sábado, 21 de julio de 2018

Slow West


Un western de Nueva Zelanda ¡Toma ya!. Impresiona , eh . Y además un western de calidad, bien rodado, con un tono casi poético, con sangre, con brutalidad , con odio, con inquina , pero cargado de melancolia, de pena, de algo que ahoga. Así es Slow West , un western británico , del año 2015 de corta duración - 84 minutos- y dirigido por un  escocés , John Maclean, en lo que fue su debut como director . Un western que en su tono, me ha recordado por momentos al realizado y aquí comentado por el director , Mateo Gil, que filmó en los espectaculares paisajes de Bolivia su Blackthorn sobre un anciano Butch Cassidy e interpretado por Sam Shepard en 2011 . Un western estimable que no tuvo el reconocimiento que merecía.

El responsable de la película es un músico que se lanzó a la gran pantalla tras rodar algunas cortos entre ellos Man on a Motorcycle y Pitch Black Heist, y que tienen como común denominador al mismo actor y productor , el actor polifacético Michael Fassbender. John MacLean comenzó como parte de un grupo de artistas escoceses muy valorados por la crítica que practicaban la música "Folktronica" , un género musical que comprende diversos elementos de la música folk y la música electrónica, con uso de instrumentos acústicos —especialmente instrumentos de cuerda— e incorporando ritmos del hip hop o el dance. En este caso el grupo escocés The Beta Band, en el que John Macclean era el Dj, mesa de mezclas y teclados). Más tarde , dos de sus integrantes, Robin Jones y John Maclean formaron The Aliens con Gordon Anderson de Lone Pidgeon. John MacLean se centró en Videos Promocionales. hasta dar el paso a los cortos y de allí, al cine. 

Para ello contó con la producción de Conor McCaughan,  Emile Sherman,  Iain Canning , Michael Fassbender  y Rachel Gardner y con el apoyo fe la productora See-Saw Films , DMC Film, Film4 Productions, New Zealand Film Commission así como la British Film Commission (BFC) y la distribución de la Lionsgate manejaron un presupuesto de unos 2 dos millones de dólares que no se recuperaron en taquilla, ya que la recaudación alcanzó los US$1.300.000.

La película partía del guión del mismo John Maclean y contó para la música con Jed Kurzel , mientras que la fotografía fue de Robbie Ryan rodada en digital, aunque estaba prevista rodarla en 35mm. El responsable del montaje es el mismo John Maclean.



El elenco lo encabezan Michael Fassbender como el buscarrecompensas Silas, Kodi Smit-McPhee como el joven escocés y enamorado Jay Cavendish. Junto a ellos aparecen Caren Pistorius como la ilocalizable Rose Ross, Ben Mendelsohn como Payne1, Rory McCann como John Ross, Edwin Wright como Victor el halcón o the Hawk, Michael Whalley como el niño, Andrew Robertt como Werner , Madeleine Sami como la Marimacho, Brian Sergent como Peyote Joe y (Bryan Michael Mills) como The Minstrel .

El adolescente escocés Jay Cavendish (Kodi Smit-McPhee)es un joven aristócrata escocés que, en pleno siglo XIX, que llega al vaga por el viejo Oeste americano para emprender un viaje que le permita reunirse con la mujer que ama.

Se trata un territorio desolado, por los cazadores de indios que han quemado poblados y sembrado de cadáveres el bosque. Siempre con el mismo fin: la búsqueda de su amor Rose Ross (Caren Pistorius) de la que nada sabe salvo que vive en Colorado con su padre John Ross (Rory McCann) tras huir de Escocia por haber matado accidentalmente al tío del chico, un aristocrático terrateniente (historia que se nos va relatando en un flashback) .

En ello está cuando se encuentra con un grupo de tres hombres persiguiendo a un nativo americano, pero que cuando parece que lo van a matar llega un extraño y silencioso pistolero irlandés llamado Silas Selleck (Michael Fassbender), llega y mata al líder.

Desde ese momento éste , que no deja de ser un cazarrecompensas, es contratado para que le protega de los peligros que acechan para su protección. En su desplazamiento se van conociendo y Silas descubre en el chico un joven talentoso y sobre todo enamorado de Rose Ross.

Jay es un chico sensible y formado como comprobamos cuando el par de jinetes se encuentra con tres músicos negros que tocan el cajón y cantan y a los que les habla del amor y en francés.

En un puesto comercial totalmente aislado, sin que Jay lo sepa, Silas ve un poster buscado que ofrece una recompensa de $ 2,000 por Rose y su padre. Él planea usar a Jay para llegar a la recompensa. 

Mientras tanto en el mismo puesto se cruza con otro cazador de recompensas, Victor the Hawk, que también está interesado en la pareja. Silas se queda con el cartel para que el chico no lo vea. En el interior del puesto comercial, en el que Silas pide comida y Joy se prueba unas ropas entra una pareja de Suecia, unos colonos muertos de hambre. Intentan un robo del que resulta la muerte del dueño y el hombre.

Mientras la mujer le pide dinero a Silas mientras lo apunta. Silas está desarmado a petición del tendero y Jay interviene disparando a la mujer que no ha llegado a verlo. Tras el asesinato por la espalda de la chica, Silas y Jay reúnen provisiones y se van, abandonando a los hijos de la pareja que esperaban fuera.

Poco después descubrimos que hay un grupo de personas que a su vez persiguen a Silas y Jay. Se trata de una banda en la que está entre otros , el malvado Payne (Ben Mendelshon) y su banda de forajidos de la que antes formaba parte.

Por otro lado, en un flashback vemos como en el pasado, en Escocia, Rose conoce el afecto de Jay, pero solo se preocupa por él como un "hermano pequeño". Un día llega a la casa la familia de Rose, así ue lo esconde debajo de la cama.

Después llega el tío de Jay, Lord Cavendish , que es asesinado accidentalmente por John Ross, el padre de Rose, en una discusión; Rose y su padre se van a Estados Unidos aunque hay una recompensa por sus cabezas. De vuelta al presente, Jay abandona a Silas y marcha solo en busca de Rose , ya que cree que Silas es un "bruto".

En su camino por un área desolada Jay conoce a un escritor itinerante, Werner, que se ofrece a acompañar a Jay. Cuando Jay se despierta a la mañana siguiente, Werner se ha ido, robando su caballo y su equipo.

Afortunadamente para Jay, Silas da con Jay y con sus pertenencias robadas, diciendo que se encontró con Werner mientras buscaba a Jay.

Ambos , poco después se encuentran con Payne, el líder de la vieja banda de Silas, que se ha hecho cargo de los niños suecos. Payne les da absenta en un intento fallido de reunir información sobre Rose y el paradero de su padre.

Mientras están dormidos, Silas y Jay comparten el sueño de que Silas y Rose viven juntos con un niño. Se despiertan y descubren que Payne ha robado sus armas. Silas revela la generosidad a Jay. Jay se ve con el grupo de Payne en un bosque, retornando con Silas.

A la mañana siguiente una riada se los lleva, salvándose en el último momento. Sus ropas empapadas son secadas en un tendedero portátil entre las dos bestias, mientras que se internan en un bosque en el que las leyendas locales dicen que es imposible salir, ante la mirada a distancia de la banda de Payne .

Mientras se visten Jay es herido en una mano por la flecha de un nativo americano. Pero Silas mata a los tres asaltantes, recuperando los caballos. Por último vemos que Rose y su padre viven en una pradera cercana, protegidos por un nativo americano llamado Kotori.

A la granja llega Victor, disfrazado de predicador, pregunta por una persona , pero eso le sirve para comprobar que Rose está allí, junto a su padre. Desde lejos los rastrea y con una carabina mata al padre de Rose.

En ese mismo momento llega a la pradera Silas que ata a Jay a un árbol para mantenerlo alejado del peligro. Silas se apresura para alcanzar la casa y avisar a Rose de la banda de Payne, pero Víctor lo hiere en el brazo y en la pierna.

Por su parte, Payne y sus hombres matan a Víctor e inician el asalto a la casa para conseguir la recompensa que , por cierto, es por estar vivo a muerto. Jay, por su parte, amarrado a un árbol, se libera y corre a la casa.

Kotori y Rose logran mantener la casa a raya, pero con dificultades. Matan a algunos de los integrantes, pero finalmente Kotori quema la zona sembrada y los hombres de Payne van cayendo poco a poco.

En ese intenso tiroteo, Rose observa que alguien ha entrado en la casa y le dispara. No se da cuenta, ni tan siquiera reconoce a Jay es alcanzado en el corazón, literalmente, pero también figurativamente, teniendo en cuenta que ni siquiera lo reconoce al principio. Momentos después Kotori se despide de Rose y la besa y luego una bala perdida abre un salero que se derrama sobre el ensangrentado y agonizante Jay, literalmente, pero también en sentido figurado, ya que ver a Rose amando a otra persona es como tirar sal en su nueva herida.

Casi cuando el mismo ha terminado que da cuenta de que ha disparado a Jay en la confusión. Mientras ella lo consuela, Payne entra a la casa y Jay le dispara y lo mata. Silas le dice a Rose que Jay la amaba "con todo su corazón".

La historia acaba con el cumplimiento del sueño común que tuvieron por la absenta, Jay y Silas: Silas se queda con Rose y los niños suecos, y mientras Silas, que se mueve con dificultad debido a las heridas en el brazo y una pierna, coloca una herradura en la casa invirtiendo su forma forma habitual, casi como una sonrisa, acaba la película.

La producción comenzó el 19 de septiembre de 2013, cuando se informa que la producción de la película dirigida por un novel en la misma, John Maclean, contaría con los actores Michael Fassbender, Kodi Smit-McPhee y Ben Mendelsohn que fueron anunciados como el reparto principal de la película, producida por Film4 Productions e integrantes del elenco de Slow West , producido por Film4 Productions .

El rodaje comenzó el 21 de octubre de 2013, en Twizel, una localidad de Canterbury, en la isla Sur de Nueva Zelanda. También se filmó en Escocia, en el área de Achiltibuie y Wester Ross en las Tierras Altas de Escocia, y en el estado de Colorado. La película recibió varios premios.

Su estreno tuvo lugar el 24 de enero de 2015 en el Festival de Cine de Sundance donde fue galardonado con el Premio del Jurado de Cine La película fue aclamada por la crítica tras su estreno en Sundance.

También fue reconocida en los Premios del Cine Europeo ya que fue nominada a Premio Discovery En los British Independent Film Awards (BIFA) fue Maclean nominado al mejor nuevo director.

En cuanto a las críticas decir que Rodrigo Pérez, de The Playlist en su reseña, dijo: " Slow West quema y hierve a fuego lento, Slow West sabe cómo impulsar la tensión a toda velocidad". Y el mismo Rodrigo Perez en Indiewire comenta que "'Slow West' es una pequeña y fenomenal parábola, y un gran debut de John Maclean que vale la pena atesorar."

Bilge Ebiri, de New York Magazine , dio una crítica positiva a la película y dijo que es "un cuento absurdo, melancólico y adulto que pasa de una comedia extraña a una violencia violenta y una reflexión inquietante".

Michelle Orange de SBS y dijo que " Slow West se define por una especie de ambivalencia amorosa: sobre su héroe, su género, y tal vez sobre todo sobre un paisaje tan áspero y tan hermoso que casi hace que un hombre confíe en morir ".

Un importante crítico como Justin Chang en Variety habla de que "El impecable debut como director y guionista de John Maclean a veces tiene un sabor claramente coenesco en su mezcla de inteligencia astuta, humor sombrío y violencia inquietante, rebosando una feroz confianza."

John DeFore en The Hollywood Reporter añade la idea de que es "Un western sobre el compañerismo muy agradable, marcado por ocasionales toques de humor negro."

Por su parte, Stephen Holden, del The New York Times destaca "La magnífica fotografía (...) ilustra inteligentemente la disparidad entre la escarpada majestuosidad del paisaje y el salvajismo de sus forajidos y aventureros."

