domingo, 10 de diciembre de 2017

La ola en el fiordo


El cine noruega está de moda. Pasamos de Zombies nazis a Kom Tiki o de la primera versión del Guía del desfiladero a esta sorprendente película de catástrofes , muy al gusto de mi mujer e hijos que es la Ola o Bølgen. 

¿Qué tiene el cine noruego? Lo primero la frescura y el desparpajo a la hora de afrontar una historia, lo que les permite tener guiones tremendamente originales, a los que se suma una calidad técnica notable y cierta capacidad interpretativa. Todo ello provoca las películas noruegas no sean despreciables. 

Curiosamente estuve en Noruega hace algo más de 21 años. Sus espectaculares paisajes naturales , tanto en la alta montaña que pudimos recorres en la zona de Lillehammer como la de Bergen , intimidaban a cualquiera. Cascadas que caían imponentes y que irrumpían ante ese tren de cremallera de Flåm, o disfrutar de las vistas a uno y otro lado de Sognefjord , hablaban de que allí la naturaleza es salvaje, tan salvaje que puede resultar peligrosa. Y eso es lo que , ahora el cine, que cuando fui allí era algo residual.

Hoy es como la música, una industria cultural importante. Ya puede faldar algo más que de Ibsen o de Grieg. La alternativa es , como la sueca y danesa, una apuesta. 

En este caso la dirección está en manos de Roar Uthaug que tira de un guión escrito por John Kåre Raake y Harald Rosenløw-Eeg. Los productores son Are Heidenstrom y Martin Sundland que lo hacen en nombre de la productora local, Fantefilm. Además se suma la música de Magnus Beite, la fotografía de John Christian Rosenlund y el montaje de Christian Siebenherz. La cuidada dirección artística es de Adrian Curelea y Astrid Strøm Astrup. 

El reparto lo encabezan Kristoffer Joner como Kristian Eikjord, un geólogo experimentado de unos 40 años y casado con su mujer Ane Dahl Torp como Idun Eikjord, la esposa de Kristian , y dos hijos Jonas Hoff Oftebro como Sondre Eikjord y Edith Haagenrud-Sande como Julia Eikjord. 

Junto a ellos aparecen Mette Horn como Maria Poulsen y su marido, Bo Larsen como Phillip Poulsen, un turista danés, así como los compañeros de trabajo de Kristian que son Fridtjov Såheim como Arvid Øvrebø, ex jefe de Kristian . 

También están Herman Bernhoft como Georg, Arthur Berning como Jacob Vikra, Silje Breivik como Anna, una de las vecinas de Eikjord, Laila Goody como Margot Valldal, asistente de Arvid y Eili Harboe como Vibeke, colega del hotel en el que trabaja Idun. 

La película comienza con imágenes con una breve introducción en forma de imágenes de archivo y una voz en off que informa al espectador de los peligros a los que están expuestos los preciosos fiordos noruegos, para, acto seguido, presentarnos a los protagonistas.  Las fotografías antiguas hacen referencia a antiguos desastres vividos en el país escandinavo de los fiordos , desastres vinculados con las paredes rocosas de los fiordos y con el mar. En este caso la historia tiene como protagonista a la pared rocosa de Åkneset que enmarca el estrecho fiordo noruego Geiranger. 

En esta pared, desde hace un buen tiempo, los investigadores noruegos han instalado un equipo de vigilancia para evitar pretéritos accidentes mortales. 

En el día de hoy trabaja Cristian Eikjord ( Joner ), un geólogo experimentado , que acaba de recibir una oferta de trabajo para trabajar en la capital del petróleo noruego y que hoy está en su último día de servicio en su centro de investigación ubicado en un famoso destino turístico noruego Geiranger. Su capacitación como geólogo le ha permitido cambiar de trabajo y trasladarse , desde de bastantes años en Geiranger, a la rica ciudad de Stavanger con su familia. La marcha no satisface a todos, ya que su esposa Idun ( Ane Dahl Torp) trabaja en la recepción de un hotel, y sus hijos Sondre (Jonas Hoff Oftebro) y Julia (Edith Haagenrud-Sande) están bien asentados en la localidad. 

Después de una pequeña fiesta de despedida por parte de sus colegas en la estación de monitoreo de Åkerneset, Kristian y sus hijos se preparan para ir, mientras su esposa Idun ( Torp ) ha de trabajar en el hotel local por unos días más. Kristian , de cualquier manera, se siente preocupado pues en la estación de investigación se han detectado anomalías en los últimos días en las capas freáticas y en los sensores que lo controlan. 

Mientras espera el ferry, Kristian tiene una premonición de lo que está ocurriendo desde el punto de vista geológico, después de observar los eventos que lo rodean. Así que , en vez de tomar el ferry, se dirige al centro de geología, dejando a sus hijos Sondre (Joner) y Julia (Sande) en la furgoneta. 

Allí, convence a sus compañeros de que las aguas están generando efectos profundos en la grieta, por lo que se dirige allí en helicóptero con su compañero Jacob. Juntos comprueban que los cables conectados al instrumento se han roto porque algún movimiento se está produciendo en las rocas. De regreso en el centro de geología, las preocupaciones de Kristian son descartadas; a pesar de todo, su antiguo jefe , Arvid ( Såheim ) acepta entrar en un estado de alerta superior, pero se niega a dar la alarma de evacuación en función de la evidencia actual. 

Después de hacer lo que puede, Kristian regresa a su automóvil, pero una nota en el parabrisas le dice que sus hijos se han ido al hotel cansados de esperar a su padre, así que impacientes han ido en busca de su madre. Él se dirige allí y se disculpa con ellos por haberlos dejado atrás durante horas. Idun les ofrece a los niños dormir en el hotel por la noche, pero Julia quiere despedirse de su casa. Así que ella y Kristian van a casa para quedarse allí una última vez. 

Mientras tanto, Sondre que se ha quedado sólo en su habitación y tiene únicamente su monopatín baja de la habitación del hotel y se dirige al sótano con auriculares para patinar. Mientras los Eikjord descansan , los cálculos de los instrumentos dan como resultado cambios de contracción en la grieta, por lo que Arvid y Jacob se dirigen a la grieta para verificar las "bombas C" que miden las condiciones. Allí descubren que son precisas. 

Por su parte, Kristian observa entre sus antiguos documentos y revelan que las contracciones pueden ser un signo de una próxima avalancha, debido a la presión del agua que cambia dentro de la montaña. Ante la lectura y su interpretación, Kristian va a la estación y ordena a sus colegas evacuar a Arvid y Jacob de la grieta . Pero , precisamente, en ese instante la grieta se rompe, generando una caída importante de rocas al fiordo, ante lo que deciden hacer sonar la alarma para alertar a los habitantes de Geiranger de que están amenazados por el inminente tsunami. 

Momentos después, ocurre la avalancha y Arvid se sacrifica para unir a Jacob a su tirolina después de que su pie queda atrapado. Como se temía, el desprendimiento de rocas desarrolla un tsunami de 80 metros que se precipita hacia Geiranger. 

Con diez minutos de margen, Kristian y Julia corren hacia Geiranger para recoger a los otros dos familiares, pero Idun les ordena a los clientes que sigan el protocolo de seguridad. Ella y su colega de trabajo en la recepción intentan desesperadamente evacuar a los clientes del hotel en un autobús que está en la puerta, esperando, pero Sondre no está entre ellos. El tiempo se está agotando rápidamente, pero Idun se niega a dejarlo. Al igual que Idun, dos turistas daneses (Maria y Philip Poulsen) la siguen en la búsqueda de su hijo. 

Por su parte, Kristian y Julia se encuentran en un atasco tráfico de personas que huyen a la zona alta. Pero son tantas que bloquean la carretera, y al darse cuenta de que su altitud es peligrosamente baja, comienzan a correr cuesta arriba a pie, gritando para que todos los demás hagan lo mismo. 

Durante la huía a pie, ven a Thomas (el vecino de Kristian) y olvida poner el freno del auto, haciendo que ruede hacia atrás y atrape la pierna de su hermana Anna. Unos segundos después la zona sufre el impacto de la ola, pillando de pleno a Kristian y a Anna en una furgoneta en un último intento desesperado por sobrevivir. 

El tsunami envuelve el vehículo en un torbellino caótico bajo el agua. Por su parte, Idun encuentra a Sondre en el sótano, pero el tsunami se acerca rápidamente. Al precipitarse escaleras abajo al refugio antiaéreo del sótano, la ola golpea el hotel violentamente y arrastra a María Poulsen, forzando a Idun a cerrar la puerta del refugio ante la mirada de su marido Philip que no puede hacer nada por ella. Kristian se da cuenta de que sobrevivió milagrosamente a la vorágine, pero Anna murió a su lado. Con Thomas y su hija cuidando a Julia , Kristian decide regresar a Geiranger para buscar al resto de su familia. 

Cuando llega Kristian la ciudad ha sido borrada del mapa, y él encuentra el autobús de evacuación, lleno de pasajeros muertos. Al darse cuenta de que Idun y Sondre no están entre ellos, se dirige a las ruinas del hotel. 

Mientras en el refugio antiaéreo, el nivel del agua sube y deforma la puerta, que, por otro lado, está bloqueada por escombros pesados ​​detrás de ella. Con la situación empeorando, los tres supervivientes en la zona alta del mismo, en la única cámara de aire, pero Philip entra en pánico y empuja a Idun y Sondre bajo el agua en un frenético intento de respirar. Incapaz de calmarlo, Idun se ve obligado a ahogarlo. 

Kristian, por su parte, encuentra la mochila de su hijo en el vestíbulo, y sintiéndose sin esperanza de que todavía estén vivos, golpea furiosamente algunas tuberías expuestas con una varilla de metal, pero los ruidos son escuchados por Idun y Sondre. Ellos le responden. El sonido lleva a Kristian hasta el refugio antiaéreo, pero a medida que se sumerge, se producen más daños en las ruinas, lo que provoca que el agua inunde el área donde se refugian. Kristian quita los escombros pesados ​​y se reúne con Idun, pero cuando regresa con Sondre, accidentalmente inhala agua. Idun se dirige hacia él, en un intento desesperado de revivirlo. Si bien parece que Kristian se ha ahogado e Idun acepta su muerte. Sondre hace un último esfuerzo frenético de reactivación, lo cual da sus frutos. 

La familia , tras todo eso, se reúne en la zona alta de la localidad, en Ørnesvingen, y la película se cierra con un información que dice que los eventos pueden ocurrir en el futuro, pero la fecha exacta sigue siendo un misterio. Así acaba la película. 

Noruega es un área propensa al deslizamiento de rocas (creada por la orogenia Caledoniana), esto y la bella naturaleza noruega sirvió para desarrollar la película que se rodó en parte en el país, en concreto, en la ciudad de Geiranger, Stranda, Møre og Romsdal, y en parte en Rumanía, en concreto, en los MediaPro Studios, de Bucarest. 

Y Bølgen se basa , en parte, en un incidente ocurrido en el pasado en el que un tsunami destruyó la aldea de Tafjord el 7 de abril de 1934, matando a 47 personas. Este tsunami del año 1934 , el único constatado en la historia de Noruega - aunque parece que hubo otro en 1905 que mató a 60 personas. fue provocado por el desprendimiento de dos millones de metros cúbicos de roca que cayeron al agua cerca de Tafjord, creando una ola de más de 60 metros de altura que mató a 40 personas, todo ello provocada por un corrimiento de tierra que se precipitó sobre el fiordo de Tafjord, un pequeño pueblo de la costa occidental de la península escandinava, desde una altura de 700 metros. 

Según los expertos en geología, a día de hoy están contabilizadas unas 300 laderas inestables en montañas de aquel país, por lo que las posibilidades de una nueva tragedia de magnitudes similares a la de Tafjord son muy elevadas.

Uno de los lugares que mayor riesgo presentan de derrumbamiento por erosión está en el paso de montaña de Åkneset, situado sobre el estrecho fiordo de Geiranger, por lo que se encuentra en constante vigilancia por un grupo de geólogos del Centro de detección y aviso de desprendimientos de montaña, que controlan cualquier actividad sospechosa de tan colosal mole de roca. Todo ello inspiró este superproducción  que ha contado con un generoso capital de 50 millones de coronas para reconstruir de manera espectacular una catástrofe de grandes dimensiones que poco tiene que envidiar a otros títulos del género concebidos por los grandes estudios de Hollywood.

El director  Uthaug , parece ser, que ha sido siempre un fanático de las películas de desastres de Hollywood como Twister y Armageddon y hacía tiempo que quería hacer una película sobre desastres en Noruega. Según él, el desafío era combinar los elementos de la película de género estadounidense con la realidad de la situación en Noruega. Así que hizo la primera película sobre desastres no sólo de Noruega , sino del cine Escandinavo. Si lo había hecho José Antonio Bayona , ¿cómo no lo iba a hacer él?

El director ha declarado en alguna ocasión que la montaña está en constante movimiento y caerá, tarde o temprano. El director Roar Uthaug dijo: "Esto realmente sucederá allí algún día. Hay una grieta en la ladera de la montaña en el fiordo, y se sigue expandiendo cada año y en algún momento causará un enorme desprendimiento de rocas en el fiordo y tendrán 10 minutos antes de que la ola llegue a Geiranger, queríamos ser fieles a los hechos, a lo que los geólogos creen que serán los hechos algún día ". 

