miércoles, 30 de septiembre de 2015

El desconocido


Me imagino que cuando uno escribe su primer libro, su primer guión o desarrolla su primera película tiene una idea previa o un modelo en la cabeza. Como ha reconocido el autor, y como el mismo nos lo hace saber en los títulos finales del film,  la película está dedicada a Tony Scott,  el director británico fallecido el 19 de agosto de 2012, de extraña manera, y autor de obras importantes del cine de acción tales como Top Gun (1986), Beverly Hills Cop II (1987), Days of Thunder (1990), El último boy scout (1991), Marea roja (1995), Spy Game (2001), Déjà Vu (2006) o The Taking of Pelham 123 (2009). Todas las obras citadas tienen un común denominador: la acción, el virtuosismo técnico, el modo de rodar, visualmente impactante,  y el gusto por el realismo lo que resultaba un espectáculo de imágenes espectaculares, así como una intensa tensión entre los personajes que actuan en sus películas.

Me imagino que esa fue su fuente de inspiración, pero antes de tener yo esa información, y sabiendo de qué iba la película, pensaba que la inspiración de Dani de la Torre , director de esta buena obra que es El desconocido, habría estado, posiblemente, en un director de cine y de fotografía holandés que responde al nombre de Jan de Bont, vinculado inicialmente a Paul Verhoeven para quien rodó Instinto Básico (1992), pero también a otros directores de acción como John McTiernan con quien rodó La jungla de cristal (1988)o La caza del Octubre Rojo (1990), o Richard Donner(1992) con su Arma letal 3, o la lluviosa Black Rain (1989) de Ridley Scott. Sin embargo, en mi cabeza rondaba la idea de su dirección  de obras que se desarrollaban de manera muy dinámica como son Twister (1994), y especialmente dos, Speed (1994) y Speed 2: cruise control (1997). De hecho, antes de ver la película y ver l título postcrédito yo pensaba en Speed , pero el director español afirma inspirarse en las obras de Tony. Pues vale, no lo pongo en duda.

Lo cierto es que Dani de la Torre ha hecho un buen trabajo en esta su presentación en el mundo de la dirección. A destacar precisamente esto, que es un director novel. Ha afrontado más que dignamente su tarea contando con el apoyo financiero y material de los productores Emma Lustres Gómez, Borja Pena Mercedes Gamero, Juan Carlos Caro (en este caso como Lustres, como productor ejecutivo), Vérane Frédiani , Carla Pérez de Albéniz y Franck Ribière que representan a un conglomerado de producción integrado por Atresmedia Cine, La Ferme! Productions, Televisión de Galicia (TVG) y , especialmente, de Vaca Films,  que llegaron a invertir en este producto unos 2 millones de euros, y que han consiguido con esta película dejarte sentado y en tensión la hora y media que dura.

En los títulos de crédito finales el director concluye sus agradecimientos con la frase “al maestro Tony Scott”. El director con ella quiso homenajear con ella a las películas de Tony Scott y , en parte, esa es la razón del alto contenido de entretenimiento y por la importancia que le daba el hermano de Ridley en sus películas al montaje. Insisto que parte de una historia que nos remite a Speed la película de Jan de Bont, pero -en este caso- el autobús se transforma en un coche ya que es el medio de transporte más común entre los españolitos tal y como lo plantea Alberto Marini en su guión. 

La pelicula cuenta con la música de Manuel Riveiro y Juan Pablo Acosta, el montaje de Jorge Coira y una fotografía luminosa en parte, y matizada por los grises en otra, en la que redescubrimos .- para mí es redescubrirla, aunque hace mucho tiempo que no voy- una ciudad tan agradable como es A Coruña que parece , en este caso, y gracias a  la labor de Josu Inchausteguiuna una ciudad norteamericana. 

El reparto lo encabeza Luis Tosar como Carlos , Javier Gutiérrez como Lucas, Goya Toledo como Marta, Elvira Mínguez como la jefa de artificieros Belén , Fernando Cayo como el inspector Espinosa, Paula del Río como Sara, Marco Ruiz como Marcos , Luis Zahera como un conductor , Ricardo de Barreiro como el compañero del banco Víctor, así como María Mera, Antonio Mourelos, entre otros. 

La historia nos presenta a Carlos, un ejecutivo de banca, que comienza su rutinaria mañana llevando a sus dos hijos al colegio. Al poco de arrancar el coche, recibe una llamada anónima que le anuncia que tiene una bomba debajo de su asiento. La voz de un desconocido pero que los sabe todo sobre él. El desconocido le comunica que tiene apenas unas horas para reunir una elevada cantidad de dinero; si no lo consigue, su coche volará por los aires con sus hijos y él dentro. Carlos desde ese momento inicia un intenso periplo por las calles y alrededores de A Coruña.

Igualmente a lo largo de la película vamos descubriendo que su matrimonio con Marta hace aguas y que su actividad como ejecutivo bancario no es tan clara ni tan honesta como, en principio, pudiera parecer. No solamente él ha recibid la llamada, sino que su compañero de gestiones bancarias Marcos se encuentra en la misma y explosiva situación.

La respuesta natural por parte de Carlos es la de salvar a sus hijos, pero frente a este deseo está la intervención de la policía que , finalmente, se hace -aparentemente- con el control de la situación. Por un lado, el inspector Espinosa, que quiere ponerrfin a la situación al precio que sea, sacrificando en este caso a Carlos si es necesario, y , por otro, la jefa de artificieros, que descubre que la situación es producto de un chantanje brutal por parte ajeno a la voluntad de Carlos, rivalizan en solventar el conflicto. Ni la presencia en la zona del "hermano" de Carlos aligera la situación, más bien, lo complica y desencadena finalmente un final que nos lleva desde el paseo marítimo y , desde allí, a los muelles del puerto con un final justiciero para los dos protagonistas. Al estar todavía en cartelera y al tener ese carácter de thriller no creo que deba hacer una mayor descripción  sobre el desarrollo de la misma.  

La película ha sido filmada íntegramente en A Coruña y fue presentada en la 72ª edición de la Mostra internazionale d'arte cinematografica de Venecia dentro del apartado secundario Venice Days – Giornate degli Autori, e igualmente en el Festival de San Sebastián, clausurado el sábado de la semana pasada.

La idea nace cuando Dani de la torre le presentó el proyecto a Vaca Films. Inicialmente este grupo parecía ignorar la idea ya que estaban con otros proyectos, como ‘Invasor’, ‘El niño’, ‘Extinction’, quedando inicialmente relegado.

Tras esperar un buen tiempo la productora se metió en el proyecto, llevando Emma Lustres el mayor peso en el mismo.

Según ha declarado Dani de la Torre "La historia empezó con el germen de un tipo en su coche con sus niños pasándolo mal, y a partir de ahí empezó a convertirse en una especie de road movie, con la intervención de la policía, de la familia. Luego la puesta en escena empezó a provocar grandes momentos de acción, de persecuciones, que a mí, como director, es lo que más me gusta rodar."

El rodaje se intentó hacer en continuidad y en parte fue así, y en parte, no. Como en el cine todo es mentira, la primera escena en rodarse fueron dos , aquella en la que el niño está herido y Luis se pone a llorar dentro del coche y la mitad de la escapada de los policías, fue en un domingo por temas del tráfico rodado.

El director le comentó a Alberto Abuín , y así lo recoge este en su blog de cine, a la hora de elegir a los actores Dani desde el principio tuvo en la cabeza a Luis Tosar como protagonista indiscutible.

Más tarde, contó con Gutiérrez que salió de una decisión de Yolanda Serrano y Eva Leira, directoras de casting, que estaba en la terna él. "Vi las pruebas que había hecho para ‘La isla mínima’, que de aquella aún no se había estrenado, y me quedé impactado, es un actor que me gusta muchísimo, y creo que es el ideal porque quizá Javi es como más entrañable que Luis, que tiene un look como más agresivo, con una mirada superpenetrante. Javi tiene como un físico más débil, pero en el fondo tú ves que tiene algo muy oscuro escondido".

Las críticas han sido , en general, positivas. Javier Ocaña en el Diario El País nos comenta que se trata de un "Estupendo debut (...) irresistible por su manejo de la puesta en escena, de los tiempos, del montaje, de las reacciones, de las miradas, de los puntos de vista, de las mínimas pausas."

Luis Martínez, por su parte, en el Diario El Mundo nos dice que "El director se atreve a todo en una desprejuiciada exhibición de cine de acción. (...) Lo peor: el empeño por ponerse serio con un final que pretende dar una innecesaria lectura política al asunto. (...). 

En ABC José Manuel Cuéllar nos dice que "Es una película voraz, tan angustiosa en momentos cumbres que convierte al espectador en una víctima encerrada en un atáud mínimo enterrado boca abajo (...) impresionante actuación de Tosar (...).

En el Diario La Vanguardia Jordi Battle Caminal afirma que se trata de "Un debut solvente (...) La tensión se mantiene elevadísima a lo largo de media película, aunque se agota a medio recorrido. (...) obra de en­tretenimiento digna y bien fa­bricada (...) 

Cinemanía ha aportado dos críticas , la primera firmada por Carlos Marañón, y la segunda por Rubén Romero. El primero nos comenta que "Nada hay que reprochar a la carcasa técnica, que también es meollo adrenalínico, del filme (...) surgen algunos peros de verosimilitud que no lastran pero sí difuminan el aparente buen bagaje del filme." El segundo por su parte, comenta que "Funcionan como un reloj sus interpretaciones, su planificación y, sobre todo, su montaje (...) el filme flaquea por lo aparentemente sencillo: su sonido (...) Aun así, un gran paso para el thriller español (...).

Por último, Pere Vall en Fotogramas sostiene que "Marini aquí se preocupa de que Dani de la Torre tenga una historia interesante que defender, más allá de sus conocimientos técnicos innegables y de su sentido del ritmo. (...) 