El paisano del director Jordan Hoffman, del The Guardian sostiene que "Esta primera película del músico escocés convertido en director, John Maclean, es audaz, hermosa y lo suficientemente original como para que plante su bandera como nuevo director importante. (...) " 

En el País Javier Ocaña habla en su reseña titulada La paz de la muerte y comenta que l"La película es una obra sobre la universalidad del amor y de la muerte" Y añade "Los héroes románticos del western están condenados a la tragedia. El viejo Oeste, territorio para desalmados y canallas, nunca fue territorio para la búsqueda de la persona amada; el romance, si acaso, se encuentra, pero nunca se busca. Y el escocés John Maclean lo aplica en su primera película como director, la estupenda Slow West, obra sobre la universalidad del amor y de la muerte, con estructura de tragedia clásica en movimiento (llamada de la aventura, encuentro con diversos aliados y enemigos, rosario de pruebas...), que por momentos parece un western metafísico aunque siempre avance de un modo romántico, y que sólo en el último tercio se vuelve irónico y estético.

Hiperrealista y crepuscular, Slow West mantiene un imposible espíritu de conquista en un camino en el que ya nada se puede conquistar. Maclean, también guionista, retrata a sus criaturas con la lírica de la derrota y, en la línea del Tommy Lee Jones de The homesman (de estreno aquí en noviembre), con la lógica de la pobreza, tanto física como espiritual. Así, sus secundarios, más que buscadores de oro en una tierra prometida, son inmigrantes muertos de hambre (escoceses, holandeses) que roban y matan simplemente para poder comerse un mendrugo de pan. Una dicotomía dominadora, la de los sueños y la lucha, con la derrota como el mejor de los triunfos, que encuentra apoyo constante en la magnífica banda sonora de Jed Kurzel. Maclean, músico antes que cineasta, integrante de los portentosos The Beta Band, creador de la inmensa Dry the rain, ya puede morirse tranquilo. Como sus héroes. Por su parte, José

Manuel Cuéllar en ABC nos dice que es "Un western diferente que propone nuevos caminos (...) El guión resulta demasiado plano y todo lo demás, aun siendo una propuesta original, no gustará a los clásicos, a los amantes del western de toda la vida. (...) "

Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia afirma que "Es un extraño, curioso y pintoresco western (...) a veces hace pensar en los hermanos Coen. Los baños de sangre, en cambio, recuerdan a una obra de Peckinpah reformulada entre Monte Hellman y Jarmusch."

En Fotogramas Philipp Engel comenta que El día en el que el western se muera, el cine se habrá muerto también. La narrativa de los grandes espacios es la menos exigente, a nivel decorado. Basta la naturaleza, ni siquiera hacen falta un fuerte o un poblado como el que se erige en Tabernas (Almería). El ferrocarril todavía no ha llegado a estas tierras yermas, apenas si hay indios, desperados y cazarrecompensas.

Para su puesta de largo, el músico británico John Maclean (The Beta Band), hace suya la máxima minimalista y borda un estupendo western de escala reducida a situar entre el malickonismo de 'El asesinato de Jesse James...' (A. Dominik, 2007) y el humor estrambótico de los Coen. Como en 'Valor de ley' (2011), aquí también tenemos un dueto formado por un adolescente y un veterano buscavidas. En este caso, un adolescente enamorado (Kodi Smit-McPhee) y un cazarrecompensas (Michael Fassbender, que se deja ver en calzones largos), dando pie a toques de fábula romántica, de aventura iniciática y de cuento de hadas sangriento. Aunque más allá de la clásica hibridación genérica, 'Slow West' demuestra que el western nunca deja de ponerse al día, y el cine tampoco.

Se trata de un singular, emotivo, más que emocionante, sentido , más que sensible , pero sobre todo sangriento western en el vemos morir , con tranquilidad, casi a fuego lento a 17 personas. Una película bella en las formas, pero brutal en el fondo. Un amasijo de dolor y una muestra de la compleja manera que se formó un país, con una base muy violenta. Es un nuevo concepto de western alejado de su concepción clásica y mucho más cercano al concepto de San Peckinpah, por supuesto, salvando las distancia. En definitiva, una grata sorpresa y un valor a tener presente cada día más por su personalidad poliédrica y capacidad para adaptarse a todo tipo de papeles, el señor Fassbender. 


jueves, 19 de julio de 2018

La batalla desconocida


Magnífico documental realizado en 2016, pero estrenado en 2017, en concreto el 27 de octubre , aunque emitida en la 2 de TVE en enero de 2018, con guión y dirección de la gallega Paula Cons realizada por la productora Agallas Films y que cuenta con la música de Sergio Moure De Oteyza y la fotografía de Suso Bello y en el que a través de entrevistas realizadas a historiadores , geólogos y personas que trabajaron en las minas de Wolframio de Galicia, el Bierzo en León, Cáceres, Badajoz, Córdoba o Asturias nos cuentan esta historia clave en el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial y en la que se lidió una batalla entre los nazis y los aliados en territorio español. Todo por un mineral, el wolframio, que Franco permitió extraer a los nazis para su armamento. Tan importante fue está batalla que fue el único momento en que EE.UU. amenazó con invadir España por el Wolframio que vendía a los nazis. 

Lo cierto es que el wolframio o wólfram , también conocido por tungsteno, es un elemento químico de número atómico 74 que se encuentra en el grupo 6 de la tabla periódica de los elementos. Es un metal escaso en la corteza terrestre, gris acerado, muy duro y denso, tiene el punto de fusión más elevado de todos los metales y el punto de ebullición más alto de todos los elementos conocidos. Eso, a día de hoy, ha tenido sus ventajas, pues se usa en los filamentos de las lámparas incandescentes, en electrodos no consumibles de soldaduras, en resistencias eléctricas.

Pero en la década de los treinta y al hilo de la aprobación del plan cuatrienal aprobado en 1936 por Goering se le vio como el material más adecuado para hacer con ella una aleación con el acero, en la fabricación de aceros especiales. Lo que suponía ser el material ideal para la cobertura de los acorazados alemanes utilizados por los nazis durante la segunda guerra mundial: los panzer. Y tal como se nos decía en Fury!!!

En ese plan cuatrienal, el wolframio fue considerado , entre otros, un material estratégico y que estuvo entre la lista de productos más codiciados desde la Segunda Guerra Mundial. Desde la Segunda Guerra Mundial se usó para blindar la punta de los proyectiles anti-tanque, como en la munición AP, y en la coraza de los blindados. Ante de eso, los habitantes de las zonas rurales de Galicia lo utilizaban para «levantar muretes entre las huertas, no valía nada para ellos» declaró su directora.

La adquisición de Wolframio se convirtió en un elemento vital e indispensable para la Alemania nazi, que encontró en la casualidad cuando en julio de 1936 Franco da su golpe de Estado fallido. Las causalidades hicieron que en oscuro empresario instalado en el Norte de Marruecos , en Tetuan, Johannes Bernhardt, se presentara ante Franco y le ofreciera una entrevista con Adolf Hitler, que , en principio no estaba interesado en lo que ocurriera en España. 

Sin embargo, la relación de este empresario, nazi, con algunos jerarcas nazis, en concreto con el hermano de Rudolph Hess, permitió que en julio de 1936 , en concreto el 24 de julio, Bernhardt y Adolf Langenheim,el dirigente del Partido nazi en el Marruecos español, aterrizaran en Berlín. Rudolf Hess, secretario de Adolf Hitler, organizó una reunión con el Führer que se produciría al día siguiente durante el Festival de Bayreuth, después de una actuación de la ópera Sigfrido, de Richard Wagner. En la noche del 25 al 26 de julio, en Bayreuth, tuvo lugar la conversación de Hitler con Langenheim y Bernhardt, y en la que se tomó la decisión fundamental de apoyar al bando sublevado en el conflicto español, para lo que se inició la Unternehmen Feuerzauber (Operación Fuego Mágico).​ Estaban involucrados en la decisión el Ministro del Aire, Göring, y el Ministro de la Guerra, Von Blomberg, que también se encontraban presentes en Bayreuth. La decisión de Hitler también reforzó la actitud de Mussolini, quien resolvió comprometerse con los sublevados. Esto, como vemos, acabará por involucrar a los alemanes en la Guerra Civil española a través de la Legión Condor y su Puente Aéreo de las tropas del Norte de África con Sevilla. La Sociedad Hispano-Marroquí de Transportes SL ( o HISMA).

Los fundadores fueron por parte española Fernando de Carranza, antiguo oficial de marina retirado, y el empresario alemán Johannes Bernhardt. El capital social inicial quedó fijado en 200.000 pesetas aportadas en metálico y según se fijó entonces, la existencia de la sociedad fijada en dos años, contando a partir del 1 de abril de 1936. En octubre de 1936 se fundó la Rohstoff-Waren-Kompensation Handelsgesellschaft (ROWAK) como contraparte alemana de la HISMA, con la misión de organizar los envíos comerciales españoles y actuar como «empresa-receptora».En colaboración con la HISMA, ROWAK - fueron ambas empresas quienes desde entonces monopolizaron los intercambios comerciales y transporte de suministros bélicos entre Alemania y los sublevados- debía de ocuparse de asegurar las máximas cantidades posibles de materias primas y alimentos procedentes de la España «nacional» que fueran de importancia vital para Alemania.

No obstante, el dúo HISMA-ROWAK iba a sufrir un nuevo cambio: En 1937, tras la confirmación del acuerdo económico bilateral entre Alemania y España, ambas empresas terminaron integrándose en la Sociedad Financiera Industrial (SOFINDUS), un consorcio destinado a monopolizar el abastecimiento de materias primas y otros productos que la industria alemana, en ciernes de la Segunda Guerra Mundial, necesitaba para su producción.

El nuevo conglomerado empresarial que constituyó Sofindus prolongaría su actividad una vez terminado el conflicto en España y comenzada la Segunda Guerra Mundial, cuando siguió manteniendo una gran actividad. Bernhardt siguió a la cabeza de todo el conglomerado de empresas, continuando con el suministro de materias primas a Alemania. La contraprestación española a la ayuda militar alemana se dio, fundamentalmente, como se articulaba en la entrevista en Hendaya en forma de materias primas y de alimentos.

La HISMA y ROWAK aseguraron el envío de material de hierro, azufre y cobre, plomo y aceites, pieles y cueros, lana y productos agrícolas como naranjas o limones. Sofindus, en noviembre de 1938, que llegó a contar con delegaciones en ocho ciudades españoles y una plantilla de 260 empleados. Tenía, además, numerosas filiales —transportes, minería, maquinaria, cueros, vino o frutas— y desarrollaba sus actividades en diversos ámbitos. El intercambio de material bélico y otros por materias primas y alimentos en base al sistema de compensación satisfacía a los militares sublevados por la escasez de divisas llevó, sin embargo, a una deformación del comercio exterior español. Cuando acabó la guerra civil, Alemania era el primer socio comercial de España. 

El documental comienza con una serie de frases pronunciadas en esta guerra silenciosa por los responsables de los tres países principales involucrados en esta guerra desconocida en España: los embajadores de Alemania , Gran Bretaña y Estados Unidos. Es decir, Hans Heinrich Dieckhoff, quien declaró "Para nosotros el wolframio es como la sangre para el hombre" , el británico Samuel Hoare "El wolfram saldrá en mi Epitafio" y Carlton H J Hayes quien declara "No he oído hablar del wolframio hasta que llegué a España. Todos en la embajada soñábamos con él durante la noche". 

El wolframio llegada a Alemania y  lo adquiría, evidentemente,  a través de la España franquista. El suministro de Wolframio a los nazis llegó a ser tan importante que provocó una seria crisis diplomática con las potencias aliadas, dado que era elemental para la maquinaria de guerra alemana.  Un grupo de historiadores , pero también investigadores de la ETSIME, de la Universidad Politécnica de Madrid, relatan como el Wolframio se convertirá en una hispana fiebre del oro negro. Se nos informa de como alrededor de 20.000 personas trabajaron en las minas –oficialmente— y con toda seguridad muchas más lo hicieron de forma clandestina. No eran pocos los que acechaban las excavaciones custodiadas por la Guardia Civil y el Ejército español con la complicidad de la madrugada, y es que en aquellos tiempos de pobreza el estraperlo formaba parte de la cotidianidad de pueblos como el gallego. De ellos hubo miles de prisioneros del bando republicano que eran hacinados en barracones adyacentes a las excavaciones y obligados a dejarse la piel, literalmente, sin descanso y en condiciones infrahumanas. A algunos de aquellos presos se les había conmutado la pena de muerte a cambio de convertirse en mano de obra para los nazis. Entre 1942 y 1944, el precio del metal se multiplicó por cuatro cada año, intensificándose con ello los trabajos de extracción e incrementando su valor de venta por las tasas que el régimen aprovechó para imponer sobre su exportación. 

