miércoles, 21 de febrero de 2018

Últimos días en Vietnam


La 2 es el reducto del cine documental en la televisión. En un ejemplo de lo que ha de ser la televisión pública que cumple nuestro ente público de Radio Televisión y lo hace con creces. Gran parte de ellos son dignos de aplauso por su calidad y , especialmente, seleccionados son las de la medianoche de los sábados en lo que se llama la noche temática. Fue en esa cadena pública , cuando en mi casa había una televisión con un sólo canal, que daba lo que hoy vendría a ser la una la que emitió lo que todavía para mi es un recuerdo imborrable. Aquel Telediario del 30 de abril de 1975 abrió con una breve pero impactante frase: Saigón ha caído.

La cadena pública tuvo a bien presentarnos hace poco menos de seis meses la película documental Last Days in Vietnam, un filme documental estrenado en 2014 que tuvo una buena cantadad de premios y reconocimientos en su país de origen, los Estados Unidos,  así como más allá de sus fronteras.

La película la dirige la directora Rory Kennedy, una cineasta estadounidense nacida en Washington DC en 1968, especializada en el documental e hija menor del senador estadounidense Robert Kennedy - aunque su padre fue asesinado antes de que ella naciera- y Ethel Kennedy . Notoria fue la muerte de su primo John F. Kennedy, Jr. , su esposa y su cuñada cuando murieron en un accidente aéreo mientras volaban para asistir a su boda . Kennedy una persona reivindicativa y comprometida con los movimientos sociales , así como directora especializada en la realización de películas documentales que se centran en cuestiones sociales. Esos temas incluyen la adicción - su hermano murió de una sobredosis cuando ella contaba con 15 años- , la radiación nuclear, el tratamiento de los prisioneros de guerra , la segregación racial - fue detenida cuando protestaba contra el apartheid de Sudáfrica- y la política emigratoria relacionada con la frontera mexicana.

Es la fundadora junto a Vanessa Vadim (hija de Roger Vadim y Jane Fonda) y compañera de clase en la Universidad de Brown de May Day Media, una organización sin fines de lucro con sede en Washington, DC que se especializa en la producción y distribución de películas con conciencia social; así como de la productora Moxie Firecracker Films, en 1998, Kennedy y otra compañera de Brown, Liz Garbus, , una productora especializa en documentales que destacan problemas sociales apremiantes . También tiene una productora de documentales , Change the World Through Film desde 2001.

Sus películas han participado en múltiples festivales y ha conseguido muchos premios. Su larga y productiva carrera comenzó en 1994 con el documental Women of Substance , sobre un grupo de mujeres adictas. Dirigió y coprodujo American Hollow (1999), la nominada al Emmy Pandemic: Facing AIDS (2003), financiada por la Fundación Bill y Melinda Gates y que cuenta las historias reales de pacientes con SIDA fuera del mundo occidental; A Boy's Life (2004), la historia de un niño y su familia en la zona rural de Mississippi . La película se estrenó con excelentes críticas en el Festival de Cine de Tribeca 2003 y fue galardonada con el premio al Mejor Documental en el Festival de Cine de Woodstock.

Para HBO, dirigió y coprodujo Indian Point: Imagining the Unimaginable (2004), coprodujo Street Fight (2005) sobre una fallida campaña electoral, la del demócrata Cory Booker, Homestead Strike (2006) como parte de la serie de The History Channel , 10 Days that Inesperadamente cambió a América (abril de 2006).

En 2007 Kennedy dirigió y coprodujo Ghosts of Abu Ghraib (2007), que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance y ganó el Premio Primetime Emmy 2007 al Mejor Documental. Dirigió Thank You, Mr. President: Helen Thomas en la Casa Blanca (2008) para HBO Documentary Films, Poco después Kennedy dirigió "The Fence en 2010 sobre la valla fronteriza entre los Estados Unidos y México, que ha aumentado las muertes de migrantes, pero no disuade a la inmigración ilegal. En 2011, produjo y dirigió Ethel , que era un documental sobre su madre.

En 2014 estrenó Last Days in Vietnam dirigida por Kennedy y coproducida con Keven McAlester a través de su productora Moxie Firecracker Films ; el documental debutó en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2014.

La película sigue el guión de Mark Bailey y  Keven McAlester y contaba con la música de Gary Lionelli , la fotografía de Joan Churchill y el montaje de Don Kleszy

La distribución de la película fue labor de la American Experience Films ya que  después de su estreno en el Sundance Film Festival , la American Experience Films adquirió los derechos de distribución de la película, en asociación con PBS Distribution para su lanzamientos de DVDy su emisión  en la  Public Broadcasting Service , la famosa PBS estadounidense .

Como ya he dicho fue presentada oficialmente el 17 de enero de 2014 en el Festival de Sundance  y en salas neoyorkinas el  5 de septiembre de 2014 y desde ese momento en salas a nivel nacional durante septiembre y principios de octubre consiguiendo una taquilla de $ 161,300

La película fue nominada para el Premio de la Academia a la Mejor Película Documental en los 87 ° Premios de la Academia . Se estrenó en televisión PBS el 28 de abril de 2015.

El documental nos muestra literalmente los últimos momentos de la presencia norteamericana en  la guerra de Vietnam. Ya sabemos que los acuerdos de París del año 1973 que suponían una salida de los Estados Unidos del conflicto se van a incumplir cuando el dique que, políticamente representaba el Presidente Richard Nixon se rompa, y el ejército comunista de Vietnam del norte invada el Sur, incumpliendo con lo pactado.

Los inicios de la invasión se hará en masa y a una enorme velocidad lo que en unas semanas supuso por un lado, la caída inmediata de 11 provincias sudviernamitas, pero también la huida en masa de ciudadanos de la parte meridional del país y la deserción por parte de millares de soldados subvietnamitas que quiereshuir del país y buscar refugio o amparo en Saigón o en zonas en las que todavía estaban presente los EE.UU.

Sin embargo, la orden de  la retirada de sus tropas y la evacuación de los ciudadanos estadounidenses del país que se irán replegando y buscando acomodo en la embajada de Saigón dará lugar a la entrada masiva de vietnamitas en la sede norteamericana  ya que temen una posible represión .

Cuando los soldados y diplomáticos de la Embajada en Saigón tomaron la decisión de intentar evacuar también al mayor número posible de aliados sudvietnamitas, aún a riesgo de ser acusados de traición  - por estar incumpliendo órdenes- y asumiendo la posibilidad de enfrentarse a un consejo de guerra deciden salvar a muchos de los que habían sido sus leales colaboradores.

Con el aeropuerto en manos de los norvietnamitas, cientos de miles de civiles asaltaron la embajada estadounidense para intentar acceder a alguno de los helicópteros de evacuación. A pesar de todos los esfuerzos, durante 18 horas, 70 helicópteros realizaron 630 misiones de rescate evacuando a más de 1.300 estadounidenses y casi 6.000 vietnamitas; pero cerca de un millón de personas quedaron atrapadas en Saigón.

Esta es la historia que nos narra Rory Kennedy , la de esas caóticas semanas de la Guerra de Vietnam , en las que el ejército de Vietnam del Norte genera el pánico en la población survietnamita .

Antes las cámaras los que fueron soldados y diplomáticos estadounidenses hablan de como se enfrentaron a un dilema moral: obedecer las órdenes de la Casa Blanca de evacuar sólo a ciudadanos estadounidenses o arriesgarse a ser castigados y salvar la vida de la mayor cantidad de ciudadanos survietnamitas que pudiesen.

Son los supervivientes de esa historia, sobre todo los protagonistas de  la evacuación de la embajada en Saigón y los que llevaron en barco a los vietnamitas a Filipinas son los protagonistas de un documental  que detalla lo que fue la Operación Frequent Wind .

Entre los entrevistados se encontraban Henry Kissinger , Richard Armitage , Frank Snepp , el coronel retirado Stuart Herrington y Terry McNamara, entre muchos otros militares de los EE. UU. , desde oficiales hasta agentes del servicio secreto, pasando por los marines que custodiaban la sede norteamericana , así como nacionales de Vietnam de los que algunos consiguieron huir a los EE. UU. algunos durante la evacuación, así como alguno que no lo logró estando en la embajada como el que era estudiante Binh Pho y que tras pasar por el campo de reeducación consiguió al cabo de un año escapar a los Estados Unidos o aquel soldado que acabó en un campo de reeducación y que se pregunta el por qué de la guerra, tal y como se nos narra al final del mismo.

