SS-Obersturmführer Crewes (Ludwig Blochberger), que era responsable de las incidencias del viaje, se irán poniendo de relieve los dramas personales y familiares de varias de las personas que viajan en el tren.Viajarán hacinados y sin provisiones en vagones de ganado. Sólo se les ha proporcionado un cubo con agua y otro para hacer sus necesidades.  Dos jóvenes intentan huir de la estación pero son asesinados por los soldados que están en el exterior.

Dos mujeres viajan con sus bebés, la Sra Neumman y la mujer del Doctor Friedlich, y deben amamantar a sus lactantes. Tras una fuerte tensión se decide que ellas tienen prioridad para beber, pero la sed empiezan casi desde el inicio a mermar la resistencia de ancianos y niños que no dura demasiado. 

Algunos de  los integrantes del grupo se erigen en cabecillas y deciden que habrá que escapar antes de llegar a una muerte segura entre ellos Henry (Gedeon Burkhard), Albert (Roman Roth),

A estos se suman en su desesperación, Lea (Lale Yavas) y Ruth (Sibel Kekilli) en la búsqueda de una huida eficaz, pero el tiempo apremia y Auschwitz se acerca cada vez más.

Otros como el Doctor Friedlich, o el cómico profesional Jakob Noschik tienen miedo de las represalias en caso de que su plan de huida sea descubierto. De cualquier manera, Henry y Lea Neumann (Burkhard y Yavas) luchan por la supervivencia de sus hijos; en la misma medida que Albert Rosen (Roman Roth) intenta liberar a su acompañando y sus compañeros de prisión o el cómico Jacob Noschik (Silbermann) actúa intentando consolar a sus compañeros 

Entre los que quieren huir destaca la pareja Neumann que viaja junto a Nina, su joven hija de doce años, y un bebé de 12  meses de edad, o la joven, Ruth Zilbermann y su compañero Albert Rosen, 

Pronto, el viaje se convertirá en una lucha desesperada por sobrevivir al hambre, la sed, y a la crueldad de los guardianes de la SS que custodian el tren. 

Al final, tras mucho esfuerzo y muchas y dolorosas muertes en el vagón sólo logran escapar por el hueco realizado por Henry y Albert los dos únicas personas que caben, Ruth Zilbermann junto con la hija de Neumann en la última estación antes de Auschwitz y que encuentran el apoyo de unos partisanos polacos que se refugian en el bosque y que suelen ayudan en ese puntos a los prófugos. 

Henry Neumann y su esposa son separados en el andén de descarga y el cómico Jakob Noschik que ya ha perdido definitivamente la cabeza, tras la muerte de su esposa, la pianista Gabrielle Hellman,  recibe un disparo. 

La última escena muestra a la hija de los Neumann en el bosque como reza la oración que su padre, le pidió en el bosque y mirando al cielo.

La película se estrenó el 20 de mayo de 2006 en el 40 Festival Internacional de Cine de Hof, aunque su paso a la gran pantalla fue a partir del 9 de noviembre de 2006 por la Sociedad Central Cine en Alemania . 

Der Zug letze fue filmada en Alemania y en la República Checa y entró en producción en mayo de 2005, contando con un presupuesto de 2,7 millones de €. 

Tras encargarse de dirigir “Stalingrado”, el director alemán Josep Vilsmaier retomó el tema de la II GM, codirigiendo, junto a su esposa, esta película inspirada en hechos reales, sobre el último envío de judíos que partió desde Berlin con destino a los campos de exterminio. 

Durante la filmación en Praga , el director Joseph Vilsmaier cayó de una grúa y sufrió lesiones permanentes, aunque menores. La producción se detuvo durante dos semanas mientras estaba hospitalizado. El rodaje se reanudó una vez que Vilsmaier se recuperó, pero fue su esposa, la actriz Dana Vávrová, la se hizo cargo de las tareas de dirección mientras Vilsmaier supervisaba este "drama del Holocausto". Para ello intentó la dramatización de personajes ficticias cuyo destino era ir a los  campos de concentración polacos.

La película fue premiada en los Bavarian Film Award con el  Premio Especial del Jurado para los directores Joseph Vilsmaier y Dana Vávrová. En el Filmbewertungsstelle de Wiesbaden se adjudicó a la película el título de "extremadamente valiosa".

En cuanto a las críticas estás fueron mixtas. De acuerdo con los revisores críticos del Frankfurter Rundschau se trata de una " película de serie B con connotaciones oscuras, que sólo la incapacidad de sus creadores se interpone en el camino, ya que todos se funden en sus efectos." Algunos criticaron el intento de historización de los hechos con el fin de estar dirigidos a los espectadores más jóvenes, para que comprendan el Holocausto." Para algunos medios alemanes la película es "cínica", mientras que para otros es "valiente". 

En España,  Javier Ocaña en el Diario El País dice que ella que es "Otra película sobre el Holocausto, aunque no una película más. (...) Las luchas dialécticas e incluso físicas (...) es lo más interesante (...). En su contra juegan los 'flashbacks' sobre los protagonistas." 

Para José Manuel Cuéllar del Diario ABC está "Rodada con mérito (...) cinematográficamente no hay nada nuevo en la historia (...) ." Mientras que Francisco Marinero del Diario El Mundo comenta que es todo un "Abuso de tópicos. (...) indolencia y sensacionalismo en la recreación (...) producción bajo mínimos". Para Marta Peiraro de "El diario.es" es "emocionalmente desoladora".  

Para Beatriz Maldivia en blog de cine "Con este argumento es obvio que la película no puede ser sosegada y que la desesperación es un elemento buscado a propósito por los autores. (...) Sin embargo, se exceden en la producción de desasosiego con una dilatación de los hechos tan desmedida que puede hacer perder la paciencia a más de uno. Además, al contrario de lo que aparenta el tráiler, la catarsis es mínima. No digo que tuviese que haber sido de otra manera, ya que está basado en una historia real, pero cada uno sabrá cuál es su capacidad de aguante y decidirá si desea contemplar las penurias del viaje para que al final la recompensa sea tan pequeña.