Papel fundamental en la misma lo juega la Sociedad Hispano-Marroquí de Transportes (en alemán: Hispano-Marokkanische Transport-Aktiengesellschaft, HISMA) , la empresa fantasma constituida el 31 de julio de 1936 en Tetuán al comienzo de la Guerra Civil Española.En un principio que se pretendía era conceder una apariencia de privacidad a sus actividades, aunque a medida que avanzó la guerra sus actividades se realizaran de forma abierta. En el reportaje se nos informa que había dos mercados , uno legal, controlado por el Gobierno Franquista y otro , ilegal, compuesto por personas que estraperlaban en producto vía Portugal. La primera es el resultado de que HISMA se integrara en la Sociedad Financiera Industrial (SOFINDUS), consorcio de empresas alemanas que acabaría monopolizando el comercio exterior español. La HISMA-Sofindus continuó con sus actividades tras estallar Segunda Guerra Mundial, canalizando el suministro de materiales hasta el fin de la contienda mundial. 

Corría el mes de enero de 1944, los Aliados, dispuestos a poner fin a la ocupación nazi de Europa, buscan la manera de debilitar a las tropas de Hitler, que desde el inicio de la contienda endurecen sus armas con un mineral extraído directamente de las cuencas del norte de España, el wolframio. Exactamente seis meses antes de poner en marcha lo que el mundo conoce ahora como «el día D», el desembarco en Normandía el 6 de junio de 1944, los líderes aliados mandan un ultimátum a Francisco Franco: o deja de vender wolframio a los nazis o a partir de entonces sería considerado un enemigo de guerra más. Todo acceso al Wolframio quedó en nada en el momento en que Francia fue recuperada para la causa aliada.

Eso sí, Bernhardt mantuvo unas estrechas relaciones con Francisco Franco,​ quien le hizo un regalo personal de 1,4 millones de pesetas una vez acabó la guerra civil. Tras el final de la guerra mundial el dictador español le protegió frente a las presiones de los Aliados e incluso le acabaría concediendo la nacionalidad española, en 1946.

Bernhardt sería uno de los 104 agentes nazis reclamados por el Consejo de Control Aliado a la España franquista, en 1947, si bien no fue deportado. Durante los años de posguerra Bernhardt residió en Denia, pasando desapercibido. En 1953 se trasladó hacia Sudamérica, instalándose en Argentina, donde siguió manteniendo diversos negocios. Eso sí, falleció en Múnich en 1980.

A destacar en el reportaje el papel de la diplomacia española con respecto a Alemania con sus dos corrientes. La que representaba el General Gómez-Jordana, ministro de Asuntos Exteriores, en octubre de 1942 que desde el primer momento, b dedicó sus esfuerzos a lograr un acercamiento a las potencias aliadas —especialmente Gran Bretaña y los Estados Unidos—, en un contexto en que la evolución de la contienda empezaba a inclinarse en contra de la Alemania nazi y sus aliados cumpliendo con el famoso dicho: neutralidad, no beligerancia , neutralidad; y el ministro Canceller, falangista , y Ministro de la Comisión de Industria y Comercio, ministerio que ocupó entre 1940-1945. Como señala el historiador económico Josep Fontana, “ninguno de los negocios, empresas, industrias, comercios, permisos de importación, de explotación, negocios bancarios, establecimientos de industrias o su ampliación, o de comercio, ni una sola actividad industrial, comercial o de la banca españolas, puede realizarse sin contar con el beneplácito de don Demetrio Carceller”, por cuyas manos pasaron “miles y miles de millones de pesetas”, pero no sin dejar “peaje”.

La directora Paula Cons declaró en una entrevista a EFE «Si llega a ser por el presidente estadounidense Franklin D. Rossevelt, las tropas aliadas habrían invadido España»,y añade que "fue gracias a la postura más «moderada» del primer ministro británico, Wiston Churchill, lo que impidió que el régimen de Franco fuese considerado un enemigo más en la Segunda Guerra Mundial y que la disputa finalizara con el cierre de las exportaciones del mineral". Los nazis quienes, obligados a buscar otras explotaciones debido al cierre de los mercados chinos, destaparon en las cuencas mineras del norte peninsular una verdadera «fiebre del wolframio».

El dinero llegaba rápido, entre las historias que aún perviven en estas zonas aisladas gallegas y recogidas en el documental está la de «aquel señorino que se prendía los cigarros con billetes de mil pesetas» o «las colas que montaban los lugareños para acceder a los hórreos llenos de prostitutas». Roosevelt empezó a presionar al gobierno franquista, lo que alcanzó su punto álgido con el embargo de productos petrolíferos estadounidenses a España. El dictador, consciente de la gravedad de la situación, terminó por bloquear la salida del metal hacia tierras germanas.

La directora de La Batalla Desconocida se metió en el tema tras pasar “interminables tardes buceando entre los papeles de los historiadores que aparecen en el documental y que han sido muy generosos”, Por su parte, la directora asegura que históricamente se ha aceptado que España mantuvo una «neutralidad» en la contienda, cuando es más «apropiado» hablar de «no beligerancia», aunque ese término puede quedar hasta «desfasado», pues sucesos como esta venta activa de materias primas para la guerra a los nazis evidencia que la implicación de España fue «mayor de la que hasta ahora sabíamos».

Pero el dinero que «llegó rápido... rápido se fue» y con esta «Batalla desconocida», Cons ha tratado de mostrar que «no todo sucedió tal y como nos han contado». Su directora denomina “la gran historia a contar en Galicia”, qué afirmó que, “a pesar de este documental, aún es un tema totalmente tabú”. «La batalla desconocida», proyectada en octubre de 2017 en la sección Doc España de la a 62 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). En suma un documental interesantísimo.




martes, 17 de julio de 2018

Badlands


Hace un par de años fui a las Bárdenas Reales en Navarra expresamente. Mi intención era ver uno de los mejores ejemplos de las "Malas Tierras" o Badlands, que descubrí con sorpresa en la película de Alfonso Ungría, titulada La conquista de Albania del año 1983. Me sorprendió que una imagen casi irreal entre dos de los protagonistas de la película se desarrolla en un paisaje que en un  momento dado de mi vida estudié, con más o menos detenimiento,  en el magnífico libro de Arthur Newell Strahler , vamos el Strahler, titulado Geografía Física , la grandiosa y necesaria obra escrita por este geógrafo fallecido en 2002, y nacido en la India , pero que fue profesor en la Universidad de Columbia. 

En esta magna obra se nos decía que los badlands o tierras baldías eran áreas cortadas por barrancos profundos y estrechos de erosión, especialmente el agua y el viento, en áreas áridas. El término «badlands» procede del pueblo Lakota que llamó a la topografía mako sica, literalmente «malas tierras», y los cazadores franceses les mauvaises terres à traverser, «las tierras malas para cruzar». El paisaje se caracteriza por sus cuestas empinadas, tierra suelta, abundancia de arcilla, hecho que impide viajar cómodamente por él. 

Yo sabía que en España este tipo de tierras existen, no sólo en Navarra, sino también en Granada, Almería, Murcia , Alicante, o Los Monegros en Aragón pero el espacio de badlands por antonomasia se encuentran entre los dos Dakotas, el parque nacional Theodore Roosevelt en Dakota del Norte y el parque nacional Badlands en Dakota del Sur pero en extensible a otras áreas circunantes de Estados Unidos ( Nebraska) o Canadá ( Alberta). 

Pues bien , lo que sí desconocía era la relación existente entre los Badlands y la película de Terrence Malick. Un director que conocí cuando presentó The Thin Red Line o La delgada linea roja , película de 1998. 

Lo cierto es que fue al cine para ver esta diferente película bélica y me impresionó. Antes de ir a verla leí bastantes cosas sobre él. Como tras irrumpir de forma espectacular en el cine hasta ser considerado como parte estelar de la ola cinematográfica de New Hollywood con la película Badlands en 1973, y continuar con obras sensibles y singulares como la ya analizada Days of Heaven (1978), presentándose como uno de los directores clave de los setenta; y , sin embargo, en los ochenta quedó en silencio - a pesar de estar implicado en algún proyecto como Q, pero tras esto se esfumó a Francia y llegó el olvido. 

Y aunque Q nunca se hizo, el trabajo de Malick para el proyecto proporcionó material para su película posterior The Tree of Life (El árbol de la vida) y la base de Voyage of Time . 

Únicamente dio la cara con The Thin Red Line , casi veinte años después. Tras esto hubo otras que no he visto, aunque alguna está en cartera como The New World , El árbol de la vida o The Tree of Life estrenada en 2011. 

La sexta película de Malick, ya afincado en la texana Austin, fue To the Wonder (2013), Lawless (ahora titulado Song to Song ) y Knight of Cups estrenadas en 2015 y 2017, Viaje del tiempo (2016) y Radegund (2018).

De cualquier manera y volviendo a Badlands (Malas tierras en español) decir que es una película de 1973 escrita y dirigida por Terrence Malick. 

Badlands es obra escrita, producida  y dirigida por Terrence Malick. Para la historia ficticia, el director parte de una historia real, pues se inspira libremente en el asesinato en la vida real de Charles Starkweather y su novia, Caril Ann Fugate , en 1958, aunque esa base no fue reconocida cuando se estrenó la película. Reconozco que la fuga hacia delante que se nos narra en la misma me ha remitido en muchos momentos a la eterna Bonnie & Clyde, la grandiosa y ya mítica película de Arthur Penn. 

Cuando Malick dirige su primer largometraje, en su currículum hay un corto pero provechoso recorrido. Además del cortometraje Lanton Mills (1969), y de su colaboración no acreditada en Harry el sucio (Dirty Harry; Don Siegel. 1971) y Drive, He said (1971), la primera película dirigida por Jack Nicholson— , había desarrollado tres guiones , el de Los indeseables (Pocket Money), película dirigida por Stuart Rosenberg en 1972, el de Deadhead Miles (1972), de Vernon Zimmerman eso sí, bajo el pseudónimo de David Whitney, y el de The Gravy Train (1974), película dirigida por Jack Starrett 

En este caso el director se ofreció para la dirección, el guión y para la producción en caso junto a Edward R. Pressman contando para ello con el apoyo de la Warner Bros. Pictures a las que se unieron  Badlands Company ,  Jill Jakes Production ,  Pressman-Williams con la distribución, evidentemente, de la "major", la Warner Bros. La película contó con un presupuesto en dólares que osciló entre los  300.000 y 500,000. 
Para la música el director contó con la obra de Carl Orff , a la que se une la música seleccionada por George Tipton , buenísima destacando entre ellas la canción de Nat King Cole y una canción de James Taylor titulado "Migration") 

Como suele ser -ahora muy visible pero sobre todo en Dias de cielo, papel esencial juega la fotografía contando en ella con la labor de  Tak Fujimoto , Steven Larner  y Brian Probyn , así como el montaje de Robert Estrin.

El reparto lo encabezan Martin Sheencomo  Kit Carruthers,  Sissy Spacek como Holly Sargis. y Warren Oates como el Padre de Holly. 

A ellos se suman Ramon Bieri como Cato,  Alan Vint como uno de los policías, Gary Littlejohn como el  Sheriff. Igualmente sale John Carter como el hombre rico, Bryan Montgomery como el Chico, Charley Fitzpatrick como el encargado de servicio de desempleo que entrevista a Kit. Sin acreditar aparecen Terrence Malick como el Hombre en la puerta , Charlie Sheen como un chico al igual que su hermano  Emilio Estevez.

La película comienza en Sargis es una adolescente que vive en una ciudad sin salida llamada Fort Dupree, Dakota del Sur, en 1959. Una voz en off correspondiente a Holly nos narra como llegó hasta allí desde Texas una vez que su padre se quedó viudo, evidentemente,  al morir la madre.

Desde entonces ella vive aislada en casa o en el Colegio, bajo la supervisión de su padre y acompañada con un perro.

Un día aparece por la casa un joven rebelde Kit Carruthers (Martin Sheen) al que conocemos minutos antes. Un chico despreocupado que trabaja como basurero en una empresa local y que juguetea con lo que encuentra junto con su compañero Cato (Ramón Bieri). Vemos que su labor en nada profesional, mientras coge la basura. En el primer plano en que por fin le vemos el rostro sea tocando el cadáver de un perro muerto con el que juguetea.  Kit lleva el pelo a lo James Dean, e intenta imitar sus gestos. También calza unas exageradas botas de cowboy. 