Para Kennedy  que utilizó para el mismo un buen número de imágenes de documentales de la época lo más emocionante de la película fue "contar las historias no contadas sobre los estadounidenses". y vietnamitas que estaban en el terreno, que fueron en contra de la política de los Estados Unidos y arriesgaron sus vidas para salvar a los vietnamitas ".

Kennedy tuvo dificultades para involucrar a algunas de las personas destacadas en su película. De ellos, ella creía que podría ser el secretario de Estado de los Estados Unidos en la época, Henry Kissinger , el que tenía la mayor renuencia al proyecto. Pero no fue así y participa activamente durante el mismo.

Kennedy declaró: "Creo que muchas de esas personas sufrieron estrés postraumático a partir de ese momento. Cuando les pedí que revivieran, realmente me pasó factura. Muchas de las personas me dijeron que les llevó una semana recuperarse de las entrevistas. Recibí cientos de correos electrónicos de personas en Vietnam que no pueden ver la película porque es demasiado traumática para ellos ".

Last Days in Vietnam fue nominado como Mejor Largometraje Documental por los 87 ° Premios de la Academia . La National Board of Review (NBR) lo incluyó como uno de los Mejores documentales del año 2014:.

En los Critics Choice Awards fue nominada al Mejor documental al igual que hizo la Asociación de Críticos de Chicago y el Sindicato de Guionistas (WGA), en este caso, por para el Mejor guión en documental.

Importantes  fueron las críticas recibidas, en general positivas por parte de los críticos. Su valoración en Imdb es de 7'6 sobre 10 a día de hoy. Por ejemplo, Rob Nelson de Variety , dijo en su reseña, "el documental de Rory Kennedy combina imágenes sorprendentes de Saigón en abril de 1975 con recuerdos contemporáneos de algunos que estaban allí".

Justin Lowe en su crítica de The Hollywood Reporter elogió la película diciendo: "Un capítulo prácticamente desconocido de la historia de Estados Unidos aún conmueve  casi cuatro décadas después".

Mary Sollosi de Indiewire , dijo: "Si bien el documental apenas rompe ningún terreno creativo nuevo, su poderoso contenido habla por sí solo al revelar un episodio angustioso de la Guerra de Vietnam, que ya es un capítulo inquietante de la historia estadounidense. "

Dan Schindel en su reseña para Non-fics dijo, "'Last Days in Vietnam' fue una sorpresa increíblemente agradable. Es un excelente ejemplo de cómo los documentales pueden iluminar las brechas de nuestra memoria compartida, y cómo la no ficción puede superar a los mejores emociones que Hollywood tiene para ofrecer ".

El historiador Nick Turse objetó , alegando que el documental está "dolorosamente descontextualizado". Es "todo sobre estadounidenses bien intencionados, sin nada sobre el poder de fuego indiscriminado de los EE. UU. Que destruyó gran parte del país", según Turse.

Rory Kennedy utiliza , como ya he señalado, un buen número de escena de archivo donde pasan los dos presidentes afectados, Richard Nixon y Gerard Ford, el último embajador de Estados Unidos en Vietnam del Sur, el diplomático de Carolina del Sur Graham Martin, pero también actuales combinadas con fotografías de otros protagonistas , muy a su pesar, como Stuart Herrington, Jun Valdez, Frank Snepp, Richard Armitage, Gerald Berry, Hugh Doyle o vietnamitas como el que fue niño durante la salida Miki Nguyen, Kiem Do o Dam Pham.

Este documental en cierto modo nos muestra el lado positivo y bienintencionado de alguno de los estadounidenses que estuvieron en esos caóticos días de abril de 1975.

Los norteamericanos que rememoran su experiencia en el país asiático nos dan sus razones , en algunos casos era un tema de conciencia y de amistad, pero también reconocen que en algún caso dejaron tirados a muchos de los  vietnamitas del sur que estaban en la embajada esperando ser rescatados y que temían ser represaliados después del  esfuerzo bélico. Del 29 al 30 de abril de 1975, durante los últimos días de la Guerra de Vietnam , más de 7.000 personas fueron evacuadas en helicóptero desde varios puntos de Saigón. El mundo volvía a vivir una crisis humanitaria de proporciones terribles.

Interesante ha sido la narración de la salida de los helicópteros de una Emajada colapsada tanto o más como el régimen de Vietnam del Sur. A las 03:45 del 30 de abril, se ordenó restringir la evacuación solamente a ciudadanos estadounidenses. Una hora después, el helicóptero de Air America "Lady Ace 09" despegó del Edificio Pittman en dirección a la embajada. Este momento fue capturado en la icónica fotografía de Hubert Van Es.



Se nos narra igualmente la salida a las 07:53 del último aparato de la embajada en Saigón, dejando atrás a cientos de survietnamitas a los que se les había prometido el salvoconducto.  Un gran documental. Todo un acierto.


martes, 20 de febrero de 2018

La pareja de Suwa


Carlos Reviriego en 2008 anunciaba desde las páginas de El Cultural la llegada al mercado español de tres de las cuatro películas, que en aquel momento había completado el director japonés Nobuhiro Suwa con los títulos 2 Duo - en 1996, el que fue su debut- , M/Other- lanzada poco después en 1999, ganando el prestigioso Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Cannes de 1999- y Un couple parfait. Era un pack que decía el periodista permitiría "conocer a uno de los cineastas más interesantes e innovadores del panorama internacional". 

El escritor y director japonés decía el columnista español que partía de "Una idea: la pareja en crisis sigue siendo el gran motivo del cine. Ninguno de sus exploradores ha agotado la materia porque es inagotable. Murnau, Stahl, Sirk, Bergman, Rossellini, Rohmer, Cassavettes, Pialat... Para ellos, las relaciones afectivas, sus turbulencias (morales, psicológicas, sentimentales), siguieron siendo el gran misterio de los hombres y el gran motivo para hacer cine. Porque la cámara interroga, perfora en los cuerpos y los rostros hasta extraer energías invisibles, escudriña el mundo interior y nos revela secretos. A ello se ha dedicado también el cine en construcción de Nobuhiro Suwa". 

Lo cierto es que el director nacido en Hiroshima en 1960 y heredero de la modernidad cinematográfica que defendieron en su momento los integrantes de la nouvelle vague es un director muy del gusto europeo, aunque con sensibilidad japonesa. 

Se destacaba del director japonés su tendencia en lo narrativamente hablando a buscar " el fuera de campo, colocar a sus amantes detrás de cristales, enfrentados al espejo, ocultos por paredes, puertas o sombras, pero aún así de algún modo siempre visibles, descansa la intuición de un cine que concede tanta importancia a las formas como a los temblores de las emociones que quiere transmitir, un cine para el cual la destrucción del amor no debe contarse sin la intervención, por ejemplo, de un espejo roto o una cama deshecha". Y es cierto, la película de Suwa que he visto en la tarde de hoy no entiende del plano-contraplano, sino que es un entramado de planos-secuencia-.

Pero su peculiaridad japonesa le aleja de algo que defendió a capa y espada otro japonés como fue Akira Kurosawa y era los guiones de hierro. Suwa parece alejada no, sino en las antípodas de esta idea al apostar en su dirección, pero también en el guión y durante el rodaje de  la  improvisación, entendida en este caso como una improvisación. 

No se si esto fue lo que aprendió en su formación , precisamente en el centro en el que actualmente es el presidente de la Universidad de Tokio Zokei, lugar en el que se formó. Lo interesante es que después de graduarse en Tokyo Zokei, Suwa comenzó a dirigir documentales de televisión y trabajó con directores como Sōgo Ishii y Masashi Yamamoto . 

Tras empezar a rodar en 1996 con  2 Duo  en lo que fue su debut- , y pasar luego a M/Other- lanzada poco después en 1999, en 2001 se acercó abiertamente al cine francés al rodar H Story una idea de remake del clásico de Resnais, Hiroshima , mon amour, con una actriz francesa, Béatrice Dalle, un algunos integrantes en el equipo técnico de origen francés, como la actriz y fotógrafa, Caroline Champetier, siendo el resto japoneses. Pero el contacto entre oriente y occidente acerco al director de Hiroshima definitivamente al cine francés , pero con marchamo japonés, como hemos comprobado en el día de hoy

Para 2005, Suwa ya había concebido su "Pareja perfecta" o Un Couple Parfait (también conocido como A Perfect Couple ) , que , en este caso, contó con un elenco y un reparto francés y está completamente en francés.

