martes, 19 de junio de 2018

Tarzán y la lucha por la vida


Como veis se trataba de un programa doble con la figura de Tarzán. En este caso la película que he visto es un incunable, que no había visto nunca y que responde al título Tarzan's Fight for Life o Tarzán lucha por su vida. A mi, como expreso, al final de la entrada me ha remitido esta lucha por la vida a la actual corriente negacionista de la medicina occidental y defensora de la homeopatía , la pseudociencia o contraria, por ejemplo, a las vacunas. Vamos, lo nunca vista. ¿Para qué sirve la evolución y la investigación? 

Se trata de una película del año 1958, por lo tanto posterior a la vista en el día de ayer, algo más larga, de unos 86 minutos y correspondiente a aquellas que en la entrega anterior son producto del binomio integrado por Sol Lesser y su productora Sol Lesser Productions - y la distribución de la MGM- y el director H. Bruce Humberstone. 

En este caso y siempre inspirándose en lo escrito por Edgar Rice Burroughs el guión correspondió a Thomas Hal Phillips, el novelista, actor y guionista nacido en Mississippi en 1922 y fallecido en 2007. Un hombre valiente y avanzado para la época capaz de escribir un libro , The Bitterweed Path en 1950 con personajes abiertamente homosexuales. 

A fines de la década de 1950, dejó de escribir novelas y no regresó al campo hasta 2002, cuando se publicó Red Midnight. Pasando más tarde al mundo de la política colaborando en la campaña como Gobernador a favor de su hermano Rubel Phillips, siendo un demócrata convencido. 

Sin embargo, en 1955 pasó al mundo del cine cuando una de sus obras, The Loved and the Unloved en 1955 fue vendida en sus derechos de autor para transformarse en una película. Eso le permitió abrirse un hueco en este mundo interviniendo poco después en la película de Tarzán pasando en la década de 1960 a trabajar con el director de Hollywood , Robert Altman. En 1974 lo encontramos como productor asociado en Thieves Like Us o California Split (1974)- esta obra de Robert Altman, al igual que Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull's History Lesson de 1976- así como en otras películas como The Autobiography of Miss Jane Pittman , Nashville. o for Ode to Billy Joe (1976) .

En este caso el director contó con la música de Ernest Gold, la fotografía de William E. Snyder y el montaje de Aaron Stell.

En cuanto al reparto en el mismo sobre sale Gordon Scott como Tarzán, Eve Brent como Jane, Rickie Sorense como Tartu, el hijo adoptado de Tarzán, Jil Jarmyn como la joven Ann Sturdy, Carl Benton Reid como el padre de la anterior el Dr. Sturdy, Harry Lauter como el novio de Ann, Dr. Ken Warwick, James Edwards como el malvado Futa que va siempre con Woody Strode como Ramo, su mano ejecutora. 

La película comienza con imágenes de África rodadas por Miki Carter , el habitual documentalista que ilustra con animales en Uganda y , tras las mismas, comienza la historia que en este caso se centra en una pequeña clínica en la selva, dirigida por un veterano doctor Sturdy ( Carl Benton Reid), que vive con cierta desesperación como se van los colaboradores que tiene influenciados por la actitud del hechicero de la tribu , Futa ( James Edwards) que ve su prestigio en peligro ante los éxitos del medico europeo. 

Esto abruma al Dr. Sturdy ( Carl Benton Reid ) pero especialmente a su hija Anne (Jil Jarmyn) que vive con angustia el hecho de quedarse en mitad de la jungla sin gente por culpa del brujo Futa ( James Edwards ) de la tribu Nagasu, que considera su trabajo como una amenaza para su propio sustento. 

Su única alegría es que esa mañana llega desde Gran Bretaña su novio el Dr. Ken Warwick ( Harry Lauter ). Así que ansiosa por verlo sale a su encuentro en la selva. 

De cualquier manera Futa está al tanto y ordena a los suyos, especialmente a su mano ejecutora, Ramo (Woody Strode) junto con otros miembros de la tribu a atacar al novio de Anne, quien es salvado por Tarzán (Gordon Scott). 

Tras controlar inicialmente el conflicto el Dr Ken entrega al Dr. Sturdy los medicamentos encargados y se dispone a trabajar en su moderno hospital en la jungla. No obstante, esto ayuda de Tarzán es tomada tanto por Futa, el hechicero, como por Ramo, un guerrero nativo como un insulto y entre ambos deciden acabar con Tarzán. 

Más tarde vemos a Tarzán que va a su casa. Antes de llegar saluda a su hijo adoptivo Tartu (Rickie Sorensen) y después se encuentra con Jane (Eve Brent). 

Sin embargo, poco después Jane sufre un fuerte dolor abdominal por lo que es llevada al hospital y donde se determina que es una apendicitis. 

La presencia de Tarzán y su mujer en el hospital activa el plan de Futa , que hipnotiza a Moto ( Nick Stewart ), un asistente nativo de Sturdy, que acaba de perder a su mujer tras ser atacada por un cocodrilo y por no poder atendida debidamente dada la oposición de Futa a una transfusión con la hermana de esta en el hospital. 

La orden de Futa es asesinar a Jane, pero Tarzán frustra la trama. Al enterarse de que el joven jefe de Nagasu ( Roy Glenn ) está enfermo, Tarzán intenta persuadirlos para que dejen que Sturdy los trate. 

Aprovechando esta circunstancia, Futa manda detener a Tarzán y tras apresarlo y atarlo lo condena a muerte. 

Para restaurar su propia influencia en la zona, el hechicero se compromete a curar al jefe mismo, protegiendo sus apuesta por la magia. Pero la incapacidad del hechicero en curarle hacen que éste ordene el robo de medicinas del hospital haciendo que su secuaz Ramo ( Woody Strode ) asalte la farmacia del Dr. Sturdy. 

Desafortunadamente, Ramo roba un veneno mortal por error. Mientras el robo se produce, Tarzán se libera e interviene. En su lucha por la libertad se enfrenta a Ramo que en la lucha libera a un león que lo ataca y lo mata. 

Tras eso va a la clínica con el fin de evitar la administración del veneno al jefe; Futa entonces se lo traga para demostrar que no hay daño en él, y muere de inmediato. El Dr. Sturdy es llamado consecuentemente, curando éxitosamente al jefe. Como se ve la ciencia está por encima de la magia poniendo fin a la rivalidad con la magia de Futa. 

Durante la filmación en el lugar de África con Miki Carter para esta película en su mayoría filmada en estudio, Gordon Scott se llevó bien con algunos nativos involucrados en la película. Un guerrero masai lo apodó "Mtu Ule Na Panda Mitu Minegu" (Guerrero que sube árboles altos). 

Eso sí, el actor Gordon Scott casi muere  por la presión de una pitón de 18.5 pies con la que se le ve luchando en esta película. Se necesitaron seis hombres para sacar a la serpiente de él. 

Otra anécdota es que durante el rodaje de la ubicación, Scott ganó una apuesta capturando y montando una jirafa salvaje durante cinco minutos. Carter filmó este incidente y fue incluido en la película, así como también en el corte de la función de una serie de televisión abortada, Tarzán y los cazadores (1958). 

Esta fue la última película de Tarzán para el productor Sol Lesser y fue lanzada para coincidir con el 40 aniversario del primer libro de Tarzán . Fue la última película de Tarzán realizada por Sol Lesser que se retiró y entregó la franquicia a Sy Weintraub. 

Según los registros de MGM, la película ganó $ 720,000 en los Estados Unidos y Canadá y $ 1,325,000 en otros lugares, lo que resultó en una ganancia de $ 348,000. El total de la taquilla fue de $ 2,045,000 

Poco después de completar esta película, la familia de Tarzán , es decir, Scott, Brent y Sorensen asumirían los mismos papeles en un intento de lanzar una serie de televisión "Tarzan". Sin embargo, el proyecto de muy bajo presupuesto no pudo venderse, y los tres episodios de media hora se empalmaron en una función alternativa, Tarzan and the Trappers , lanzada a la televisión en 1966. 

En cuanto a la crítica, la revista Variety, en una crónica de la época se dijo, "La Metro está dando un gran impulso con Tarzan's Fight for Life. La producción actual de Sol Lesser tiene un color atractivo, una capacidad de actuación y una dirección capaz. Sin embargo, si la campaña se lleva a cabo, el enfoque y la escritura tendrán que superarse por encima del nivel actual, que es persistentemente juvenil... Y añadió poco después "Gordon Scott nuevamente interpreta el papel principal y hace un buen Tarzán. Él hace las acrobacias atléticas creíbles y posibles, y también maneja las pocas escenas románticas con Eve Brent con una finura aceptable. La dirección de H. Bruce Humberstone obtiene toda la acción y la emoción posibles fuera del guión, y el trabajo con la cámara es efectivo. La fotografía africana de 16 mm de Miki Carter [que también trabajó en el anterior Tarzan y Safari Perdido] no contiene ningún material particularmente nuevo o emocionante, aunque es visualmente atractivo". 

En el diario El Mundo también se dice que se trata de una "Película de aventuras y acción producida en 1958 por Sol Lesser Productions. El realizador neoyorquino que comenzara su carrera en el mundo del celuloíde cuando era un niño, Sol Lesser Productions, coge las riendas de la dirección del filme. El resultado es una película entretenida que contentó al público por entonces y que bien seguro hará las delicias de los amantes de este tipo de género cinematográfico. ...( ) El actor, que sustituyó Lex Barker cuando su imponente físico encandiló al productor, Sol Lesser, hace un trabajo más que aceptable. El papel de Tarzán le abriría las puertas de Hollywood y, posteriormente, le ayudaría a forjarse un hueco en el cine italiano". 