Mikel Zorrilla, uno de los editores de blog de cine, nos dice que la película "contiene adrenalina de calidad y es excelente... hasta que llega el desenlace" En esa misma web Mikel nos dice que "Con ‘El Desconocido’ vuelven a apostar por el thriller encabezado por Luis Tosar, algo perfectamente comprensible al ser uno de los mejores actores españoles de nuestro tiempo", así como el papel de De la Torre que apuesta "por un trabajo de dirección más dinámico para que la sensación de amenaza nunca decaiga". En blog de cine se destaca el travelling que da lugar a la aparición en pantalla de Elvira Mínguez, un único plano secuencia que demuestra que en De la Torre y en su fotografo Josu Inchaustegui hay buen conocimiento del oficio a pesar de la falta de experiencia.A destacar igualmente el plano secuencia del paseo marítimo que fue hecho en tres tramos, y en un día.

La crítica estadounidense también la ha valorado positivamente Guy Lodge en Variety señala que la película es "Potente aunque poco original, el explosivo thriller de Dani de la Torre resulta una eficaz carta de presentación a Hollywood." Por su parte, David Rooney en The Hollywood Reporter nos dice que total acierto- puesto que coincido con él- que "La película está rodada con un poderoso y ágil estilo que funciona a ratos (...) a la hora de crear un suspense emocionante. Lástima que no esté debidamente apoyado por el esquemático guión de Alberto Marini."
Estamos por lo tanto ante buen cine de evasión, del bueno, que más que evadirte de la realidad, especialmente si pensamos en la subtrama de la historia, el tema de las estafas bancarias y la existencia de activos tóxicos vendidos como productos de alto interés y rentabilidad,  que enmarca la historia y le da un  contexto de un thriller trepidante.

Comentar que he ido a ver la película con una patulea de preadolescentes, once nada más y nada menos,  y que antes de empezar la película parecían que podían alterar a los otros espectadores que había, pero casi nada más empezar se quedaron callados de tal manera que al llegar a la conclusión de que la película, descubrí que la película cumple con creces el requisito básico de toda aquella película de acción que se precie: el entretenimiento.


martes, 29 de septiembre de 2015

La guerra de Dios


Una nueva película de Historia de nuestro cine me ha dado a conocer una obra de unos de los  directores más importantes de la historia del cine español de los años cincuenta. Se trata de  Rafael Gil  y de su película La guerra de Dios. Una película de Aspa Producciones Cinematográficas S.A, diistribuida por la por la principal empresa distribuidora de la época, la mítica Compañía Industrial Film Español S.A. (CIFESA). 

La  película parte de un guión de Vicente Escrivá y cuenta con la música de un grande, el maestro Joaquín Rodrigo, así como la fotografía en blanco y negro de un grande como  Alfredo Fraile.

El reparto lo encabeza el actor francés Claude Laydu como el Padre Andrés Mendoza , al que le acompañan un grupo de actores grandiosos de la época con Francisco Rabal como Martín a la cabeza, seguidos José Marco Davó como Don César , Fernando Sancho como Barrena , María Eugenia Escrivá, Jaime Blanch como Daniel, Gerard Tichy como El Negro , Alberto Romea, Carmen Rodríguez, Ricardo Calvo, Julia Caba Alba como Hermana de D. César , Félix Dafauce, Juan José Vidal, Mariano Azaña como Fermín, el cartero.

La historia cominza en 1930 cuando  Andrés (Claude Laydu), un joven sacerdote recién ordenado que acaba de salir del Seminario y profundamente interesado por los problemas sociales. Las altas expectativas que su madre tiene depositadas en él, se truncan para ella cuando el obispo envía a Andrés a un pueblo minero, donde se necesita un ministro de Dios. 

Es destinado a un pequeño pueblo minero, al  imaginario pueblo de Aldemoz, una entidad que vive en la pobreza y dependiente de la mina. Nada más llegar es recibido con suma frialdad por las fuerzas vivas del pueblo como son César (José Marco Davó) y el propietario de la mina, el alcalde , el doctor y algunos mujeres vinculadas con la autoridad y afines a los poderosos.  
 
Las relaciones entre los mineros y don César, propietario de la mina, son tensas, dominadas por el llamado "odio de clases" que se extiende hasta a los mismos niños del pueblo, lo que dificulta la labor del joven cura. Andrés lo descubre esa misma noche  cuando se dirige a casa de un obrero Martín (Paco Rabal) y éste no le deja entrar a darle  la extremaunción a la mujer que está gravemente enferma. Al día siguiente, Martín entierra a su mujer en el cementerio civil de la localidad, aunque Andrés se persona para dar consuelo a padre e hija. 

Andrés se da cuenta que está solo en el pueblo, pues a la misa asisten unicamente los poderosos, estando el resto apartados. El joven sacerdote lo intenta yendo al bar, pero ve el rechazo en la actitud de los mineros, aunque consigue acercarse a los niños mediante el fútbol. Pero el odio se manifiesta en el pueblo entre los niños. Los de los mineros repudian al hijo de Don César, no queriendo jugar con él. 

Entonces Andrés opta por dar protagonismo a los mineros en la iglesia. Para ello señala a Barrena (Fernando Sancho), para qu sa el mayordomo de la virgen en las fiestas patronales y el encargado de prender la mcha en los fuegos artificiales. Andrés intenta por todos los medios llevar la palabra de Dios a los mineros y se produce un acercamiento del párroco a miseria y a la defensa de  la justicia social.  Con mucha voluntad, lleva a la práctica la doctrina social de la Iglesia, aplicando el Evangelio como medio para combatir las injusticias y buscar la conciliación frente al odio. Esta apuesta por los trabajadres le lleva a que le abran un expediente ya que tiene unas teorías un tanto atrevidas que causan recelo entre sus superiores.

Este discurso cercano a los trabajadores no es recibido por Martín que resiste a creer el consejo del padre Andrés, y que es más partidario de la violencia sólo conlleva a perder la razón. Incluso cuando Andrés una muerte en la mina, a pesar de los intereses del empresario y del médico que intentan escamotear una indemnización por fallecimiento.

Un incidente fortuito provoca un cambio en la situación. Dos de los niños, el hijo de don César y la hija de Martín desaparecen en las galerías abandonadas. Durante la búsqueda se produce un derrumbamiento, quedando enterrados el cura, don César y algunos mineros, muriendo Barrena (Fernando Sancho).Incluso en estos momentos su fe es inquebrantable (atrapado en la mina contesta con naturalidad "No, no todo se termina aquí abajo")

La película es uno de los grandes triunfos del cine español en la década de los cincuenta y una película que cosechó notable éxito a nivel nacional e internacional. Obtuvo diversos premios en el Festival de San Sebastián de 1953 como fueron la Concha de Oro a la mejor película y al mejor mejor director. En el Festival de Venecia de ese año ganó el Premio OCIC consiguiendo el León de Bronce a la mejor película.
Paco Rabal ganó el premio al mejor actor por parte del Círculo de Escritores Cinematográficos.

La película se rodó en lugares como Rivas, Torre del Bierzo y el seminario de Salamanca. Fue estrenada en Francia en febrero de 1954.

Se trata de uno de los títulos más célebres de Rafael Gil, tanto por el realismo de sus escenas como por su intento de mostrar la lucha de clases en el mundo rural.

La película presentó tuvo su polémica e incluso fue prohibida durante algunos meses cuando el Colegio de Médicos protestó porque dejaba en mal lugar la "praxis" y la ética del médico de la mina. Con todo fue   declarada “de Interés Nacional”.


Gil nos presenta una película de contenido social con protagonismo absoluto de Andrés, el cura,  enfrentado a caciques y mineros, protagonizado por  la suave y contenida interpretación de Claude Laydu, un actor francés que acababa de interpretar un personaje similar de cura atormentado, solitario y místico en la famosa “Diario de un cura de rural “, de Robert Bresson. Claude Laydu borda su personaje aportando en todo momento la pureza, la voluntad y la inspiración necesarias.

Para la banda sonora Rafael Gil contrató a Joaquín Rodrigo,  compositor del célebre Concierto de Aranjuez, lo que da idea de la ambición, el cuidado y el alto nivel artístico que se procuró para la obra . 

Rafael Gil se adentra en el mundo interior y en la vida pastoral de un sacerdote un pueblo minero, donde muchos hombres se han apartado de la fe. Su fe se pone a prueba, pero es sólida, resiste, soporta el sacrificio, perdona las ofensas, y sobre todo se pone al servicio de los pobres .

La película presenta un cura comprometido, con una Iglesia que se manifiesta también comprometida , pero con fracasos tal y como lo asume el Obispo al final de la película.  

Además de la interpretación contenido y sosegada de Laydu, destaca el carácter rocoso de Martín, así como la descripción del trabajo la mina con tonos oscuros sacados magníficamente por  la fantástica fotografía de Alfredo Fraile y con una puesta en escena y ambientación absolutamente admirables,

Se suma a la película la espléndida dirección de actores destaca a todos pero sobremanera a Franciso Rabal y  Fernando Sancho, así como esos magníficos secundarios del cine español de los cincuenta con  José Marco Davó,  Alberto Romea y Julia Caba Alba, así como  Gerard Tichy que completan el elenco. Destaca igualmente la buena dirección de los niños. 

A pesar de que no lo esperaba y que el tema religioso en el cine no me atrae gran cosa, reconozco que estamos ante una buena película que podría presentarse en su vertiente social en el neorrealismo, pero que tiene un unívoco sentido de rendir homenaje a los sacerdotes comprometidos de una Iglesia que, por lo general. había tomado partido por los poderosos. En cierto sentido es una película moderna.


domingo, 27 de septiembre de 2015

Las pruebas del corredor


Cinco días han faltado para coincidir con la primera entrega de El Corredor del laberinto. Hace casi un año fue la película elegida para celebrar el cumpleaños del menor de mi hijo. Si aquella entrega me gustó, a secas, estas pudo decir que sí me ha gustado, y bastante. Se trata de una obra trepidante, mucho más activa que la primera entrega. Bueno, tampoco esperéis algo del otro mundo, salvo acción y aventura.

El corredor del laberinto: Las pruebas (Maze Runner: The Scorch Trials) es una película estadounidense de ciencia ficción, suspense y acción dirigida por Wes Ball como adaptación cinematográfica del libro The Scorch Trials (2010), segundo de la trilogía de The Maze Runner, escrita por el autor estadounidense James Dashner , aunque el guión sea de T.S. Nowlin. 

