jueves, 19 de octubre de 2017

El muñeco de nieve


La literatura escandinava está viviendo un inicio de siglo que parece representar su edad de oro. Escritores daneses, suecos y noruegos se están colocando en las listas de los más vendidos y divulgados en este mundo occidental. Posiblemente el abanderado de este amanecer de las letras escandinavas fue Stieg Larsson con su trilogía de Millenium. La publicación de su obra y las condiciones en las que se produce- una vez fallecido- provocó colocar en el escaparate de las librerías la obra de éste y otros muchos ( y muchas) escritores/as. 

Este ejército de narradores y narradoras escribían , en muchas ocasiones, tenían en común haberse especializado en un tipo de novela de género, casi siempre en novela negra o policíaca, en la que el papel de los investigadores, ya fuesen detectives, policías o periodistas, comenzaba su trabajo una vez conocida una muerte o una desaparición. En infinidad de casos se trataban de historias que enraizaban con el pasado complejo de los personajes, pero también del país. Lo cierto es que la modélica sociedad escandinava del bienestar está en declive. Los países nórdicos tienen, por ejemplo, las mayores tasas de delitos por mil habitantes de toda la UE. El 20% de las mujeres reconoce haber vivido algún episodio de violencia doméstica y el acoso escolar causa estragos -18% en Noruega y Suecia, según diferentes estudios-. 

Parece ser que el origen de este género tan centrado en lo negro está en la obra del matrimonio Söwall y Wahlöö , suecos, comunistas y críticos despiadados de las "perversiones" del sistema, ya a mediados de los años 60, se sirvieron del género para cuestionar y diseccionar el devenir de la sociedad en la que vivían. Junto a Larsson nos encontramos a la sueca Henning Mankell con su inspector Wallander,o su paisana Liza Marklund con su periodista y madre Annika Bengtzon ,la ex ministra de Justicia sueca Anne Holt que se acompaña por el superintendente Yngvar Stubo -antes comisario - , el sueco Hakan Nesser con su comisario Van Veeteren, y Inger Johanne Vik, al islandés Arnaldur Indridason, el danés Peter Hoeg , al noruego Kjell Ola Dahl con su pareja de detectives Gunnarstranda y Frølich , la noruega Karin Fossum que se hace acompañar de su inspector Konrad Sajer , a las que se suman Camila Läckberg , la pareja formada por Anders Roslund y Börge Hellström.

Y para el final voy a dejar al noruego Jo Nesbø, líder y cantante del grupo musical de rock noruego Di Derre, que desde 1997 con su primera novela negra , Flaggermusmannense , hace acompañar de su agente policial Harry Hole, pero que no sólo va con él sino igualmente con el Doctor Proctor, Olav Johansen, etc... 

En 2007 publicó otra novela policíaca del detective Harry Hole bajo el título de El muñeco de nieve (en noruego, Snømannen)la séptima novela de la serie.

Siete años más tarde, en 2014 se anunció que el director sueco Tomas Alfredson sería el encargado de dirigir la adaptación cinematográfica de la novela, producida por Working Title Films. Alfredson sustituyó al estadounidense Martin Scorsese de ese proyecto que iba a llamarse como la obra literaria, pero en inglés,  The Snowman. El director neoyorkino había sido elegido originalmente para dirigir la adaptación y que se quedó en la producción como productor ejecutivo. En la misma intervienen Tim Bevan , Eric Fellner , , Robyn Slovo y Peter Gustafsson . Detrás estaban las productoras Another Park Film , Universal Pictures ,  Working Title Films y  Perfect World Pictures quedando la distribución en manos de la Universal Pictures . El presupuesto montante final se elevó a $ 35 millones.

La película contó con el guión en de Hossein Amini, Peter Straughan, Søren Sveistrup, lógicamente basada en la novela de Jo Nesbø.

En el apartado técnico contó con la solvente música de Marco Beltrami, que ha consegido una buena banda sonora, con la bella fotografía de Dion Beebe, y con la regular intervención en el montaje de Claire Simpson y Thelma Schoonmaker.

El elenco lo encabeza el actor alemán Michael Fassbender como el detective Harry Hole , que se hace acompañar de la soberbia Rebecca Ferguson como Katrine Bratt , la fantástica Charlotte Gainsbourg como Rakel Fauske , un irreconocible Val Kilmer como Gert Rafto . Junto a ellos están JK Simmons como Arve Støp , una fugaz aparición de Toby Jones como el investigador de Bergen Svenson.

Más desconocidos son  David Dencik como Idar Vetlesen,  Ronan Vibert como DCI Gunnar Hagen , Chloë Sevigny como Sylvia Ottersen / Ane Pedersen , James D'Arcy como Filip Becker,  Jamie Clayton como Edda,  Jakob Oftebro como Magnus Skarre , Jonas Karlsson como Mathias Lund-Helgesen , Michael Yates como Oleg Fauske-Gosev . Igualmente salen Alec Newman,  Sofia Helin, Ronan Vibert, Jakob Oftebro, y Silvia Busuioc,  e incluso parece ser que participó en la película es mismo Jo Nesbø (el escritor de la novela en la que se basa esta película) que tenía un pequeño cameo, pero cuyas sus escenas fueron cortadas.

La película se inicia en 1980, 24 años antes de la mayor parte de la historia en una recóndita y helada Telemark. Vemos a un joven que vive junto a su madre, en una casa aislada. A la misma llega un policía de forma inesperada. Lleva bombonas de butano y alimentos para un frigorífico desvalido y que tiembla. El policía, que resulta ser el tío del chico, por lo que le dice a su madre se dispone a hacerle un examen oral de Historia de Noruega tras la Segunda Guerra Mundial. La madre está presente, y juega con unos granos de café, mientras escucha las preguntas del policía y las repuestas del niño.

Ante alguna de las preguntas, el niño duda y la mujer intenta apuntar algo. Pero el hombre reacciona violentamente y agrede a la mujer que cae al suelo. Tras eso va con ella a su habitación y  mantiene relaciones sexuales, aunque antes de subir manda a su hijo a montar un muñeco de nieve en la el exterior.

Su hijo adolescente la espera junto al auto fuera de la casa montando el muñeco. Pero , tras hacerlo, decide mirar por la ventana para ver lo que ocurre. En ese momento la pareja interrumpe el acto sexual y descubre tanto ella como él , al chico mirando a través de la ventana.

Tras ser descubierto el hombre sale de la habitación diciendo que nunca más volverá, mientras ella le dice que ha de decirle que él es su padre. El hombre toma el coche y huye por una carretera helada. La mujer le sigue por una carretera helada. En un momento dado ella, que va acompañada de su hijo,  se sale de la carretera y salta a un lago helado. El coche avanza sin que la mujer quiera frenarlo, así que lo hace el hijo que frena con el freno de mano. El giro del coche provoca que la nieva se resquebraje y que ella se quede en el coche, mientras su hijo sale. El niño le pide que salga del vehículo, pero ella le mira,....hundiéndose en el lago.

La historia nos lleva ahora al presente, a Oslo, y descubrimos a un reputado detective que está durmiendo la borrachera de vodka , helado , junto a un parque. Se trata de Harry Hole (Michael Fassbender) que primero pasa por su casa, en la que hay un trabajador desinfectando la misma, y al que dispara, pero que, afortunadamente, no mata, marchando más tarde a la comisaria.

Allí el detective  Harry Hole no parece bien recibido por sus compañeros. Habla con su jefe que le dice que ha faltado sin justificación una semana, y que él ya está cansado de cubrirle. El detective contesta que la razón de la ausencia ha sido por la muerte de su tío. El jefe de dice que no puede ahora mismo darle un caso de asesinato.

Poco después Harry Hole se reúne junto a su última compañera sentimental  Rakel Fauske (Charlotte Gainsbourg)  que ahora está con otro hombre un científico Mathias Lund-Helgesen (Jonas Karlsson). Ella tiene un hijo que admira a Harry , pero que él no puede atender todo lo que quisiera , aunque lo quiere como si fuese su padre. Le promete que saldrá una noche con él y que le ha comprado la entrada a un concierto.

Tras eso el detective  Hole va a trabajar. Durante su ausencia ha recibido muchas cartas, pero le llama la atención una de ellas que acaba con el dibujo de un muñeco de nieve. Esa día se queda durmiendo en la comisaria tras darse nuevamente a la bebida. Sin embargo, descubre que su despacho ahora lo ocupa una nueva compañera que viene trasladada de Bergen. Se trata de Katrine Bratt (Rebecca Ferguson) que ahora investiga un caso de desaparción.

Al salir le dice a Katrine que si le puede llevar. Ella ha de atender una nueva investigación sobre  la desaparición de la madre, Birte Becker (Genevieve O'Reilly), de una niña, Josephine (Jeté Laurence). La madre que ha llegado tarde a casa, y que vive un complejo matrimonio con Filip Becker (James D'Arcy) es madre de una chica. Vemos que es perseguida por un coche hasta la casa y que, además de recibir dos bolazos de nieve, vemos como en el exterior de la casa se ha levantado un muñeco que mira a la casa.

A la mañana siguiente la niña busca a la madre y esta no está. La única pista que se tiene es que su bufanda apareció colgada en un muñeco de nieve. A pesar de que el caso ha sido asignado a Katrine, en el mismo se integra Harry tendrá que conectar este nuevo caso con otros antiguos para descubrir la verdad.

Ahora el detective  Harry Hole junto a Katrine investiga una serie reciente de asesinatos de mujeres alrededor de Oslo y en la lejana y costera Bergen.

Su experiencia le permite buscar la relación entre los casos, y descubre dos: cada víctima es una mujer casada, y luego de cada asesinato un muñeco de nieve aparece en la escena del crimen. Revisando viejos casos sin resolver, Hole se da cuenta que está frente al primer asesino serial noruego, al descubrir que más mujeres desaparecieron y se cree que fueron secuestradas o asesinadas de la misma manera. Casi todas las víctimas desaparecieron luego de la primera nevada del invierno y un muñeco de nieve se encontró en la escena, hecho ignorado por los investigadores originales.

Tras una mayor investigación, Harry y  Katrine Bratt, comienzan a sospechar que los problemas pueden estar vinculados a algunos ginecólogos que han tratado algunas de las mujeres y con respecto a la paternidad de los hijos de las víctimas podría ser un motivo para los asesinatos.

Bratt tiene serias sospechas de un importante hombre de negocios que montó un imperio en su ciudad tras haber tenido una aventura extramatrimonial con la mujer de su jefe Frederik Aasen (Adrian Dunbar). Se trata de  la persona que ha promocionado la candidatura de Oslo a los juegos Olímpicos de Invierno, Arve Støp (JK Simmons), que fue , en el pasado objeto de investigación por parte de dos detectives locales: el detective - con problemas de alcoholismo- Gert Rafto (Val Kilmer) y el investigador de Bergen Svenson  (Toby Jones) que investigan el asesinato de una mujer en la zona elevada de Bergen , en Flöyen.

Harry y Katrine , descubren que todos los niños tienen padres diferentes al que creen que es el verdadero. Los resultados de exámenes de ADN llevan a la investigación por caminos erróneos, y varios sospechosos son eliminados.

Los detectives tienen un espíritu afín, son brillantes, detallista  y se compenetran  magníficamente  entre ellos. Katrine tiene, además, el mismo tipo de dedicación obsesiva hacia el trabajo, la misma que a Harry le costó su relación con su novia Rakel, con quien continúa viéndose a pesar del hecho de que ella está en una nueva relación.

