viernes, 22 de diciembre de 2017

Mentiroso compulsivo


Liante , liante es una expresión muy andaluza para referirse a un trápala,un fullero, un trolero o un mentiroso. Vamos, un mitómano.Un hombre que hace de la verdad y realidad, un universo paralelo. De estas personas, algunas se dedican , desgraciadamente, al noble arte de la política.

La política ha sido el refugio de estos mentirosos patológico que se refugian en la mentira y apuestan por la demogogía más repulsiva. Como digo, la política a atraidos a chalaneros y funambulistas de la verdad, pero en ocasiones otros profesionales librales han participado de ese mundo fraudulento para conseguir sus fines. A veces con las mejores intenciones tales como defender a sus clientes. 

Este el caso de la abogacía que , al contrario de lo visto y defendido hace unos días en Matar a un ruiseñor, tiene como necesidad imperioso defender a personas indefendibles, pero es su trabajo. 

Esa tesis simple de defender muy a pesar de la verdad es lo que nos presenta la película Liar, Liar o Mentiroso compulsivo, una comedia que descubrí a inicios del milenio debido a una tonta casualidad. Cuando compramos para el departamento un DVD reluciente, éste venía con dos películas. La primera Apolo XII ; mientras que la segunda era está película cómica de 1997 protagonizada por Jim Carrey. Reconozco que no soy nada fan del actor que interpretó a La Mascara, pero me parecía una película tan ligera, tan tonta, tan simple, tan intrascendente , que hoy, fin de un momento de mucho trabajo, me apatecía ver algo así . Por esta razón he visto esta noche este filme. 

El mismo fue dirigido por Tom Shadyac y parte de un guión escrito por Paul Guay y Stephen Mazur. Se trata de una de las tres películas surgidas de la colaboración entre Carrey y Shadyac, las otras son Ace Ventura y Bruce Almighty. Para su realización Tom Shadyac tuvo como ayudante de dirección a Josh King y a Marcei A. Brubaker. 

El director contó con la dirección artística a Richard A. Toyon. En la producción estuvo Brian Grazer y Linda DeScenna , encargada del diseño de producción responsable de la productora Imagine Entertainment, aunque la distribución fue cosa de la Universal Pictures. La película contó con un presupuesto de $ 45 millones y que consiguió en taquilla la friolera de $ 302.7 millones. 

La música fue labor de John Debney, mientras que el sonido fue de Jose Antonio Garcia, el maquillaje de Nena Smarz, la fotografía de Russell Boyd, el montaje de Don Zimmerman. En la escenografía fue un trabajo de Rick McElvin, mientras que el vestuario, muy de los noventa, fue de Judy L. Ruskin y los efectos especiales de Rodney Byrd. 

El reparto lo integran Jim Carrey como Fletcher Reede, Maura Tierney como Audrey Reede, Justin Cooper como Max Reede, Jennifer Tilly como Samantha Cole. Swoosie Kurtz como Dana Appleton, Amanda Donohoe como Miranda, Jason Bernard como Juez Marshall Steven, Mitchell Ryan como Sr. Allan,Cary Elwes como Jerry y Anne Haney como Greta. Fue la última película de Jason Bernard y la primera de Cheri Oteri. De hecho la película fue dedicada en la memoria de Bernard. 

La película está protagonizada por Fletcher Reede ( Jim Carrey) , un abogado divorciado, ambicioso y sin escrúpulos, que utiliza la mentira como un medio habitual de trabajo. 

Fletcher Reede (Jim Carrey) le ha proporcionado muchos éxitos al bufete de Los Ángeles en el que trabaja desde los inicios de su carrera, pero ha destruido por completo la relación con su mujer, Audrey (Maura Tierney), y con su hijo Max, a punto de cumplir cinco años. Esa fue la razón del divorcio. 

El abogado no es consciente de que ha enfocado su vida en su carrera . Lo cierto es que Fletcher Reede ama a su hijo Max, pero su incapacidad para cumplir sus promesas y la mentira compulsiva que realiza para su ejercicico profesional le ha causado problemas y con su ex esposa Audrey, quien ahora tiene una relación con otro hombre llamado Jerry, un gestor de hospital, y que se lleva bien con el hijo de ambos. Con todo Fletcher mantiene una sana relación con su mujer. Ante la corte de justicia, Fletcher está dispuesto a exagerar las historias de sus clientes. 

Ahora tiene que afrontar un casi especialmente complejo con una de sus clientes, Samantha Cole, una mujer egocéntrica, voluptuosa que busca el dinero con su divorcio. Si tiene éxito en la defensa de su cliente puede llegar a llamra la atención del Sr. Allen, y tener opciones a convertirse en socio de la firma de abogados en la que trabaja Fletcher. 

Si Fletcher gana este caso, le dará una fortuna a su empresa e impulsará su carrera. Que se lleve bien con su mujer e hijo no significa que el sea un padre ejemplar , pues se olvida de cumplir sus promesas, incluso de su cumpleaños. Para el regalo para el mismo, es su secretaria la encargada de ello. 

Tras uno y mil plantones, incluido el de la asistencia a su cumpleaños, a pesar de su promesa reiterada , en este caso por atender una entrevista con una clienta potencial - que le puede aportar más prestigio y mucho dinero a él y al bufete- y a su jefa. 

A pesar de que ese día es el quinto cumpleaño de Max y Fletcher había prometido su presencia en la fiesta , se compromete en el caso de su nueva cliente , así que llama y miente a Audrey sobre su ausencia en el cumpleaños de Max debido al trabajo, cuando en realidad está teniendo relaciones sexuales con su jefa, Miranda, para obtener un ascenso. 

Durante el cumpleaños, ante la ausencia del padre, Max, harto de los plantones y abatido ante tantas promesas incumplidas de su padre, pide un deseo en su cumpleaños: que su padre no pueda mentir durante 24 horas, cosa que ocurre durante la relación sexual que Fletcher tiene con su ambiciosa jefa.

El deseo se hace realidad de inmediato, y Fletcher, sin querer, le dice a Miranda que "es mejorable". Poco después, Fletcher descubre que no puede mentir. 

Para colmo, él y su clienta de 31 años, Samantha Cole (Jennifer Tilly), habían planeado una enorme mentira para la vista que tendría lugar al día siguiente y  por la que ésta cobraría una buena cantidad de dinero de su exesposo, Richard Cole (Eric Pierpoint). 

Al día siguiente, Fletcher se da cuenta inmediatamente de que no puede hacer nada deshonesto. Él no puede mentir, engañar o incluso engañar reteniendo una respuesta verdadera , y muchas veces arroja incontrolablemente verdades vulgares y dolorosas que enojan a sus compañeros de trabajo. 

Además su automóvil es confiscado después de confesar sus muchas infracciones en movimiento y boletos de estacionamiento no pagados a un oficial de policía . 

Esto llega a un punto crítico cuando se da cuenta de que ni siquiera puede hacer preguntas cuando sabe que la respuesta será una mentira, lo cual es inconveniente ya que Samantha y su supuesto compañero de negocios Kenneth Faulk están dispuestos a cometer perjurio para ganar el caso de alto perfil. y no puede hacerle las preguntas para las que se les ha dado respuesta. 

Al darse cuenta de que Max había deseado que esto sucediera, Fletcher intenta convencerlo de que los adultos necesitan mentir, pero no puede dar ningún tipo de respuesta sobre por qué debería seguir mintiéndole a su hijo. 

Fletcher también se da cuenta de que, dado que Max deseaba que dijera la verdad solo por un día, intenta hacer lo que puede para retrasar el caso de Samantha ya que el deseo mágico expirará a las 8:15 pm, 24 horas después de que Max hiciera el deseo. 

Las cosas solo empeoran para Fletcher cuando pierde a su leal asistente Greta después de admitir que mintió sobre las mezquinas razones para negarle los aumentos salariales y los regalos "caros" que le dio. Además ese día, Audrey le dice a Fletcher que ella y Max se mudarán a Boston con Jerry para evitar más desamor a partir de las promesas incumplidas de Fletcher. 

Al comienzo del juicio, Fletcher intenta mentir pero no lo logra. Durante el receso, le pide a Max (en la escuela) que rompa el hechizo, pero él no quiere, debido a que no quiere que Fletcher mienta. 

El comportamiento errático de Fletcher en la corte lleva a varias preguntas sobre su cordura cuando se objeta a sí mismo y provoca a sus propios testigos a admitir que tuvieron una aventura amorosa contra Samantha y el acuerdo prenupcial de su esposo. 

Incluso llega a golpearse en un baño y alegar que alguien lo atacó para tratar de evitar el caso (no estrictamente mintiendo mientras describe a su atacante como un loco con una vaga descripción que aún lo iguala), pero cuando se le pregunta si siente que puede continuar, no puede negarlo y dice que sí.

De nuevo en el juicio, Fletcher vuelve a casi arruinarlo todo, pues admite que la mujer tuvo siete amantes tras casarse con el multimillonario Cole, que a pesar de haber firmado unas capitulaciones que implicaban la no entrega de dinero alguna a la mujer en caso de adulterio, si es un buen padre de familia. 

Durante el segundo receso, la Sra. Cole le presenta a Fletcher a su amante Randy (Ben Lemon), con el que Samantha tiene relaciones sexuales y que ha sido pillada y grabada por un investigador privado. La mentira con el acusado de amante consiste en decir que la relación con la Sra. Cole es platónica, pero Fletcher lo arruina, protestando sus preguntas y peleándose con Randy. 

A medida que pasa el día, Fletcher va descubriendo que su familia es más importante que el éxito e intenta abandonar el juicio. Con su habilidad, y pese al hechizo, logra ganar el juicio, debido a que la Sra. Cole sólo tenía 17 años al casarse y el acuerdo prenupcial es nulo porque era menor de edad. La Sra. Cole le pide la custodia de los niños porque le darían más dinero. Fletcher se niega, pero no logra evitarlo.