Al terminar su trabajo, cuando dice estar cansado, conoce a Holly Sargis (Sissy Spacek),  una joven de 15 años y que hemos conocido gracias a la voz en off está presente en el primer plano de la primera escena. 

Holly , una niña desconocedora de la vida, que  juega con su perro y que parece ajena a cualquier recuerdo, nos ha explicado previamente que su madre murió de neumonía cuando ella era una niña, y que su padre guardó la tarta nupcial congelada durante diez años. 

Cuando Kit deja el trabajo y marcha hacia su casa se topa con Holly y comienza a flirtear con la chica. El le pregunta su edad, tiene 15, mientras que él tiene 25 años, , pero la convence para pasear juntos . Ella lo hace con algunas dudas y cuando el chico habla que trabaja recogiendo basuras ella le dice que su padre se opondrá a que salga con un chico sin futuro.

Al día siguiente,  Kit es despedido de su trabajo de basurero, y tendrá que aceptar cualquier cosa, como trabajar de peón en la ganadería. Tras esto se persona en la casa y Kit le dice que su trabajo ya no es un impedimento, ya que  miente a Holly y le asegura que lo ha dejado - y que está pensando en trabajar de vaquero. Así que salen otras vez y se convierten en pareja a espaldas de su padre (Warren Oates), al que vemos trabajando con pintor de carteles.

Los tres por el momento son tres pobres diablos, realmente no por ser diablos sino por ser pobres. Kit y Holly forman una pareja de desplazados, de jóvenes sin amigos, de introvertidos y desorientados, que es lo único que les une, pero que produce una poderosa unión. Kit, presenta  tendencias violentas y antisociales que comienzan a revelarse lentamente.

En el largo plano del paseo que realizan por el pueblo, parecen dos extraterrestres en medio de la sociedad. En sus largos paseos hablan de banalidades. Kit intenta hacerse el interesante y Holly parece aburrida o distante. De hecho  Holly asegura que no tiene mucha personalidad, y que le sorprende que la elija a ella porque Kit  Carruthers podría haber elegido a cualquiera, especialmente por su enorme parecido con el rebelde sin causa por antonomasia, James Dean. Kit es un joven y problemático engrasador , que se parece a James Dean , un actor que Holly admira. Kit es encantador ante Holly, y ella lentamente se enamora de él.

Además,  Kit alberga un deseo indómito de quedar para la posteridad, y Holly posee una verborrea incontenible… que sólo tiene su reflejo en la voz en off que insistentemente acompaña las imágenes. Pasean junto a un río turbio y un día, junto a ese río,  hacen el amor. Kit y Holly no le dan demasiada importancia. Ella no parece entusiasmada, y él procura no prestar demasiada atención. Eso sí, quiere dejar el momento para la posteridad con una piedra. Para los dos es un mero trámite. Ella pregunta si debería haber sentido algo más, y Kit le dice que ya está, que eso es lo que es y punto.

Poco después hay un encuentro entre Kit y el padre de Holly. El padre de Holly (Warren Oates) pinta carteles publicitarios que otorgan luz y color paisajes áridos y monocromáticos, y con su brocha pinta de verde la hierba que ya es verde, se niega a aceptar la relación. Como respuesta decide matar al perro de Holly ante las mentiras de su hija y ante la mirada de su hija. Después lo arroja al agua.

Por su parte su hija Holly, como muestra de su falta de conciencia,  tira a su pez moribundo a la tierra, al verlo enfermo.

Un día, ante la oposición del padre Kit se persona en la casa de Holly. En ese momento está vacía , así que decide entrar. Sube a la habitación de la chica y empieza a hacer su maleta. En ese momento llega padre e hija. El padre le ordena que salga de la casa. Pero la respuesta de Kit es sacar una pistola y apuntar al padre que se queda paralizado. Poco después el chico amenaza con matarlo, el padre intenta huir y Kit le dispara en el estómago,  sin pensar, sin cuestionar.

Holla, impertérrita  mira la escena. No parece sufrir ni por el padre y , simplemente, la hija tiene, como única reacción, una bofetada a su amante. Pero sin reprimenda u odio, únicamente porque no sabe qué hacer. Tras eso se pone a las órdenes de Kit que planea meter fuego a la casa , dejar una nota que diga que ellos se han suicidado tras el enfrentarse con el padre. El objetivo de la misma es ganar tiempo en la huída mientras investigan los policías. La pareja ha simulado suicidarse incendiando la casa y yendo juntos a las tierras baldías, las badlands de Montana .

Después, ambos cogen el coche y huyen a un bosque . Allí viven de lo que la naturaleza le ofrece y roban algunas gallinas.  Kit y Holly construyen una cabaña en un árbol en un área remota y viven felices por un tiempo, pescando y robando pollos para comer, pero un día, casualmente son descubiertos por un cazarrecompensas que va buscando a los fugados.

Kit y Holly ya habían preparado un plan de contención frente a estas circunstancias y le preparan una emboscada que concluye con la muerte de los tres cazarrecompensas y la pareja huye.

Tras eso buscan refugio en la cabaña de Cato, el amigo de Kit que conocimos en su trabajo de basurero. Este le invita a quedarse en la casa y les da de comer, pero , después, Cato intenta engañarlos y buscar ayuda, por lo que Kit lo mata; también dispara a una pareja adolescente que llega a visitar a Cato poco después y a los que había encerrado en un almacén subterráneo.

Kit y Holly prosiguen su huída hacia el oeste. Intentan ser cazados en todo el Medio Oeste por la policía pues ya se ha detectado que van armados y son peligrosos.

En su desplazamiento se detienen en la mansión de un hombre rico y toman provisiones, ropa y su Cadillac , pero perdonan las vidas del hombre y su criada.

Cuando los fugitivos se dirigen desde  Montana a Saskatchewan en el Canadá, la policía los encuentra y los persigue por carretera y en helicóptero.  Kit da cuenta de algunos de ellos.

Holly, que está cansada de la vida huyendo y de su relación con Kit, se niega a seguir con él y se entrega.

Por su parte, Kit, tras parar en una gasolinera atrae a la policía que lo persigue en sus coches. Son varios los que van detrás, pero , mientras que algunos caen otros continúan una persecusión por caminos polvorientos.

Pero en un momento dado Kit se para y poco después es atrapado. Se deja detener y se muestra encantador con la policía. Disfruta de la atención que recibe de la policía y los periodistas. La multitud se relaciona con Kit mientras está sentado bajo su custodia, haciéndole preguntas y bromeando. Su objetivo de notoriedad pública está conseguido.

Luego se nos informa que Kit fue ejecutado por sus crímenes, mientras que Holly recibió la  libertad condicional y se casó con el hijo de su abogado defensor , acabando así la película.  

Terrence Malick, un protegido de Arthur Penn (a quien agradeció en los créditos finales de la película), comenzó a trabajar en Badlands después de su segundo año asistiendo al American Film Institute . De hecho parece recibir del ya consolidado director y autor de Bonnie & Clyde algunas referencias tanto en el tema de los fugitivo y de la huída de la pobreza y de una vida mediacre como en el uso de la violencia.Aun que anteriormente había trabajado como guionista en Los indeseables (1972), decidió dirigir su propios guiones después de que la Paramount hiciera un lío completo con su guión Deadhead Miles (1973), transformándolo en una película tan mala que ni siquiera pudo ser lanzada.  

Parece que Malick se inspiró en la dramatización del asesinato de Charles Starkweather y su compañera de desventuras Caril Ann Fugate , su novia de 14 años, en la década de 1950, en que una chica adolescente y su novio de unos veintitantos asesinó a toda su familia y a varios otros en las tierras baldías de Dakota dejando once muertos en su huida por tierras de Nebraska y Wyoming, tres de esos muertos eran la madre, la hermana y el padrastro de Fugate. Años más tarde Oliver Stone y Quentin Tarantino elaboraron un guión , el de Natural Born Killers o Asesinos Natos.

Supongo que con esta historia en mente en 1970, Malick, a los 27 años, comenzó a trabajar en el guión durante un viaje por carretera. "Escribí y, al mismo tiempo, desarrollé una especie de kit de ventas con diapositivas y videos de actores, todo con el objetivo de presentar a los inversores algo que pareciera estar listo para filmar", dijo Malick. Con su hermano, Chris, Malick logró recaudar $ 300,000 para Malas tierras (1973) , los costos de pre-producción. "El dinero adicional fue recaudado por el productor independiente Edward R. Pressman y por amigos personales como el ex jefe de Xerox Max Palevsky ", según señaló Jeff Stafford en un artículo para la Turner Classics Movies . "Para mi sorpresa, no le prestaron demasiada atención, invirtieron en la fe. Puse la mitad del dinero y el productor ejecutivo Edward Pressman en la otra mitad".  Malick invirtió $ 25,000 de sus propios fondos. El resto de su participación se recaudó de profesionales como médicos y dentistas. 

De las dos estrellas principales de la película, la actriz Sissy Spacek, que es ese momento tenía 22 años fue elegida para interpretar a la chica de 15 años, antes de que el actor Martin Sheen que compitió con Don Johnson en la audición . Eso sí, a Martin Sheen, con 32 años, se le consideraba demasiado viejo para el personaje que retrataría que tendría 25 años . Con todo, Sheen considera que es su mejor película. La fotografía principal tuvo lugar en el verano de 1972, comenzando en julio, con un equipo no sindicalizado y un bajo presupuesto de $ 300,000 (excluyendo algunos aplazamientos a los laboratorios de cine y actores). El rodaje terminó en octubre.

La película tenía un historial de producción algo problemático; varios miembros del equipo se enfrentaron con Malick, y otro resultó gravemente herido cuando ocurrió una explosión durante el rodaje de la escena del incendio. Un ejemplo del primer caso fue el hecho de que la película fue editada por Robert Estrin. Sin embargo, cuando Malick vio el corte de la película de Estrin, no le gustó y eliminó a Estrin de la producción. El propio Malick y Billy Weber volvieron a cortar la película. Estrin sigue siendo acreditado como el único editor, sin embargo, con Weber acreditado como editor asociado.  Tanto Weber como el diseñador de arte Jack Fisk trabajaron en todas las películas posteriores de Malick hasta 2016 ( The Tree of Life , To the Wonder , Knight of Cups ).

A pesar de que la película habla de Dakota del Sur , Montana y la región canadiense fornteriza con este último Estado con badlands lo cierto es que se rodó en Colorado, bastante al sur. El rodaje duró 16 semanas lo que obligó a cambiar el diseño artístico con referencia a las estaciones. El director de arte Jack Fisk se encontró pegando hojas a los árboles y pintándolas de verde. Se rodó en concreto en la localidades de Rocky Ford, , en Trinidad - en la llamada Bloom Mansion en el 312 E Main Street, en La Junta, Las Animas, Otero County y Delhi, así como en Pueblo , en concreto en Rosemont Museum n el 419 West 14th Street.

La Casa Frank G. Bloom en Trinidad, Colorado fue utilizada para la casa del hombre rico, donde Kit y Holly roban el Cadillac que manejan hasta que son atrapados.

El comienzo del guión se filmó principalmente en el pueblo de Las Ánimas, en el sureste de Colorado., en el condado de Bent. La escena en la que Holly estaba quedando sin escuela fue filmada en Columbian Elementary School .

Aunque Malick prestó mucha atención a los detalles del período, no quería que abrumara la imagen. "Traté de mantener la década de 1950 al mínimo", dijo. "La nostalgia es una sensación poderosa, puede ahogar cualquier cosa. Quería que la imagen se configurara como un cuento de hadas, fuera del tiempo".

Malick, en una conferencia de prensa coincidiendo con el debut del festival en la película, dijo que  Kit era "tan insensible que [puede] considerar el arma con la que dispara a las personas como una especie de varita mágica que elimina pequeñas molestias".  Malick también señaló que "Kit y Holly incluso piensan que viven en un cuento de hadas", y sintió que era muy apropiado como "libros para niños como Treasure Island" a menudo estaban llenos de violencia ". También esperaba que un tono de" cuento de hadas "" le quitara un poco de nitidez a la violencia pero aún así mantuviera su calidad soñadora ". El propio Malick declaró que "Enseguida te das cuenta de si un comentario en off engaña al espectador, cuando comunica informaciones que tienen que ser presentadas de otra forma. Pero, cuando el texto no tiene una relación directa con la acción, como es el caso de Malas Tierras, me parece que funciona mejor…".