Tras varios asesinatos crueles que siempre son de mujeres que , o están embarazados de otros hombres que no son sus maridos , Katrine Bratt intenta incriminar a varios de los principales sospechosos cercanos a Arve , como es el Doctor Vetlesen (David Dencik) que es el que proporciona mujeres al depravado Arve Støp .

Harry que sospecha también de Arve, pero que intuye que hay algo oscuro y obsesivo en Kratine marcha a Bergen, olvidándose de la promesa realizada al hijo de Rakel. Cuando va en el tren que lo llevará a la ciudad hanseática, se encuentra con el compañero de Rakel, Mathias que va en dirección a un congreso sobre la importancia de las hormonas en los tratamientos de cirugía estética, del ue es especialista. Al haberse olvidado del fin de semana con el hijo de Rakel, Mathias le saca del apuro justificando la salida urgente y el olvido de Harry.

Al llegar a Bergen se entrevista con el  detective Svenson  (Toby Jones) , ahora jefe local, que le informa como el investigador Gert Rafto de casos similares a los que él investiga murió de forma traumático, posiblemente, un suicido, Svenson le dice que Rafto tenía una hija, pero que el desconoce dónde se encuentra. Al ver las fotografías del cadáver y al entrar en la casa del finado descubre que hay granos de café en el suelo. En un flasback vemos como Rafto fue asesinado y sobre su cabeza pusieron una bola de nieve.

Tras hilar fino llega a la conclusión de Katrina es la hija de Rafto, aunque ella no era su hija. Intenta contactar con ella , pero es imposible. Ella , por su parte, ha encontrado el cadáver de Vetlensen en su casa y ahora se pone en contacto con Arve Støp al que piensa asesinar por estar convenida de que asesinó a su padre. Cuandi tiene una cita con él en la habitación del hotel en el que se festeja la asignación de Oslo como sede de los Juegos Olímpicos. Pero en la habitación es asaltada por un desconocido que la asesina , que le corta un dedo y que borra los archivos con todas las pistas que ella había conseguido reunir.

Debido a un pensamiento desencadenado por un comentario azaroso por parte de uno de los sospechosos, el padre de Josephine, la niña que no encontró a su madre en la casa,  realiza una conexión vital que lo lleva a la identidad del verdadero criminal.

Tiene claro que el asesino es Mathias, el protagonista de la historia inicial, que vive dolorido con la humanidad por la trágica muerte de su madre y el abandono consciente de su padre. Así que con el objeto de atraer a Harry, secuestra a su novia , Rakel, al hijo de ésta, y está a punto de matarla, cuando llega Harry a Telemark, el sitio en el que comenzó la historia.

Tras herirla gravemente se enfrentan Harry con Mathias. Mathias huye y vuelven a enfrentarse ambos.

En la lucha, Mathias, como le ocurrió a su madre, cae al lago. El caso se da por cerrado. En la escena final, Harry se ofrece a investigar el asesinato de una mujer que fue encontrada con 24 puñaladas en la boca de un arma no identificada. Esto alude a los eventos de la novela "The Leopard", publicado después de "The Snowman" finalizando así la historia y la película también.

La película se rodó en diversos puntos de Noruega, en concreto en Rjukan, en la zona de Telemark, en Oslo, en Bergen, Notodden, y Drammen, en la localidad noruega de Buskerud.

Según Variety , la idea inicial con la película era crear una película ( o serie quien sabe) siguiendo un poco el hilo argumental de la obra de Jo Nesbø o del investigador Alex Cross , el personaje creado por el autor James Patterson y protagonista de la serie de libros protagonizados por un ex agente del FBI y psicólogo que trabaja en Washington, DC.

Screen Rant ha sugerido que la película se inspiró en el éxito de Stieg Larsson y The Girl with the Dragon Tattoo .

Por un tiempo, Martin Scorsese estuvo apegado a la dirección, aunque luego abandonaría en 2013. Al año siguiente, Tomas Alfredson fue contratado para dirigir. Antes de Alfredson, el estudio consideraba tanto a Morten Tyldum como a Baltasar Kormakur como posibles directores, aunque ambos declinaron.

Para septiembre de 2015, Michael Fassbender estaba en conversaciones para unirse a la película como protagonista. Michael Fassbender comenzó a rodar esta película solo dos días después de rodar Assassin's Creed (2016). Rebecca Ferguson y Charlotte Gainsbourg estaban en conversaciones para unirse en octubre y diciembre, respectivamente.

El rodaje principalcomenzó el 18 de enero de 2016 en Oslo , Noruega. Fassbender fue visto en el set por primera vez el 21 de enero en el área de código de barras de Oslo, filmando una escena en el tranvía.  Una gran escena que representaba una fiesta, que requería más de 300 extras, fue rodada en el Ayuntamiento de Oslo el 5 de febrero.  Más tarde, la producción se trasladó al área de Rjukan el 9 de febrero y a Bergen el 23 de febrero. El rodaje en Bergen incluyó lugares como la montaña de Ulriken , Bryggen y Skansen. La producción volvió a Oslo para el resto del rodaje a mediados de marzo. Esto incluyó escenas en el restaurante Schrøder , donde Harry Hole es habitual en la serie de novelas. Las escenas también se rodaron en Drammen y en el Océano Atlántico Road . La filmación finalizó el 1 de abril de 2016.

La postproducción y las filmaciones adicionales se llevaron a cabo en Noruega durante la primavera de 2017.

Universal Pictures lanzó un cartel el 18 de julio de 2017, y el primer trailer de la película se estrenó al día siguiente. Un trailer internacional fue lanzado el 5 de septiembre. La película fue lanzada el 13 de octubre de 2017 en el Reino Unido y el 20 de octubre de 2017 en los Estados Unidos.

Tras llevar un par de semanas en las carteleras del mundo, y unos días en la española, hasta ahora la taquilla ha sido hasta el momento $ 8,9 millones , pero será bastante más, pues ayer noche, dentro de la fiesta del cine y con un precio cercano a los 3 euros no había un asiento libre. Así que conseguirá mucho más.

En respuesta a las críticas, éstas no han sido muy favorable. Siendo más negativas que positivas. Alfredson culpó al corto horario de filmación en el cual el 10-15% del guión no fue filmado durante la fotografía principal. Esto condujo a grandes problemas narrativos cuando comenzó la edición y llegó a decir el director en alguna entrevista que : " Nuestro tiempo de rodaje en Noruega fue demasiado corto, no tuvimos toda la historia con nosotros y cuando comenzamos a cortar descubrimos que faltaba mucho. Es como cuando estás haciendo un gran rompecabezas y faltan algunas piezas para que no veas la imagen completa."

Alfredson, director de “Déjame entrar” y “El topo” , y que aquí dirige de forma plana y anodina , se quita responsabilidades de la misma al afirmar que  no tuvo tiempo para preparar la película correctamente: " Todo fue muy rápido, de repente nos dimos cuenta de que teníamos el dinero y podíamos comenzar el rodaje en Londres, pero..." El dinero vino tras permitir que dos producciones internacionales , la que nos ocupa, El muñeco de nieve (2017) y Una vida a lo grande (2017) fueron las primeras dos funciones internacionales filmadas en Noruega para recibir fondos del nuevo programa estatal de incentivos para atraer producciones de cine y televisión extranjeras. Las dos gastaron en conjunto $ 24 millones en Noruega.

En ImBd tiene una valoración en la actualidad de 5'4 sobre 10; mientras que en Rotten Tomatoes , agregador de reseñas , la película tiene una calificación de aprobación del 26% sobre la base de 42 comentarios, con una calificación promedio de 3.8 / 10. El consenso crítico del sitio dice: "Un misterio que se siente mezclado y perecedero como su título, The Snowman despilfarra su material de mayor venta y un elenco de primera categoría".  En Metacritic , la película tiene un  promedio ponderado de 34 sobre 100, basado en 10 críticos, que indica "revisiones generalmente desfavorables".

En cuanto a críticas concretas decir que Guy Lodge en Variety comenta que la película es "Una gran decepción (...) Pasan muchas cosas sobre la superficie en esta intriga invernal de Alfredson, pero considerablemente menos en su interior."

Para  Stephen Dalton en The Hollywood Reporter sostiene que la película es "Fría y sin vida. (...) una intriga enormemente convencional (...) el reparto no comparte nada de química, y muchos de los diálogos se sienten como de un torpe borrador"

 Jason Solomons en The Wrap destaca "Las escandalosas insuficiencias de 'El muñeco de nieve' son las únicas cosas chocantes de la película. La carrera cinematográfica de Harry Hole no podría haber tenido un comienzo más desfavorable."

En el  Reino Unido Jonathan Pile , columnista de Empire, afirma que es   "Una oportunidad perdida. Tiene como referencias todas las películas buenas, pero resulta una pálida imitación. (...) "

Según  Peter Bradshaw en  The Guardian se trata de"un thriller que cumple su cometido y se deja ver, con imágenes muy espantosas. (...) "

Para  Tim Robey en Telegraph "'El muñeco de nieve' se estropea rápidamente, permanentemente y en una espiral, convirtiéndose en una pesadilla absurda. (...)"

Entiende que  Fionnuala Halligan en las páginas de Screendaily se trata de "Una decepcionante adaptación del drama criminal nórdico de Jo Nesbo"

En España  Juan Carlos Galindo, de El País, consideró que El muñeco de nieve era la mejor novela de Nesbø hasta el momento, y que Harry Hole era un personaje "inmenso, dolorosamente humano, roto por el dolor y la soledad", encaramándolo "al primer puesto de la tabla clasificatoria de los policías más atormentados y adorables de la novela negra actual", pero no se yo lo que pensará sobre la película. Seguramente, María Fluxá, en El Mundo dijo del libro que " El muñeco de nieve ubicó a Jo Nesbø como "el máximo exponente de la novela negra nórdica actual".

Fausto Fernández en Fotogramas afirma que es una película "Fría hasta en sus (mecánicas) secuencias de acción, la película debate más sobre la transferencia de miedos y pecados que se entrega a un psychothriller convencional. (...) "

En la primaveral Argentina Pablo O. Scholz desde las páginas de Clarín nos dice que "Más que un thriller, tiene los suficientes elementos bien balanceados para entretener e intrigar."

Para Leonardo D’Espósito de la revista argentona Noticias la película "Funciona bien y la historia mantiene la tensión y el misterio hasta el final (...). El clima lo tiñe todo y sumerge al espectador en las oscuridades de la historia con bastante limpieza. (...)"

Según  María Fernanda Mugica en las páginas de La Nación la misma "Termina decepcionando su conclusión por no estar a la altura de la complejidad con la que se había construido el misterio."

Juan Pablo Cinelli en  Página 12 dea negro sobre blanco la idea de que la película "Cuenta con unos cuantos puntos a favor que revalidan los elogios que el director sueco cosechó con sus películas anteriores. Igual que en aquellas se trata de historias encapsuladas en universos de claroscuros en los que el blanco y el negro se entrelazan en un delicado balance."

En  Uruguay Guilherme de Alencar Pinto en el diario La Diaria "La narración tiene unos huecos extraños (...) Y el epílogo de la película parece chiste; es como si Alfredson, (...) quisiera dejar constancia de que no pretende que se la tome en serio."

