domingo, 17 de marzo de 2024

Al servicio del reich



Filip es una película polaco dirigida en el año 2022 y que tuvo una España el título de al servicio del reich.

Está basada en la novela semi autobiográfica que llevaba por título Flip de Leopold Tymand, y ambientada en 1943. La película fue dirigida por el polaco Michel Kwiecinski que también trabajó en el guion junto con Michal Matejkiewicz, Anna Gronowska, Pawel Rzewuski, Martin Rath, Leopold Tyrmand. 

La película que contó en la producción con Michał Kwieciński, Patryk Peridis, Krystyna Swieca y que tuvo como productor ejecutivo a Malgorzata Fogel-Gabrys como cabeza visible de las productoras Akson Studio, Telewizja Polska (TVP) y Agencja Filmowa, sigue a un cínico y oportunista joven judío de origen polaco que esconde un trauma personal bajo una sonrisa irónica y tras conseguir salir vivo del gueto de Varsovia y perder a toda su familia y a su recién prometida, oculta sus orígenes judíos , se hace pasar por francés y comienza a trabajar como camarero en un exclusivo hotel de la ciudad de Frankfurt lo que le permite disfrutar descuidadamente de todos los encantos de la vida rodeado de lujo, mujeres hermosas y amigos de toda Europa como Pierre (Victor Meutelet ) o Francesco (Joseph Altamura) o Lazslo (Mateusz Rzeźniczak ). 



Al protagonista le interesa sobrevivir, fornicar, fumar y beber un buen vino. Está en las mejores condiciones para llevar a cabo su particular venganza, primero, contra las mujeres alemanas como Blanka (Zoë Straub ), a quien da esperanzas para mantener su aventura , o Lisa (Caroline Hartig ), la física de la que parece estar enamorado. 

Sin embargo, cuando la guerra comienza a cobrar un sangriento precio entre sus seres más cercanos como sus amigos Pierre y Francesco, o incluso con la desgraciada de Blanka y cuando parece estar en las mejores condiciones , aunque fuese involuntariamente tras reencontrase con una vieja conocida de Varsovia como Marlena (Sandra Drzymalska ), el mundo intrincadamente construido que lo rodea se desmorona como un castillo de naipes.



El servicio del Reich refleja la perfección a un judío que tuvo que ocultarse la Alemania nazi con tal de sobrevivir porque la guerra fuera del frente también se veía en cualquier lugar incluso en un hotel de lujo.



Tras su papel el protagonista de la cinta, Eryk Kulm como Filip tuvo que prepararse durante un año. El actor aprendió a hablar alemán y a boxear mejoró su francés y y ganó 10 kilos de peso. Según afirmó el actor " la preparación para esta película ha sido muy larga e intensa y ha sido el papel más exigente de mi vida".

La fotografía es de Michal Sobocinski, siendo el montaje de Nikodem Chabior, la escenografía de Marcel Slawinski y Katarzyna Sobanska-Strzalkowska, el vestuario de Magdalena Biedrzycka y Justyna Stolarz, la música de Robot Koch. 



Junto al citado Eryk Kulm aparecen Victor Meutelet, Caroline Hartig, Zoe Straub, Sandra Drzymalska, Maja Szopa, Gabriel Raab, Bohdan Graczyk, Werner Biermeier, Ondřej Kraus.

La película se proyectó por primera vez en el Festival de Cine de Gdynia en septiembre de 2022, donde ganó el León de Plata y también premios para Michał Sobociński por fotografía y para Dariusz Krysiak por caracterización. 



El actor que interpreta el papel principal, Erik Kulm Jr., recibió en diciembre de 2022 el premio Zbyszek Cybulski al joven actor de destacada individualidad. La película también se presentó en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara en 2023, en el que fue su estreno internacional. Filip también recibió el premio más alto (Platinum Gorget) en marzo de 2023 durante el III Festival de Cultura Nacional "Pamięć i Tożsamość" en Varsovia. 



En su reseña, Jakub Majmurek valora la habilidad de los cineastas para contar una historia intensa en un estilo moderno, además de centrarse, algo poco habitual en el cine histórico polaco, en la experiencia personal de un personaje concreto y no en una gran narrativa. Majmurek enfatiza la naturaleza biopolítica de la historia. Las autoridades nazis en la película están interesadas principalmente en la moralidad sexual de las mujeres alemanas, mientras que Felipe es "un judío que, en medio del Holocausto, se niega a morir" y decide disfrutar de la vida. De los inconvenientes de la película, menciona que por momentos resuena con tonos misóginos, y que "carece del cierre que hubiera hecho de una buena película una obra verdaderamente pesada e importante que ofreciera una mirada fresca a un tema histórico con un título sobresaliente". papel de Erik Kulm."



En Granada es posible



El cine documental musical va ganando terreno año tras año acostado llegar sí no hace mucho veía un par de documentales realmente un documental y un concierto de Kiko Veneno ahora le toca el turno a lo que se vivió en Granada desde los años sesenta hasta prácticamente el nuevo milenio.



 
Las directoras y responsables del guion de este documental, las hermanas María José Martín y Cristina Martín, más conocidas como Ladelcine. , amparados por la productora Lasdelcine Producciones Audiovisuales y Canal Sur, así como Summer Films, se plantearon el año 2015 con el apoyo en la imagen de Aitor Uribarri, quedando la producción ejecutiva en manos de Guillermo Rojas, la edición y montaje por parte del Isabel Muradás, el sonido de Raquel Caridad, la jefatura de producción responsabilidad de Mónica Mateo y la distribución y marketing de Hugo Serra, montar el concierto y documental que reivindica el pasado y presente rockero de la ciudad de Granada, un repaso a la lista de artistas que han definido a lo largo de más de cuarenta años la historia del rock español y que hunden sus raíces en la capital andaluza. Durante el documental escuchamos declaraciones vemos actuaciones de artistas tan representativos como Miguel Ríos, Los Ángeles, Los Lagartija Nick, Los Planetas, Lori Meyer, Los niños mutantes, La Guardia, Ignacio lapido, Pájaro Jack, Napoleón Solo, Lemon Parade, más Carlos Muñoz, Antonio Arias, Eric Jiménez, José Antonio García y TNT,que conjuntamente con los geniales 091, así como Quini Almendros, Miguel Martín, José Nortes, Polako, comentan el sueño de subir al escenario en un impresionante repaso de quién era quién en la escena musical granaína. Y haz que lo que dio en Granada fue muy grande. 

Las directoras y guionistas se plantearon hacer “Un proyecto propio en el que pusimos todo nuestro corazón y nuestras ganas para mostrar el lado más artístico y musical de nuestra tierra. ¿Por qué Granada ha comandado el panorama del pop nacional durante tantos años? Lo cierto es que sus trabajos recientes con artistas consagrados como MClan, Coque Malla y Sidecars (entre otros) tuvieron críticas excelentes

En este documental la cámara pasa por los bares y en los lugares más emblemáticos de la ciudad para tratar de responder a esta pregunta antes plantada. 

El trabajo de campo culminó en un espectacular concierto, único e irrepetible, que se celebró el 15 de marzo de 2014 en el Palacio de Deportes de la capital nazarí , grabado con un excelente equipo de profesionales en el Palacio de Deportes. Allí se juntaron los mejores artistas de la ciudad, como Miguel Ríos, 091 o Antonio Arias y sus Lagartija Nick, con grupos emergentes como Lemon Parade, Pájaro Jack o Royal Mail y con grandes colaboraciones en directo como las de Tarque (MClan). 

La idea de este proyecto surge de la conjunción de dos factores: Por un lado, el hecho de que las directoras sean granadinas, conscientes de la magia de su ciudad, y por otro, una pasión alimentada por la música desde niñas. 

Las directoras comentaron que  “El ultimo vals”, de Martin Scorsese, es sin duda nuestra mayor influencia a la hora de desarrollar esta historia, pues fue viéndola cuando, junto con nuestro padre, se nos ocurrió la idea de hacer y filmar un reunión de músicos, y no tardamos en ver que en nuestra tierra había potencial para contar una historia: la de su música. Poco a poco le fuimos dando forma, contactando con algunos músicos gracias a los que pudimos rodar un avance que permitiera dar una visión de lo que pretendíamos, de que la idea era posible y tenía potencial. Al tiempo que conseguíamos implicar a más músicos, instituciones y patrocinadores, íbamos descubriendo más cosas sobre la historia de nuestra música y sus protagonistas. Juan Jesús García, de origen madrileño aunque afincado en Granada, es el periodista musical de la tierra por excelencia desde hace mas de treinta años, y fue quien nos facilitó su libro inédito “Historia de la música granadina” para hilvanar poco a poco un guión a seguir. En el camino de la búsqueda de financiación, fuimos reuniendo fondos propios y entrevistando a los músicos que íbamos implicando, mientras preparábamos el macroconcierto que habría de reunirlos a todos en una noche mágica. La experiencia fue, como poco, intensa. 