No fue una película fácil. En el artículo "Ausencia de Malick" escrito por David Handelman y publicado en el California Magazinese describe qque Terrence Malick filmó esta película e¡con ciertas dificultades de todo tipo, ecoómicas, profesionales, logísticaa, etc... Se rodó en el "... en el este de Colorado entre agosto y octubre de 1972. Él, según los informes, no les dio a los inversores ninguna garantía de finalización o distribución, no se pagaba a sí mismo y sus actores y tripulación no recibirían gran cosa. El mismo propio Malick y algunos asistentes terminaron actuando en la película. Como director y productor, Malick se encontró de repente lidiando con los costos del seguro, el mantenimiento del automóvil, sindicalizaciones, terratenientes armados con una escopeta y un equipo amotinado. Su primer director de fotografía, Brian Probyn, no fotografió lo que Malick quería, alegando que las escenas no se cortarían juntas. El asistente de Probyn, Tak Fujimoto, se hizo cargo, pero también se fue en este caso quemado en la secuencia de fuego de la película. Cuando un hombre de efectos especiales sufrió quemaduras graves, Malick, incapaz de permitirse un helicóptero, lo envió al hospital distante en automóvil, y muchos miembros del equipo renunciaron. Durante las últimas dos semanas de rodaje, todo el equipo estuvo compuesto por el director, la esposa del director y un estudiante de secundaria local. Luego Malick se quedó sin dinero mientras editaba y tuvo que tomar un trabajo de reescritura para terminar su película. Cuando se presentó al panel de selección del Festival de Cine de Nueva York meses después, la impresión se rompió, el sonido era turbio, la imagen estaba fuera de foco. Sin embargo, Malas tierras (1973) consiguió el prestigioso premio en la noche de clausura y atrajo a las majors. Warner pagó $ 950,000 por los derechos de distribución ".

Warner Brothers finalmente compró y distribuyó la película completa por una suma de menos de un millón de dólares.  Warners inicialmente hizo una vista previa de la película junto con la comedia de Mel Brooks "Blazing Saddles" , resultando en una respuesta muy negativa del público y forzando al equipo de producción a reservar la película en otros en lugares como Little Rock, Arkansas , convencidos de que la película podría ganar dinero.

Para la el director contó con  el uso repetido de una fotografía lírica, digamos que marca de la casa, y con partituras que se irán repitiendo a lo largo de la película. Suena , por ejemplo, la composición de Carl Orff como Die grauen Weiber , Passion, Mariae Geburt u otras interpretadas por Gunild Keetman perteneciente a los "trabajos escolares" ( Schulwerk) realizados por Orff Keetman para su Musica Poetica como Gassenhauer, Musik zu einem Puppenspiel y Xylophonstucke . Una pieza similar de Hans Zimmer titulado "You're So Cool" se usa a lo largo de la película criminal de 1993 True Romance  o Amor a quemarropa. Suena igualmente Trois Morceaux En Forme De Poire de Erik Satie, la canción "A blosson fell" de Nat King Cole, la de Love is strange de Mickey & Sylvia , asi como el tema "Migration" de James Taylor.

Por cierto hay algunos cameos, como los del propio director Malick eso sí, involuntarios, ya que el actor originalmente elegido como el arquitecto que toca la puerta del hombre rico no se presentó, por lo que Terrence Malick interpretó el papel por sí mismo. Malick más tarde quería volver a filmar la escena con otro actor, pero Martin Sheen se negó a volver a hacer la secuencia con otra persona. Igualmente aparecen los hijos de Martin Sheen, Charlie Sheen y Emilio Estevez jugando bajo una farola. Como anécdota comentar que Sissy Spacek conoció a su futuro esposo, el director de arte Jack Fisk, en el set de esta película. A partir de noviembre de 2015, han colaborado en ocho largometrajes. Badlands fue el largometraje de clausura en el Festival de Cine de Nueva York de 1973 , y según se informó "ensombreciendo incluso las Calles Malas de Martin Scorsese ". Como resultado, Warner Bros. compró derechos de distribución por tres veces su presupuesto.

En 1993, cuatro años después de que se estableciera el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos , Badlands fue seleccionada para su conservación por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

La película tuvo , finalmente, como fecha de lanzamiento 15 de octubre de 1973 . La película obtuvo algunos Premios y reconocimientos. Fue nominada a Mejor actriz revelación (Sissy Spacek) en los Premios BAFTA y fue Concha de Oro Mejor película y Mejor actor (Martin Sheen) en el Festival de San Sebastián.

En cuanto a la crítica de ella dijo Vincent Canby , que vio la película en el debut del festival, que era una "película fría, a veces brillante, siempre ferozmente estadounidense"; de acuerdo con Canby, "Sheen y  Spacek están espléndidos como los niños egoístas, crueles, posiblemente psicóticos de nuestro tiempo, al igual que los miembros del elenco de apoyo, incluido Warren Oates como el padre de Holly. Uno puede debatir legítimamente la validez de la visión de Malick, pero creo, que creo no su inmenso talento. Badlands es una película muy importante y emocionante ".

En abril de 1974, Jay Cocks escribió que la película "podría considerarse menos como una pieza de acompañamiento de Bonnie y Clyde que como una elaboración y una respuesta. En ella hay una "tiene una ironía helada, y su la violencia, en lugar de ser brutal, se ejecuta con un impulso seco y sin remordimientos ".

Según el productor ejecutivo Edward Pressman, aparte de la crítica de  Canby en New York Times , la mayoría de las críticas iniciales de la película fueron negativas, pero su reputación con los críticos mejoró con el tiempo.

David Thomson informó, por el contrario, que el trabajo fue "de común acuerdo [...] uno de los primeros largometrajes más notables hechos en Estados Unidos".

Escribiendo años más tarde para The Chicago Reader , Dave Kehr escribió: "La primera película de Malick en 1973 es una película tan rica en ideas que apenas sabe a dónde ir. Los temas trascendentes del amor y la muerte se fusionan con una sensibilidad de cultura pop y se juegan contra un fondo del medio oeste, que es impresionante tanto en su barrido como en su banalidad ".

Spacek más tarde dijo que Badlands cambió la manera en que pensaba sobre el cine. "Después de trabajar con Terry Malick, pensé: 'El artista gobierna. Nada más importa'. Mi carrera hubiera sido muy diferente si no hubiera tenido esa experiencia ".

En 2003, el fallecido actor Bill Paxton dijo: "Tenía un lirismo que las películas tienen de vez en cuando, momentos de una naturaleza trascendental ... Has visto este tipo de momentos en otras películas, son realmente difíciles de lograr, y por lo general vienen como una pretensión. [Malick] sabía cómo ubicar a sus personajes contra el paisaje. Esta es una maravillosa secuencia en la que la pareja se ha separado de la civilización. Saben que la soga se está cerrando y se han salido del camino, cruzando las tierras baldías . Se oye a Sissy narrar varias historias, y ella está hablando de visitar lugares lejanos. Hay una extraña pieza de música clásica [una orquestación etérea de Erik Satie los  Trois Morceaux  ...],y un tiro de lente muy larga. Ves algo a lo lejos, creo que es un tren en movimiento, y parece una toma de una caravana árabe que se mueve por el desierto. Estos son momentos que no tienen nada que ver con la historia y, sin embargo, tienen todo que ver con ella. No están orientados a la trama, pero tienen que ver con el anhelo o los sueños de estos personajes. Y son el tipo de momentos que nunca olvidarás, un cierto tipo de lirismo que solo golpea una parte profunda de ti y al que te aferras ".

Martin Sheen comentó en 1999 que Badlands "todavía es" el mejor guión que jamás haya leído. Él escribió que "fue fascinante. Me desarmó. Era una pieza de época, y sin embargo de todos los tiempos. Era extremadamente estadounidense, atrapó el espíritu de la gente, de la cultura, de una manera que fue inmediata identificable ".

En Variety se dijo de ella que "'Malas tierras' es un cuento de hadas americano único ... y es un impresionante debut"

Para Roger Ebert del Chicago Sun-Times "No hay símbolos a tener en cuenta ni lecciones que aprender. Lo que transmite más que nada es la enorme soledad de la vida de estos dos personajes, ya sea juntos o separados (...)" Roger Ebert lo agregó a su lista de "Grandes Películas" en 2011.

Para otro crítico de Illinois, Michael Wilmington, de Chicago Tribune "Viéndola, sientes que Malick encuentra a sus amantes fuera de la ley hermosos y terribles, patéticos y monstruosos, divertidos y abrumadoramente tristes"

El británico Peter Bradshaw del The Guardian dijo de ella que era "Un trascendentalmente hermosa y clásica que no te puedes perder (...) "

Ya en España, Carlos Boyero en  El Mundo escribía que "[Junto a 'Días del cielo'] me parecen dos obras maestras, auténticamente líricas, inquietantes, insólitas."

Para  Javier Ocaña en Cinemanía "Todas las películas de parejas de niñatos asesinos que huyen se basan en ésta"

En Fotogramas se dice que es " Una de las últimas inflexiones abiertamente líricas del cine contemporáneo, en la que se rendía homenaje a Nicholas Ray en general y a "They Live by ìNight" en particular. En su día fue sobrevalorada en exceso, lo que más tarde provocaría un rechazo no menos injusto. Vista en su justa medida, el equilibrio entre virtudes y defectos refuerza su atmósfera de desencanto.

Para Pablo Kurt en filmaffinity "Con gran elegancia el director norteamericano envuelve en un tono poético un duro relato basado en hechos reales (unos jóvenes que cometen un asesinato y huyen), ayudado por unas interpretaciones excepcionales tanto de Sheen como de Spacek. Mejor película en el Festival de San Sebastián, una cinta independiente que hoy es todo un clásico sobre la América profunda".

Para Adrián Massanet en el antiguo blog de cine , ahora Espinoff "Mientras otros directores, o aspirantes a directores, o directores sólo de nombre, buscan su estilo a lo largo de una carrera, o quizá a lo largo de sus primeras películas, Terrence Malick lo consiguió a la primera. Esa es una de las hazañas de ‘Malas Tierras’ (innecesaria traducción literal de ‘Badlands’, término con el que se nombra a grandes extensiones áridas, de terreno volcánico erosionado por los vientos), que apareció en la segunda mitad de 1973, previa presentación por aclamación en el Festival de Nueva York de ese año: la de establecer una personalidad". Y añade" ‘Malas Tierras’ es muchas cosas, pero primeramente es una confesión de un par de chiquillos inocentes pero asesinos, o asesinos pero inocentes.

Para finalizar en Miradas de cine, José Francisco Montero comenta que "A Malick apenas le interesan los elementos iconográficos o el contexto social, cultural y político propios de la época en que se desarrolla la historia: además de alguna canción y algún detalle más, en los diálogos tan solo aparecen algunas referencias a la guerra fría, al conflicto de Corea o a las estrellas cinematográficas de esos años. A pesar, también, de narrar (muy oblicuamente, es cierto) el proceso de fascinación por una determinada mitología cinematográfica, Terrence Malick se aparta radicalmente del cine que intenta (infructuosamente) restituir a partir de la cinefilia un clasicismo olvidado y una específica tradición genérica, distanciándose Malick sabiamente, en este sentido, de los protagonistas de la película. Acogida a los parámetros de la road movie, pero sin someterse a sus convenciones, Malas tierras narra dos recorridos vitales (los de sus dos protagonistas), prácticamente inversos y de ahí que su trayecto conjunto sea, paradójicamente y al contrario que el de tantos filmes similares, un recorrido que progresivamente los distancia. 

Para Holly se trata ante todo de la habitual historia iniciática, la del paso de la infancia a la edad adulta, de los sueños al despertar de la realidad, el progresivo desvelamiento de un cuento de hadas construido a ritmo de violencia y muerte. El director muestra este itinerario seguido por Holly con su habitual capacidad para la sugerencia: véase el bello plano en que ésta mira por la ventana de su casa a los niños sentados en la acera, consciente tras la muerte del padre que la infancia queda definitivamente atrás. Malas tierras es (al menos para su protagonista femenina), como en el resto de la filmografía de Terrence Malick, aunque de forma menos explícita, la narración de la pérdida de la inocencia, la historia del vano deseo de recuperar el Paraíso Perdido. La chica es, no obstante, un personaje más misterioso que Kit: nunca conoceremos sus verdaderas motivaciones, a no ser el afán de vivir una aventura por delegación (o como una observadora privilegiada) en la persona de Kit. Es el de Holly probablemente uno de los personajes más opacos de la carrera de Terrence Malick, y no atenúa en absoluto esta sensación el hecho de que el filme esté narrado por la voz en off de este personaje: pocas veces este recurso narrativo ha sido menos explicativo, menos redundante; una voz en off interiorizada, más cerca del monólogo interior que de la funcionalidad narrativa. 