La película se presentó en el Festival de la localidad suiza de Locarno, ciudad que se refleja en el Lago Maggiore y allí ganó el Premio Especial del Premio del Jurado y el Premio CICAE en el 58 ° Festival de Cine de Locarno .

Lo curioso fue descubrir que la película se había rodado  en once días de rodaje y filmando diálogos improvisados en un idioma, el francés, que el director no entendía, y lo sorprendente es que pudiera sacar adelante un proyecto que diese como resultado una película tan hermosa y consumada como Un couple parfait,.

Desde la presentación se nos señaló que está película la pareja integrada por Valeria Bruni-Tedeshi y Bruno Todeschini representan unos avatares contemporáneos de la Ingrid Bergman y el George Sanders de Un Viaggio in Italia de Roberto Rosselini, que aquí se había traducido como Te querré siempre. O lo que es lo mismo, una historia de una pareja en crisis que ha de enfrentrarse a la misma cara a cara.

Comentaba Suwa que no necesitaba entender la historia como tal, que lo que necesitaba era captar los movimientos, la elocuencia, la pasión de los actores lo que transmitían todo lo que hay que transmitir a la cámara para el desarrollo de la historia y sus emociones de este Un couple parfait.

Como ya he señalado la película fue dirigida y escrita por Nobuhiro Suwa,  para una producción: en la que estaban presentes Masa Sawada y Michiko Yoshitake y que contaban con el respaldo de las productoras, en régimen de coproducción, como eran  ARTE France, Comme des Cinémas, France Cinéma y Bitters End.

La película contaba con la música de Haruyuki Suzuki , el montaje de Dominique Auvray e Hisako Suwa , el vestuario de Elisabeth Mehu  y la dirección artística y la fotografía de una vieja conocida de Suwa, la actriz Caroline Champetier  que valientemente rodó en Digital, e,n concreto en HD, Varicam y también mini DV, en este caso cuando los personajes caminan y la cámara está cerca de sus caras, usamos la cámara más pequeñita para esas tomas, cámara en mano.

Caroline Champentier ya había trabajado en "H Story" como declaró el director en una entrevista a la prensa chilena "Ella colabora muy bien conmigo. Es casi una relación de codirección. Los actores también son casi codirectores". Suwa filmó Un couple parfait en HD y DV y marcó un hito en el empleo de la tecnología digital en la gramática del cine contemporáneo. Su compromiso con las texturas de la imagen permitió que el cine pasara de “mirar” a “palpar”. Como señalaba el artículo de Carlos Reviriego "La noción de película como superficie material le empuja a Suwa a tomar soluciones como quemar planos, cortar repentinamente a negro o crear estridencias sonoras en sus películas. A estas alturas, no hay duda de que el cine de Oriente ha tomado gran parte del relevo de esa modernidad que alumbró y poco después abandonó Europa".

En cuanto al elenco el director japonés contó con Valeria Bruni-Tedeschi como  Marie,  Bruno Todeschini como Nicolas, los dos protagonistas absolutos. Están acompañados de  Nathalie Boutefeu como Esther,  Louis Do de Lencquesaing como Vincent,  Joana Preiss como Natasha , Jacques Doillon como Jacques,  Lea Wiazemsky como Eva , Marc Citti como romano , Delphine Chuillot como Alice , Alex Descas como  Patrick  y Marie-Sophie Wilson como  Hélène.

La historia se inicia en un taxi en el único travelling de la película en la que vamos siguiendo a una joven pareja que se desplaza desde el aeropuerto hasta su hotel en el centro de París. Se trata de un hombre, Nicolás (Bruno Todeschini) y una mujer, Marie (Valeria Bruni-Tedeschi) que viven en Lisboa y que tras quince años de convivencia en la capital lusa, están a punto de divorciarse.

Sin embargo, deciden ir juntos a Francia para la boda de uno de sus amigos. Nada más llegar al hotel vemos como piden una cama supletoria y que su relación es compleja. De cualquier manera han de salir a cenar con una pareja de amigos. Ante ellos Nicolás anuncia su separación de manera inminente, noticia que sorprende inmensamente a la otra pareja de comensales. Para ellos  ,  Esther (Nathalie Boutefeu) y Vincent (Louis-Do de Lencquesaing), son su pareja ideal.

Tras volver al hotel después de la tensa cena, Nicolas y Marie no están en condiciones de hablar, pero si en el momento de reprocharse todo.

Sin embargo, deciden ir al día siguiente juntos a la ceremonia de boda de uno de sus amigos en París . Durante esa noche, vemos como la tensión la pareja va a más. Los dos reconocen que están cansados , agotados.

A la mañana siguiente Marie decide salir a pasear y marcha al Museo Rodin. Allí deambula por sus salas se para a escuchar lo que en su momento escribió el secretario de Rodin, Rainer María Rilke, los  ecos del amor de Camille Claudel  y las descripciones que de algunas obras , sobre todo, la de las Puertas del Paraíso hace la guía.

A la vuelta y preparándose para la cena, ella le lee a Nicolás algunos pasajes. Sin embargo, él está nervioso pues se están retrasando. Cuando ella toma la decisión  de llevar el vestido rojo busca unos zapatos que se ha comprado expresamente, pero que no encuentra.

La boda tiene lugar. Es casi familiar. Están presentes los amigos y amigas. Ella se casa embarazada y ellos beben. Las conversaciones entre las parejas y grupos son triviales. Marie escucha más que habla.

Poco después María llega a la habitación acompañada de Nicolás. Ella le echa en cara que ha bebido y que su conversación es trivial y superficial, y que ella cree que nunca le ha  querido.

Tras escuchar los reproches , Nicolás decide darse una vuelta. va a un bar. Desde allí llama a una chica, una artista de nombre Natasha(Joanna Preiss),  que ha conocido en la boda.

En el bar un señor mayor de habla de la vida, de la dificultad de la misma. El  viejo , un hombre sabio le compara la guerra con el amor: se ataca por el repentino miedo hacia el otro, hacia uno mismo ante el otro, hacia ambos ante la vida misteriosa, hacia la existencia a menudo terrible… Después llega Natasha. Se gustan, pero tras acompañarle a casa, Nicolás no quiere subir.

Vuelve a la habitación, allí Marie le espera. No ha conseguido dormir. A la mañana siguiente, ella marcha nuevamente al Museo Rodin. Mientras pasea por las salas es reconocida por un viejo amigo, Patrick (Alex Descas) , que va junto a su hijo (Emett Descas) , al que conoció en Burdeos. Va acompañado de su hijo.

Los viejos amigos hablan del pasado. Del presente ella le dice que se está divorciando. Le cuenta que abandonó la fotografía poco después de conocer a un joven arquitecto Nicolás, su marido. La vida no ha ido como ella esperaba. Cuando Marie le pregunta a Patrick este le comenta que se ha quedado viudo junto a su hijo con el que vive en París.

Posteriormente nos encontramos a Nicolás en la habitación. Ha comprobado que los enseres de Marie ya no están allí. Al llamar a la recepción le comentan que su mujer se aloja en otra habitación en la misma planta.

Nicolás llama a la habitación. Ella está descansando y le propone ir a cenar a un japonés. Ella acepta, mientras Nicolás le ayuda a vestirse hay un amigo de pasión que es frenada en seco por  Marie.

No sabemos si los dos días y las tres noches en  camas separadas y  sin centrar en sueño han frenado la capacidad de luchar por la supervivencia, no sabemos si ella y él han llorado por los reproches recíprocos. Ahora Marie ha decidido  irse sola a Burdeos donde vivía.

Por la mañana, Nicolás le acompaña  y finalmente en la plataforma de la estación,  cuando el adiós definitivo es inminente e irreversible, ella no decide subirse al tren. En ese punto acaba la película.

La filmación se realizó en once días y el rodaje  tuvo lugar en París y en una sala del museo Rodin .

La película se presentó en agosto de 2005 durante el Festival de Locarno , pasando a estrenarse comercialmente el 8 de febrero de 2006 en Francia

La película consiguió el Premio especial del jurado, CICAE Award y Golden Leopard en el Festival de Locarno . También se presentó en la segunda edición de cine del Festival de Santiago de Chile.

Para Carlos Reviriego en el ya citado artículo de El Cultural "Al final, se cuestiona Suwa, ¿qué es lo que distancia la felicidad de la crisis, la crisis de la felicidad? Ese margen, fino y resbaladizo, es el que Suwa se propone trasladar a la pantalla para que atrape a un espectador siempre indefenso frente a las certezas del corazón.