Todos los actores realizaron sus propias acrobacias, algo que el director dijo que era "totalmente estresante". Y para una escena climática, en la que Joner intenta rescatar a su familia de un hotel inundado, se entrenó con instructores de buceo libre para poder contener la respiración durante tres minutos bajo el agua. 

Bølgen tuvo su estreno internacional en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 16 de septiembre de 2015. 

La película recibió críticas positivas de los críticos, con elogios dirigidos a las actuaciones del elenco (sobre todo los dos protagonistas), a la fotografía, a la partitura y a los efectos visuales.Los efectos especiales fueron alabadas por los críticos, recibiendo una comparación favorable con los de Hollywood. 

En Rotten Tomatoes , la película tiene una valoración del 80% basado en 74 revisiones, con una calificación promedio de 6.6 / 10. Y en Metacritic se le da una calificación de 68 sobre 100 basada en 26 críticas, indicando "revisiones generalmente favorables". 

Deborah Young, de The Hollywood Reporter, calificó la película como "un borde de silla exótico que juega con la belleza y el terror de la naturaleza" y como "un paseo emocionante" y alabó sus imágenes "convincentemente aterradoras", concluyendo con que era "Un trepidante entretenimiento que toca todas las notas del género con acento noruego (...) Uthaug y los guionistas sacan el mayor partido de su localización única" 

Para Peter Debruge de Variety lo describió como "un thriller de tsunami y con un peligro igualmente impresionante" Y añade que " adhiere en su mayor parte a la fórmula de los grandes estudios (aunque con mucho menor presupuesto), introduciendo a un puñado de potenciales víctimas antes de bombardearlas con espectaculares efectos digitales" 

En Chile Ascanio Cavallo en El Mercurio dijo de ella que "Tiene una eficiencia familiar y a la vez extraña. Como todas las cintas de su tipo, descuida a los personajes y repite la dinámica del relato. Pero, por otro lado, consigue ciertos momentos visualmente cautivantes, lo que al final del día es el material del cine." 

En Argentina Fernando López en La Nación comenta que "Uthaug es fiel a su propósito: en su film no abundan los grandes golpes de efecto, pero sí hay una tensión creciente." 

Horacio Bilbao en Clarín señala que "Tiene todos los condimentos de un thriller catástrofe, con belleza, ritmo, intriga, tensión y efectos." 

Juan Pablo Cinelli en Página 12 dice de ella que es "Un film que no es bueno ni malo, que puede ser visto hasta con cierto interés." 

La película fue elegida por la Academia noruega de cine para representar a su país en los Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera en los 88 Premios de la Academia, pero no pudo ser nominada. La ola, fue considerada como la mejor película noruega de 2016, llevándose tres Amandas, incluyendo el más importante; el de mejor película. El Amanda —el galardón nacional de cine— se le entregó  en la ceremonia de premios celebrada en el Maritim Hall de Haugesund como clausura del Festival Noruego Internacional de Cine 2016. También recibió  los premios al Mejor Diseño de Sonido y Mejores Efectos Visuales. Además, la película también fue nominada en las categorías Mejor director, Mejor fotografía y Mejor música. 

La película del director noruego Roar Uthaug, fue la que vendió más entradas ha vendido en Noruega, con cerca de 833.000 entradas en Noruega, uno de cada seis noruegos fue al cine a verla, convirtiéndose en la película más taquillera de 2015 en el país (y la séptima de toda la historia).

En los Premios Kanon de 2016, la película ganó como Mejor Actor Masculino en la persona de  Kristoffer Joner , al igual que el de Mejor Productor, Mejor Edición y Mejor Diseño de Producción ( Lina Nordqvist ).

La película presenta una factura impecable, un guión ágil de John Kåre Raake y Harald Rosenløw-Eeg  y la buena dirección de Roar Uthaug. A esto se le une una cámara, elegante en sus encuadres y con una fotografía de gran calidad a cargo de John Christian Rosenlund, que sabe capturar toda la belleza de su espectacular marco natural

La narración transcurre de forma pausada, sin demasiados indicios de lo que está por venir , mostrando los lazos de amistad del geólogo resultando de todo ello no una gran película , pero sí un gran espectáculo con unos limitados , pero suficientes,  efectos especiales y un buena dosis de suspense.  La película es como mínimo entretenida.



Viaje a Quantez


Rutinario western en tres actos: su presentación de la banda- que lleva aparejada una huida tras una persecución que termina con la llegada a Quantez- , un nudo - la mala relación entre los cinco integrantes de la banda, seis, con la llegada del músico ambulante , puritano- y un desenlace - la corta huida final. 

Así de simple es esta película dirigida por el californiano Harry Keller, un artesano de la Universal Pictures, que no sólo fue director sino editor y productor especializado en westerns y que trabajó durante muchos años en Universal Pictures, desde 1943 a 1971, falleciendo en 1984 cuando cumplía los 74 años . Él es quizás mejor recordado hoy por filmar imágenes adicionales en Touch of Evil (1958) de Welles. 

En Quantez la producción que he visto, no fue suya, sino que recayó en Gordon Kay, un productor de cine especializado en westerns, que trabajó principalmente en Republic Studios,y a partir de 1947 en la Universal International Pictures. 

La película responde a un guión bastante plano y nada brillante de R. Wright Campbell , inspirado en un Historia de R. Wright Campbell y Ann Edwards. 

En la música participa Herman Stein, mientras fotografía está en clásico como Carl E. Guthrie que rodó en CinemaScope Eastmancolor, posiblemente lo mejor de la película; mientras que el convencional montaje es de Fred MacDowell. 

El reparto lo encabeza un desapercibido Fred MacMurray en un doble papel de Gentry / John Coventry, a la que se une - otra vez en otro western- la bella Dorothy Malone como Chaney. Junto a ellos sale James Barton como puritano, Sydney Chaplin como Gato, John Gavin como Teach, John Alerce como Heller y Michael Ansara como Delgadito. 

Con una clásica banda sonora y entre los títulos de fondo que enmarcan un espacio desértico en el estado de Arizona, vamos viendo como cinco monturas van corriendo a toda prisa por el mismo hasta alcanzar la parte central de la pantalla. Puede que sea la mejor escena de la película. 

Descubrimos tras ella que los que huyen son una banda de ladrones, integrados por cuatro hombres y una mujer, que se dirigen hacia Río Grande para cruzar la frontera con México cuando se encuentra una inesperada oposición en el camino de una tribu india. 

Se trata de la banda de Heller ( John Alerce ) que acaba de cometer un robo, y que durante el mismo han matado a un hombre . 

En su carrera a México con el botín han sido localizaciones por indios y ahora han de llegar a una localidad cercana , Quantez, con el fin de buscar refugio momentáneo, descansar, dar de beber a los animales y plantear el reparto del dinero. Para despistar a los indios Heller ordena a uno de los fugados de nombre Gato (Sydney Chaplin) , y que es considerado por Heller como un mestizo, que borre las huellas. 

La acción de Gato tiene éxito puesto que los indios se desvían en su persecución. Una vez paran para que se le una Gato, descubrimos que en la banda la integran Gentry ( Fred MacMurray ), el hombre más experimentado de la pandilla, Teach ( John Gavin ), un pistolero nacido en el Este y que es el más joven de la partida e igualmente junto a ellos huyendo está Chaney ( Dorothy Malone ), que es la chica de Heller. 

La intención del grupo es pasar la noche en la ciudad fronteriza de Quantez. Al llegar se sorprenden al descubrir que se ha convertido en un pueblo fantasma, pues no hay nadie. Afortunadamente hay agua, con lo que los caballos - han sacrificado ya a uno- podrán descansar. 

Nada más llegar a Quantez, Gentry ( Fred MacMurray ) encuentra licor en el salón y va junto a Teach ( John Gavin ) a dar de beber a los caballos. 

De cualquier manera, Teach se queja del trato de Heller y es remiso a cumplir órdenes. Además Teach se interesa por Chaney ( Dorothy Malone ), la mujer que les acompaña que está tan asustada como molesta por el asesinato durante el atraco . 

Descubrimos una vez instalados que Heller es un hombre brutal y cínico que trata a su compañera, Chaney, con desdén y desprecio. Gentry es el segundo al mando de Heller y demuestra ser un pistolero experimentado y sabio . Teach es un recién llegado a Occidente e inexperto pero ansioso, con un toque adicional de caballerosidad hacia las mujeres. 

Cuando Heller trata mal a Chaney, Teach la defiende, causando violentos enfrentamientos entre él y Heller. Gentry tiene que intervenir y separar a los dos antes de que se maten entre ellos por Chaney.

Por su parte, se aprecia igualmente malestar en Gato, por el desprecio que siente Heller hacia él por su condición de mestizo, aunque no lo sea, ya que , simplemente, fue criado por los apaches de Cochise. Enfurecido con Heller y cansado una vez que ha sacrificado a su caballo que ha muerto por agotamiento y que ha tenido que recorrer las últimas millas a pie. 

Mientras se asientan en el abandonado pueblo, Gato ( Sydney Chaplin ), descubre una advertencia de los Apaches a cualquiera que llegue a la ciudad. Así que sale a las afueras del pueblo y busca al jefe de la tribu, Delgadito ( Michael Ansara ), y le propone que maten a los blancos y dividan el botín.

Heller, mientras tanto, está tratando de hacer que sus socios hagan lo mismo, matar a los demás para que haya más dinero para repartir entre los que quedan. Además se muestra despótico con todos y tremendamente machista con la mujer. 

Precisamente, Gentry y Teach comienzan a sentirse atraídos por una Chaney, que quiere irse de la ciudad lo antes posible , abandonando a un hiriente y cada vez más grosero Heller. 

Mientras las desavenencias en el grupo van a más, llega al pueblo un señor mayor, pintor y cantante errante . El se llama a sí mismo Puritano ( James Barton ), y tras tomar una copa y cantar unas piezas , a petición de Heller, y tras pinta el retrato de Heller, canta una canción sobre John Coventry, un forajido legendario en esos lares. 

Puritano, cada vez más mosqueado con el grupo, se sorprende de repente cuando ve a Gentry y se da cuenta de que él es Coventry. 

Mientras sale Gentry y Puritano al exterior cumpliendo la orden de Heller , cuya intención es acabar con puritano , teniendo así ya las cinco monturas necesarias, el veterano pistolero le dice al pintor que está tratando de dejar atrás su vida violenta para siempre y permite al músico errante huir en su animal. 

Tras esto, la relación entre todos se encona aún más. Heller quier acabar con Teach, puesto que tontea con la chica, pero al final ve a ésta basando a Gentry, además no aguanta ir con un mestizo. Así que propone Heller a Teach matar a Gentry, algo que ne niega y que le cuenta a su compañero, que finalmente reconoce ser Coventry y acaba disparando a Heller, justo en el momento en que los indios inician su ataque sobre los cinco. 

En el ataque , Gato es asesinado por Delgalito , así que Gentry, Teach y Chaney huyen a toda velocidad para cruzar un puente. Conventry se le ve muy eficaz con el rifle, pues mata a muchos indios, pero alguna flecha le impacta en la pierna. 

Finalmente, Gentry se sacrifica, proporcionando cobertura mientras Chaney y Teach se escapan, acabando así la película mientras los indios se marchan. 

La película fue rodada en Sonoita, Arizona y tuvo como fecha de lanzamiento el 6 de septiembre de 1957 en Nueva York y Los Ángeles, siendo su estreno generalizado comercialmente el 8 de octubre de 1957. 

The New York Times dijo de la película que "no podría ser más aburrida" no tratando especialmente a este western de este artesano que era Harry Keller que más tarde pasó a la televisión . 

Quantez viene a ser un western psicológico e intimista con escasa acción , siendo lo más significativo la tensión existente en la cantina que el temor a lo exterior- y muchos diálogos algunos de ellos bastante repetitivos. Los mismos hacen que la película se alargue pues aportan poco a la rama. Cada personaje parece contar algo de su pasado y de lo que siente, pero o tienen poco pasado o sienten muy poco. Los cinco son sus propios enemigos. 

Lo mejor sin duda alguna el escenario de rodaje, al menos en los escenarios naturales de Arizona y la cuidada fotografía , así como la banda sonora de Herman Stein. 

A destacar entre los actores a la bella Dorothy Malone y Fred MacMurray -. De la primera señalar que todavía vive. Tiene 92 años y que fue una de las rubias "femme fatale" del Hollywood que pasó por muchos estudios desde la RKO a la Warner Brothers, y cuyo papel en El último atardecer (1961) alabé no hace mucho. Paso del cine, donde consiguió un Oscar a la mejor actriz de reparto (1957) por su papel en Escrito sobre el viento de Douglas Sirk y trabajó con los garndes actores del momento (Kirk Douglas y Rock Hudson, pero también Humphrey Bogart, Dean Martin, Robert Stack, Henry Fonda , Richard Widmark o James Cagney, a la televisión, como le ocurrió a Harry Keller , donde intervino en series como Peyton Place y sobre todo Hombre Rico y Hombre Pobre. Si buscas en su biografía Quantez no se incluye entre su filmografía seleccionada...y con razón. 


Sobre el actor hoy casi olvidado pero que participó en más de cien películas, especialmente comedias, pero a partir de 1940 comenzó también a intervenir en películas de distintos géneros como western, drama y cine negro demostrando su versatilidad como actor, así como exitosas series de televisión, en una carrera profesional que se extendió desde los años 1930 hasta los 70. 