Por el contrario, Kit no despertará en ningún momento de su sueño, la conducta que manifiesta, al contrario, parece ir infantilizándose conforme avanza el filme; de hecho, su detención parece ser para él su definitiva y tan ansiada entrada en el territorio de la leyenda. 

La evolución dramática de este personaje está muy vinculada con los condicionamientos socioeconómicos: Kit pertenece a uno de los oficios de más baja consideración en la sociedad, de hecho encargado de sus residuos, el de basurero (atiéndase a cómo siente la necesidad de justificarse ante Holly por su trabajo, señalando que no le importa madrugar), trabajo del que incluso será despedido. El abrupto trayecto de Kit no deja de ser el que él considera un ascenso social y su detención la última y necesaria etapa de ese ascenso: cuando habla por primera vez con el padre de Holly, obteniendo solo su desprecio, Kit ocupa una posición inferior en el plano respecto a él (éste está subido en una pequeña plataforma pintando un cartel); posteriormente, poco antes de matarle, momento inaugural del ascenso social por la vía criminal de Kit, las posiciones se han invertido: ahora es él quien está en la parte superior de las escaleras y el padre en la inferior. Es significativa, también, la imagen de Kit en la conclusión del filme subido triunfalmente al aeroplano estacionado, ofreciendo pertenencias personales a los soldados que le hacen diversas preguntas para saciar su curiosidad. Está dialéctica ascendente es recurrente en el filme: el globo que suelta Kit para perpetuar su memoria y la de Holly, el helicóptero en que son trasladados los dos jóvenes, recogido en contrapicado mientras se eleva, en la conclusión de la película,…. 

Inevitablemente, estas trayectorias opuestas acabarán por escindirse irreversiblemente. Cuando Holly se hastíe de la vida que lleva con Kit, no dudará en abandonarlo (acaso la única decisión que toma en el filme, pero al fin y al cabo una decisión en negativo, de no-acción, coherentemente al carácter extremadamente pasivo del personaje), del mismo modo que hace al principio de la película con su pez cuando enferma. Al final del filme, la distancia entre ellos es ya definitiva . 

Malick despliega un indudable talante conductista en el filme, una ausencia de cualquier tipo de psicologismo y de sentimentalismo. Contribuye enormemente a afianzar este tono deshumanizado, gélido, el hecho de que las andanzas de los protagonistas de Malas tierras están profundamente marcadas por la incomunicación, en sintonía con el temperamento muy poco explícito de la puesta en escena del cineasta. En este sentido, adquieren especial relevancia los casi siempre sencillos y muy adecuados diálogos del filme, que dicen mucho más por lo que callan que por lo que verbalizan: lo que hace terrible, por ejemplo, la escena del asesinato de Cato, el amigo de Kit, es menos el hecho mismo de la injustificada muerte del hombre que la intrascendente conversación que Holly mantiene con él poco antes de expirar, totalmente indiferente (se diría inconsciente) de lo que está pasando. 

(...)    La incomunicación predominante en Malas tierras afecta incluso a la relación que mantienen los protagonistas: tan solo al final de la película, Kit le dice a Holly que siente haber matado a su padre y que un día tendrán que hablar de ello (cosa que evidentemente no podrán hacer); Holly se sorprende de que se pueda conocer y simultáneamente desconocer a una misma persona, refiriéndose a Kit. 

En Malas tierras la mayor violencia proviene de esta incapacidad de la palabra para salvar las distancias entre los personajes, de la fragilidad del lenguaje como puente de comunicación entre ellos, como forma privilegiada de salir de su aislamiento (no es extraño que Holly diga en un determinado momento que tardaron cierto tiempo en darse cuenta de que un determinado personaje era sordomudo). Si los comportamientos de los protagonistas carecen de explicación, las palabras tampoco van a conceder el alivio de dársela. Nunca antes este tipo de personajes habían sido descritos tan cercanos al autismo, a la profunda soledad, como aquí. Soledad que impregna todo el filme: desde las calles desoladoramente vacías del principio del filme hasta los vastos y desérticos paisajes que atraviesan posteriormente los dos jóvenes. 

Primera muestra, pues, del discurso acerca de las relaciones entre la palabra y la imagen, que de forma subterránea pero extraordinariamente productiva recorre la filmografía de Terrence Malick, Malas tierras está narrada por una voz en off, correspondiente a Holly, que provoca una curiosa disgregación en el filme entre la diégesis y su verdadero motor narrativo: mientras en los sucesos que jalonan la aventura criminal de la pareja protagonista, el elemento activo es Kit, ejerciendo Holly un papel muy pasivo, rayano con la indolencia —como ya hemos apuntado—, el impulso narrativo del filme recae, sin embargo, en el relato que de esos hechos hace Holly, hasta el punto que la película parece teñida por la visión romántica y novelesca de esta adolescente de quince años. 

Esto es evidente en el momento, hacia el final de la película, en que la pareja se separa y Kit huye de la policía hasta su detención, sucesos narrados por Holly, aunque obviamente no participó en ellos, y por tanto producto de la recreación imaginativa e idealizada que ella ha hecho de ellos (hay detalles que lo evidencian: uno de los policías se sorprende del parecido de Kit con James Dean, al igual que al principio de la cinta lo había hecho Holly; o la imagen sigue las indicaciones de la voz en off de Holly: esta no cree que en la huida se pinchara la rueda del coche de Kit y la película muestra como este dispara a la misma); sin embargo, este filtro cabe sospechar que canalice no solo este fragmento sino toda la película. Si las acciones del filme pertenecen a Kit, aquel le concede la voz a Holly. 

Como pretendía Malick creó con la película "Un cuento de hadas para adultos" al margen de  la industria cinematográfica , en parte, porque sus películas están llenas de temas filosóficos y según el académico película Lloyd Michaels, otros temas como "el deseo del individuo aislado de trascendencia en medio de las instituciones sociales establecidas, la grandeza y la belleza virgen de la naturaleza, las demandas en competencia de instinto y la razón, y el atractivo de la carretera ". Malas tierras (1973) recibió un lugar en el libro de referencia de la película "1001 películas que debes ver antes de morir".

Es una película elegante es las formas, pero brutal en el fondo. Llena de imágenes bellísimas pero que supura pobreza física y mental, la de los protagonistas, envuelto en un tono que te encamina hacia el dolor dada la brutalidad existente. Los protagonistas no tienen maldad, pero es que no tienen ninguna empatía con sus víctimas, a las que , realmente, tampoco odian. Los protagonistas son encantadores por su simplicidad, su nula intención, quieren huir y huyen. Una gran película, aunque el modelo de Badlands, no la he visto en ningún momento.




Memorias de una Geisha


¡Qué trabajo me ha costado terminar de ver Memorias de una geisha (Memoirs of a Geisha)! No se que esperaba de ella , aunque sabía que era una obra literaria multipremiada allá por los inicios del milenio. 

Posiblemente es que guardo en mi memoria, pero levemente, que fue unas de las películas laureadas en los Premios de la Academia y en los Grammy, en una época en la que más veía y me interesaba el cine de animación. 

Sin embargo, el libro en el que basaba anduvo por mi casa y vi a mi mujer enfrascada en la lectura, aunque tampoco le gustó en exceso, tal y como me ha recordado hoy. Como ya he dicho, la película homónima está basada y adaptada partiendo la novela del mismo nombre, del escritor Arthur Golden, publicada en 1997. 

Narraba en la misma la historia de una geisha que trabajaba en Kioto antes de la Segunda Guerra Mundial.Tras la publicación de la novela, Arthur Golden fue denunciado por la geisha (Mineko Iwasaki), con la que había trabajado, por difamación. Según la demandante, su acuerdo suponía el anonimato total, pues existe un código de silencio cuya ruptura supone una gran ofensa. Además, Iwasaki dice que la novela de Golden retrata a las geishas como prostitutas de clase alta, cuando por ejemplo se subasta la virginidad de Sayuri al mejor postor. Iwasaki declaró que esto no sólo no le había ocurrido a ella, sino que tal costumbre no había existido jamás en Gion. Iwasaki recibió incluso amenazas de muerte y peticiones de censura por deshonrar su profesión.

En 2003, Iwasaki y Golden alcanzaron un acuerdo no judicial por una cantidad económica que se desconoce. Después, Mineko Iwasaki escribió su autobiografía, llamada Vida de una geisha (2004). 

Con la obra convertida en best seller desde su publicación Steven Spielberg entró en el asunto y se quedó como productor, pasando el proyecto de dirección a manos de Rob Marshall, un director de teatro, cine, y coreógrafo natural de Madison (Wisconsin) entre otras de Victor/Victoria , nacido en 1960 y con bastante reconocimiento. Estuvo seis veces nominado al premio Tony, entre otras por el musical Annie , una vez nominado a un premio Óscar, por su película Chicago (2002) y que se alzó con 6 estatuillas entre las que destacan "Mejor Película" y "Mejor Actriz de Reparto" para Catherine Zeta Jones. Otra vez fue nominado al Globo de Oro y ganó un premio Emmy. 

En una producción de Red Wagon Entertainment y Amblin Entertainment así como Columbia Pictures, DreamWorks Pictures y Spyglass Entertainment quedando la producción en manos de Steven Spielberg, Douglas Wick, Lucy Fisher , Roger Birnbaum y Gary Barber 

El guión para la película, modificado en parte con respecto al libro de Arthur Golden , fue escrito por Robin Swicord y Doug Wright. La música fue de John Williams, la fotografía de Dion Beebe, el montaje de Pietro Scalia y el vestuario de Colleen Atwood. 

El elenco lo interpreta Zhang Ziyi como Chiyo Sakamoto / Sayuri Nitta, Suzuka Ohgo como Chiyo Sakamoto joven, Shizuko Hoshi como la voz la narradora en su versión original), Gong Li como Hatsumomo, Samantha Futerman como Satsu Sakamoto. Mako como Mr. Sakamoto, Elizabeth Sung como Mrs. Sakamoto, Kaori Momoi como Okaasan "Madre" Mamita Nitta, Kotoko Kawamura como la abuela Nitta, Ken Watanabe como el Presidente, Kōji Yakusho como Nobu, Michelle Yeoh como Mameha, Youki Kudoh como Calabaza o Pumpkin, Zoe Weizenbaum como Calabaza de joven, Tsai Chin como Auntie, Cary-Hiroyuki Tagawa como el Baron, Kenneth Tsang como el General, Eugenia Yuan como Korin, Karl Yune como Koichi, Ted Levine como el Coronel Derricks, Paul Adelstein como el Teniente Hutchins, Randall Duk Kim como el Dr. Cangrejo y Cathy Shim.

La historia comienza en el momento en que Chiyo Sakamoto ( Suzuka Ohgo ), una joven de un pueblo pesquero asolado por la pobreza,y su hermana mayor Satsu ( Samantha Futerman ), que viven en un pueblo a las orillas del Mar Japón, Yoroido, son vendidas por su anciano padre, - su madre está muy enferma- a un intermediario llamado señor Bekku y conducidas a Gion para iniciar una vida de servidumbre. 

Nada más llegar son presentadas juntas en la entrada de una okiya (una casa para las geishas). Sólo Chiyo se queda en la casa acogida por la Sra. Kayoko Nitta ( Kaori Momoi ), la Madre (propietaria) de una casa de geishas en Gion , uno de los distritos de geishas más prominentes en Kyoto, mientras que Satsu es rechazada y derivada a un burdel de prostitución . 

Desde el principio Chiyo se hace amiga de Calabaza / Pumpkin, una muchacha de sus misma edad y que llevaba unos meses más que ella. Allí, en el okiya , Chiyo convive con Calabaza / Pumpkin ( Youki Kudoh ), con la malhumorada Granny (Kotoko Kawamura) y la única geisha que trabaja en la okiya, Hatsumono ( Gong Li ), que es famosa por su impresionante belleza. 