'El último tren a Auschwitz' se convierte en un film que no aporta nada que no se haya dicho ya. Gracias al cine, conocemos de sobra que los judíos fueron transportados como animales hasta los campos de concentración y que, una vez allí, la vida era aún peor que en los mortales vagones. Cierto es que no hay que olvidar hechos como éstos, pero hacer la enésima película que los denuncie, sólo puede, como ya he dicho, insensibilizar o cansar a los espectadores". 

"El último tren a Auschwitz" es un filme más que se adentra en el holocausto, lo interesante es qe lo hace desde la perspectiva alemana, siendo ellos los peor parados de la película. No obstante, la misma refleja algunos otros aspectos dignos de mención como es la existencia de miembros de la SS de Ucrania, que eran, según la película, los más temibles  carceleros, cercanos a la maldad absoluta; o los operarios polacos, que aquí son presentados como miserables que sólo ayudan a los judíos a cambio de algo como joyas u objetos suntuarios.

También la película matiza entre militares alemanes o personajes como  el interpretado por Ludwig Blochberger como  SS-Obersturmführer Crewes, siendo estos unos simples canallas, mientras que los profesionales se muestran más solidarios, o los mismos judíos que nada más llegar a Auschwitz proceden a expulsar violentamente de los vagones a los judíos supervivientes.

Por otro lado, lo que sí refleja de una manera harto realista es el hacinamiento en los vagones, de esas 50 personas en cada uno, que van a ser los protagonista con nombres o son ellos , de la modalidad de un transporte que producía decenas de muertos en cada viaje por hambre, sed, las apreturas o la simple arbitrariedad de los nazis encargados del mismo que acaban mataándolos sin miramientos. 

También he de señalar que los personajes no están del todo desarrollados, se limitan a ser bosquejos en parte por la necesidad de presentar a todos los que van en ese condenado vagón. Apenas Neumann y familia, así como   la pareja formada por Rosen-Zilbermann o la de Jacob Noschik y señora tiene algo de entidad.

En cuanto a las decisiones narrativas en este caso integrado por flashbacks, que indudablemente suponen un descanso con respecto a la angustia del vagón cerrado perteneciente a la empresa de ferrocarriles alemanes Reichbahn, y que nos sirven para aclarar su situación previa al conflicto.

Indudablemente es una película que trasmite emociones y nos permite tomar partida sin duda por los que sufren la desgracia de la persecución, y reaccionan de forma natural  oponiéndose a las decisiones de los líderes, desmoronándose o enloqueciendo, etc… 

El último Tren a Auschiwtz pudiera ser un telefilm más que un producto para la gran pantalla, pues al final tenemos una historia algo deslavazada  y con un dolor y una angustia que al final desmotivan y te hacen alejarte de lo que ves aunque he de reconocer que te mantiene en tensión a pesar de la larga duración y tendiendo en contra que la he visto de madrugada.

De cualquier manera este es el tipo de película que debemos ver cada cierto tiempo para no olvidar que somos efectivamente un lobo para otros hombres, y que los hemos demostrados con creces a lo largo de la historia. Esta película es un buen ejemplo.

jueves, 27 de octubre de 2016

Escalofrío en la noche


Me encanta ver una película que comienza por lugares para mi conocidos. Esta sensación de encantamiento me ha pasado con Escalofrío en la noche, la primera película de Clint Eastwood como director. Desde el principio vemos a un Clint Eastwood jovencísimo que sale de su casa en las cercanías de Malpaso Bridge y tras ello toma con su coche la conocida como ruta estatal I o Highway, considerada la ruta más fascinante en carretera de toda California y que une San Francisco con Los Ángeles y que va bordeando este Pacífico californiano pasando por lugares ( acantilados, viaductos, playas, ...) que siguen, un año después, presentes en mi memoria. Si a esto se suma una banda sonora de toques jazzisticos y una localidad como Carmel, la ciudad de la que con el tiempo se convertirá en alcalde, ya tenemos bien montado el cocktail. Y un detalle más, una llamada que diga "Ponga Nebuloso para mí", y ya la película comienza su periplo de destrucción y de auténtico escalofrío. Más aún, si se incluye la canción The First time en la versión de Roberta Flack y le añadimos la tensión y el pánico que me ha generado ya tenemos el películón que es. 

Play Misty for Me (conocida en Espña  como Escalofrío en la noche en España, es una película estadounidense de terror psicológico dirigida en 1971 por Clint Eastwood con la que hizo su debut en la dirección y primera obra de su productora The Malpaso Company, aunque la distribución fue para la Universal Pictures . La película contó con un presupuesto que rondó entre los $725,000 y los $ 950.000 dólares. 

Se trata de una producción de Robert Daley que cuenta con el guión de Jo Heims y  Dean Riesner que para construirlo se basaron en la novela de Paul J. Gillette , siendo esta la obra más conocida de este escritor , autor teatral, articulista y enólogo.

La música, esencial en una película en la que el protagonista es un locutor radiofónico que pone música y hace dedicatorias en la noches de Carmel fue obra de Dee Barton y Errol Garner .

La fotografía correspondió a Bruce Surtees , mientras que el montaje y edición fue de Carl Pingitore . 
El reparto está integrado por Clint Eastwood como Dave Garver,  Jessica Walter como Evelyn Draper, Donna Mills como Tobie Williams,  John Larch como el Sargento McCallum,  Jack Ging como Frank,  Irene Hervey como Madge,  James McEachin como Al Monte,  Clarice Taylor como Birdie y  Don Siegel como Murphy a los que se suman Duke Everts y  George Fargo.

Dave Garver (Clint Eastwood) es un locutor de radio, de la emisora KRML,  transmite todas las noches desde su estudio en Carmel, - en concreto en Carmel-by-the-Sea-. Dave ha llevado una vida licenciosa y ha sido un aventurero, pero poco a poco se va centrando. Durante el programa recibe frecuentes llamadas de una misteriosa mujer que siempre solicita la misma canción, Nebuloso o Misty de Erroll Garner. 

Una noche Dave se dirige a su bar habitual y, aparentemente por casualidad, conoce a una mujer llamada Evelyn Draper (Jessica Walter). 