En la década de 1950 su estrella se fue poco a poco apagando y apareció en producciones menores o en papeles secundarios en películas mayores, siendo su última película El enjambre de Irwin Allen. Pero reconozco que yo especialmente guardo un grato recuerdo de él, por ser el protagonista de muchas de las películas de Disney que pude ver de pequeño en el cine y en la televisión. Falleció en 1991. Pues esta entrada se la dedico al actor que iluminó la pantalla en las películas de mi infancia.


sábado, 9 de diciembre de 2017

¿Vencedores o vencidos?


Hace unos años estuve paseando por la ciudad bávara de Nüremberg. Me impresionó el conjunto monumental que contenía. Pero siempre cuando entraba en uno de sus edificios, especialmente, del casco antiguo leía una y otras vez que se habían reconstruido tras el fin de la Segunda Guerra Mundial. 

Al llegar a mi casa busqué en Internet las imágenes de lo que fueron los edificios históricos y como quedaron los mimos una vez que la ciudad quedó arrasada tras los bombardeos, siempre se repetía la labor aniquiladora de la escuadra británica dirigida por Harris, Arthur "Bombardero" Harris, Comandante en Jefe del Comando de Bombarderos de la Real Fuerza Aérea y, más tarde, mariscal de la Real Fuerza Aérea británica en su intento de conventrizar la ciudad alemana que había sido el símbolo del nazismo. 

Recordé en ese momento la película de Leni Riefenstahl y su película sobre El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens, 1934) en la que la ciudad es tan protagonista como el lunáticos y los lunáticos seguidores de uno de los mayores criminales de la Historia. Criminales que, parte de ellos, fueron juzgados en la ciudad en los llamados en inglés Judgment at Nuremberg. La película que intentó sacar a la luz el papel de la judicatura nazi y su responsabilidad en la consolidación de este régimen totalitario , así como su inhumanidad recibió este título en inglés, aunque en España fue traducido por el de ¿Vencedores o vencidos? 

Se trata de una película estadounidense del año 1961 producida por Philip Langner para la productora Roxlom Films, contando con el amparo de la distribución de la United Artists y la Metro-Goldwyn-Mayer, que manejó un presupuesto de 3.000.000 $ y que dirigida por Stanley Kramer, fallecido en 2001, también un reputado productor - como es este caso- y que contó para la misma con un reparto coral de estrellas estadounidenses y europeas. 

Kramer que era conocido en todo Hollywood por sus ideas liberales y que nunca fue incluido en la lista negra de Hollywood contaría para ello con un guión del escritor judío - de origen ruso- Abby Mann partiendo para el mismo de la obra Sentencia en Nuremberg , escrita en 1959 por el mismo Abby Mann para la serie de televisión de la CBS, Playhouse 90 y donde se foguearon grandes actores y directores como John Frankenheimer . Abby era un hombre que se destacó por utilizar temas de contenido ético en sus guiones para el cine y la televisión. 

De hecho en este caso fue inicialmente fue un drama televisivo homónimo que se emitió en 1959 y en el que participaban Maximilian Schell , Werner Klemperer , Torben Meyer y Otto Waldis en los papeles que repetirían en la película de 1961, pero con un elenco diferente, como Claude Rains en el papel de Spencer Tracy y Paul Lukas en el papel de Burt Lancaster . 

Kramer para esta película tirará de uno de los grandes músicos del momento Ernest Gold, estadounidense pero nacido en Austria y que se mudó a los Estados Unidos en 1938, después del Anschluss de Austria. Tras trabajar en Nueva York y ser pianista de acompañamiento, así como componer canciones, pero también perfeccionarse con maestros Otto Cesana y Leon Barzin en la National Orchestra Association, pasó a Hollywood en 1945 para trabajar con Columbia Pictures . Durante los siguientes diez años, continuó trabajando en películas de serie B , principalmente orquestando y organizando música para western y melodramas. Sin embargo, en 1955 Stanley Kramer le pidió que orquestara Not as a Stranger (1955). La música para la película fue escrita por George Antheil . Esta producción abrió la puerta para que Gold trabaje con otras partituras escritas por Antheil y orquestar más películas de Kramer. Gold trabajó en casi todas las películas que hizo Kramer, incluido A Child Is Waiting y It's Mad Mad Mad Mad World . En 1959 cuando Antheil enfermó y no pudo componer una de sus películas, recomendó a Gold para el trabajo. Gold fue el director musical de la Orquesta Sinfónica de Santa Bárbara y fundador de Los Angeles Senior Citizens Orchestra. 

La labor de fotografía fue del húngaro nacionalizado estadounidense Ernest Laszlo miembro que fue de la Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos , y su presidente desde 1972 hasta 1974, y que entre 1961 y 1976, fue nominado para ocho Premios de la Academia a la Mejor Fotografía ,mientras que el montaje lo fue de Frederic Knudtson, habitual editor de la obra de Kramer y que recibió seis nominaciones al Premio de la Academia de Edición de Cine , incluyendo cinco en los seis años anteriores a su muerte acaecida en 1964, a los 57 años. 

El reparto está integrado y encabezado por Spencer Tracy como el Magistrado Jefe Dan Haywood, junto a él aparecen otras estrellas del Hollywood dorado como Burt Lancaster como el juez alemán y nazi Dr. Ernst Janning y Richard Widmark como el Coronel y fiscal , representante de la acusación Tad Lawson y Marlene Dietrich como la Señora Bertholt, Maximilian Schell como el abogado de defensor Hans Rolfe , Judy Garland como la Señora Irene Hoffman Wallner y Montgomery Clift como el testigo de la acusación Rudolph Petersen. 

Junto a ellos aparecen Ed Binns como el Senador Burkette, Werner Klemperer como otro de los jueces acusados Emil Hahn , al igual que el que asuma Torben Meyer como el juez Werner Lampe y Martin Brandt como otro de ellos, Friedrich Hofstetter. También aparece un joven William Shatner como el Capitán Harrison Byers (ayudante de Haywood), al igual que Howard Caine como Hugo Wallner , el esposo de Irene, John Wengraf como el Herr Justizrat Dr. Karl Wieck - ex Ministro de Justicia durante la República de Weimar , Karl Swenson como Dr. Heinrich Geuter , el abogado de Feldenstein, Ben Wright como Herr Halbestadt, mayordomo de Haywood, Virginia Christine como la Sra. Halbestadt, ama de llaves de Haywood, Kenneth MacKenna como el juez Kenneth Norris, Ray Teal como el juez Curtiss Ives, Alan Baxter como Brigada General Matt Merrin, Joseph Bernard como el comandante Abe Radnitz , asistente de Lawson, Olga Fabian como la Sra. Elsa Lindnow , testigo nazi en el caso Feldenstein, Otto Waldis como Pohl, Paul Busch como Schmidt y Bernard Kates como Max Perkins. 

La historia comienza con la imagen de destrucción de la ciudad del norte de Baviera tres años después del final del conflicto, en 1948. Vemos la llegada a la ciudad del juez titular que ha de juzgar a los cuatro jueces, cómplices de la política nazi de esterilización y limpieza étnica, que , al igual que antes con los jerarcas y los oficiales y suboficiales serán juzgados en Nuremberg. 

El que llega ahora procedente de su Maine natal es Dan Haywood (Spencer Tracy), un juez norteamericano retirado, que debe asumir la importante responsabilidad de presidir este juicio contra los jueces que intervinieron como crímenes de guerra nazis. 

Dan Haywood, es consciente que , antes que él, otros muchos jueces han renunciado a juzgar a sus colegas profesionales, porque entre otras cosas, lo que ocurre ya en Alemania, tres años atrás del fin del conflicto ya no interesa en los Estados Unidos. 

Ante el tribunal, defensa y acusación confrontarán sus posiciones sobre si los jueces nazis eran conocedores o no del exterminio que estaba realizando el gobierno alemán apoyándose en testigos que sufrieron esta injusta política. 

El Juez Dan Haywood ( Spencer Tracy ) es el Juez Principal de un plantel de tres jueces que escuchará y decidirá el caso contra los acusados. 

Haywood comienza su examen tratando de averiguar cómo el acusado Ernst Janning ( Burt Lancaster ), un prestigioso y muy reputado jurista antes de la guerra,  pudo haber sentenciado a tanta gente a la muerte. Janning, se revela, es un jurista y erudito legal bien educado e internacionalmente respetado. Haywood busca entender cómo el pueblo alemán podría haber hecho oídos sordos a los crímenes del régimen nazi. 

El juicio da comienzo cuando se abre la sesión pidiendo que Dios bendiga a los EEUU y a este honorable tribunal. Entra el juez principal y los otros dos componentes del tribunal.

Se presentan los cuatro acusados, jueces, que van a representar el juicio de Nuremberg. Emil Hang, Fiedrich Höfsteter, Werner Lampe y el más importante de todos, Erns Janning.

Como se puede ver, los cuatro hablan en alemán, lo que aumenta la tensión y le da un tono casi documental.

Erns Janning protesta contra el juicio quitándose los cascos. Habla el ministerio fiscal. Y señala la peculiaridad del juicio, porque se atribuyen a los acusados crímenes cometidos en nombre de la ley. Personifican lo que pasó con la justicia en el III Reich. Ellos eran jueces. El tribunal es el alma de la ley, y sabiéndolo los jueces nazis destruyeron la justicia y la ley en Alemania.

Pero lo que se les atribuye los crímenes más calculados y perversos de la historia de la humanidad.con los argumentos del Fiscal (Richard Widmark).

Según él, se está ante crímenes cometidos en nombre de la ley. Los acusados pervirtieron el derecho y la justicia en Alemania, sin que puedan justificar sus acciones, amparándose en unas leyes manifiestamente injustas que eran un instrumento al servicio del crimen y de la más absoluta arbitrariedad.

Le replica el abogado defensor que lo hace en alemán y considera que el juicio quiere consagrar de nuevo el templo de la justicia, y el establecimiento de un código de justicia que responsabilice al mundo entero con una clara y honesta valoración de los crímenes.

Destaca el papel de Erns Janning es uno de los juristas más conocidos de Alemania, y su función va mucho más allá de la época nazi. “Un juez no es quien promulga leyes, es quien hace cumplir las de su país”, “mi patria ante todo, con razón o sin ella” dicha por un patriota americano, pero también vale para un alemán.

El argumento de la defensa es pues que estos jueces se limitaron a aplicar las leyes promulgadas por su país, sin entrar a valorarlas o discutirlas, cumpliendo ante todo con su papel de patriotas, más allá de si las leyes que aplican son justas o no. Según el abogado defensor, a quien verdaderamente se juzga es al pueblo alemán.

Veremos que una de las cosas más importantes que se rastrean en la película es precisamente si se puede atribuir alguna responsabilidad al pueblo alemán, o si todo el período nazi no es más que el resultado de la locura de unos pocos. Los abogados reflexionan sobre esa responsabilidad.

El juez está interesado por conocer a los alemanes, y profundizar en esta verdadera cuestión. Poco a poco comienzan a plantearse aspectos agradables y positivos, tradicionales del pueblo alemán, que dan una imagen distinta en apariencia de lo que fue la época nazi.

Visita el estadio de Nüremberg, lugar de celebración de los famosos mítines de Hitler enla ciudad , mientras oímos de fondo nuevamente el himno nazi y vemos el lugar donde Hitler emitía sus famosos discursos.

El abogado defensor habla con Janning y le da su visión del asunto. Los casos más difíciles son los decretos de esterilización y el caso Feldenstein-Hoffmann.

La acusación propone al primer testigo, el doctor Beack. Profesor de Janning. Especialmente significativa en este sentido es la declaración de el  Dr. Karl Wieck (John Wengraf ) ex Ministro de Justicia durante la República de Weimar , que dice que fue su pupilo en la juventud, un miembro de la judicatura brillante, así como posteriormente tras el triunfo nazi, se incorporó sin duda a la estructura administrativa de la judicatura e impulsó las leyes de Nüremberg, contra matrinonios mixtos o aceptó sin rechazar la  ideas eugenésicas del régimen.

De hecho declara que fue su colaborador en el Ministerio de Justicia entre 1929 y 1935, sirve al Fiscal para aclarar cuál era la situación de los jueces en Alemania antes y después de la llegada del nacionalsocialismo al poder, y también para mostrar que a los acusados les hubiera sido posible dimitir -como hizo el propio Dr. Wieck-, evitando así formar parte de un régimen criminal.

Wieck explica que antes de Hitler, los jueces gozaban de absoluta independencia en Alemania. Después, todo cambió: los jueces dejaron de orientar su labor a la realización de la justicia y comenzaron a juzgar los casos centrando su atención en la protección del Estado, que era el principal cometido del juez.

Asimismo, desapareció la posibilidad de recurrir las sentencias; el Tribunal Supremo fue sustituido por tribunales populares; el concepto de raza adquirió carácter legal, y se generalizó la aplicación de la pena de muerte y la esterilización de personas consideradas "asociales". La consecuencia de todo ello, según Wieck, fue que la administración de justicia se convirtió en un instrumento más de la dictadura.

A la pregunta del juez Haywood sobre si los jueces reaccionaron frente a la pérdida de su independencia, Wieck contesta que algunos lo hicieron y dimitieron o fueron forzados a dimitir, mientras que otros se adaptaron a la situación. A ello añade, en respuesta a otra pregunta del juez, que quizá al principio se pudo albergar alguna duda respecto a cuáles iban a ser las consecuencias de estos cambios, pero que posteriormente era evidente hacia dónde se encaminaba la situación. 