La producción está en manos de Ellen Goldsmith-Vein, Marty Bowen, Wyck Godfrey y Lee Stollman representantes de Gotham Group, TSG Entertainment y Temple Hill Entertainment, que inviirtieron 61 000 000 de dólares. La distribución quedó en manos de la 20th Century Fox que ha recaudado más de 108 millones de dólares. En la parte técnica la música es obra de John Paesano, la fotografía de Gyula Pados y el montaje de Don Zimmerman.

Está protagonizada por Dylan O'Brien como Thomas, Kaya Scodelario como Teresa, Thomas Brodie-Sangster como Newt, Ki Hong Lee como Minho, Rosa Salazar como Brenda, Jacob Lofland como Aris Jones y Giancarlo Esposito como Jorge. Además aparecen Alexander Flores como Winston, Dexter Darden como Sartén, y Nathalie Emmanuel como Harriet, Aidan Gillen como Janson/Hombre rata, Katherine McNamara como Sonya, Patricia Clarkson como Ava Paige, Lili Taylor como Mary Cooper, Barry Pepper como Vince, Keith Jardine como Jim, Tatanka Means como Joe y Alan Tudyk como Marcus

El filme sigue nuevamente la historia de Thomas, justo dónde lo dejamos, quien junto a algunos habitantes del área, el resto de clarianos, han conseguido escapar con vida del laberinto. Thomas y sus compañeros llegan junto con un cuerpo de élite a un recinto desconocido. Nada más llegar los chicos son separados de Teresa y llevados a otra habitación.

En el comedor colectivo coincide con un chico poco comunicativo llamado Aris. Aris al igual que los demás presentess estuvieron en un laberinto igual que ellos, salvo que en el suyo únicamente era el único chico. En ese recinto la voz cantante parecellevarla un hombre (Ministro Janson La Rata) que les explica a todos que están apenas en el principio de unas nuevas pruebas. Menciona que todos tienen la enfermedad de "la llamarada", y que su objetivo es pasar por un periodo de recuperación.

Thomas duda de todo, más aún cuando éste ve a Teresa que ess llevada a un grupo aparte. La presencia en la habitación de Aris que accede por los canales de venntilación , ya que las habitaciones están cerradas aumentan aún m´s las dudas el chico. Deciden Thomas y Aris hacer una visita a una sala de la que el que entra no sale. Thomas consigue una llave para acceder a ella. Al entrar junto a Aris descubren con horror que en la misma hay muchos chicos y chicas que parecen que les stán sacando un líquido de su cuerpo.

En la habitación entra Janson , y dscubren que siguen bajo el poder de CRUEL. Ante esto deciden huir y escapar de la estación. Lo hacen con gran asticia y antes de salir se llevan a Teresa que estaba hospitalizada.

Consiguen salir al exterior a lo que se conoce como el desierto, un lugar inhóspito y extremadamente caliente. Logran escapar y buscan refugio en una especie de centro comercial. Al encontrar un grupo electrógen descubren con horror que existen unos extraños seres similares a los zombies que los persiguen sin piedad,son los "Cranks" -humanos infectados- hiriendo a Winston uno de los chicos mortalmente. Finalmente, consiguen salir al exterior.

Allí descubren una ciudad destrozada y tras ella un enorme desierto. Optan por cruzar un desierto con altas temperaturas mientras intentan lidiar con «la Llamarada» / «la quemadura». Ellos han oido hablar de un lugar "El Refugio", un sito que resiste a CRUEL y donde se dice que pueden obtener la cura. Finalmente cruzan el desiero, no sin pasar por muchas dificultades , como una tormenta eléctrica, el calor o la falta de agua. Finalmente, y casi de milagro, llegan a una antigua fábrica cuanmdo la tormenta arrecía, dejando herido a Minho. El grupo con Minho herido llega a la edificación llena de cranks, pero también de seres humanos. Se trata de una banda de traficantes.

El líder, Jorge, intenta acabar con Minho, pero Thomas le convence de que habrá una cura para su "llamarada" si lo ayudan a atravesar el desierto. Jorge incialmente no acepta. El nuevo grupo incluye a Brenda, una chica a que Thomas parece gustarle. Ls chicos van a ser colgados dentro de la nave y parecen ser entregados a CRUEL. Cuando parece todo perdido Jorge huye con algunos de los chicos, mientras que Thomas huye con Brenda por los subterráneos. Brenda y Thomas se quedan solos y han de enfrentarse a seres muy degenerados.

Al final consiguen salir y llegar a una ciudad descontrlada. Van en busca de Jorge y el resto de amigos. Al poco, y bajo amenazas, son obligados a bajar a una fiesta. Allí les obligan a beber y tomar drogas, quedando Thomas dormido. El hombre que lo amenazó, empieza a hacerle una serie de preguntas, pero después Thomas y Brenda son rescatados por sus compañeros. Finalmente, consiguen información de dónde hay que ir para unirse a la resistencia. Se trata de un camino de montaña.

Antes de llegar al sitio señalado el grupo es atacado por armas automáticas. Se trata de unas chicas pertenecientes al grupo de Aris y allí descubren que es el Grupo B y que buscaban a Thomas. Ellas están integradas en esa resistencia a CRUEL s conducido a su refugio por las demás chicas. Ahí descubre que Teresa es la líder, pero Brenda llega herida.

Los planes del grupo son huir y preparar una ofensiva sobre CRUEL; de cualquier manera lo urgente es salvar a Brenda, que quien la ayuda de Thomas que convence al grupo de la psibilidad de salvarla y de Mary Cooper, una médico que trabajo para CrUEL y que busca un antídoto temporal. De cualquier manera, Teresa traiciona al grupo e informa a CRUEL. Estos inician una ofensiva que acabará con parte de la resistencia, pero la intervenmción de Thomas y de Jorge , permiten sobrevivir a algunos de ellos. Meditando como enfrentarse a CRUEL acaba esta segunda parte.


La película estrenó el 18 de septiembre de 2015 en los Estados Unidos bajo la distribución de 20th Century Fox. 

La película se empezó a gestar ya el 10 de octubre de 2013, casi un año antes del estreno de The Maze Runner, se anunció que 20th Century Fox había adquirido los derechos del segundo libro de la trilogía, The Scorch Trials en la que T.S. Nowlin sería nuevamente el encargado de adaptar el guion bajo la dirección de Wes Ball. El 4 de septiembre de 2014, dado el éxito que reportó The Maze Runner, la 20th Century Fox rápidamente comenzó los preparativos para filmar esta secuela.

Con la noticia, Dylan O'Brien, Kaya Scodelario, Thomas Brodie-Sangster, Ki Hong Lee y Patricia Clarkson aceptaron desarrollar nuevamente sus roles correspondientes. Al respecto, el director expresó:«Tenemos el montaje, tenemos el personal, Dylan [O'Brien] estará de vuelta en un par de semanas, estamos construyendo el set y el guion está siendo escrito [...] Esta vez es como una carrera porque somos cautelosamente optimistas, pero estamos muy emocionados porque estamos a punto de hacer algo mucho más sofisticado, mucho más grande, y [queremos] realmente establecer una saga aquí». Debido a la inclusión de nuevos personajes en el libro, sería nuevamente necesario realizar un casting.

Se anunció que Aidan Gillen haría el papel de Janson («el hombre rata»), Rosa Salazar interpretaría a Brenda, Jacob Lofland a Aris Jones, Giancarlo Esposito a Jorge Gallaparga, Nathalie Emmanuel a Harriet y Katherine McNamara a Sonya.Además, en la película aparecería Mary Cooper (interpretada por Lili Taylor), un nuevo personaje exclusivo para el filme que ayudaría a Thomas y a los habitantes; igualmente, aparecería Vince (interpretado por Barry Pepper), personaje que no aparece sino hasta el tercer libro de la trilogía, The Death Cure.

El 25 de julio de 2014, sin siquiera haberse lanzado The Maze Runner, Wes Ball reveló en la Comic Con de San Diego que las primeras tomas del filme serían rodadas en otoño El rodaje comenzó en octubre en la ciudad de Albuquerque, Nuevo México, específicamente en la Mesa del Sol y en el Winrock Shopping Mall. Para adaptar a los cranks, la Oficina de Filme Estatal de Nuevo México contrató a cerca de 250 personas. El alcalde de la ciudad, Richard J. Berry, dio su apoyo económico a la película ya que consideraba que traería beneficios turísticos.

Después de tres meses, Wes Ball anunció mediante Twitter el 29 de enero de 2015 que el rodaje del filme había concluido oficialmente. En marzo de weste año en una entrevista, el productor Wyck Godfrey dijo: «La primera película era sobre el misterio de "¿dónde estamos y qué es este lugar? ¿y podemos salir?". Pero la segunda es sobre la repercusión de salir y descubrir cómo es el mundo en realidad».

El día anterior al estreno, Dylan O'Brien concedió una entrevista a MTV donde habló sobre el desarrollo de la película, donde explicó: «Al final del primer filme, algunos habitantes lo lograron. Básicamente ellos descubren que literalmente el mundo ha sido asolado por este virus, llamado la llamarada. Es básicamente The Walking Dead en ese aspecto [...] Este libro es demente, y traemos mucho de eso a la película. Realmente abre este mundo lleno de misterios que nos mostró el primero. Por supuesto, con lo que hizo Wes se vuelve incluso mejor.». En la misma entrevista, Thomas Brodie-Sangster dijo: «Están encerrados en este mundo, y con esta gente que nos dice determinadas cosas. Descubrimos que esas cosas no son necesariamente ciertas, y se trata de nuestra experiencia tratando de entender qué diablos está pasando».

Maze Runner: The Scorch Trials contó, al igual que su antecesora, con críticas dispares entre los especialistas. En el sitio Rotten Tomatoes, tuvo una aprobación del 50% , mientras que en Metacritic acumuló 43 puntos de 100

 Para la prensa británica el film tiene sus luces y sus sombras. Henry Fitzherbert del diario británico Daily Express alabó la acción presente, pero no aprobó el guion ni la falta de exploración en los personajes. Mark Kermode de The Guardian destacó la actuación de Aidan Gillen y Patricia Clarkson, aunque igualmente mencionó de forma negativa la falta de personajes, ahora con el vacío de Will Poulter.