Yo considero que la película no está del todo mal, tiene u n elenco de impresión, una fotografía impactante, unos paisajes que me han recordado mi estancia en aquellos lugares como Oslo y Bergen, incluido Flöyen, aunque detecto errores en la misma. Hay muchos elementos que se eliminan de ella.  El guión en ocasiones parece aturrullarse. ¿Pudo ser en la fase de montaje? No lo sé. Es cierto que la historia avanza y , por momentos, puede resultar macabra y perturbadora, pero dejan muchas dudas acerca de la historia. ¿Qué pasa con la chica rusa de la vivienda de Doctor Vetlesen? , ¿No tiene castigo el perverso Arve Støp? ¿Qué le pasa al padre de Mathias? ¿No se venga de él? , y muchas historias que no parecen cerrarse. Aunque como toda intriga compleja no deja de atraer. Desde luego se adivinan buenas intenciones, pero que llegan o saben a poco. Posiblemente la historia de Harry más valdría una serie que una película.

De cualquier manera es de esperar que ese volumen enormes de historias procedentes de los escritores escandinavos antes citados sean transformados en películas o series. Pero no sólo las de ellos, sino también las de otros escritores/as como Äke Edwardson, Kjartan Flogstad , Ida Jessen, Asa Larsson, Christian Jungersen, Jens Martin Eriksen, Arni Thorarinsson, Lars Gustafsson, Anders Leopold...


sábado, 14 de octubre de 2017

Sherlock y su vida privada


En marzo de 2002 moría en su casa Beverly Hills y de una neumonía y a la edad de 95 años , un austriaco de nacimiento aunque estadounidense por devoción, pero era un crítico atroz de sus costumbres. Dejaba tras de sí más de 60 películas. Su madre, que murió en el campo de concentración de Auschwitz, llamaba a sus hijos Billy y Willy sólo porque le gustaba el sonido "yanqui" de esos apodos. Billy se llamaba en realidad Samuel; nació el 22 de junio de 1906 en la ciudad polaca de Sucha, que en ese periodo histórico formaba parte del Imperio Austro-Húngaro, aunque poco después de nacer pasara a vivir a Viena con la familia. Pronto se enamoró del jazz y de los westerns (luego nunca filmó ninguno) y en 1934 decidió marcharse a EE UU con sólo 100 palabras de inglés en su vocabulario tras haber estudiado para abogado , pero que había trabajado como periodista para un periódico alemán. 

Tras ir a Estados Unidos se instaló en Hollywood, y comenzó a trabajar allí como guionista. Tuvo la suerte de encontrar a la pareja perfecta en Charles Brackett. 

Con su primera película Ninotchka como guionista , Hollywood le abrió las puertas a este señor que empezó a ser conocido como Billy Wilder. Desde su primera dirección con la magistral El crepúsculo de los dioses (1950) se fama fue a más. 

Su última película, Aquí, un amigo, de nuevo con Lemmon y Matthau, es de 1981; en 1993 pensó regresar para rodar La Lista de Schindler, pero prefirió ceder el guión a Steven Spielberg. Lo cierto es que en su larga trayectoria hubo también tropiezos comerciales. 

Entre ellas una que diseñó durante largos años, - la tenía en mente desde 1964 momento en que Louis Jourdan se postuló para protagonizarla- y que tenía como protagonista a un personaje de novela que admiraba como lector como era Sherlock Holmes . La película era The Private Life of Sherlock Holmes o lo que es lo mismo, La vida privada de Sherlock Holmes. 

La película es una producción en la que participan I. A. L. Diamond y el mismo director, Billy Wilder, que además es al igual que su compañero en la producción , guionista de la película inspirándose en el personaje creado inmortalmente por Sir Arthur Conan Doyle. Dicen las malas lenguas que en el guión de Diamond y Wilder contó igualmente con la intervención puntual de Harry Kurnitz y John Mortimer . 

En la misma están presentes diversas productoras como la Compton Films, The Mirisch Corporation, Sir Nigel Films y Phalanx Productions siendo la distribución de la United Artists. El presupuesto que contó se elevó a los $10,000,000 siendo la película más cara de Billy Wilder . 

En cuanto a la música el trabajo correspondió a Miklós Rózsa que aunque no está acreditado participa como músico y hace un cameo en la misma como el director de orquesta que dirige el ballet de Tchaikovsky y su El lago de los Cisnes o Swan Lake. Billy Wilder le había pedido al compositor Miklós Rózsa que adaptara la música de su propio Concierto para violín de 1956 como base para la partitura, completando esto con más música original. 

La fotografía le correspondió a Christopher Challis que apostó por rodarla en Panavision en una película Color DeLuxe Color. A destacar el papel del director artístico Alexander Trauner. El montaje fue labor de Ernest Walter. 

El reparto lo encabezan Robert Stephens como Sherlock Holmes y Colin Blakely como el Dr. Watson. Junto a ellos participan una impresionante Genevieve Page como Gabrielle Valladon, Christopher Lee como el hermano del protagonista, Mycroft Holmes, Irene Handl como la Señora Hudson, Clive Revill como Rogozhin, Tamara Tumánova como la bailarina rusa y diva Madame Petrova, Stanley Holloway como el sepulturero, Mollie Maureen como la Reina Victoria. 

En papeles menores aparecen igualmente Catherine Lacey, James Copeland , Michael Balfour, Peter Madden, Jenny Hanley y Alex McCrindle. 

La película comienza en la sala acorazada o bóveda de un banco, el de "Cox & Co." y se escucha una voz en off del doctor Watson que ya ha fallecida hace 50 años y que cuenta , más o menos, que "En algún lugar de las bóvedas de un banco en Londres, hay una caja de estaño desgastada y maltratada con mi nombre, John H. Watson, MD, sobre él". De la misma sacan diversos objetos que corresponden tanto al Doctor como a Sherlock Holmes. Entre los objetos del doctor están su famoso sombrero, su capa, una lupa, un violín, una pipa, varias esposas y una jeringuilla hipodérmica. Junto a eso hay un manuscrito comido por el polvo que es retirado por los dos operarios del banco y que vemos que está escrito por el Doctor Watson y con una dedicatoria que duce "para Ilse von H." 

Así comienza la visión personal que tuvo Billy Wyler sobre Sherlock Holmes y el doctor Watson que relata un secreto mantenido durante medio siglo acerca de los cuadernos de notas del doctor Watson y que ahora puede ser desvelado tras los 50 años de su muerte. 

De la polvorienta herencia legada por Watson a su nieto surge una historia inesperada escondida al mundo hasta entonces. Por fin serán revelados al público sus escritos biográficos explicando la vida privada del famoso detective Sherlock Holmes. 

La historia comienza con la presentación de los dos personajes protagonistas en su habitación de Baker Street. Allí vemos como un eufórico Doctor Watson ve como las publicaciones sobre su compañero de piso son tremendamente exitosas, y como, por contra, Sherlock, se muestra desencantado con las mismas. Este desencanto proviene de la apatía de carecer de casos de interés para el racional investigador que aunque en ocasiones experimenta,por ejemplo, con el tabaco y el periodo de consumo de diversos cigarros y pipas, en otras, busca refugio a su apatía en las inyecciones de cocaína que molestan al Doctor Watson. 

De las cartas que le lleva su ama de llaves, la señora Hudson, carecen de interés y de estímuo para Sherlock, aunque Watson ve interesantes aventuras, por ejemplo, en la desaparición de un grupo de enanos que ha huido de un circo y cuyo dueño pide que se investigue su desaparición. Entre las que han llegado hay una invitación para el Sherlock Holmes (Robert Stephens) para ver un ballet ruso entregado por un desconocido. 

Se trata el ballet de Madame Petrova, una famosa bailarina rusa. La carta procede de un noble ruso Rogozhin (Clive Revill) que al llegarse al palco del teatro en el que disfrutan Sherlock y Holmes del Lago de los Cisnes le propone un asunto curioso: que Madame Petrova tenga un hijo con él, un niño que heredaría el físico de ella y el intelecto de él, y le ofrece como pago un violín Stradivarius. Holmes , desinteresado como está en la propuesta consigue salirse del embrollo esgrimiendo que en realidad el Dr. Watson (Colin Blakely) es su amante, para vergüenza y estupor del médico que ve su imagen dañada, especialmente ahora que disfruta con las chicas del ballet, que magistralmente van siendo sustituidas por bailarinas conforme se difunde la noticias de su cohabitación con Sherlock.

Muy molesto Watson con el Doctor al llegar a casa, apenas tienen tiempo de discutir pues Madame Hudson informa de un aviso urgente. Un cochero ha llegado con una chica. El cochero comenta que la mujer acaba de ser rescatada del Támesis , cerca del puente de Londres y llevada a Baker Street por el cochero al encontrar en ella una papel con la dirección de la casa de Sherlock en Baker Street. Watson intenta que recupere la memoria perdida por causa del shock. 

Al conseguirlo resulta ser Gabrielle Valladon (Geneviève Page), una ciudadana belga que ruega a Holmes que le ayude a encontrar a su marido, un ingeniero belga desaparecido. Tras hilar fino como siempre,, y sentirse cada vez más atraido por la mujer, la única que realmente le ha interesado en la vida, la investigación les lleva hasta Escocia. 

Antes de partir, Sherlock tiene con una entrevista con señor en el Club Diógenes, Mycroft Holmes, que resulta ser el hermano de Sherlock (Christopher Lee), que trabaja para el Gobierno de su majestad, la Reina Victoria, y que intenta evitar que su hermano siga con su plan de desplazarse a Escocia. 

En su viaje al norte, Sherlock y Gabrielle, comparte vagón y compartimento, mientras Watson que hace de su valet personal lo comparte con un grupo de monjes trapenses, que como voto de pueden hablar, mientras uno de ellos lee el libro de Jonás (Jonah). 

Nada más llegar a la capital de los Highlands, Inverness, localizan un espacio del que tenían noticias y que resulta ser un cementerio. Justamente al llegar ven que en el cementerio están enterrando a tres personas. 

Al preguntarle al enterrador éste comenta que se trata de un padre y dos de sus hijos que se han ahogado en el Ness Loch (Lago Ness), lugar con mala fama por la existencia de un monstruo. Antes de marcharse descubren que un grupo de seis niños va a rezar delante de la tumba. Pero el grupo de niños resulta ser de enanos. Sherlock deduce que son los que desaparecieron del circo. 

Por la noche, Sherlock, Watson y la Señora Valladon abren el féretro que corresponde al mayor de los enterrados. Al abrirlo la señora se desmaya al descubrir a su marido, el ingeniero belga desaparecido en circunstancias extrañas junto a unos canarios descoloridos a causa de un escape de cloro. 

Los tres ahora visitan los castillos de la zona en busca de pistas que permitan investigar que estaba haciendo tanto los enanos como el ingeniero en la zona. Una de las pistas lo llevan a un Castillo cercano al Lago Ness, donde ya Holmes ha adivinado la figura del monstruo. El castillo está cerrado a cal y canto. A pesar de ello entran, aunque son expulsados del mismo por un guía que desconoce datos históricos básicos del castillo. Así que optan por alquilar una barca y aproximarse al Castillo por el Lago. Cuando avanzan por el mismo son envestidos pro el monstruo, que resulta ser metálico. Se salvan de cualquier manera. 

Al llegar a la habitación del hotel, Sherlock recibe una botella y una invitación para ir al Castillo. Al llegar al mismo descubre que Mycroft Holmes, el hermano de Sherlock (Christopher Lee), está involucrado en el desarrollo y construcción de un prototipo de submarino para la British Navy con la ayuda del ingeniero desaparecido que trabajaba para una sociedad que pertenece al Servicio Secreto de su Majestad. 