Pero cuando Samantha decide impugnar la custodia completa de sus hijos, a los que el Sr. Cole adora, solo porque quiere más dinero de los pagos de manutención, Fletcher lamenta mencionar el tecnicismo después de ver a la Sra. Cole sacar a los niños de los brazos de su padre, y chillar sus demandas de más dinero. 

Al darse cuenta ahora de que ganar el caso ha castigado al  padre que quiere a suss hijos y ha recompensado a la esposa infiel, Fletcher tiene una crisis de conciencia y grita al juez que le pida que revoque la decisión, pero lo arrestan por desacato al tribunal .

Llama a Audrey desde el teléfono de la prisión y le ruega que lo rescate y le dé otra oportunidad, pero ella lo cuelga. 

Greta regresa y libera a Fletcher de la cárcel. Ella lo perdona. Al darse cuenta de que decir la verdad lo ha convertido en un mejor hombre, se apresura al aeropuerto para evitar que Audrey y Max se vayan para siempre.

Pronto descubre que su familia está a punto de desplazarse de Los Ángeles a Boston, para evitar que su hijo se sienta mal. 

Fletcher trata de llegar antes que el avión despegue, pero se cuela en el área de emkbarque  ocultándose en un equipaje, roba una escalera motorizada y logra llamar la atención del piloto arrojando su zapato en la ventana de la cabina, forzándolo a abortar el vuelo. 

Fletcher, logra detener el avión pero tiene un accidente al caer de las escaleras.  al contrar contra una barrera y es enviado volando a un remolcador de equipaje, lo que provoca una reacción en cadena que deja a Fletcher inconsciente y con ambas piernas rotas.

Cuando Audrey y Max van a ver a Fletcher en su camilla, Fletcher, herido, le explica a Max que es lo más importante de su vida y que no podría soportar que se fuera. El hechizo se rompe y Audrey decide darle otra oportunidad a Fletcher. 

Después de despertarse, le dice a Max cuánto se preocupa por él y cuánto lo lamenta por haber incumplido sus promesas. A pesar de que ya no está bajo la influencia del deseo, Fletcher quiere decir lo que dice y agrega que Max es su prioridad, y Max convence a Audrey para que se quede en Los Ángeles.

Un año después, Fletcher se cura y dirige su propio bufete de abogados con Greta como su asistente. 

Mientras celebran el sexto cumpleaños de Max éste pide un deseo con su pastel de cumpleaños y las luces se encienden para revelar a Fletcher y Audrey besándose, pues se han reconciliado, pero explica que deseaba patines en lugar de reconciliarse. Fletcher le saca la garra ("The Claw"), el juego al que le gusta jugar con Max persiguiéndolo, y lo persigue a él y Audrey por la casa con él, volviendo a ser felices como antes, acabando con este "happy end" la película.

La película fue rodada en diversos lugares de Los Ángeles, en concreto en la City Hall o Ayuntamiento de Los Ángeles , en el Dowtown de la ciudad angelina, en los Universal Studios  en Universal City , en Pasadena , en la californiana Alhambra , en el Aeropuerto de Los Ängeles o en  Le Bistro Garden en Ventura Boulevard de Los Ángeles. 

El guión fue rechazado nueve veces antes de que el productor Brian Grazer lo comprara. Cuando fue comprado este guión original de Paul Guay y Stephen Mazur fue reescrito desde cero por el director Tom Shadyac y Mike Binder , con nuevas versiones escritas por Steve Oedekerk durante el rodaje.

Jim Carrey se entregó totalmente a su papel que quedó agotado tras el mismo. Eso sñi, a cambió cobró 20 millones de dólares por su papel. Para hacerlo renunció a una de las películas de Autin Powers en 1997.

Carrey incluyó en la película el juego de la "garra" algo con la que su padre jugaba con él de pequeño, además el final parece ser que fue una idea propia, llamando directamente al director en mitad de una noche para comentárselo. Además Tom Shadyac estaba conforme de eso y de no incluir en esta película muchas flatulencias, marca de la casa Carrey, por momentos.   Steve Martin y el mismo Hugh Grant renunció a tener igualmente protagonismo en la película.

La película obtuvo una nominación en los Globos de oro de 1997 al ser nominada al mejor actor principal en una Comedia o musical en la persona de Jim Carrey. 

Mentiroso compulsivo recibió críticas positivas de los críticos. En Rotten Tomatoes , la película tiene una calificación de 81%, basada en 54 reseñas, con una calificación promedio de 6.9 / 10. 

En Metacritic, la película tiene un puntaje de 70 de 100, basado en 20 críticas, lo que indica "críticas generalmente favorables". En las encuestas de CinemaScore , el público otorgó a la película una calificación "A-" de una escala de A + a F. 

El crítico Roger Ebert declaró que "gradualmente estoy desarrollando una sospecha, o tal vez un temor, y es que Jim Carrey se está acrecentando", ya que había dado críticas negativas a sus películas anteriores Dumb and Dumber and Ace. Ventura: Detective de mascotas . 

Algunos críticos notaron similitudes entre la trama de esta película y " The Whole Truth ", un episodio de The Twilight Zone en el que un vendedor de autos usados ​​se convierte en dueño de un auto que está embrujado y lo obliga a decir la verdad mientras sea dueño de él. 

Para Javier Ocaña en Cinemanía se trata de la película en la que "Jim Carry bate el récord mundial de muecas". Por su prte, en El País Miguel Ángel Palomo entiende que "Una tontuna de tomo y lomo" Para Filmaffinity se trata de la comedia más taquillera del año 1997. 

Fue nominada por el American Film Institute , la  AFI's, dentro de las  100 Years ... 100 Laughs , dentro de la sección de comedias.

Como conclusión comentar que la película es una típica comedia alocada de los noventa , muy , muy simple sin grandes virtudes ya que sólo sirve para pasar un buen rato, y siempre que las muecas y tonterías de Carrey no te generen una sobredosis. Si has sobrevivido una vez, ya tienes Carrey para un tiempo.

El Yang-tse en llamas


Sorprende en una película de 1966 que alguien diga que basta ya de banderas en el mundo y más a un en un país tan complejo como es la China entre 1925 al 1927.

Para aquellos años,  China sufre una serie de transformaciones económicas, sociales, políticas y culturales, principalmente en las zonas costeras del sur.

Tengo en mi mente una ilstración cómica francesa de finales del siglo XIX que presentaba a un grupo de grandes dignatarios de naciones europeos y alguna asiática, en concreto Japón, disputándose el dominio del país.

Este fue a más en el momento en que China pasó a ser una República una vez pasado el umbral de la primera década del siglo XX y sobre todo bajo el trascurso de la primera guerra mundial. 

En 1926 China prepara una expedición militar sobre la zona del norte con el fin de unificar su nación  para poner fin a las terribles luchas intestinas a los que hora se suman los  comunistas. 

Una nueva guerra civil comenzó. Muchas potencias extranjeras intentaron proteger a sus ciudadanos, entre ellos los USA recurriendo a la Diplomacia de las Cañoneras. Pero el problema se hacía cada vez más grave. Los japoneses estaban en plena expansión. 

El acontecimiento histórico en el que parece estar basado la novela es el llamado incidente de Panay, aunque este sucedió entre japoneses y norteamericanos.

Sorprende que una película norteamericana de esa década crítica abiertamente el imperialismo norteamericano sobre todo que sea asumido por Robert Wise, uno de los más polifacéticos directores de Hollywood, el mismo de  “La amenaza de Andrómeda”, “Helena de Troya” o “Ultimátum a la Tierra”.

Sorprende ver al director Robert Wise, responsable, por ejemplo , de un musical como West Side Story implicarse en una enorme película tanto su desarrollo, como por su contenido critico , como por combinar un par de historias de amor con una acción que , si bien nunca es trepidante, sin que al final se activa, eso sí, con fuertes dosis de lirismo. 

Reconozco que hace tiempo que quería ver esta película, pero que , en múltiples ocasiones me lo he perdido. En este caso y gracias a Trece TV, un canal menor, pero que ha tenido a bien recuperar el cine de los años 60 y 70 en su programación, cine que únicamente encuentro en TCM o en cuentagotas en la 2 y en la Paramount , y que es de agradecer. Con sus peros, no hay manera de incluir la película en su versión original y la calidad de imagen está muy alejada del HD, pero... es lo que hay, si no es imposible dar una segunda mirada a muchas películas que ya no lugar donde encontrarlas.

The Sand Pebbles o El Yangtsé en llamas es , como ya he dejado entrever una película estadounidense del año 1966, producida y dirigida por Robert Wise.

La película está basada en la novela del mismo nombre escrita por uno de los actores de la película, Richard McKenna publicada en 1962, es decir antes de la participación norteamericana en la Guerra de Vietnam, pero lo cierto es que "El Yangtsé en llamas" parece responder a este contexto, eso sí, sustituyendo a los vietnamitas por los chinos protagonistas del filme. 

El director y productor Robert Wise se fijó en el libro de McKenna  que fue modificado por Robert Anderson. Robert Wise presentó su proyecto a la Productions Solar y a la Twentieth Century Fox Film Corporation , en este caso para la distribución  y contó para la misma con un presupuesto $12 millones.

Wise contó para su película con la música de Jerry Goldsmith , la fotografía de Joseph MacDonald y el montaje de William Reynolds.  