En Screendaily John Hazelton afirma que estamos ante "Una secuela eficaz, pero poco inspirada (...) esta distopía de ciencia-ficción hace poco por expandir el atractivo de la franquicia" Igualmente, Stephen Kelly de Games Radar valoró positivamente la nueva faceta de la saga, que ahora mostraba más acción con una atmósfera sangrienta y siniestra; aunque, mencionó que incluso con dichos elementos, el guión necesitaba un mejor desarrollo, que mantuviese la esencia de misterio de su antecesora.

Helen O'Hara de Empire explicó que pese a que puede ser inconclusa, nunca llega a aburrir y declara que "Hay reminiscencias spielbergianas, interesantes personajes (...) Como capítulo intermedio lamentablemente incompleto, al menos nunca es aburrido (...) Sólo recomendable para quienes vieron la primera y tengan previsto ver la tercera (...). En la británica Time Out se escribe que "Con un primer acto virtualmente inexistente y un gancho a lo 'Empire Strikes Back', es una película capada por su propia premisa de 'desenreda la conspiración'

Ya en los Estados Unidos, Andrew Barker de Variety resumió su reseña diciendo que el filme tiene mucho que mostrar con un suspenso de horror y supervivencia, pero que concluye en una secuela demasiado confusa. Justin Lowe en The Hollywood Reporter "Una gran parte de 'The Scorch Trials' está dedicada a rellenar los agujeros narrativos esenciales para mantener el velo del misterio (...) Irónicamente, a medida que emergen las averiguaciones, éstas socavan la historia en lugar de reforzarla" Katherine Pushkar de New York Daily News escribió: «Siendo la segunda parte de una trilogía, tienes la difícil tarea de avanzar en la historia y concluir con la tercera, pero sin hacer creer a los espectadores que los estás obligando a ver la secuela. Maze Runner: The Scorch Trials lo hace bastante bien. ».

El periódico San Jose Mercury News escribió que aunque el guion solo da vueltas en círculos, el filme sigue siendo entrenido y la actuación del elenco se destaca, aclamando especialmente la de Dylan O'Brien. Al inicio de la bahía de San Francisco Walter Addiego que escribe en San Francisco Chronicle "Hay muchas golosinas visuales y el ritmo es rápido, pero de alguna manera, la película se queda corta (...) 'Scorch Trials' sufren de 'la fatiga de la película del medio'"

Kevin P. Sullivan de Entertainment Weekly pese a haber criticado fuertemente el guion, desde la pérdida de la esencia de la primera película hasta la inclusión de zombis, aprobó las escenas de alta tensión a lo largo del filme, pero que igualmente comparó con otras sagas para adultos jóvenes ya conocidas.

El crítico Roger Moore de Movie Nation aseguró que a pesar de que la adición de nuevos personajes le añade credibilidad a la cinta, al final solo termina siendo «una película más de zombis».Justin Lowe en The Hollywood Reporter afirma que "Una gran parte de 'The Scorch Trials' está dedicada a rellenar los agujeros narrativos esenciales para mantener el velo del misterio (...) Irónicamente, a medida que emergen las averiguaciones, éstas socavan la historia en lugar de reforzarla" Travis Hopson de Examiner.com le dio tres estrellas de cinco y aprobó el hecho de que la película se basara más en el misterio y la intriga que en «estúpidas historias de amor adolescente», imponiéndola favorablemente sobre Divergente (2013). Sin embargo, afirmó que al haberse enfocado más en balas y explosiones que en laberintos y enigmas, perdió su distinción en comparación con otras sagas para adultos jóvenes.

Brian Truitt de USA Today puntuó el filme con tres de cuatro y destacó como aspecto positivo la química entre los personajes de Thomas, Minho y Newt, que aseguró, es mejor que «los romances adolescentes clichés» de Katniss y Peeta (Los juegos del hambre) y Tris y Cuatro (Divergente). Asimismo, también habló favorablemente de la adición de nuevos personajes como Jorge y Brenda. Y prosigue diciendo "La acción, el suspense y los giros de 'Maze Runner' les darán a los fans de todas las edades la oportunidad de abrazar a su propio adolescente a la fuga interior (...)

Kyle Smith en New York Post "En 'Maze Runner: The Scorch Trials', una conspiración de ancianos egoístas conspiran para robarle a los jóvenes su esencia vital, sacrificándolos en el proceso. Scott Mendelson en Forbes señala que "Dolorosamente convencional (...) Esta segunda entrega es casi tan buena como se esperaba que fuera la primera. Pero como la primera fue una delicia sorprendente, eso supone una especie de decepción."

En España Javier Ocaña en el Diario El País destaca que "Ninguna de las virtudes de 'El corredor del laberinto', salvo el carisma de sus intérpretes, queda en esta segunda entrega (...) un desarrollo moroso, reiterativo y que parece dirigirse hacia ninguna parte." Por su parte, Francisco Marinero en el Diario El Mundo afirma que "Es más de lo mismo. O sea, lo que esperan sus espectadores (...) La inconsistencia del argumento y del guion se acusa más por la reiteración de las situaciones (...) En el diario catalán de La Vanguardia Jordi Batlle Caminal comenta que "Acción sin ton ni son. (...) Larga, pesada y trivial segunda entrega de la trilogía literaria (...) tiene un lujoso diseño pero carece de dirección". Adrián Peña en Fotogramas afirma que "Todo se rige de una manera convencional, no llega a ser tan sorprendente ni cautivadora como su predecesora, en la que el factor sorpresa y el suspenso estuvieron de una forma incesante

El crítico argentino Gaspar Zimerman del Diario Clarín afirma que "No sorprende que esta entrega tenga las mismas virtudes que su antecesora: una narración ágil, atrapante, con escenas de acción logradas y sorpresas esperando a la vuelta de cada esquina. Y, también, las mismas debilidades" Por su parte, otro argentino Diego Batlle del Diario La Nación señala que "Tiene algunas escenas de acción y terror bien construidas y un impecable acabado visual, pero eso a esta altura ya es lo mínimo exigible para una producción hollywoodense de estas dimensiones."

El 4 de marzo de 2015, 20th Century Fox confirmó que también se realizaría una adaptación para The Death Cure, último libro de la trilogía principal de The Maze Runner, y T.S. Nowlin se encargaría nuevamente de realizar el guion. Igualmente, Wes Ball fue confirmado como director, y previamente había comentado que la película no sería dividida en dos partes, como se había venido haciendo con otras novelas finales como Sinsajo, Leal, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte y Amanecer. Por esta razón, el lanzamiento del filme fue programado para 17 de febrero de 2017.

Para terminar y volviendo casi al principio, señalaré que estamos ante una fase más entretenida y más dináica que la primera entrega locual era de agradecer, ya la intriga no está en el por qué, sino en el cómo, y la presentación de ese cómo reconozco que me ha gustado.

sábado, 26 de septiembre de 2015

Scary Movie


En el otoño del año 2000 tres profesionales de la enseñanza, dos de ellas ahora ya felizmente jubiladas, decidios ponernos la manta en la cabeza y llevarnos a la capital del país, un autocar lleno de adolescentes que oscilaban entre los 13 y los 15 años para hacer una inmersión en la vida cultural y política de Madrid. La idea era - y fue- disfrutar de sus Museos, de sus calles y plazas, parques, palacios e incluso de nuestro Congreso de los Diputados. Al pasar dos días y una noche en Madrid la clave era plantear la noche para no convertir el hotel - nos hospedamos en el Asturias, en pleno centro- en un polvorín, así que la idea fue llevarlo a un cine de la Gran Vía. La ofderta tenía muchas limitaciones por edad, todos eran menores de edad, salvo los tres que comandábamos la expedición, y el número que alcanzaba los/as 40 chicos/as. Entrre todo lo que había por la zona elegimos uno cercano a Callao en la que echaban una película que llevaba por título Scary Movie. Hora y media después nuestros alumnos y alumnas salían partidos de risa por lo acabamos de ver. Nosotros salíamos con dudas de haberlos llevado allí dado el tono de algunas escenas y sobre todo de parte de los diálogos. Viendo la salida, no nos habíamos equivicado , al menos, desde su punto de vista.
Desde entonces película de esa saga, Scary Movie, ha habido muchas. La intención de esta que abría la serie - y de las vinieron después- han sido la de montar una película de comedia con el planteaiento de "burlarse" de las películas populares de terror contando siempre o casi con dos actores recurrentes son Anna Faris y Regina Hall, como Cindy Campbell y Brenda Meeks respectivamente.

El planteamiento dado el éxito en taquilla ha sido, económicamente un éxito,ya que han recaudado más de $896 millones en la taquilla en todo el mundo. La primer de la saga es una película casi familiar pues Scary Movie está dirigida por Keenen Ivory Wayans y escrita por sus hermanos Shawn Wayans y Marlon Wayans, que también actúan en la película. En ella dominan, como he dicho anteriormente, las bromas de mal gusto, su lenguaje soez y escenas escatológicas algo que ha sido clave de su éxito en Estados Unidos y en el resto del mundo que todavía se rie del - con perdón- caca, culo, pedo, pis. 

Principalmente el objeto de su parodia e la película Scream, también de Miramax y Dimension Films; sobre todo en la trama, pero también en el asesino principal (Ghostface), en el rótulo o en el propio nombre de la película "Scary Movie", que es repetido en Scream varias veces haciendo referencia realmente a películas de terror. Fue promovido con el eslógan «No habrá clemencia. No habrá vergüenza. No habrá secuelas», con la última frase haciendo referencia a la tendencia de las películas de terror a convertirse en largas series y que evidentemente no ha sido así. Scary Movie, que se estrenó el 7 de julio de 2000, siedo la primera película de la saga. 

Fue la película más taquillera de la saga, ganando $278,019,771 en todo el mundo. Es una parodia de muchas películas, centrándose principalmente en la serie Scream y de otras que después señalaré. 