La directora Alicia Scherson dijo de ella que era "una mezcla para mí única de soltura y rigidez, control y laisser faire, documental y ficcón quizás. Hay películas a las que se le ven los hilos, en las que puede descifrarse cuánto control ejerce el director, cuánto diseña, cuánto improvisa. Esta no es una de ellas."

A esta directora Suwa reconoció en una entrevista algunas ideas que aquí incluyo de manera genérica: "En Perfect Couple no usé ensayos sino solamente mucho trabajo de mesa con los actores. Luego, la improvisación vino en el rodaje. Los actores improvisaban con la cámara rodando.En Perfect Couple hubo muchas conversaciones previas, los actores conocían muy bien su personaje. Yo no los controlé. Solamente les di una instrucción precisa con respecto a la actuación: “No tengan miedo al silencio”, les dije. A veces los actores creen que deben llenar los silencios, cuando improvisan.  A mi me interesaban mucho los momentos de silencio.En la escena en que ella (Valeria Bruni Tadeschi) pierde el zapato lo que estaba escrito era: ella pierde algo. Fue Valeria quien escogió el zapato. Muy femenino. También leer el libro fue su idea. Efectivamente para trabajar así necesitas no solo buenos actores sino también actores creativos. Yo divido a los actores en dos grupos, los que pueden hacer improvisaciones y los que necesitan un guión detallado.Yo construyo el plano, con la camarógrafa (Caroline Champentier), delimito un espacio. No me importa que los personajes salgan del cuadro porque aún se les escucha y se puede imaginar lo que están haciendo. Pero no me gusta prediseñar los movimientos. Trabajé muchos años de asistente de dirección y usaba esas marcas en el suelo todo el tiempo. No me gustan para nada. En el teatro kabuki japonés, los movimientos son muy estudiados, repetidos siempre igual, es algo arraigado de la cultura japonesa tradicional. Yo, naturalmente quise ir en otra dirección.No me gusta fragmentar y grabar distintos ángulos y luego reconstruir en montaje, ni tampoco seguir a los actores. Eso genera la ilusión de que no hay cámara, no me interesa crear esa ilusión.El cuadro lo diseño. Pero para mí el cuadro no es algo completamente cerrado. Es a la vez cerrado y abierto. Los personajes pueden salir de él si quieren". 

Nobuhiro Suwa, un admirador profundo de Nouvelle Vague,  filma en París este duro relato del fin de una historia. Y lo hace desde el patio trasero y más privado  de la pareja  que , tras la fachada de pareja modélica, vive en  profunda crisis tras quince años de convivencia y desgaste.

Para su realización el director japonés tiró de sus contactos franceses con los que había trabajado desde varios años atrás, como  Béatrice Dalle y Caroline Champetier,  en M / Other, y en el  remake "experimental" de Hiroshima Mon Amour de Resnais, una película seleccionada para ser exhibida en la categoría Un Certain Regard en Cannes 2002. 

Ahora Marie y Nicolás están en la encrucijada más determinante de su vida. Lo peor está por llegar, y llega. Son los   reproches , pero también la falta de perspectivas y de proyecto en común. Parece que a la pareja le falta un hijo . Como pareja   guardan  las formas en público, pero estallan en  sus sentimientos en privado.  pues se saben en caída libre al abismo de la soledad con esa terrible letanía del  “No lo superaré, no lo superaré”.

Ella combina la risa nerviosa con el llanto, del cariño al desprecio y la hostilidad; él apuesta, como hacemos los hombres, por el silencio. El sabe que no hay mucho que decir. Está tan cansado como ella. En el aire dolor, zozobra de unos personajes que son retratados por medio de planos-secuencia (en ocasiones estáticos). Un detalle, durante los primeros diez minutos de película, sólo existen dos planos rodados en interiores muy al gusto japonés de Ozu al igual que el terror por los primerísimos planos que aparecen en la película. Muy japonesa es igual la musicalización de Haruyuki Suzuki es sutil y minimalista pero atractiva.

Todo ello pasa por la película que nos es narrada por un ritmo  reposado, de planos fijos larguísimos - hasta seis minutos- , en ocasiones centrados en una puerta- con gusto por el  fuera de campo en los diálogos, textura digital, sonido directo que incluye hasta las respiraciones, puntuado ocasionalmente por graves notas de piano, y una pálida fotografía de colores muy apagados.

A destacar el papel asumido por los protagonistas absolutos Valeria Bruni Tedeschi y Bruno Todeschini que hacen de su capacidad de improvisación un guión, en el que tan importante como las palabras son los silencios. Tras importante como los tejidos son las miradas y gestos llenos de frialdad, odio  o tedio.

La oscuridad domina casi todo la película y únicamente la luz entra en la  visita al museo o en su excelente final. Todo ello hace que la película sea compleja,  humana y triste como la vida misma pero presentado con suma inteligencia desde el punto de vista del lenguaje cinematográfico (abundan también los diálogos fuera de campo, los planos sin personajes -puertas, ventanas, pasillos- y ciertos fundidos en rojo -cinco o seis).

También la película parece un homenaje a la obra y proceder de algunos grandes maestros europeos que parecen que pasean por momentos como ocurre en la citada película de Rosselini, pero también de Bergman y sus “Gritos y susurros”, 1972) . También tiene mucho de la idea de la improvisación de Cassavetes. Pero también próxima a las obras de  Garrel, Beauvois, Fontaine, Jacquot, Téchiné y Desplechin . Sin embargo, este es el peculiar estudio sobre el amor de Suwa.

Tras la Pareja perfecta, Suwa siguió trabajando con otras películas como Paris je t'aime (segmento: Place des Victoires , 2006) Yuki & Nina (co-dirigido con Hippolyte Girardot ) (2009) y tras veinte años de carrera y sólo seis películas, todas aclamadas por la crítica y premiadas en festivales, Nobuhiro Suwa presentó en San Sebastián su último film: 'Le lion est mort ce soir' o El León duerme esta noche (2017) emotivo homenaje al actor francés, icono de la nouvelle vague, Jea-Pierre Léaud, una película que habla del cine dentro del cine. El protagonista de "Los 400 golpes" considera al japonés un digno heredero de Godard. Es muy posible. A mi la película ma ha gustado , y mucho.


domingo, 18 de febrero de 2018

Arabesco


Un arabesco es un adorno. Presenta patrones peculiares y formas geométricas, pero en ocasiones vegetales o de escritura. Aparecen en las cenefas y en los zócalos y gustan conseguir un efecto estético. En ocasiones, además de hojas, imita la forma de ciertos animales o frutos. Los arabescos han sido aplicados en la decoración por los asirios, los romanos, los antiguos egipcios y los griegos siempre buscando algo melódico y armónico que , en ocasiones, sorprendía al espectador. 

Me imagino que todo esto estuvo presente en la mente de Stanley Donen cuando decidió hacer su película Arabesque. Desde luego esto está presente en los títulos de crédito iniciales de una comedia que es a la vez un thriller. 

Mezclar géneros puede ser bueno, malo o regular. En este caso me ha parecido más regular que bueno y eso que tiene buenas dosis de comedia que asume magistralmente la Loren. 

Arabesco en una película del año 1966 - aunque fue reestrenada en los cines de mi ciudad en los setenta- dirigido por uno de los maestros del cine musical, Stanley Donen. Donen es un caso llamativo de longevidad ( ha estado activo 54 años, entre 1949-2003, aunque vivo participa en muchos documentales hablando del cine clásico que el conoció) y versatilidad. Donen dirigió a muchos de los grandes actores y actrices de Hollywood, también los dirigió como coreógrafo, como bailarín o como director de cine estadounidense. 

Arabesco , así se le llamó en España, en una película escrito por Julian Mitchell , Stanley Price y Peter Stone (como Pierre Marton) , basado en la novela de The Cypher , una novela del año 1961 de Alex Gordon. La película, junto con la película inmediatamente anterior de Donen Charade (1963), se describe generalmente como " Hitchcockesque ", ya que presenta como protagonista a un hombre inocente y ordinario metido en situaciones peligrosas y extraordinarias. Fue la última película de ese género que Donen haría tras Charada con Hepburn y Grant (Gary). 