Evelyn (Jessica Walter), seduce a Dave, al que invita a su casa y este acepta. Ambos acaban en el apartamento de ella. Para Dave esta será una aventura de una noche. Una vez allí, ella le revela que su encuentro no fue casual, que le buscó a propósito después de oirle hablar sobre su bar favorito en su programa de radio. Tras adivinar y confirmar que era una oyente que le pedía con frecuencia que pusiera el tema de jazz Misty tiene relaciones sexuales con ella.

Desde ese momento, Evelyn comienza a mostrar el trastorno límite en su personalidad y comienza a introducirse en la vida de Dave, a pesar de que el no está conforme y de aclararle que no tienen una relación como tal, ya que si él tuviese interés alguno la llamaría.  

Pero poco a poco Evelyn comienza a mostrar síntomas de trastorno cuando se persona en casa de Dave con la compra para hacerle una comida, y él le dice que no quiere que vuelva a presentarse si no es a través de una llamada telefónica. Ese día tras la cena vuelven a tener un encuentro sexual y cuando se están despidiendo en la puerta de la casa de Dave, sale un vecino y les pide que no moleste, pues quiere dormir. La respuesta de Evelyn en agresiva, lo que sorprende a Dave.

Días después Dave va a Carmel by the Sea y cree ver a una antigua novia. Se trata de Tobie Williams (Donna Mills) una artista con la que mantuvo una relación bastante estable hasta que marchó a la localidad costera de Sausalito, al norte de San Francisco. Acaba de regresar a Carmel y ha vuelto a alquilar la casa que ha heredado de su padre. No tiene claro si quedarse en Carmel o regresar a Sausalito. Dave  tiene intención que volver con ella.

Sin embargo, Evelyn sigue mostrándose presente. Un día llama al bar preguntando por Dave y el camarero le dice que no está por petición de Dave. Sin embargo, ella está realizando la llamada desde el exterior y ha visto el coche de Dave, así que cuando éste sale del bar se la encuentra en el interior de su coche. Esto irrita a Dave que la quiere sacar del mismo, cuando unos clientes salen y van a la ayuda de Evelyn que reacciona de manera agresiva ante ellos, a pesar de su intención de ayudar.  

Ella comienza desde entonces a perseguir a Dave hasta su casa o al lugar de trabajo a todas horas,  de día y de la noche. 

Un día se persona en casa de Dave y éste le deja bien claro que no quiere nada con ella, especalmente ahora que quiere volver con Tobie - con la que ha quedado esa noche- pero Evelyn , tras llorar, se mete en el cuarto de baño y decide cortarse las venas. Tras forzar la puerta descubre a la chica con las venas cortadas y llama por teléfono a un médico amigo al que le pide que no comente nada ya que su reputación está en juego. Tras esto Evelyn le cuenta que tras corta duración de su aventura, ella pensaba que Dave la amaba y se siente sola y abandonada, lo que la lleva a un intento de suicidio. Dave decide esa noche quedarse con ella  y no dejarla sola ni un minuto. 

Por a mañana, Dave descubre que no está en casa pero deja una nota en la que le informa que ha ido a comprar para la comida. Aprovechando la salida se lleva el coche y las llaves haciéndose con una copia para entrar en la casa cuando quiera.  

Después Dave recibe una llamada de la dueña de una poderosa cadena radiofónica de San Francisco ( Irene Hervey ) , representante que ha venido a ofrecer una oportunidad para la carrera de su fecha. para presentar un programa. La maqueta presentada le ha gustada a la presidenta con la que come en un restaurante junto al mar. Mientras la señora elogia al locutor que está a punto de firmar un interesante contrato se persona Evelyn que le monta un show a Dave y a la señora a la que insulta sin piedad. Este incidente hace que Dave la rechace definitivamente.

Tras eso vuelve con Bonnie a la que le explica lo que está ocurriendo, comenzando desde la confianza una historia de amor.

Sin embargo, Evelyn se percata de lo que ocurre y vuelve al domicilio de Dave entrando con  las llaves duplicadas  destrozando la  casa de Dave.  En ese momento, su asistenta, Birdie ( Clarice Taylor ), que va a limpiar regularmente la casa del locutor y la  sorprende tras un biombo y Evelyn, tras atacarla con un cuchillo, queda gravemente herida.

Cuando regresa Dave está la policía en casa llevándose a Birdie que  es ingresada en un hospital psiquiátrico. Todo parece ir bien durante un tiempo. 

Dave ha reanudado la relación con su ex novia, Tobie Williams (Donna Mills), y Evelyn no da señales de vida. Lo que es aprovechado por la pareja para ir a ver los festivales de jazz de la zona, en cocreto en el Monterey Jazz Festival,. 

Unos meses más tarde, Evelyn llama de nuevo al estudio para solicitar "Nebuloso -Brumoso". Ella le dice a Dave que ha sido dado de alta del hospital debido a su buen comportamiento y se va a mudar a Hawai para un nuevo trabajo y para dar comienzo a una nueva vida. A continuación, cita  un poema que en ese momento Dave no consigue adivinar de quién es , pero resulta ser de Edgar Allan Poe. Se trata de  " Annabel Lee ". 

Pero más tarde, mientras él duerme, entra en su casa y le ataca con un enorme cuchillo de carnicero. Ella huye. En un primer momento piensa que ha sido  sólo un sueño, hasta que se da cuenta de marcas de cuchillo en su funda de almohada y Dave, posteriormente, avisa a  la policía. 

Dave llama inmediatamente al Sargento McCallum (John Larch), quien inicia la búsqueda de Evelyn.  McCallum  con el que tuvo un primer contacto incómodo tras el intento de asesinato de Birdie, es ahora más próximo a Dave, así que se muestra muy colaborador. En tono de broma le dice que su programa mejoraría si pusiera música de Mantovani.

Al día siguiente, Dave le aconseja a Tobie que se aleje de él hasta que detengan a Evelyn. De mala gana, Tobie acepta quedarse en casa con su nueva compañera de habitación, una joven llamada Annabel. 