Como ya he dicho la dirección fue de Keenen Ivory Wayans que contó con el apoyo de su productora, Wayans Bros. Entertainment, y de Eric L. Gold y Lee R. Mayes por medio de otros tales como Gold-Miller, Brad Grey Pictures production, An Alliance Atlantis Release, siendo la distribuidora Dimension Films y Miramax. La inversión en la película alcanzó los 19 millones y la recaudación $ 278 millones. Contó como ayudante de dirección con Jeff Mosuk y con Robb Wilson King en el diseño de producción. 

El guión fue desarrolado por doce manos y seis cabezas como las de Shawn Wayans, Marlon Wayans, Buddy Johnson, Phil Beauman, Jason Friedberg, Aaron Seltzer. La dirección artística fue de Lawrence F. Pevec 

En los apartados tecnicos destacan la música de David Kitay, el sonido de Graham Crowell, el maquillaje de Stan Edmonds, la fotografía de Francis Kenny, el montaje de Mark Helfrich, la escenografía de Louise Roper, el vestuario de Darryle Johnson y los efectos especiales de Steve Davis. 

El reparto está encabezado por Anna Faris como Cindy Campbell, Jon Abrahams como Bobby Prinze, Carmen Electracomo Drew Decker, Shannon Elizabeth como Buffy Gilmore, Kurt Fuller como el Sheriff, Regina Hall como Brenda Meeks, Lochlyn Munro como Greg Phillipe, Cheri Oteri como Gail Hailstorm, Dave Sheridan como Doofy Gilmore, Marlon Wayans como Shorty Meeks, Shawn Wayans como Ray Wilkins, Keenen Ivory Wayans como el esclavo, James Van Der Beek como Dawson Leery. Junto a estos aparecen Andrea Nemeth,Dan Joffre, David L. Lander,Trevor Roberts.

La película comienza cuando en una noche una joven de 18 años de edad llamada a Drew Decker (Carmen Electra) está preparando palomitas de maíz mientras está sola en su casa y espera a su novio para ver una película. Cuando de repente recibe una llamada telefónica amenazadora de un misterioso personaje. La llamada presenta una voz grave y extraña. Inofensivo al principio, la persona que llama empieza a amenazar a Drew, diciéndole que él está observándola desnuda en las fotografías de una revista pornográfica. Cuando Drew le advierte que su novio llegará pronto, la persona que llama revela que lo ha atado y amordazado al que parece novio - un chico con aspecto de Prince- en el patio de su casa. Pero resulta que el chico no es su novio, sino un joven con el que Drew tuvo sexo varias veces. El desconocido de la llamada le dice a Drew que revise la puerta de atrás de la casa que olvidó cerrarla, por lo que Drew se pone más nerviosa y momentos después se escucha el timbre de la puerta principal. 

Nerviosa, Drew se prepara con un bate para abrir la puerta y en el momento en que la abre empieza a dar golpes al aire sin percatarse, primero, quien era el que llamaba a la puerta, pero eran solamente niños disfrazados en noche de Halloween que pedían golosinas. Drew vuelve a cerrar la puerta y al darse la vuelta se encuentra cara a cara con Ghostface, el asesino principal de Scream y de la película. Drew trata de escapar yendo fuera, armada con un platano - que ha elegido de entre las diversas armas ue había en la casa- que cogió de una mesa, pero Ghostface la alcanza y la desnuda con su daga dejándola en ropa interior. Drew logra alcanzar una carretera y ahí es cuando ve el coche de sus padres llegando a la casa, pero Ghostface consigue apuñalarle en el pecho sacándole la prótesis de silicona, Drew se atraviesa en el camino pidiendo ayuda a gritos pero en el coche, su padre (Marcos McConchie) está recibiendo sexo oral por parte de su esposa (Karen Kruper)y no se percata de fijarse quien anda por el camino, por lo que Drew es atropellada. Ghostface aprovecha la oportunidad y finalmente la asesina. 

Después nos encontramos con un grupo de adolescentes encabezados por Cindy Campbell (Anna Faris), Bobby Prinze (Jon Abrahams), Buffy Gilmore (Shannon Elizabeth), Greg Phillipe (Lochlyn Munro), Ray Wilkins (Shawn Wayans) y Brenda Meeks (Regina Hall) que nos remiten que en el día de ayer se cumplió el primer aniversario en el que accidentalmente golpearon a un hombre con su auto y decidieron arrojarlo al mar y nunca hablar sobre ello (en una parodia de Sé lo que hiciste el último verano / I Know What You Did Last Summer). 

Bobby conducía mientras recibía sexo oral por parte de Cindy, mientras que Ray y Brenda bebían y se besaban, y Greg y Boffy tenían sexo en la parte de atrás; cuando atropellarn con el auto a un pescador y tiraron su cuerpo para ocultar las evidencias.Piensan que precisamente un año después, una persona con una máscara de Ghostface (Scream) los asesina uno a uno. Deciden descubrir quien es el asesino. 

Esa misma noche, Cindy Campbell se encuentra en su habitación, frente al ordenador, cuando recibe una visita de su novio Bobby quien sale de la ventana y le propone a Cindy que tengan sexo con la ropa aún puesta a lo que ella accede debido a que su padre ha salido unos días de casa para hacer unos negocios con drogas, y la deja encargada de regar el cultivo de drogas. Bobby y Cindy empiezan a tener sexo él le mete la mano de bajo del camisón y se electrocuta con el cinturón de castidad . Cindy le dice que se lo puso su padre y Bobby sale por la ventana. 

Al día siguiente, Cindy se reúne con su amiga Brenda, su novio Ray (quien aparentemente es homosexual) y Greg, quien es novio de Buffy, en una fuente donde recuerdan lo que hicieron el Halloween pasado cuando viajaban en auto.

Varios equipos de noticias, incluyendo reportera tramposa Gail Hailstrom (Cheri Oteri), convergen en la escuela a raíz del asesinato de Drew.Gail, la reportera encargada de estudiar e investigar el caso de Ghostface, empieza a seducir a Doofy, un policía torpe y bobo que resulta ser el hermano de Buffy, para que le revele todo lo que sabe acerca del caso de Ghostface ante le negativa de todos los otros policías presentes. 

En clase, mientras que una compañera Heather hablaba sobre la primera enmienda de George Washington, Cindy recibe dos notas: la primera dice "sé lo que hiciste el halloween pasado": al leer esto, Cindy empieza a recordar una cita que tuvieron ella y Bobby en un romántico picnic en el campo en donde cada uno se daban de comer el uno al otro. Cindy le daba a Bobby uvas, mientras que Bobby le daba a Cindy una salchicha dando a entender el sexo oral. Pero la segunda nota dice "eso no perra, hablo del hombre que mataron". 

Más tarde, están todos reunidos en un desfile de señoritas del colegio en donde Buffy participa. Buffy, para ganar más puntos del jurado y obtener la deseada corona, propone actuar una escena dramática. Pero en ese justo momento, Ghostface aparece repentinamente detrás de Greg que se encuentra como parte del público y empieza a cortarle el cuello lentamente. 

Buffy advierte la presencia de Ghostface a la audiencia presente pero nadie le presta atención porque creen que es parte de su escena dramática. Buffy finalmente gana el premio y se olvida rápidamente del asesinato de su novio Greg. 

Posteriormente, se ve a Cindy duchándose cuando recibe una visita del asesino. Logra salvarse. Casi de inmediato Bobby aparece por la ventana con un par de guantes negros, un cuchillo y un teléfono. Cindy comienza a sospechar y hace que se lleven preso a Bobby. Pero pocos días después, Bobby es liberado porque la policía no tienen suficientes pruebas para condenarlo. 

Varios días después, Buffy se ha quedado sola en el vestuario del gimnasio y se encuentra de sorpresa con Ghostface. Buffy cree que es una broma de uno de sus amigos por lo que decide llevarle la corriente, tanto es así, que Ghostface termina fácilmente decapitándola con un cuchillo de cocinero y aún con la cabeza de Buffy en sus manos, esta cree que todavía es una broma, después de meter su cabeza en un cubo de Lost and Found. 

Más tarde en la noche, la reportera Gail se encuentra en un bosque aislado de la ciudad en compañía de su camarógrafo Kenny, donde está la compañera de clases de Cindy, Heather, quien dice que está esperando a su novio que se fue ya hacía diez minutos y no ha regresado, por lo que Gail le dice a la pobre chica que seguro que Ghostface ya lo ha asesinado y ella podría ser la siguiente víctima. De pronto, Ghostface aparece y empieza ha asesinar a Heather, por lo que ésta le pide ayuda a Gail pero ella le dice que no puede interferir con el reportaje. 

Finalmente, después de asesinar a la chica, Gail empieza a huir de Ghostface pues sabe que ella es la siguiente. Pero por desgracia, Ghostface logra alcanzar a Kenny y lo asesina. Otro día, Brenda y Ray planean ir a ver una película en el cine, Shakespeare in love, pero mientras Ray parece morir después de que un objeto penetre por su oído a través de una cabina de baño, Brenda es asesinada por la gente en una sala por hacer demasiado ruido durante la película. 

Al final, se monta la típica fiesta teenaggers en la que víctimas potenciales y asesino se encuentran bajo el mismo techo. Bobby y Cindy van arriba para tener relaciones sexuales. 

Ghostface aparece de forma inesperada y apuñala a Bobby, antes de desaparecer rápidamente. Cindy descubre que Ray y Bobby son homosexuales (aunque el primero lo sigue negando rotundamente) y sospecha además que son los asesinos. 

Cindy consigue un arma de un cajón cerca de la entrada, Bobby le sigue . Pero ellos también mueren a manos de Ghostface que aparece repentinamente detrás de ellos. Stoner hermano de Brenda Chapo (Marlon Wayans) sube del sótano y les informa de que el asesino había perseguido a muchos de los asistentes a la fiesta después de matar a algunos. 