En cuanto el reparto el mismo está integrado por Steve McQueen asumiendo el papel de Jake Holman , y es secundado en los principales papeles por Richard Attenborough como su amigo Frenchy Burgoyne , Richard Crenna como el  Teniente Collins , la bella Candice Bergen como Shirley Eckert y Marayat "Emmanuelle" Andriane como Maily . Estos se hacen acompañar por Mako como Po-han , Charles Robinson como Ensign Bordelles , Larry Gates como  Jameson,  Simon Oakland como  Stawski , Ford Rainey como Harris,  Joe Turkel como Bronson y Gavin MacLeod como Crosley, así como James Hong.

La película comienza en Shangai, China en el año 1926. Allí  la situación política es caótica. El país vive una lucha abierta entre  las facciones nacionalistas, comunistas así como los señores de la guerra tradiicionales que luchan por el poder. 
 
A la ciudad portuaria llega un mecánico naval de la Armada de los Estados Unidos, el soldado joven y rebelde de Texas de nombre Jake Holman (Steve McQueen), que prefiere la compañía de las máquinas a la de los hombres, y que no ha podido ascender en el escalafón militar. 
 
Pasa de un buque a otro,  sirviendo en sus salas de máquinas ; En esta ocasión ha sido asignado al cañonero estadounidense USS San Pablo —un barco de guerra, más bien un cañonero fluvial, arrebatado a España tras la Guerra del 98, y que está armado con un cañón de 76 mm y un par de ametralladoras Lewis de 7,62 mm, cuya tripulación es conocida por el apodo de sand pebbles ( “The sand pebbles” término que aparece en las cartas de navegación para identificar guijarros de arena en el fondo de las aguas), y cuya presencia en China representa la política colonialista occidental, llamada Diplomacia de cañonero. 
 
Jake Holman (Steve McQueen) acaba de ser asignado en el San Pablo como jefe de maquinas en un buque está en el interior de China y que surca los grandes afluentes del Yang-Tsé con el fin de defender los intereses estadounidenses en tierras chinas, pero sólo ha de defender los intereses comerciales sino a los ciudadanos norteamericanos que viven en la zona, en la que se encuentran  algunas misiones religiosas y maestras.
 
A bordo del cañonero, Holman se enfrenta con una tripulación estadounidense ociosa, mientras que el trabajo duro y sucio es realizado por una legión de sirvientes chinos llamados culíes, que en cantonés es el nombre dado a los esclavos. En la sala de máquinas, los engrasadores, fogoneros y asistentes son culíes chinos. 
 
Esta injusta situación es permitida por el capitán Collins (Richard Crenna), para evitar peleas entre los  chinos y los americanos.
 
Pero Holman no está dispuesto a dejar que alguien más maneje su maquinaria, por lo que se convierte en un ser discordante en el interior del USS San Pablo. Intenta advertir que la máquina está a punto de sufrir irreparables daños si no se repara a tiempo, con lo que se gana la oposición del jefe de los culíes, que teme ocultamente por la temporal suspensión de sus   sueldos durante la reparaciones. 
 
Finalmente, un accidente durante la reparación de la máquina causa la muerte de uno dee los culíes de la sala de máquinas . 
 
Holmann , poco a poco, se gana la antipatía del capitán y el desprecio de la tripulación culí y estadounidense, a excepción de un compañero Frenchy (Richard Attenborough) con el que entabla amistad y que a su vez se enamora de una muchacha china a la que salva de ser  prostituta, Mayli (Marayat Andriane).
 
A regañadientes Holman tiene que entrenar a un responsable entre los chinos  y elije al simpático y servicial ayudante de maquinista, Po–Han (Mako) quien poco a poco se gana la estima de Holman. 
 
En estas circunstancias adversas Holman conoce a una chica que acaba de incorporarse a una misión norteamericana para dar clases de inglés. Se trata de Shirley Eckert (Candice Bergen), a la que conoce durante la travesía y quien termina por enamorarse del  maquinista, atraido por su dulzura. 
 
Sin embargo, ella está sujeta a un misionero bastante radical y muy cercana a los chinos de su misión, Jameson (Larry Gates), que desprecia la política nort5eamericana y que ni tan siquiera reconoce su propia nacionalidad. 
 
El capitán del USS San Pablo está preocupado por la creciente inestabilidad política, y tiene que mantener el nombre de los Estados Unidos fuera del contexto que se vive en las orillas. Solo abrirá fuego y comprometerá al USS San Pablo si la vida de algún estadounidense está en peligro. 
 
Poco a poco, los chinos ha ido adquiriendo un odio visceral hacia los extranjeros y , en especial, hacia los chinos cristianos, los cuales son asesinados por miles en las orillas del Yangtsé. Esa es la razón por la que Jameson ha renunciado a ser identificado como norteamericano y de hecho es bien visto por una milicia de jovenes chinos y cristianos que protegen el templo.
 
Por su parte, los chinos comunistas desean el fin de la dominación colonial extranjera, algo en lo que coinciden con los nacionalistas que desde hace 14 años China , momento en que declararon su república independiente.
 
En la ciudades ribereñas y de interior reinan los jerarcas locales, algunos de los cuales se enriquecen comerciando con los extranjeros.Esto no es visto bien ni por comunistas ni por nacionalistas.
 
La tripulación del USS San Pablo ve con malos ojos a Mako y uno de los marinos de las máquinas, que lo odia abiertamente por su cercanía a su odiado Holman se enfrenta a él en una pelea. Mako , le da unas lecciones de boxeo a Mako para derrotarlo, y apuesta por su victoria. Algo que , finalmente, se produce.

Por su parte, el acercamiento entre Mayli y Freinchy va a más. De hecho, con el dinero apostado por Freinchy logra salvar la honestidad de la chica, que por cierto, tiene una deuda con un jefe mafioso local y que únicamente busca la salida del local en el que vive y huir a Shanghai, para iniciar allí una nueva vida. 

Sin embargo, la situación de rebelión abierta va a más y poco a poco los norteamericanos van detectando muestras de odio por parte de la población china. 

Los miembros del San Pablo se ven obligados a reprimir las protestas de los chinos en su contra, primero con chorros de agua a presión y, más tarde, por medio de las armas. 
 
El capitán, quien está enfrentado a Holman, y que  adolece de  liderazgo incapaz de sortear el apogo a las ordenanzas militares choca con el rebelde Holman, que ante cualquier situación que no le parezca justa, interviene y contradice las reglas militares. 
 
En una bajada a tierra, el jefe de los culíes envía malintencionadamente a Po-Han a tierra, el cual comienza a ser perseguido por chinos que lo quieren linchar, finalmente lo capturan y frente al USS San Pablo lo someten a torturas. 
 
El capitán intenta negociar con los captores, mientras que éstos van infligiendo heridas con cada propuesta a Mako (Po-Han), que sufre intensamente. Holman al ver que el capitán no está a la altura de las circunstancias, toma un fusil y mata a Po-Han para ahorrarle sufrimiento, en contra de las órdenes del capitán. 
 
Ya son dos las muertes causadas por Holman y el capitán para deshacerse de él, le ofrece el traslado o la baja deshonrosa, Holman acepta ser trasladado; y se encargará de las máquinas hasta el relevo. 
 
Por su parte, Frenchy, ha visto como la viabilidad para mantener su relación con  Mayli pasa por comprar su libertad que se calcula en 200 dólares. Finalmente, cuando Mayli tiene el dinero para ello se ve inmerso en una compleja situación cuando otros occidentales intervienen y kla quieren subastar. Esto da lugar a una pelea colectiva que acaba con la salida de Frenchy con su chica y Holman.
 
Finalmente, Frenchy enamorado de Mayli, se casa con ella con una ceremonia china y se juran amor eterno.  A la misma asiste la profesora Shirley Eckert, quien le declara su amor a un incrédulo Holman, aunque Holman le dice crudamente que tal situación romántica no tiene futuro, así como no tiene futuro la de Frenchy. 
 
Poco después la señorita Eckert marcha a la misión junto con Jameson , quedando Holman . Por su parte, Frenchy ha buscado un alojamiento para Mayli  en el que ambos se encuentran cuando tienen permiso del barco. Sin embargo, la situación va a peor pues el capitán decreta, ante un bloqueo por parte de los nacionalistas, la reclusión de la tripulación en el interior del cañonero.
 
Allí han de pasar el crudo invierno, rodeado de barcos que impiden su movilidad y con la estricta orden de no disparar a los barcos , ni a los ciudadanos chinos que lo bloquean. 
 
En esas circunstancias, Frenchy quiere ver a Mayli y una noche en la que nieva escapa del barco para encontrarse con su chica. Frenchy llega aterrido de frio a la habitación de su chica, pero , finalmente, Frenchy muere al contraer pulmonía en ese última visita a Mayli. 
 
Al no saber de él, Holman cuando es enviado en misión consular, aprovecha para visitar a Frenchy, ignorando que ha muerto. Al llegar se entera de su muerte que ha ocurrido la noche anterior, pero unos matones secuestran a Mayli, y Holman tiene que defenderse a tiros de sus agresores. 
 
Los chinos que habían raptado a Mayli, la asesinan, y aprovechan el incidente para crear una situación de tensión política. Rodean al USS San Pablo y piden la entrega del supuesto asesino de Mayli, Holman. 
 
El cañonero no puede emprender la navegación por el riesgo de encallar en el río Yangtsé, debiendo esperar hasta la próxima primavera. Esto pone muy nerviosos a los tripulantes del USS San Pablo y casi hay un intento de motín, en el que el capitán es desobedecido, a la vista de los chinos que claman por la entrega de Holman. De hecho, algunos marineros presionan al capitán para la entrega de Holman, pero el capitán se niega.
 