Arabesque fue una producción del mismo Stanley Donen y su Stanley Donen Enterprises que contó con un presupuesto de $ 3.6 millones se filmó en Technicolor y Panavision por Christopher Challis y que fue editado por Frederick Wilson y distribuido por Universal Pictures . La música fue de Henry Mancini 

El reparto lo encabezan Gregory Peck como el Profesor David Pollock, Sophia Loren como Yasmin Azir, Alan Badel como Nejim Beshraavi, Kieron Moore como Yussef Kasim, Carl Duering como primer ministro Hassan Jena, John Merivale como el criminal Mayor Sylvester Pennington Sloane, Duncan Lamont como Kyle Webster, George Coulouris como Ragheeb, Ernest Clark como Beauchamp, Harold Kasket como Mohammed Lufti y Gordon Griffin como Fanshaw. 

Durante una misión encubierta, el Mayor Sylvester Pennington Sloane (John Merivale) , pasándose por optalmólogo, mata al Profesor Ragheeb (George Coulouris, un profesor de la Oxford University experto en jeroglificos y le roba un mensaje encriptado que lleva en la pasta de sus gafas.

Sloane, que es incapaz de traducir el papel, cambia de plan y le propone al Profesor David Pollock (Gregory Peck), , un famoso egiptólogo y colega de Ragheeb y experto en jeroglíficos de la Universidad de Oxford , para que se cite con el siniestro magnate naviero Nejim Beshraavi (Alan Badel). David ve algo raro y rechaza la oferta inicialmente, pero mientras sale a correr - cosa que hace todos los miércoles- , es forzado a subir a un Rolls-Royce Phantom IV, donde están el Primer ministro de un país de Medio Oriente Hassan Jena (Carl Duering) y su Embajador en Gran Bretaña, Mohammed Lufti (Harold Kasket) que le presionan de tal modo que decide aceptar el trabajo propuesto por Sloane para Beshraavi. Desde ese momento David se ve involucrado en la lucha por el poder que mantienen tres bandos en un país de Oriente Medio.

Mientras en la mansión del millonario, Beshraavi , que recibe con sus brazos abiertos al profesor Pollock, quiere que David descodifique una inscripción que le ha llegado a cambio de treinta mil dolares.

Al rato se persona en su habitación la novia del magnate, Yasmin Azir (Sophia Loren), que le previene: en cuanto resuelva el enigma Beshraavi le matará como había matado a Ragheeb . Pero , su lealtad al Primer Ministro y, sobre todo, la recién descubierta y bella Jazmine, le obligan a seguir el juego hasta el final.

Descubrimos igualmente que Beshraavi resulta ser el jefe de Sloane, al que hiere en la cara por su inicial fracaso. La conversación entre Yasmin y David es interrumpida por Beshraavi. David se mantiene oculto hasta que Sloane le señala a Beshraavi que David es fundamental para descifrar el mensaje.

Al escuchar la conversación, David envuelve el papel cifrado en un bombón marcado con la cifra nueve y con envoltorio rojo y se lo mete en su bolsillo y se oculta.

Ante la situación los hombres de Beshraavi buscan a David. Beshraavi le demuestra a uno de los empleados de Yasmin, Hemsley ( Jimmy Gardner ), que puede comprar gente por su lealtad o, si no, por venganza extrema. Obligado a mostrarse, David aparentemente secuestra a Yazmin, cuando en realidad se han hecho amigos.

Huyen ambos, pero es perseguido por uno de los secuaces de Beshraavi, Mustapha ( Larry Taylor ). En el transcurso de la persecución, Mustapha y David luchan en el jardín zoológico, cuando otro hombre interviene y mata a Mustapha. Se identifica como el Inspector Webster ( Duncan Lamont ) perteneciente a otra organiación, el CID.

Cuando se acerca un guardia, Webster lo mata antes de revelar que está trabajando con Yasmin. Webster golpea a David y lo deja inconsciente de un golpe. David despierta en una furgoneta junto a Webster, Yasmin y otro de los que van tras el codigo, Yussef Kassim (Kieron Moore).

David ve que su bolsa de caramelos está en la furgoneta y consigue engañar a Yussef al decirle que Beshraavi tiene el cifrado . Para verificarlo usan el suero de verdad en David, después de lo cual él habla lo que creen que es un galimatías sobre el número "9". Creyendo que estaba diciendo la verdad sobre Beshraavi, Yussef le dice a Yasmin que trabaje con Beshraavi y tras ello liberan a David arrojándolo a David fuera del vehículo.

A la mañana siguiente, Yasmin llega a su casa y le dice a Beshraavi que Yussef, para quien originalmente pretendía el cifrado, mató a David y a Mustafá, pero aún no conoce el mensaje codificado. Si bien Yasmin cree que Beshraavi tiene el cifrado, Beshraavi afirma que David aún debe tenerlo.

Más tarde, Yasmin irrumpe en el apartamento de David cuando termina una conversación telefónica con Jena. Ella lo convence de que odia a Yussef y finge ayudarlo porque su jefe, el general Ali está orquestando una golpe de estado y que tiene como rehenes a su madre y sus hermanas. Ella le dice que necesita descifrar el cifrado para poder informar a la embajada, lo que garantizará su seguridad. David y Yasmin van al sitio en el que Yussef aparcó su furgoneta.

Ven que en la furgoneta siguen los bombones, que , al principio parece tirar, pero luego Webster se los lleva para comérselos. Siguiéndolo, David y Yasmin van recogiendo todos los envoltorios de los bombones, sin que sean hasta que observan que Webster descubre en uno de ellos el cifrado y llamar a alguien desde una cabina telefónica; aprenden que esa persona es Beshraavi, por lo que Webster está jugando a dos bandas contra Yussef. Beshraavi y Webster se encontrarán en el hipódromo de Ascot.

En Ascot el día de la carrera, Yasmin está con Beshraavi, mientras David busca a Webster. David y Yasmin hacen planes para reunirse a las 9:00 p.m. esa noche en Trafalgar Square, después de que David obtenga el cifrado de Webster. En la pista, David ve a Webster reuniéndose con Sloane, quien le entrega un sobre de dinero. David saca el cifrado de la mano de Webster y el sobre vuela sobre la pista con los caballos acercándose. Mientras David y Webster luchan, Sloane intenta apuñalar a David pero accidentalmente mata a Webster. David corre hacia la pista y recupera el cifrado justo antes de que los caballos galopan sobre el mensaje.

Ya una vez que ha escapado, David hace copias del cifrado, enviándose el original por su cuenta para su custodia. En un quiosco de noticias, se da cuenta de los titulares de los periódicos que lo implican como el asesino de Webster.

David cree que la Sra. Ragheeb (Malya Nappi) puede saber algo importante sobre el cifrado. Él la visita en su casa y se lo muestra, también le da la noticia de que su esposo fue asesinado (ella vivía recluida con sus pájaros y no lo había escuchado).

La Sra. Ragheeb examina el cifrado y lo rompe frustrada y furiosa, advirtiéndole que es algo muy peligroso. Afirma que sabía que Ragheeb estaba trabajando en algo peligroso. David también le dice que está trabajando con Yasmin, cuya madre y hermanas están en peligro a manos del General Ali. La Sra. Ragheeb responde que Yasmin miente, ya que no tiene madre ni hermanas, solo un padre que resulta ser el general Ali, el general golpista.

Esa noche, David , sintiéndose engañado, se sube al auto de Yasmin y se van. Enojado por el engaño de Yasmin, decide pagar a Yasmin con su misma moneda y la dice que ha descodificado el mensaje. David le miente, diciéndole que no tiene el cifrado pero que ha decodificado el mensaje y que es una tontería que significa decirle. Ella que se lo cree transmite esa información a la embajada por teléfono independientemente.

David y Yasmin hacen arreglos para reunirse más tarde en el hotel donde se hospeda. Después de que ella lo deja, David hace una parada en un taxi y la sigue hasta el sitio de construcción de Yussef. David ve a Yussef operando una bola de demolición, balanceándola repetidamente intentando matar a Yasmin. David se apresura a salvarla y Yussef que maneja tan mal la máquina se electrocuta hasta la muerte por un cable.

David descubre finalmente que el arabesco, en este caso el jeroglífico, no quiere decir nada,son simplemente una versión de la canción de cuna "Goosie Goosie Gander". Luego busca la escritura secreta en ella, como tinta invisible y mojándola, la tinta se lava y deja una mancha que él determina que es una microdot, y que lo único que hace es ocultar unmicrofilm que aparece en uno de los ojos de la oca. En una tienda científica examinan el punto bajo un microscopio y se lee "Los planes de Beshraavi asesinan a Jena doce treinta y ocho dieciocho de junio", que es en 20 minutos.