El Fiscal presenta otros dos testigos. Por una parte, llama a declarar a Rudolph Petersen (Montgomery Clift), un ayudante de panadero que fue esterilizado forzosamente a causa de su debilidad mental.

La defensa alega una serie de razones relacionadas con la situación de Alemania: hambre, existía disensiones internas, y había un partido comunista, que era el tercer partido en Alemania y en el que militaba el padre de Petersen.

Sobre la esterilización el abogado defensor lee un párrafo de un alto tribunal: “Hemos visto más de una vez que por el bien público se puede pedir a los mejores ciudadanos la entrega de sus vidas, sería pues extraño que no se pudiera pedir también a los que ya han minado el vigor del estado, un sacrificio menor a fin de prevenirnos de ser inundados por la incompetencia. Es mejor para todos que en vez de esperar a ejecutar a unos degenerados por sus crímenes o dejarles sumidos en la imbecilidad la sociedad pueda impedir su propagación por medios científicos principalmente. Tres generaciones de imbéciles son suficientes”.

El testigo Rudolf Petersen  está nervioso y parece afectado. Ahora se deja en el aire la idea de la debilidad mental que los comunistas podrían representar. El abogado defensor demostrará que Rudolf Petersen es retrasado mental, hijo de comunistas. Su padre era empleado de ferrocarriles, “subiendo y bajando la barrera del paso a nivel para el tránsito”. Cinco hermanas y cuatro hermanos, una gran familia de imbéciles. ”.

El abogado, pretendiendo demostrar su imbecilidad, cree que puede justificar la esterilización. Sólo fue seis años a la escuela, donde no fue un buen estudiante. El abogado trata al testigo como deficiente mental. En la escuela ya se le consideró retrasado mental. Sus padres fueron también retrasados mentales, además de comunistas acusados de  inadaptación social.

Los jueces deliberan y comentan la obra de Janning, que fue uno de los fundadores de la constitución de la Alemania de Weimar. El juez admira a Janning, y en principio piensa en apoyarle si no hay pruebas en contra.

En la cocina se encuentra con la señora Bertolt, antigua dueña de la casa. Ahora es una viuda ( Marlene Dietrich ) , la de un general alemán que había sido ejecutado por los Aliados, una vez juzgado. Ella , persona culta y sin tacha política, le presenta la visión de la clase alta alemana ante el nazismo, pero también como no hicieron nada para frenarlo.  Sale a relucir en la película , el proceso de Malmedy es otro de los procesos en donde se ejecutaron a militares alemanes.

Él habla con varios alemanes que tienen diferentes perspectivas sobre la guerra. En la conversación con los sirvientes, el juez sigue indagando acerca de la responsabilidad del pueblo alemán en la época nazi. Fingen no saber nada de lo que era el nazismo. Su respuesta es que no entienden de política.  Es de notar, cómo la respuesta de estos sirvientes corresponde en apariencia al tono atribuido generalmente al pueblo llano, ignorante y poco comprensivo acerca del alcance de la política. Entre ellos los mayordomos que tienen asignados, personas que dicen no haber conocido nada del campo de prisioneros de Dachau, en las cercanías de Munich, y no muy lejano de esta ciudad bávara. Sin embargo, entrelo que dice el marido y la mujer se reflejan ciertas contradicciones que hacen dudar de la verdad de lo que hizo Hitler.

Les pregunta el juez por Dachau, un campo de concentración, a escasos kilómetros de Munich y relativamente cerca de Nüremberg, y su negativa es tan escurridiza que muestra efectivamente cómo se comprometieron en el nazismo, a pesar de lo que sufrieron en la guerra. La sirviente le dice quye Hitler construyó autopistas y dio trabajo, hizo cosas buenas, se dice, lo demás “no podíamos saberlo, muy pocos alemanes lo sabían”, pero “aun sabiéndolo, qué hubiéramos podido hacer”. Es evidente que lo sabían.

Vemos cómo se manifiesta a lo largo del film esta distinción de clases, que había heredado Alemania, entre nobles y plebeyos que opera detrás de todas las acusaciones.

Otros personajes que el juez conoce son el capitán del ejército estadounidense Byers ( William Shatner ), asignado a la parte estadounidense que conoce los casos, y que lleva dos años en el país ocupado y que , en este momento , está saliendo con una chica alemana.

Janning , mientras en el patio de la prisión en la que está, aparecerá como un noble que odiaba a Hitler, igual que todos los verdaderos soldados alemanes, mientras que quienes le apoyaron , como alguno de sus compañeros, eran todos unos mediocres arribistas oportunistas.

Poco después se recaba la presencia de Irene Hofmann Wallner (Judy Garland) para dar cuenta del caso Feldenstein, en el que Feldenstein, un judío, fue condenado a muerte porque, según algunos testigos, mantuvo relaciones íntimas con Irene Hofmann cuando ello estaba legalmente prohibido por las leyes de Nuremberg.

Además de las esterilizaciones masivas y del caso Feldenstein, el Fiscal presenta cargos contra los acusados por ordenar el arresto y el envío a campos de concentración -como acredita documentalmente- de cientos de personas acusadas de deslealtad o resistencia, aplicando un Decreto firmado por Hitler.

Como testigo personal de las atrocidades cometidas en dichos campos, el fiscal pide que se le tome juramento para testimoniar lo que halló el ejército norteamericano al liberar algunos campos de concentración, al tiempo que ilustra su declaración con la proyección de una película con imágenes dantescas de aquellos campos. 

Pero es de destacar la declaración de Irene Hoffmann ( Judy Garland ). Para conseguir su declaración el abnegado fiscal atraviesa un Berlín en el que vive la chica, devastado por las bombas, y pasa ante los restos del parlamento , la puerta de Brandemburgo hasta dar con la chica.

El fiscal no quiere que queden impunes, el actual marido de Irene le pregunta si no cree que de verdad no quedarán así. Para los testigos, la vida en Alemania se hace muy difícil, entre los alemanes sigue existiendo mucha gente que apoya a escondidas el nazismo, y los testigos tienen miedo.

Un hombre judío, el señor Feldenstein, acusado de haber tratado sexualmente con una mujer aria, fue condenado a muerte por corrupción racial. El juicio fue utilizado en la propaganda del nazismo, coincidiendo con la concentración nazi de Nuremberg.  El reo Emil Hang, actuó como fiscal  encargado de condenar a muerte al hombre judío.

Antes de esto se procede por parte del  fiscal a presentar el decreto firmado por Hitler ordenando que todos los acusados o sospechosos de deslealtad o resistencia de cualquier clase fuesen arrestados secretamente y sin advertir a nadie fueran internados en campos de concentración, y órdenes firmadas por estos jueces.

Vemos ahora parte del famoso vídeo grabado sobre los campos de concentración nazis: Obsérvese los lugares de los campos de concentración nazis. Buchenwald 1933, ochenta mil prisioneros. Lema: destrozar el cuerpo, destrozar el espíritu, destrozar el corazón. Hornos, etc., dientes de oro, pantallas de piel humana, cabezas de obreros polacos reducidas, pelvis empleada como cenicero. Los cuerpos de los que llegaban en vagones a veces morían. Se experimentaba con ellos.

La defensa responde al documental. Las operaciones eran secretas, de modo que los alemanes no se enteraban de lo que pasaba. Sólo unos cuantos extremistas eran responsables. Muy pocos lo sabían. Plantea qué tipo de responsabilidad, qué debe hacerse en casos semejantes: abandonar, o continuar mitigando las consecuencias. Aduce que Janning tenía un sirviente judío, que no condenó ni acusó, como si esto justificara algo.

El abogado defensor pretenderá mostrar que en realidad mantuvieron relaciones sexuales, como si ello fuera suficiente argumento para exculpar a los jueces nazis de su condena, “por haberse limitado a cumplir con su deber”.

El abogado defensor alemán Hans Rolfe ( Maximilian Schell ) sostiene que los acusados ​​no fueron los únicos que ayudaron, o al menos cerraron los ojos, al régimen nazi. También sugiere que Estados Unidos ha cometido actos tan malos o peores como los perpetrados por los nazis.

Al presentar el caso de Irene Hoffman, tratando de nuevo de probar que mantuvieron relaciones sexuales, como si esto pudiera ser considerado un delito, incluso aunque una ley lo establezca. Pero el propio Janning le plantea al abogado “¿es que vamos a empezar de nuevo?” queriendo decir que el abogado se comporta como un fiscal nazi que quiere demostrar que la mujer mantiene relaciones con un judío, como si eso probara algo.

Janning, mientras tanto, decide tomar la posición para la acusación, afirmando que es culpable del crimen del que se le acusa: condenar a muerte a un hombre judío por cargos de " contaminación de sangre ", a saber, que el hombre durmió con un joven de 16 años -vieja muchacha gentil- cuando sabía que no había evidencia para apoyar tal veredicto.

Ahora que el juez y profesor Ernst Janning (Burt Lancaster) ha decidido declararse culpable y confiesa que en el caso Feldenstein  se había decidido antes de realizar el juicio y fue una "parodia a la justicia".

Para explicar lo ocurrido  Janning toma la palabras y comenta la época del nazismo. Hambre, corrupción, miedo a todo. Hitler vendió a los alemanes la idea del orgullo alemán frente a comunistas, judíos, gitanos, etc. Por qué participaron quienes no creían en ello, porque amaban a su patria. Las minorías no importan, son una fase, esperaban que la cosa no fuera tan radical. El nazismo dio muestras de gran poder. La persecución a las minorías eran un modo de vivir. Su abogado ha hecho revivir el espectro del nazismo, sugiriendo que todo lo que se hizo fue por el bien del país, por amor a la patria. La salvación de Alemania debe pasar por que los culpables admitan la responsabilidad de lo que han hecho. Reconoce que los campos de concentración eran conocidos. Los vecinos arrestados, las estaciones atestadas de presos, etc., eran conocidas por todos. “Nuestro abogado pretende que no sabíamos nada del exterminio de millones, nos justificaría diciendo que sólo conocíamos el exterminio de unos cientos ¿es que por ventura eso nos hace menos culpables?”

Su declaración muestra cómo todos se involucraron en los crímenes, aprovechándose del poder, de las propiedades de los detenidos, cómplices de aquellos crímenes, activa o pasivamente. Durante su testimonio, explica que las personas bien intencionadas como él aceptaron las políticas de racismo antisemita de Hitler por un sentido de patriotismo, a pesar de que sabían que era incorrecto.

Haywood debe  hacer las consideraciones de conveniencia geopolítica e ideales de justicia. Mientras se juzga las inconveniencias del bando vencido, va surgiendo la Guerra Fría entre los vencedores.

La vista se da por concluida para sentencia. Los jueces se reúnen y se discute la cuestión de la responsabilidad del juez ante la ley y la justicia. Uno de los jueces ayudantes discute si los reos son o no son responsables de crímenes contra la humanidad. Sutilezas legales y especulaciones.

En realidad el verdadero problema es nuevamente el asunto de si aplicar justicia será bueno o malo para los EEUU. Si no se aplica la justicia al caso, ocurrirá como cuando los jueces alemanes aplicaban la ley independientemente de que fuera justa o injusta. Ahora, un caso estratégico puede modificar el juicio y evitar un veredicto que haga justicia a los seis millones de víctimas.

La justicia está por encima de los intereses geoestratégicos, aunque luego se nos informa de que en seis años todos los acusados a cadena perpetua fueron puestos en libertad, con lo que la justicia se pone de nuevo en duda. Los principios morales y legales a los que apela el juez son los compartidos por “todas las sociedades civilizadas” y que "cualquier persona que induce a otra a asesinar, cualquier persona que le provee medios para consumar el crimen, cualquier persona que es cómplice en un crimen, es culpable”.

“La historia y el destino de Janning iluminan la más rotunda verdad que hemos conseguido poner de relieve en este juicio. Si él y los demás acusados hubieran sido seres perversos, y si los jefes que mandaban en el III Reich hubieran sido monstruos sádicos y maniacos, lo ocurrido no hubiera tenido mayor significación moral que un terremoto o cualquier otra catástrofe. Pero este juicio ha demostrado que durante una crisis nacional seres normales incluso hombres capaces y excepcionales pueden engañarse a sí mismos hasta cometer crímenes tan espantosos e ingentes que rebasen cuanto pueda imaginarse […] Reconozco que también en nuestro país hay quienes hablan de la protección de la patria, de supervivencia. Llega un momento en que todo país tiene que tomar una decisión, en el momento en que el enemigo se aferra a su garganta. Entonces parece que el único modo de sobrevivir es emplear los medios del enemigo, hay que sobrevivir por encima de todo, como sea, sin escrúpulos. En tal caso, yo me pregunto, sobrevivir como qué. Una nación no es una roca, tampoco es la prolongación de uno mismo. Es la causa que defiende. Es aquello que defiende cuando defender algo es lo más difícil. Ante los pueblos del mundo permítanme ustedes que proclame en nuestro fallo aquello que defendemos: Justicia, verdad y el respeto que merece el ser humano”.

El juicio de Nüremberg ha terminado. El juez dicta sus sentencias: cuatro cadenas perpetuas a los cuatro jueces juzgados.

El juez sabe que son sus últimos momentos. Llama a la mujer noble para despedirse, pero ello no contestará al teléfono, se siente traicionada.