Chiyo pronto descubre que Hatsumono es secretamente una mujer cruel y celosa que ve a Chiyo como un potencial rival debido a sus llamativos ojos de color gris azulado, además de ser un cambio en la futura dependencia financiera de la Madre. 

Luego, Hatsumomo se desvive por deliberadamente para hacer que la nueva vida de Chiyo sea miserable al responsabilizarla por todo e intencionalmente ocultar información sobre el paradero de su hermana en el distrito de placer. 

Sin embargo, Tía Chin es consciente de esto y advierte a Chiyo que no confíe ni se enoje con Hatsumono, dada su historia con la malhadada geisha. Chiyo queda reducida al papel de sirvienta de la okiya, a causa de las maquinaciones de Hatsumomo como cuando incita a que pinte sobre el kimono de una Geisha. 

Después de varios años, Calabaza se convierte en la hermana menor de Hatsumono y debido a ello, Hatsumono le prohíbe hablar con Chiyo. Pero la razón por la cual se lo prohíbe es que argumenta que ahora Chiyo también será una geisha en un futuro. la razón principal es que presenta unos inusuales ojos, de color azul grisáceo, por lo que las opciones de Chiyo en convertirse en geisha son máximas. 

Por otro lado, Hatsumomo le dice que ha visto a su hermana pues se llegó a por ella, pero se niega a decirle dónde puede encontrarla. Le dice que lo hará a cambio de trabajar para ella. Finalmente, al descubrir que Hatsumomo tiene un amante consigue sacarle la dirección. 

Al llegar a la casa de su hermana descubre que es un burdel. Con todo su hermana le echa en cara no haber ido a por ella. De cualquier manera concreta que mañana por la noche quedarán en el puerto para retornar a casa. Chiyo y Satsu y hace planes para huir juntos. Sin embargo, al regresar a la okiya, descubre a Hatsumomo con su novio, Koichi ( Karl Yune ), lo cual va en contra de las reglas del estilo de vida de las geishas. 

Cuando los atrapan, Hatsumono intenta responsabilizar acusando a Chiyo de robar. Chiyo niega esto e informa a la Madre de lo que vio en el cobertizo. 

Como resultado, a todos se les prohíbe dejar la okiya por la noche, excepto para asistir a compromisos de trabajo, y esto aumenta aún más la ira de Hatsumono hacia Chiyo. Dada la situación, la "Madame" cierra el okiya para las chicas. 

En la noche de su fuga planeada, Chiyo intenta escabullirse. Chiyo pretende escapar por los tejados y lo hacen hasta que , desgraciadamente, caen y queda malherida. Como castigo por deshonrar a la okiya, la madre le dice a Chiyo que no invertirá más dinero en su entrenamiento de geisha. 

Por otro lado da lectura a una carta en la que se narra que Mako y Elizabeth Sung están muertos. Chiyo pierde su oportunidad de huir y nunca vuelve a ver a Satsu. También es degradada de entrenamientos de geisha a trabajar como esclava para pagar sus crecientes deudas con su madre como la generada por la atención médica lo que agrava la deuda de Chiyo con el okiya. Allí , arrinconada y sin posibilidad de ser geisha. 

Sin embargo un día todo cambia. Ese dia tiene lugar un breve encuentro sobre un puente con el próspero y benevolente señor , mientras lloraba en la orilla del río. El señor resulta ser el Presidente ( Ken Watanabe ) y va acompañado por dos geisha y descubren la belleza de Chiyo . Él le compra un helado y le da su pañuelo con algo de dinero. Inspirado por su acto de bondad, Chiyo decide convertirse en una geisha para que algún día pueda convertirse en parte de la vida del presidente. 

Ese encuentro con el Presidente (Ken Watanabe) consigue cambiar su suerte. Varios años más tarde, Pumpkin ( Youki Kudoh ) comenzó su entrenamiento como maiko bajo la tutela de Hatsumono y Chiyo ( Ziyi Zhang ) le tiene envidia ya que ella permanece como criada con su madre. 

Pero Chiyo consigue llamar la atención de la geisha con más éxito en Gion, Mameha, a la que Hatsumomo desprecia porque la supera en cada aspecto y a la que no puede vencer, porque Mameha ha obtenido su independencia como geisha, mientras que Hatsumomo aún no. 

Ella inesperadamente es tomada bajo la protección Mameha ( Michelle Yeoh ), una de las geishas más exitosas de Gion y rival de Hatsumomo de mucho tiempo. 

Aunque inicialmente renuente, Mameha persuade a la madre de permitir que Chiyo entrene como geisha. Mameha adopta a Chiyo como maiko (hermana menor) y y toma el nombre de Sayuri. Es preparada para competir contra Hatsumomo. 

Al principio, Chiyo piensa que Mameha sólo quiere usarla para vengarse de Hatsumono, pero al final se entera de que lo hace por recomendación del Presidente. Chiyo o Sayuri crece en popularidad. 

Cuando Chiyo inicia su aprendizaje junto a Mameha recibe un nuevo nombre: Sayuri, que no tiene nada que ver con Mameha, porque generalmente una geisha trata de tener un nombre con alguna sílaba de su hermana mayor, como por ejemplo, Calabaza / Pumpkin adopta el nombre de Hatsumiyo, por Hatsumono. 

Sin embargo, no se hace así pues el vidente de Mameha consideró poco propicios los nombres con los caracteres de ella. En el caso de Calabaza / Pumpkin, aunque su nombre sí tenía el prefijo "Hatsu" no importó pues todo el mundo siguió llamándola Pumpkin. 

La presentación con Geisha es espectacular con una pasarela en la que participa la ahora Geisha con grandes zancos , mientras caen una simulación de nieve. En la actuación que atrae la atención de muchos hombres, entre ellos el Barón ( Cary-Hiroyuki Tagawa ) vinculado con de Mameha Danna . Cuando el Dr. Cangrejo ( Randall Duk Kim ),  felicita a Sayuri, secretamente lo convence de escuchar una opinión diferente antes de tomar la palabra de alguien que miente. 

Hatsumono , desesperada intenta arruinar la reputación de Sayuri. Previendo esto, Mameha la lleva a un combate de sumo donde Sayuri vuelve a presentarse ante el Presidente, que parece ignorar su identidad anterior como Chiyo, así como su socio de negocios Nobu Toshikazu ( Kōji Yakusho ) -a quien Hatsumomo considera repulsivo- , que toma un gusto por ella. 

Mientras tanto, Mameha orquesta una guerra de ofertas por el mizuage (virginidad) de Sayuri entre dos hombres: Nobu y el Dr. Cangrejo ( Randall Duk Kim ), lo que la convertirá en una geisha completa. 

Al enterarse de lo que Mameha ha planeado, Hatsumomo difunde crueles rumores de que Sayuri como que ya perdió su virginidad. Sin embargo, Sayuri es nombrada bailarina principal para una actuación popular, lo que enfurece a Hatsumomo ya que esperaba que Pumpkin fuera nombrada la principal. 

El barón invita a Sayuri a su finca para una fiesta de observación de sakura, es decir, la flor del cerezo a lo que Mameha es reacia ; sin embargo, deja que Sayuri asista pero la deja ir de todos modos. Cuando el barón presenta un Kimono a Sayuri en privado en la fiesta, él la desnuda contra su voluntad para "echar un vistazo", pero no va más allá. 

El mizuaje de Sayuri se gana con una oferta récord de quince mil yenes. Madre, al ver a Sayuri como un activo financiero, la nombra como su hija adoptiva y heredera de la okiya. Esto aplasta a Pumpkin, quien esperaba que la adoptaran para poder tener seguridad en su vejez y , además, enfurece a Hatsumono. 

Luego, mamá le dice que debe ceder su espaciosa habitación a Sayuri, lo que enfurece aún más a Hatsumono, quien trata de recordarle su contribución financiera anterior. Más tarde, Mameha le dice a Sayuri que la oferta había terminado en un concurso entre el Dr. Cangrejo y el Barón, Nobu se había negado a participar en la licitación porque estaba en contra de sus principios. 

Mameha lo dejó ir al Dr. Cangrejo debido a sus sentimientos románticos por el Barón, a pesar de que su oferta era aún mayor. 

Al regresar a casa desde la ceremonia de mizuage, Sayuri encuentra a un Hatsumomo borracha en su habitación, donde ha encontrado el pañuelo del presidente. Se produce una pelea, durante la cual una linterna de gas es derribada y enciende un fuego, y la okiya es parcialmente destruida por las llamas. 

Hatsumomo es expulsado de la okiya por Madre y sus pertenencias son entregadas a Sayuri. Hatsumomo, que es expulsada de la okiya y es desterrada de Gion a un destino desconocido. 

Una vez que vende su mizuage (virginidad), Sayuri no es sólo una geisha con éxito, consigue pagar todas las deudas que tenía con la okiya de Nitta y es adoptada por el Señora de la okiya. La exitosa carrera de Sayuri se ve interrumpida por el estallido de la Segunda Guerra Mundial .

El inicio de la Segunda Guerra Mundial, un tema que aparece reflejado en las crecientes referencias a los militares japoneses, supone un nuevo reto para la heroína. De pronto, sus logros se vuelven irrelevantes y su belleza física queda devaluada . Sayuri y Mameha serán separadas, Sayuri va a las colinas a trabajar para un fabricante de kimonos para un viejo amigo de Nobu, y Mameha va con un médico, el viejo amigo del presidente. 

Debido al trabajo manual realizando kimonos en el área montañosa y aislada, y la carencia de alimentos Sayuri ha vivido nuevamente en una vida alejada de lujos cambia y es sustituida por duras condiciones y trabajo físico. 

Una vez acabada la guerra, Sayuri es visitada poe Nobu, quien necesita su ayuda para impresionar a un coronel estadounidense llamado Derricks ( Ted Levine)que tiene el poder de aprobar fondos para la firma del Presidente. Sayuri se reúne con Mameha, quien ahora se gana la vida rentando habitaciones . Aunque se muestra reacia a volver al estilo de vida geisha después de lo que ha pasado, acepta ayudar a impresionar a Derricks. Además, Sayuri se reencuentra con Pumpkin, que ahora es una acompañante coqueta y con éxito entre los soldados norteamericanos. 

Sayuri va de viaje con Nobu, el presidente, Mameha, Pumpkin y los estadounidenses a las islas Amami. En las Amami, el Coronel intenta seducir sexualmente a Sayuri, pero es rechazado. Nobu es testigo del incidente y se enfrenta a Sayuri. Finalmente confiesa sus sentimientos, diciéndole que quiere convertirse en su Danna. Sabiendo que entrar en una relación con Nobu destruirá cualquier posibilidad de estar con el Presidente. 

Sayuri está angustiada y elabora un plan. Mameha se da cuenta y le advierte que no lo haga por la amabilidad que Nobu le ha mostrado. Ella quiere que Sayuri lo acepte como su danna y no termine como lo hizo Hatsumomo. Ella se niega y recluta la ayuda de Pumpkin para que Nobu la atrape aparentemente intimando con el Coronel. 

Sin embargo, debido a su resentimiento secreto por Sayuri, Pumpkin trae al Presidente en su lugar, teniendo pleno conocimiento de los sentimientos de Sayuri hacia él. Cuando Sayuri se lo echa en cara Pumpkin le dice fríamente que le hizo muchos favores en el pasado y le robó las posibilidades de ser adoptada por su madre. Esperaba que al ver el Presidente estar con Derricks, él se molestara por el comportamiento de Sayuri y tendría que aceptar a Nobu como su danna. 

Unos días más tarde, después de regresar a Gion , Sayuri recibe una llamada para ir a la casa de té. Sayuri espera ver a Nobu, pero el que llega es el Presidente y finalmente le revela que siempre supo que ella era la chica de la orilla del río. Él le dice que le había contado a Nobu sobre el romance después de confrontar a Pumpkin por su comportamiento, efectivamente destruyendo los afectos de Nobu por Sayuri y su deseo de ser su danna. 

También revela que fue el responsable de enviarle a Mameha para que ella pueda cumplir sus sueños de convertirse en una geisha . Sayuri finalmente revela su amor al Presidente, y la película termina con su amoroso abrazo y beso, y un paseo por el jardín junto al señor Presidente la libera . Ella sale en busca de su propio destino acabando así la película. 