Una vez vista diría que esta película es mucho más floja que la comentada en el día de ayer, la del Safari Perdido. Pero , por ser una rareza para mi desconocida había que verla.

Era la tercera película protagonizada por Gordon Scott en el papel de Tarzan y , lo más curiosa en la aparición de Jane protagonizada por Eve Brent y de Boy, aquí ya con un nombre más concreto ( Tarte) , interpretado por el acto Rickie Sorensen. En este caso vemos a un locuaz y bien hablado Gordon Scott , superada la fase de monosílabos, o de simple postureo . 

También me ha llamado la aparición en la película de un enorme secundario, visible en varias películas imprescindibles del cine, ya sea como western - algunos de ellos filmados por John Ford- ya sea como películas históricas ( y que trascienden lo histórico) como el Espartaco de Stanley Kubrik ; me refiera al enorme e impresionante Woody Strode. 

Aporta poco o más bien nada a la historia de Tarzán , aunque forma parte del mito como diría uno de mis hijos. 

Como dije al principio, lo mismo deberían verlos aquellos que a día de hoya apuestan por la homeopatía y se niegan a las vacunaciones. En el fondo son retrógradas como los negacionistas con respecto a la evolución. Usando una justificación anticapitalista, contra el poder de las farmacéuticas, cosa que es legítima, acaban por apostar por poner en riesgo las vidas de sus hijos o las de otros por una cuestión de creencias, es decir, por algo opuesto a la Ciencia.


lunes, 18 de junio de 2018

Tarzán y el Safari


Las sobremesas de las tardes de sábado en el salón de mi casa se llenaban primero de dibujos animados , ahora llamados anime, que partían de los mangas tales como Meteoro - Mach GoGoGo- basada en el manga original de Tatsuo Yoshida, Mazinger Z - del dibujante y guionista japonés Gō Nagai- Heidi o Marco . ambos de Isao Takahata y en el que participaba como director de ajuste de escena y planos mada mas y nada menos que Hayao Miyazaki, ambos fundadores de la productora Ghibli, entre otros. Tras ellos comenzaban películas que iban desde western de directores clásicos como John Forh, Howard Hawks, Anthony Mann, pero también otras de aventuras con protagonistas variados que iban desde piratas, hasta las selvas perdidas de África.

Entre estos personajes estaba Tarzán el personaje creado por Edgar Rice Burroughs en la revista pulp All Story Magazine en octubre de 1912, y que más tarde pasó a ser personaje de novela como Tarzán de los monos y a la que sucedieron veintitrés secuelas. Algunas de ellas, por supuesto, la primera pasó de las novelas a los cómics y de allí tanto al cine como a la televisión. La IMdB cifra el número de casi noventa películas sobre Tarzán desde 1918 hasta el 2010.

La primera de estas fue una cinta muda adaptada de la novela original al poco tiempo de aparecer el personaje titulada Tarzan of the Apes e interpretada por Elmo Lincoln y Gordon Griffith en los papeles del rey de los monos adulto y niño respectivamente.

Más tarde llegó la próspera franquicia que produjo un buen número de títulos entre 1930 y 1960 y que tuvo como actor más representativo a Johnny Weissmüller , protagonista de doce adaptaciones desde 1932 hasta que fue sustituido por otros actores como fueron Lex Barker o Gordon Scott, y con mucha menos presencia la de Miles O'Keeffe y Christopher Lambert, . El último ha sido Alexander Skarsgård.

Algunas de estas películas protagonizadas por personas ajenas al ex nadador olímpico pude ver ya en el cine , ya en el televisión. Esta noche he visto Tarzán y el Safari Perdido , una película del año 1957 y que tiene como protagonista a Gordon Scott. Gordon Merrill Werschkul (nacido en Portland, en 1926 y fallecido en Baltimore, en 2007) fue un actor estadounidense. En 1953, siendo socorrista en la piscina de un hotel de Las Vegas, Nevada, llamó la atención por su físico y fue presentado a Sol Lesser, que preparaba una nueva película de Tarzán.

Al final, Gordon Scott fue escogido para hacer Tarzán en la selva escondida (1955), y tomó así el relevo de Lex Barker.

A partir de ese momento participó en un total de veinticinco películas, entre las que destacaron aquellas en las que hizo el papel de Tarzán: Tarzán y el safari perdido / Tarzan and the Lost Safari (1957), Tarzan lucha por su vida / Tarzan's Fight for Life (1958), Tarzán y los tramperos / Tarzan and the Trappers (1958), La gran aventura de Tarzán / Tarzan's Greatest Adventure (1959) y Tarzán el justiciero / Tarzan The Magnificent (1960).

Acabada su etapa hollywoodiense como Tarzán, emigró hacia el cine italiano para convertirse en una de las principales estrellas del Peplum o películas de peplo, siendo rival de Steve Reeves. Cuando el Peplum empezó a pasar de moda, Gordon supo adaptarse a las nuevas modas y protagonizó algunos spaguetti western o cine europeo de espionaje. Tras regresar a Estados Unidos abandonó el cine.

La persona que lo puso en contacto con el personaje de Tarzán, Sol Lesser , uno de los más influyentes productores del cine estadounidense. Tras hacer algo de fortuna vendiendo sus propias películas. Sol Lesser contrató a Jackie Coogan para un contrato de película en 1922, estableciendo ambos como grandes nombres de Hollywood. Los éxitos de Coogan-Lesser incluyeron Oliver Twist y Peck's Bad Boy .

Lesser realizó una transición exitosa a las películas sonoras, con su propia compañía Principal Pictures; él distribuiría sus producciones él mismo bajo el nombre Principal, o haría arreglos para que un gran estudio los liberara bajo sus propias marcas registradas. Sus producciones generalmente tenían presupuestos más altos que las características independientes habituales; Lesser pudo producir series completas con estrellas como Bela Lugosi , George O'Brien y Bobby Breen .

En 1933, Lesser logró comprar derechos de pantalla para el personaje de Tarzán de Edgar Rice Burroughs . El elegido inicialmente para el personaje fue Buster Crabbe , pero Burroughs, al decidir hacer sus propias películas de Tarzán, se negó a renegociar con Lesser. Las películas de Burroughs con el personaje de Tarzán tuvieron un éxito parcial así que, finalmente, los derechos pasaron a la Metro-Goldwyn-Mayer .

Sin embargo, Lesser estaba interesado en recuperar al personaje y adquirió la propiedad de Tarzán en 1943, después de que la MGM renunciara a los derechos.

Las nuevas películas de Tarzán de Lesser fueron producidas para RKO y protagonizadas por Johnny Weissmuller y luego por Lex Barker y Gordon Scott , al que ya sabemos como conoció tomando el sol en Las Vegas. Lesser se dedicó a estas aventuras en la jungla por el resto de su carrera y para ello contó para la dirección con H. Bruce " Lucky " Humberstone . 

El director neoyorkino , de Buffalo, asistió a la Academia Militar de Miami , fue previamente actor de cine, asistente de guiones, asistente de dirección, trabajando con directores de la talla de King Vidor , Edmund Goulding y Allan Dwan antes de pasar a la dirección.

Fue uno de los 28 fundadores del Directors Guild of America trabajando en varias películas mudas para la 20th Century Fox en todo tipos de géneros como comedias, dramas y melodramas, pero sobre todo en la serie de películas de Charlie Chan pasando más tarde a la televisión y retirándose en 1966. Otra de la sagas que realizo fue los de Tarzán, siendo responsable de Tarzán y el perdido Safari (1957), La lucha de Tarzán por la vida (1958) y Tarzán y los tramperos (1958) para la Solar Film Productions.

En este caso la película fue producida por John Croydon y el citado Sol Lesser por medio de la Productoras Sol Lesser y Solar Films y con la distribución de la Metro Goldwyn Mayer y un presupuesto de $ 2,315,000

El guión estuvo escrito por Montgomery Pittman y Lillie Hayward . Y n el apartado técnico destaca la música de Clifton Parker, la fotografía de C.M. Pennington-Richards y el montaje de Bill Lewthwaite.

El reparto lo encabeza Gordon Scott como Tarzán y , junto a él, se suman Robert Beatty como el malvado cazador Tusker Hawkins, Yolande Donlan como la rubia Gamage Dean, Betta St. John como la joven y morena Diana Penrod, Wilfrid Hyde-White como el periodista de los Ecos de Sociedad  'Doodles' Fletcher , George Coulouris como el marido Carl Kraski. Peter Arne como Dick Penrod y Orlando Martins como jefe Opario Ogonoore.

La película se inicia con unos títulos de crédito entre los que se van intercalando imágenes de la fauna africana. ^Posteriormente la película se sube a un avión en el que van varios pasajeros procedentes de Mombasa, donde han asistido a una boda. Se tratan de personajes de la jet set. Y el grupo lo integran Gamage Dean ( Yolande Donlan ), Diana Penrod ( Betta St. John ), el periodista "Doodles" Fletcher ( Wilfrid Hyde-White ), Carl Kraski ( George Coulouris ), y Dick Penrod ( Peter Arne ) .