El submarino se camufla como un monstruo marino en sus pruebas de navegación; y los enanos habían sido reclutados como trabajadores especializados para aprovechar mejor el espacio reducido dentro del submarino, y Mycroft acaba informando a Sherlock de que en realidad su clienta es una espía alemana, Fräulein von Hoffmanstal, enviada con la misión de robar el submarino con la ayuda de marineros alemanes disfrazados de monjes, con los que ella se comunica a través de una sombrilla en lenguaje Morse, ya que la auténtica señora Vallodon había sido asesinada en Bélgica semanas antes. 

Mientras le explica todo esta, se produce la llegada de una visita. La que se persona resulta ser la reina Victoria (Mollie Maureen) que llega a la base escocesa para inspeccionar su nueva arma de guerra, pero la rechaza como poco apropiada e indigna para unos caballeros británicos, y ordena a Mycroft que la destruya; éste, contrariado, decide permitir que los espías alemanes roben el submarino, pero lo sabotea para que se hunda al sumergirse. 

Al llegar a la habitación , una vez pasada la noche, Sherlock galantemente y profundamente enamorado de ella explica a la señora Vallodon lo ocurrido. Ella confirma que es Fräulein von Hoffmanstal y al poco, es arrestada por Mycroft. Éste se la lleva detenida, aunque le habla de lo mucho que ha supuesto para ella trabajar con su admirado Sherlock . 

Ahora será intercambiada por su equivalente británica, igualmente arrestada por los alemanes en el marco de las tensiones previas a la Primera Guerra Mundial. 

En la escena final, meses más tarde, Sherlock recibe un mensaje de su hermano según el cual Fräulein von Hoffmanstal ha sido arrestada en Japón, acusada de espionaje y ejecutada por un pelotón de fusilamiento. Presa de la melancolía, el detective se encierra en su habitación para consolarse con la cocaína y con el violín, acabando así la película. 

La película se rodó en diversos escenarios de Gran Bretaña. En concreto en Inglaterra y Escocia. En este último lugar se usaron como espacios para el rodaje en el Castillo de Eilean Donan de Kyle of Lochalsh, el Castillo de Urquhart em Drumnadrochit cercano al Loch Ness,junto al mismo Loch Ness (Lago Ness) e Inverness, en concreto en Castle Stuart, y su estación de ferrocarril de Nairn. También se rodó en Inglaterra ocupándose espacios tales como la londinese Somerset House en Strand, que es el exterior del Club Diogenes, en Broadway Tower en Cotswolds (Oxfordshire), Keighley & Worth Valley Railway, en Keighley y en Worth Valley(West Yorkshire) y en los Pinewood Studios, en Iver Heath, (Buckinghamshire). 

Billy Wilder comenzó a preparar este proyecto en 1957, cuando estaba en Londres rodando Testigo de cargo (1957). Negoció con los herededos de los derechos de Arthur Conan Doyle , fallecido en 1930, para montar un musical centrándose en el personaje de Holmes en Broadway, protagonizado por Rex Harrison . Moss Hart y Alan Jay Lerner así como Frederick Loewe vincularon con el proyecto , pero Wilder luego consideró hacer una película musical en 1963. 

Inicialmente para la película planeó un guión de 260 páginas y un presupuesto de $ 10 millones, pensando en una larga película de 165 minutos con un intermedio para mayor comodidad. Era el gran proyecto, el "Big One", de Billy Wilder . Billy Wilder se preocupó entonces del elenco. 

Originalmente, Peter O'Toole iba a interpretar a Sherlock Holmes , mientras que Peter Sellers estaría interpretando al Dr. Watson, pero Billy Wilder decidió contar entonces con actores menos conocidos en lugar de estrellas. Así que algunos de los que en principio pudieran estar en cartera como Charlton Heston - que fue considerado como el protagonista de Sherlock Holmes- o Rex Harrison - que quería interpretar a Sherlock Holmes, pero Billy Wilder lo rechazó-, o el mismo Richard Attenborough - que fue considerado por el Dr. Watson, aunque al final el elegido fue Colin Blakely por recomendación de Robert Stephens, amigo y colega de Blakely en su trabajo con el National Theatre- . Billy Wilder eligió a la dupla formada por Robert Stephens y Colin Blakely porque no quería asociar a su Holmes y Watson con los personajes de Hollywood. 

En otros papeles Christopher Lee reemplazó a George Sanders y aquel participó sin peluca para el papel de Mycroft . Una anácdota: Christopher Lee se había hecho famoso como el conde Drácula; cuando él y Billy Wilder caminaban por las orillas del lago Ness al anochecer, con los murciélagos dando vueltas por encima de su cabeza, Wilder le dijo: "Debes sentirte como en casa aquí". 

El rodaje duró seis meses y dio como resultado una película aproximada de tres horas y 20 minutos. La película se estructuró originalmente como una serie de episodios vinculados bien estructurados, cada uno con un título y un tema particular. La secuencia de apertura tenía como misión presentar al nieto de Watson en Londres que reclamaba su caja de despacho heredada de Cox & Co. y también habría un flashback en los días de Oxford de Holmes para explicar su desconfianza hacia las mujeres. Todos fueron filmados, pero eliminados del montaje final. 

Sin embargo, la United Artists , que por entonces había sufrido una serie de grandes fracasos en el año anterior, en 1969, por lo que la idea inicial de "road show" se abandonó dejando varado el proyecto de Wilder. Los ejecutivos de Studio ordenaron que se cortara la película para completar un tiempo de ejecución teatral regular, reduciéndola a una versión de 125 minutos. El formato episódico hizo que el proceso de corte fuera relativamente simple, por lo que se cortaron la secuencia inicial, el flashback de Oxford y dos episodios completos titulados "El negocio terrible de los recién casados" a los 15 minutos y "El curioso caso de la habitación al revés" a los 30 minutos. Según Billy Wilder, él estaba ya embarcado en otro proyecto así que no pudo supervisar el montaje exigido por los Estudios, y encargó la tarea al editor, Ernest Walter . 

Sobre el corte del montaje original, Billy Wilder comentaba en el libro 'Conversaciones con Wilder' de Cameron Crowe , "... cuando volví [de París], era un desastre absoluto, la forma en que fue cortado. Todo el prólogo fue cortado, se cortó la secuencia media. Tenía lágrimas en los ojos cuando lo pude ver ... Era la película más elegante que he filmado ". Una secuencia, en la que Holmes investiga el caso aparentemente imposible de un cadáver encontrado en una habitación al revés (con muebles en el techo), ha sido recuperado y restaurado a la liberación del disco láser de la película. También hay una secuencia de 12 minutos llamada "El negocio terrible de los recién casados ​​desnudos" , en el que Watson insiste en tratar de resolver los asesinatos a bordo de un barco solo, para luego descubrir que ha ido a la cabina equivocada. Otra escena muestra a Colin Blakely como un descendiente de Watson que recibe la caja de envío de estaño de los abogados. Sin embargo, a Wilder le desagradaron los cortes hechos por Walter, y no pudieron volver a editar la película porque todas las escenas eliminadas se perdieron o fueron desechadas. Algunas de estas escenas están disponibles hoy, pero sin audio. 

Wilder introdujo muchos elementos de humor en la película, así como modificó algunas anécdotas. Por ejemplo, cuando Sherlock Holmes es abordado por la famosa bailarina, Petrova, ya que ella desea que él engendre un hijo está inspirada en un incidente de la vida real. George Bernard Shaw una vez se acercó a la notoria bailarina Isadora Duncan, quien le dijo que, si tuvieran un hijo juntos, tendría "mi belleza y tu cerebro"; Shaw la rechazó rápidamente, diciendo: "Ah, sí, querida señora, pero ¿qué pasa si tiene mi belleza y tu cerebro?" 

El diseño épico de producción a gran escala de la imagen incluyó, de acuerdo con la Virgin Film Guide, una "reproducción masiva de la calle y del apartamento de Baker Street". Un modelo de 30 pies (9 m) del Loch Ness Monster fue construido para la película en 1969. El modelo incluía un cuello y dos jorobas y fue llevado junto a un muelle para filmar partes de la película. Billy Wilder no quería los jorobas y les pidió que los sacaran, a pesar de las advertencias de que eso afectaría su flotabilidad. Como resultado, el modelo se hundió. El modelo fue redescubierto en abril de 2016 durante una expedición escocesa para encontrar el monstruo de Loch Ness. 

La película se estrenó el 29 de octubre de 1970 en los Estados Unidos y el 3 de diciembre de 1970 en el Reino Unido. Fue premiada, nominada al mejor guión original de una comedia por el Sindicato de Guionistas (WGA), pero no fue un éxito ni de crítica ni de público. 

En cuanto las críticas tras su lanzamiento en Estados Unidos, Vincent Canby dijo de ella que estamos ante "un Billy Wilder comparativamente suave y un poco atrevido. Este entretenido Sherlock Holmes, parece de un aficionado ". 

Kim Newman en la revista Empire , la describió como la "mejor película de Sherlock Holmes jamás realizada" y "profundamente menospreciada en el canon Wilder". 

Roger Ebert fue más crítico, y escribió que es "decepcionantemente carente de mordiente y sofisticación", que tiene un "comienzo suficientemente prometedor", pero que "antes de que la película tenga 20 minutos, Wilder se ha conformado simplemente con contar una aventura de Sherlock Holmes". 

La Virgin Film Guide destaca que el " Film fue cortado en más de treinta minutos por la United Artists" . Y Leonard Maltin dice que tenía que haber sido "una película de 3½ horas"; Halliwells: "Lo que comenzó como cuatro historias se reduce a dos"; Y Empire destaca que lo que "Originalmente fue una epopeya de tres horas, fue mutilada por la venta al por mayor de episodios completos". Peter Bradshaw, de The Guardian , que repasó la película en 2002, y dijo de ella que "La irreverente e irreverente mirada de Billy Wilder al detective ... más grande del mundo" se mantiene razonablemente bien 32 años después; no esperaría nada dirigido por Wilder y escrito por él y su socio IAL Diamond, que no fuese "algo menos gracioso y vigilante, y esta tiene las dos cosas ". 

Ya en España, Francisco Marinero en El Mundo afirma que es una "Comedia divertida y romántica, llena de diálogos de un humor irónico".

Por su parte, Miguel Ángel Palomo en El País afirma que se trata de "Un compendio de la maestría narrativa y visual del realizador (...) Esta obra maestra resultó en su día un fracaso crítico y comerical. Hoy queda como una de las obras más arriesgadas e innovadoras de un cineasta inigualable".

En Fotogramas se dice de ella que se trata de "Uno de los films más curiosos de su director, en el que fijó su sarcástica mirada en el célebre personaje creado por Arthur Conan Doyle. Partiendo de una trama tan imaginativa como ingeniosa, esbozó una serie de certeros apuntes sobre el complejo personaje y su cerrado entorno. La brillante resolución formal acaba de redondear sus atractivos. 

Y en Espinof Alberto Abuín destaca que la película de Wilder intentó ir más allá del mito de lo que habían ido otros hasta ese momento, aunque con el corte final significaría el inicio de su decadencia; con films muy interesantes no volvería a ofrecernos el genio que una vez fue. Destaca el editor del ahora Espinof, ante blog de cine, que Wilder pretendía que fuera un film épico sobre la mítica figura de Holmes, entendiendo la épica como algo muy distinto a directores coetáneos como David Lean. 