Esa noche, Dave, por petición del Sargento McCallum le pide que haga un esfuerzo por recordar de quien era el poema- la cita era de Annabel Lee, un poema de Edgar Allan Poe - descubriendo con horror que su nombre coincide con la nueva compañera, la chica que respondió a su anuncio para un compañero de piso, y que Annabel es realmente Evelyn. 

Tobie, por su parte tras observar sus cicatrices se da cuenta de eso e inmediatamente, Evelyn la toma como rehén.

Cuando el Sargento McCallum se persona en la casa Evelyn lo asesina de una cuchillada en el pecho ya que ese había comprometido en proteger a las dos chicas. 

Cuando Evelyn  le llama y, en tono burlón, le dice que ella y Tobie están esperándole, Él sustituye su programa en directo por la grabación de uno ya emitido. 

Al llegar a casa de Tobie encuentra a ésta atada y amordazada. Evelyn le ataca en repetidas ocasiones y por sorpresa con el cuchillo de carnicero, cortando a Dave varias veces. pero Dave le asesta un fuerte golpe en la cabeza y, empujándola por la ventana, provoca su muerte al caer al acantilado. 

La película termina con Dave y Tobie observando el cadáver de Evelyn sobre la rocosa orilla del mar , mientras la voz de Dave se escucha por la radio dedicando a Evelyn, por última vez, la canción Misty. Mientras , al final, con los créditos suena Mantovani en honor al Sargento McCallum . 

La película como ya he señalado se rodó en California, concretamente en Monterey County Fairgrounds Road, en la Monterey Jazz Festival, Carmel Rancho Shopping Center, Pacific Coast Highway, Sardine Factory el bar en Wave, Spindrift Road, en Carmel Highlands, (Tobie's house), Big Sur, Carmel Highlands, Carmel Valley, Carmel-by-the-Sea, Monterey Municipal Wharf, la escena del Restaurant on the wharf, en Monterey, Ocean Avenue en Carmel y Pacific Grove. 

Play Misty for Me fue un éxito comercial, recaudando más de diez millones y medio de dólares. En los Premios Globo de Oro de 1972, Jessica Walter fue candidata al premio a la mejor actriz, siendo finalmente Jane Fonda quien lo ganó por su papel en la película Klute, de Alan J. Pakula. 

En cuanto a la producción señalar que se diseño antes de que el cofundador de la Malpaso Productions Irving Leonard muriese, Clint Eastwood y él discutieron sobre el final de la película . Clint Eastwood quiso se el responsable del control artístico ya que deseaba hacer con ella su debut como director. 

El director comentó en una entrevista que  después de diecisiete años rebotando la cabeza contra la pared, dando vueltas a proyectos, decidió ponerse tras la cámara y seguir sus propias opiniones.

Sus deseos de ponerse tras las cámaras se remontan a la serie ‘Rawhide’, en la que propuso varias veces el dirigir, petición que le fue denegada siempre. Sea como fuere, Eastwood pasó mucho tiempo fijándose en todos los directores que pasaron por la serie, y cómo no, con todos los que trabajó posteriormente, sobre todo su amigo Don Siegel, quien le convenció para dar el salto a la dirección, y quien fue convencido para participar con un pequeño papel en el film. 

Cuando se le propuso a la Universal (con la que había firmado un contrato para coproducir y distribuir varias películas como actor) el dirigir la película, estos aceptaron a condición de que no pagarle nada como director. Eastwood aceptó sin pensárselo dos veces, y lo más sorprendente es que no metieron las narices en el rodaje, dejándole total libertad para hacer el film como a él le apeteciese. Únicamente tenía que comprometerse a protagonizar después un thriller o un western para la productora. 

Afirmó que "estoy en el punto en el que estoy listo para realizar mis propias películas, al tener almacenados  todos los errores que cometí y guardando también  todas las cosas buenas que he aprendido, y ahora sé lo suficiente como para controlar mis propios proyectos y conseguir lo que quiero de actores ". 

El guión fue concebido originalmente por Jo Heims, escritora y guionista habitual de Don Siegel y Clint Eastwood , aunque , más tarde, a quien Eastwood le compró su relato, fue pulida por Dean Riesner por aquel entonces muy cercano al actor y a Siegel, para quien escribió varias películas. . La idea de introducir un segundo personaje femenino como Tobie en  la trama, fue una sugerencia de Sonia Chernus, otra escritora.

La historia , en principio, se desarrollaba originalmente en Los Ángeles , pero ante la insistencia de Eastwood, la película se rodó en los alrededores de la actual Carmel-by-the-Sea, donde podría rodar escenas en la estación de radio local, bares y restaurantes, y en casa de sus amigos. En 1986 saldrá elegido como alcalde de la misma.   

El rodaje comenzó en Monterey, California , en septiembre de 1970, y aunque este fue el debut de Eastwood como director de cine, Don Siegel le ayudó en la misma e hizo un papel como actor en la película como camarero. Los colaboradores habituales de Siegel, como el director de fotografía de Bruce Surtees - que lo fotografiado en la oscuridad de su estudio -, el montador  Carl Pingitore, y el compositor Dee Barton , formaron parte del equipo de filmación. Tanto Eastwood como Siegel quedaron muy satisfechos de ‘Escalofrío en la noche’, y enseguida volverían a trabajar juntos. Sería en la creación y dibujo de un personaje que haría historia: Harry Callahan.

Escenas adicionales se rodaron en el Festival de Jazz de Monterrey en septiembre de 1970, con grandes del jazz como Johnny Otis , Cannonball Adderley , entre otros, aunque también se mencionan que están presentes en ese  Festival de Jazz de Monterey  Duke Ellington , Woody Herman , Joe Williams ., Y muchos otros ahora que vamos a escuchar" 

Se rodó en Sardine Factory y en estación de radio, KRML , una cadena real especializada en jazz que emitía en Carmel, cuyos estudios fueron reubicados en el edificio de Eastwood en San Carlos y en Pig Breath Inn (un restaurante que poseía Eastwood). Conocido es el amor de Eastwood por esta música que tiene su máximo exponente en Bird. La emisora de radio volvió al aire en 2011. 