El abogado defensor habla con el juez y le apuesta que en poco tiempo estarán libres los acusados. El juez le contesta que aunque sea lógico no es justo, y nada podrá hacerlo justo. Es la verdadera cuestión. La lógica no tiene nada que ver con la moral

Por último el  juez hace una visita a Janning, y éste le reconoce que su veredicto fue justo, “en nombre de cuanto hay digno en el mundo”.  Haywood ahora de visita a Janning en su celda y éste le pide que crea que él y los otros jueces acusados ​​nunca desearon el asesinato masivo de inocentes. "Nunca supimos", insiste, "que llegaría a eso". El juez Haywood responde: "Herr Janning, llegó a eso la primera vez que condenó a muerte a un hombre que sabía que era inocente".

Haywood parte; y un título final nos informa  que, de los 99 acusados ​​condenados a penas de prisión en los juicios de Nuremberg que tuvieron lugar en la zona estadounidense , ninguno cumplió sus condenas  en 1961.  

La película examina las cuestiones de la complicidad individual de los ciudadanos en los crímenes cometidos por el Estado, además de un amplio recorrido moral y ético sobre el valor de los derechos humanos.

El guión no tuvo carácter propagandístico, ya que aborda directamente hasta las cuestiones más complicadas. Por ejemplo, el abogado de la defensa Hans Rolfe (Maximilian Schell) plantea argumentos tan espinosos como el apoyo de la Corte Suprema de Estados Unidos a las prácticas de la eugenesia o las palabras de elogio de Winston Churchill hacia Hitler.

La película se basa en un guion escrito para la televisión. Se había emitido el resultado como episodio de la serie  Playhouse 90, de la CBS; en él, Maximilian Schell y Werner Klemperer representaban los mismos personajes que en el largometraje de cine de 1961, que se centra en los históricos juicios de Núremberg y está realizado con la perspectiva que confieren 15 años transcurridos desde el final de la Segunda Guerra Mundial.

El juicio que desarrolla la película está basado en el verídico «caso Katzenberger» en el cual un hombre judío fue acusado de «relación impropia» con una mujer aria y sentenciado a muerte en 1942.
Los acontecimientos de la película se relacionan principalmente con acciones cometidas por el estado alemán contra sus propios grupos raciales, sociales, religiosos y eugenésicos dentro de sus fronteras "en nombre de la ley" (de la declaración de apertura de la fiscalía en la película), que comenzó con Hitler desde que llega  al poder en 1933.

El desarrollo de la trama y el tratamiento temático cuestionan la legitimidad de los fundamentos sociales, políticos y supuestos legales de estas acciones.

El juicio real de los jueces se centró en 16 jueces y fiscales que sirvieron antes y durante el régimen nazi en Alemania y que pasiva, activamente o en una combinación de ambos, adoptaron y aplicaron leyes que llevaron a actos judiciales de esterilización sexual y al encarcelamiento y ejecución de personas por sus religiones, identidades raciales o étnicas, creencias políticas y minusvalías o discapacidades físicas. Un hilo conductor en la trama de la película es una prueba de " impureza racial " conocida como el caso Feldenstein. En este caso de ficción, basado en el juicio Katzenberger de la vida real, un anciano judío había sido juzgado por tener una "relación" (actos sexuales) con una niña aria (alemana) de 16 años, un acto que había sido legalmente definido como un crimen bajo las Leyes de Nuremberg , que había sido promulgado por el Reichstag alemán. Bajo estas leyes, el hombre fue declarado culpable y fue ejecutado en 1935.

Usando este y otros ejemplos, la película explora la conciencia individual, la culpa colectiva y el comportamiento durante un tiempo de inmoralidad social generalizada.

La película es notable por su uso del drama judicial para iluminar la perfidia individual y el compromiso moral en tiempos de agitación política violenta; fue una de las primeras películas que no se avergüenza de mostrar imágenes reales filmadas por soldados estadounidenses y británicos después de la liberación de los campos de concentración nazis  y que vemos como parte de las alegaciones del fiscal Coronel Tad Lawson ( Richard Widmark ), las escenas de enormes montones de cadáveres desnudos colocados en hileras y excavados en grandes pozos se consideraban excepcionalmente gráficos para una película convencional de su época.

La película cierra la brecha entre las personas de habla inglesa y alemana en la sala del tribunal presentando la película en inglés, pero implica el uso del idioma alemán a través de auriculares utilizados por personajes cuyo idioma materno es el opuesto al que se habla.

La película está considerada por la AFI's 10 dentro del Top 10 en la categoría de "Películas judiciales" para junio de 2008, por el American Film Institute  después de entrevistar a más de 1.500 personas de la comunidad creativa. Juicio en Nuremberg fue reconocida como la décima mejor película en el género de drama judicial . Además, la película había sido nominada para 100 años de AFI ... 100 películas . "

Como he señalado la película contó con la música de Ernest Gold, pero en la misma además de la suya , podemos escuchar clásicas canciones del momento y anteriores como la de Lili Marleen con música de Norbert Schultze (1938) y letras de Hans Leip (1915) cantada por ¿Marlene Dietrich? . Igualmente suena Liebeslied con música de Ernest Gold y letras de Alfred Perry, Wenn wir marschieren una canción popular alemana (alrededor de 1910), y una par de canciones más de Ernest Gold, así como la Sonata para piano n.º 8 en do menor, Op. 13 de Ludwig van Beethoven.

La película desde su estreno recaudó unos $ 6 millones en los Estados Unidos, y $ 10 millones en la versión mundial.

Stanley Kramer recibió el prestigioso Premio Memorial Irving G. Thalberg .Además esta es una de las pocas veces que una película tuvo múltiples entradas en la misma categoría (Tracy y Schell para Mejor Actor). Muchos de los actores de renombre que aparecieron en la película lo hicieron por una fracción de sus salarios habituales porque creían en la importancia social del proyecto.

Decir que la película de Kramer recibió críticas positivas y fue apreciada como una reconstrucción directa de los famosos juicios de criminales de guerra nazis. El elenco fue especialmente elogiado, incluidos Tracy, Lancaster, Schell, Clift y Garland. La publicación de la película fue perfectamente sincronizada ya que su tema coincidió con el entonces juicio y condena en Israel del oficial nazi Adolf Eichmann .

En el diario británico de The Guardian se dijo de ella que era "La obra maestra de Stanley Kramer hace justicia al juicio de los nazis de la vida real (...) Una película histórica excepcionalmente buena – y cautivadora."

Ya en Estado Unidos Bosley Crowther en las páginas de The New York Times la considera "Una película poderosa y persuasiva (...) Hay muchas insinuaciones perturbadoras y actuaciones reveladoras"

En Variety se dijo que  "Un ritmo más rápido (...) y una edición más incisiva hubieran mejorado la película (...) Las estrellas disfrutan de una caracterización amplia y extensa"

Para Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader "Es lo suficientemente agradable en sus propios términos, pero resulta insufriblemente simplista comparada con algo como 'Shoah'."

En Time Out se trata de "Esta reunión de estrellas en el juzgado (...) suele ser muy impresionante."; mientras que en Los Angeles Times se destaca que "Kramer no era el tipo de persona que se arrugaba ante temas peliagudos, se tratara de racismo (...) libertad o pensamiento y expresión"

Ya en España Luis Martínez en las páginas de El País afirma que se  trata de una "Producción animada por unas interpretaciones soberbias. Mención aparte merece el siempre febril y torturado Montgomery Clift"

Para Carlos Boyero, cuando era columnista de El Mundo se trata de una película "Espléndida, veraz, honesta."

En cuanto a los premios decir que la película fue nominada para once Premios de la Academia. Maximilian Schell ganó el premio al Mejor Actor y Abby Mann ganó en la categoría de Mejor Guión Adaptado . En su discurso de aceptación, Abby dijo: "Un escritor que se precie tiene la obligación no solo de entretener sino de comentar el mundo en el que vive". Las nominaciones restantes fueron a la mejor Película , Stanley Kramer al mejor director , Spencer Tracy al mejor actor, Montgomery Clift al mejor actor de reparto , Judy Garland a mejor actriz de reparto , tambien fue nominada a la mejor dirección de Escenarios, en las personas de Rudolph Sternad y George Milo , Mejor Fotografía en blanco y negro para Ernest Laszlo, Mejor diseño de vestuario para Jean Louis, o y a Frederic Knudtson como la mejor edición de película .

Obtuvo dos Globos de Oro al mejor actor en un drama (Maximillian Schell) y Kramer como director. obteniendo igualmente seis  nominaciones, a la mejor película, mejor actor de reparto para Montgomery Clift,mejor actriz de reparto Judy Garland y un a la mejor película que promociona el entendimiento internacional en la persona de Stanley Kramer

En los Premios BAFTA tuvo tres nominaciones incluyendo a Mejor película . Para el Círculo de Críticos de Nueva York fue el mejor guión del año y valoró como el Mejor actor en la persona de Schell

El Sindicato de Directores (DGA) la nominó  al Mejor director , en la misma medida que el Sindicato de Guionistas (WGA) lo hizo con la nominación al mejor guión dramático.

Spercer Tracy recibió el Premio David di Donatello al mejor actor  y la película a la mejor producción extranjeros . La National Board of Review la incluye entre el  Top 10 mejores películas de aquel 1961.

Una gran película y una auténtica lección de historia. Un ejemplo magnífico del cine clásico con actuaciones impecables y con un equipo técnico de lujo. Una película imprescindible  que hay que ver , te guste el mundo de la judicatura o te interese la historia. No se cuando volveré a Nüremberg, ciudad preciosa como pocas, cuna medieval de Alemania y casa que fue de Durero. Conjunto monumental magníficamente recuperado, piedra sobre piedra, lugar de juicios imborrables sobre crímenes que han de ser indelebles, pues  como defiende en la película el juez Dan Haywood hay que defender por encima de todo la "Justicia, la verdad y el respeto que merece el ser humano”.



viernes, 8 de diciembre de 2017

Falso culpable


Al principio lo que más me ha llamado la atención es que el actor principal de la película sea Henry Fonda. Después también me ha llamado la atención de que un integrante, de hecho el padre fundador de la "Nouvelle vague",  como fue Jean Louc Godard viese en este film lo que poco después , otros , como le ocurriría a Truffaut con su libro sobre las conversaciones con el director de Los Pájaros o Psicosis, vio del peso que Sir Alfred Hitchcock tendría en la historia del cine. 

Daniel Morgan en su libro Late Godard and the Possibilities of Cinema afirma que "Una de las características excitantes y enloquecedoras de la obra de Jean-Luc Godard es que todo lo que toca invariablemente parece conducir a una disquisición sobre la naturaleza y las posibilidades del cine", y su crítica como crítico profesional más relevante , la más reseñada y , posiblemente, la más profunda es la que hizo sobre The Wrong Man , película que se llamó en España, Falso culpable.

En el artículo titulado "Le Cinéma et son double" , Godard hace un análisis de sobre Hitchcock y slas articulaciones estilísticas de los estados de conciencia, de los estados metafísicos del ser y de sus significaciones temáticas y dramáticas". Dada su trascendencia y a ser un magnífico estudio sobre la película aparece en su práctica totalidad al final de esta entrada. 

Según recoge David D. en su página de torontofilmreview.blogspot.com. "Entre las primeras y mejores formulaciones de su noción de un continuo cinemático de ficción y documental, está el ensayo de 1957 sobre The Wrong Man de Hitchcock".  Para el critico Jonathan Rosenbaum es "la mejor crítica individual de Godard: su análisis de The Wrong Man, Le Cinéma et son double , publicado en Cahiers du cinéma en junio de 1957". 

The Wrong Man  es una película de 1956 dirigida por Sir Alfred Hitchcock y con Henry Fonda y Vera Miles como actores principales. 

La dirección artística de la misma fue obra de Paul Sulbert  y William L. Huehl estando en la producción de Herbert Coleman pra la productora de la Warner Bros. , siendo igualmente la distribuidora. La película tiró de un presupuesto que alcanzó los US$ 1,200,000 que se recuperaron en taquilla al conseguir US $ 2 millones.

En el apartado técnico el guión estuvo en manos de Maxwell Anderson y Angus McPhail, artindo ambos de la obra titulada " La verdadera historia de Christopher Emmanuel Balestrero" de Maxwell Anderson, pero también en el artículo de la revista " Un caso de identidad " publicado por la Revista Life , el 29 de junio de 1953 escrito  por Herbert Brean . 

En la banda sonora , como no podía ser otro, nos encontramos con Bernard Herrmann, mientras que en el sonido correspondió a Earl Crain , la fotografía  - en blanco y negro- a Robert Burks y el montaje a George Tomasini.

Los protagonistas de la historia son Henry Fonda como Christopher Emmanuel Balestrero, llamado en la película igualmente Manny y  Vera Miles como Rose, su mujer. Igualmente juegan un importante papel en la misma Anthony Quayle como el abogado Frank O'Connor y  Harold J. Stone como el teniente Jack Lee Bowers. 

Junro a ellos están  Charles Cooper como Det. Matthews , John Hildebrand como Tomasini , Esther Minciotti como Mama Balestrero,  Doreen Lang como Ann James , Laurinda Barrett como Constance Willis , Norma Connolly como Betty Todd,  Nehemiah Persoff como Gene Conforti,  Lola D'Annunzio como Olga Conforti , Werner Klemperer como Dr. Bannay , Kippy Campbell como Robert Balestrero , Robert Essen como Gregory Balestrero  y Richard Robbins como Daniel, el culpable.