Destaca Abuín que en esta película asistimos a su derrota intelectual. Lo grande es que esto no empaña la figura de Holmes, sino que le hace más grande de lo que ya es, su fuerte personalidad y el tomarse su derrota personal con la elegancia del más distinguido caballero, nos describen a alguien de una fuerte sensibilidad, al nivel de su inteligencia, aunque para ello tenga que recluirse con droga en su habitación mientras Watson escribe la leyenda. 

Y concluye Abuín su entrada diciendo que "‘La vida privada de Sherlock Holmes’ es una obra maestra mutilada, dañada por la ignorancia de unos productores que, pensando sólo en el dinero, no supieron ver las enormes posibilidades del proyecto. Con todo, la maestría de Wilder está en cada uno de sus planos, y es el punto culmen de una filmografía como pocas. El paso del tiempo no hace más que evidenciar dicha sentencia. Steven Moffat y Mark Gatiss , creadores y escritores de la serie ganadora del Premio Emmy , Sherlock , atribuyeron a The Private Life de Sherlock Holmes como fuente de inspiración para su magnífica serie. 

Desde mi punto de vista la película ofrece una mirada cariñosa y paródica de Sherlock Holmes , y en este caso Wilder trata al personaje con un tono ciertamente desenfadado y con buen humor y grandes dosis de ironía, una versión muy diferente de lo que hasta ese momento había presentado como simplemente - y magistralmente también- algo elemental. Wilder saca del personaje literario todo el trasfondo que subyace en la novela y en sus personajes que dan una lección de inteligencia, fidelidad, empatía, dinamismo, astucia, dudas , saber asumir victorias y encajar con enorme dignidad y admiración las derrotas. Eso sí, no quisiera dejar sin nombrar el trabajo simplemente espectacular de los dos protagonistas , Robert Stephens y , especialmente, Colin Blakely, que realizan inmensos trabajos de interpretación. Yo creo que la película es imprescindible, especialmente si te gusta el personaje, más que la persona.


jueves, 12 de octubre de 2017

Sombrero de copa


A veces no dejo de sorprenderme con mis hijos. Anoche, a eso de las 1:30 de la madrugada, estaba viendo Sombrero de copa , conocida internacionalmente como Top Hat, un musical que también funciona como comedia románica estadounidense, del año 1935 , dirigido por Mark Sandrich (1900 - 1945), con música y letra de Irving Berlin y con Fred Astaire y Ginger Rogers en los papeles principales. En eso llegó uno de mis hijos procedente de una fiesta y nada más entrar le dije que la película que estaba viendo merecía la pena aunque fuese por ver un número musical y una canción, la de Cheek to cheek. En eso mi hijo me dijo. Claro, yo conozco la canción. Sale en un par de momentos en la película La Milla Verde, tanto en la prisión como al final de la misma. Me quedé de piedra. Era verdad. Eso es ver cine e integrarlo en la memoria. 

Y es cierto . Yo tenía ganas de ver Top Hat del director Mark Sandrich, un director de corta, pero intensa carrera, ya que murió muy joven, a los 45 años, pero especializado en comedias y musicales, algunos de ellos interpretados por la pareja que más trascendencia ha tenido en el mundo del musical y baile como son Fred Astaire y Ginger Rogers - Fred y Ginger- , precisamente por esta canción.

En 1940, Sandrich dejó la RKO para marchar a la Paramount , que le ofreció una oportunidad de ser no sólo director, sino también un productor. Sandrich hizo varias películas exitosas con estrellas rutilantes de la interpretación y comedia y cantantes de la talla de Bing Crosby y el mismo Fred en la mítica Holiday Inn de 1942 y con música de Irving Berlín , donde sonó por primera vez " White Christmas " , el single más vendido de todos los tiempos. Holiday Inn tuvo una continuación llamada Blue Skies , protagonizada por Bing Crosby y con la música de Irving Berlín. 

Mientras preparaba la película Mark Sandrich - que en ese momento era presidente del Gremio o Academia de de Directores- murió repentinamente de ataque al corazón a la edad de 45 años. En el momento de su muerte, Mark Sandrich estaba considerado como uno de los directores más influyentes de Hollywood. 

Para 1935, Sandrich estaba trabajando para la RKO Radio Pictures. Y allí entró en contacto con uno el hijo de Henry Berman, el que fuera director general de la Universal Pictures durante los años de inicio del cine en Hollywood . 

Se trataba de Pandro S. Berman, también judío como el director. Pandro fue asistente de dirección durante la década de 1920 bajo Mal St. Clair y Ralph Ince . 

En 1930, Berman fue contratado como editor de cine en la RKO Radio Pictures , y luego se convirtió en un asistente de producción. Cuando el productor supervisor de RKO, William LeBaron dejó su puesto durante la producción de la fallida The Gay Diplomat (1931), que intentaba presentar a Ivan Lebedeff como el nuevo Valentino, y que fue vapuleada por la crítica y el público, siendo el mayor fracaso económico de la año 30/31 para la Compañía , Berman se hizo cargo de las responsabilidades de LeBaron, permaneciendo en el puesto hasta 1939.

Después de que David O. Selznick se convirtiera en jefe de producción de RKO en octubre de 1931, Selznick nombró a Berman productor para la adaptación de algunas películas entre ellas Symphony of Six Million de 1932 dirigida por Gregory La Cava . Para la misma el productor contó con el jefe del departamento de música de la RKO Max Steiner para introducir en la misma música sinfónica a lo largo de la película, algo que era innovador. 

Ello llevó a la RKO a contar con el tándem Berman / Steiner para sus siguientes proyectos de comedias con dos de los actores que más brillaban en ese momento: Fred Astaire y Ginger Rogers e. En eso surgió Top Hat.  

La historia después colocará a Berman , tras su pasó por la Metro en 1940, en el Olimpo de los productores ganando en 1976 el Irving G. Thalberg Memorial Award y designando a seis de sus películas como nominadas al Premio de la Academia de Mejor Película : The Gay Divorcee (1934), Alice Adams y Top Hat (1935), Stage Door (1937), Father of the Bride (1950) e Ivanhoe (1952). Todo un mérito. Berman murió de insuficiencia cardíaca el 13 de julio de 1996 en su casa de Beverly Hills , a los 91 años. 

Pues bien, Pandro convenció a la productora, la RKO Radio Pictures, para que invirtiera en la película más de medio millón de dólares, unos $ 609,000. 

Volviendo a la película que pude ver anoche decir que el guión - sí, con tilde, no puedo con la norma de la RAE sobre tildes de 2010, es una tontería y no lo acepto- del que hablaré más tarde, el productor y el director contarón con la participación de Allan Scott, Dwight Taylor, Ben Holmes , Ralph Spence y Károly Nóti (aunque éste sin acreditar). Para inspirarse partieron de un par de obras de 1933 y de dos escritores húngaros, Escándalo en Budapest de Sándor Faragó y Una chica que se atreve de Aladar Laszlo. 

En el apartado musical y en gran medida el éxito de la película se debe a la intervención de Irving Berlin compositor de las letras de las canciones y Max Steiner encargado de la partitura. Ambos ya había trabajado tanto con Berman como con Sandrich y lo seguirán haciendo después. La magnífica fotografía en blanco y negro fue de David Abel, mientras que el montaje fue labor de William Hamilton. 

El reparto lo encabezan la pareja formada por Fred Astaire como Jerry Travers y Ginger Rogers como Dale Tremont. Junto a ellos se encuentran Edward Everett Horton como Horace Hardwick, Erik Rodhes como Alberto Beddini, un diseñador de modas y rival por los afectos de Dale, Helen Broderick como Madge Hardwick, esposa de Hardwick y Eric Blore como el criado de Hardwick, Bates. Igualmente en la película aparecen Lucille Ball como la florista, Gino Corrado como el gerente del hotel en Venecia, Leonard Mudie como el vendedor de flores, Dennis O'Keefe como un pasajero del ascensor pasajero y Bailarín y Tom Ricketts como camarero del Thackeray Club del inicio de la película que está sin acreditar. 

La historia se inicia en un club privado londinense, el Thackeray Club , en el que un grupo de hombres todos tocados con sombrero de copa, Top Hat, están fumando y leyendo la prena en un riguroso silencia. 

Uno de los que se encuentran allí, esperando una cita concertada es un bailarín estadounidense llamado Jerry Travers (Fred Astaire). Está a la espera de entrevistarse con el productor de su nuevo espectáculo, Horace Hardwick (Edward Everett Horton). 

En la espera el se mueve en la silla, algo que incomoda a los presentes. Al poco se persona el señor Hardwick. Para hablar salen de la silenciosa y humeante sala. A la salida el bailarín y astro de la comedia musical americana se pone en la puerta y claquea con sus zapatos en el suelo, llamando la atención de todos. 

Al salir el productor le dice a Jerry Travers que se instalará en su propia habitación. Tras eso suben a la habitación del hotel londinense donde reside el productor. Allí tras mostrar las disputas que el señor tiene con su valet por la adecuación de una pajarita negra en el chaquet (como sostiene el criado y lleva Jerry) o blanca sobre el mismo (como dice el productor) deciden tomarse una copa canta e inicia un número de baile, realmente una rutina de baile , que molesta el sueño de una joven llamada Dale Tremont (Ginger Rogers), que se aloja en la habitación de abajo. 

Ella llama a la dirección del hotel que a su vez llama al señor Hadwick que baja para recibir la información. En eso sube la chica y ve que el que está bailando es un joven bailarín, pero ella cree que está viendo a Horace Hardwick. Sin embargo, es Jerry que , impactado por la belleza de la chica, se enamora perdidamente de la chica. De hecho al regresar el productor a la habitación se da cuenta de que Jerry tira arena en el suelo para no hacer ruido y permitir que descanse dulcemente la chica.

Desde ese momento la película va combinando los equívocos entre Jerry y Dale, en los que se involucran igualmente el señor y la señora Hadwick (Helen Broderick),- ya que Madge y su marido, Horace, pasan largos períodos viviendo vidas separados - y en el que también participan como personajes en contrapunto, el diseñador de moda italiano, Alberto Beddini (Erik Rodhes), y el valet o mayordomo de Hadwick, Bates (Eric Blore). 

A la mañana siguiente Jerry se cruza con la chica, que resulta ser una bella modelo dotada para el baile y que , como sabemos, se aloja en la habitación de abajo. Ella le toma, erróneamente, por Hardwick y, tras irse de paseo, él que procede a perseguirla por todo Londres, intenta impresionar a Dale Tremont ( Ginger Rogers ) para ganar su afecto. 

Al regresar al hotel pensando que es Hadwick, al enterarse que está casado con una amiga suya, Madge (Helen Broderick), le rechaza y le repudia, aunque él sigue enamorada de él , y viceversa. 

Tras el éxito de la noche de estreno de Jerry en Londres, Dale decide viajar con su jefe, el modisto italiano Alberto Beddini, a Venecia. 

Allí en Venecia , visita a su amiga Madge y promociona los vestidos creados por Alberto Beddini, un diseñador de moda italiana. 

Tras el reencuentro con el bailarín en el mismo hotel en el que están alojados el señor y la señora Hadwick aunque en habitaciones separadas y Jerry. Éste le propone a Dale, quien, aun creyendo que Jerry es Horace, está disgustada por ser el marido de su amiga pueda comportarse de esta manera y , además, le proponga casarse con ella. 