Como es un aviso del inminente asesinato de Jena , no saben a dónde ir, hasta que Yasmin ve en un noticiario que Jena acaba de aterrizar en el aeropuerto. David y Yasmin llegan al aeropuerto unos minutos antes de las 12:30, donde David empuja a los guardias de seguridad hacia Jena, que está comenzando un discurso de bienvenida. David tira a Jena al suelo justo cuando las balas de la ametralladora de Sloane dan donde Jena está parado. Lufti luego le dispara a Jena con una pistola.

Yasmin saca a David y lo convence de que el hombre que acaba de disparar es solo un impostor de Jena. Es un Jena falso, que acaba muerto. Descubren que la verdadera Jena fue secuestrada por Beshraavi y encerrada en un baúl en la parte trasera de un camión. David y Yasmin se esconden en el camión y liberan a Jena justo cuando la camioneta llega a la finca de Beshraavi.

David, Yasmin lo liberan y los tres huyen montados a caballo que estaban en los establos, siendo perseguidos a través de campos de cultivo de una granja por máquinas cosechadoras con cuchillas afiladas. Beshraavi y Sloane también los persiguen en un helicóptero.

Mientras cruzan el viaducto ferroviario de de Crumlin en desuso, David deja caer una escalera de madera en los rotores del helicóptero justo cuando pasa por debajo, haciendo que se estrelle y arda matando a los dos villanos.

En las imágenes finales descubrimos a David y Yasmin en una barca en un río, tonteando, y acaban haciéndose carantoñas en las lagunas o riberas cercanas a Oxford, acabando así la película.

La película se rodó en los Pinewood Studios en Iver Heath de Buckinghamshire, así como en otros espacios del Reino Unido como en Hurley en Berkshire, , en el Gatwick Airport de Crawley, en el West Sussex, , en el London Zoo, sito en el londinense Regent's Park. También se rodó en  Trafalgar Square y en St James's. Igualmente se rodó en el Hipódromo de Ascot en Berkshire.en la Waterloo Station,  en el Newport Pagnell de Buckinghamshire, dentro del Tyringham Hall, donde se rodaron muchas escenas internas y externas. En ese momento, el edificio era un sitio de recuperación ante desastres propiedad de ANZ Banking Group y en gran parte no se utilizaba ni estaba sin amueblar.

Se rodó igualmente en Crumlin, Caerphilly , siendo el lugar en el que se filmó la escena de acción del puente ferroviario en el viaducto histórico, que estaba siendo desmantelado en ese momento. Allí, Crumlin en Gales del Sur  , había un viaducto ferroviario  donde se filmó entre el cierre del ferrocarril al tráfico el 13 de junio de 1964 y la demolición de la estructura, que comenzó en junio de 1966.  Ese viaducto fue construido entre 1853-57, y tenía 200 pies , siendo el más alto en las Islas Británicas (y el tercero más alto en el mundo). También se rodó en de Oxford en concreto en el St. John's College, & St Giles , sito en Oxfordshire.

Se ven muchos coches de lujo, alguno un Mercedes-Benz 230SL , el coche del personaje de Sophia Loren en la película o el Rolls-Royce Phantom IV originalmente propiedad de Príncipe Enrique , Duque de Gloucester que aparece en la película. Es uno de los dieciocho ejemplos Phantom IV jamás construidos.

El título original de la película iba a ser "Crisscross", pero más tarde se cambió por el del título del libro, "Cipher" pasando al final por convertirse en Arabesque .

El "Pierre Marton", al que se le atribuye en parte el guión, es, de hecho, Peter Stone, quien había escrito la película anterior de Stanley Donen, Charada (1963) y que usaría este seudónimo dos veces más en su carrera. "Marton" era el apellido de su padrastro, George Marton, mientras que la palabra francesa "pierre" se debe a su vínculo con el de "Peter".

El productor / director Stanley Donen quería a Cary Grant para el papel de Pollock después de trabajar con él en su película anterior en  Charada. De hecho los diálogos de Pollock se escribieron teniendo en cuenta a Grant. Sin embargo, Donen declaró más tarde que:  "[Grant] no quería participar. No era un buen guión y no quería hacerlo". Sin embargo, cuando se planteó la opción de "Gregory Peck y Sophia Loren, a quien amaba, (...) me imploraron que lo hiciera, porque dijeron: "Es ridículo no hacer una película con Peck y Sophia". En el Estudio dijeron que ganaría dinero, y tenían razón ". Eso sí, cuando Gregory Peck tenía problemas para mantener el tono de humor , sonreía y le decía al director Stanley Donen: "Recuerda, no soy Cary Grant".

Donen estimó que se gastaron $ 400,000 solo en el guión y el director de fotografía Christopher Challis recordó que la película sufrió varias reescrituras.  Challis dijo que "cuanto más se reescribía el guión, peor se ponía".

Con Peck y Loren ya contratados para hacer la película, Challis recordó que Donen le dijo: "Nuestra única esperanza es que sea tan emocionante visualmente que la audiencia nunca tendrá tiempo para descubrir qué demonios está pasando".

Peck dijo acerca de Donen que "Stanley tenía un instinto terrible, como el coreógrafo, que, por supuesto, había sido.  Pero incluso en una secuencia dramática ordinaria usaría el cuerpo para destacar lo que estaba sucediendo: de pie, relajándose, todo, todo estaba coreografiado. Si miras la imagen, siempre nos movemos, porque Stanley solo quería mantener la pelota en el aire todo el tiempo, y usó todos los trucos de la cámara que se te ocurrieron. También le encantó filmar el escote de Sophia y su trasero ". Durante el rodaje, Gregory Peck realizó una entrevista sorprendentemente franca sobre el declive de su carrera y la industria del cine en general.

Sophia Loren , por su parte, estaba en la cima y ya era reconocida , además de en Europa, donde era una grande e Estados Unidos. En la película todo lo que lleva es de Christian Dior . Como diva pidió además 20 pares de zapatos diferentes para su personaje hizo que su amante en la película fuera descrita como una fetichista de pies.

En una escena de persecución, Peck, que había sido herido años atrás en un accidente de equitación, no podía correr lo suficientemente rápido como para mantener el ritmo de Loren, que seguía avanzando. Peck imploró a su coprotagonista que corriera más lento, recordándole que se suponía que debía rescatarla, pero Loren le pidió a Donen que hiciera que Peck corriera más rápido. Como Peck estaba sufriendo, Donen tuvo que persuadir a Loren de que corriera más despacio para hacer posible la filmación de la escena.

Peter Stone , que llegó muy tarde para mejorar el diálogo, dijo que Donen "filmó mejor que nunca (...) Todo fue filmado como si fuera un reflejo en un faro Rolls-Royce".

Donen describió su técnica al filmar la película: "Probé con algo así como la técnica de "cámara viviente". La cámara de mano había sido utilizada mucho últimamente, especialmente en Europa, pero el problema había sido demasiado tambaleante porque el operador tenía que soportar todo el peso de la cámara mientras trabajaba. Uno de nuestros muchachos tuvo la idea de suspender la cámara ... para darle al operador toda la movilidad de la cámara de mano sin el peso ... Arabesque está yendo al extremo hasta que casi te pone enfermo. De acuerdo, hicimos algunas cosas fotográficas interesantes.

De entre las escenas interesantes destaca una de las iniciales, la secuencia de gotas para los ojos que se dejó caer en un ojo fue donada por Stanley Donen a la División Oftalmológica de la Escuela de Medicina Johns Hopkins con fines de investigación.

Arabesque recibió críticas mixtas y positivas de críticos y público, obteniendo una calificación de aprobación del 64% en Rotten Tomatoes . Sin embargo, fue un éxito de taquilla desde su fecha de lanzamiento el 5 de mayo de 1966 en  Nueva York . Más tarde se estrenó - el 28 de julio de 1966 - en el Reino Unido  y en España el mismo tuvo lugar el  1 de octubre de 1966, aunque se reestrenó en los setenta. Entre Estados Unidos y Canadá  la taquilla llegó a alcanzar los $ 5.8 millones.

Muchos críticos señalaron (no siempre con aprobación), Stanley Donen filmó este thriller en un estilo inusualmente extravagante, utilizando ángulos de cámara extraños y composiciones visuales excéntricas en todas partes. Más tarde admitió que nunca había sentido que el guión fuese bueno  (muchos escritores trabajaron en él, y se rumoreaba que todavía se estaba volviendo a trabajar durante la filmación), por lo que le había dado a la película una apariencia inusual para ocultar sus deficiencias.