Ray llega a la escena; él y Bobby anuncian su plan para matar a Cindy y responsabilizar a su padre (Rick Ducommun). Ray y Bobby también planean para verse como héroes dando mutuamente heridas de arma blanca para indicar que se defendieron, pero el plan fracasa cuando Ray apuñala a Bobby en varias ocasiones y finalmente lo mata, furioso porque su programa favorito, The Wayans Bros., ha sido cancelado. 

Ghostface bruscamente llega y ataca a Cindy que lucha con él al estilo Matrix. Finalmente le da una patada a través de una ventana. No obstante, Ghostface se desvanece antes de que llegue la policía. 

En la comisaría, Cindy y el sheriff local (Kurt Fuller) dan cuenta de que Doofy, era el único que sabía sobre el accidente de coche, y que en realidad estaba fingiendo su discapacidad, siendo el verdadero asesino. 

Desafortunadamente, Doofy ya ha escapado con Gail Halstrom imitando la escena de Sospechosos habituales. Al encontrar su disfraz tirado en la calle, Cindy comienza a gritar, pero pronto es atropellado por un coche. En una escena de postcrédito , Chapo aparece y comienza dando consejos sobre cómo sobrevivir a este tipo de "situaciones". Sin embargo, se refiere a como realizar un "sinpa" y no a una película de terror. 

La historia de fondo del La trama de la película es el modelo de Sé lo que hicisteis el último verano incluyendo el asesinato accidental de los adolescentes de un hombre inocente en un viaje en coche y el asesinato de Barry en el escenario. 


Un trailer de la secuela ficticia de Amistad titulado Amistad II con elementos del Titanic aparece en la escena de cine. La película también hace otras referencias de la cultura pop más allá del alcance de la película, incluyendo una breve parodia de Dawson´s Creek y una parodia de la Whassup? Campaña publicitaria de Budweiser o al hecho de que Drew (Carmen Electra) saliese con "Prince" en la vida real.Muchas escenas y chistes parodia tienen como referencia otras películas fuera del género de película de terror, que son las principales. Entre ellas está Matrix en la lucha entre Cindy y el asesino , particularmente su uso de tiempo bala; o la escena final, en la descubrimos que Doofy finge su discapacidad la escena final de Sospechosos habituales . O cuando se le preguntó acerca de su película de terror favorita, Drew respuestas "Kazaam" debido a la actuación d Shaquille O'Neal , o las referencia a American Pie cuando Cindy se vuelve agresiva y grita "Di mi nombre!" durante las relaciones sexuales con Bobby, ; o el trailer de la secuela ficticia de Amistad titulado Amistad II con elementos del Titanic que aparecen en la escena de cine. 

Sin embargo, el peso es el homenaje paródico al cine de terror superando a Sé lo que hicisteis el último verano y a parter de la saga Scream - incluyendo el carácter Ghostface, el asesinato de Drew en el la escena inicial, , Sream 2 - especialmente la escena del baño con Ray y Brenda asesinada en la Sala de Cine- o Scream 3 - cuando Shorty advierte las reglas de supervivencia (para robar)-; o la escena de la escapada en la que aparece Gail grabándose asustada en un bosque y le sale fluido por la nariz El proyecto de la bruja de Blair. También hay referencias a Viernes 13, Halloween o El resplandor. 

La película fue un éxito de público y recibió críticas mixtas de los críticos. En Rotten Tomatoes, por ejemplo recibió un 54% de críticas positivas. Roger Ebert del Chicago Sun señaló que no encontraba en ella nada innovador, careciendo "del efecto impactante de Aterriza como puedas, que tenía la ventaja de abrir nuevos caminos." Aunque destacó de ella "ataque estridente, satírico a las películas de terror." También Ebert comentó en su opinión para que la película tenga "valor , el espectador debe estar familiarizado con las diversas franquicias de terror adolescente."Joe Leydon de Entertainment Weekly señaló que la película no tenía límites ni respeto a la corrección política"Bob Longino de The Atlanta Journal-Constitution critica el humor de mal gusto. A.O. Scott, de The New York Times, argumentó que los chistes eran "molesto menos por su vulgaridad que por su cansancio." 

Pablo Kurt de filmaffinity la película "Tiene algunos gags muy divertidos, pero ni siquiera su cierta originalidad justifica un excesivo éxito que le vino regalado por el auge del cine de terror adolescente y el flojo panorama cinematográfico de los comienzos del nuevo milenio". 

Señalar que la película no sólo en su momento encantó a mis alumnos/as , sino que quince años más tarde ha hecho reir a mis hijos por el tono de parodia, aunque como padre - y en su momento como profesor- tengo que señalar que algunos aspectos me han parecido demasiado fuertes. 


jueves, 24 de septiembre de 2015

La fiesta zombie


Para quitarme el mal sabor que el buen cine me dejó en el día de ayer, he apostado por lo seguro quen en este caso, estrictamente en el mío, es apstar por una comedia ligera y divertida con contenido zombie. Si a esto se le une que estamos hablando de humor británico, acompañado de una banda sonora que continene cortes musicales de The Queen, The Specials- que da inicio a la inicio de la película y que retoma el aire british de mis catorce años, pues un amigo se trajo este disco al igual que el Sandinista de The Clash -, Chicago- en un momento de desamor-  y muchas más, pues nada ha sido  un divertimento.

Había oído hablar de esta película pues era una versión cómica de ese universo zombie tan de moda en la actualidad. Todo un acierto.

Zombies Party (una noche... de muerte) o Shaun of the Dead es una película dirigida por Edgar Wright. Es una comedia británica estrenada en 2004 que mezcla los géneros de comedia romántica y cine de terror. Richard Hewitt trabajó como su ayudante de dirección , mientras que  la dirección artística fue labor de Karen Wakefield.

En la producción por parte de Studio Canal se encontraba Nira Park. Participan igualmente como productoras WT² production, la Big Talk Productions y de la Universal Pictures al frente que contará con un presupuesto de £4.000.000. En el diseño de producción estuvo Marcus Rowland.

Simon Pegg es no sólo el actor principal sino también el encargado de desarrollar el guión conjuntamente con Edgar Wright.

Punto y aparte es la banda sonora cuyo encargado fue Dan Mudford, Pete Woodhead y el grupo italiano Goblin con una banda sonora asombrosa en la que hay música de los ochenta con canciones tales como "Figment" , "The Blue Wrath" de I Monster, "Mister Mental" de Eighties Matchbox B-Line Disaster, "Meltdown" de Ash, "Don't Stop Me Now" de Queen - incluida en la escena donde Shaun, Liz y Ed golpean al dueño del Winchester-, "White Lines (Don't Do It)" de Grandmaster Flash, Melle Mel y The Furious Five, "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" de Man Parrish, "Zombie Creeping Flesh", "Goblin Zombi" / "Kernkraft 400 (Osymyso Mix)" de Zombie Nation, "Fizzy Legs", "Soft" de Lemon Jelly, "Death Bivouac", "The Gonk (Kid Koala Remix)" de The Noveltones, "Envy the Dead", "Ghost Town" de The Specials, "Blood in Three Flavours", "Panic" de The Smiths cuyo video es mostrado en la película, en la escena donde Shaun cambia los canales de la televisión , "Everybody's Happy Nowadays" de Ash y Chris Martin, "You're My Best Friend" de Queen, "You've Got Red on You / Shaun of the Dead Suite", "Normality" y "Fundead".

La fotografía es de David M. Dunlap, mientras que el encargado del montaje de Chris Dickens y el vestuario de Annie Hardinge.

En el reparto aparecen Simon Pegg como Shaun, Kate Ashfield como Liz, Nick Frost como Ed, Dylan Moran como David, Lucy Davis como Dianne, Bill Nighy como el padrastro Phillip, Penelope Wilton como Barbara, Peter Serafinowicz como Pete, Martin Freeman como Declan, Jessica Hynes como Yvonne, Rafe Spall como Noel. Junto a ellos aparecen Nicola Cunningham, Jeremy Thompson, Reece Shearsmith, Tamsin Greig, Julia Deakin y Matt Lucas .

La película cuenta la historia de Shaun (Simon Pegg), un vendedor de electrodomésticos en una tienda que vive en Londres, inmerso en la rutina de la ciudad. El protagonista vive junto a sus amigos de la infancia Ed (Nick Frost) y Pete (Peter Serafinowicz). Las actividades que realizan a diario es jugar TimeSplitters 2 en la Playstation 2 e ir a su pub favorito junto con Ed, un vago redomado que pasa de vez en cuando droga, el Winchester."The Winchester", es un pub de mala muerte lleno de una fauna peculiar en la que Ed (Nick Frost), se siente cómodo, no tanto shaun quien hace años que discutió con su madre por haberse casado nuevamente y quien descuida a su novia, Liz (Kate Ashfield).

Sin embargo, Liz (Kate Ashfield), novia de Shaun, se aburre de su comportamiento y estilo de vida, por lo que termina su relación. Cuando Liz le deja plantado, Shaun decide, finalmente, poner su vida en orden: tiene que reconquistar el corazón de su novia, mejorar las relaciones con su madre y enfrentarse a las responsabilidades de un adulto. Pero cuando Shaun intenta recuperar a su novia y ganarse el respeto de su madre, en ese instante los muertos comienzan a cobrar vida y tratan de devorar a los vivos.

Armado con un palo de cricket y una pala, y acompañado por Ed, emprende una guerra sin cuartel contra una horda de zombies para rescatar a su madre Barbara (Penelope Wilton), a su novia Liz e incluso, aunque a regañadientes, a su padrastro Phillip (Bill Nighy), y a los amigos de Liz, David (Dylan Moran) y Dianne (Lucy Davis). Su plan consiste en llevarlos a su otra casa, al pub Winchester, donde se refugiarían de los zombis.


Shaun recibe una llamada de su madre diciendo que ella está bien, pero que Phillip ha sido mordido. Shaun y Ed llegan a casa de Barbara esperando encontrar a Phillip convertido, pero descubren que sigue vivo. Cuando van a subir al auto de Phillip, este es nuevamente mordido por los zombies que estabn en la puerta de la casa. Posteriormente, los cuatro suben al auto y recogen a Liz, David y Dianne.