Importante en la película es la música. Eastwood se hizo con los derechos de la canción " Misty" tras la actuación de Erroll Garneren el festival de música de la Concord en 1970. Eastwood también pagó $ 2,000 para el uso de la canción " The first time " interpretada por Roberta Flack . 

Una planificación meticulosa y eficiente de director por Eastwood permitieron que la película se hiciera gastando menos de lo inicialmente previsto , unos  $ 50,000 por debajo de su presupuesto inicial de $ 1 millón, y se completaron cuatro o cinco días antes de lo previsto. 

La película cuenta con un romántico montaje (con imágenes de Dave  y Tobie paseando junto al mar y por el bosque mientras suena la grabación de Flack, La versión de Flack (después de estar en el número uno durante seis semanas durante la primavera) se convirtió en el 1972 en Billboard Hot 100. 

La película modificó igualmente el perfil de  Eastwood como actor ya que estaba encasillado como un actor de  Westerns y o de películas bélicas. En entrevistas posteriores, afirmó que la película fue un intento deliberado para alejarse de encasillamiento que ya había comenzado con la película "El seductor". 

Jessica Walter fue elegida por el propio Eastwood para realizar ese papel, logrando imponer su decisión a la major, donde querían otra actriz más conocida (Lee Remick). Walter realiza una interpretación prodigiosa, convirtiéndose en el alma mater del film (sobre todo porque a Eastwood le gusta renunciar a su lucimiento en beneficio de los demás actores), siendo temible e impredecible en cada plano en el que hace acto de presencia (la facilidad con la que Eastwood logra que la temamos aún cuando ríe, es de lo mejor de esta gran película). 

Donna Mills da vida Tobie, la ex-novia de Dave que vuelve a entrar en su vida. que se agranda bajo el sonido de la canción de  Roberta Flack, The First Time Ever I Saw Your Face. 

La película sirvió de inspiración a otras como Atracción fatal de 1987 dirigida por Adrian Lyne - más bien plagió ‘Escalofrío en la noche’- y fue una de las cinco finalistas en los Oscars de aquel año, con una Glenn Close que heredó el personaje de Walter, con una protagonista femenina psicótica, y con el retorno inesperado del villano. 

Escalofrío en la noche se estrenó en octubre de 1971 en el Festival de Cine de San Francisco y fue ampliamente publitado en noviembre. 

Fue un éxito financiero, ganando en total $ 10.6 millones de dólares en la taquilla frente a un presupuesto de $ 950.000. 

La película ha recibido críticas en su mayoría positivas, con una calificación de 83% "fresco" en Rotten Tomatoes . En su  revisión de la película, Roger Ebert escribió, "Escalofrío en la noche (...) es suprema ". Los críticos como Jay Cocks en Time , Andrew Sarris en el Village Voice , y Archer Winsten en el New York Post elogiaron la técnica como director de Eastwood y la película, incluyendo su actuación en las escenas con Walter. 

Jessica Walter fue nominado para el 1972 Globo de Oro a la mejor actriz - drama , pero perdió frente a Jane Fonda por su actuación en Klute . 

Está considerada  Escalofrío en la noche la película número 26 en la revista Bravo! dentro de las "30 con momentos de película  más aterrador." 

En España Carlos Boyero en el  Diario El Mundo dijo de ella que era "Inquietante" , mientras que Fernando Morales en el Diario El País dijo de ella que era un "Curioso debut de Eastwood que contó con el beneplácito de crítica y público. Notable, aunque tenga algunos fallos" 

En Fotogramas se resalta que "El primer film que dirigió Clint Eastwood fue un apañado relato de intriga criminal con ramificaciones psico-patológicas. No es una obra redonda pero está narrada con notable soltura, constituyendo una agradable sorpresa. La presencia de músicos como Johnny Otis o Cannonball Aderley es un aliciente extra para los aficionados al jazz. Donald Siegel tiene una pequeña intervención como actor. 

Para  Alberto Abuin ‘Escalofrío en la noche’ es un thriller de suspense, con varios elementos añadidos que lo apartan un poco del género, permaneciendo como toda una curiosidad en la carrera de Eastwood. 

Eastwood demostró una pericia narrativa que conecta directamente con la de su mentor, Don Siegel, con quien se permitió el lujo de bromear durante el rodaje (le hizo repetir una escena 11 veces, tras lo cual le dijo al operador que la siguiente sería la buena porque la cámara tendría película). 

También se permite algún segmento con ese paseo de videoclip con la música de Roberta Flack así como ese tono documental, como la visita al Festival de Jazz de Monterrey (donde podemos apreciar al público mirando a la cámara), y que Eastwood rodó por su gran afición al jazz. 

Según Abuín, Alfred Hithcock quedó maravillado con el trabajo de Eastwood, llegando a reunirse con él para un futuro proyecto (una película ambientada en un tren en el medio de Europa) que nunca vio la luz.

Destaca el editor de blog de cine como al final de la película Eastwood se aleja con un travelling panorámico a la inversa de como empieza el film, algo que se convertiría en marca de la casa, sobre todo en los thrillers. En definitiva, una film sorprendente, magnífico, una magnífica carta de presentación. Con razón fui expresamente a Carmel by the Sea en busca de Clint Eastwood y pasé por el Malpaso Bridge, pero desgraciadamente no lo pude ver. Una pena, de cualquier manera me quedan sus películas, al fin y al cabo es lo importante. 


Sospecha y la telaraña


En un par de ocasiones he visto tanto a Joan Fontaine como a Gary Grant dentro de una teleraña. Desde luego, el uno y la otra se han metido en una teleraña en más de un momento en la película. Y es que nuevamente Hitchcock  mete a sus protagonistas en una situación sin aparente salida cayendo en la red de una nebulosa, en una aparente traición. Pero ya sabemos en Hitckock las cosas nunca son lo que  parecen ser.

Esto me ha ocurrido con Sospecha.o Suspicion una película del año 1941 dirigida por Alfred Hitchcock en su etapa estadounidense y que cuenta con Cary Grant y Joan Fontaine en los papeles principales. 