Como la confusión va a más ella, por despecho, y le molesta tanto que acepta en cambio casarse con Alberto. Afortunadamente, Bates ( Eric Blore ), el valet inglés de Horace, y al que le gusta disfrasarse, en este caso se disfraza de sacerdote y dirige la ceremonia religiosa de la boda. 

Lo cierto es que Horace había enviado a Bates para vigilar a Dale. Como la confusión va a más ella, Jerry al enterarse del enredo decide cederla a la pareja la habitación que ocupa, la suite nupcial, y en esa ceremonia de la confusión en la que participan los Hadwick, el modisto italiano y Bates, en un viaje en góndola , Jerry logra convencer a Dale de quién es, de los errores que ambos han cometido, aclarando todo. 

Mientras son perseguidos por los Hadwick conjuntamente con Alberto Beddini aunque su barca queda sin gasolina en mitad del canal. 

Tras el regreso de la pareja de enamorados al hotel donde la confusión anterior se aclara rápidamente y tras meterse Bates en un lío con la policía local, pensando que no lo entiende, la pareja reconciliada baila en el atardecer veneciano, siguiendo la melodía de "El Piccolino" y acabando así la película. 

Top Hat comenzó a filmarse el 1 de abril de 1935 en los Estudios Gower de la RKO y , según la ImbD en los enormes Paramount Studios sitos en el 5555 Melrose Avenue de Hollywood, Los Ángeles. Costó $ 620,000. El rodaje terminó en junio .

Hubo una época en la que el musical reinaba en la Warner con Busby Werneley. Ete se centraba en el papel de la belleza femenina, en una especied e quiero mostrar y no puedo. La Metro Goldwyn Mayer tomó su relevo buscando sobre todo la espectacularidad que emanaban de los montajes escénicos , en gran medida teatrales, de Florenz Ziegfield, un héroe inolvidable del género mitificado por la misma compañía cinematográfica.

Una vez triunfado el sonoro, la Metro recuperó su viejo lema de dar al espectador "más por su dinero", y aplicó a sus musicales lo mismo que a su producción en general: grandes repartos, presentaciones opulentas y prestigio que se concretarían en imágenes gigantescas destinadas a deslumbrar al público. Y se jactaban las producciones de presumir de más escaleras, más vestuario y más espejos que cualquier otro estudio. Es lo que Pauline Kael en su "5.001 Nights in movies" confundir el glamour con el estilo. Lo curioso es que no fue en la Metro, sino en la Paramount donde el ejemplo a imitar, el de Ziegfield, hizo sus únicas incursiones en el cine.

No obstante, tampoco fue la Paramount la que se llevó el gato al agua en los primeros musicales, sino la RKO, una pequeña empresa, la que dio con la clave del éxito en este género. Y no sólo por lo estrictamente musical, sino por darle vida cinematográfica al Art Decó, un arte que en un  momento dado deslumbró al cine por sus excesos, por su abundancia o exuberancia, y sobre todo por poder contar con dos genios de este género: Fred Astaire y Ginger Rogers.

Una vez que la RKO descubrió el diamante en bruto que suponía esta pareja tras la película Flying down to Rio o Volando hacia Río en 1933, la compañía no dudó en juntarlos cuantas veces hiciera falta. Ello se repitió hasta 1939 siguiendo un mismo esquema: entre baile y baile, entre canción y canción , se conocían, simpatizaban, se peleaban, se perdían   y volvían a encontrase.

Como en una buena comedia americana lo importante era el juego, mientras que la historia era lo de menos. Casi siempre para su suerte, Ginger y Fred,  contaba con la habilidad de un artesano como Mark Sandrich, y el acompañamiento de toda una serie de secundarios - como Eric Blore, Edward Everett Horton ,...- aptos para hacer reír, pero sin llegar a oscurecer nunca la luz que desprendía la pareja.

La pareja estaba formada por dos personalidades que, según Terenci Moix, en su Historia del Cine, volumen II, que estaban perfectamente encajadas. A esto se sumaba el cómo estaban montados sus espectáculos y a la facilidad que tenían para que sus números de baile, se transformaran en un asunto de estado.

Ella era intuitiva para la comedia  y podía llegar a ser impertinentemente enérgica, mientras que él era elegante y clásico, lleno de gracia y dotado para la belleza de la danza. Juntos sabían desenvolverse hasta conseguir un estilo. Según señalaba John Kobal "El genio ( de esos artistas) consiste en hacer solo lo que parece natural - ya sea bailar, actuar o cantar-; lo que al hacerlo ellos, parece tan fácil que está al alcance de cualquiera. 

No obstante eran humanos. Ginger Rogers encontró a Mark Sandrich bastante frío y cruel. Ella relató la historia de cómo él le instó un día para "tomar algunas lecciones de baile, de canto, y de actuación." Ella dijo que finalmente tuvo que hablar con el productor Pandro S. Berman para que intercediera en su nombre, pero que Sandrich nunca la aceptó ni le gustó. Eso sí, como ocurre con muchos musicales los zapatos de Ginger Rogers tenían que cambiarse con frecuencia, porque a menudo estaban llenos de sangre, debido a múltiples tomas de escenas de danza. 

El vestido que Ginger Rogers usó en el número Piccolino está de exhibición en el Museo Nacional Smithsoniano de Historia Americana en Washington, DC. 

Las primeras proyecciones públicas se realizaron en julio. Tras las mismas hubo algunos cortes de aproximadamente diez minutos, principalmente en la última parte de la película: la secuencia de carnaval y el desfile de góndolas que habían sido filmadas para mostrar el enorme conjunto fueron muy recortadas. Fueron escenas con los personajes de Donald Meek y Florence Roberts. 

Una de las últimas escenas en las que Eric Blore insulta a un policía, todavía está presente en algunas versiones como la versión de video de la RKO Collection de Turner Home Entertainment. 

Otros cuatro minutos fueron cortados antes de su estreno definitivo en el Radio City Music Hall, donde rompió todos los récords de taquilla, pasando a obtener unos $ 3 millones brutos en su lanzamiento inicial, y convirtiéndose en la película más rentable de RKO de los años 1930. Después de Mutiny on the Bounty , hizo más dinero que cualquier otra película lanzada en 1935. 

Cuando the Hays Office , la del famoso y penoso Código "moral" Hays se enteró de que varios actores, que eran conocidos en la industria de ser gay, habían sido contratados en esta película, enviaron una advertencia concisa a RKO Studios. Particularmente se referían a Erik Rhodes y Edward Everett Horton , y se les advertía que deberían "evitar cualquier idea de que los actores tengan un pensamiento o una escena en ese sentido". La caracterización italiana de Erik Rhodes ofendió tanto al gobierno italiano -y al dictador Benito Mussolini en particular- que la película fue prohibida en Italia. El mismo destino sucedió a La alegre divorciada (1934) el año anterior. 

Dwight Taylor fue el guionista principal. Fue guión escrito expresamente para la pareja formada por Astaire y Rogers, que según Andrés Arconada no se soportaba. Astaire al ver el guión original de Taylor reaccionó negativamente , quejándose de que "estaba modelado siguiendo el modelo de la fracasada The Gay Divorcee ". 

Así que el guión pasó a Allan Scott , para quien esta película fue su primer gran proyecto, y que iba a intervenir en las seis películas que integraban al dúo formado por Astaire-Rogers, siendo contratado Scott para hacer las reescrituras, quedando Sandrich como editor de guiones y asesor de todo. La Hays Office insisté en que la intervención de Scott en el guión se ciñó a pequeños cambios, incluyendo probablemente la más citada línea de diálogo de la película: el lema de Beddini: "Para las mujeres el beso, para los hombres la espada" y que originalmente pudo ser: "Para los hombres la espada , para las mujeres el látigo " después de que los censores objetaron. Se hicieron cambios significativos en el guión original para reforzar el personaje de Fred Astaire . 

Astaire se quejó de que su parte era juvenil y arrogante, sin encanto ni humor. Observó que una vez en el Lido, su papel "se disolvía en prácticamente nada". Las escenas se agregaron para añadir más intensidad al personaje de Astaire dándole más profundidad más grande. También se opuso firmemente a dos momentos en el guión donde Ginger Rogers fue llamado a darle una bofetada en la cara, pero , finalmente, aparecen. 

De cualquier manera, el agente siempre se quejó de que la película no tenía ninguna historia verdadera o trama. 

La relación entre Scott y la Rogers nunca llegó a ser del todo satisfactoria. A Allan Scott no le gustaba trabajar con Ginger Rogers . Prefería escribir para "actrices de teatro que se tomaban en serio su arte", como Claudette Colbert o Greer Garson , y estaba dispuesta a reescribir su trabajo para acomodar sus ideas y preocupaciones. Él recordó: "Hubo un tiempo con Ginger, por otro lado, en el que llegó a ser todo una broma." Dijo: "Hay algo radicalmente mal en ello". Y tenías que bajar y ver lo que podías hacer. Scott consideraba que Rogers estaba tenía problemas con una línea simplemente porque ella no se la había estudiado, y generalmente había estado "bailando " la noche anterior. Scott usó el término "radicalmente equivocada" para referirse a Ginger durante algún tiempo. 

En una entrevista con Lee Server entre éste y uno de los  guionistas de la película Allan Scott este recoge en su libro Words Become Pictures (Main Street Press, 1987), que Fred Astaire era "un esnob". 

De su papel en la creación de Top Hat , el guionista Taylor recordó que con Sandrich y Berlín que compartió "una especie de emoción infantil. Cuando me fui RKO un año más tarde, Mark me dijo: "Nunca más verás tanto de ti mismo en la pantalla". 

En el lanzamiento de la película, el guión fue criticado por muchos críticos, que alegaron que era simplemente una reescritura de The Gay Divorcee , siguiendo un poco lo que pensaba Fred Astaire. 

En cuanto a la música esta fue la primera partitura completa del compositor Irving Berlin desde 1930 y negoció un contrato único, conservando los derechos de autor de la partitura con una garantía del diez por ciento de los beneficios si la película ganaba más de $ 1.250.000. Berlin, cuyo verdadero nombre era en ruso, Israel Beilin, está considerado uno de los mejores compositores de la historia de Estados Unidos. Su música forma una gran parte del Gran Cancionero Americano . Era amante de componer canciones que fuesen sencillas y directas, con su objetivo declarado de "llegar al corazón del americano medio", a quien consideraba "el verdadero alma del país". Era una leyenda antes de cumplir treinta años; y durante sus 60 años de carrera escribió unas 1.500 canciones estimadas, incluyendo las partituras para 20 programas originales de Broadway y 15 películas originales de Hollywood . 

Berlin para Top Hat compuso ocho canciones de la partitura original , de las que algunas fueron descartadas ya que no se consideraron para avanzar en la trama de la película. Uno de estas canciones, "Get Thee Behind Me, Satan", también se usó en Follow the Fleet (1936). Las cinco canciones eventualmente seleccionadas se convirtieron en grandes éxitos y, en la emisión del 28 de septiembre de 1935 de Your Hit Parade , los cinco figuraban entre las quince canciones seleccionadas para esa semana. 

Astaire recordó cómo este éxito ayudó a restaurar la autoconfianza de Berlín. Astaire nunca había trabajado con un músico como Berlín antes de esta película, aunque había bailado en el escenario algunas de sus canciones ya en 1915. Allí surgió una amistad de por vida con Berlín contribuyendo a más películas de Astaire (seis en total) que cualquier otro compositor. 