Tras esto Phillip muere producto de sus heridas, y antes de fallecer le dice a Shaun que cuando lo conoció era un niño y no quería que se diera por vencido por haber perdido a su padre, que él quería ser la nueva figura que Shaun admirara y le pide que cuide a Barbara. Luego de decir estas palabras Phillip se convierte en zombi y les atacan. Lo abandonan en el auto. 

Mientras buscan un atajo al Winchester, los personajes encuentran a Ivonne (Jessica Stevenson), amiga de Shaun acompañada pr un grupo de amigos entre los que se encuentra Martin Freeman como Declan .

En el camino al Winchester, Shaun vence a un zombi que había atacado a Barbara, quien aparentemente resulta ilesa del enfrentamiento. Shaun y sus acompañantes logran llegar al pub haciéndose pasar por zombis, pero son descubiertos antes de poder entrar.

Mientras los demás entran al Winchester por una ventana que David rompió, Shaun distrae a los zombis. Shaun llega al bar por la entrada trasera y les dice que fue fácil despistarlos, que no son muy listos. Los personajes se sientan en la oscuridad comiendo botanas y deciden encender las luces y el televisor.

Shaun va a la parte trasera a encender las luces y descubre que los zombis lo siguieron. Al encender las luces los personajes descubren que no están solos en el bar; los dueños ahora son zombis y los empiezan a atacar. Además, el grupo de zombis que estaba afuera comienza a entrar al Winchester. Luego de matar al zombi del dueño, Shaun se arma con el rifle del que lleva nombre el establecimiento. 

Sin embargo, Shaun descubre que su madre fue mordida por el zombi que anteriormente la había atacado. Antes de morir, Barbara le entrega a Liz el collar que el verdadero padre de Shaun le había dado. Shaun y su madre se despiden por ultima vez. Dado que Barbara se convertirá en zombi después de morir, David decide matarla antes de que ocurra, ante lo cual Shaun y Ed lo amenazan con unas botellas rotas. Shaun decide que será él quien dispare a su madre.

Tras hacerlo golpea a David, y este los amenaza con el rifle. Los demás personajes lo convencen de bajar el arma, pero David es devorado por los zombis que entraron por la ventana. Dianne sale del Winchester para ir por David y desaparece entre las criaturas.

Tras esto Ed es mordido por el zombi de Pete. Shaun y Liz lo llevan tras la barra del Winchester y le prenden fuego al lugar para evitar que los zombis los alcancen. Los tres huyen al sótano del bar y encuentran un elevador que da a la calle.

Sin embargo, Ed decide quedarse en el sótano, ya que su herida no le permitirá ir lejos. Shaun le entrega su rifle para que se defienda de los zombis y ambos se despiden. Cuando Shaun y Liz salen al calle, un grupo de soldados guiados por Ivonne llega a rescatarlos. La película termina con Shaun y Liz en una zona segura y que Shaun conservó el zombi de Ed con el que sigue jugando a la play. Y hasta aquí la película.


La idea de filmar la película surgió mientras Simon Pegg y Edgar Wright realizaban un capítulo de la serie de televisión Spaced. Realmente el guionista -y actor protagonista de la película - tiene como objetivo realizar un homenaje al subgénero de los zombis, lo cual está reflejado en el título, similar a Dawn of the Dead (1978) de George A. Romero; ambos, Wright y Pegg, eran fanáticos de su trabajo.

Además de la película de George C. Romero, la película va a recibir ideas procedentes de otros directores de cine como Sam Raimi, John Carpenter, Mike Leigh, Woody Allen, Wes Anderson, Peter Jackson y los hermanos Coen, cuyo espíritú por momentos se respira en la cinta.

El guión fue escrito por Edgar Wright y Simon Pegg durante aproximadamente dieciocho meses. Fue la primera vez que trabajaron juntos en un guión.

Para la realización vieron algunas películas como La noche de los muertos vivientes (1968), Dawn of the Dead (1978), Day of the Dead (1985), Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976), Perros de paja (1971), Raising Arizona (1987), Back to the Future (1985) y Los pájaros (1963). La idea original no era realizar una parodia a las películas de terror, como Scary Movie, sino que una especie de homenaje al género.

Los actores se reunieron tres semanas antes de la filmación para ensayar el guion y realizar algunos cambios en éste. Según Pegg, el guion presentaba una estructura definida, con algunas líneas y acciones que se repetían a lo largo de la película, por lo que no recurrieron a la improvisación. Sólo dos escenas fueron improvisadas, cuando Ed (Nick Frost) comienza a describir a las personas que están en el bar y cuando Shaun (Simon Pegg) ofrece maní a los demás. La película cuenta con el trabajo de actores británicos, muchos de los cuales habían trabajado con anterioridad en la serie de televisión Spaced, incluyendo a Simon Pegg, Nick Frost, Jessica Stevenson y Peter Serafinowicz. Destaca la aparición fugaz de ahora imprescindible Martin Freemann.

El director Edgar Wright conoció a Simon Pegg, mientras trabajaba en el programa The Stand Up Show de la BBC1. Nick Frost, quien interpreta a Ed en la película, trabajaba como camarero cuando conoció a Simon Pegg. Aunque Frost no tenía experiencia actuando, ambos protagonizaron la serie de televisión Spaced, dirigida por Edgar Wright.Según Frost, la relación entre su personaje y el de Pegg en Shaun of the Dead está basada en algunos aspectos de la vida real, debido a que ambos vivieron juntos durante años. Kate Ashfield interpreta a la novia de Shaun, Liz. Lucy Davis, quien interpreta a Dianne, amiga de Liz, trabajó en la serie de televisión británica The Office antes de actuar en Shaun of the Dead.David, amigo de Liz, fue interpretado por Dylan Moran, quien había trabajado en el sitcom Black Books.Barbara, madre de Shaun, es interpretada por la actriz Penelope Wilton. Bill Nighy, ganador de los premios Globo de Oro y BAFTA, interpreta a Phillip, padrastro de Shaun. En la película aparecen además algunos cameos de actores y personalidades británicas como Martin Freeman, Julia Deakin, Tamsin Greig, Reece Shearsmith, Matt Lucas, Trisha Goddard, Rob Brydon, Paul Putner, Chris Martin y Jon Buckland. Los zombis fueron interpretados por aproximadamente 40 actores y dobles de acrobacias.

La película contó con un presupuesto de £4 millones y fue filmada totalmente en la ciudad de Londres, específicamente en el distrito de North London. Según Wright, "no es el Londres de Richard Curtis o Guy Ritchie, es más el de Mike Leigh", debido principalmente a que no muestra los lugares que caracterizan a la ciudad. Las escenas donde se muestra el interior de la casa de Shaun y algunas del Winchester fueron realizadas en los estudios Ealing. Las escenas exteriores del Winchester fueron filmadas en un bar llamado Duke of Albany, el cual está ubicado en la parte sur de Londres.


A pesar del éxito de la película, el bar fue cerrado en 2005. Shaun of the Dead fue estrenada el 9 de abril de 2004 en el Reino Unido, el 24 de septiembre en Estados Unidos y el 29 de octubre en España.

La película obtuvo una buena respuesta por parte del público, de los premios y la crítica. La cinta recaudó $13 millones en Estados Unidos, $12 millones en el Reino Unido y $64 mil en España, obteniendo un total de $30 millones alrededor del mundo.
La película obtuvo 6 premios tras su estreno, siendo los más interesante las dos nominaciones Premios BAFTA: Mejor film británico y debut de un autor británico. Simon Pegg, Edgar Wright recibe el Premio Bram Stoker al mejor guionista. Otro premio se llevó Simon Pegg en la categoría Premio Peter Sellers a la comedia por parte de los Evening Standard British Film Awards y recibe otras muchas nominaciones a la mejor película por parte de los Premios Saturn, o los Premios Empire o la International Horror Guild.  

La reacción por parte de la crítica fue positiva, incluso en las web de Rotten Tomatoes y en Metacritic. Channel 4 la presentó como una de las mejores películas cómicas de todos los tiempos, mientras que la revista Time la colocó entre las 25 mejores películas de terror jamás desarrolladas.

Debido a que Shaun of the Dead estaba basada en el trabajo de George A. Romero, Edgar Wright y Simon Pegg quisieron saber qué opinaba el director de su película. Una persona de Universal Pictures le entregó la película mientras estaba en Florida y tras verla los llamó diciendo que le había "encantado". Como resultado, tanto Wright como Pegg tuvieron un cameo en Land of the Dead (2005) como zombis.

El crítico de cine Roger Ebert la calificó de forma muy positiva, argumentando que la opción de centrarse en los personajes "vivos" fue acertada por parte de la película. Stephen Holden del New York Times destacó la crítica social que realiza Shaun of the Dead y la ironía que posee. Por su parte, Carla Meyer del San Francisco Chronicle pensó que la película era "extraordinariamente fresca e inventiva". A estos comentarios se unió Peter Travers de la revista Rolling Stone, quien pensó que "esta mezcla entre terror y comedia expresa de gran manera el espíritu de George Romero".

En España,  Jesús León de Blog de cine nos comenta que "Se trata de una película honesta, sin muchas pretensiones y muy divertida" "(...) una comedia romántica con un humor muy negro y sin mayores pretensiones. Busca más divertirse con el espectador que parodiar a los muertos vivientes. Y esto es de agradecer". Yo, desde luego, lo  agradezco.

Venus, Polanski y el ardor



Esta mañana, una vez vista anoche la película, grabada de la televisión, en esa maravilla que es "la nube" que nos ofrece la Tv digital de Movistar, mientras caminaba para el trabajo. Iba pensando en qué título pondría a esta artículo y en ese momento me he acordado de dos cosas. Por un lado, del grupo musical ochentero de Polanski y el ardor, que pasó a la historia con un par de canciones "Ataque preventivo de la URSS" y "Chantaje emocional", y me ha remitido a esto el nombre del grupo, pues reconozco que a mí esta película no me ha gustado nada, es más, me ha aburrido mucho, aunque no me ha causado ningún ardor. Eso sí, me duele el haber dejado minutos de mi sueño por verla. Y , vinculado, con el sueño, y siguiento con el camino que me llevaba al trabajo, mientras pasaba por los antiguos terrenos del desaparecido Cine La Fuensanta, he recordado que allí fuí, en octubre de 1982, en la misma época en la que sonaba Polanski y el ardor, a ver una película de Woody Allen titulada "El sueño sexual de una noche de verano". Para mí, que por aquel entonces tenía 17 años, e íbamos - un compañero y yo- al cine acompañados de dos chicas para ver la película y lo que pudieros pillar, y nos tragamos lo que recuerdo como un rollo tremendo , un auténtico tostón. Pues anoche una sensación parecida a la de aquel año: la de pérdida de tiempo.