Tras dos años, dos prestamos (uno personal y otro bancario), y un sin fin de colaboraciones y trabajo de un gran equipo, pusieron la guinda al rodaje grabando el concierto “En Granada es posible” el 15 de Marzo de 2014 en el Palacio de Deportes de Granada.




En el mismo Miguel Ríos actuó como maestro de ceremonias, y tres generaciones de músicos unidos en un mismo escenario. Planificamos la estética de las entrevistas al uso de los grandes documentales de música, desde “No direction home” a “Stones in exile”, en los que las declaraciones de los músicos no fueran meramente funcionales, si no que todas tuvieran una atmósfera propia y bella. Para el concierto seguimos la estela de “El ultimo Vals”, concibiendo tanto planos cercanos como amplios, de manera que reflejaran la intimidad y magia de esa reunión, y la grandeza y repercusión de la misma. Desde la mesa de control, era indescriptible ver a esas 5.000 personas, ese público venido de muchas partes de España, respondiendo a una historia, a un hecho especial y mágico que hierve en Granada, y que sólo el amor la música es capaz de congregar. El resultado de todo este viaje es un material impecable, con el que hemos dado forma al documental en sí. Los documentales son testimonios vivos de la historia del ser humano, y un documental sobre música es un legado que sirve para entender pasado, presente y futuro… Son las canciones uno de los pocos medios capaces de unir a generaciones enteras. Por ello pretendemos que nuestro documental sea el testimonio definitivo de lo que lleva mas de cincuenta anos aconteciendo en la mágica ciudad de Granada. El concierto “En Granada es posible” contó con un cartel irrepetible, con momentos históricos como Miguel Ríos y Carlos Tarque recibiendo al público con “Bienvenidos” junto a los Niños Mutantes. 




El primer tema, Bienvenidos, ya prometía una noche de magia, unión y arte. Durante el mismo se produjo la reunión de 091, que llevaba mas de 20 años sin reunirse en un mismo escenario. 

El documental fue presentado en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva 2015, en el 44º Festival Internacional de Cine de Cartagena (España) , en el 31º Festival Internacional de Cine de Guadalajara (México) , en el Festival de Cine Español de Málaga y fue premiado , o al menos, nominado en los Premios ASECAN del Cine Andaluz del año 2016 al Mejor Documental. La vida ... que mala es. 



sábado, 16 de marzo de 2024

Pierrot le fou



Jeam Luc Godard crea en 1965, y con vivos colores una película irrepetible sobre dos personajes, Ferdinand que de pronto se transforma muy a su pesar en Pierrot, nombre dado por su amante, Marianne, una chica que provoca que el primero abandone a su mujer. Ferdinand, un hombre infelizmente casado, que escapa de su aburrida sociedad y viaja desde París al mar Mediterráneo con Marianne, una chica perseguida por sicarios de la OEA en Argelia. 



Con esta película, en ese año 1965,  y con esta historia, Jean Luc Godard como director y guionista y el apoyo de Georges de Beauregard y su productora, Films Georges de Beauregard, invirtiendo unos $300,000 , aunque se sumaron S.N.C. y Dino de Laurentis Cinematográfica , traslada al cine la obra Obsession de Lionel White

Fue el décimo largometraje de Godard, estrenado entre Alphaville y Masculin, féminin. La película contó con la música Antoine Duhamel, el sonido de René Duhamelde , la fotografía de Raoul Coutard y el montaje de Françoise Collin. La película nos cuenta la historia de Ferdinand Griffon (Jean-Paul Belmondo), un hombre infelizmente casado con María (Graziella Galvani ) una rica italiana, un intelectual fracasado con ambiciones literarias como escuchamos al inicio cuando habla sobre el pintor Velázquez, que intenta cumplir su deseo artístico, y que recientemente ha sido despedido de su trabajo en una empresa de televisión. 




La mujer le obliga a ir a una fiesta que tiene lugar en la casa del padre de ella, un empresario que quiere presentar a Ferdinand a un importante personaje para que le dé trabajo. Después de asistir a una fiesta sin sentido, llena de conversaciones superficiales entre ellas alguna mantiene con Sam Fuller, que parece extraídas de anuncios publicitarios en París, aunque con él habla de cine , preguntándole qué es el cine.

Ferdinand siente la necesidad de escapar y decide huir de la fiesta. Así que toma el coche de su cuñado y vuelve a casa. Allí encuentra a Marianne, quien había sido su amante cinco años atrás e insiste en llamarlo Pierrot. Él le ofrece llevarla a casa, allí pasa toda la noche, descubriendo por la mañana un cadáver y  que está involucrada en el tráfico de armas perseguida por unos revolucionarios argelinos.

Así que huye junto a Marianne Renoir (Anna Karina ),  dejando a su esposa e hijos y el estilo de vida burgués. 




Ahora Ferdinand sabe que Marianne está siendo perseguida por gánsteres de la OEA. Marianne y Ferdinand, a quien llama Pierrot (un apodo no deseado que significa "payaso triste"), emprenden una huída de la ciudad, pero también se ven inmersos en una ola de crímenes desde que salen de París hasta el Mediterráneo francés mientras huyen en el coche del muerto. 

Llevan una vida poco ortodoxa, siempre huyendo, perseguidos por la policía y por los mafiosos de la OEA. Cuando se instalan en la Riviera francesa después de quemar el coche del hombre muerto (que estaba lleno de dinero, sin que Marianne lo supiera) y hundir un segundo coche en el mar Mediterráneo, su relación se vuelve tensa. 

Durante sus aventuras, la pareja , además de cometer crímenes algunos muy naïfs, intercambian ideas sobre la vida, el amor y las personas. Descubrimos que Ferdinand es un aficionado a la lectura y tiene un diario, tomas de las páginas de éste van apareciendo intermitentemente durante la película. Ferdinand lee libros, filosofa y escribe un diario. Pasan unos días en una isla desierta. Un enano, que es uno de los gánsteres, secuestra a Marianne. Ella lo mata con unas tijeras. 

Ferdinand lo encuentra asesinado y dos de sus cómplices lo atrapan y lo azotan, quienes lo someten a un interrogatorio para obligarlo a revelar el paradero de Marianne. Marianne escapa y ella y Ferdinand se separan. 

Él se instala en Toulon, mientras ella lo busca por todos lados hasta encontrarlo. Después de su eventual reencuentro, Marianne usa a Ferdinand para conseguir una maleta llena de dinero antes de huir con su verdadero novio, Fred, a quien anteriormente se había referido como su hermano. 


Ferdinand dispara a Marianne y Fred (Dirk Sanders ), luego se pinta la cara de azul y decide hacerse estallar atando cartuchos de dinamita roja y amarilla a su cabeza. Se arrepiente en el último segundo e intenta apagar la mecha, pero falla y explota. Mientras la cámara enfoca el mar y el cielo, se oye una conversación entre la pareja protagonista. 




En febrero de 1964, mientras filmaba Bande à part, Godard anunció que tenía planes de adaptar la reciente novela policial Obsession, de Lionel White, que describió como “la historia de un hombre que deja a su familia para seguir a una chica mucho más joven que él. Está confabulada con gente un poco turbia y eso la lleva a una serie de aventuras”. 

Godard le dijo a France-Soir que quien eligiera como protagonista femenina dependía de a quién eligiera como protagonista masculino. Si hubiera elegido a Richard Burton, su primera opción, habría elegido a su esposa Anna Karina junto a él y habría rodado la película en inglés para acomodar a Burton. De lo contrario, si eligiera a su segunda opción, Michel Piccoli, elegiría a "una chica muy joven" como Sylvie Vartan para el papel, temiendo que Piccoli y Karina formaran una pareja demasiado "normal" en la pantalla. Vartan y Piccoli no estaban disponibles, por lo que Godard eligió a Jean-Paul Belmondo para el papel de Ferdinand. 