La película trata una historia real ocurrida en 1953  en la que un hombre acusado de un crimen que no había cometido, pero todo parecía indicar que era culpable.

La película comienza por primera y única vez en sus muchas películas, con Alfred Hitchcock esta imagen hablando con la cámara entre sombras y afirmando que es una historia real y  que "cada palabra es cierta" en esta historia.

Se trata de un músico que trabaja en el club Stork, de Nueva York, es un hombre honrado, felizmente casado y con ciertos apuros económicos.Estamos en 1953, en concreto se inicia el 14 de enero de ese año y  Manny Balestrero ( Henry Fonda ), que toca el contrabajo en una banda que ameniza las noches en el Stork Club de la ciudad de Nueva York, está atravesando una crisis financiera. 

Es un hombre de costumbres rutinarias, sobrias , que todas las madrugadas al salir del club se toma un café leyendo las a puestas en las carreras y , que una vez tras desplazarse hasta su casa en Queens, se encuentra a su esposa , Rose ( Vera Miles ), y con sus dos hijos . Su esposa le cuenta que ha ido al dentista y que necesita que se le extraigan las muelas del juicio . Dicha intervención le costará $ 300, , un dinero que no tiene la pareja. 

Cuando su mujer necesita dinero para un tratamiento dental, Manny acude a su compañía de seguros a solicitar un préstamo sobre su póliza. Aunque ya ha pedido prestado dinero a su favor poniendo como aval  su póliza de seguro de vida , acude a la compañía de seguros de vida para intentar conseguir otro préstamo contra la póliza de Rose.

Al verle la cara una empleada de la aseguradores, esta le comenta a sus compañeras empleadas administrativas de la agencia, que se trata de un hombre que hace unos meses asalto las dependencias. En un momento de histeria colectiva  lo confunden de inmediato con el hombre que había asaltado dos veces la oficina de seguros. Los empleados llaman a la policía y tres detectives se apostan en la puerta de su casa esperando su llegada.

Manny ese día está visitando a su padre enfermo y luego marcha a  casa con la intención de dar una clase de piano y armónica a sus hijos.  Cuando baja del autobús y está subiendo los escalones de entrada a su casa en Queens ,  los detectives lo llaman y, sin darle opciones de ver a Rose, lo llevan a la Comisaria del recinto 110.

Una vez allí , y sin que se le digan el  por qué de su traslado policial,  Manny recibe instrucciones de entrar y salir , en primer lugar, de una licorería y luego de una delicatessen , ambas lugares han sido escenarios de un robo a lo largo de ese año.

Luego, ya en Comisaría , nuevamente, la policía le pide que le entregue una muestra de escritura a mano , escribiendo las palabras de la nota que dejó por escrito en la compañía de seguros durante el robo. Manny escribe mal la palabra "caja / drawer" como "dibujar/ draw", el mismo error ortográfico que el ladrón hizo cometió en la nota.

Tras ser reconocido en una rueda de presos , intercalados con agentes que visten igual que él, es reconocido por dos empleadas de la agencia de seguros. Tras esa prueba de reconocimiento, es oficialmente detenido. 

Comienza entonces para él una angustiosa pesadilla: su mujer es avisada y él acusado de una serie de hurtos perpetrados en el barrio. Lo terrible es que todos los testigos y las pruebas caligráficas corroboran su culpabilidad.

Tras su arresto es trasladado a la prisión y al día siguiente tras ser acusado formalmente del robo llevado a los juzgados que decretan su prisión en la cárcel de Connie Island, aunque su familia descubre que estará presente en el tribunal a la mañana siguiente.

Gracias a la ayuda de su cuñado Gene Conforti (Nehemiah Persoff) y Olga Conforti (Lola D'Annunzio) consiguen pagar la fianza decretada por el juez, que se eleva a 7,000 dólares. Tras salir bajo fianza, y con el total apoyo de Rose intentará demostrar su inocencia.

Ambos buscan el buen hacer de un abogado neoyorkino , Frank O'Connor ( Anthony Quayle ), que tras escuchar el caso de su propia boca , les propone probar que Manny no puede ser el hombre de los robos. Para ello han de pensar estaban haciendo el día de los robos. Manny y su mujer recuerdan que durante la fecha del primer atraco estaban de vacaciones con su familia, en un hotel rural,; mientras que en el momento del segundo su mandíbula el sufría una crisis en su boca y su mandíbula estaba tan hinchada por un flemón que los testigos seguramente lo habrían notado.

Manny y Rose buscan a tres personas con las que estuvieron en un hotel rural del Estado de Nueva York. Se trata de un hotel regentado por una pareja italiana . Al llegar Manny no recuerda el nombre de sus acompañantes, pero sí sus actividades. Buscando en el registro los propietarios recuerdan al señor Lamarca que estaba alojado en el hotel de vacaciones así como a un boxeador, pero cuando van a los lugares de residencia dos de las personas buscadas han muerto y el tercero no se puede encontrar.

Todo esto devasta a Rose. Su esposa que se siente culpable por su mala gestión de la economía familiar, por su dolor de muelas y por el hecho de tener que pedir un préstamo, lo que llevó a la detención de Manny sufre una aguda crisis nerviosa , que es confirmada por el abogado  y , tras una agresión a Manny, por el psiquiatra que , finalmente, recomienda su internamiento en un psiquiátrico quedando hospitalizada.

Durante el juicio de Manny, un miembro del jurado, aburrido de las minucias del testimonio de un testigo, hace una observación que lleva al juez a declarar la anulación de la nulidad.  Esto es aprovechado por el abogado  Frank O'Connor  que pide el sobreseimiento del caso, pero el juez declara que hay que buscar a un nuevo jurado, pues este ya está recusado.

Mientras tanto,  Manny  espera un segundo juicio, pero en el entretanto la fortuna se presenta cuando el auténtico criminal vuelve a dar un golpe en una tienda que fracasa ante la oposición de la dueña y el dueño. Al ser llevado a comisaría , el delincuente ve su parecido con Manny y, tras ser reconocido nuevamente por las chicas del bufete de seguros, Manny es exonerado  tras el arresto y detención del verdadero ladrón con el que cruza su mirada en el pasillo.

Tras ser excluido de total culpabilidad,  Manny visita a Rose en el hospital para compartir las buenas noticias, pero, cuando ella sigue ensimismada y ajena a todo.

Cuando la película termina, ella permanece clínicamente deprimida; pero un epílogo textual explica que ella se recuperó dos años después pasando la familia a vivir en Florida. 

La idea de esta película rondaba la mente de Hitchcock desde hacía tiempo, aunque diversas circunstancias habían hecho aplazar el rodaje.

Inicialmente, Alfred Hitchcock le pidió a John Michael Hayes que trabajara en el tratamiento y el guión de esta película , pero sin acordar salario alguno, sino por un porcentaje de las ganancias. Hayes declinó, y con la misma acabó la colaboración entre ambos que se había extendido durante cuatro películas terminando así para siempre.

Ya sabemos que no hay película de Hitchcock sin cameo, pues bien, en este caso , en The Wrong Man puede ser visto, al principio de la película, en una silueta de pie de una calle oscura cuando se advierte al público que la película es una historia real. Originalmente, tenía la intención de ser visto como un cliente que entraba al Stork Club, pero se arregló para salir al principio.

La película se rodó principalmente en Nueva York y sus alrededores. Se rodó en la Estación de metro 5th Avenue de Nueva York, en el Edelweiss Park, en Cornwall, Estado de Nueva York, en el Sanatorio de Greemont, en el Victor Moore ArcadeV - que fue derribado a fines de la década de 1990 como parte de un proyecto para construir un nuevo centro de transporte-, en Jackson Heights, en Queens, en el Stork Club, 3East 53rd Street de Nueva York, Catalpa Avenue de Ridgewood, en Queens, en la City Prison, 1 Court Square, Queens, Nueva York, en los Edison Studio, de Nueva York, en otros puntos de Jackson Heights, Queens. Como vemos muchas escenas fueron filmadas en Jackson Heights , el barrio donde Manny vivió cuando fue acusado. La mayoría de las escenas de la prisión fueron filmadas entre los convictos en una prisión de la ciudad de Nueva York en Queens. El juzgado estaba ubicado en la esquina de Catalpa Avenue y 64th Street en Ridgewood.

Cuando el equipo fue a filmar las escenas en el hotel rural, Alfred Hitchcock se quedó en su limusina debido al frío exterior y decidió trasladar la producción a Hollywood para completar la película, en concreto  en los Warner Brothers Studios - 5800 Sunset Blvd., Hollywood, Los Ángeles.

En la escena de apertura, muestra a Manny (Henry Fonda) tocando el bajo. Sentado al piano, junto a él está el pianista / director que marca la nota final tocada. Este es en realidad Betnard Herrmann, el compositor y director de muchas películas de Hitchcock y muchas otras películas de Hollywood de esa época.

Un cartel de la película puede ser visto en una pared en la casa de Robert Graysmith, interpretado por Jake Gyllenhaal en la película de David Fincher del año  2007 que llevaba por título Zodiac.

The Wrong Man tuvo un efecto notable en  el director de Taxi Driver, Martin Scorsese , ya que es una de las películas favoritas del director británco para Martin Scorsese.

Las escenas de la prisión fueron filmadas en una cárcel real. Cuando Manny (Henry Fonda) es llevado a su celda, uno de los reclusos auténticos grita: «¿Por qué te han apresado, Henry?».

Fue la única vez que Henry Fonda - al que curiosamente le escuchamos hablar en castellano en una escena mientras busca a unos de los testigos (evidentemente la he visto en inglés con subtítulos) -  trabajó con el director Alfred Hitchcock y en la misma, aunque no figuran en los créditos, se incluyen - aunque yo no los haya visto- el recientemente fallecido Harry Dean Stanton , así como Werner Klemperer, Tuesday Weld , Patricia Morrow , Bonnie Franklin y Barney Martin .

Weld y Franklin hicieron su debut en la película como dos chicas risueñas que respondieron a la puerta cuando los Balestreros buscan testigos para demostrar su inocencia y van a la dirección que ellos tienen del señor  Lamarca.

El verdadero Frank O'Connor (1909-1992), el abogado defensor, fue un ex senador del estado de Nueva York en el momento del juicio, y más tarde se convirtió en fiscal de distrito del condado de Queens (Nueva York, Nueva York) y el presidente del Consejo de la ciudad de Nueva York así como juez de tribunal de apelación .

La historia , aunque basado en una historia real, es modificada ligeramente por Alfred Hitchcock quien omitió deliberadamente parte de la información que apuntaba a la inocencia de Manny para aumentar la tensión.

La auténtica  Rose Balestrero (1910-1982) murió en Florida a la edad de 72 años. Un camafeo de Hitchcock es típico de la mayoría de sus películas. En The Wrong Man , aparece solo en silueta en un estudio oscuro, justo antes de los créditos al comienzo de la película, anunciando que la historia es verdadera.

Bernard Herrmann compuso la banda sonora, como lo hizo para otras películas de Hitchcock . En esta película usa una composición muy tenue y uno de los pocasen las que incluye elementos de jazz , principalmente para contextualizar  la aparición de Fonda como músico en las escenas del club nocturno.

Esta fue la última película de Hitchcock para Warner Bros. Completó un compromiso contractual que había comenzado con dos películas producidas para Transatlantic Pictures y lanzadas por Warner Brothers: Rope (1948) y Under Capricorn (1949), sus primeras dos películas en Technicolor . Después de The Wrong Man , Hitchcock regresó a Paramount Pictures .

La crítica no ensalzó en excesa la película, aunque hoy está, como toda la filmografía, bien valorada. Según el crítico Richard Brody "El último punto de Hitchcock era evocar el terror cósmico: la inocencia es simplemente un truco del papeleo, mientras que la culpa es la condición humana".

Para Matt Brunson , la película está " Desprovista de cualquier toque de Hitchcock, la película solo decepciona porque cualquier cineasta que haya experimentado el estilo de falso documental durante este período podría haber realizado una película ; en su caso, es un material apasionante".

Según Dennis Schwartz es "Una de las grandes películas subestimadas de Hitchcock que nunca obtuvo su merecido, dejada de lado por algunos críticos como un trabajo meramente secundario".
Glenn Kenny, desde la página de Rogert Ebert, Rogerebert.com "Con la posible excepción de la película de 1953 "I Confess," el título de Alfred Hitchcock de 1956 "The Wrong Man" es la película menos divertida o "divertida" del largo e increíblemente fecundo período hollywoodense del maestro de suspense". Pero concluye diciendo "Es una pregunta interesante".
En la revista Fotogramas se dice de ella " Un Hitchcock un tanto atípico por cuanto no articula la intriga a partir de una progresión de hechos sino de una evolución moral y anímica. Basado en un hecho real, que Maxwell Anderson convirtió en libro, narra el infierno que sufre un honrado músico al ser confundido con un atracador y procesado por ello. El tono sombrío de la narración excluye en esta ocasión el habitual ìsentido del humor de su autor".

Para Alberto Abuín de Espinof ‘Falso culpable’ (‘The Worng Man’, Alfred Hitchcock, 1956) es el film más realista de su director dentro del género del thriller o suspense. Un paso muy lógico y coherente en la filmografía del maestro y, que sin duda, se llevó a cabo por la manía que el director británico le tenía a lo que él llamaba sus amigos los verosímiles, y que siempre ponían en duda el verismo de alguna de las películas de Hitchcock, inconscientes de lo que significaba el lenguaje cinematográfico, alegando mil y una tonterías comparando cine con realidad. 