El USS San Pablo tiene que recurrir a  protegerse para mantener a raya a los chinos. Así, inmóviles en el río, pasa el invierno, y ya en primavera, el USS San Pablo recibe la misión de rescatar a estadounidenses y otros extranjeros. El capitán Collins cambia de actitud y se propone rescatar al misionero Jameson y su profesora asistente Shirley Eckert, que están en una misión en una zona de interior. 
 
Por fin puede llevar a cabo los planes que pretendía para conseguir el honor para él y su nave. El río por donde tienen que navegar está bloqueado por una serie de juncos chinos unidos entre sí. 
 
El USS San Pablo se lanza al abordaje de una de las embarcaciones que hacen  el bloqueo con el objetivo de conseguir romperlo.
 
Después de una brutal batalla logran pasar, pero con muchas bajas en ambos lados, entre ellas algunos chinos de la misión de jameson.
 
Finalmente, el capitán Collins escoltado por Holman y dos marineros más, logran llegar a la misión, en donde son rodeados por los chinos.
 
Jameson se niega a salir, pero momentos después un grupo de militares chinos penetran en elo recinto y disparan sobre el misionero que muere en el acto.
 
Tras esto los norteamericanos restante, incluida la chica, intenta huir, pero paraa ello ha de hacerlo  con un cebo. El capitán se ofrece a quedarse el último, tras frenar al principio a los chinos, finalmente, el capitán es alcanzado y muere.
 
Holman a su vez, se ofrece de señuelo mientras sus compañeros intentan y , finalmente, consiguen poner a salvo a Shirley Eckert. Es de noche.  Holman se hace con las armas del capitán. En el recinto amurallado que es la misión c¡van apareciendo los chinos como fantasmas por el tejado. 
 
Holman va abatiendo unos a otros . Finalmente, cuando todo parece haber concluido el protagonista muere   y preguntándose por qué ha llegado hasta esa situación, fallece. 
 
Como ocurría al principio una imagen de la cañorera por el río ponen fin a la película. 
 
La película fue rodada en Hong Kong y Taiwan como se nos informa al final de la película. Esta generó en  taquillas la cantidad de $30 millones en EEUU solamente, más $13,5 millones por la venta de alquiler en los videoclubes.
 
El proyecto comenzó años antes del rodaje. Durante años, Robert Wise había querido hacer The Sand Pebbles , pero las compañías cinematográficas eran reacias a financiarlo. Decir que en inglés “San Pablo” se pronuncia de manera muy parecida a “Sand Pebbles” (guijarro de arena).
 
Cuando se consiguió financiación para The Sand Pebbles  se  requirió un amplio trabajo de localización y preproducción, concretándose que la película se haría en la colonia britñanica de Hong Kong y en Taiwan.
 
De cualquier manera el rodaje quedó afectado por el monzón en Taipei. Esta circunstancia hizo que el productor y director Wise retrasase el proyecto por un periodo de  más de un año antes de que comenzara el rodaje principal. 
 
Durante el inicio de este rodaje la compañía cinematográfica insistió a Wise en que aceptara otro proyecto de "relleno", que resultor ser  The Sound of Music , una película que se convirtió en una de las películas más populares y aclamadas de la década de 1960. 
 
La compañía se gastó $ 250,000 construyendo una réplica de cañonera llamada San Pablo , basada en el USS Villalobos, una antigua cañonera de la Armada Española que fue capturada por la Marina de los Estados Unidos en las Islas Filipinas durante la Guerra Hispanoamericana (1898-99), pero con un calado muy reducido para permitir navegar en los ríos poco profundos de Tam Sui y Keelung . 
 
Tras la misma el San Pablo realizó el viaje de Hong Kong a Taiwán y regresó por su propia cuenta  tras el rodaje de The Sand Pebbles . Después de que se completara la filmación, el San Pablo se vendió a DeLong Timber Company y cambió el nombre a Nola D , luego se vendió a Seiscom Delta Exploration Co., que la utilizó como campamento base flotante con modificaciones importantes, incluida la extracción de sus motores y el  helipuerto. 

El rodaje de la película comenzó el 22 de noviembre de 1965, en Keelung , estaba programado para tomar alrededor de nueve semanas, pero terminó  tardando casi siete meses. 

El elenco y el equipo se tomaron un descanso para las vacaciones de Navidad en Tamsui, Taipei . En un momento, un barco de cámara de 15 pies volcó en el río Keelung, retrasando el cronograma porque la caja de resonancia se arruinó cuando se hundió. 

Cuando finalmente se terminó la filmación en Taiwán, el gobierno de la República de China retuvo a varios miembros de la tripulación, incluidos McQueen y su familia, supuestamente como "rehenes" al conservar sus pasaportes debido a impuestos adicionales no pagados. 

En marzo de 1966, la filmación finalmente se trasladó a los estudios Shaw Brothers en Hong Kong durante tres meses, principalmente para escenas en Sai Kung y Tung Chung. Debido a la lluvia frecuente y otras dificultades en Hong Kong, la filmación fue casi abandonada. 

Luego, en junio, viajó a Hollywood para terminar sus escenas interiores en los estudios Fox . Cuando regresó a Los Ángeles, McQueen cayó enfermo por una inflamación en la boca. No había querido ver a un dentista hasta que regresó a California. Su dentista y su médico le ordenaron tomar un largo período de descanso, uno que detuvo la producción nuevamente durante semanas. 

La vida militar de la tripulación de San Pablo retrata el colonialismo y el racismo que se vivía en la época y que se manifiesta abiertamente  en las relaciones de los marineros con los culis que dirigen su cañonera y las camareras que los sirven fuera de servicio. 

Aunque la novela de 1962 era anterior a la extensa actividad estadounidense en Vietnam y no se basó en incidentes históricos, en diciembre de 1966, la película fue considerada como una declaración explícita sobre la extensa participación de combate de los EE. UU. en la Guerra de Vietnam similares a las que ya publicaban el The New York Times ,  y la revista Life . 

Oportunamente, llovió la noche del estreno, el 20 de diciembre de 1966, en el Teatro Rivoli en la ciudad de Nueva York. 

Posteriormente, McQueen no hizo ningún trabajo cinematográfico durante un año debido al cansancio, diciendo que los pecados que había cometido en su vida habían sido pagados cuando particippó en  The Sand Pebbles . En 1968, presentó dos películas de enorme éxito, The Thomas Crown Affair y Bullitt .

La actuación sí le valió a McQueen la única nominación al Premio de la Academia de su carrera de los ocho que tuvo , aunque la película obtuvo 23 nominaciones a diferentes premios y/o festivales de cine, además  ocho al Oscar. Entre estos estaban  el de Mejor película (Robert Wise), Mejor actor (Steve McQueen),  Mejor actor de reparto (Mako),  Mejor Dirección de Arte  (Boris Leven) ; Set Decoration (Walter M. Scott , John Sturtevant y William Kiernan )  Mejor fotografía en color (Joseph MacDonald) , Mejor montaje cinematográfico  (William Reynolds) , Mejor sonido  (James Corcoran) y  Mejor banda sonora original  (Jerry Goldsmith).

El Sindicato de Directores (DGA) nomin´o a Wise como Mejor director y el Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al Mejor guión en el apartado de drama.

Fue galardonada con el premio Globo de Oro 1967  al mejor actor secundario (Richard Attenborough) , aunque tuvo ocho nominaciones para esos Premios Globo de Oro ,  y con el premio Laurel de Oro 1967 - 2° lugar: drama; y 3° lugar: a la mejor actuación (Steve McQueen) y a la mejor actuación secundaria (Richard Crenna); y el premio Golden Reel Award en 1967 al mejor montaje - diálogo. 

En cuanto a  esta película bélica y de aventuras,  señalar que tiene una alta tasa de crítica antibelicista, pues pone en muchas ocasiones en duda la necesidad de las guerras, la existencia de banderas - Ay ¡ qué fatiguitas las nuestras! - y la inutilidad de las muertes que provocan. 

Destacar que la actriz Marayat Andriane (Mayli) es la novelista francesa autora del personaje Emanuelle, escrita con el seudónimo Emmanuelle Arsan. 

En cuanto a las críticas señalar que Fernando Morales en el diario El País destacaba de ella que la película está llena de "Acción y romanticismo para un filme clásico en el que se retrata a la perfección el imperialismo americano. Gran parte del mérito es de Joseph MacDonald, director de fotografía" 

En Fotogramas se dice de ella que se trata de "Un film de aventuras que mezclaba la espectacularidad más descarada con ciertas pretensiones crítico-políticas, a través de las que se cuestionaba levemente el imperialismo norteamericano estableciendo cierto paralelismo ìentre su acción (situada en 1926) y la guerra del Vietnam. Estas pretensiones quedaron en un plano bastante secundario, imponiéndose ante todo una ìaparatosidad bastante vácua". 

A destacar la intachable interpretación en una película sin concesiones  con un gran McQueenn en la que todo queda supeditado a una  historia "realista", donde no sucede casi nada más que lo que tiene que suceder

La pretensión del filme es pacifista, antiimperialista e integracionista visible en el personaje de Frenchie (Richard Attenborough), el marino americano dispuesto a sacrificar su vida para salvar el honor de la china Maily, y   el misionero Jameson,

Robert Wise logra un filme bien  ambientado y fotografiado, con una gran banda sonora y unas interpretaciones de gran sensibilidad. La espera en verla ha merecido la pena. 


domingo, 17 de diciembre de 2017

Aeropuerto 77


He dudado tenía dos películas para elegir. Las dos con un común denominador. La primera era una bastante actual  y que pude disfrutar de ella en el cine, Guerra Mundial Z, que ya , además tuve ocasión de ver poco después en mientras viajaba en autocar. La otra, un clásico del cine de catástrofes, especialmente de catástrofes aéreas, tan propias de los años setenta  y tras caricaturizadas en los ochenta, con aquello que comenzó con Aterriza como puedas en el año 1980. Hablamos de Aeropuerto 77. 