El casting de Belmondo facilitó la obtención de financiación para la película debido a su estatus de estrella después de su papel en Al final de la escapada o Sin aliento (1960) de Godard. En septiembre de 1964, en el Festival de Cine de Nueva York, Godard anunció que Karina interpretaría a Marianne junto a Belmondo. Más tarde, Godard comentó a Cahiers du Cinéma que elegir a Belmondo y Karina finalmente cambió el tono de la película, ya que "en lugar del tipo de pareja de Lolita o La chienne" que originalmente imaginó, ahora "quería contar la historia de la última pareja romántica", pareja, los últimos descendientes de La novela Heloise, Werther, Hermann y Dorothea. 

Como ocurre con muchas de las películas de Godard, no se escribió ningún guion hasta el día antes del rodaje y los actores improvisaron muchas escenas, especialmente en los actos finales de la película. Aunque la película conservó el esquema básico de la trama del libro de un publicista de mediana edad que se escapa y se obsesiona con la niñera adolescente de sus hijos antes de finalmente matarla, Godard pretendía convertir la película en "algo completamente diferente", como le dijo a Belmondo. 




El crítico Richard Brody escribe que dado que Marianne está indisolublemente ligada a las grandes ambiciones artísticas de Ferdinand, su traición "no sólo rompe el corazón de Ferdinand sino que también destruye lo que iba a ser el trabajo de su vida". Brody señala que este cambio en los temas y efectos de la historia reflejó el matrimonio fallido de Godard con Karina, quien apareció en muchas de sus obras. Karina y Godard se divorciaron a principios de 1965, antes de que comenzara la producción de la película. 

Godard inicialmente entró en pánico una semana antes de que comenzara la producción, al darse cuenta de que muchas de sus ideas originales para la película eran de poca utilidad para él. El propio director comentó que "Según el libro, ya habíamos establecido todas las ubicaciones, habíamos contratado a la gente... y me preguntaba qué íbamos a hacer con todo eso". 

El rodaje se llevó a cabo durante dos meses, comenzando en la Riviera francesa y terminando en París (en orden inverso al de la película editada). Toulon sirvió de telón de fondo para el desenlace de la película, cuya fotografía incluyó imágenes del histórico acorazado francés Jean Bart. 

Como anécdotas señalar como el Ford Galaxie de 1962 que fue arrojado al agua y hundido era del propio Godard. Jean-Pierre Léaud fue asistente de dirección no acreditado en la película (y también aparece brevemente como un joven en una sala de cine) al igual que Sam Fuller hace un cameo como director de cine estadounidense en la escena de la fiesta. 

Como muchas de las películas de Godard, Pierrot le fou presenta personajes que rompen la cuarta pared mirando a la cámara. También incluye sorprendentes opciones de edición; por ejemplo, cuando Ferdinand le arroja un pastel a una mujer en la escena de la fiesta, Godard muestra un fuego artificial que explota justo cuando la golpea. En muchos casos, Godard, en lugar de un corte perfecto entre dos tomas, inserta una tercera imagen no relacionada. 

Lorenz Engell afirma que esta tercera imagen se caracteriza, para Godard, por su realidad y objetividad, y hace que las "cadenas de imágenes" se "separen".El director dijo que la película estaba "conectada con la violencia y la soledad que "Están tan cerca de la felicidad hoy. Es en gran medida una película sobre Francia". 

La película tiene muchas de las características del entonces dominante movimiento de arte pop, haciendo constantes referencias disyuntivas a diversos elementos de la cultura de masas. Como gran parte del arte pop, la película utiliza imágenes extraídas de dibujos animados y emplea una estética visual intencionalmente llamativa basada en colores primarios brillantes. 

El ya citado crítico Richard Brody escribe que la estética de las películas anteriores de Godard se había basado en el modernismo intelectual, como en Une femme mariee (1964) y, a veces, en las convenciones del cine negro, por ejemplo en Breathless (1960). Según Brody, la ira política de Godard por la escalada de la guerra de Vietnam y la menguante inspiración de la historia original de estilo negro de Obsession lo llevaron a alcanzar "nuevas alturas de espontaneidad e invención relámpago" en la película, lo que resultó en la estética del arte pop de la película.




Para Volker Panteburg la película demuestra el interés de Godard por el color y el "poder explosivo de las imágenes" tanto como por la historia, citando la escena final en la que Ferdinand se pinta la cara de "azul Yves Klein" y se suicida con "barras de dinamita rojas de estilo pop".




Como en muchas obras de arte pop, como las de Roy Lichtenstein, Pierrot le fou utiliza de manera destacada texto, a menudo preexistente, para comentar su propia historia e ideas, aislando y resaltando la información extradiegética que normalmente se absorbe de manera semiconsciente. Por ejemplo, justo antes de su primer enfrentamiento importante con la OEA, Ferdinand y Marianne pasan junto a un cartel que advierte sobre un descenso frente al puerto que dice "danger de mort" (peligro de muerte), presagiando sus muertes. 

Godard utiliza a menudo texto comercial en la película y lo recontextualiza, como la palabra "Total", que aparece en una gasolinera, adquiriendo el significado adicional del término "suma total", que pronuncia Ferdinand poco después. Pierrot le fou continúa la tradición de Godard de dirigir la atención a las artes. Richard Brody establece un paralelo entre los "vastos sueños artísticos, cósmicos y casi metafísicos" de Ferdinand y la "propia búsqueda de otro tipo de arte cinematográfico" de Godard, uno que vaya más allá de la presentación visual de objetos y personajes" hacia una presentación más elevada y pura de ideas. . Señala la primera escena de la película, en la que Ferdinand se sienta en su bañera y lee un pasaje del crítico de arte Élie Faure sobre Diego Velázquez. Después del estreno de la película, Godard afirmó que al hacerla, estaba intentando "transmitir el sentido de lo que Balthazar Claës[a] estaba haciendo en La obra maestra desconocida", haciendo referencia a una novela corta de Balzac, a quien se hace referencia en la apertura y el cierre de la película. escenas. The Unknown Masterpiece o La obra maestra desconocida trata sobre un pintor francés que ha estado trabajando solo durante años en un retrato de una mujer que cree que marcará el comienzo de una nueva era del arte. Cuando sus dos amigos creen que todo es un desastre, se suicida. Brody encuentra una similitud entre La obra maestra desconocida, Pierrot le fou, y la vida personal de Godard en el "autorretrato del artista a punto de llevar una investigación filosófica sobre la forma, o más bien la falta de forma, hasta un extremo que lo destruyó no sólo a él mismo sino también a él mismo". También su esposa." Ferdinand cree que podrá realizar su sueño de escribir una novela sobre "la vida misma. Lo que hay entre las personas: el espacio, el sonido y el color", aislándose en una isla con Marianne, un sueño disipado por el aburrimiento de Marianne en la isla. Brody escribe que esto refleja la creencia de Godard de que "la gloria de la naturaleza y una vida de propósito compartido con una mujer amada son... una pareja natural", y cómo esta creencia se vio afectada por su divorcio de Karina. 




Godard explora el consumismo y los medios de comunicación en Pierrot le Fou, de manera más destacada en una de las primeras escenas de un cóctel que demuestra el mundo burgués del que huye Ferdinand. Las interacciones de los invitados consisten únicamente en eslóganes publicitarios, llamando la atención sobre el predominio del comercialismo y la extrañeza del discurso publicitario, mostrándolo fuera de contexto, en un entorno "real". Para enfatizar el carácter guionista y unidimensional de la interacción pública en esta escena, Godard satura la escena con varios colores fuertes, ya sea a través de luces o un filtro en la cámara. 




Godard utiliza la película para llamar la atención sobre la tendencia de la publicidad a sexualizar a las mujeres. En la citada fiesta las mujeres aparecen retratadas tanto vestidas como en topless. En una escena anterior, Ferdinand observa un anuncio de una faja y comenta en off que después de las civilizaciones de Atenas y el Renacimiento, la humanidad está entrando en "la civilización del asno". 

La película fue presentada en el Festival de Venecia (septiembre de 1965) donde algunos del público respondieron inicialmente con abucheos. La película se estrenó posteriormente en Francia en noviembre y no tuvo éxito en taquilla siendo la decimoquinta película más taquillera del año, con un total de 1.310.580 entradas vendidas en Francia. 

Fue seleccionada como Mejor Película en Lengua Extranjera en la 38ª edición de los Premios de la Academia, pero no ni tan siquiera nominada. Recibió elogios de la crítica con elogios hacia el estilo narrativo de la película, las actuaciones de Belmondo y Karina, la dirección de Godard y la cinematografía. En los BAFTA de 1967 Belmondo fue nominado al mejor actor. 