En el interior del avión el grupo de millonarios que viene de una boda se vive cierta tensión entre formada por el piloto y una chica que actúa como azafata y un periodista amigo de más edad -Wilfrid Hyde-White- , que escribe crónicas de sociedad en un diario, que les acompaña, así como un matrimonio, en que la esposa , rubia, disfruta del viaje, mientras el marido sufre de resaca tras beber en exceso en la boda.

La pareja del piloto y Diana sufren una crisis debido a la pasión que el siente por los aviones, mientras que ella duda entre si casarse o no.

En un momento dado el piloto, que está peleado con su novia decide bajar en altura para ver los animales y al hacerlo pone en riesgo a los tripulantes especialmente cuando una bandada de flamencos rosas colisiona con el avión que queda al borde una garganta.

El avión en vuelo rasante ha sido avistado por Tarzán ( Gordon Scott ), quien va a la zona junto a Cheeta y rescata a todos. Después se compromete a llevarlos de regreso a la civilización. Sin embargo, una de las chicas , Diana (Betta St. John) se desvía un momento y es secuestrada por los nativos de la tribu Opar, unos salvajes sanguinarios, que bajo el mando del Jefe Ogonooro ( Orlando Martins ) no desean a blancos y a extraños en su zona y los dejan para sacrificios a su dios león.

Sin embargo, Tarzán sale a la búsqueda de la chica. Pero quien da con ella es un aliado blanco de los Opar, el cazador Tusker Hawkins ( Robert Beatty ), que se queda prendado de Diana .

El cazador le dice al jefe del grupo indígena que se la queda él y cuando se despierte le dirá que la ha salvado y conducirá a todo el grupo a donde están emboscados el grupo de salvajes. Hace como que la ha salvado para ganarse la confianza de la chica y del grupo, aunque Tarzán duda de él, ya que efectivamente, secretamente, Hawkins está aliado con los Oparianos, y planea vender a los rescatados a los nativos por una fortuna en marfil.

Tarzán, con suma desconfianza hacia Hawkins duda de sus palabras, pero no puede impedir que el cazador quiera acompañarles. El grupo sale al día siguiente para la civilización, pero el cazador se empeña de ir por una vía más corta pero cercana al campamento tribal. Además, el grupo es seguido por algunos integrantes de la tribu.

Las relaciones entre los cinco supervivientes van fluyendo en parte por las monerías de Cheeta y en parte por la seguridad - en lo personal y en lo alimentario- que trasmite Tarzán, que en un momento dado salva a Diana del ataque de un cocodrilo. Tarzan no sabe que Diana coquetea con él . Vemos que es un ser inocente, cuando ella le pregunta por su origen o cuando ella le cuenta que no sabe si casarse con el piloto y Tarzán le pregunta qué es casarse.

Tras condicionar el rumbo el cazador, finalmente el grupo cae en manos de los nativos, gracias el cazador les ayuda a capturar a los blancos en ausencia de Tarzán.

Los cinco son llevados al campamento donde van a ser sacrificados, aunque Hawkins se reserva para él a Diana. Por su parte, Tarzán al descubrir que han caído en manos de los Opar decide salvarlos antes de que pueda llevarse a cabo el sacrificio, ayudado por su aliado chimpancé, Cheeta , quien prende fuego a la aldea nativa.

Luego tras jugarse la vida luchando con algunos de los oparianos ha de enfrentarse a Hawkins que encuentra su fin a manos de los Oparianos, que le arrojan una lanza quienes Tarzán ha señalado como el responsable del doble trato del villano mediante el uso de los tambores de la jungla.

La película acaba con Tarzán devolviendo al grupo a la civilización y viendo que entre las parejas las relaciones se han normalizado y que la participación de Cheeta es fundamental para relajar al grupo. Tarzán salva a todo el grupo y la pareja indecisa decide casarse tras todas las vicisitudes por las que han pasado. Tarzán les indica el camino a seguir y se despide de todos quedándose en la selva con Cheeta.

La película contiene más ecos de las novelas originales de Burroughs de lo habitual en una película de Tarzán del período, incluida la breve reseña sobre su vida en la selva antes de conocer al grupo en la que se hace eco de la versión de Burroughs, contándole que perdió a sus padres de niño en la selva y fue recogido por un mono llamado Kerchak que le crió. Luego de mayor entró en contacto con los hombres, muchos misioneros, "hombres buenos" que le enseñaron a hablar, y la presión de los Opar, aunque reduciendo el ciudad romántica perdida descrita por Burroughs a un pueblo nativo genérico. 

Tarzán, aunque conserva su alto grado de inocencia se manifiesta como un personaje astuto, valiente y con recursos, presagiando la restauración en películas posteriores del concepto original de Burroughs.

La película fue dirigida por H. Bruce Humberstone , y fue la primera película de Tarzán lanzada en color, en Eastman Color . También fue la primera película de Tarzán de MGM desde 1942 y se filmó en Nairobi , África Oriental Británica , aunque también en los ABPC Elstree Studios, de Borehamwood en Hertfordshire, . También se rodó en lo que era el Congo Belga, hoy República Democrática del Congo, en Iverson Ranch en Chatsworth, Los Ángeles, así como en la zona del Kilimanjaro en Tanzania, Murchison Falls, en Uganda, en Tanganyika y Zambia en 1956.

Filmado en 1956 en una versión CinemaScope 2.35: 1 y una versión "plana" 1.37: 1. El elenco nunca salió de Inglaterra, con prácticamente todo su trabajo realizado en platós de escenario de estudio, intercalados con la vida salvaje africana y escenas de paisajes obtenidas por Miki Carter .

Eso sí, un gran león con quien Gordon Scott había trabajado durante más de un mes le abrió la pierna (32 puntos de sutura).

La película tuvo su estreno el 12 de abril de 1957. El lanzamiento teatral del Reino Unido en el verano de 1958 fue de la versión CinemaScope, pero las siguientes exhibiciones televisivas en el Reino Unido siempre han sido de la versión "plana", al igual que el lanzamiento del Warner Archive DVD.

Según los registros de MGM, la película ganó $ 915,000 en los Estados Unidos y Canadá y $ 1,4 millones en otros lugares, lo que resultó en una ganancia de $ 432,000.

"Tarzan y el Safari perdido" es la segunda película en la que Gordon Scott protagoniza el personaje de Tarzan. Filmada en 1957 y con 75 minutos de duración, es muy superior a algunas de las anteriores por varios motivos. Primero que en esta película Tarzan habla con normalidad acercándose así al Tarzan de las novelas de Burroughs.

La segunda es que es la primera película en color y pantalla panorámica con lo que, estando rodada en exteriores de Uganda, en Africa, luce mucho mejor que la anterior que está rodada principalmente en estudios. Es la película en la que mejor se han fotografiado a los animales de África al igual que algún baile que aparece en muchas de las películas de Tazán.

Aunque tiene un guión muy sencillo y un argumento bastante lineal, a pesar de todo se sigue con facilidad.

Los personajes no son muy conocidos actores o actrices excepto Wilfrid Hyde-White con muchísimas películas en su haber como "My Fair Lady" o " Los hijos del capitan Grant".

En la película se habla de los Opar que en el libro es el nombre de una ciudad misteriosa que aparece en las novelas de Tarzan con un significado muy diferente al ser un espacio con ricos tesoros.

En el País en 1995 al ser emitida en televisión Joaquín de Luna escribía "Johnny Weissmuller cede el trono del rey de la selva al fornido Gordon Scott. Mucho bíceps, poco seso. Ya no era igual.

En Fotogramas se dice que es "Enésima reaparición del famoso personaje creado por Edgar Rice Burroughs, que en esta ocasión está interpretado por el musculoso e inexpresivo Gordon Scott, antes de convertise en un habitual del "peplum" italiano. Parte de un argumento plausiblemente inverosímil -que es lo que se acostumbra en estos casos- servido con una realización de eficacia más bien rutinaria."

En el ABC Película de aventuras que tiene como protagonista al mítico personaje Tarzán. El actor Gordon Scott ("Rómulo y Remo") interpreta al valiente personaje por segunda vez en el cine, tras "Tarzán en la selva escondida" de 1955. Y se nos recuerda como "Scott sufrió durante el rodaje algunos percances propios de la selva como el arañazo de un león de más de 200 kilos con el que llevaba trabajando más de un mes". Y concluye señalando que que "Tarzán y el safari perdido" supone una de las pocas incursiones de Humberstone en el cine de aventuras y acción.


Roma de mi corazón


Tenía muchas ganas de volver a ver Roma. Creo que fue la primera película de Fellini y desde entonces reconozco que el cineasta nacido en Rímini y que tanto tira de sus recuerdos - que casi acaban por convertirse en melancolía en estado puro - forma parte de mi especial universo cinematográfico.

Este magnífico y diferente narrador que decía de sí mismo que era «un artesano que no tiene nada que decir, pero sabe cómo decirlo». A lo mejor todo eso que escribió y llevó al cine - como a mi me gusta para que no se olvide una cosa- quedó reflejado en muchas de sus película y , especialmente, en esta dedicado a su querida Roma, la patria chica de su mamma, pero también en ella nos narra visualmente con cuenta gotas esos días de escuela en el Liceo Classico «Giulio Cesare» o su visión de la Ciudad Eterna cuando llegó a la misma con 19 años en 1939 cuando el fascismo mussoliniano se metía en la guerra junto a los alemanes.