Tras dudar, me he decidido por esta último, pues  a pesar de los años y los pesares, no había tenido oportunidad de verla. Así que este monumento del cine de catástrofes , centrado en el transporte aéreo y que responde a los cánones de historias donde el ser humano se pone a prueba , así como  su condición de persona,  y que suele tener un reparto experimentado- más bien de lujo- con nombres de actores y actrices que lo han sido todo en la historia del cine y que , cuando su luz languidecía, fueron contratados como reclamo y dar un fondo de interpretación serio a la película, aquí se cumplen rigurosamente. 

La película es dirigida por Jerry Jameson, un director que a su 83 años, seguía aún en activo ( en 2015 realizó el filme Captive o Cautivo , una película de suspenso y drama , escrita por Brian Bird y Reinhard Denke, basada en el libro de no ficción Unlikely Angel de Ashley Smith, que trata sobre la historia real de Brian Nichols , quien escapa del juzgado del condado de Fulton en Atlanta el 11 de marzo de 2005 y tomó a la escritora Ashley Smith como rehén, y que está protagonizada por David Oyelowo como Nichols y Kate Mara como Smith).

Jameson en un hombre con una brillante trayectoria , más en la televisión que en el cine , pues es director en capítulos de multiples y conocidísimas series como , The Six Million Dollar Man , Ironside , Dallas ,Dinastía, Murder, She Wrote y Walker, Ranger de Texas , la inolvidable McCloud,5: Las calles de San Francisco o el clásico de Hawaii Five-O o la Doctora Quinn, nada más y nada menos.

En este caso , y viendo el filón iniciado en 1975 con la saga de Aeropuerto 75 - y que le siguió otro en el 76- no hubo dudas en que la Universal Studios volviese a contar con una nueva producción en esta caso en la que se implicaban Jennings Lang (productor también de Aeropuerto 75 y Terremoto) y William Frye. Los Universal Studios contaron con un presupuesto de USD$ 6.000.000, a sabiendas de que lo recuperación con creces , como así ocurrió, pues recaudó unos USD$ 30.000.000. Para ello se basó en una historia creada por H.A.L. Craig, Charles Kuenstle y que se transformó en guión - sí, con tilde, claro que sí- por parte de Michael Scheff y David Spector . La música fue compuesta por John Cacavas y Tom Sullivan, quedando la fotografía como responsabilidad de Philip H. Lathrop y el montaje en Robert Watts. 

Como era de esperar el reparto, espectacular, como mandan los cánones del cine de catástrofes de los años setenta, y está encabezado por Jack Lemmon como el Capitán Don Gallagher, junto a Lee Grant como Karen Wallace, Brenda Vaccaro como Eve Clayton, Joseph Cotten como Nicholas St. Downs III, Olivia de Havilland como Emily Livingston y James Stewart como el millonario Phillip Stevens. 

A ellos se suman Darren McGavin como Stan Buchek, Christopher Lee como Martin Wallace, Robert Foxworth como Bob Chambers, George Kennedy como Joe Patroni, Kathlenn Quinlan como Julie, Tom Sullivan como Steve, Monte Markham como Banker, Gil Gerard como Frank Powers, James Booth como Ralph Crawford, Monica Lewis como Anne, Maidie Norman como Dorothy, Pamela Belwood como Lisa Stevens, Arlene Golonka como Mrs. Stern, M. Emmet Walsh como Dr. Williams, Anthony Battagila como Benjy, Michael Pataki como Wilson, George Furth como Gerald Lucas, Richard Venture como un Comandante y Elizabeth Cheshire como Bonnie Stern. 

Un lujoso y de colosales proporciones Boeing 747  -100 es el desgraciado protagonista  de la propiedad privada "Stevens Corporation" cuyo presidente, Philip Stevens, es también el propietario de la colección de pintura más importante del país.

El avión está equipado con un bar, piano y habitaciones y debe transportar en su primer vuelo, el inaugural, a unos pasajeros importantes, directivo de la empresa ,así como personalidades del mundo del arte y de la High Society, que van como invitados a la finca del propietario filántropo Philipp Stevens (James Stewart), una propiedad sita en Palm Beach, Florida.  Stevens, que también es dueño del avión.

El avión lleva también una colección valiosa de obras de arte para un museo. Algunas de ellas son las últimas adquisiciones realizadas por el magnate, que lo ha dado a conocer por medio de una rueda de prensa .Las valiosas obras de arte de la colección privada de Stevens van a ser expuesta en el nuevo museo quel magnate tiene en Florida.

Por esta razón unos ladrones conocidos y cómplices del copiloto Bob Chambers (Robert Foxworth) del Vuelo 23, el titular es un eficiente piloto con muchas horas de vuelo , el Capitán Don Gallagher (Jack Lemmon), un hombre recto.

Los ladrones en connivencia con Chambers  hacen todo lo posible para robar las pinturas, y desviar el avión dirigiéndolo a un aeropuerto abandonado en la isla de St. George, Bermudas.

Al  avión que recibe para su llamada de vuelo privado "Vuelo 23 de Stevens", con el distintivo  "Sierra dos y tres",  van a ir subiendo los distintos protagonistas vinculados en mayor o menos medida con el magnate.

Entre los invitados al vuela están su hija y sel nieto del magnate , que llevan un tiempo distancia de su padre / abuelo. Igualmente va el ingeniero que ha diseñado la nave, algo empresario acompañado de su esposa y su gerente, marchantes de arte , amistades de Stevens , así como una chica ganadora de un premio.

Junto a ellos van los encargados de la naves en el apartado de seguridad, restauración, atención a clientes,....

Antes de iniciarse la operación uno de los ladrones que se ha pasado por operario de la compañía realiza una llamada al Capitán Don Gallagher para informarle de que hay un problema.

Tras abandonar la cabina y es golpeado por el delincuente y queda inconsciente. Desde ese momentos los planes de los secuestradores entran en acción. Tras ponerse el trío asaltante una máscara abren un recipiente que contiene gas para dormir , que uno de los secuestradores secretamente instaló antes del vuelo. El gas al entrar en la cabina logra su objetivo: los pasajeros pierden el conocimiento.

Fuera de combate el  ingeniero de vuelo, Chambers avanza en el secuestro del avión y lo desvía ese vuelo 23 Stevens para hacerlo "desaparecer" en la abandonada isla de St. George,  en el Triángulo de las Bermudas .

En la torre de control se dan cuenta que el vuelo 23 ha "desaparecido" misteriosamente de la pantalla, en el triángulo de las Bermudas.

El avión en su desplazamiento pasa por un banco de niebla muy espesa, reduciendo la visibilidad a menos de una milla, y choca con una plataforma de petróleo, provocando un incendio en la turbina del ala y haciendo que el avión pierda estabilidad . Chambers  intenta controlar la situación , pero el motor se incendia. Chambers da inmediatamente al botón de extinción de incendios, y las llamas se apagan momentáneamente. Debido a que el avión se encuentra a una altitud tan baja, la pérdida repentina de la velocidad amenaza con paralizar el avión. De repente, el motor vuelve a encenderse y Chambers se ve obligado a utilizar otra motor en el que se manifiesta fuego. Pero en este momento, la alarma de pérdida de la aeronave se activa y la cola del avión golpea el agua.

Todos los pasajeros se despiertan, y al darse cuenta de lo que está sucediendo, entran en pánico. Chambers logra levantarlo, pero el ala derecha del avión golpea el agua otra vez. El avión se eleva en el aire por un momento, pero nuevamente golpea el agua. Debido al duro impacto, el avión ameniza en el océano, pero casi al instante comienza a hundirse en un área poco profunda del océano.

Muchos de los pasajeros están heridos, algunos de gravedad. Dos de los asaltantes del avión mueren en el accidente inicial. Uno en la bodega asegurando el arte para la transferencia cuando el contenedor de carga lo aplasta  y , otro, Wilson muere cuando choca contra el panel de vuelo en el impacto.

El capitán del avión Don Gallagher (Jack Lemmon) , ya recuperado del golpe recibido, debe idear un plan para que el avión no se inunde por la presión del agua, arriesgando la vida de los pasajeros.

La única forma de señalar a los equipos de rescate en la zona es advertir desde el agua. Para ello Don idea que es necesario marcar la zona con una boya de señal en  la superficie. La única forma de subirla es a través de un bote pequeño.

Como el avión no estaba en curso, los esfuerzos de búsqueda y rescate se centran en el área incorrecta. Involucrados en estos esfuerzos está el millonario  Phillip Stevens.

Al tener noticias de ello se traslada al centro de la Marina. Estos comunican a Stevens , que ya ha sido avisado un especialista en rescate de aviones, Joe Patroni (George Kennedy).

Luego Don llama a unos voluntarios, se ofrece Martin Wallace (Christopher Lee), el empresario y hombre de negocios altruista que viaja con su mujer , Karen (Lee Grant) y con el amante de ella, su gerente, cuya relación sentimental , evidentemente, está muy deteriorada.

Wallace se ofrece a la ayuda dado su carácter y a su experiencia como  buzo semiprofesional. Ambos se introducen en la sala de equipajes, con el fin de abrir automáticamente con un cortocircuito, pero no lo consiguen. Al aproximarse Martin abre la escotilla accidentalmente que aplasta a Wallace y se llena de agua el salón de equipaje, acabando con la vida de Martin.

Luego los pasajeros y su esposa Karen (Lee Grant) ven el cuerpo flotando del señor Wallace, su esposa queda conmocionada, y quiere abrir la puerta. Los pasajeros lo impiden . Eve (Brenda Vaccaro) , y novia de Don, ante eso, la golpea dejándola inmóvil.