Así pues Hitchcock eligió un caso real acaecido hacía tres años,(...) . Un caso excepcional en el que Hitchcock se ríe de sus “amigos” y a partir de un caso real construye todo un espectáculo cinematográfico puro y duro. Un viaje hacia la impotencia ‘Falso culpable’ contiene la típica aparición de su director, aunque esta vez la diferencia radica en que él es el protagonista del prólogo, en el que nos avisa de que lo que vamos a ver está basado en hechos reales. 

Otro punto de diferencia con respecto a sus films de siempre, al igual que volver al blanco y negro de antaño para remarcar ese realismo del que hace gala en su relato, sobre todo en la puesta en escena. Henry Fonda, actor realmente idóneo para el personaje, por poseer ese rostro tan amable y cercano, una apariencia de hombre normal y corriente(...) era el típico americano medio honrado e incorruptible, un héroe con todas las de la ley. La elección por parte de Hitchcock es evidentemente muy acertada, y el relato procura mantener siempre el punto de vista de Manny (Fonda)(...). 

Desde cierta perspectiva ‘Falso culpable’ es una película muy actual. Los claro oscuros de Robert Burks conducen al espectador a través del calvario de Manny hacia el mismo centro de la impotencia, donde asistimos, terriblemente afectados por lo que sabemos es una injusticia, a toda una serie de inconvenientes con lo que se encuentra el protagonista y que, vistos en cualquier película, parecerían trucos de guión o coincidencias. Sin embargo ahí está la gracia, en ese doble juego que propone Hitchcock, quien además sentía un miedo atroz hacia la policía precisamente por casos como éste. 

Hitchock intentó ceñirse lo máximo posible a los hechos aunque por supuesto se permitió algunas licencias, como debe ser. 

Con todo, y a pesar del realismo, Hitchock mezcla géneros y tonos con una osadía fuera de lo común. Tanto que precisamente esto no fue del agrado de muchos, pero el director sabía lo que hacía aun dentro de los cánones de una cinta con fines puramente comerciales. 

‘Falso culpable’ es en ciertos instantes un semi-documental que sigue a un pobre hombre en su odisea particular, en la que prácticamente todo el mundo le señala con el dedo, tomándose su tiempo para narrar lo cotidiano desde varios puntos de vista. Primero, el propio Manny detenido dentro del coche policial y siendo testigo ( durante el juicio) de que la vida sigue su curso sin que haya grandes cambios por su drama personal, y segundo, cuando es encarcelado Hitchcock muestra paso a paso su encarcelamiento, desde la toma de huellas hasta la entrada en la celda, secuencia que se filmó en una prisión de verdad con presos reales. 

A ese realismo hay que añadir que Hitchcock en ciertos instantes se permite el juguetear con la cámara, alejándose así de toda “veracidad”. Cuando Manny entra en prisión, el detallismo más milimétrico —haría las delicias de Bresson— se mezcla con esa cámara que empieza a dar vueltas y vueltas alrededor del rostro de Manny como alegoría del pozo en el que se está hundiendo. 

En la segunda mitad del film, éste navega hacia la locura del personaje de Vera Miles, incapaz de aguantar la presión. Ese tramo, que mete de lleno uno de los elementos más característicos del cine de su autor, el de las enfermedades mentales, puede dar la sensación de desviar la atención de la trama central, pero no es así, en realidad la complementa. 

A Hitchcock le encantaba poner de relieve las injusticias que la ley cometía, y en algunos casos lo que se derivaba de ello. En este caso, el precio a pagar por una acusación es la locura, en consonancia con lo loco que debió significar para su protagonista vivir el calvario que vivió. ‘Falso culpable’ no realiza concesiones a pesar de reflejar con rigor muchos de los hechos acaecidos. Su intención no es ser un documento fiable de lo que ocurrió, sino ir más allá en el retrato del falso culpable por excelencia y las consecuencias, terribles e imperdonables, como producto de un sistema en apariencia efectivo, pero en realidad limitado y pobre. Lo dicho, una película terriblemente actual. es una de las pocas obras en las que el director nacido en Londres no utiliza el suspense como eje central de la narración. 

Se trata de una obra de  Hitchcock maduro, con 57 años, y que estaba en plenitud. ‘Falso culpable‘ tiene muchos ingredientes propios de su cine; el inocente que por error es confundido con otra persona y se ve envuelto en una complicada trama, la obsesión del director por los problemas mentales, etc. Pero en el prólogo, el propio Hitchcock nos advierte del carácter poco usual de esta cinta: por primera vez en su carrera se basa en un suceso verídico. Es más, la película pretende contar con todo lujo de detalles lo que en verdad ocurrió.

La película, al igual que hiciera Orson Welles en ‘El proceso (Le procés, 1962)’, que reconozco haber visto o no recordarla, lo siento, trata de plasmar la debilidad del ser humano frente a un sistema policial y judicial implacable y tremendamente falible. 


La película está incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

Pero para acabar voy a incluir aquí lo que dijo de ella el mismo Godard con el que empezaba esta entrada en su artículo Le Cinéma et son double

Primer acto. 

El Stork Club, como todos saben, es una de las citas más sofisticadas en New Yrok. Aire acondicionado, olor a Havanas, lápiz labial de alta fidelidad ... pero la cámara, en la habitación que se vacía detrás de los créditos, no se centra en las estrellas neuróticas ni en los millonarios de la ciudad. 

Poco a poco se acerca a la pequeña orquesta suave tocando un blues lánguido. El Stork Club cierra. Christopher Balestrero (Henry Fonda) toca un último acorde, guarda su contrabajo y, luego de desear buenas noches al portero, se va. 

En ese momento, debido al ángulo en el que se toma la escena, dos policías parecen acercarse a él. Es solo una oportunidad. Lo pasan y continúan en su ritmo. En esta toma, Hitchcock simboliza, incluso más que el inminente arresto de Balestrero, el papel primordial que jugará el azar en The Wrong Man , dejando su huella inconfundible a cada paso. 

La psicología, en el sentido usual de la palabra, le importa poco al director de The Man Who Knew Too Much : todo lo que cuenta aquí son los giros del destino. 

Hitchcock, además, jugando el juego y jugando limpio, ha advertido al espectador incluso antes de los créditos. En la iluminación violentamente contrastada, uno habla: 'Este filme es diferente a cualquiera de mis otras películas. No hay suspenso. Nada más que la verdad.' Uno debe leer entre líneas. El único suspense en The Wrong Man es el del azar en sí mismo. 

El tema de esta película radica menos en lo inesperado de los eventos que en su probabilidad. Con cada toma, cada transición, cada composición, Hitchcock hace lo único posible por la razón más bien paradójica pero convincente de que podía hacer lo que quisiera. "Che sera, sera", porque What Will Be Has Been. 

Para volver a la historia. Balestrero - Manny a sus amigos - toma el metro a casa para dormir el sueño del justo. Durante el viaje, anota los resultados de las carreras en su periódico. A veces se juega en ella pequeñas sumas, más por algo que hacer que por un deseo de ganar. 

Cuando su esposa Rose (Vera Miles) le pregunta al respecto, él dice que los caballos le interesan menos que ver cuánto podría haber ganado o perdido en apuestas imaginarias, lo que a menudo hace para su propia diversión y porque disfruta calculando, lo cual , como él dice, es su negocio como músico . 

Vale la pena señalar de paso que ninguno de los disparos del periódico Balestrero está leyendo en el metro es prescindible. A lo largo de toda su carrera, Hitchcock nunca ha utilizado una toma innecesaria. Incluso los más anodinos de ellos sirven invariablemente a la trama, que enriquecen más bien a medida que el "toque" amado de los impresionistas enriqueció sus pinturas. Adquieren su significado particular solo cuando se ven en el contexto del todo. En el periódico, por ejemplo, nos muestran un anuncio de automóvil. Nos damos cuenta de que Balestrero tiene una esposa y dos hijos porque una joven y dos niños se agrupan alrededor del automóvil, lo que hace sonreír a nuestro héroe modesto. Otro, incluso mejor, ejemplo: en el periódico también hay un anuncio de una compañía de seguros. Esta foto explica por qué Balestrero rápidamente pidió prestado su póliza de seguro cuando Rose, que sufre una muela del juicio, le pide trescientos dólares para pagarle al dentista. Cerrando la discusión con Rose, ya está en la cama, viene en el primero de cinco o seis primeros planos maravillosos que iluminan la película con destellos brillantes dignos de Murnau, sin mencionar a Dreyer. 

Después de haber hablado con dulzura y amabilidad sobre sus dientes, Rose se deja persuadir de que es la esposa más dulce del mundo. Ella le pide a Manny que sea bueno y la deja dormir. Disparo de reacción y largo primer plano de Henry Fonda mirando abstraído, meditando, pensando, siendo. En relación con esto, hay un primer plano similar en una escena importante en el último rollo, después del examen de Rose por un psiquiatra  , cuando Balestrero decide enviar a Rose, ahora loca, a la mejor clínica que pueda encontrar.  La belleza de cada uno de estos primeros planos, con su atención inquisitiva al paso del tiempo, proviene del sentido de que la necesidad se entromete en la trivialidad, la esencia en la existencia. La belleza de la cara de Henry Fonda durante este extraordinario segundo que se vuelve interminable es comparable a la del joven Alcibíades descrito por Platón en The Banquet . Su único criterio es la verdad exacta. Estamos viendo las aventuras más fantásticas porque estamos viendo el documental más perfecto, el más ejemplar. Estos dos primeros planos están moralmente destinados a terminar de la misma manera. En uno, Balestrero le dice al psiquiatra, 'Quiero lo mejor para ella'. Manny ama a Rose aún más porque sus temores por su felicidad en esta vida la han vuelto loca una prueba irrefutable de su amor mutuo. En el otro, el primer plano termina con una cacerola sobre Fonda mientras él se inclina para besar a Miles en el hueco de su cuello. 

A la mañana siguiente, mientras pacifica a sus hijos, Balestrero decide preguntarle a la compañía de seguros cuánto dinero puede pedir prestado sobre la póliza de Rose. Pero cuando ingresa a la oficina de seguros, un empleado cree que ella lo reconoce como el hombre que sostuvo la oficina hace unos meses. 

Alertados, la policía está esperando a Manny fuera de su casa y se lo llevan para interrogarlo sin darle tiempo para decirle a Rose. En la estación de policía, se entera de que no se sospecha de él, sino de toda una serie de atracos en tiendas locales. 

Las sumas robadas son pequeñas: treinta, cuarenta y cinco, setenta dólares. Pero el sentido de una máquina que rueda inexorablemente se hace aún más fuerte por el hecho de que la policía, los testigos y la decoración son más bien grises, cutre y extraños. Aquí el guión adquiere sin esfuerzo esa naturalidad en la invención que distingue a todas las películas de Griffith. Como resultado, un procedimiento simple como la toma de ángulo inverso recupera su eficacia original, gracias a la "verdad" de las premisas de la trama. Los cambios de tiro están condicionados única y simplemente por cambios en el punto de vista. Por ejemplo, cuando las dos señoras de la compañía de seguros tienen que elegir a Balestrero entre una serie de sospechosos, un director menor podría haber usado un rastreador lateral mientras cuentan 'Uno, dos, tres, cuatro', alternando entre las mujeres y la policía , y descansando cada vez en Fonda, que ocupa el cuarto lugar en el desfile de identidades. Pero de esta forma solo se nos darían los puntos de vista separados de las mujeres, la policía y el inocente sospechoso. Hitchcock nos los da a todos en uno. Oímos, pero no vemos, a las mujeres contando hasta cuatro; la cámara se aleja de Fonda para tomar una foto del jefe de policía, cuyos ojos se mueven cuatro veces seguidas. Un primer plano del inspector también habría sido un error, porque no es su punto de vista lo que importa (sus ojos se mueven con despreocupación profesional, sin expresión) sino el de Balestrero, a quien uno imagina aterrorizado precisamente esta respuesta mecánica. Incluso más que una lección moral, The Wrong Man es una lección de puesta en escena a cada paso del camino. En el ejemplo que acabo de citar, Hitchcock fue capaz de armar el equivalente de varios primeros planos en una sola toma, dándoles una fuerza que no habrían tenido individualmente. Sobre todo, y esto es lo importante, lo hizo deliberadamente y en el momento preciso. Cuando sea necesario, también hará lo contrario, utilizando una serie de primeros planos rápidos como el equivalente a una toma maestra. 

Hitchcock nos hace experimentar la toma de huellas dactilares, esa marca de vergüenza, una vez quemada en la carne del acusado por un verdugo con una plancha al rojo vivo, con terrible inmediatez. Pulgar, índice, dedo índice entintado, rostro del policía, Fonda aturdido, distorsión de la muñeca al presionar los dedos sobre la tarjeta, los disparos superpuestos entre sí porque están cortados exclusivamente con el movimiento, en un montaje rápido y frenético que recuerda a Sr. Arkadin . La pausa que sigue, mientras sus bolsillos se vacían antes de pasar su primera noche en prisión, simplemente enfatiza el vacío físico y moral en el que Balestrero se encuentra con la fuerza suficiente para ver, para registrarse. Esto explica por qué, inmediatamente después de esto, Hitchcock recurre a las técnicas más elementales para la llegada de Balestrero a su celda. Lo que podría haber parecido una afectación suprema proveniente del virtuoso más famoso de la cámara es, de hecho, una prueba de su falta de pretensiones. Como se vive su aventura , la presenta, como Bresson, sin adornos. 