Si bien es cierto que se traslada a Roma para cursar la carrera de Derecho, pero terminará por convertirse en periodista. A los pocos meses de su llegada a Roma, Fellini , como no podía ser de otra manera, apuesta por trabajar en una revista satírica italiana, Marc'Aurelio, dirigida por Vito de Bellis. Pasando poco después, tras tener un enorme éxito , como caricaturista a dibujante publicitario para películas, por cierto, visible alguno de ellos en Roma.

Sus primeras obras fueron para la Alleanza Cinematográfica Italiana (ACI), una compañía productora de Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini, a través del cual conoció a Roberto Rossellini. Desde ese momento , Fellini, acompañado casi siempre por su Musa, Giulietta Masina toca el cine con las dos manos colaborando con otros como Roberto Rossellini en pleno neorrealismo o con otros como Alberto Lattuada , Pietro Germi y Luigi Comencini o con su obra madura , es decir, la integrada por titulos junto a su mujer como Almas sin conciencia, Las noches de Cabiria, La Strada, Giulietta de los espíritus y con Marcello Mastroianni, como La Dolce Vita , Ocho y medio o Ginger y Fred.

Sin embargo, en los setenta cuando el cine rentable y de culto iba ya por otros derroteros es cuando realiza la obra más, personal , con menor presupuesto pero de mayor peso artístico detectable en obras como Satyricon (Fellini Satyricon, 1969), I clowns (1971), el que nos ha traido hasta aquí Roma (1972), Amarcord (1973), Casanova (1976), Prova d'orchestra (Ensayo de orquesta, 1978), La città delle donne (La ciudad de las mujeres, 1980), E la nave va (Y la nave va) (1983) o Ginger e Fred , 1986).

Roma es, como he señalado una película de 1972 dirigida por Federico Fellini y la versión que yo he visto es la restaurada en 2010 por el laboratorio L'Immagine Ritrovata de Bolonia por iniciativa del Museo Nacional del Cine (Turín) , Cineteca Nazionale ( Roma ) y Cineteca di Bologna.

Se trata de una producción franco - italiana que contó con un mínimo guión mínimo a lo largo del cual el único verdadero protagonista es la ciudad de Roma y que está constituida por una serie de episodios con escasa conexión entre ellos, visualmente muy poéticos y que muestran las impresiones que la capital italiana dejó sobre el joven Fellini, recién llegado de Rímini , su localidad natal.

Aparte de Federico Fellini, en el guión también interviene Bernardino Zapponi, un habitual colaborador, con el que consiguió aunar diálogos curiosos, individuales y colectivos, chirriantes, groseros y sublimes, con otros escatológicos en el sentido literal del término , lleno de expresividad y en la que pasa del hiperrealismo a lo onírico, pasando por el patetismo, la crueldad, la felicidad, la desolación, lo diferente, lo extravagante, la provocación, el humor, la farándula, lo bufo, lo estrambótico, lo carnavalesco que podría resumirse todo ella en esa versión bastarda del "Bolero" de Ravel (aparentemente arreglado por Nino Rota) tocada por la orquesta de foso durante el espectáculo de variedades al estilo de Vodevil....

En este caso la película es una producción en la que interviene Turi Vasile para la productora Ultra Film y Les Productions Artistes Associés, y en la que participan tradicionales colaboradores como en el apartado musical un gran como Nino Rota, en el sonido Renato Cadueri, la fotografía de Giuseppe Rotunno, el montaje de Ruggero Mastroianni, la escenografía y el vestuario de Danilo Donati, los efectos especiales de Adriano Pischiutta y la coreografía de Gino Landi.

Aparecen en la película muchos personajes, incluso algunos conocidos y otros no tanto. Entre los actores destacan Peter Gonzales como Federico Fellini , Fiona Florence como Dolores una joven prostituta, Pia De Doses como la princesa Domitila. Renato Giovannoli como el Cardenal Ottaviani, Dennis Christopher como el hippie, Anna Magnani ( su último papel en el cine ) como ella misma entrando en su casa, Feodor Chaliapin, Jr. como actor interpretando a Julio César, además de Gore Vidal , John Francis Lane, Elliott Murphy, Federico Fellini como él mismo o Cassandra Peterson.

Las escenas en las que intervinieron Marcello Mastroianni y Alberto Sordi fueron suprimidas en copias posteriores editadas en formato VHS y DVD como está de 2010.

Intervienen igualmente Britta Barnes, Marne Maitland, Elisa Mainardi, Paule Raout, Galliano Sbarra, Paola Natale, Marcelle Ginette Bron, Mario Del Vago, Alfredo Adami, Stefano Mayore, Dante Cleri , Angela De Leo, Libero Frissi , Norma Giacchero , Gudrun Mardou Khiess, Mimmo Poli, Giovanni Serboli , Alvaro Vitali , Renato Zero y Francesco Di Giacomo.

En completa ruptura con las estructuras de la dramaturgia clásica, la película se presenta como una serie de cuentos y retablos donde Fellini evoca recuerdos de la infancia y la juventud y restaura la atmósfera de Roma en la Roma en la que vivió desde 1939 hasta el año 1943, y después igualmente aparece el presente.

Comienza con el joven Fellini en Rimini , narrando lo que aprendió sobre Roma en la escuela, con su profesor mostrándole de manera gráfica como la compleja historia de Roma tiene un momento clave en el momento en que César cruzó el Rubicón.

Después nos muestra los días de Escuela en con sus compañeros y amigos en una clase en la que ya estaba presente el peso del fascio y algunas de sus conversaciones adultas.

Lo vemos llegar a Roma en 1939 cuando la Segunda Guerra Mundial acaba de comenzar y llega a la capital italiana para estudiar. Tras la llegada a una abarrotada Estación Termini con una auténtica marea humana lo vemos subir al piso en el que pasará este periodo.

Un piso inmenso, la casa de los Palletta , llena de muchos personajes que entran y salen , que son mayores y menores, que van desde niños que le aporrean la maleta, hasta niños que evacuan y que llaman para que lo limpien. otros que comen en la cocina, junto a señoras y señores de todo pelaje, algunos quemados por una excursión a Ostia, otros encamadas como la señora de la casa que es presentada por la chica que actúa como asistente.

Poco después vemos al joven Fellini comienzo con las personas de la Pensión y otras del barrio en una calurosa noche de ferragosto comiendo comida popular desde caracoles, hasta pasta o careta de cerdo. Vemos las reacciones de muchos de los comensales en sus mesas y como interactúan con otras.
Tras esto fresco popular y tan bello como desagradable, pero muy , muy humano, vemos escenas de prostitutas en las afueras de la ciudad en la vía Flaminea que una la capital con el sur vemos como la historia pasa al presente. Vemos la llegada a la Roma moderna por una carretera abarrotada de un grupo de personas entre las que se encuentra el mismo Fellini con un equipo de rodaje.

Vemos como coincide su llegada con un atasco monumental un día en que juega el Napoli en la ciudad. Vemos la calzada llena de charcos y baches , con coches que se manchan en un importante aguacero en la Grande Raccordo Anulare azotada por la tormenta.Posteriormente entran ya de noche en la ciudad y vamos identificando algunos espacios.

Cuando el equipo ha llegado a un parque perteneciente a Villa Borghese el director habla con algunos universitarios en el momento en que llega un autocar lleno de turismo y en ese momento aparece un gigoló en busca de asuntos profesionales.

Tras esto volvemos a los años de la guerra y en concreto a un espectáculo popular en un salón de música, el Teatrito de la Barafonda, durante el bombardeo aéreo de la Segunda Guerra Mundial. Descubrimos a parte de la fauna que hemos identificado en la casa o en la plaza mientras comían, así como otros que se muestran tremendamente groseros con los artistas que no tienen reparo en contestarles capaces de devolverles un gato muerto que le han lanzado a un bailarín que intenta imitar a Fred Astaire (Álvaro Vitali), tres cantantes de cara blanca , un narrador que es abucheado. ünicamente se libran y parcialmente las mujeres y sin llevan poca ropa. Tras cortar el espectáculo para contar un parte de guerra , la actuación acaba con el sonido de la sirena.

En la actualidad el equipo de grabación va a las obras del metro que avanzan muy lentamente. Se trata de una secuencia larga, casi documental, que muestra el interior del trabajo del metro, que se estaba perforando en ese momento.

Los trabajadores regularmente descubrieron importantes sitios arqueológicos, previamente desconocidos. Fellini crea aquí un vínculo poético entre la Antigüedad y el período contemporáneo al dar a los rostros de frescos antiguos las características de aquellos que, en el mismo movimiento, los descubren y provocan involuntariamente su destrucción.

En el metro que conduce al descubrimiento de sitios arqueológicos como una villa, una vieja casa llena de pinturas murales al fresco completamente decoradas y en las que las pinturas desaparecen con la entrada del aire, ante la angustia de todos los que las ven.

También vemos momentos de los viejos burdeles, las casas de tolerancia, de la época en los días del fascismo; tanto los populares o económicos a los que iban masivamente los soldados, como a otros algo más refinados. Vemos el universo de prostitutas y la naturaleza de los que allí van en busca de frenar su líbido.

Igualmente asistimos a la decadencia de la nobleza romana visible en  un desfile eclesiástico de moda en el palacio de un vieja dama de la aristócrata, el de la Princesa Domitilla que ve como la vieja Roma aristocrática ha muerto .

En el mismo palacio tiene lugar un desfile de moda de la iglesia y sacerdotes de patinaje sobre ruedas o en bicicleta que quieren entrar en el paraíso muy rápido.