La película recibió críticas positivas. En Le Nouvel Observateur, el crítico Michel Cournot escribió: "No me avergüenza declarar que Pierrot le fou es la película más bella que he visto en mi vida", mientras que en una reseña de primera plana de Les Lettres Françaises, el novelista y poeta Louis Aragon elogió la película y afirmó: "Hay una cosa de la que estoy seguro... el arte actual es Jean-Luc Godard". 

Escribiendo en 1969, Andrew Sarris llamó a Pierrot le fou "el tipo de última película que un director puede hacer". hacer sólo una vez en su carrera.

De ella en el Chicago Reader se dice que es "Una obra maestra".  Renata Adler del  The New York Times dijo de ella que es "Una de los películas más humildes y apacibles de Jean-Luc Godard ... caprichosa y bella".




En Gran Bretaña, en The Times, Edward Porter defendió que   "Demuestra que una película puede interpretar todo tipo de juegos postmodernos y seguir tocando las emociones del espectador"  Y Peter Bradshaw en The Guardian  afirma que es "Cautivadora y seductora -quizás a pesar de sí misma - y una parte vital de la Historia del cine (...)" 

Ya en España en la revista Fotogramas se describe esta película "Como sucede siempre con este director, la brillantez expositiva tiene como contrapartida una tendencia a la elubración gratuita con apariencia trascendente. Los resultados son atractivos pero algo irritantes. (...) " 

Uno de los habituales de la revista , Fausto Fernández comentó sobre esta película surrealista y experimental que "El Godard que se emborrachaba de cine y con el cine, el que lo montaba y desmontaba como si le fuera la vida en ello. El Godard de Pierrot el Loco, el Amor a quemarropa aliteral de Belmondo y Anna Karina. " El la califica de "Road movie y viñetas monocolores en un Godard tan mítico como seguramente desconocido por las nuevas generaciones".





viernes, 15 de marzo de 2024

Despierta la furia



Wrath of Man viene a significar la furia de un hombre en este caso es una película del año 2021 dirigida por Guy Ritchie que responde cien por cien el estilo de Ritchie en las que se juega con el tiempo, en las que hay un narrador existen posiciones de cámara inverosímiles o se hacen un seguimiento de la cámara particular en algunas de las imágenes. 

En este caso el director británico dirige este violento y trepidante film de acción que se desarrollan en los Estados Unidos con muchos ingredientes que marcan el cine más personal del director aunque con un tono más serio y formarlo.



Protagonizada por Jason Statham, al que propio director convirtió en una de las grandes del cine de acción del siglo XXI, en la cuarta colaboración como director de Ritchie, responsable aquí también del guion, con el actor después de Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998), Snatch (2000) y Revolver (2005). Despierta a la furia cuenta con la historia de un hombre que acaba de incorporarse como guardia de seguridad en una compañía de blindados. la música es de Christopher Benstead, la fotografía de Alan Stewart y el montaje de James Herbert. Durante un intento de atraco a su camión h muestra la habilidad de un soldado profesional dejando al resto del equipo preguntándose quién es y de dónde viene.

Tenemos en este caso una historia de venganza basada en la película francesa de 2004 Le Convoyeur (El transportista ), de Nicolas Boukhrief y cuenta también con la interpretación de Holt McCallamy, Josh Hartnett, Scott Eastwood, y Andy García. 

La producción está en manos de Ivan Atkinson y Bill Block para la Metro-Goldwyn-Mayer y Miramax a los que se sumaron CAA Media Finance, Flic Films UK, Toff Guy Films.

La película está dividida en cuatro partes, y cada capítulo gira en torno a un acontecimiento principal que conocemos una vez iniciada la película y que desencadena una reacción en cadena. 

Comenzando con "Un espíritu oscuro", un camión blindado es asaltado por individuos fuertemente armados y vestidos de trabajadores de la construcción. Dos guardias y un civil son asesinados durante el robo. 

Cinco meses después del robo, un misterioso Patrick Hill (Jason Statham ) se presenta a Fortico Security, una empresa de furgones blindados. En su entrevista, su futuro superior, Terry (Eddie Marsan) , le elogia por sus referencias y le advierte de un robo sufrido en la empresa hace un tiempo que consterno a los integrantes de la misma. 

A continuación, Hill es presentado a Halden "Bullet" Blaire, Bullet (Holt McCallany ) , que le apoda "H" y supervisa su entrenamiento y las pruebas de calificación. "H" consigue a duras penas pasar las pruebas con un 70 % de la posible puntuación y tiene un comienzo difícil con sus nuevos compañeros, especialmente con "Boy Sweat" Dave Hanson (Josh Hartnett ). 


En su primer día de entrenamiento oficial, "H", Dave y "Bullet" son asignados a la misma camioneta. Dave, que tiene una actitud de "nosotros somos la presa" sobre el trabajo, le cuenta a "H" más sobre el robo donde los guardias fueron asesinados. Le revela que se suponía que iba a conducir la camioneta, pero que ese día había llamado para decir que estaba enfermo. 

Durante una recogida de entrenamiento, "Bullet" es tomado como rehén, y los secuestradores exigen los 2 millones de dólares que hay en su camión. Dave entra en pánico, pero "H" le convence de que conduzca para salvar a "Bullet". Cuando "H" y Dave se encuentran con los secuestradores, "H" se deshace rápidamente de ellos con una puntería experta, a pesar de sus mediocres habilidades de tiro de sus pruebas de calificación. 

Los investigadores de la policía asignados al robo interrogan a "H" sobre sus verdaderas habilidades frente a su entrenamiento. Luego le piden que vea las imágenes de seguridad del robo mencionado anteriormente para ver si cree que los dos crímenes están conectados. "H" niega la conexión y le devuelven a Terry. Terry trata de dar a "H" trabajo de escritorio durante un mes en caso de trastorno de estrés postraumático hasta que el director general de Fortico viene a agradecer personalmente a "H", permitiéndole seguir trabajando en el campo. 




Más tarde, los investigadores de la policía identifican a "H" ante su superior, el agente del FBI King (Andy García ), como alguien a quien el Buró había estado buscando durante 25 años. Sin embargo, King les dice que dejen a "H" libre de culpa y "dejen que el pintor pinte". 

Como resultado del intento de robo, muchos de los compañeros de trabajo de "H" creen ahora que es un héroe. En lo que parece ser su habitación de hotel más tarde esa noche, "H" recibe la visita de una mujer que le da los archivos de los empleados de Fortico, fotos de la familia de su compañera de trabajo Dana Curtis (Niamh Algar ) y un informe de la autopsia. "H" revisa una copia de las imágenes del robo que le mostraron los investigadores de la policía. En una recogida posterior rutinaria con sólo "H" y "Bullet", el camión es atacado de nuevo. "H" se enfrenta a los atracadores después de que éstos inunden el camión blindado con gas lacrimógeno, y se retiran rápidamente después de que uno de los atracadores vea la cara de "H". 

Terry no cree su historia, pensando que ahora es un psicópata. El director general de Fortico, sin embargo, elogia a "H" una vez más. Más tarde, "H" se acuesta con Dana y la retiene a punta de pistola para interrogarla sobre un alijo de dinero privado que encuentra en su vivienda. Ella afirma que una vez robó dinero de una licorería para ahorrar para la jubilación. "H le perdona la vida, pero le amenaza con más repercusiones si se entera de que le oculta otra información. 

La segunda parte, titulada "Scorched Earth", comienza con un flashback cinco meses antes. "H" en este momento Patrick Heargraves está de paseo con su hijo Dougie cuando accede a regañadientes a una llamada de trabajo en la que le piden que ayude en el reconocimiento de una ruta de camiones blindados. 

"H" inventa una excusa para comprar unos burritos en un camión de comida y se detiene al otro lado del puente del depósito de Fortico. Dougie se queda en el coche mientras él sale. Mientras espera junto al camión de comida, "H" llama a su subordinado para confirmar la ruta del camión. Cuando el camión blindado pasa por debajo del puente, es bloqueado y atacado por los obreros de la construcción disfrazados y fuertemente armados, que matan a los guardias por intentar defenderse, así como a Dougie por presenciar la cara de Jan (Scott Eastwood ). 




Cuando "H" corre hacia ellos, también es abatido pues una bala le da, pero sobrevive. Tres semanas después, "H" se despierta en un hospital tras una operación que le ha salvado la vida y se entera de la muerte de su hijo. Está totalmente conmocionado y no muestra apenas emociones, ni siquiera cuando su mujer afirma que la muerte de su hijo fue culpa suya y le abandona. 