La película está basada en la novela de 1932 firmada por Anthony Berkeley Cox, que llevaba por título Before the Fact, aunque para esa obra el autor empleó el seudónimo de"Francis Iles"  que será transformada en guión   por Samson Raphaelson, Joan Harrison y , la mujer de Hitchckock, Alma Reville.

La película es una producción Alfred Hitchcock y Harry E. Edington para la productora RKO Pictures. Contó con la distribución de la RKO Radio Pictures. Sumó además un presupuesto de $1.103.000 que con la firma y la obra multiplicó por cuatro en taquilla alcanzando los US $ 4,5 millones.  

La película cuenta con una magnífica banda sonora compuesta por Franz Waxman , con la fotografía de Harry Stradling Sr. y el montaje de William Hamilton.

En cuanto al reparto los dos principales papeles corresponden a Cary Grant que interpreta al playboy Johnnie Aysgarth y Joan Fontaine que asume el papel de Lina McLaidlaw Aysgarth . Junto a ellos aparecen Cedric Hardwicke como el general McLaidlaw,  Nigel Bruce como Gordon Cochrane 'Beaky' Thwaite, May Whitty como la Señora Martha McLaidlaw, Isabel Jeans como la Señora Newsham, Heather Angel como Ethel, la criada, Auriol Lee como Isobel Sedbusk, Reginald Sheffield como Reggie Wetherby y Leo G. Carroll como Capitán George Melbeck.

La película comienza mostrándonos a Lina McLaidlaw ( Joan Fontaine ) en un tren. Se trata de una mujer joven de la alta sociedad que conoce accidentalmente en el tren a Johnnie Aysgarth, un tipo guapo, irresponsable, simpático,  mundano y con fama de playboy como puede comprobar ella en la prensa de ese día. Johnnie lleva billete de tercera, pero ha entrado en primera, Lina le ayuda a salir de la situación cuando llegan los interventores del tren.

Días más tarde se encuentran en una cacería.  Lina va a caballo, mientras que Jonnie se encuentra rodeado de acompañantes femeninas. En ese momento Johnnie recibe información de quién es ella. Una chica formada, sin pareja, cuyo padre es un hombre recto y rico, el general McLaidlaw ( Sir Cedric Hardwicke) y que le dice que es una incipiente solterona, comienza a plantearse la opción de echarse un novio ante el miedo de quedar soltera de por vida.

A partir de ese momento quedan con distintas excusas como ir a misa para verse, iniciándose una relación que, en principio no parece avanzar, ya que el desaparece por unos días, pero luego se concreta tras ir a una fiesta convocada por otro noble local.

Ambos se enamoran, se fugan, pues ella sabe que su padre desaprueba la relación, y, finalmente, se casan y empiezan una vida que promete ser muy feliz después de una lujosa luna de miel.

Cuando retornan a Gran Bretaña Johnnie alquila una enorme casa y una criada para el servicio. Las cosas parecen marchar bien. Sus padres parecen haber perdonado la fuga de su hija y el casamiento con Johnnie. De hecho, como regalo de bodas el padre les regala unas sillas que llegan algún siglo en la familia. Tienen para él un valor sentimental, pero también crematístico.

La cosa parece ir bien hasta que Lina comienza a descubrir detalles que lo dejan en  mal lugar.  Lina descubre que Johnnie no tiene trabajo ni ingresos, y que habitualmente vive con dinero prestado, y empieza a tener la impresión de que su matrimonio pudiera tener la intención de sacar dinero a su padre, su suegro.

Ella lo convence y le insta a trabajar. Johnnie se marcha a trabajar para su primo, un agente de bienes inmobiliarios, el Capitán Melbeck ( Leo G. Carroll ).

Parece que las cosas van mejorando, sin embargo, poco a poco, Lina se entera de que Johnnie no ha dejado de jugarse dinero apostando en las carreras, a pesar de la promesa de dejar de apostar y de pagar sus deudas de juego.

Un día va a casa un viejo amigo de la infancia de Johnnie, Gordon Cochrane 'Beaky' Thwaite (Nigel Bruce), que es invitado a quedarse . Se trata de un hombre de amigo de buen carácter, que una vez  instalado en la casa  durante un tiempo trata de tranquilizar a Lina, aunque también le dice  que su marido es un hombre divertido, eso sí, un mentiroso muy entretenido. Atendiendo a Beaky descubre que a Johnnie en varias mentiras cada vez más importantes, sobre su trabajo, sus ingresos y algunos aspectos más. Sin embargo, el descubrimiento de que vendió las dos sillas antiguas (herencias de la familia) que su padre le había dado como regalo de bodas, unido a las declaraciones de alguna amiga, y sobre todo que fue despedido semanas antes de su trabajo por su primo Melbeck, debido a una importante malversación , aunque le dice que no lo demandará si le devuelve el dinero es el agua que colma el vaso. Lina escribe una carta a Johnnie en el que le anuncia  que lo abandona, pero luego la rompe.

Después de esto, Johnnie entra en la habitación y le muestra un telegrama anunciando la muerte de su padre.

Pasa un tiempo, y tras la lectura del testamento Johnnie se siente decepcionado al descubrir que Lina no ha heredado nada de dinero, lo único, un retrato de su padre. Esto incomoda mucho a Johnnie que se muestra sarcástico con  la herencia.

Sin embargo, la atracción de Johnnie por el dinero fácil y por meterse en una  serie de negocios poco claros que a Lina le inquietan especialmente cuando convence al bueno de Beaky para financiar un plan urbanístico en una zona acantilada y que pudiera resultar muy rentable. Es algo muy  especulativo y Lina tiene  miedo de que esto es una estafa o algo peor, y trata de hablar con Beaky para que quede fuera del negocio, pero él confía en su amigo por completo. Johnnie escucha la conversación y furiosamente advierte a su esposa de que se quede fuera de sus asuntos. Su marido es para ella, ahora, un misterio.

Días más tarde Beaky y Johnnie deciden ir a Londres, ya que Beaky ha de ir más tarde a París para resolver algún tema de negocios familiares.