La película acaba con la Roma contemporánea y la generación del movimiento hippie . En las calles de una ciudad tomada por los hippies durante la Fiesta de Noantri en sus lugares más emblemáticos descubrimos a algunas celebridades que aparecen brevemente no sólo al propio Fellini, sino al escritor norteamericano Gore Vidal , que vivía entonces en Roma, o a la gran diva del cine, Anna Magnani , que había trabajado anteriormente con Fellini y que murió de cáncer poco después de aparecer en su película Roma .

La película termina con una idea general de un grupo de motocicletas conduciendo por las principales calles y zonas monumentales de esta Roma de noche.

Fellini en su Roma , ciudad en la que rueda esta película , aunque también en los Estudios de Cinecittá , a lo largo de la pprimavera de 1971, combina la realidad, a menudo en su forma más realista, de una Roma sucia, decadente y de aspecto medieval pero que nunca deja de ser fascinante.

Federico Fellini cuenta su juventud en Roma. En palabras de su director esta película es la "historia de una ciudad". En ella el director enlaza una serie de lienzos a modo de imágenes de la ciudad del Lazio y, a través, de su mágica y singular visión personal, la ciudad se convierte en un ser vivo.

Mezcla de documental objetivo y vivaz imaginación, el de Rímini lleva a acabo su particular homenaje a la Ciudad eterna, tomando como referencia la actualidad de la caótica ciudad, la de inicios de los setenta, llena de baches, de embotellamientos, jóvenes hippies que buscan la belleza y el amor libre, pero también los algunos de sus recuerdos escolares con su profesor cruzando el Rubicón, los días de escuela o los años previos a la Segunda Guerra Mundial, los espectáculos interrumpidos por partes de guerra y por un público impresentable, ruín y grosero o que come ruidosamente en las plazas de la ciudad y todo ello mezclado con la fantasía de un fantasioso director.

La película se estrenó en el cine Barberini de Roma el 18 de marzo de 1972, con una duración de alrededor de 130 minutos. En mayo, fue presentada internacionalmente en el marco del 25ª Festival de Cine de Cannes, fuera de concurso, el 15 de dicho mes de 1972, aunque obtuvo el Gran Premio de la Técnica cinematográfica.

Para la presentación en el mercado extranjero Fellini, de acuerdo con el productor de la película y Bernardino Zapponi, decidió reducir la película a cerca de 115 minutos. Los cortes, efectuados de manera independiente y sin intervención por parte de la censura cinematográfica, que ya había dado luz verde a la película, con la prohibición para los menores de 14 años, sólo afectaron a algunas secciones de la película, mientras que otras quedaron intactas.

La película también fue seleccionada como la entrada italiana para la Mejor Película de Lengua Extranjera en los 45 Premios de la Academia, pero no fue nominada. Sin embargo, fue Premio della critica SFCC (Le Syndicat Français de la Critique de Cinéma) a la mejor película extranjera. o sea, el Prix ​​Léon Moussinac de la Association Française de la Critique de Cinéma como la mejor película extranjera entragado en 1973.

En el mismo año, la película recibió una nominación al Golden Globe a la mejor película de habla no inglesa . También en 1973 Danilo Donati recibió un Nastro d'Argento para el escenario del Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani . El resultado es una película poética que combina la comedia, con el drama y con toques de semiautobiográfica .

Es un homenaje a la ciudad, que se muestra en una serie de episodios conectados libremente durante el pasado y el presente de Roma. La trama es mínima, y ​​el único "personaje" que se desarrollará significativamente es Roma misma.

En los Globos de oro fue nominada a la Mejor película extranjera y en los Premios BAFTA a la mejor dirección artística Roma se nos muestra como realidad multiforme, interminable y contradictoria a través de una serie de escenas y personajes heterogéneos con un estilo que pasa del lirismo a la sátira, de la nostalgia a lo truculento sin solución de continuidad.

Entre las diversas escenas no existe nexo narrativo alguno, sólo la memoria y la voluntad de recuerdo del director — se pasa de un tema a otro sin transición. Durante la edición, se cortó una escena con Alberto Sordi porque se consideraba demasiado inmoral y cruel. Sordi interpretaba a un hombre rico sentado en un bar viendo a unos niños pobres jugando a la pelota. Un hombre pobre, ciego, enfermo y cojo, cruza la calle para evitar que el hombre rico vea la escena. Alberto Sordi, molesto, comienza a gritar insultos al ciego: "¡Quítate del camino, viejo feo! ¡Fuera!".

La música de la película, compuesta por Nino Rota y dirigida por Carlo Savina, fue vendido en los Estados Unidos con el subtítulo de «The Fall of Roman Empire 1931–1972».

Fellini contrasta repetidamente la vida romana durante la época de guerra de la Italia fascista con la vida a principios de los años setenta. Las escenas de tiempos de guerra enfatizan la congregación de vecinos en los lugares públicos de Roma, como restaurantes en la calle, un espectáculo de variedades y un refugio antibombas . Con la excepción de los hippies y una escena conversacional con Fellini lamentándose de la pérdida de la vida romana con estudiantes y las escenas de la década de 1970 se encuentran entre los automóviles y las motocicletas.

Fellini hace una comparación entre el desfile de prostitutas en los burdeles de guerra y un desfile de modas de fantasía con atuendos clericales y público papal .

La trama muestra dos viajes a la Ciudad Eterna por el director. El primero es cuando era joven a fines de la década de 1930 y principios de la década de 1940. El segundo es como el director de un equipo de filmación que crea una película sobre Roma.

La película alterna entre estas dos narraciones. De ella los críticos de la época dijeron un poco de todo. Michel Duran, en The Duck Chained , el 24 de mayo de 1972 dijo de ella "Solo puedo admirar su última película, esta evocación, estos recuerdos mezclados con informes, fantasías, este vagar en la Roma de su juventud y la de hoy, sus recuerdos de clase y burdel y su satiras lanzadas con dardos  como la presentación de la nueva colección de disfraces eclesiásticos ante un cardenal.

Para Henry Chapier en ese mayo de 1972, tras verse en Cannes, comentó que b" Roma , la fantástica explosión de la película, no se detendrá para estimular nuestra imaginación de que las otras películas anémicas del Festival hayan fallado durante una semana para privarnos de un elemento esencial: la inspiración y el impulso. "

Robert Chazal , del France - Soir- escribió que es "Una sucesión de escenas brillantes y ruidosas, de bravura aplaudida, un desfile de personajes pintorescos ya menudo monstruosos con la aparición fugaz de la gran Anna Magnani , filmada en la noche mientras se va a casa. Federico Fellini lo llama. Pero desaparece después del lanzamiento: vete a la cama, Federico. Es tarde ! . "

Jean de Baroncelli , en Le Monde , afirmaba que "Saliendo de esta película tumultuosa, barroca, despeinada, y, sin embargo, dominada tan perfectamente, tan sutilmente compuesta, esta película que no se puede comparar con otras, parece estar hecha de una tela, un diferente metal, cómo no decir que, entre tantos excelentes cineastas, Federico Fellini es definitivamente uno de los pocos que realmente merece el nombre de creador. "

Jean-Louis Bory , en Le Nouvel Observateur , decía que la película era "Monumental. Este es el epíteto necesario. En primer lugar, porque esta película impresiona por la escala de su arquitectura, por la grandiosa armonía de sus proporciones, por la vigorosa originalidad con que se manifiesta el temperamento del arquitecto (sin mencionar el genio). Tan vigorosa es esta originalidad que el arquitecto se sintió obligado a compartir el papel central de la película con la estrella. "

En la alemana Wissen.de se dice que "La "Roma" de Federico Fellini no ofrece a los espectadores ninguna acción en el sentido convencional, sino que es un retrato muy personal de la ciudad de Roma, compuesto por varios aspectos. Fellini cuenta su propia historia de cómo deja su ciudad natal de Rimini cuando tenía 20 años y viaja a la capital italiana. Allí expone al espectador a una abundancia opulenta de impresiones y experiencias en las que los niveles de sueño y realidad a menudo se entremezclan ".

El mismo Paolo Sorrentino declaró que "Roma y La dolce vita son películas que no puedes ignorar cuando haces una película como esta. Son dos obras maestras y la regla de oro es verlas, no imitarlas. Yo intenté ceñirme a eso. Es verdad que las obras maestras transforman la forma en la que sentimos o percibimos las cosas. Nos condicionan. Por lo tanto no puedo negar que esas películas me hayan influenciado y guiado a la hora de hacer La Gran Belleza. Solo espero que me hayan guiado en la dirección adecuada", confesó el propio Sorrentino, que escribió el guión junto a Umberto Contarello. 

En España Miguel Ángel Palomo en El País dijo de ella que era un "Fascinante recorrido por la ciudad, entre el documental y el ensueño, entre lo naturalista y lo mágico (...) un asombrado espectador que asiste a secuencias prodigiosas - el desfile de modas eclesiástico, el recorrido por los burdeles- envueltas en el barroquismo visual de la puesta en escena de un director que vuelca una ilimitada pasión en la imágenes, en las calles, en la gente que habita la Ciudad Eterna."