La producción del filme tuvo lugar del 19 de septiembre de 2004 al 31 de enero de 2005. Fue decidido por los productores que el Japón contemporáneo se veía demasiado moderno para filmar una historia que ocuría en la década de los 20 y los 30 y que sería más conveniente crear sets para la película en estudios y locaciones en los Estados Unidos, primordialmente en California. 

La mayoría de la película fue filmada en un gran set construido en un rancho en Thousand Oaks, California que era una recreación detallada de un distrito de geishas en Kioto, Japón. La mayoría de las escenas en interiores fueron filmadas en Culver City, California en los Estudios Sony Pictures. Otras locaciones en California incluyeron San Francisco, Moss Beach, Descanso Gardens en La Cañada Flintridge, Sacramento, Yamashiro's Restaurant en Hollywood, los jardínes japoneses, la librería y jardines Huntington en San Marino y el Centro de Los Ángeles en el Teatro Belasco en Hill Street. Hacia el final de la producción, algunas escenas fueron filmadas en Kioto, Japón. 

La película está protagonizada por Zhang Ziyi, Ken Watanabe, Gong Li, Michelle Yeoh, Randall Duk Kim, Youki Kudoh y Suzuka Ohgo. Ohgo interpreta el papel de la niña Sayuri en la película, que fue filmada en California y en distintas localizaciones de Kioto, incluyendo el Kiyomizu-dera y en Fushimi Inari-taisha. 

Algunos de los personajes centrales en la película no son interpretados por actrices japonesas, sino por actrices chinas, lo que inició una controversia. Sin embargo, la actriz coreano-canadiense Sandra Oh aboga por las actuaciones interasiáticas. 

En un artículo de revista Bust Magazine, defendió sus roles como personajes de ascendencia japonesa y china señalando comportamientos similares de actores blancos que interpretan papeles europeos: "Ralph Fiennes puede interpretar a un inglés, alemán, polaco o judío. Puede interpretar lo que sea y nadie lo cuestiona. Es un hombre guapo y de apariencia caucásica. Por tanto, para audiencias norteamericanas, Europa se ve así. Europa no se ve así. Pero esa es la imagen que nos han dado por 60 años, así que lo aceptamos. Pero con lo que tengo problemas es cuando la gente me pone límites. Sólo pienso: "Dame un respiro. No tienes idea de lo que soy". Porque cuando conoces a alguien, nunca dices: "Conocía a Joe Schmoe, y es irlando-francés". Pero siempre debe haber un cuantificador o cualificador cuando se trata de mí. --Sandra Oh, Bust Magazine" 

Roger Ebert también señaló que la película fue hecha por una compañía japonesa, y que Gong Li y Zhang Ziyi recaudaron más que cualquier actriz aún en Japón. El crítico de cine del Chicago Sun Times  señaló que la película fue hecha por una compañía de propiedad japonesa, y que Gong Li y Ziyi Zhang superaron a cualquier actriz japonesa incluso en la taquilla japonesa. 

En China, haber seleccionado actores de ascendencia china causó tensión en la comunidad china de internet dado que algunos usuarios estaban inconformes debido a un sentimiento nacionalista, especialmente porque algunos confundieron geisha por prostituta. Una profesión similar a la de la geisha existía también en la China imperial, cuyo trabajo era entretener a los invitados con sus talentos en música, su caligrafía, pintura y otras artes. Sin embargo, no disfrutaban del mismos estatus que las geishas de Japón. Esto fue exacerbado por la palabra geiko, un nombre japonés para geisha usado en la región de Kinki, que incluye a Kioto. El segundo carácter se puede entender como "prostituta", aunque de hecho tiene un significado totalmente diferente. 

La controversia surgió durante el casting de la película cuando algunos de los papeles más destacados, incluidos los de las geishas Sayuri, Hatsumomo y Mameha, no fueron a las actrices japonesas. Ziyi Zhang (Sayuri) y Gong Li (Hatsumomo) son ambos chinos en ese momento (Gong Li está naturalizado por Singapur desde 2008 en adelante), mientras que Michelle Yeoh (Mameha) es una etnia china de Malasia . 

Las tres ya eran prominentes actrices en el cine chino. Sin embargo, los realizadores defendieron la decisión y atribuyeron la "capacidad de actuación y el poder de las estrellas" como principales prioridades para el reparto de roles, y el director Rob Marshall destacó ejemplos como el actor mexicano Anthony Quinn interpretado como un griego en Zorba. 

La opinión en la comunidad asiática fue mixta. Para algunos chinos, el casting fue ofensivo porque confundieron a las geishas con prostitutas, y porque revivió los recuerdos de las atrocidades japonesas en tiempos de guerra. El gobierno chino canceló la liberación de la película y algún sitio web denunció a la estrella Ziyi Zhang como una "vergüenza para China". 

En defensa de la película, Zhang dijo: Un director solo está interesado en elegir a alguien que cree que es apropiado para un papel. Por ejemplo, mi personaje tenía que pasar de los 15 a los 35 años; tenía que poder bailar, y tenía que poder actuar, por lo que necesitaba a alguien que pudiera hacer todo eso. También creo que independientemente de si alguien es japonés o chino o coreano , todos hubiéramos tenido que aprender qué es ser una geisha , porque casi nadie sabe lo que eso significa, ni siquiera los actores japoneses en la película. 

Hubo otros asiáticos que defendieron el casting, incluida la estrella japonesa principal de la película, Ken Watanabe, quien dijo que "el talento es más importante que la nacionalidad". 

Originalmente se había programado su estreno en los cines de la República Popular de China el 19 de febrero de 2006, pero fue suspendida. Fuentes periodísticas, tales como el periódico Dōngfāng Chénbào (“Diario Matutino Oriental”) de Shanghái y el Shanghai Qīngnián Bào (“Diario de la Juventud de Shangai”), citaron los temores de que la película fuera prohibida por los censores; y que había preocupación de que la selección de actrices chinas como geishas podría generar sentimientos anti-japoneses y revivir sentimientos acerca de la Segunda guerra chino-japonesa en China, especialmente por el uso de mujeres chinas como trabajadoras sexuales forzadas. El 1 de febrero de 2006, la película fue prohibida en los cines de la República Popular de China. 

La película fue estrenada en Estados Unidos el 9 de diciembre de 2005 por Columbia Pictures, DreamWorks y Spyglass Entertainment y logró $ 57 millones en taquilla. La recaudación internacional alcanzó los $158 millones. 

A pesar de la gran expectación anterior al estreno, las críticas de Memorias de una geisha fueron generalmente malas o mixtas de los críticos . 

El Daily Herald de Illinois dijo que "los trucos de actuación, los conjuntos meticulosamente creados, las bellas imágenes y la convincente historia de una celebridad que no puede tener lo único que realmente quiere hacen que Geisha sea memorable". 

The Washington Times calificó a la película como "una adaptación suntuosamente fiel y sugerente" y agregó que " los dialectos alternativos pueden seguir siendo una molestia menor para algunos espectadores, pero la película puede presumiblemente contar con la curiosidad pictórica de los lectores que disfrutaron . El sentido de inmersión de Golden, a la vez desgarrador y estético, en la cultura de una crianza de geisha en los años que culminaron en la Segunda Guerra Mundial " 

El New Statesman criticado Memorias de una geisha las tramas, diciendo que después de que Hatsumono se vaya 'la trama pierde el poco impulso que tenía y se descompone en una bonita visual tras otro'. El diario elogió a Ziyi Zhang, diciendo que "exuda una inocencia y vulnerabilidad desgarradoras", pero dijo que "demasiado del anhelo y la desesperación del personaje se esconde detrás de la máscara de polvo blanco y rojo". 

The Evening Standard de Londres comparó Memorias de una geisha con Cenicienta y elogió a Gong Li, diciendo que "Li puede estar actuando como perdedora, pero ella salva esta película" y Gong "le da a Hatsumomo un verdadero misterio". Dieciocho días después, The Evening Standard colocó Memoirs of a Geisha en su lista Top Ten Films. 

El Daily Record de Glasgow elogió la película y dijo que "el mundo de las geishas se dibuja con un detalle tan íntimo que parece atemporal hasta la guerra, y con ella el mundo moderno se viene abajo".  

En cuanto a críticos concretos Todd McCarthy de Variety se trata de "Una adaptación a la gran pantalla bella y con tacto. (...) Desde el punto de vista cinematográfico, este es un trabajo que los viejos magnates de Hollywood hubieran estado orgullosos de presentar" 

Entiende Peter Travers en Rolling Stone que "Todas las dudas sobre tres actrices chinas hablando inglés con acento japonés desaparecen ante el rostro de sus profundamente sentidas interpretaciones y el mundo que Marshall conjura con mágica finura. (...) ." 

Para Stephen Hunter del The Washington Post "Memorias de una geisha es todo lo que esperabas de ella: bella, cautivadora, con gusto, japonesa. Es sólo que no es muy sensual." 

Y , el ya citado, Roger Ebert del Chicago Sun-Times "Memorias de una geisha entrega lo solicitado, con elegancia y oficio. Las actrices crean geishas como se ellas imaginan que debieron ser, que es probablemente más sabio que mostrarlas tal como eran. (...) " 

En España M. Torreiro en El País afirma que "Se aguanta bien no por su profundidad (...) sino porque las muy melodramáticas situaciones que la trama ordena son tan viejas como el cine (...) una bellísima colección de cromos, sabiamente musicados y bien interpretados" 

Como anécdotas decir que las tres actrices principales (Zhang Ziyi, Gong Li, y Michelle Yeoh) tuvieron que pasar por "campo de entrenamiento de Geisha" antes de que comenzara la producción, durante la cual fueron entrenadas en prácticas tradicionales de geisha como música, baile y ceremonia del té japonesa. 

En la post-producción una de las tareas de los editores de sonido era mejorar la pronunciación en inglés del reparto internacional. Esto a veces envolvía poner juntas partes de diálogos de diferentes segmentos del filme para formar nuevas sílabas con la voz de los actores, algunos de los cuales hablablan parcialmente inglés fonético cuando interpretaban sus papeles. El logro de los editores de audio les ganó dos nominaciones a los premios Óscar: Mejor Sonido y Mejor Montaje de Sonido. 

La película tuvo sus Premios y nominaciones en los premios del año 2005. Por lo pronto obtuvo tres Oscars: a la Mejor fotografía, vestuario, dirección artística de las seis nominaciones que fueron además el de Mejor Logro en Música compuesta para Película, Música Original, el de Mejor Sonido y Mejor Edición de Sonido. 

En los Globos de Oro obtuvo el de Mejor banda sonora original para John Williams así como una nominación a la Mejor Actuación por una Actriz en una Película - Drama (Zhang, Ziyi). 

Obtuvo tres Premios BAFTA a la Mejor música . el Premio Anthony Asquith para John Williams-, fotografía para Dion Beebe y vestuario en la persona de Colleen Atwood de seis nominaciones entre las que se encontraba Mejor actriz en un papel principal (Zhang Ziyi), mejor diseño de Producción y Maquillaje y peluquería. 

En la  National Board of Review ganó el premio a la Mejor actriz de reparto para Gong Li; y el Círculo de Críticos de Nueva York nominó a Zhang Ziyi a la Mejor actriz. 

En los Critics' Choice Awards premió al mejor compositor (Williams) y obtuvo otras dos nominaciones.

En los Satellite Awards ganó el premio al mejor Guion Adaptado (Robin Swicord) y obtuvo muchas nominaciones a Mejor Película dramática, Mejor Director (Rob Marshall), Mejor Actriz en una Película en Drama (Zhang Ziyi), Mejor Actriz en un Papel de Soporte, Drama (Gong Li), Mejor Dirección de Arte & Diseño de Producción (John Myhre), Mejor Cinematografía (Dion Beebe), Mejor Diseño de Vestuario (Colleen Atwood) y Mejor Música Original (John Williams) En los Premios del Sindicato de Actores la nominada fue para Zhang Ziyi a la Mejor Actuación de un Actor Femenino en un Papel Protagónico (Zhang Ziyi).

Por mi parte decir que es cierto que la película tiene una gran banda sonora , una enorme plasticidad , un gran fotografía, pero no deja de ser un folletín, enmarcada en un momento interesante, pero del que al poco de comenzar me descolgué. Supongo que el problema ha sido mío y que he tenido una falta de empatía total, pero es lo que ha habido.