Don Gallagher, casi sin oxígeno, , entretanto, sale del avión y nada a la superficie y activa la señal después de que se sube al bote. Poco después pasa un avión del servicio de búsqueda que  otea las aguas del triángulo. Uno de ellos, un S-3 Viking sobrevuela el sitio del accidente y divisa a Don en el bote haciendo señas así que informa a La Marina. Confirma la ubicación del vuelo 23. 

La Armada despacha un barco de sub-recuperación, el USS Cayuga , el destructor USS Agerholm y una flotilla de otros buques.

Llegan los de la Marina y lo salvan. Luego unos buzos deben poner unos globos para levantar el avión. Una vez inflado, el avión se eleva desde el fondo del lecho marino.

Justo antes de que el avión salga a la superficie, uno de los globos se suelta, lo que provoca que el capitán de la Marina reduzca la presión del aire de los globos restantes, manteniendo así el avión justo debajo de las olas. Se ordena la evacuación, heridos y niños en primer lugar.

Una de las puertas en la bodega de carga se abre de golpe, causando que el avión se inunde. La cascada de agua de mar barre a parte de los pasajeros. 

El primer oficial Chambers muere cuando está atrapado debajo de un sofá. La viuda de Wallace se ahoga cuando el capitán de la Marina ordena más presión de aire en los globos, y finalmente levanta el avión con éxito.

Una vez en la superficie, los pasajeros restantes son evacuados. Con los sobrevivientes en camino hacia los buques que esperan, el Capitán Gallagher y la asistente de Stevens, Eve, son evacuados del avión después de escapar a través de la cubierta superior del 747. Don y Eve son los últimos en evacuar el avión mientras se sumerge en el mar. El 747 luego se desliza bajo las olas por última vez.

Al final se nos informa que aunque el desastre descrito en la película es ficticio, las operaciones de rescate representadas en la película son operaciones reales de rescate utilizadas por la Marina en caso de emergencias o desastres similares, como se indica al final de la película antes de los créditos de cierre.

La película fue rodada en Florida, en concreto en Villa Vizcaya , en el 3251 S. Miami Avenue, en Miami,  como la mansión de Philip Stevens, en donde se inicia la película y en Wakulla Springs,  para las escenas subacuáticas, pero también en California en concreto en  el Aeropuerto de Hollywood Burbank en el 2627 North Hollywood Way, en Burbank, así como en el Aeropuerto internacional de Los Ángeles en el 1 de World Way, de  Los Ángeles, u en los Universal Studios en el 100 Universal City Plaza, Universal City. También se rodó en San Diego.

Por último se rodó, igualmente, en el Aeropuerto internacional de Washington Dulles en el  45020 Aviation Drive, de Sterling, en Virginia.

El director de la película, Jerry Jameson, participó más tarde en otra película con un objeto hundido similar como fue ¡Rescaten el Titanic (1980)!. En lugar de levantar un avión 747 hundido desde el agua, era el barco del Titanic. Mientras que Aeropuerto '77 (1977) fue un éxito de taquilla,  Rescaten el Titanic (1980) fue un fracaso de taquilla.

Jameson , además de contar con grandes actores del momento y del pasado, llamó a la legendaria diseñadora de vestuario de Hollywood Edith Head que recibió su nominación número 35 y final el  Oscar por su trabajo en el vestuario de esta película.

El aeropuerto '77 fue la única película de la serie Airport que no tuvo un desastre real . Por cierto, el 707 usado en el rodaje del "Aeropuerto" se estrelló en Brasil en 1989. El Beachcraft Baron que se usó en el rodaje de la película que abría la saga, colisionó con un 747 otro avión , un jet privado en pleno vuelo en 1989.

El Concorde utilizado en Aeropuerto '79  se estrelló en las afueras de París en el año 2000, matando a las 107 personas a bordo y cuatro personas en el terreno, y apresuró el final del programa Concorde.

Eso sí, la película fue lanzada dos semanas antes del desastre del Aeropuerto de Tenerife cuando dos 747 colisionaron en la pista. Este fue el accidente de aviación más letal de la historia y del que guardo un recuerdo indeleble en mi memoria de los telediarios e Informe semanal de la época.

En esta película hay que contextualizar algunas cosas como el hecho de que el avión caiga en el Triángulo de las Bermudas. Cuando se hizo y se lanzó la película, el tema de las desapariciones en el Triángulo de las Bermudas fue de gran interés temático durante mediados y finales de los años setenta. Recuerdo que en micasa había un libro titulado Sin rastro firmado por Charles Berlitz, el nieto del fundador de las Academia de Idiomas Berlitz, un escritor que en la portada del libro afirmaba dominar 32 idiomas. Eso sí era paranormal, y que, en parte, escribió su obra pensando en los misterios que encerraba el Triángulo. Por cierto , alguno de sus relatos que presentaba como ejemplos de desapariciones me impactó. 

Otras películas de la época , hablamos de los años 70 y 80 , y que trataron el Triángulo de las Bermudas son  La isla (1980); El triángulo diabólico de las Bermudas (1978); Beyond the Bermuda Triangle (1975) y Misterio en las Bermudas (1979), así como el documental Secrets of the Bermuda Triangle (1978).

En cuanto al reparto como es normal en la saga es de postín. Christopher Lee aceptó su papel principalmente porque le permitió trabajar con Jack Lemmon . En principio se pensó en Joan Crawford para interpretar el papel de Emily Livingston, pero declinó, y luego dijo: "Querían que Joel McCrea estuvera junto a mí, y de todos modos, ¡en realidad me pidieron que volara allí con solo una semana de aviso! ¿Por qué? Eso no es suficiente. tiempo para las pruebas de maquillaje o los ensayos ... y cuando pregunté sobre los accesorios de vestuario, ¡dijeron que querían que me pusiera mi propia ropa! " . Cuando Joan Crawford se negó a interpretar a Emily Livingston, Olivia de Havilland intervino  e hizo el papel en su lugar. Ironicamente, en 1964, Crawford había sido reemplazado por De Havilland en Canción de cuna para un cadáver (1964), después de que Joan enfermara. Y en 1962, cuando Crawford aceptó el papel en Una mujer atrapada (1964) y luego se retiró porque la producción se estancó, su parte fue refundida con De Havilland. En cuanto a la todavía centenaria actriz Olivia de Havilland , tiene 101 años, comentar que fue su tercera participación emparejada en pantalla con Joseph Cotten. Junto a él Olivia de Havilland particpó en cuatro películas. Anteriormente habían aparecido juntos en The Screaming Woman (1972) y Canción de cuna para un cadáver (1964) y ambos aparecerían juntos por última vez en un episodio de 1981 de Vacaciones en el Mar, como se le llamaba aquí,  o The Love Boat del Capitán Stubing.

El productor William Frye trató de sacar a Irene Dunne de su retiro para que interpretara a Emily Livingston ofreciéndole un nuevo Rolls-Royce cada año durante los próximos 10 años. A Dunne le encantó el guión, pero lo rechazó porque declaró que "no me gustan los Rolls-Royce".

Jack Lemmon más tarde dijo que aceptar la película había sido un gran error. De cualquier manera hace un buen papel y se entregó al mismo con profesionalidad como lo prueba el hecho de que para prepararse para su papel, Jack Lemmon asistió tanto a la escuela de buceo como a la escuela de entrenamiento de vuelo. Como Jack Lemmon declaró para su entrenamiento de vuelo, "quería saber para qué servían todas las perillas y diales". Cuando Jack Lemmon activa la radiobaliza, el operador de radio que escucha el faro era su hijo en la vida real, Christopher.

El co-protagonista de esta película fue George Kennedy, cuyo personaje de Joe Patroni apareció en las cuatro películas de "Aeropuerto"

Con una de las estrellas de la época, Lee Grant , que en 1975 ganó un Oscar por su actuación en la película Shampoo y que más tarde se pasó a la dirección, y que previamente había sido convocada para intervenir en el famoso Comité de Actividades Antiamericanas para acusar al que fue su esposo, Arnold Manoff - cosa que se negó a realizar y que le costó parta de su carrera- se rodaron escenas adicionales ideadas para cuando  la película se proyectara en  televisión , práctica muy común en la época y sobre todo por parte de un director muy vinculado con el medio.

Me ha llamado la atención el reproductor de videodisco óptico Magnavox Magnavision VLP que se muestra en la película. Se trataba del reproductor personal de Lew Wasserman y se lo prestó para el día del rodaje. Era un modelo de preproducción hecho a mano que recibió el número de modelo "7000". Se abría por la parte superior del reproductor en lugar de solo una pequeña porción de "tapa" y el área del disco tenía una ventana transparente para que pueda ver el disco girando. Para el lanzamiento final del producto (modelo 8000), la tapa se redujo a solo el área del disco y se eliminó la ventana transparente.  El disco  contenía la grabación real de James Stewart vista en la película.

Fue la tercera de las cuatro que integran la saga de "Aeropuerto " , pero  la decimonovena película  más taquillera de 1977. Por cierto, junto a sus secuelas, Aeropuerto 75 (1974) y Aeropuerto 80 (1979), esta película fue incluida en el Salón de la Fama - Hall of Shame - de los Razzie Awards en 1983.

Como sus precedesores, la película fue un éxito de taquilla, recaudando $30.000.000 tras ser lanzada a los cines el 11 de marzo de 1977 .

Sin embargo, la crítica fue dura con ella. En la página Rotten Tomatoes, la calificó con una valoración de  40%, en base a  5 críticas, 2 fueron positivas y 3 fueron negativas con un promedio de 5 de 10. Una  valoración de 5,3/10 se le da en FilmAffinity, y de 4,7/5 en Fotogramas frete al 5,6/10 en IMDb.