El propio Federico Fellini reflexionado sobre su manera de concebir el cine llegó a decir que " Es evidente que la lectura intensa de esas historias, en una edad en que las reacciones emotivas son tan inmediatas y frecuentes, condicionó mi gusto por la aventura, lo fantástico, lo grotesco y lo cómico. En este sentido es posible encontrar una relación profunda entre mis obras y los cómics norteamericanos. De sus estilizaciones caricaturescas, de sus paisajes, de los personajes siluetados contra el horizonte, me han quedado imágenes felizmente "chocantes", imágenes que de vez en cuando vuelven a aflorar y cuyo recuerdo inconsciente ha condicionado el elemento figurativo y las tramas de mis películas"

Eso explicaría que la película sea capaz de mezclar lo que surge de la memoria - habitualmente intencionalmente deformada - y lo conjuga con el presente, en una mezcla de realidad y fantasía.

A esto se suma que Roma es un magnífico escenario de película y son las calles de Roma y sus romanos los grandes protagonistas como lo han sido en otras muchas , desde el Ladrón de Bicicletas , hasta Vacanze Romane, pasando por la misma Dolce Vita o La Gran Belleza de Sorrentino, o que nos permite encontrarnos una obra de arte en esta muy querida Roma de mi corazón.


domingo, 17 de junio de 2018

Sicario, familia y negocio


Todos sabemos lo que significa Sicario es español, pero se me había olvidado que venía del término sica o daga algo que llevaban una de las sectas judías, en concreto los zelotes, para matar por sorpresa - llevaban oculta la daga bajo la túnica- a los ocupante romanos. Supe de aquello en el año 1981 cuando en religión nuestro profesor nos dio una clase de teología sobre lo que supuso Judas Iscariote al considerar que Cristo no era el Mesias del pueblo por lo que apostó por la traición y la venganza. 

Posteriormente ese término de Sicario ha pasado al lenguaje del hampa y carcelario para referirse como "Sicario" a un asesino a sueldo que mata a alguien por encargo de otro, por lo que recibe un pago, generalmente en dinero u otros bienes. En el mundo del hampa, especialmente en el de la delincuencia y de la droga ha tenido un éxito absoluto. Sicario es como se señala al inicio de la película el equivalente del término en inglés de ' hitman ' 

Y de esto trata esta película estadounidense del año 2015, del narcotráfico y crimen, pero también de la familia y de los oscuros negocios que llevan a convertir al hombre en un lobo contra otros para completar su venganza. 

En este caso la película estuvo dirigida por Denis Villeneuve , guionista y director de cine canadiense, en concreto de la zona de Quebec, y que, entre otros proyectos y películas, fue el responsable de dirigir la secuela de Blade Runner (1982) de Ridley Scott titulada Blade Runner 2049. La película es una producción en la que participan Basil Iwanyk, Molly Smith, Trent Luckinbill, Thad Luckinbill y Edward McDonnell vinculados con la productoras Black Label Media y Thunder Road Pictures, así como de Lionsgate, para la distribución. Se invirtió en la película unos $ 30.000.000. 

En este caso el guión estuvo escrito por Taylor Sheridan. Villeneuve, eso sí, contó con un equipo de técnicos habituales como Jóhann Jóhannsson en la música y Joe Walker en el montaje. En la fotografía contó con Roger Deakins, que había colaborado en otras películas con el canadiense.

La película está protagonizada por Emily Blunt como Kate Macer, Benicio del Toro como Alejandro Gillick y Josh Brolin como Matt Graver. Junto a ellos aparecen Jon Bernthal como Ted , Victor Garber como Dave Jennings, Daniel Kaluuya como Reggie Wayne , Maximiliano Hernández como Silvio, Jeffrey Donovan como Steve Forsing , Julio Cedillo como Fausto Alarcón, Raoul Trujillo como Rafael, Bernardo P. Saracino como Manuel Diaz, Hank Rogerson como Phil Coopers y Lora Martínez Cunningham como Jacina 

La historia comienza en Chandler, Arizona , una localidad próxima a Phoenix , en el área desérdica, dominante en la zona. Allí vemos como un equipo de Agentes del Grupo de Respuesta a Incidentes Críticos del FBI liderado por Kate Macer (Emily Blunt), una idealista agente del FBI, y auxiliado entre otros por Reggie Wayne (Daniel Kaluuya) inician una incursión en una casa franca del cártel mexicano de drogas. Su intención es liberar a unos secuestrados. 

La operación tiene éxito, aunque al llegar a una habitación uno de los narcos dispara contra Kate, aunque ella lo elimina. Del boquete resultante en la pared Wayne descubre, en principio, un cuerpo y , tras un trabajo más detenido, docenas de cadáveres en descomposición emparedados en la pared. Cuando van a salir de la casa, uno de los agente encuentra un zulo y , sin querer, activa una trampa explosiva que mata a dos oficiales. 

Después de la redada, el jefe de Kate Dave Jennings (Victor Garber) la recomienda para trabajar en un equipo para intervenir en una tarea conjunta especial del Departamento de Justicia , supervisada por Matt Graver (Josh Brolin), un hombre de aspecto chulesco que va a la reunión en chanclas, y que se plantean arrestar al teniente del Cártel de Sonora, Manuel Díaz, que según cree Kate está en la localidad estadounidense y fronteriza de El Paso. 

En un jet privado sube Kate, junto a Matt y otro agente, Alejandro Gillick (Benicio del Toro), un hombre lacónico que apenas habla y que sólo sabe que es , según ha dicho, natural de Cartagena de Indias (Colombia) con destino a El Paso, Texas . Nada más llegar Kate asiste a una reunión en la que , además de Matt y el reservado Alejandro Gillick hay Marshals de los EE. UU. , agentes de la DEA, dos texanos ¿Rangers? y una unidad del Delta del Ejército de los EE. UU. 

Ante la sorpresa de Kate el equipo viaja a una ciudad en la que ninguno de ellos tiene jurisdicción, Ciudad Juárez , en México, con el fin de extraditar a Guillermo Díaz, uno de los principales hombres de Díaz y hermano del jefe del cártel. 

Tras ir custodiados por helicópteros y ayudados por drones o satelites vemos que entran en México sin dificultad alguna, pues todos los pasos le están abiertos. Allí, Kate, ve alguno de las actuaciones favoritas de la gente del artes con ahorcamientos y mutilaciones. 

Tras coger a un integrante del cártel y secuestrarlo en grupo retoma su camino en dirección a los Estados Unidos. Kate ve como , en calles paralelas, su vehículo es seguido por coches de la policía hasta que desaparecen por el damero de las calles. 

Ya , una vez cruzado la línea fronterizo son frenados por un atasco, posiblemente planificado por el cártel para hacer una espacio de operación jaula y liberar al integrante de la organización. Pero Alejandro , que es un experimentado hombre que conoce el medio, identifica a un grupo de sicarios y el equipo integrado por los estadounidenses se adelanta a una emboscada matando rápidamente a muchos pistoleros del cártel mexicano. Kate , de hecho, acaba con uno de los asaltantes. 

Ya en los Estados Unidos, el grupo va a una base aérea estadounidense. Allí Matt intenta sacar información al hermano del jefe, pero este se niega. 

Así que va Alejandro y tortura sin miramientos a Guillermo. Durante la tortura éste le cuenta que hay un túnel que los Díaz usan para contrabandear drogas a los EE. UU. Kate, mientras tanto, comienza a cuestionar la legalidad de los métodos del equipo y se pregunta por quién trabajarían realmente Matt y Alejandro. Al atardecer ve lo que llaman "fuegos artificiales" en la ciudad mexicana, ya que este tipo de acciones genera inestabilidad en las organizaciones dedicadas a la droga. 

Tras la información, el equipo viaja a una estación de la Patrulla Fronteriza de Arizona para interrogar a inmigrantes ilegales que acababan de ser detenidos. Los únicos que finalmente van a ser cuestionados son aquellos que han sido detenido en la zona fronteriza de Nogales. 

Reggie y Kate exigen saber el plan de Matt; y él revela que el objetivo es interrumpir las operaciones de drogas de Díaz hasta tal punto que Díaz sea llamado de regreso a México por su jefe, el escurridizo narcotraficante del Cartel de Sonora, Fausto Alarcón, y al seguir a Díaz encontrarán el refugio local de Alarcón. 

Para obligar a la llamada de Diaz, el equipo realiza un allanamiento en un banco que es utilizado por los blanqueadores de dinero de Díaz, interrumpiendo su flujo de caja. Detienen a una blanqueadora que ingresa a diario unos 7.000 dólares en cuenta, además descubren que los beneficios son exagerados. Kate descubre que los fajos de dinero van siempre en unas pulseras de plástico de color amarillo y rosa. Tras esto una amargada Kate va junto a su compañero Reggie un bar. 

Allí éste le presenta a Kate a Ted (Jon Bernthal), un amigo y oficial de policía local. Kate y Ted, también divorciado como ella, se divierten bailando y luego van a su apartamento para disfrutar de la noche. Pero Kate se da cuenta de que él también trabaja para el cártel al descubrirle una de las pulseras. 

En la lucha inmediata Ted está apunto de asfixiar a Kate estrangulándola hasta que Alejandro aparece de repente y lo somete. Alejandro y Matt revelan que la siguieron como cebo, sospechando que el cártel enviaría a alguien detrás de ella después de que fue vista por las cámaras de seguridad en el ataque bancario algo que intentó impedir Matt al pedirle a ella que no saliera del coche. 

Alejandro y Matt torturan a Ted para que revele los nombres de otros oficiales que trabajan para Díaz. Además, pronto se enteran de que Díaz está siendo llamado a México, pero Kate argumenta que no tienen jurisdicción en México. 