Johnnie le acompaña hasta Londres, pero durante unos días no da señales de vida. Más tarde, noticia llega a Lina que Beaky murió en París. La muerte del viejo amigo del marido, Beaky, le hace temer que haya sido el propio Johnnie el responsable.

Al poco tiempo Johnnie se encuentra con ella aunque también con un inspector de policía que investiga la muerte de Beaky. Johnni declara que él se quedó en Londres. Este y otros detalles conducen a Lina sospechan que fue responsable de la muerte del amigo.

Lina entonces comienza a temer que su marido está conspirando para matarla por su seguro de vida.Y cree firmemente que ella será la próxima víctima: las evidencias apuntan cada vez más hacia esa dirección.

Las sospechas aumentan cuando se entera que Johnnie ha estado interrogando a su amiga Isobel Sedbusk ( Auriol Lee ), una escritora de novelas de misterio, sobre venenos imposibles de rastrear.

Lina parece encontrarse mal. Johnnie trae Lina un vaso de leche antes de acostarse, pero ella tiene miedo de beber. Más tarde, le comenta que ella tiene necesidad de separarse  por un tiempo de él y ella dice que se quedará con su madre durante unos días.

Johnnie insiste en llevarla en coche hasta allí. Mientras van por el camino de la costa que era el área en el que le interesaba invertir acelera imprudentemente su vehículo (un Lagonda LG45 1,936 ) en un camino peligroso al lado de un acantilado. Mientras dan una curva la puerta de Lina inesperadamente se abre. Parece un intento claro de Johnnie por acabar con su aterrorizada mujer.

Cuando ella le rehuye ,él detiene el coche. En el enfrentamiento posterior se observa que Johnnie en realidad tenía la intención de suicidarse después de dejar a Lina con su madre. Ahora, sin embargo, ha decidido que el suicidio es una salida de cobardes, y asume que ha de  hacer frente a sus responsabilidades, incluso hasta el punto de ir a la cárcel por la malversación de fondos. Johnnie le confiesa que en los días en los que no dio señales de vida coincidente con la muerte de Beaky estaba en Liverpool tratando de pedir prestado sobreel seguro de vida de Lina para pagar a Melbeck.

Tras esa confesión las sospechas de Lina parecen disiparse y ella le dice que van a afrontar el futuro juntos. Acabando así la película.

La historia de esta película estrenada en 1941 comienza en noviembre de 1939, Nathanael West fue contratado como guionista por la RKO Radio Pictures , donde ya había colaborado con Boris Ingster en una adaptación cinematográfica de la novela. Los dos hombres escribieron el guión en siete semanas. La versión de  West se centraba en la caracterización y el diálogo mientras que  Ingster trabajó en la estructura narrativa.

Cuando la RKO le asignó la película a Hitchcock, éste ya tenía su propia idea sobre la novela con sustanciales diferencia en el guión que finalmente fue  acreditado por Samson Raphaelson , Joan Harrison , y Alma Reville . A saber Harrison era asistente personal de Hitchcock, y Reville era la esposa de Hitchcock. Según Samson Raphaelson, guionista de otras películas como  'Remordimiento' ('Broken Lullaby', 1932), 'Un ladrón en la alcoba' ('Trouble in Paradise', 1932) o 'El diablo dijo no' ('Heaven Can Wait, 1943), todas ellas dirigida por Ernst Lubitsch,  este era el mejor guión en el que había intervenido nunca. El guión de 'Sospecha' evoluciona de comedia a drama de suspense y un final que aún a día de hoy es de lo más criticado de la cinta.

Así que el guión de West  y de Ingster fue abandonado y nunca se concretó. El texto de este guión se puede encontrar en la edición de la Library of America formando parte de las obras completas de West.

La historia fue concebido para George Sanders y Anne Shirley . Luego, cuando Alfred Hitchcock llegó a estar implicado, el presupuesto aumentó y Laurence Olivier y Frances Dee se colocaron para ello. Pero finalmente Hitchcock se decidió por Cary Grant, un tradicional en la RKO, y Joan Fontaine; Fontaine tuvo que ser contratada por David O. Selznick, precisamente el hombre que se trajo a Hitchcock desde Inglaterra y lanzó la carrera norteamericana de este afamado director para realizar Rebeca, el único filme de Hitchcock en ganar un Oscar a la mejor película.

En el lado técnico destacan los trabajos de William Hamilton en el montaje, que murió al año siguiente; y por otro lado la sensacional fotografía de Harry Stradling Sr. que consigue capturar en su tela de araña a Grant y a Fontaine por medio de los ventanales y el tragaluz , aunque es posible que  Hitchcock no quedara muy satisfecho, posible causa de que no volvieran a colaborar.

A pesar de lo que parece la película no se rodó en Gran Bretaña, sino en Big Sur, California.

El clásico cameo de Alfred Hitchcock en sus películas aparece a los 45 minutos de la película: se ve al director depositando una carta en el buzón del pueblo.

En algunos momentos, el guión de Sospecha sigue fielmente la trama de la novela. Sin embargo, existe una serie de importantes diferencias entre la novela y su versión cinematográfica.

La infidelidad de Johnnie Aysgarth no aparece en la película: la mejor amiga de Lina con quien mantiene una relación Johnnie no aparece en absoluto, y Ethel, su criada, no tiene un hijo ilegítimo de Johnnie. El sexo no se manifiesta apenas y sólo se alude al mismo en una conversación en la que Johnnie bromea acerca de haber besado a decenas de mujeres antes de conocer a Lina. Sospecha ilustra cómo la trama de una novela puede ser alterada tanto al ser llevada al cine como para cambiar la intención original del autor.


William L. De Andrea dice en su Enciclopedia Misteriosa (1994), que en Sospecha se suponía "que es el estudio de un asesinato, y como se ve a través de los ojos de la posible víctima. Sin embargo, debido a que Cary Grant iba a ser el asesino y Joan Fontaine, que ya había trabajado con Hitchcock en 'Rebeca' ('Rebecca', 1940), la persona asesinada, la  - RKO - decretó un final diferente, que aporta Hitchcock", aunque luego el director londinense se pasó el resto de su vida quejándose al no gustarle el final que hizo.