"H" se reúne con el agente del FBI King y le pide información. King tiene una lista de posibles sospechosos que el FBI también está investigando, sin saber a quién busca "H". King le dice a "H" que puede hacer lo que quiera, pero que considere que sólo puede hacer la vista gorda durante un tiempo. 

Entonces se revela que "H" es Hargreaves Mason, el jefe de un sindicato del crimen. Los subordinados directos de su sindicato -Mike, Brendan y Moggy- son los hombres que realizarán el segundo ataque al camión de caudales de "H". "H" exige encontrar el rostro específico responsable del disparo. Sus hombres afirman que ya han empezado a buscar, abrasando la tierra en busca de justicia, pero aún no han encontrado al culpable. 

Tras agotar su lista de sospechosos y no encontrar ninguna pista posible, dejando una carnicería a su paso, Mike sugiere que el robo fue un trabajo interno. "H" dice que volará de vuelta a Londres para aclarar su mente. En su lugar, consigue que un contacto local, Kirsty, le proporcione la identidad falsificada de Patrick Hill, lo aloje en un hotel y localice el informe de la autopsia de la muerte de Dougie. 

En la tercera parte, "Animales malos, malos", conocemos a un aburrido ex pelotón militar formado por Carlos, Sam, Brad, Tom y Jan, comandados por su jefe de pelotón, Jackson. Luchando por llegar a fin de mes, la mayoría desempleados o con trabajos mal pagados, el grupo decide empezar a robar dinero en atracos cada vez más ambiciosos. 

Los atracos son planeados con gran detalle por Jackson y Tom, mientras mantienen la fachada de vidas ordinarias con familias, excepto Jan; él parece ser la oveja negra del grupo, mostrando poco respeto por Jackson y quejándose de todo, desde cómo se divide el dinero hasta lo que pueden comprar con sus acciones. 

En el primer intento de robar a un hombre rico para el que Carlos trabaja como seguridad sólo consiguen unos cientos de miles de dólares. A continuación, deciden utilizar sus contactos en empresas de camiones blindados para robar millones de dólares. Cada atraco conlleva un aumento de la riqueza y de los costes. 

Cuando llevan a cabo el atraco a Fortico, Jan se revela como el que mata a los guardias y a Dougie en contra de los deseos del resto del equipo. La última parte, titulada "Pulmones, hígado, bazo, corazón", se sitúa en el presente. Jackson y Tom reúnen al equipo para un atraco final mucho más grande, pero más arriesgado, para robar más de $150 millones de dólares del depósito de Fortico en el Viernes Negro. "H" y "Bullet" van juntos cuando "Bullet" revela que es el infiltrado de los ladrones y le pide a "H" que coopere para evitar la muerte. 

Cuatro de los ladrones, vestidos con chalecos antibalas, se esconden en el camión para acceder al depósito mientras Jackson y Tom toman un vehículo negro detrás de ellos. Su objetivo es mantener la escena sin dramas, abrir la puerta para que entre el vehículo de Jackson y vaciar el depósito antes de que llegue el SWAT, 8 minutos después. 

Una vez que el camión de los rehenes entra con éxito en el depósito, toman rehenes, entre ellos Terry y Dave. Dana y otros dos trabajadores llamados Stuart y Shirley se encuentran en la parte trasera de otro camión, sin ser conscientes de la situación que les rodea. Los ladrones exigen que se abra la puerta, pero un trabajador, John, activa la alarma. 

Los trabajadores que están detrás del mostrador de armas comienzan a disparar a los ladrones, pero son rápidamente sometidos. Dejan entrar a Jackson y Tom y empiezan a coger el dinero. Dana y Stuart ya han llamado a la policía, pero Shirley no puede permanecer escondida y decide empezar a disparar a pesar de las protestas de los demás. En la conmoción, "H" ahoga a Carlos y libera a Terry y a Dave. Toma la armadura de Carlos para defenderse, inspirando a Dave a hacer lo mismo mientras Terry se esconde. Al darse cuenta de que tal vez no logren salir, "Bullet" rompe su cobertura y mata a Dave, Dana y los guardias restantes. 

Dispara a "H" en último lugar y lo deja morir. "Bullet, Jackson y Jan son los únicos que consiguen salir del depósito, aunque Jackson está gravemente herido. Evaden a la policía y llegan a un garaje donde tienen acceso a los túneles subterráneos. Creyendo que Jan intentará matarlos, Jackson saca una pistola, pero Jan lo detiene y le corta el cuello. Cuando Jan y "Bullet" llegan al final del túnel, "Bullet" saca una pistola para matar a Jan, pero éste lo mata primero. Jan consigue huir con todo el dinero antes de que la policía pueda deducir lo sucedido. En el apartamento, Jan encuentra un teléfono sonando en una de las bolsas de dinero, que fue plantado allí por "H" para rastrear su ubicación. "H" confronta a Jan con el informe de la autopsia de Dougie antes de dispararle en los mismos lugares en los que Dougie fue disparado. "H" entrega el dinero a su contacto del FBI y se marcha con Mike. 

La historia de esta película se remonta a octubre de 2019 cuando se anunció que Guy Ritchie estaba escribiendo y dirigiendo una nueva versión en inglés de la película ''Le Convoyeur'' de 2004, con Jason Statham como protagonista. A este actor se le fueron sumando otros como Holt McCallany. Más tarde se sumaron otros como Scott Eastwood, Jeffrey Donovan, Laz Alonso, Josh Hartnett y Niamh Algar así como Raúl Castillo, mientras que Metro-Goldwyn-Mayer asumía la distribución nacional de la película. . 

El rodaje comenzó en noviembre entre Los Ángeles y Londres. 

La película presenta críticas mixtas en las que por ejemplo, Peter Debruge en las páginas de Variety comenta que "Ritchie borda este thriller de acción a lo Christopher Nolan (...) El director se saca de la manga escenas impresionantes y originales" 

Por su parte, John DeFore en las de The Hollywood Reporter afirma que "Tiene varias escenas de acción con mucho atractivo, por eso uno se pregunta qué motivos tiene para ser tan enrevesada" 

Glenn Kenny en las de The New York Times sostiene que "Ritchie va desarrollando la historia con un montaje inteligente que salta en el tiempo y mantiene la tensión hasta el clímax, que ofrece justo lo que el espectador espera." 

Para Matt Zoller Seitz en la web del mítico crítico de Chicago, rogerebert.com describe que "Es una de las películas mejor dirigidas de Ritchie y una de las más sorprendentes en términos de estilo y tono (...) Más que en cualquier otra película del director, aquí sientes las presencia del mal (…) " 

David Ehrlich de IndieWire bastante más crítico comenta que "Esta tonta película de robos intenta combinar la diversión hooligan de 'Snatch' con la crudeza gélida de 'Heat'. Y no funciona." 

Brian Lowry en la CNN comenta que "A su manera, no es mala como escapismo descerebrado. Pero más allá de sus aspectos más básicos y viscerales, 'Wrath of Man' no logra gran cosa."




Alonso Duralde de The Wrap reflexiona sobre ella diciendo que "Si vienes a ver algo de Guy Ritchie por sus tensas secuencias criminales y por la bravuconería, te dará lo que buscas" 

En el país natal de Ritchie, Gran Bretaña, Nick De Semlyen de Empire afirma que "Guy Ritchie ofrece una agradable sorpresa. Si bien se enreda un poco en sus revelaciones de saltos en el tiempo, es en gran medida un thriller agradable (…); Por su parte, Benjamin Lee en las del The Guardian dice que "Aunque su trama floja es tan convencional como poco memorable, esta película de acción de serie B ofrece suficiente entretenimiento básico (…) 

Oti Rodríguez Marchante en las páginas de ABC habla de que "El acoplamiento de trama y montaje, el ímpetu de las secuencias de acción y unos diálogos bien trabajados (...) convierten a ‘Despierta la furia’ en una pieza especial (…) " 

Quim Casas en El Periódico nos comenta que "Cumple con creces lo que se propone desde el primer momento, haciendo buena una modalidad dentro del cine policíaco de estas características, el de los atracos a furgones blindados (…) " 

A Marta Medina de El Confidencial no le gustó nada y dice de la película que Guy Ritchie ha perdido definitivamente el 'mojo'. El único aliciente de su último 'thriller' de acción reside en el regreso de Josh Hartnett al cine de gran presupuesto... y poco más (…) " 

En Fotogramas Blai Morell defiende que estamos ante un "Espléndido thriller duro y áspero donde no hay lugar para la frivolidad y el sano cachondeo (…) 

Por último, Fausto Fernando en X, ante Twitter, publicó un tweet señalando que se trata de " Un Jason Statham más Get Carter que nunca Despierta la furia del film más seco, directo a la yugular y más Michael Mann con resaca nihilista de Guy Ritchie. Aplauso".