Variety  dijo de ella que respondía a "La banalidad de una fórmula en la historia que es creíble la mayor parte del tiempo". Y destaca que " hay un buen procedimiento real de búsqueda y rescate de la Marina estadounidense interpuesto en la trama".

Para Roger Ebert del Chicago Sun-Times "La película es un entretenimiento grande y elegante, implacablemente ridículo y, por lo tanto, nunca aburrido ".

The New York Times escribió, " Airport77 se ve menos como el trabajo de un director y escritores que como una decisión corporativa".

En Fotogramas dicen de ella que es la "(...) revisitación de uno de los temas predilectos dentro de la efímera moda del cine catastrofista: el desastre aéreo, que sería parodiado más tarde en "Aterriza como puedas". Con una estructura tan simple como funcional, propone el encuentro entre diversos personajes que deberán olvidar sus problemas ante la catástrofe. Sus resultados tienen una espectacularidad algo forzada.

A pesar de críticas críticas mixtas, Airport '77 fue nominada para dos Premios de la Academia  en concreto a la mejor dirección artística (George C. Webb y Mickey S. Michaels)  y al  mejor diseño de vestuario en las personas de Edith Head y Burton Miller .

Lo cierto es que a mi la película me ha entretenido. Puede que sea por ver a unos grandes actores esforzándose en la pantalla en una obra menor y muy comercial, pero considero que la dirección y el producto final es bastante digerible. De hecho, han pasado los años y la película ha envejecido muy bien.

A pesar del posterior lamento de Jack Lemmon, acompañado de grandes actores clásicos como Joseph Cotten, Olivia de Havilland, James Stewart, este algo menos, o Christopher Lee, se aprecian notables a actuaciones de grandes actores , muchos de los cuales asumen ese protagonismo en pequeños papeles para personajes secundarios, pero aportan todo el dramatismo que se requiere en esta nueva catástrofe aérea, así como las distintas personalidades de los participantes.

La sensación claustrofóbica que produce el fuselaje sumergido es muy inquietante lo que supone que Aeropuerto 77 sea una buena cinta del cine de catástrofes  por su suspense , su tensión, su intento de explicación física y por su resolución.  Una buena película con una banda sonora y unos efectos especiales correctos que  ha envejecido  bien.


Pasolini en Ostia



Un día, una vida. El día es una noche, la del 2 de noviembre de 1975, la vida la un poeta, un escritor y un reconocido cineasta natural de Bolonia, Pier Paolo Pasolini. Ese día desde que retorna de Suecia, donde ha estado hasta su muerte en una playa Ostiana, Pasolini pasa sus últimas horas con los suyos. Especialmente con su querida madre y con sus amigos. Finalmente se sumerge en la noche romana en busca de más que aventuras, sexo.

Al amanecer,  Pasolini es hallado muerto en la playa de Roma, en el puerto, el beso que daba el río a los afueras de la capital imperial y lo convertía en una ciudad que luego pasó al olvido, a pesar de ser el lugar del Castillo de Giulio II.

Una lápida , simple, sencilla en mitad del paseo del Lido di Ostia recuerda la muerte del poeta ocurrida esa noche entre el 1 y el 2 de noviembre de 1975.

Este año la prensa anunciaba en julio la muerte de Pino Pelosi, conocido como "La rana",  reconocido responsable de la "muerte violenta", según La Stampa,  del director en el Idroscalo di Ostia , a los 58 años de un tumor  en el Policlínico Gemelli. Por ello fue condenado en 1976 a más de 9 años , 7 meses y 10 días, y a 30.000 liras por exhibicionismo obsceno y robo de vehículo.


Abel Ferrara del que hace unos día veía (reveía) su Teniente Corrupto, todo un clásico de una descenso a los infiernos, prepara un guión en el que también se implica Maurizio Braucci y  Nicola Tranquillino, que el mismo Ferrara dirige y se convierte en una coproducción en la que están implicados Fabio Massimo Cacciatori y Thierry Lounas por medio de productores de Italia, Francia , Bélgica y la mismísima Unión Europea, participantes a través de  Capricci Films, Urania Pictures Srl , Tarántula , Dublin Films, el Canal  Arte, Fonds Eurimages du Conseil de l'Europe, Ministero per i Beni e le Attività Culturali (MiBAC) , Canal + , Région Aquitaine ,  Région des Pays-de-la-Loire , Agence ECLa , Région Wallone , Belgacom y Cinéfinance Tax Shelter.

En el apartado técnico está el fotógrafo  Stefano Falivene y  el montaje de Fabio Nunziata.

El reparto lo encabeza Willem Dafoe como Pier Paolo Pasolini , Maria de Medeiros como Laura Betti , Riccardo Scamarcio como Ninetto Davoli,  Ninetto Davoli como Eduardo De Filippo,  Giada Colagrande como Graziella Chiarcossi , Adriana Asti como Susanna Pasolini , Valerio Mastandrea como Nico Naldini y Luca Lionello como el Narrador. Por cierto, la he visto en Versión original que entremezclaba el inglés y el italiano, permanentemente.

Pier Paolo Pasolini ( Willem Dafoe ) tiene cincuenta y tres años y parece vivir en una zona cercana a la EUR romana de los años setenta.

Acaba de terminar de rodar su última película , Salò, o los 120 días de Sodoma , una película que ha conmocionado tanto a la crítica como a la audiencia por su discurso terminal e inasumible, —Saló o los 120 días de Sodoma (1975), que no hablaba tanto del fascismo en tanto que pesadilla conjugada en pasado como de la interiorización de sus mecánicas en nuestra sociedad de consumo— y estaba a punto de iniciar su proceso de doblaje al francés.

Y acaba de estar en Estocolmo presentando su poemario de Las cenizas de Gramsci / Le ceneri di Gramsci, al llegar es consciente de las dificultades que está presentando la distribución de Saló, y casi prefiere comenzar por el norte del país. Además sus colaboradores quien le recomiendan dar entrevistas a diversos medios de comunicación. Esto se hace en una comida familiar en la que están presentes su madre Susanna (Adriana Asti), su hermana , su asesor y a la que llega desde Yugoslavia la actriz Laura Betti (María de Medeiros) amiga personal de l director y de la familia.

Pasolini , que es consciente del trabajo de difusión de su obra, recibe en casa esa misma tarde  al periodista de La Stampa Furio Colombo al que le dice entre otras muchas cosas que “Las pocas personas que han escrito la historia son las que han dicho no —los santos, los eremitas, pero también los intelectuales—, y no los cortesanos y los asistentes de los cardenales. Para ser eficaz, el rechazo no puede ser puntual, ha de ser grande, total”,  y se despedía del mismo "prometiéndole unas notas a la mañana siguiente para matizar sus declaraciones. A Pasolini cada vez se opone más la gente, los críticos y los políticos, tanto por su homosexualidad , como porque se lo considera impulsivo y escandaloso al mostrar su realidad al público.

Esa noche cena en su bar favorito con una pareja que asiste con su bebé a los que relata su última idea: una historia en la que un hombre , Epifanio, decide ir a la búsqueda del Mesias, cuando aparece un cometa en el cielo. Tras mucho buscar  y pasar por alguna orgía para el proceso de fecundación protagonizada por gays y lesbianas, hasta descubrir que El Mesías no existe, pero también que el mundo no tiene fin , y que pueden mirar desde el cielo a la Tierra, para admirarla. Para la misma piensa en el aquel momento joven Ninetto Davoli - con quien tiene una relación especial- , interpretado en la película por Eduardo De Filippo, mientras que el papel de Ninetto Davoli - joven- lo asume Riccardo Scamarcio.

Son las 22:30 de la noche, y se dirige el director frente a la estación de Termini, en Piazza dei Cinquecento, donde Pelosi está con algunos amigos, entre ellos Claudio Seminara y Adolfo De Stefanis. Es la zona de chaperos de la ciudad. Allí hay multitud de chicos. Del Alfa Romeo GT 2000 gris metálico conducido por Pier Paolo Pasolini se baja e invita a Adolfo a "dar un paseo". Adolfo se niega y Pasolini se vuelve hacia Pino, que acepta. Tras montarlo en el coche, le pregunta si tiene hambre, pues es tarde, son las 23:00 horas. Pelosi dice que sí y van a un bar de la localidad costera romana , "Al biondo Tevere" donde el chico se come una ensalada de pollo y unos spaguettis.

A las 23.30 los dos salen del restaurante y van a Ostia cerca del Idroscalo del Lido di Roma en un camino de tierra junto a un campo de fútbol, ​​deteniéndose en el camino para hacer gasolina en un autoservicio. Tras ello se dirigen al Lido de Ostia para tener relaciones sexuales. Primero en el coche, y luego salen afuera. En ese momento, salen tres jóvenes que echan en cara a los dos el hecho de ser "maricones", algo que repiten una y otra vez. Y comienzan tras ello, golpear una y otra vez, hasta la muerte del cineasta que además es atropellado con su propio automóvil, aplastándole el pecho y rompiéndole el corazón, cuando el grupo huye.

A la mañana siguiente aparece su cadáver, tirado en la playa y vemos que Pasolini era consciente de que se cumple lo que él proyectaba para su ultimo proyecto: “Con la vida que llevo, yo pago un precio… Es como alguien que baja al infierno. Pero cuando vuelvo —si vuelvo— he visto otras cosas, más cosas”.

A la mañana siguiente, la actriz Laura Betti  ha de informar a  Mamma Susanna Pasolini de la muerte del hijo. Unas fotografías suyas, de la EUR y de su cuerpo en la playa ponen fin a la película.