Revisado en 2000 por Dave Kehr del Chicago Reader declara que es "un entretenimiento ingenioso y satisfactorio". En la revista Time dijo de ella que " El trabajo cinemático ofrece diversión esporádica, pero también sugiere la postura inestable de un espectáculo que siempre parece estar a punto de caer de bruces."Tom Milne dijo en Time Out que era "muy sub-Hitchcock". En el New York Times Grace Glueck escribe que "Aproximadamente 10 minutos después de que Arabesque se ponga en marcha, perderás la pista de su trama por completo, y así es como debería ser".

Obtuvo algunos Premios como los BAFTA ala mejor fotografía (en color) para Christopher Challis y otras dos nominaciones más : mejor edición para Frederick Wilson y mejor diseño de vestuario para Christian Dior.

Obtuvo el Premio Bambi a la mejor actriz Sophia Loren y fue nominada al premio Grammy a la mejor banda sonora  original escrita para una película o programa de televisión para Henry Mancini . También estuvo nominado Premio Golden  Laurel para la mejor secuencia de acción.

La película tiene para mi más valor sentimental que méritos, al verla anunciada en los cines de los setenta. Mi hermano si fue a verla, yo me quedé con la sesión anterior que era una de Hércules de Steve Reeves. Claro que estaba Sofía Loren en todo su esplendor y salió ganando, no hay duda. Es una película llamativa por la historia, pero nunca llega a ser clara. Ese exceso de complejidad hace que no se mantenga la atención. Es cierto que técnicamente también es extraña. Hay planos esquinados, con puntos de vista muy bajos o muy excéntricos o cenitales. Esta actividad al final resulta cansina. Eso sí me llaman la atención sus títulos de crédito tan psicodélicos. 


sábado, 17 de febrero de 2018

El Tom Sawyer de mi juventud


En las vacaciones de Navidad de 1973 (pudo ser en diciembre o en los primeros días de enero de 1974) mi tito Paulino y mi tita Susi tuvieron el acierto de llevarnos al cine a una patulea de sobrinos entre los que yo me encontraba. Al menos cuatro de mis hermanos, dos de sus hijos y tres de mis primos extremeños. Recuerdo ir por las calles del centro todos en pandilla hasta llegar a las puertas de Simago. Allí , enfrente, estaba el Teatro Góngora que tenía más uso de cine que de teatro. 

La película elegida por mis tíos era Las aventuras de Tom Sawyer y no sólo por el tema, sino porque la misma estaba interpretado por un actor de nuestra edad llamado Jonnhy Whitaker que para entonces era uno de las caras más conocida de nuestra televisión, por supuesto en blanco y negro. 

El chico era el protagonista de una serie titulada Mis adorables sobrinos, en la que salía entre otros Brian Keithy Sebastian Cabot como el mayordomo. Lo cierto es que aprovechando que mis primos de Badajoz estaban por la ciudad de vacaciones aprovechó el momento y actuó como en la serie. 

No recuerdo si en aquel momento la película me gustó mucho a poco, supongo que poco pues era, en parte, un musical , y yo para aquel entonces no era algo que me gustara en exceso. Pero todavía hoy lo que sí recuerdo es el color luminoso de la película que invadía toda la sala. Recordad que en aquellos años la televisión era en blanco y negro, y el cine era un refugio de colores en una sala oscura. Por otros lado, inolvidables para mi fueron los personajes de Tom Sawyer y el de Huckleberry, así como imborrable el indio Joe. Pero lo tambien me gustó de la película fue la inocente historia de amor entre Tom y Becky que interpretaba una absoluta desconocida para mi en aquellos años, hoy una gran estrella de Hollywood, Jodie Foster. 

El Tom Sawyer del que hablo llevaba por título Las aventuras de Tom Sawyer. Lógicamente la película se inspiraba en la obra de Mark Twain, y más concretamente en las travesuras que se protagonizaron en la vida real Samuel Langhorne Clemens, es decir, el autor de la obra, Mark Twain,  y su amigo y cómplice de la infancia, Tom Blankeship, a quien convertiría en oro personaje literario, Huckleberry Finn. 

Tom Sawyer fue una obra publicada en 1876 por Marl Twain sobre un niño que crece años antes de la Guerra de Secesión en «St. Petersburg», una población de la costa del río Mississipi inspirada en Hannibal, donde creció el autor. Parte de los acontecimientos narrados y visto en la película como el castigo de pintar la valla, su relación con  Becky Thatcher, su   amistad con el pelirrojo Huck… son un registro bastante fidedigno de las travesuras que vivieron

No fue la primera vez que esta obra de Twain pasaba por el cine. En los años 30 , en concreto, en 1938 hubo una producción de David O. Selznick, dirigida por Norman Taurog, pero en la que también estuvieron involucrados H.C. Potter, William A. Wellman y George Cukor y que contó con los actores y actrices Tommy Kelly, May Robson, Walter Brennan, Victor Jory, David Holt, Victor Kilian, Nana Bryant, Olin Howland,entre otros fue llevada al cine y consiguió una nominación al Oscar a la mejor dirección artística Sin embargo, la obra de los años setenta fue dirigida por el actor y director nacido en Pensilvania, Don Taylor.

Tras realizar una corta pero satisfactoria carrera como actor en películas como The Naked City, El padre de la novia (1950) o Infierno en las nubes (1951) entre otros. A finales de los años cincuenta pasó a la dirección hasta la década de 1980. Taylor se dedicó a la dirección de películas, y principalmente a los programas televisivos.

De su dirección surgieron Escape from the Planet of the Apes (Huida del planeta de los simios, 1971), Echoes of a Summer (Ecos de un verano, 1976), The Island of Dr. Moreau (La isla del doctor Moreau, 1977, con Burt Lancaster), Damien: Omen II (1978, con William Holden), y El final de la cuenta atrás (1980, con Kirk Douglas).

Tras participan en la película de la saga simiesca realizó Las aventuras de Tom Sawyer basada en la obra de Mark Twain . Fue una producción de Arthur P. Jacobs y Frank Capra, Jr. para la productora Apjac International y con el respaldo de la Asociación y su revista The Reader’s Digest y la distribución de la United Artists.

Para esta película además de los escrito por Twain el guión fue adaptado por los hermanos Robert B. Sherman y Richard M. Sherman reconocidos letristas y compositores de algunas de las principales obras de Disney ( Mary Poppins, El Libro de la Selva, Winnie the Pooh, Chitty Chitty Bang Bang, The Aristocats, The Slipper and the Rose, La película de Tigger o La bruja novata).

Lógicamente los hermanos también están presentes en la banda sonora junto a la música de John Williams, ya que la película es , a la vez, un musical, con canciones de los hermanos Sherman, Robert B. y Richard M. , con la música de Williams y la colaboración de Charlie Pride para la canción de inicio de la película, River Song con la que comienza.

Al proceso de trabajo se unió el fotógrafo Frank Stanley y el editor Marion Rothman, así como otros técnicos como el encargado de arte y  decoración ( Philip M. Jeffries y Robert De Vestel ) y el encargado de vestuario ( Donfeld ).

El grupo de actores y actrices lo encabezan el televisivo actor Johnny Whitaker como Tom Sawyer, a la que se suman Celeste Holm como tía Polly, Warren Oates como Muff Potter, Jeff East como Huckleberry Finn y una jovensísima Jodie Foster como Becky Thatcher.

Junto a ellos están Lucille Benson como Widder Douglas, Henry Jones como el Sr. Dobbins, Noah Keen como el juez Thatcher, Dub Taylor como Clayton y Kunu Hank como el indio (Injun) Joe. Igualmente hacen su aparición Joshua Hill Lewis como Sidney, Susan Joyce como María Richard Eastham como Doc Robinson, Sean Summers como Billy Fisher, Steve Hogg como Ben Rogers, Mark Lynch como el fiscal, Frederick Timothy Allen como el hombre que llora en el funeral, Sandy Kenyon como Const. Clemmens y Rev. NC Schultz como el Ministro de la iglesia.

La película comienza un día cualquiera, cuando Tom Sawyer (Johnny Whitaker) sale de la casa en la que vive con su tía Polly (Celeste Holm) y sus primos Sidney (Joshua Hill Lewis) y Mary (Susan Joyce).

En principio parece que los tres van a la escuela de Hannibal , la localidad en la que viven, a orillas del Mississippi, pero Tom entre ir a la escuela o jugar a sentirse libre opta por ir al muelle del río en el que está atracando en ese momento un barco a vapor que navegan por el Mississippi.

Tras su llegada, los pasajeros desembarcan en Hannibal y de entre los que descienden están los miembros de la familia Thacher , entre los que viene la pequeña Becky Thatcher (Jodie Foster) y su padre, el juez (Noah Keen ).