Matt le dice condescendientemente que solo la estaba usando: su puesto de oficial de la ley estadounidense les otorgó permiso legal para operar dentro de los EE. UU. Reggie , que además de ser agente es licenciado en derecho, informa que él y Kate se van, pero ella insiste en unirse a la incursión por el túnel de Nogales para completar la actuación. 

El equipo estadounidense mata a todos los hombres que encuentra en el túnel, y Alejandro llega al otro extremo del túnel donde secuestra a una de las mulas de drogas de Díaz, un corrupto oficial de policía mexicano llamado Silvio (Maximiliano Hernández), que está en el complejo descargando droga para que pasara a los EE.UU vça tunel, y del que hemos ido conociendo su vida familiar aparentando ser un buen padre de familia y esposo al que gusta jugar al fútbol con su hijo. Kate llega e intenta arrestar a Alejandro, quien le dispara a su chaleco antibalas antes de irse con Silvio en su coche patrulla. 

Kate regresa al lado estadounidense del túnel donde se enfrenta a Matt. Matt le explica la realidad de la situación, incluso de la de Alejandro. Y es que al deshabilitar al Cártel de Sonora, intenta que vuelva la situación a su punto de partido cuando había un solo cártel, el de Medellín , que manejaba el tráfico de drogas. Esto en última instancia devolvería el orden a la industria, sabrían contra quién luchar y así se reduciría la violencia extrema que da lugar la lucha entre bandas hasta que los estadounidenses dejen de consumir cocaína, esto es lo mejor que pueden esperar. Por su parte le comenta que Alejandro, que trabajaba para el cártel de Medellín, fue contratado para asesinar a Alarcón. Matt le explica a Kate que Alarcón había ordenado el asesinato de la esposa y la hija de Alejandro, y que esta es la oportunidad de venganza de Alejandro. 

En Ciudad Juárez, ya internado en México, Alejandro localiza a Díaz en la carretera, y a punta de pistola lo obliga a continuar hacia la hacienda de Alarcón, antes mata a Silvio. Alcanzando la propiedad de Alarcón, Alejandro, con la ayuda de la tecnología de vigilancia de los Estados Unidos, mata a Díaz al degollarlo y a todos los guardias. 

Finalmente encuentra a la familia Alarcón en su mesa, cenando. Alejandro acusa a Alarcón de asesinar a su familia y a muchas otras, y éste le responde que no era nada personal, sino que fue la necesidad del negocio, y al instante dispara a su esposa y a sus dos hijos antes de matarlo. 

Por último, vemos que, a la mañana siguiente, Alejandro aparece en el apartamento de Kate donde la obliga a punta de pistola a firmar una renuncia que legitima la operación. Cuando se va ella apunta su pistola hacia él mientras hace contacto visual con ella, pero no puede apretar el gatillo. Mientras en Ciudad Juárez, la viuda de Silvio ve el partido de fútbol de su hijo. El juego es brevemente interrumpido por el sonido de disparos, antes de continuar. La vida sigue y la película acaba. 

El rodaje principal comenzó el 30 de junio de 2014 en Albuquerque y sus alrededores así como en Los Corrales en Nuevo México. También se rodó en ​El Paso, Texas, en la Ciudad de México y en su Distrito Federal. Según el director Denis Villeneuve , la película fue concebida en el momento álgido de la violencia en Juárez en 2010. 

Según Sebastián Rotella , corresponsal extranjero estadounidense y periodista de investigación, Sicario examinó muchos aspectos de la guerra contra las drogas de Estados Unidos contra los cárteles de la droga en México , Centroamérica y Sudamérica . 

La película es vista desde una perspectiva estadounidense y señala que la situación del tráfico ilegal de drogas en México se ha mantenido establr en gran medida en las dos décadas anteriores al lanzamiento de la película, y que la película afirma que la Guerra contra las Drogas le está "convirtiéndonos en los mismos monstruos que estamos tratando de derrotar". Rotella afirma que se ha avanzado en México y expresa reparos por la descripción de la "campaña de operaciones ilegales " de la película, en relación con su experiencia de que la mayoría de las operaciones estadounidenses resultaron en arrestos y enjuiciamientos de narcotraficantes. 

El 6 de diciembre de 2013, se anunció que Denis Villeneuve dirigiría este drama sobre la frontera Mexicana;siguiendo el guión de Taylor Sheridan, que estaría financiado por Black Label y con la producción a cargo de Thunder Road Pictures. Basil Iwanyk produciría la película junto a Molly Smith, Trent Luckinbill y Thad Luckinbill. Emily Blunt se involucró con la película en abril de 2014, como protagonista que iba a desempeñar el rol de Kate Macy, una policía de Tucson que viaja a través de la frontera de México para realizar el seguimiento de un narcotraficante. Más tarde se unió Benicio del Toro . 

El 6 de mayo, Lionsgate adquirió los derechos para la película, mientras que Lionsgate Internacional estaría a cargo de la comercialización exterior. Jon Bernthal y Josh Brolin se unieron a la película en mayo, y el director de fotografía Roger Deakins también fue contratado y que ya había trabajado con Villeneuve en 2013, en otra película anterior, Prisoners. Daniel Kaluuya , Maximiliano Hernández y Jeffrey Donovan fueron elegidos, y Jóhann Jóhannsson fue contratado para componer la música para la película en agosto de 2014. 

Una vez rodada y tras acabar su fase de postproducción Sicario fue seleccionado para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes 2015 . Allí asistieron entre otros tanto el director como los tres principales protagonistas: Josh Brolin, Emily Blunt, Denis Villeneuve y Benicio del Toro. Fue aclamada por la crítica. 

Tras la misma, la película tuvo un estreno limitado en Estados Unidos el 18 de septiembre de 2015 y posteriormente su estreno general fue entre el 25 de septiembre de 2015 y el 2 de octubre de 2015. El éxito en taquilla fue total: 84 869 984 dólares estadounidenses. La valoración de la crítica ha sido en general muy positiva. 

El crítico del Chicago Sun Times, titular tras la muerte de Rogert Ebert, Richard Roeper la catalogó como una de las mejores del año, y aplaudió la actuación de Del Toro, diciendo, "... luego está Del Toro, que acecha en los márgenes de la acción durante la mayor parte de la historia, y luego se mofa en acción en un puñado de escenas en una variedad de formas que te dejarán conmocionado y agradecido por haber visto un trabajo tan maravillosamente oscuro ". Y concluyó diciendo que era "Una historia extrema, brutal, compleja y en ocasiones, enfermizamente violenta, una de las mejores películas sobre el dominio de las drogas en nuestra cultura desde la 'Traffic' de Soderbergh (...) 

Scott Foundas en Variety comentaba que era "Un thriller feroz e intenso sobre el tráfico de drogas, que combina la experta acción y el suspense con otra pregunta incómoda sobre las consecuencias emocionales de la violencia." 

Lou Lumenick desde su columna en el New York Post afirmaba que "La interpretación de Emily Blunt es digna de Oscar (...) 'Sicario' es increíblemente intrigante, cargada de acción bien diseñada y llena de sorpresas sinuosas. Brolin y del Toro también están espectaculares" 

Entendía Jessica Kiang en Indiewire que era "Increíble para la vista, increíble para el oído (...) 'Sicario' (...) es superlativamente sólida en todos los aspectos imaginables, excepto la historia." 

Por su prte, Stephanie Merry del The Washington Post se preguntaba si "¿Es una película de horror o una fábula moral de autor? La reputación del director Denis Villeneuve (...) sugiere que lo último. Pero la distinción no hará que tus pesadillas sean menos espantosas" 

Todd McCarthy en The Hollywood Reporter señaló que era "Un drama sobre la droga abrasador y magníficamente elaborado." Y Colin Covert del Minneapolis Star Tribune pensaba que "Combinando una acción implacable con la historia de una mujer enfrentándose a un sistema corrupto, golpea con la impactante energía de un visceral golpe en el estómago (...) " 

Igualmente,  Peter Travers en la Revista Rolling Stone afirmaba que "'Un escenario para una acción hirviente (...) Aun así, es en el expresivo rostro de Blunt en el que 'Sicario' escribe su más oscura poesía. Prepárate para ser embrujado por un buen rato (...) " 

Dan Jolin de la británica Empire dijo de ella que era "un thriller maravillosamente turbio y de bordes duros. Simplemente, una de las mejores películas del año". 

Otro británico, Peter Bradshaw, de The Guardian elogió la actuación de Emily Blunt, Benicio del Toro y Josh Brolin. Afirmó que aunque su personaje, Kate Macer, era inverosímil, Emily Blunt "descarta cualquier posible absurdo con un gran enfoque y frente de actuación". Y añadió que "[Villeneuve] toma el control de una película de un género hollywoodiense, y lo gestiona con gran talento sin ningún arrogante exceso de reflexión, lo cual no quiere decir que no sea inteligente. Como thriller de acción, cumple su cometido. (...) 

Para Fionnuala Halligan de Screendaily lo más interesante esta "Presentando las guerras de droga de una manera muy cinematográfica, pero nada superficial, 'Sicario' es muy oscura, pero también excitante (...) Un viaje al corazón de las tinieblas satisfactoriamente retorcido" 

En España Carlos Boyero en El País comentaba que "Villeneuve no te permite ausentarte ni un momento de su durísima crónica. Su estilo visual impresiona y maneja con inteligencia el ritmo y el suspense (...) pone el listón muy alto en las historias sobre la inacabable guerra de la droga" En este mismo diario, Javier Ocaña escribía que "La película linda con todos los géneros: el cine de acción, el thriller, el espionaje, el bélico, el cine político (...) 'Sicario' es otra de esas películas sobre el aquí y ahora que explican nuestro mundo y te obligan a tomar partido." 