De su experiencia con Astaire en Top Hat Berlin escribió: "Es una verdadera inspiración para un escritor, nunca habría escrito Top Hat sin él, te hace sentir tan seguro". 

Como Berlín no podía leer ni escribir música, y sólo podía escoger melodías en un piano especialmente diseñado que transponía las teclas automáticamente, requirió un ayudante para hacer sus partes de piano. Ese fue Hal Borne - el pianista de ensayo de Astaire - realizó este papel en Top Hat y recordó que trabajaba noches con él en el Hotel Beverly Wilshire: "Berlín con la famosa Cheek to cheek había empezado a escribir' Heaveno ...' y siguió con un 'I´m in heaven'. Estas partes fueron posteriormente orquestadas por un equipo compuesto por Edward Powell, Maurice de Packh, Gene Rose, Eddie Sharp y Arthur Knowlton, quienes trabajaron bajo la supervisión de la supervisor general de la RKO , el mítico Max Steiner. 

El papel de Steiner en la película fue el de dirigir y arreglar "musicales", actividad que compaginó con la composición original. 

Berlín rompió una serie de convenciones de composiciones estadounidenses en esta película, especialmente en las canciones " Top Hat, White Tie y Tails " y " Cheek to Cheek ", y, según Rogers, la película se convirtió en modelo de composición para el cine de Hollywood en lo musical. 

En cuando al conjunto para la película fue labor de lo que se conoce como el Big White Set - un conjunto inspirado en el Art Deco muy al gusto del Hollywood de la época, especialmente del comedia y los musicales tan significativos de la RKO y la Paramount ue implicaron el mayor gasto en los costos de producción de la película. 

Entre lo diseñado, además de las puertas de las habitaciones del hotel y su mobiliario destaca el falso canal sinuoso - cruzado por dos puentes curvados en un extremo y un puente plano en el otro - que fue construido a través de dos etapas. Astaire y Rogers bailan a través de este puente en un plano de "Cheek to Cheek". Alrededor de la curvatura de este puente se encuentra la plaza principal, un escenario gigante revestido en baquelita y que fue el escenario para el baile final y multitudinario del "El Piccolino". Esta representación fantástica del Lido de Venecia estaba en tres niveles que incluían pistas de baile, restaurantes y terrazas, todas decoradas en colores de caña de azúcar, con las aguas del canal teñidas de negro. Los amplios interiores venecianos eran igualmente falsos, reflejando en su lugar los últimos gustos de Hollywood. El conjunto del canal de Venecia era tan grande que necesitaba dos equipos de sonido en el estudio Gower de la RKO. La longitud total era más de 300 pies. Hasta ese momento era el conjunto más grande jamás construido en el RKO. 

En este sentido, un papel esencial será el jugado por Carroll Clark, quien trabajó bajo la supervisión general de Van Nest Polglase, el director de arte de la unidad en todas menos una de las películas de Astaire-Rogers y dirigió el equipo de diseñadores responsables del decorado y el mobiliario de Top Hat . 

Aunque Bernard Newman estaba nominalmente a cargo de vestir a las estrellas, la propia Ginger Rogers estaba muy interesado en el diseño del vestido y el maquillaje. Para la rutina "Cheek to Cheek", estaba decidida usar una creación propia : "Estaba decidida a llevar este vestido, ir al infierno o al agua, y ¿por qué no ?, se movía muy bien. El equipo estaba dispuesto a tomar partido, en particular, en mi contra . Al menos mi madre estaba allí para apoyarme en la confrontación con toda el equipo, en ocasiones teniendo en contra a Fred Astaire y Mark Sandrich ", declaró una vez. 

Debido a la enorme labor de costura de cada pluma de avestruz en el vestido, Astaire -que normalmente aprobaba los trajes de su compañera y sugirió modificaciones si era necesario durante los ensayos- vio el vestido por primera vez el día del rodaje quedó horrorizado por la forma en que arrojaba nubes de plumas en cada cada giro y cada vuelta, recordando más tarde: "Era como un pollo atacado por un coyote, nunca vi tantas plumas en mi vida". 

Aunque oficialmente sin acreditar, es universalmente reconocido que Fred Astaire era el coreógrafo principal para esta película. Hermes Pan estaba a cargo de grandes números de producción. Él y Astaire trabajaron los otros bailes, y Pan ensayaba junto a Ginger Rogers. 

Una vez, según el coreógrafo Hermes Pan , Astaire perdió la paciencia y gritó a Rogers, quien inmediatamente se echó a llorar, luego su madre, Lela, "vino como una madre rinoceronte protegiendo a sus crías". Ante esto , durante una noche de trabajo adicional de las costureras contratadas resolvió parte del problema, sin embargo, un examen cuidadoso del baile revela plumas flotando alrededor de Astaire y Rogers y caídas en la pista de baile. 

Más tarde, Astaire y Pan se presentaron ante Rogers con una pluma de oro para su brazalete. A partir de entonces, Astaire apodó a Gigers Rogers "Feathers" o "Plumas" - también un título de uno de los capítulos de su autobiografía - y parodió su experiencia en una canción y una rutina de baile con Judy Garland en Easter Parade (1948). 

Astaire también eligió y proporcionó su propia ropa. Él es ampliamente reconocido por ser lo que hoy sería un "influencer" o por influir en la moda masculina del siglo 20. Fred Astaire supervisó todos los aspectos del desarrollo de un número de danza desde la orquestación hasta el rodaje final y la edición. Él era particularmente inflexible sobre cómo un número debe ser filmado. No le gustaba interrumpir el flujo de la danza con ángulos de cámara inusuales, cortes en la cara o los pies del bailarín, o tiros de reacción de la gente mirando. 

La coreografía, en la que Astaire fue asistido por Hermes Pan , se ocupa principalmente de las posibilidades de utilizar la pieza metálica , conocidas como " grifos ", para hacer tanto ruido como fuese posible. Por eso en esta película se usan grifos mucho más gruesos de lo habitual para crear sonidos más audaces y más fuertes. 

En la película, Astaire sufre de lo que Rogers llama una "aflicción": "De vez en cuando de repente me encuentro bailando". Astaire introduce el motivo del toque de la película cuando hace estallar una presa en los somnolentes miembros de un Club de Londres. 

Hay ocho números musicales y de baile en la película. En la "secuencia de apertura", después de que el logotipo RKO aparece, Astaire, que se muestra sólo desde la cintura para abajo, baila en un piso de piso pulido, respaldado por un conjunto de piernas de bailarines masculinos que no se mueven, y en la que se incorporan las piernas de Ginger Rogers. Al detener su nombre aparece, Rogers bailando que le sigue y los dos bailan juntos cuando el cuadro se disuelve para revelar un sombrero de copa. Un concepto similar fue utilizado en la secuencia inicial de The Barkleys of Broadway (1949). 

El segundo baile corresponde con " No Strings (I'm Fancy Free) ". Al retirarse a su suite de hotel, Horton le aconseja que se case. Astaire declara su preferencia por la soltería e inicia una canción . Este número fue obra del guionista Dwight Taylor y se encuentra en sus primeros borradores , surge la canción naturalmente y en medio de la frase. Astaire lo canta dos veces y durante la última frase se pone a mover las piernas, y danza en solitario intensamente y en alto volumen a través de la habitación o golpeando los muebles con las manos. A su regreso al centro de la sala, donde concentra ruidosamente su claque, la cámara avanza para descubrir a Rogers en la cama, despierta e irritada. Mientras que ella telefona y se queda de Horton a la gerencia del hotel, Astaire incorpora más ruido a su rutina con sus grifo . Mientras Horton se va a investigar, Astaire sigue martillando por la suite, durante la cual finge horror al ver su imagen en un espejo - una referencia a su creencia de que la cámara nunca fue amable con su rostro. La rutina termina cuando Astaire, que ahora baila con una estatua, es interrumpido por la entrada de Rogers, una escena que, como en The Gay Divorcee y Roberta , tipifica la forma en que Astaire involuntariamente incurre en la hostilidad o molestia con la Rogers. 

En la siguiente "No Strings (reprise)", Rogers, después del incidente , regresa a su habitación y Astaire toma la tierra de un macetero con la intención de bailar, y se nombra a sí mismo su " sandman ", rociando la arena al suelo ante Horton y permitir dormir a la chica con una danza de arena suave bajando la melodía, en una escena que ha atraído considerable admiración de los comentaristas de danza, y ha sido objeto de parodias e imitaciones. 

En " No es este un día precioso (para ser atrapados bajo la lluvia) ", mientras Rogers está fuera cuando estalla una tormenta y se refugian en un kiosko de música. Astaire la sigue y hablan de una conversación sobre las nubes y la lluvia que pasan pronto y tras ello Astaire realiza una de las creaciones más preciadas de Berlín. Astaire canta a la espalda de Rogers, pero el público puede ver que la actitud de Rogers hacia él se ablanda durante la canción, y el propósito de la danza que sigue es para ella comunicar este cambio a su pareja. La danza es una de flirteo y, según John Mueller, en su libro Astaire Dancing – The Musical Films escrito en 1986 para la editorial londinense de Hamish Hamilton, despliega dos dispositivos coreográficos comunes al minueto clásico: la imitación secuencial (un bailarín realiza un paso y el otro responde) y el tocar. Inicialmente, la imitación es burlona en el personaje, pero luego se vuelve más un intercambio casual, y termina en un espíritu de verdadera cooperación. Hasta los últimos treinta segundos de este baile de dos minutos y medio pareciera que el par se retrae de tocar, luego con un codazo de su codo Rogers invita a Astaire. La rutina, a la vez cómica y romántica, incorpora saltos, el golpecito hace girar y los pasos que se deslizan y arrastran entre sus muchos dispositivos innovadores. El espíritu de igualdad que impregna la danza se refleja en la masculinidad de la ropa de Rogers y en el apretón de manos amistoso que intercambian al final.

Para " Top Hat, White Tie y Tails ", probablemente el más popular de Astaire, la idea de la canción del título proviene de Astaire, quien describió a Berlín una rutina que había creado para obras de Ziegfeld en Broadway, Smiles , Young Man of Manattan ". Berlín produjo debidamente la canción y el concepto construido alrededor de él.

En este número Astaire tuvo que comprometerse en su filosofía de toma única, como Sandrich reconoció: "Hicimos todo lo posible para que el número de" Top Hat "parezca una toma, pero en realidad son varias. La notable habilidad de Astaire para cambiar el tempo dentro de una sola frase de baile es ampliamente presentada a lo largo de esta rutina y llevada a extremos - como cuando explota en actividad desde una postura de silencio completo y viceversa. Esta rutina también marca el primer uso de Astaire de un bastón como apoyo en una de sus danzas filmadas. El número se abre con un coro que pavonea y que se lanza delante de un contexto de una escena de la calle de París. Se abren paso a Astaire, que avanza con confianza al frente del escenario y entrega la canción, que cuenta con la célebre frase: "Estoy saliendo, querida, para respirar una atmósfera que simplemente huele a clase", intercambiando el toque ocasional con el coro mientras canta.