Tom se para a ver bajar a los pasajeros y tras ello  Tom Sawyer va a ver a su amigo Huckleberry Finn (Jeff East), un chico que no está escolarizado y que vive en una vieja cabaña junto al río. Allí comprueba Tom que Huck tiene en un saco un gato muerto y Huck le justifica el por qué: revivir a un gato muerto con el espíritu de un hombre llamado Hoss Williams que está en su lecho de muerte. 

Momentos después llega el borracho de la ciudad, Muff Potter (Warren Oates) amigo de Huck y de los padres de los respectivos amigos que esconde sus botellas por toda la comarca. Mientras sacan una del agua, se persona en el lugar el indio Joe (Kunu Hank), un hombre cojo con fuertes dolores que causa terror en Tom y Huck.

El indio Joe le dice a Muff que Doc Robinson (Richard Eastham ) quiere verlos. Muff y Joe conocen a Robinson y sabe que tiene negocios oscuros.

Doc, tras reñirles por entrar por la puerta principal de su negocio, les informa que tienen un trabajo para ellos : cavar la tumba de Hoss Williams. Joe está muy enojado porque Robinson no sanó su pierna correctamente y está muy resentido con él y con la humanidad.

Mientras tanto, Tom continúa saltándose sus días de escuela y se le ocurren historias fantásticas sobre por qué no llega temprano a casa para cenar ante una irritada tía Polly, que no se cree sus mentiras, algo en lo que no ayuda Sidney, pero que intenta encubrir su prima María.

Un día justifica que está ayudando a la Viuda Douglas (Lucille Benson) porque se ha hecho una enorme herida en la pierna, desconociendo que está en la casa cenando . El castigo es ir a la cama sin cenar y al día siguiente pintar la verja blanca de la casa.

A la mañana siguiente, mientras lo hace, consigue engañar a los niños de la ciudad para que le hagan sus tareas de castigo.

Después de que Williams muere, los dos amigos , Huck y Tom, van al cementerio y descubren que Muff y Joe están desenterrando una tumba por indicación de Robinson. Joe continúa enojado con Robinson y exige más dinero para el trabajo. Cuando Robinson se niega, Joe agarra una pala, y accidentalmente golpea a Muff, tras ello golpea a Doc Robinson en la tumba con la pala, luego agarra el cuchillo de Muff y salta detrás de Doc Robinson.

Tom y Huck son testigos de todo esto y luego huyen, haciendo un pacto de sangre para no contarle a nadie lo que vieron. Joe , minutos después despierta a Muff y le dice que ha asesinado a Doc, y Muff va a la cárcel.

Mientras tanto, Tom conoce a su nueva vecina, una chica rubia de nombre Becky Thatcher (Jodie Foster) que se ha mudado a la ciudad, lo que lleva a Sawyer a un aturdimiento romántico que tiene una continuidad en el colegio cuando se responsabiliza ante el profesor de haber tirado una pizarra, a pesar de que se le ha caído a Becky.

En el juicio a Muff, Tom no puede contenerse mientras Joe es llamado a la tribuna y miente sobre el incidente, responsabilizando a Muff por el asesinato. Cuando llaman a Tom al estrado, él relata lo sucedido, sin mencionar que Huck estaba con él. De repente, Joe lanza un cuchillo a Tom, por poco da en la cabeza de Tom y salta por la ventana del juzgado, huyendo.

Después del juicio, Tom y Becky inician formalmente sus relaciones, pero eso termina rápidamente cuando Tom menciona que también está comprometido con Amy Lawrence.

Después de enfadarse con Tom este es atacado por Finn por "romper el pacto" y ambos deciden huir esa noche como comprueba la tía Polly al no presentarse a cenar. Mientras navegan por el Mississippi, su bote es volcado por un barco fluvial y terminan en una isla donde disfrutan de libertad y meditan sobre lo que le sucedió a Joe.

Mientras están en la isla, ven a algunas personas " drenando el río", en búsqueda de algo y disparando un cañón para sacar cualquier cuerpo del fondo del río. Tom y Huck deciden "regresar a casa" y descubren al llegar que están dando un funeral por ellos. El servicio fúnebre se interrumpe cuando el juez Thatcher los ve en la parte posterior de la iglesia, mientras habla alabando la actitud de Tom. Allí todos los presentes lloran incluidos los presuntos dos finados.

Tras ello , la viuda Douglas toma Finn bajo su ala después de eso. Más tarde, en una celebración del Día de la Independencia, Tom y Becky van a fiesta que se celebra en una campa cercana a Hannibal .

Ambos entran en la Cueva de McDougal para tomar un trago de agua del manantial subterráneo. Tras llegar al fondo se encuentran con Joe. Joe los persigue a través de la cueva, con la intención de matar a Tom. Sin embargo, el Juez Thatcher, Muff y Huck alcanzan a Joe y Muff le lanza una antorcha a Joe, que luego cae al vacío y muere.

Más tarde, Huck desaparece, preocupando a la viuda Douglas y Tom lo encuentra en el antiguo lugar de pesca donde pasan el rato. Tom reprende a Huck por preocupar a la viuda Douglas, y , por último, Muff decide abandonar la ciudad eso sí, no antes sin tomar un trago.

Acabando la película con la visita que Tom hará junto a Becky y su padre a la ciudad de Saint Louis, cumpliendo así uno de sus sueños. Mientras el barco sale y se desplaza por el río se acaba la película mientras suena River song.

La película fue filmada en el verano de 1972 en las localidades de Arrow Rock , Lupus, así como en Las Cavernas de Meramec en Stanton, en la Onandaga Cave de Leasburg, todas ellas en Missouri Otra película similar fue lanzada para la televisión ese mismo año, que fue filmada en Upper Canada Village , en Ontario .

Se trata de una de las pocas producciones en las que intervino Reader's Digest m, pero consiguió en taquilla unos $ 6,000,000.

El barco a vapor con ruedas de paleta utilizado en la película fue el Julia Belle Swain , actualmente amarrado en el Riverside Park en La Crosse, en Wisconsin . Fue diseñado y construido en 1971 por el Capitán Dennis Trone. El Julia Belle fue el último barco construido por Dubuque Boat & Boiler Works de Dubuque, empresa de Iowa. Las máquinas de vapor del barco fueron construidas en 1915 por Gillett and Eaton Company y originalmente instaladas en el transbordador de la rueda central City of Baton Rouge. Los motores han registrado más de un millón de millas.

El barco de vapor fue dutilizado no sólo en "Tom Sawyer" (como la "River Queen") sino en la película de 1974 "Huckleberry Finn".

En 1973, los hermanos Sherman hicieron historia al convertirse en los únicos estadounidenses en ganar el Primer Premio en el Festival de Cine de Moscú por Tom Sawyer.

En aquel 1974, Sherman Brothers , junto con John Williams , recibieron dos  nominaciones a los Golden Globe como Mejor Banda Sonora Original y mejor película musical.

Posteriormente, el trío sería nominado para un Premio de la Academia a la Mejor Música,  mejor  Canción Original y / o Adaptación. También recibió nominaciones al Premio de la Academia por la Mejor Dirección de Arte, Escenario de Decoración ( Philip M. Jeffries , Robert De Vestel ) y Mejor Diseño de Vestuario ( Donfeld ).

Las canciones que suenan a ñlo largo de la película "Canción del río" o River Song (El tema de "Tom Sawyer") Charley Pride , Coro y orquesta ; "Tom Sawyer" , interpretada por Tía Polly, Mary, Sidney ; "¿Cómo se hace?" cantada por Tom ; "Gratificación" cantada por los niños ; "Si no fuera dios" interpretada por Tom , "Un hombre consiguió ser (qué él nace para ser)" cantada por Tom, Huckleberry y Muff , "Hannibal, Mo (Zour-Ee)" por todo el reparto ; Freebootin o "Botín gratuito" por Tomy Huckleberry y , por último el "Soliloquio de tía Polly"

La película es luminosa como pocas, entretenida desde el principio hasta el final como muchas , con una buena música, aunque olvidada - ninguno de los temas quedan hoy en el recuerdo a diferencia de otros títulos de los dos grandes que fueron Sherman, Robert B. Sherman y Richard M. Sherman, sin grandes coreografías, buen y ágil montaje, con grandes dosis de comedia y un encantador ambiente pero lo más importante clavada en mi corazón y en mi memoria. De hecho, esta entrada se la dedico a mi tío, una gran persona.