Reconozco que he visto la película muy cansado, que mi atención ha estado difusa y que nada más ver el careto de Statham sabía lo que me iba a encontrar y ver quien firmaba la película preveía lo que me iba a encontrar pues el sello Ritchie es el que es pues volvemos a ver una narración visualmente distintiva con una trama compleja con una narración no lineal, utilizando flashbacks y montajes , diálogos ingeniosos y rápidos, aquí exentos de humor - obviamente dada la naturaleza vengativa de la película-, y personajes coloridos y de los bajos fondos , en este caso, mafiosos, trufados en este caso con la idea de la venganza paternal. Creo que tendré que volverla a ver para que me interese más, pero era un Ritchie, no hay duda.  



jueves, 14 de marzo de 2024

Cañones para Córdoba



Western de los años setenta concretamente de 1970 con pinta de haber sido rodado en España, que aparece luminosamente fotografia por Antonio Macasoli y que cuenta con aspecto propio del espagueti western tanto por la temática vinculada con la Revolución mexicana tanto por la estética en lo que lo sucio predominan sobre el aspecto aseado y por el gusto por el ruido y el espectáculo pirotécnico,  pero con un indudable estilo norteamericano a la hora de contar la historia. El director de la película es Paul Wendkos siendo una producción de Vincent M. Fennelly para la Mirisch Company. Entre el elenco más representativo nos encontramos con George Peppard, Ral Vallone, Don Gordon, Francine York,Gabriele Tinti, Giovanna Ralli, John Larch, John Russell y Nico Minardos. La música estuvo compuesta por Elmer Berstein. 

La historia nos presenta a un bandolero mexicano, un militar de alta graduación, Héctor Córdoba (Ral Vallone), que ha traspasado la frontera en repetidas ocasiones y protagonizado varios ataques al ejército estadounidense así como a las haciendas que están cerca de la frontera tanto en California como en Texas. Córdoba siempre está acompañado de un sádico militar europeo, un sueco Sverborg (Hans Meyer ). Durante su última incursión ha robado seis cañones del fuerte que iba a defender el general Pershing. 

Estamos en 1912 y grupos de revolucionarios mexicanos han estado atacando ciudades a ambos lados de la frontera entre México y Estados Unidos. Córdoba es el más poderoso de estos grupos. 

Cuando un ataque sorpresa hace que seis cañones caigan en manos de Córdoba y sus hombres, el gobierno de los Estados Unidos pone al general John J. "Blackjack" Pershing (John Russell) a cargo de velar por que los cañones que han robado nunca se utilicen contra el pueblo estadounidense. 

Pershing se dirige al capitán Rod Douglas y le ordena que reúna un grupo de hombres para participar en la peligrosa misión en el corazón del territorio de Córdoba. El general norteamericano quiere a Córdoba preso y la elección del capitán Rod Douglas (George Peppard) no es casual ya que es un buen organizador y lider y quiere que el grupo de soldados encargado de cruzar la frontera y capturar al mexicano, desde el momento que Córdoba y sus secuaces conocen al capitán pero piensa que es un renegado que responde al nombre de Texas.

El primer hombre que se inscribe para el trabajo es Jackson Harkness (Don Gordon), un soldado que ha trabajado antes con Douglas. Al comienzo de la película, Tanto Douglas como Harkness han de quedarse quietos observando cómo Córdoba y sobre todo Sverborg, tortura y mata a su hermano. Douglas le ordenó que no interviniera porque estaban encubiertos como simpatizantes en el campo enemigo y no podían darse el lujo de dar a conocer sus verdaderas intenciones. Como resultado, Harkness jura vengarse del capitán y no se apartará de su lado hasta que se presente la oportunidad. 

Los siguientes dos hombres que Douglas elige para la operación son Andy Rice (Pete Duel) y Peter (Nico Minardos) , quienes acaban de escapar de la cárcel del ejército cuando Douglas llega con las órdenes para su liberación. El capitán ahora cuenta con todos los hombres que considera necesarios para realizar el trabajo. 

Esta misión ha sido desautorizada por el gobierno de los Estados Unidos que considera suicida cualquier intento de capturar a Córdoba así como ilegal penetrar oficialmente en territorio mexicano, aunque sea norte de país y en el área casi fronteriza y montañosa. Aun así Douglas y sus hombres prosiguen con la misión auxiliados por un militar mexicano que quiere vengarse de Córdoba y por una bella mexicana que también quiere vengarse puesto que mató a su familia y la violó el general. 

Se tratan de un teniente mexicano, Antonio Gutiérrez (Ganbriele Tinti) , que guarda rencor personal contra Córdoba, se acerca a él y le exige ser parte del operativo. Le dice a Douglas que conoce a una mujer, Leonora Cristóbal (Giovanna Ralli)  que, por sus propios motivos, desea ver a Córdoba muerta. Si el capitán lo incluye en la misión, ella los ayudará a ganarse la confianza de Córdoba y a dejarlo solo para que sea vulnerable cuando hagan su movimiento. 

Antonio y Leonora llegan primero al campamento de Córdoba. Leonora, quien se entera de que el gobierno mexicano quiere capturar viva a Córdoba, traiciona a Antonio e informa al líder de los bandidos de sus intenciones, esperando que él la recompense por lo que ha hecho permitiéndole acercarse a él, dándole la oportunidad de matarlo ella misma. 

Cuando Douglas, Andy, Peter y Harkness llegan al campamento haciéndose pasar por simpatizantes, se enteran de lo que ha hecho Leonora y deciden que deben actuar con rapidez. Douglas comienza una pelea con uno de los mexicanos para que lo metan en la cárcel, donde podrá ayudar a Antonio a escapar. Esa noche, Andy, disfrazado de guardia mexicano, saca a ambos hombres de la cárcel para que la operación pueda continuar. 

Douglas va a la habitación de Córdoba, donde lo encuentra a solas con Leonora. Traicionó a Antonio pero aun así hizo el trabajo que se suponía que debía hacer. Mientras tanto, Jackson y Peter apuntan los cañones al campamento y comienzan a disparar, mientras Andy y Antonio disparan bengalas hacia los edificios. Se produce el caos y el grupo de hombres, junto con Leonora y su prisionera, Córdoba, intentan salir del campo. Peter, Antonio y Andy mueren en el proceso y Córdoba resulta herido. 

A la mañana siguiente, a kilómetros del campamento, el reducido grupo se detiene a descansar. Cuando Douglas se va solo, Harkness ve la oportunidad de vengar a su hermano. Sigue al capitán, le exige que se dé la vuelta y saca su arma. Sin embargo, mientras Douglas camina resueltamente hacia él, no puede disparar y, en cambio, lo golpea. Ahora, perdonados, los dos hombres regresan a donde espera Leonora. Córdoba ha fallecido a causa de la herida que recibió la noche anterior. No consiguen traerlo con vida, como quería el gobierno, pero los cañones fueron destruidos y su misión está completa. 




Arthur Krim de United Artists luego hizo una evaluación de la película como parte de una evaluación del inventario de la compañía: "En 1970 se produjo un marcado cambio en la aceptación mundial del western y de aventuras. Los resultados de las películas de otras compañías -por ejemplo Mackenna's Gold, Murphy's War, The Last Valley- así como los nuestros -Play Dirty, The Bridge at Remagen- indicaron la necesidad de revisiones sustanciales a la baja a la hora de evaluar los costes presupuestarios adecuados para las películas de esta categoría, incluso con las llamadas estrellas de acción de renombre. Esta película entra en esa categoría. Si se programa hoy, se consideraría aceptable sólo si pudiera fabricarse a mitad de coste".