Balestrero entra en su celda, mira la cama, en ángulo inverso a la cama; el lavabo - ángulo de reserva del lavabo; él mira hacia arriba-ángulo inverso del techo y la pared; él mira las barras - ángulo inverso de las barras. 

Nos damos cuenta de que está viendo sin mirar (el teniente Fontaine hace exactamente lo contrario), al igual que durante el juicio que escucha sin escuchar. Una vez más, Alfred Hitchcock demuestra que el cine de hoy está mejor equipado que cualquiera de las dos filosofías de la novela para transmitir los datos básicos de la conciencia. Balestrero se apoya cansadamente contra la pared, como si estuviera borracho de vergüenza. Cierra sus ojos firmemente, tratando por un momento de recuperarse. Encuadrándolo en un plano medio, la cámara comienza a describir círculos cada vez más rápidos a su alrededor en un eje perpendicular a la pared contra la que se apoya. Este movimiento giratorio sirve como una transición al siguiente plano, que muestra a Balestrero siendo llevado a la corte a la mañana siguiente para determinar de acuerdo con la costumbre estadounidense, si será o no enviado a juicio. 

Como suele suceder, es en estas transiciones que Hitchcock analiza los sentimientos y las impresiones subjetivas demasiado insignificantes para encontrar su camino en una escena importante. A través de este movimiento de cámara logra expresar un rasgo puramente físico: la contracción de los párpados cuando Fonda los cierra, la fuerza con la que presionan los globos oculares durante una fracción de segundo, creando en la imaginación sensorial un caleidoscopio vertiginoso de abstracciones que solo un movimiento de cámara igualmente extravagante podría evocar con éxito. Una película que comprenda solo tales notaciones no sería nada; pero uno en el que se les arroja a la negociación, esa película es todo. 

Desde la ventana trasera , Hitchcock ha multiplicado deliberadamente este tipo de efecto "epidérmico", y si relega el hilo de la trama al fondo, lo hace para revelar mejor su belleza palpable por medio de aciertos y arranques. Estas notaciones neorrealistas nunca son gratuitas. Son tantos precipitados de un cuerpo cuya naturaleza, parafraseando a La Bruyere, se revela una vez arrojada a la batalla del mundo. Mirar a tu alrededor es vivir libre. Entonces, el cine que reproduce la vida debe filmar personajes que miren a su alrededor. La tragedia de Christopher Emmanuel Balestrero es que ya no puede mirar a su alrededor. Y Hitchcock tiene razón al afirmar que The Wrong Man no es una película de suspense como las anteriores, porque es lo contrario. El suspense ya no se deriva del hecho de que lo que uno sabía que sucedería sucede, como en El hombre que sabía demasiado, sino todo lo contrario, del hecho de que lo que uno temía que sucediera finalmente no sucede. Pobre Clouzot, que todavía cree en Fantomas, mientras que en The Wrong Man surge el terror porque el suspenso mismo es el fantasma. Admirable a este respecto es la escena, bellamente filmada por Robert Burks, donde la furgoneta policial que lleva a Balestrero al juzgado cruza un puente colgante: una pequeña silueta negra que traquetea a la sombra de las enormes vigas y que extrañamente recuerda el carruaje de Nosferatu llegando en la tierra de los fantasmas. Manny, de hecho, ya no sabe realmente si es él o las otras personas las que se han convertido en fantasmas. Las pocas tomas de las calles que pasan una tras otra antes de ver a su esposa nuevamente en el tribunal parecen, tanto para él como para nosotros, como un espejismo. Rose misma es un espejismo. Se le puede vislumbrar vagamente en el fondo cuando a Balestrero se le niega la libertad bajo fianza porque no puede recaudar los 7.500 dólares necesarios. 

Junto con otros presos lo llevan a la prisión de Long Island mientras espera comparecer ante el fiscal de distrito. Insultados y heridos: este podría ser el subtítulo de Dostoievskia para los Actos Segundo y Tercero, que terminan con Balestrero una vez más siendo encarcelados entre los criminales de derecho común. El mal sueño se ha convertido en realidad. En I Confess , el padre Logan se negó a hablar. 

En The Wrong Man , Balestrero llega a desconfiar del lenguaje mismo, primero de la vergüenza, luego de la lucidez. En el mundo de la detención que se convierte en suyo, ya no mira nada más que los pies del hombre que camina frente a él. Aquí Hitchcock repite la técnica de seguimiento hacia atrás, seguida de una pista de ángulo inverso hacia adelante, utilizada en el último de I Confess , donde Karl Malden observa, por encima del hombro de un subordinado, a Anne Baxter hablando con Montgomery Clift. Otro efecto, esta vez de El hombre que sabía demasiado -el seguimiento lateral sobre notas de música en primer plano- se repite aquí cuando Manny, en la estación de policía, vuelve a leer la nota que la policía le dictó y nota que él cometió el mismo error ortográfico que el verdadero criminal. Vale la pena señalar, sin embargo, que en The Wrong Man estos tres efectos se utilizan en momentos menos críticos que en las películas anteriores, y fortalecen estos momentos más porque están colocados sin pretensiones . No puede haber mejor prueba de que Hitch nunca repite un dispositivo sin ser perfectamente consciente de causa y efecto. Hoy usa sus grandes descubrimientos como conclusión estética en lugar de postular. Por lo tanto, el tratamiento de una escena en un solo disparo nunca mejor justificado que durante el segundo encarcelamiento cuando Manny, visto desde atrás, entra en su celda: las puertas de acero se cierran detrás de él, cortando la vista de la cámara, que luego lo replantea a través de la mirilla. 

Pasan unos minutos. Manny, un genuino 'Dead on leave', parece completamente amorfo. Luego, uno escucha gritos fuera de la pantalla de 'Balestrero! Balestrero! ', Cada vez más fuerte. Manny se enfrenta a la cámara, que se retira para enmarcar la puerta nuevamente con los ojos de Manny en la mirilla con forma de CinemaScope. Esta composición repite aquella en la que Manny, sentado entre los dos policías después de su arresto, ve los ojos del conductor observándolo en el espejo retrovisor del Chevrolet. Lo repite, pero invierte su significado. La cámara se retira antes que Manny después de haberlo empujado a la celda. Un primer milagro entra en las listas. La película se balancea completamente. 

Cuarto acto. Manny es liberado bajo fianza. El dinero ha sido pagado por su cuñado, esperándolo afuera con Rose, quien ahora se convierte en el personaje principal del resto de la película. Hitchcock lo indica de una sola vez. 

Mientras Balestrero se reúne con sus hijos, Rose telefonea a un abogado y el director se demora con esta llamada telefónica. Inútilmente, parecería. Pero no es así. Es en este plano que encontramos una vez más la transferencia favorita del tema de la culpa del director de Strangers on a Train . 

En The Wrong Man , la transferencia ya no reside en la suposición del hombre inocente del crimen real del asesino, sino en el intercambio de la libertad de Manny contra la de Rose. Como la acusación es falsa, la transferencia es falsa; o más bien, una transferencia de inocencia. El hombre equivocado se convierte en la mujer equivocada: Hitchcock, no lo olvidemos, es más que nadie el director de la pareja. La inocencia de Rose se toma aquí en su sentido original de ingenuidad . Rose es lo suficientemente inocente para creerse culpable por haber dudado de la inocencia de su marido en un segundo; menos aún que eso, por haber creído posible dudar. Ella es castigada por haber temido la posibilidad de algo que nunca sucede, una posibilidad que no tenía por qué temer ya que amaba a su marido,  incluso en su forma más sincera, a menudo muestra las emociones más sutiles. La inocencia de Rose, su estupidez, casi, es la única causa de su repentina locura. Piensa en la escena en la que, preocupada por la ausencia de Balestrero, recibe una llamada telefónica de la policía, que le cuenta acerca de las acusaciones en su contra. La primera reacción de Rose es curiosa: "Pensé que era algo así". Ella dice precisamente lo que nunca soñaría pensar, lo que nunca pensará. Pero el simple hecho de haberlo dicho es suficiente para hacerla dudar de sí misma. La mente más infantil también es la más orgullosa. Rose debe pagar la locura de su lengua con locura. Goethe y Balzac han descrito heroínas como esta, que descubren en la lógica aterradora de su pasión, primero la causa de, y luego un pasto natural para su degradación física . Una moderna Odile o Honorine, Rose hace todo lo que puede para ayudar a Manny a encontrar las coartadas que su abogado quiere establecer. 

Como estaban de vacaciones en el momento de los atracos, cazan a las personas con las que jugaron cartas para poder refutar la evidencia. Durante la búsqueda, Rose, por desgracia, no puede evitar darse cuenta gradualmente de que está ayudando a su esposo más por deber que por la inclinación natural de su corazón. La Cuarta Ley termina con la erupción al aire libre de este descubrimiento, que había estado royendo a Rose desde adentro. Manny descubre que su último testigo está muerto. Rose estalla en risa histérica. Un golpe de teatro? No. Como dice Aristóteles: es probable que sucedan muchas cosas en contra de la probabilidad. Si Rose enloquece por el remordimiento, es porque es lógico que la locura ocurra contra la lógica. Cada escena crucial en The Wrong Man tiene en efecto su respuesta, su 'doble', que lo justifica en el nivel narrativo mientras que al mismo tiempo 'redobla' su intensidad en el nivel dramático . La carcajada de Rose se hace eco de la de las niñas que ahora viven en el departamento que pertenece a uno de los testigos desaparecidos. 

La escena doméstica en la que golpea a Balestrero es el doble - el negativo - de la que se encuentra al principio de la película en la que bromea y expresa dudas sobre la probabilidad de que sean felices en este mundo. La naturaleza arbitraria de la situación obviamente se hace eco de la dirección. El golpe en el que Fonda es golpeada por un pincel se maneja en cuatro tomas extremadamente rápidas, en las que solo se ve el inicio y el final del gesto: Rose con el pincel, Fonda, el espejo roto, la frente herida de Fonda ... el montaje es casi la del Ballet mecanique , aunque restaurando sus fortunas de manera conspicua. 

Más: Hitchcock nos muestra que un descubrimiento técnico no tiene sentido a menos que vaya acompañado de una conquista formal en cuyo crisol pueda moldear el molde que se llama 'estilo'. A la pregunta "¿Qué es el arte?", Malraux ya ha dado una respuesta precisa: "aquello por lo que las formas se convierten en estilo". Quinto y último acto. Primer plano del rosario que Balestrero cuenta debajo de la mesa, mientras que su abogado O'Conner, que interpreta a Parry Mason de las novelas de Stanley Gardner, intenta hacer que los testigos de la acusación se contradigan a sí mismos  . Al discutir sobre los detalles, logra su objetivo. Un miembro del jurado, exasperado por la discusión, se pone de pie y le pide al juez que detenga estos tontos sucesos. O'Connor aprovecha su oportunidad e invoca un incumplimiento de procedimiento para reclamar la anulación de un juicio. Su punto es confirmado. Un signo premonitorio del segundo milagro. 

Todavía liberado bajo fianza, Manny regresa a casa. Su madre ha estado cuidando las cosas durante la ausencia de Rose en la clínica. Él lamenta que el juicio haya sido suspendido. La falsa acusación lo pesa aún más que si fuera verdad. Sin embargo, le dice a su madre, él ha cazado a Dios para ayudarlo. Uno no debe pedirle ayuda a Dios, ella responde, sino por fortaleza. En su habitación, preparándose para ir al Stork Club, Manny piensa en lo que ha dicho: pídale a Dios fortaleza. Primer plano de Fonda anudando su corbata. Primer plano de una imagen de Cristo. Otro primer plano de Fonda mirando la imagen que se convierte en una superposición: detrás de la cara de Fonda aparece una toma de una calle con un hombre con un impermeable y un sombrero de fieltro caminando hacia la cámara hasta que entra en primer plano coincidente. Sus rasgos parecen coincidir con los de Fonda, su barbilla se superpone a la de Fonda, su nariz se funde con la de Fonda ... pero no, la superposición se desvanece. Y nos quedamos con el verdadero criminal ante nuestros ojos mientras la cámara hace una panorámica con él mientras intenta otro atraco. La transición aquí ya no es una bisagra que articula la historia, sino el resorte del drama cuyo tema parafrasea. El verdadero criminal, aprehendido gracias a la frialdad de la esposa de un comerciante, se lo llevan a su vez a la estación de policía. El oficial que había interrogado a Manny pasa por el corredor principal en el pasillo, sale de la estación, da unos pasos, hace una pausa, y nos damos cuenta de que comprende que Balestrero es inocente. 'Bien, Manny?' él pregunta, después de enviar por él. "Está bien", responde Fonda con una sonrisa maravillosa. La última escena de la película muestra a Balestrero en la clínica. A pesar de las buenas noticias, Rose está lejos de curarse. "Esperaba un milagro", dice decepcionado Manny, "Los milagros sí suceden", responde una enfermera esbelta, "solo tienes que saber cómo esperar". Dos años más tarde, aprendemos en un epílogo, Rose se cura y vive felizmente en casa con su familia. Dibuja tu propia conclusión.