El cineasta, como se recoge en el libro de François Truffaut El cine según Hitchcock (Le Cinéma selon Alfred Hitchcock, 1967), planteó un final alternativo: No me gusta el final de la película, pues tenía otro, distinto al de la novela; cuando al final del film Cary Grant lleva el vaso de leche envenenado, Joan Fontaine estaría escribiendo una carta a su madre: "Querida mamá, estoy desesperadamente enamorada de él, pero no quiero vivir. Va a asesinarme y prefiero morir. Pero creo que la sociedad debería estar protegida contra él." Entonces, Cary Grant le da el vaso de leche y ella dice: "Querido, ¿quieres enviar esta carta a mamá, si no te molesta?" Él dice: "Sí." Ella bebe el vaso de leche y muere. Fundido, encadenado, una escena corta: Cary Grant llega silbando, abre un buzón y echa la carta dentro.

Hitchcock comentó que se vio obligado a alterar el final de la película. El quería un final similar al clímax de la novela, como el que le comentó a Truffaut, pero el estudio, más preocupado por la imagen "heroica" de Cary Grant insistió en que había que cambiarlo. En su biografía de Hitchcock, The Dark Side of Genius, Donald Spoto rechaza la afirmación de Hitchcock haber querido otro final para la película. Spoto afirma que el primer tratamiento con la RKO y , según se recoge en algunas notas entre Hitchcock y el programa de estudio, parece que Hitchcock desea hacer una película sobre la vida de fantasía de una mujer.

Al igual que en la novela, el general McLaidlaw se opone al matrimonio de su hija con Johnnie Aysgarth. En ambas versiones, Johnnie libremente admite que no le importaría la muerte del general, ya que espera que Lina herede una fortuna considerable, lo que resolvería sus problemas financieros. El libro, sin embargo, es mucho más oscuro, con Johnnie incitando al general a esforzarse hasta el punto en que este caiga y muera.

En la película, la muerte del general McLaidlaw solamente se comunica, y Johnnie no está involucrado en absoluto. Una vez más, los antecedentes penales de Johnnie sigue siendo incompletos. Varias escenas de la película crean "Suspicion" y siembran dudas acerca de las intenciones de Johnnie: la muerte de su amigo en París es debido a una alergia al brandy, algo que sabía de Johnnie y que conocemos nosotros desde el momento en que Beaky se queda un tiempo en la casa. Al final de la película, Johnnie está llevando a su esposa a una velocidad vertiginosa a la casa de su madre. Esta escena, que tiene lugar al final no aparece en el libro.

La mayor diferencia es el final. En la novela Johnnie sirve a su esposa enferma una bebida que sabe que va a estar envenenada, y ella bebe voluntariamente. Mientras que en la película, la bebida no está envenenada y se puede ver a la mañana siguiente.

Un hilo musical conductor se escucha repetidamente en Sospecha. Siempre que Lina está contenta con Johnny y tiene que ver con el vals de Johann Strauss " Wiener Blut " que escuchamos en el baile organizado por el general McLaidlaw y que es el inio en firme de la relación entre Johnnie y Lina. Esta melodía aparece en otros momentos de la película , incluso una versión silbada por Johnny. Otra vez mientras Johnny está sirviendo la leche.

Hay sospechas también en forma de amenaza visual por ejemplo cuando Lina sospecha que su marido se preparar para matar a Beaky. En la noche antes, en casa los Aysgarths mientras juegan a una especie de Scrabble hay un intercambio de letra, Lina ha cambiado "Mudder" por "Murder". Al ver la palabra, Lina imagina en los acantilados Johnny y Beaky ya que había dicho de ir a inspeccionarlo para ver la zona, y ella se desmaya. Al final, cuando Johnny resulta que no es un asesino, la versión de la película se convierte en una advertencia sobre los peligros de la sospecha basada sólo presunciones o indicios, y no son evidencias completas.

Ls película obtuvo sus recompensas como el Premio Óscar en 1941 a la mejor actriz principal (Joan Fontaine), aunque también recibió candidaturas al Premio Oscar: a la mejor película y a la mejor banda sonora de película dramática.

También fue Premio Círculo de Críticos de Nueva York- la NYFCC en 1941.- a la mejor actriz (Joan Fontaine) y en Tokio obtuvo el Premio Kinema Junpo en 1948 a la mejor película en idioma extranjero para Alfred Hitchcock.

En cuanto las críticas Fernando Morales dijo de ella en el diario El País que era un "Atractivo thriller que encierra algunas escenas -como la secuencia en la que Cary Grant sube una interminable escalera con un vaso de leche posiblemente envenenado- que han pasado a la historia del cine. Magistral desde el primer hasta el último minuto y con un trabajo interpretativo impresionante."

Terenci Moix en su La Gran Historia del Cine comenta que es "Imposible pensar en Cary como algo perverso. Esta es la razón de que falle "Sospecha": nadie puede creerse que un ser tan gentil quiera envenenar a la no menos gentil Joan Fontaine".

Para Alberto Abuín 'Sospecha' ('Suspicion', Alfred Hitchcock, 1941) es la segunda película inglesa —equipo, argumento, ambientación— en suelo estadounidense. Supuso el primer encuentro entre el maestro británico y uno de los intérpretes que más trabajaría con él, Cary Grant (...) A las órdenes de Hitchcock el actor inglés realizó algunas de sus más recordadas interpretaciones, llenas de matices y con una intensidad muy controlada. Un binomio perfecto para cuatro películas estupendas enmarcadas dentro del más puro suspense y aventuras. 'Sospecha' supuso además uno de los más grandes éxitos de Hitchcock, lo que le daría una envidiable libertad creativa a partir de ese momento. De un actor con una elegancia y una dotación tanto para la comedia como para dar vida a personajes siniestros.

De cualquier manera encontramos en la película dos partes definidas; la primera, que manifiesta un tono muy cercano a la comedia con la presentación de los personajes principales, pero progresivamente vamos metiéndonos en la referida tela de araña que nos introduce en la segunda en la que prima la angustia, la desconfianza, la duda, en definitiva, la Sospecha.