Fausto Fernández en X, antes Twitter, comenta que "Además de decenas de episodios de series y telefilmes, Paul Wendkos (un tipo de fiar) y que posee una trayectoria en cine a rescatar, se encargó de muchos largometrajes. En el western, híbrido entre spaghetti western y aventura mercenaria, a considerar, donde tiene una de las secuelas de Los siete magníficos, su cumbre es Cañones para Córdoba". Se trata de uno de aquellos memorables westerns que Hollywood compuso a la manera de los italianos y que han ganado con el paso del tiempo, de lo mejorcito que dirigió Paul Wendkos, y al que le debemos a Stephen Kandel el guion (y producción)- yo añado que con el montaje de Walter A. Hanneman- y encima con el gran George Peppard de protagonista y con Hans Meyer como el sádico alemán - o sueco-.



miércoles, 13 de marzo de 2024

Pan, amor y celos


Hace unas semanas me paseaba por la localidad de Sorrento, al otro lado de la bahía de Nápoles, una ciudad diametralmente opuesta la capital Partenopea en su configuración y en su aspectos. Rodeada de limoneros, nunca pensé que podía ser la ciudad de Carotenuto, el encantador oficial protagonista de la historia , y de la saga "Pan, amor y..." que propiciará un a nueva vertiente del neorrealismo, el neorrealismo rosa, cuya concreción se apreciaba claramente en la primera y la segunda entrega: Pan, amor y fantasía y en esta segunda, Pan , amor y celos. 

La productora Titanus encabezada por Marcello Girosi, poco tiempo después de la primera entrega, que tuve la ocasión de ver hace poco, presentó en el año 1954 esta segunda titulada en italiano Pane, amore e Gelosia. Para esta entrega volvió a contar con el director Luigi Comancini, así como con el trío protagonista de la primera entrega como era Vittorio de Sica, Gina Lollobrigida- fallecida el pasado año a los 95 años- , Marisa Merlini y Roberto Risso. Igualmente aparecen Maria Pia Casilio, Virgilio Riento, Tina Pica, Saro Urzi, Tecla Scarano y Vittoria Crispo, entre otros. El guion de la película es de Titina de Filippo, Eduardo De Filippo, Vincenzo Talarico, Ettore M. Margadonna y Luigi Comencini, partiendo de la historia de Ettore M. Margadonna, Luigi Comencini. 



La película comienza donde terminó la primera entrega, Pan, amor y fantasía, tras la fiesta de San Antonio, que culminó con la constitución de dos parejas, la formada por Antonio y Annarella y la de Stelluti y Maria. Ahora Don Antonio Carotenuto -o sea, Vittorio de Sica - comandante del puesto de carabineros de la pequeña localidad de sagliena en los Abruzzos,  tiene el encargo de vigilar a su explosiva criada, la racial y emprendedora y desenvuelta leñadora o Pizzicarella ( Gina Lollobrigida), también, "Bersagliera", debido a que su joven enamorado, el carabinero Stelluti, apocado subordinado de Carotenuto, ha sido transferido a otra unidad, situada  en un población lejana.

Carotenuto , por su parte, ha decidido jubilarse a la edad reglamentaria con el propósito de contraer matrimonio con Anarella ( Marisa Merlini) , la comadrona del lugar. El motivo de este precipitado retiro es que la novia, Anarella, es madre soltera, asunto muy mal visto en el intachable cuerpo de carabineros.

El sorrentino Carotenuto y la desenvuelta leñadora, que viven en estrecho contacto, son víctimas de las habladurías de los ciudadanos, con consecuencias más o menos previsibles.




Tras el gran éxito de Pan, amor y fantasia , Luigi Comancini vuelve a contar con el dúo protagonista para esta ocasión, tan deliciosa y ligera como la anterior. El resultado es una película ligera y entrañable en donde lo  principal vuelve a estar en el excelente relato costumbrista, lleno de humor y sensibilidad en donde los presupuestos neorrealistas se duplican y dulcifican para ponerse al servicio de la farsa y de unos personajes de gran raigambre popular. Una perspicaz observación del comportamiento en una sociedad idílica y tiernamente pícara. 

La película contó con la música fr Alessandro Cicognini que volvía a los temas de "Pan, amor y fantasía", dándole siempre un tono festivo, rítmico y popular como se aprecia en las canciones tradicionales y en los bailes populares como el baile del "saltarello" que fascina a todos los asistentes al espectáculo . 

En la fotografía estuvo Carlo Montuori, que fue el responsable de "Ladrón de bicicletas" (1948), que gusta de imágenes que combinen realismos, costumbrismo y descriptiones grupales de una sociedad que se enfrenta a un pequeño "conflicto" local, en la que los celos, la envidia y las malas intenciones están presentes. 

Se rodó en Castel San Pietro Romano (exteriores) y en Titanus Studios (interiores). Ganó Nastro d'Argento a la mejor actriz de reparto en la persona de Tina Pica en el papel de Caramella). 

La película combina neorrealismo italiano, inspirado en la realidad de las aldeas rurales italianas de mediados de los años 50 del siglo XX, con la comedia rural de costumbres, comedia romántica y personajes de la "commedia dell arte", como el hombre maduro que persigue a las mujeres, la joven a la que todos desean, el joven inexperto, la mujer con pasado, etc. 

En ABC Play se dice de ella que, por otro lado, fue un gran éxito popular que es la " Secuela de la popularísima "Pan, amor y fantasía", dirigida y protagonizada por el mismo trío que aparecía en la primera entrega. Se trata de una delirante e inteligente comedia costumbrista, contada con acidez e inmisericordia y que transmite esa alegría de vivir inherente a la comedia italiana. La serie aún conocería una tercera entrega, rodada cuatro años más tarde y en la que sólo repetiría Vittorio De Sica: "Pan, amor y...". 

La historia se estructura sobre las relaciones de dos parejas, una joven y otra de media edad. Hay mayor carga de elementos dramáticos de la vida en el mundo rural con la manifestaciones del terremoto, las envidias entre mujeres, las dudas que las habladurías hacen en unos y otros, los celos,... 

Las costumbres rurales como la invitación a la autoridad en el nacimiento de un niño , esas enormes fuentes de pasta, el gusto por el baile, todo mostrado con cariño y nostalgia de un mundo que entraba en declive con la modernidad: el uso del burro de la "leñadora", las murmuraciones de los ancianos, el vestido negro de las mujeres mayores, el papel de "autoritas" del párroco (el comandante pone a sus órdenes un carabinero durante el terremoto), las sospechas convertidas en falsas certezas, etc. 


Por la pantalla desfilan, todo ello trufado de humor amable y socarrón, con personajes tan singulares como el vendedor ambulante de ropa infantil cuando se entera de los nacimientos en la localidad, el empresario de la compañía de variedades, la madre soltera, la rencorosa y envidiosa joven - sobrina del párroco- que desea la fractura de una pareja.... El machismo popular se hace presente a través de expresiones populares ("Que Dios te dé hijos varones"), o en el deseo de meter mano a la leñadora, por ser lenguaraz y lanzada, los prejuicios institucionales y sociales contra la madre soltera, etc. 

María, esta "maggiorata" encarna la figura de la nueva mujer de la Posguerra, independiente, libre, desenvuelta y trabajadora, mientras que sorrentino Carotenuto es un hombre "demodé" elegante, educado, cariñoso y que sigue la tradición familiar, la de los Caratenutos, galanes, amables y exitosos con las mujeres en esta obra del llamado "neorralismo rosa", una nueva manera de enfocar la comedia de posguerra llena de malentendidos, equívocos que activan la vida de los rumores del pueblo.

martes, 12 de marzo de 2024

El pistolero



Magnifica película del año 1950 protagonizada por Gregory Peck y dirigida por un director de tanto peso y tan larga trayectoria como Henry King.Fue escrita por los guionistas William Bowers y William Sellers, con una reescritura no acreditada por la escritora y productora Nunnally Johnson para la 20th Century Fox, a partir de una historia de Bowers, Roger Corman y el guionista y director Andre de Toth . La película fue la segunda de las seis colaboraciones de King con Peck. En el apartado técnico contó con la fotografía de Arthur C. Miller, el montaje de Bárbara McLean y la música de Alfred Newman.

La historia nos presenta a un hombre maduro de treinta y cinco años que pretende abandonar el oficio de pistolero. Sin embargo la fama adquirida a lo largo de los años se convertirá en una terrible en un terrible impedimento. Nada más comenzar la película y una vez que llega a una pequeña localidad el protagonista entr en un bar. 

En ese momento un joven e imprudente vaquero llamado Eddie (Richard Jaeckel) provoca deliberadamente una discusión con el famoso pistolero Jimmy Ringo, ampliamente conocido como el forajido más rápido del Oeste, lo que lo convierte en el objetivo perpetuo de todo joven pistolero ansioso por hacerse famoso como "el hombre que disparó a Ringo". 

Cuando Eddie saca su pistola, Ringo no tiene más remedio que matarlo en defensa propia pero esto genera que tenga que salir de la localidad y que sea perseguido por sus tres hermanos. 