Algo parecido  me pasó igualmente con otra película en 1991 que tenía, en este caso, como protagonista a Venus. Se trataba de Cita con Venus, la película de István Szabo, otro tostón de película. Esta claro que no tengo suerte con aquellas películas que pretenden ser obras de autor, surgidas de las obsesiones de los mismos y que contienen en su título a Venus. Puede que hoy no esté para reflexiones de gran calado.


Lo cierto es que anoche pude ver la Venus de las Pieles o "La Vénus a la fourrure", una película del año 2013 de Roman Polanski que sigue un guión del mismo Polanski y de David Ives, que a su vez realizó la adaptación cinematográfica de su misma obra teatral, inspirada en la obra del decimonónico austriaco Leopold von Sacher-Masoch, Venus im Pelz, y origen directo de la palabra masoquismo. Cuenta con la música de un habitual Alexandre Desplat y la fotografía de Pawel Edelman Se trata de una producción francesa en la que están presentes R.P. Productions y Les Films Alain Sarde. El reparto lo componen únicamente un actor Mathieu Amalric, y una actriz, Emmanuelle Seigner, mujer de Polanski. 

La película comienza con un impresionante travelling, para mí, lo mejor de la película que con música de Desplat nos introduce bajo la lluvia en un teatro. Quien entra es una chica y en su interior se encuentra un hombre. Ella es Wanda, mientras que él se trata de Thomas.

Después de un día de audiciones a actrices para la obra que va a presentar, Thomas Novachek, un director y dramaturgo de teatro que ha escrito una pieza sobre ‘La Venus de las Pieles’ de Sacher-Masoch y está buscando actriz para interpretar el papel de Wanda von Dunayev. Se lamenta de la mediocridad de las candidatas; ninguna tiene la talla necesaria para el papel principal.

En ese momento llega Vanda Jordan, es una actriz algo excéntrica que llega tarde a la audición y le ruega a Thomas que le haga la prueba. Él accede a regañadientes. 

Pero cuando Thomas la deja probar suerte, pero poco a poco se irá dando cuenta de que Vanda es la actriz perfecta para el papel cuando saca a la luz un torbellino de energía que encarna todo lo que Thomas detesta: es vulgar, atolondrada y no retrocedería ante nada para obtener el papel. Thomas se queda perplejo y cautivado por la metamorfosis que experimenta la mujer y asume el papel del protagonista masculino, Severin,: comprende perfectamente el personaje y conoce el guión de memoria.

Pronto, se verán identificados con los personajes de la novela y empezarán a perder la noción de la realidad envueltos en esa historia de amor, sumisión y perversión. El creador teatral asume cada vez más el sentir de Severin y cuenta cómo se había enamorado de Wanda a la que extorsiona para conseguir que le trate como su esclavo, en formas cada vez más humillantes con la presencia de detalles fetichistas como la vestimenta de cuero o piel asociada a la dominación, el collar de perro que pasa de ella a él, e incluso la firma de un contrato de sumisión.

La película acaba con la transformación de la actriz en la diosa, en su forma de bacante,  como venganza frente al hombre que intenta dominarla. Finalmente, una serie de imágenes de Venus de la tradición pictórica renacentista y barroca pone fin a la película.
 

‘La Venus de las pieles’ transcurre en un único espacio, un teatro y para que el espectador no se aburra es necesaria una maestría en la dirección y en el uso de la cámara que el señor Polanski dominan a la perfección. Para mi sorpresa la crítica valoró muy positivamente la obra, incluso recibió diversos premios. Recuerdo, por el programa de Dias de cine que fue presentada en Festival de Cannes en la sección oficial. Entre estos destacan los Premios César al mejor director para Polanski,aunque llevó a obtener hasta siete nominaciones, incluyendo Mejor película. Fue igualmente nominada a los Premios David di Donatello, a la mejor película europea. 

Entre las críticas únanimemente favorables destacan las de los estadounidenses como la David Rooney de The Hollywood Reporter "La inclinación de Roman Polanski por los juegos psicosexuales de la mente realizados en espacios claustrofóbicos se revisa deliciosamente en 'Venus in Fur' (...) Emmanuelle Seigner es una fresca revelación" Junto a ella está la de Scott Foundas de Variety quien dijo que " Con 'La Venus de las pieles' Roman Polanski transporta un éxito de los escenarios de Nueva York a la pantalla con la máxima fidelidad y habilidad, y con el mínimo esfuerzo." 

Entre los británicos tabién fue positiva la de Peter Bradshaw en The Guardian al decirnos que domina en ella la "'Elegancia e ingenio. (...) la ilusión y la realidad, dirigida como si se tratara de un acto sexual. (...). En esta misma línea de valoración positiva se encuentra Keith Uhlich en Time Out cuando nos dice que "Como siempre con Polanski, las excentricidades de la narrativa están bañadas de un experto barniz de clasicismo". 

En España también todos los críticos fueron positivos con la película. Por ejemplo, Carlos Boyero en el Diario El País nos comenta que "Polanski extrae con talento todo lo que pretende de sus intérpretes, aporta su malicioso sentido del humor, sale triunfador del osado experimento. No es una película deslumbrante, pero sí divertida y con un punto de inquietud".

En ese mismo diario, Javier Ocaña plantea que "No puede ser más puramente Polanski: en su tono y en su carácter obsesivo; en sus diferentes planos de ataque y en su vertiente opresiva; en su fascinante intelectualidad" Destaca de la misma el hecho de que aparezcan "Dos únicos personajes y sin embargo, cuántas capas, como cajas chinas una tras otra, hasta conformar algo difícil de igualar". Destaca el crítico que esta obra es Polanski: en su tono y en su carácter obsesivo; en sus diferentes planos de ataque y en su vertiente opresiva; en su fascinante intelectualidad.A través de una puesta en escena clásica, sin estridencias, -prosigue el articulista y de un leve acompañamiento de piano de Desplat, que solo se torna hermosamente- y únicamente grandilocuente en el estirón de degradación final.Y acaba el crítico con esta afirmación "En definitiva, el infinito juego del combate sexual y de la dominación"  

Luis Martínez en el Diario El Mundo afirma que "El resultado es brillante, divertido, profundo, ocurrente y procaz. Todo en uno. Y, por supuesto, inquietante" Sergi Sánchez en La Razón escribe que "Desde la humildad de la obra que se sabe menor, parece un compendio juguetón de todas sus obsesiones [de Polanski] (...) Tanto Seigner como Amalric parecen pasárselo bomba, y el público con ellos" 

En ABC A. Rodríguez Marchante nos dice que la película es "Un juego de entrada y salida al texto y de mezcla de ficción perversa y realidad maligna, algo que la película consigue gracias a la excelente capacidad de Emmanuelle Seigner para ser, según convenga, chabacana y refinada"
Por su parte Nando Salvá en una de las revistas especializadas como es Cinemanía señala que la película "Rebosa tensión psicosexual, dinámicas recíprocas de dominación masoquista y un montón de momentos hilarantes. Buena."  Rubén Romero también en Cinemanía  nos cunta que es  "Una de las declaraciones de amor más hermosas jamás filmadas. (...) En otra , en Fotogramas,  Jordi Costa afirma que "Polanski construye una cámara de ecos de su filmografía anterior (...) Lo mejor: su sintética lucidez. Lo peor: que se malinterprete como un Roman Polanski menor (...)
En el diario más prestigioso de esta Cataluña que quiere secesionarse Salvador Llopart escribe en el Diario La Vanguardia  que "El poder planteado como la lucha de sexos. El poder que implica mando y sometimiento. Y la lucha entre sexos, ¿implica masoquismo? Es la cuestión que afronta este habilidoso filme de Polanski (...).

Lucía Ros, editora de blog de cine, escribe en el blog que "Puede que ‘La Venus de las pieles’ sea una película menor del realizador, ya sea por su puesta en escena y su escaso reparto —sólo hay dos actores—, porque no obtuvo el reconocimiento sonado al que nos tienen acostumbrados sus últimos trabajos (...) ‘La Venus de las pieles’ bien merece más de un visionado, porque tras su aparente sencillez se esconde una comedia de humor negro con tintes eróticos que demuestra que el maestro Polanski lo ha vuelto a hacer.Destaca Lucía que "se esconde una mordaz comedia negra llena de capas y una evolución de personajes tan bien trazada y creíble que puede llegar a resultar escalofriante.

La opinión del cono sur también interesa y así en Argentina Javier Porta Fouz escribe en el Diario La Nación que etamos ante "Una película intensa y concentrada. (...) Polanski dirige y dispone su mejor perfil malicioso con no poco de perversión.". Mientras que Pablo O. Scholz del Diario Clarín señala que estamos ante "El mejor Polanski (siniestro, inconformista, manipulador) regresa en este filme, con sólo dos personajes."
Estoy de acuerdo con la idea de que la película es una reflexión del director sobre los temas que le obsesionan como un woody Allen cualquiera: el amor, el intercambio de roles, los extremos, la dominación, la sumisión y la perversión y sobre todo la fina linea que separa la realidad con la ficción.

Venus, Polanski y el ardor una combinación explosiva que, a mí, personalmente, me ha inspirado poco, puede que por el excesivo peso de su representación teatral, salvo de la misma el valor del espacio escénico, la iluminación y el reconocimiento al trabajo de los actores que llevan en sus diálogos el peso absoluta de la película. Sin embargo, para elegir películas con dos actores me quedo con La Prueba  (Sleuth, 1972), la película de Joseph L. Mankiewicz con Michael Caine y Lawrence Oliver. Pero eso es otra historia qu será contada en otro momento.