La danza comienza con Astaire y coro moviéndose en el paso. Astaire pronto ataca con un golpe de grifo giratorio y el coro responde tímidamente antes de abandonar el escenario en una secuencia de pasos superpuestos, de cambio de dirección, de enganche y paseos. En la primera parte del solo que sigue, Astaire se embarca en un movimiento rotatorio circular, embellecido con grifos en el que mezcla una serie de pausas impredecibles. A medida que la cámara retrocede, las luces se oscurecen y, en el misterioso pasaje que sigue, Astaire imita una serie de posturas, que van desde la abierta amistad, la cautela, la sorpresa a la prontitud vigilante y la alegre confianza. Jimmy Cagney asistió al rodaje de esta escena y aconsejó a Astaire. El coro vuelve entonces en una postura amenazante, y Astaire procede a despacharlos todos, usando una serie de acciones muy creativas que imitan el uso de un bastón como arma, una ametralladora, un rifle y, finalmente, un arco y una flecha.

En número culminante en la película es Cheek to cheek . Comienza tras ser Giger Rogers animada por Broderick. La canción emerge de la mitad de la oración de Astaire mientras baila con una vacilante Rogers en un piso lleno de gente. Berlín escribió las letra y la música de este clásico d, siendo la canción más larga que escribió. Se aprecia mucho el tratamiento que Astaire hace de la canción: "La melodía sigue subiendo y subiendo, se arrastra.

A medida que navega a Rogers se ve atraído y receptivo y, al final de la canción, bailan "mejilla a mejilla" a través de un puente en una sala de baile desierta cercana. De acuerdo con el análisis de Mueller, el dúo que sigue el más famoso de todos los Astaire-Rogers refleja la complejidad de la situación emocional en la que se encuentran. Ya no es coqueteo, como en "¿No es este un día precioso?". Esta presente el amor. Pero Rogers se siente culpable y engañada y prefiere evitar los avances de Astaire. Por lo tanto, el propósito de Astaire aquí es que ella abandone sus recelos (que son un misterio para él) y entregarse completamente a él. El dispositivo coreográfico introducido para reflejar el progreso de esta seducción es el "backbend" o la contorsión, explotando la espalda excepcionalmente flexible de Rogers.

La danza principal comienza con el primero de dos pasajes breves que reutilizan el dispositivo de imitación secuencial introducido en "Is not This is Lovely Day?". El par gira y se inclina, esquivando hacia adelante y hacia atrás el uno al otro antes de pasar a una posición estándar del salón de baile donde se introducen las primeras sugerencias del backbend . El primer backbend ocurre al final de una secuencia en la que Astaire envía a Rogers en un giro, recoge su escalera y la mueve con un brazo enlazado hacia delante, repite el giro pero esta vez la rodea mientras ella se gira y luego la toma en sus brazos . A medida que la música se vuelve más enérgica, los bailarines fluyen por el suelo y Rogers, moviéndose contra la música, de repente cae en un backbend más profundo, que se repite, aún más profundo aún. La música ahora transita a una recapitulación tranquila de la melodía principal durante la cual la pareja se involucra en una pareja en silencio y tierna, y aquí aparece el segundo pasaje que implica imitación secuencial. Con la música alcanzando su gran clímax, Astaire y Rogers se apresuran hacia la cámara, luego lejos en una serie de audaces y dramáticas maniobras culminando en tres ascensores de salón de baile que muestran el vestido de Rogers antes de abruptamente llegar a un alto en una contorsión final, más profundo , mantenido como la música. Se levantan, y después de un par de vueltas bailando mejilla a mejilla por primera vez desde que comenzó el baile, vienen a descansar junto a una pared. Rogers, habiendo conducido la danza en un estado de abandono onírico, ahora mira con inquietud a Astaire antes de alejarse, como si le recordara que su relación no puede continuar. A estas alturas, Rogers sospecha de la verdadera identidad de Astaire, aunque ninguno de ellos sabe que su matrimonio impulsivo con Rodhes es nulo y sin valor.

Al cenar juntos durante la noche del carnaval en Venecia, y para ayudar a calmar su culpabilidad, Astaire declara: "Comamos, bebamos y nos alegramos, porque mañana tenemos que enfrentarle", que sirve de señal a la música de "El Piccolino", el gran número de producción de la película. Un desfile de góndolas es seguido por la entrada de un coro de baile que realizan una serie de posturas de salón de baile y rutina de patrones coreografiados por Hermes Pan. Berlín, que tuvo que hacer un gran esfuerzo en la canción , la diseñó como un pastiche o mezcla de varias canciones como "El Carioca" de Flying Down a Rio (1933) y " The Continental " de The Gay Divorcee (1934), y la letra comunica su origen falso: "Fue escrito por un gondolero latino / A que se sentó en / su casa en Brooklyn / y miró a las estrellas". Es una canción sobre una canción y ahora Rogers canta a Astaire después de lo cual un coro fuera de la cámara lo repite mientras el conjunto de baile es fotografiado, muy al estilo de Berkeley , desde arriba. La cámara cambia luego a Rogers y Astaire que se centran en el escenario para realizar un baile de dos minutos, todos rodados en una toma, con la coreografía Astaire-Pan haciendo referencia por separado a la melodía básica y al intento de mostrar el amante latino en el acompañamiento. Bailan al acompañamiento a medida que descienden los peldaños y se deslizan por la pista de baile, entonces, cuando entra la melodía, se detienen y realizan el paso Piccolino, que consiste en lanzar los pies hacia el lado del cuerpo. El resto de la danza implica repeticiones y variaciones del paso Piccolino y los pasos de salto asociados con intento de amante, dando lugar a algunas amalgamaciones complejas de los dos.

En la aparición final de la melodía, los bailarines realizan una forma altamente embellecida del paso de Piccolino mientras que viajan lateralmente de nuevo a su mesa, hundiéndose detrás en sus sillas y levantando sus vasos. Después de que todos los actores y actrices de la película con protagonismo se enfrenten en la suite nupcial, con el "matrimonio" de Rogers y Rodhes que se revelado como el realizado por un falso clérigo, la escena se fija en Astaire y Rogers para van a bailar en la puesta del sol, que debidamente hacen, en este fragmento de un dúo mucho más largo - el original fue cortado después de las preestreno de julio de 1935 - pero no antes de que se desfile a través del conjunto veneciano y repetir el paso Piccolino.

Algunas de las canciones de Top Hat, como White Tie y Tails " y " Cheek to Cheek " se han convertido en clásicos de canciones estadounidenses. Algunos fragmentos de la película se han transformado en auténtico metacine, cine dentro del cine, como cuando vimos en su momento el segmento "Cheek to Cheek", en muchas películas, entre ellas The Purple Rose of Cairo (1985) , la citada inicialmente The Green Mile (1999), incluso se le homenajea en La La Land (2016) .

Durante la semana del 20 de septiembre de 1935, todas las canciones de Irving Berlin presentadas en esta película se escucharon en el programa de radio "Your Hit Parade". El programa mostraba las 15 canciones más populares de Estados Unidos para la semana. Las cinco canciones de Berlín de esta película lo convirtieron en el primer compositor en tener cinco canciones incluidas en el programa durante una semana.

La fecha de lanzamiento de la película fue el 29 de agosto de 1935 , siendo la Premiere en la Ciudad de Nueva York , en concfreto en el Radio City Music Hall, Manhattan .

Desde ese momento , Top Hat fue la película más exitoso de Astaire y Rogers , logrando el segundo lugar en taquilla en todo el mundo en aquel 1935. La película ganó $ 1,782,000 en los EE.UU. y Canadá y $ 1,420,000 en otros lugares. RKO obtuvo un beneficio de 1.325.000 dólares, convirtiéndolo en la película más rentable del estudio de los años treinta. Fue la cuarta película más popular en la taquilla británica en 1935-36. Consiguió en taquilla , al final, un total de 3,2 millones de dólares

Las críticas a Top Hat fueron principalmente positivas. Los Angeles Evening Herald Express elogió la película, exclamando que " Top Hat es lo mejor" de Fred Astaire , elogiando sus bailes y las cantando canciones de Irving Berlin.

En el New York Times se elogió los números musicales de la película, pero criticó la línea de la historia, describiéndola como "un poco delgada", pero también afirmando que "es lo bastante veloz como para tapar esos vacíos inevitables entre las bailes alegremente divertidos". Top Hat "vale la pena hacer cola para verla. Desde la aparición del vestíbulo tendrá que hacerlo."

En Variety también señaló la frágil de la historia, y, sorprendentemente criticó el elenco, afirmando que "el peligro está en la historia y el elenco." Sustituya a Alice Brady por Helen Broderick y es la misma alineación de jugadores que estaba en la fallida The Gay Divorcée . Los dos guiones se complementan mutuamente ". Sin embargo, llegó a la conclusión de que Top Hat era una película que "no se puede perder".

Graham Greene , que escribió para The Spectator en 1935, dio a la película una crítica generalmente positiva, describiendo la película como "un vehículo para el genio de Fred Astaire" y observando que el desempeño de Astaire eliminó cualquier preocupación por el hecho de que "la música y las letras son malas" o que Astaire "tiene que actuar con seres humanos [que no pueden igualar] su libertad, ligereza y felicidad".

La película está incluida en la lista de "Grandes Películas" de Roger Ebert que llegó después de criticar la trama, que le gustaba "Porque somos humanos, porque estamos atados por la gravedad y las limitaciones de nuestros cuerpos, porque vivimos en un mundo donde las noticias son a menudo malas y las perspectivas inquietantes, hay una necesidad de otro mundo en algún lugar, un mundo donde Fred Astaire y Ginger Rogers tengan cabida. Donde todo el mundo es millonario y las suites del hotel son del tamaño de los salones de baile y nada está arrugado, sino peinado, cepillado. Donde pareces que pueden encontrar lo que buscas , cuando bailas una canción como "cheek to cheek". Igualmente, para Mel Brooks , premiado el pasado año por su trayectoria en los Bafta, siempre ha dicho que esta es su película favorita.

A día de hoy tiene una valoración de 7'8 en la página de IMbD. Pero hace unas semanas , en concreto el 24 de agosto de 2017, el sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes informó que la película tenía una puntuación de 100% de "aprobación" basada en 37 revisiones con una calificación promedio de 8.6 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: "Una fascinante y apasionante película de la era de la depresión, Top Hat es casi impecable, con acrobacias de Fred Astaire y Ginger Rogers que hacen que las acrobacias físicas más difíciles parecen ligeras como el aire"

También la película tuvo su reconocimiento. La película fue nominada para el Premio de la Academia a la Mejor Película , así como para la Dirección de Arte ( Carroll Clark y Van Nest Polglase ), la Canción Original ( Irving Berlin para "Cheek to Cheek") y dirección de baile o coreografía ( Hermes Pan por su "Piccolino" "Sombrero de copa").

En 1990, Top Hat fue seleccionado para su conservación en el National Film Registry de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "culturalmente, históricamente o estéticamente significativo".

En 1998 fue incluida en los American Film Institute entre las 400 películas nominadas para el Top 100 de las Greatest American Movies. La película se clasificó el número 15 en la lista del 2006 del Instituto de Cine Americano de los mejores musicales . Por supuesto, está incluida entre las "1001 Películas que debes ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

La película es una historia de desencuentros y de equívocos. La película en sí es una frivolidad intrascendente, muy en la línea de lo que defendió en su momento el crítico del Chicago Sun Tmes, Rogert Ebert. Pero cuando veo los bailes de Ginger y Fred y escucho sobre todo Cheek to cheek, pienso como los protagonista de la Milla Verde, mientras veían la película en su juventud -  y también entre lágrimas en su senectud - que la vida merece que sea bonita, amable, encantadora, alegre, agradable, divertida, ligera,... Y sin que sirva de precedente acabaré con lo que se merece. ¿Qué va a ser? Pues eso...