El director italoamericano dirigió este Pasolini, un biopic con el que quería rendir un sentido homenaje a los cuarenta años de su muerte de este polifacético hombre, un artista integral, un intelectual, un poeta, un hombre crítico, un  revolucionario que lucho contra todo, y por lo que encontró la oposición de todo y de todos. Son 24 horas que recrean a la vez algunos momentos de su vida, como el partido de fútbol con esos chicos de los arrabales del sur de Roma que pudo ver en los años 80.

Pasolini fue  uno de los hombres más importantes de la cultura italiana del siglo XX. Ferrara con su obra opta por hacer una reconstrucción del último día del genio, el símbolo del arte que lucha contra el poder, el rebelde, cuyos escritos  son o fueron considerados escandalosos , y sus películas fueron perseguidas por los censores al despertar tanto amor y tanto odio.



En los días siguientes, la prensa dijo que el asesinato de Pasolini fue políticamente motivado por la policía y aquellos a quienes el poeta siempre había amado e inmortalizado en sus obras.

Según Ferrara, que estaba de acuerdo con su idea de que "Escandalizarse es un derecho, que te escandalicen es un placer",  sus planes para hacer una película sobre Pasolini se remontan a los años noventa. Originalmente, el proyecto no debía haber sido una biografía real de la vida de Pasolini. De hecho la idea originaria de la película es de Zoë Tamerlis Lund como "una directora que vive la vida que vivió Pasolini". Sin embargo, la muerte de Lund impidió esta idea.

La película está rodada en la capital romana en la EUR, pero también en la estación de Pirámide, cuyo monumento funerario vemos un momento cuando Epifanio baja del tren y pisa la ciudad, así como en la localidad costera de Ostia, donde el director nacido en Bolonia, vivió sus dos últimos días.

Ferrara dijo que " Había que centrase en algo. Tratar de contar su vida en 90 minutos era un disparate"- Por eso pensó que lo mejor era centrase en la recreación de ese último y determinante día.

En el filme se entremezclan los recuerdos de su vida familiar y personal con sus más altos logros en el plano cultural y social, elaborando un retrato humano del cineasta y condensando parte de su prolífica producción cultura.

La película  también reproduce al detalle la última entrevista concedida por el italiano a la prensa y muestra  fragmentos de películas, en concreto, de su "Saló" del cineasta con la que abre el filme. También vemos algunas de sus fotografías.

Su asesinato, que aún hoy está envuelto en cierto halo de misterio, se muestra en la película como resultado de su voz crítica, su personalidad y sus acciones, que le granjearon el odio de la mayor parte de la sociedad conservadora, aunque, como afirma, el director Abel Ferrara: "Pasolini era un visionario porque decía la verdad, y cuando vas por ahí diciendo la verdad , tu obra vive para siempre".

A destacar que el protagonista de la película es Willem Dafoe, el actor más torturado de la historia del cine, que da una réplica de Pier Paolo Pasolini. Dafoe, que comparte con Ferrara una enorme fascinación intelectual por la obra del cineasta e intelectual italiano, no tiene problema en calificarle de “profeta”. Así lo justifica: “Pasolini fue un pensador original, fue más allá de la sabiduría convencional y describió cosas que aún no habían pasado, que acabarían pasando y que aún pasan”. ¿Por ejemplo? “El dominio de la cultura de las corporaciones en la era globalizada”, aclaró Dafoe.“Pasolini era un visionario porque decía la verdad, y cuando vas por ahí diciendo la verdad, tu obra vive para siempre”, apuntó Ferrara.

La película fue seleccionado para competir por el León de Oro en el 71 ° Festival Internacional de Cine de Venecia .  También se proyectó en la sección de Presentaciones Especiales del Festival Internacional de Cine de Toronto 2014 .

Su fecha de lanzamiento oficial fue del 4 de septiembre de 2014 ( en Venecia ), el  25 de septiembre de 2014 (en toda Italia) y el 31 de diciembre de 2014 en Francia.

La película fue nominado al León de oro en el Festival de Cine de Venecia del año 2014 y al premio Sebastiane del mismo año, un galardón que se otorga al filme o documental proyectado durante el Festival de Cine de San Sebastián que mejor refleje los valores y la realidad de lesbianas, gays, transexuales y bisexuales.

A destacar que Ninetto Davoli , quien interpreta a Epifanio en esta película,  actuó en muchas de las películas de Pier Paolo Pasolini y fue, durante un período de tiempo, su amante. También es un personaje de la película, interpretado por Riccardo Scamarcio .

En cuanto a la crítica decir que , en general, valoraron positivamente el biopic de Ferrara. Por ejemplo, David Rooney en las páginas de The Hollywood Reporter resalta que "Willem Dafoe tiene un extraño parecido con Pier Paolo Pasolini (...) Pero el 'Pasolini' de Abel Ferrara es por otro lado una película que resulta más interesante en la teoría que en la práctica."

Para Peter Debruge en Variety destaca que "Uno sospecha que Pasolini mismo habría aprobado a Willem Dafoe para que lo interpretara (...) Pero dudo que hubiera admirado algo más de 'Pasolini'."

Jessica Kiang en Indiewire , a la que no le gusta mucho, sostiene que es "Mitad biopic fascinante y ricamente matizado (...), mitad recreación indeciblemente tediosa de los escritos en los que estaba trabajando en el momento de su muerte, (...) es una película frustrante, a pesar de algunos pasajes narrativos convincentes."

En el Reino Unido Robbie Collin en Telegraph nos comenta que "Ferrara ha dado con algo muy especial: un seductor, sutil y sagrado salmo a los talentos de un artista a otro en el proceso de redescubrir los suyos. (...)"

Por su parte, Xan Brooks en las páginas de The Guardian habla de que la película "Es profana y es preciosa y brilla como la luna. (...) "

En  España Luis Martínez Diario en el El Mundo llega a la conclusión de que es "Un agrío, pausado y profundo retrato de los últimos días del poeta, del mito contemporáneo que más se parece a una herida (...) Absorbente, lírica, profunda y triste película"

Para  Alex Vicente en  El País se trata de "Una sugerente crónica sobre las obsesiones y los últimos momentos de vida del cineasta italiano. (...) un guion extremadamente documentado"

Destaca el artículo de  Jordi Costa en ese mismo diario, El País, con una entrada llamada "El hombre que dijo no" en la que sostiene el crítico que "Es fácil entender por qué alguien como Abel Ferrara tiene autoridad para considerarse uno de los posibles hijos de Pasolini: : a ambos les une la voluntad de formular preguntas incómodas desde los territorios de exclusión de la normalidad, el poder y el gusto dominante. Asimismo, estaba claro que el autor de Teniente corrupto (1992) no iba a acercarse desde la cómoda posición del biopic convencional. Lo que quizá no entraba en ninguna previsión era que Ferrara marcase con tanta fuerza, a través de esta película, un particular punto y aparte con respecto a las últimas derivas estilísticas y conceptuales de su trayectoria.", "Elegía fragmentaria, sensible y poliédrica (...) no busca medirse con el maestro, sino algo tan difícil como hacerle justicia con concisión, conocimiento de causa y ejemplar capacidad de comprensión de su identidad compleja." Pasolini es la película que el cineasta se ha tomado más en serio en mucho tiempo. No hay morbo, ni voluntad amarillista en este retrato: hay diálogo sensible con las muchas caras de un poeta provocador, un artista completo, un radical puro. Un aire de fantasmagoría permite armonizar los diferentes tonos y registros de la narración —del recuerdo a la recreación de películas nonatas— en este trabajo que no busca medirse con el maestro, sino algo tan difícil como hacerle justicia con concisión, conocimiento de causa y ejemplar capacidad de comprensión de su identidad compleja. 

Para Sergi Sánchez en Fotogramas se trata de que Pasolini "Es más bien una elegía centrada en el deambular de un alma (magnífico Willem Dafoe) que presiente secretamente su final, un fantasma a destiempo, una inteligencia a la deriva despidiéndose de aquello que más quiere sin saberlo (el encuentro con Ninetto Davoli es especialmente conmovedor). Los que querían respuestas al enigma del asesinato no obtendrán nada más (ni nada menos) que la mejor película de Ferrara en muchos años. (...) Los que querían respuestas al enigma del asesinato no obtendrán nada más (ni nada menos) que la mejor película de Ferrara en muchos años. (...)

Carlos Marañón en Cinemanía cree que "Aquí sólo descolla Willem Dafoe, vigoroso en su fatalismo (...) Más intelectualista que intelectual, el filme destila impostura (...) Ferrara sólo es fiel a sí mismo en los 20 minutos finales del filme (...) "

Para  Carlos Prieto en El Confidencial "Pasolini es una película (estupenda) sobre las últimas horas del escritor italiano a la que no le importa demasiado quién le mató".

Para el mexicano   Leonardo García Tsao del diario La Jornada se trata de "Una realización desigual que puede volverse incomprensible para el neófito en la materia. Pero aún quienes conozcan su obra sentirán que Ferrara se ha quedado corto en su descripción del universo de uno de los artistas italianos fundamentales del siglo XX."

En  Argentina Leonardo D’Espósito en la revista Noticias "Un film de autor, desparejo, entre lo genial y lo invisible."

Yo prefiero resaltar de la película que se trata de una obra hecha desde la admiración al cineasta italiano y que es muy inteligente su puesta en escena apostando por esas apenas 24 horas finales del controvertido director y , para mí, lo más destacable es que nos muestra su proyecto póstumo e inacabado que quería hacer, esa singular historia en la que descuella ese Epifanio / Ninetto Davoli , Mesias / Ninetto Davoli , y su visión del mundo desde arriba, en el que lo importante era el viaje infinito que te permite ver todo. Puede que , al final, el director boloñés, conociera el infierno, sino que estuvo en él , por vivir en él, pero también que fuese  posible cumplir con su aspiración: ver la belleza de la tierra desde su idea de cielo.