Los tres hermanos de Eddie (Alan Hale Jr. , David Clarke y John Pickard ) buscan venganza y persiguen a Ringo mientras abandona la ciudad. Ringo, a mitad de camino les tiende una emboscada y los desarma, luego ahuyenta sus caballos. Les dice que regresen caminando a la ciudad; en cambio, se dirigen a otra ciudad más cercana en la que creen que ha ido el pistolero, confiando en obtener caballos frescos de un establo cercano y reanudar su persecución. 

Mientras Ringo se dirige a la ciudad de Cayenne y se instala en un rincón del salón local, el barman ordena a un ayudante algo alelado que alerte al marshall local, Mark Strett (Millard Mitchell). 


Strett es un pistolero reformado y viejo amigo de Ringo e ex-integrante de su banda; Insta a su amigo a que se vaya, ya que su presencia seguramente causará problemas innecesarios. Pero allí su objetivo es otro: encontrarse con su antigua novia con la que además hace ocho años tuvo un hijo. 

Sin embargo el sheriff que ha rehecho su vida y vive imperfecta armonía con la justicia y defendiendo la ley. No obstante cuando ve a su amigo llegar le pide que se marche pero este le solicita un favor volver a tener un encuentro con su antigua novia y si es posible conocer a su hijo. 

Ringo accede a irse en cuanto ve a su esposa, Peggy Walsh (Helen Westcott ), a quien no ve desde hace ocho años, y a su hijo, que ni siquiera sabe que existe. Strett le dice que Peggy ha cambiado su apellido para ocultar su relación y que no desea verlo. 

Al principio ella lo rechaza pero tras la intervención de una vieja amiga en común, Molly ( Jean Parker), decide finalmente encontrarse con él.




Mientras esto se produce el se encontrara de cháchara en el bar junto con el barman Mac ( Karl Malden) y descubrirá como por un lado unos intentarán enfrentarse a él por su fama mientras que otros se acercan a él por admiraciones.




De hecho dos lugareños, el comerciante Jerry Marlowe (Cliff Clark) y el matón local Hunt Bromley (Skip Homeier ), deciden matar a Ringo; Marlowe lo culpa por el asesinato de su hijo y Bromley quiere ser famoso. 


Ringo ve a Marlowe apuntándole con un rifle y desarma al hombre antes de encerrarlo, aunque jura que no mató a su hijo. 

Molly, otra vieja amiga, finalmente convence a Peggy para que hable con Ringo. Ringo le dice que está cansado de la vida como pistolero y, después de ver cómo Strett cambió su vida, quiere sentar cabeza. Tiene la intención de dirigirse al oeste, a California , o a Sudamérica , donde la gente no lo conoce, e invita a Peggy a que lo acompañe. 


Ella se niega, pero acepta reconsiderarlo dentro de un año si él no se mete en problemas hasta entonces. Ringo finalmente conoce a su hijo, pero honra el deseo de Peggy de no decirle al niño que él es su padre. 

Las obligaciones de Ringo en Cayenne han terminado, pero se ha demorado demasiado. Los tres hermanos que buscan venganza intentan tenderle una emboscada fuera del salón antes de que Strett y su ayudante, Charlie Norris (Anthony Ross), los intercepten y detengan. 

Ringo ensilla su caballo y se despide de Peggy y su hijo, pero Bromley luego le dispara fatalmente por la espalda. 

Mientras Ringo agoniza, afirma haber disparado primero y le pide a Strett que no arreste a su asesino ni lo ahorque. Bromley, dice, pronto aprenderá, como lo hizo Ringo, que la notoriedad como pistolero es una maldición que lo seguirá a donde quiera que vaya, convirtiéndolo en un paria por el resto de su vida. Strett le da a Bromley una fuerte paliza y lo destierra de Cayenne, pensando que probablemente no pasará mucho tiempo antes de que "el hombre que disparó a Ringo" encuentre su propio destino espantoso. 

Al morir, Ringo finalmente encontró lo que buscó durante tanto tiempo: el perdón y la reconciliación de su esposa. 

En su concurrido funeral público, Peggy revela con orgullo a la gente del pueblo por primera vez que ella es la Sra. Jimmy Ringo y se sienta junto a Strett mientras entierran a su marido. La película termina con una toma de la silueta de un vaquero irreconocible cabalgando hacia el atardecer. 




Los derechos cinematográficos de The Gunfighter fueron adquiridos originalmente por Columbia Pictures , que ofreció el papel de Jimmy Ringo a John Wayne . Wayne lo rechazó, a pesar de haber expresado un fuerte deseo de interpretar el papel, debido a su antiguo odio hacia el presidente de Columbia, Harry Cohn . Posteriormente, Columbia vendió los derechos a 20th Century Fox , donde el papel fue para Peck. Curiosamente, la última película de Wayne, The Shootist (1976), a menudo se compara con The Gunfighter y contiene numerosas similitudes en la trama. 




El guion se basó libremente en las supuestas hazañas de un pistolero occidental real llamado Johnny Ringo , un primo lejano de la familia proscrita Younger y enemigo de Doc Holliday y los hermanos Earp .  Como en la película, Ringo buscó la reconciliación con su familia separada, en California, en 1882; pero a diferencia de la película, sus gestos conciliadores fueron rechazados sumariamente. Después de una borrachera alcohólica de diez días, murió a causa de una herida de bala, probablemente autoinfligida. Muchas de las circunstancias y leyendas que rodean la vida y aventuras de Johnny Ringo han sido cuestionadas en los últimos años. 




La película fue dirigida por Henry King , la segunda de sus seis colaboraciones con Peck. Otros incluyeron la película de la Segunda Guerra Mundial Twelve O'Clock High (1949), David y Bathsheba (1951), The Snows of Kilimanjaro (1952), The Bravados (1958) y Beloved Infidel (1959). 

En el final original, Hunt Bromley fue arrestado por el mariscal de la ciudad, pero el jefe del estudio, Darryl F. Zanuck, se enfureció por esta resolución, por lo que King y Johnson reescribieron la escena final. El escenario de la calle  que se ve en la película también se utilizó en The Ox-Bow Incident (1943), protagonizada por Henry Fonda. 


El estudio odiaba el auténtico bigote de época de Peck. De hecho, el jefe de producción de Fox, Spyros P. Skouras, estaba fuera de la ciudad cuando comenzó la producción. Cuando regresó, se había rodado gran parte de la película que ya era demasiado tarde para ordenarle a Peck que la afeitara y volviera a filmar. Después de que a la película no le fue bien en taquilla, Skouras se encontró con Peck y, según los informes, le dijo: "Ese bigote nos costó millones". 




Además de su nominación al Oscar, la película también fue nominada al premio WGA al mejor western americano escrito. Escribiendo para The New York Times , Bosley Crowther señaló en su reseña junio de 1950: "Los adictos a la ficción western pueden encontrarse frotándose los ojos y sentándose rápidamente para darse cuenta antes de que hayan pasado cinco minutos en The Gunfighter de Twentieth Century Fox, que llegó ayer al Roxy. Porque de repente descubrirán que no están haciendo compañía. con el tipo habitual de héroe del western común. De repente, de hecho, descubrirán que están en la emocionante presencia de uno de los héroes del western más fascinantes que jamás haya mirado por el cañón de una pistola de seis balas". 


La reseña del sitio web de Variety dice: "Nunca hay un momento de hundimiento o desconexión en el metraje ... a pesar de todo el apretado melodrama, la película encuentra tiempo para algunas risas fermentadoras. Gregory Peck retrata perfectamente el papel principal, un hombre condenado a vivir su vida matando "Para evitar que lo maten. Le brinda una gran simpatía y un tipo de individualismo rudo que lo hace real". 

Ronald Bergen dice que "ha ganado reconocimiento crítico a lo largo de los años y ahora es considerado uno de los grandes westerns de todos los tiempos" 

Stanley Kauffmann de The New Republic describió The Gunfighter como un "excelente western". La película retoma la figura clásica del pistolero a sueldo pero en este caso dibujada con un personaje no intrínsecamente malo.

La película fue nominada a Mejor guion original  por los escritores William Bowers y André de Toth durante la 23ª edición de los Premios de la Academia. El premio fue para el matrimonio formado por Edna Anhalt y Edward Anhalt por Panic in the Streets.

Es un western breve, contundente, con clase, bien desarrollado, con personajes perfectamente definidos , que buscan la redención y con mucho encanto.