Luis Martínez en el El Mundo decía que "Un autor en Hollywood. (...) Impresiona el nervio de un relato que discurre sobre la retina del espectador en permanente vibración. (...) el relato adquiere la tensión nerviosa de lo oscuro, de lo incómodo, de lo viscoso (...) " Y en este mismo diario Carlos Reviriego decía que "Nos lo hemos pasado bien con esta enésima exploración sobre el callejón sin salida del narcotráfico (...) pero 'Sicario' no termina de transmitir el salvaje infierno de crueldad y archiviolencia del crimen mexicano" 

Oti Rodríguez Marchante en ABC escribió que se trataba de "Un thriller terrorífico sobre el cuerpo poliédrico de la ley, el orden y la ética de frontera (...) tiene la importante cualidad de mantenerte pegado a la butaca como en el despegue de un avión." 

Sergi Sánchez en La Razón consideraba que "Hay algo épico en sus imágenes (...) pero no puede evitar la sensación de que esta historia la hemos visto millones de veces, y desde perspectivas más interesantes" 

Para Salvador Llopart en el barcelonés La Vanguardia se trataba de "Un poema oscuro (...) muy en la línea de 'Traffic' de Soderbergh (...) la violencia, siempre presente, se intuye más que se ve. Lo que se observa con pasión, y sin tergiversaciones, es a las víctimas de esa violencia" 

En Fotogramas se dice que 'Sicario' intenta parecerse a la extraordinaria 'La noche más oscura' (Kathryn Bigelow, 2012), y fracasa en el intento. (...) La probada capacidad de Villeneuve para crear tensión queda aquí mermada, salvo en algunos (grandes) momentos" Igualmente aquí, Jordi Costa consideraba que "'Sicario' no tiene el afán totalizador de 'Trafic' (2000). Tampoco su maniqueísmo. (...) Villeneuve esquiva el riesgo del cliché a través de una mirada más cercana a lo poético que a las exigencias de un relato de género." Y en Cinemanía Nando Salvá afirmaba que "Villeneuve, confirmado ya como retratista ejemplar de los más lúgubres paisajes humanos, se las arregla para mantenernos dos horas con los músculos duros como piedras y la ansiedad por las nubes. (...) " 

En l ahora fría Argentina, entrando en su inviernos austral,  Pablo O. Scholz en las páginas de Clarín comentaba que "Dentro de los muchos puntos a favor que tiene 'Sicario', además de la bravura con que está narrada, el manejo de la tensión y el suspenso que tiene Villeneuve, se suma que, (...) aquí no hay buenos ni malos." Y en este mismo diario, Gaspar Zimerman escribía que "Intenta un planteo moral (si el fin justifica, o no, los medios), pero tiene un guión flojo, lleno de baches, y no es más que otro de los productos en serie made in Hollywood." 

Fernando López, por su parte, para La Nación consideraba que "'Sicario' vuelve a demostrar la sobrecogedora tensión que Villeneuve es capaz de imponer a sus relatos." 

La película obtuvo bastantes premios y reconocimientos en forma de nominaciones desde que fue a la Sección oficial largometrajes a concurso en el Festival de Cannes. 

En los más prestigiosos, los Oscar obtuvo tres nominaciones: Roger Deakins en fotografía, Mejor banda sonora para Jóhann Jóhannsson y Mejor edición de sonido para Alan Robert Murray 

En los Premios BAFTA obtuvo tres nominaciones, incluyendo actor de reparto (Del Toro), Mejor música original (Jóhann Jóhannsson) y Mejor fotografía (Roger Deakins). 

En la National Board of Review (NBR) se incluyó entre las Mejores 10 películas del año que fue encabezada por Spotlight. En los Satellite Awards obtuvo Joe Walker el premio al mejor montaje y de sus hasta cinco nominaciones a la mejor película, mejor actor de reparto , mejor fotografía y mejor sonido. 

En los Hollywood Film Awards el ganador fue al actor de reparto del año Benicio del Toro En el Premio de la Crítica de Washington DC. la nominación fue a la mejor película, fotografía (Roger Deakins), montaje (Joe Walker) ganando en mejor banda sonora (Jóhann Jóhannsson) En los Critics Choice Awards tuvo cinco nominaciones incluyendo mejor película, , Mejor actriz en una película de acción (Emily Blunt), Mejor película de acción, Mejor banda sonora (Johann Johannsson) y Mejor fotografía (Roger Deakins). 

Después tuvo reconocimientos tanto a la mejor película y mejor actor de reparto para Benicio del Toro en los Premios de la crítica de Detroit , los de San Diego nominaron a la Roger Deakins y Joe Walker a la mejor fotografía y mejor montaje, además de mejor diseño de sonido y uso de música. También el Círculo de Críticos de Phoenix valoró la música de Jóhann Jóhannsson y ganó el premio a la Mejor película de thriller o misterio. 

Los críticos de San Francisco nominaron a Benicio del Toro, pero también a Taylor Sheridan como mejor guión original, y a Roger Deakins y Joe Walker. 

La Online Film Critics Society nominó a Sicario como mejor película, mejor director (Denis Villeneuve), actor de reparto (Benicio del Toro) - lo mismo que hicieron los de la Asociación de Críticos de Carolina del Norte- , mejor guión original (Taylor Sheridan), montaje (Joe Walker), fotografía (Roger Deakins). 

Los críticos de Chicago premio a Benicio del Toro y nominó la fotografía de Roger Deakins. Y los de Houston como mejor película, mejor actriz (Emily Blunt), fotografía (Roger Deakins) - como también harían los de Florida- , incluso mejor póster. 

Los críticos de Kansas valoraron mucho y muy la labor de la película y actores , así como técnicos nominándola a la mejor película, director, actriz , actor de reparto y guión original. Muchas nominaciones tuvo igualmente para la Asociación de críticos de Ohio Central, la de Seatlle y la de Georgia. 

Los de Las Vegas además de mejor película coincidieron con la anterior en la actriz añadiendo la fotografía y banda sonora. Y en Texas, los de Austin nominaron a Benicio del Toro , a Taylor Sheridan y Roger Deakins y consideraron que era de los Top 10 del año. 

El Sindicato de Productores (PGA) la nominó a la Mejor película en las personas de Basil Iwanyk, Edward L. McDonnell, Molly Smith Mientras que el Sindicato de Guionistas (WGA) lo hizo al Mejor guión original para Taylor Sheridan y el de montadores y editores de Cine de Estados Unidos lo hizo en la persona de Joe Walker. 

El Gremio de directores artísticos nominó a la mejor dirección artística en película contemporánea a Patrice Vermette, responsable de ello en la película; y el de Gremio de directores de fotografía (ASC) a Roger Deakins , mientras que el Gremio de editores de sonido nominó al Mejor montaje de sonido a Alan Murray y mejor montaje de diálogos. 

En Europa los críticos de Londres nominaron a Benicio del Toro y a Emily Blunt como mejor actriz británica; aunque también valoraron premiarla al mejor logro ténico en su diseño de sonido (Tom Ozanich). La International Cinephile Society nominó a del Toro al mejor actor de reparto y los británicos Premios Empire a la mejor actriz Emily Blunt , mejor película thriller y mejor música. 

A pesar de sus múltiples premios la película recibió críticas de los espectadores en México por su descripción de la ciudad de Juárez , algo que también se recogió entre los críticos profesionales de México. 

Antes de la publicación de la película, el alcalde de Juárez, Enrique Serrano Escobar, instó a los ciudadanos a boicotearla, creyendo que la película presentaba una imagen falsa y negativa de la ciudad. Dijo que la violencia representada en la película era precisa hasta alrededor de 2010, y que la ciudad había avanzado en la restauración de la paz. 

Entre los críticos profesionales, Sergio López Aguirre de Cine Premiere dijo de la película que "Villeneuve demuestra una maestría en la ejecución de una historia totalmente ajena a su nacionalidad (...) demostrando una sensibilidad que pocos directores (...) manejan ante grandes presiones y presupuestos. " 

Para Leonardo García Tsao de La Jornada contrasta "La dirección de Villeneuve mantiene constante la tensión del relato y la fotografía del gran Roger Deakins le confiere un aire amenazante a los desolados paisajes fronterizos. Pero el tema sigue siendo simplificado por una mirada extranjera incapaz de profundizar sobre sus causas y procesos." 

Salvador Franco del Excélsior comenta que "'Sicario' se pierde en su simpleza y termina por decepcionar a un público que después de tanta acción tan brillantemente construida, esperaría una resolución mucho más compleja." En este mismo diario, Lucero Solórzano añade que "Villeneuve dirige un espléndido cuadro de actores en el que brillan con luz propia (...) Villeneuve no establece bandos a un lado y otro de la frontera. Más bien se detiene sutilmente en las víctimas colaterales" 

En otro país afectado históricamente por la lucha por el control del mercado de la droga, Colombia, tampoco pasó inadvertida. Mauricio Reina de El Tiempo informa que "Aparte de su admirable talento cinematográfico, [Villeneuve] sabe sacar partido del buen trabajo de Brolin, quien tiene todos los matices que debe tener un malo de veras, y Blunt, quien combina el arrojo con la vulnerabilidad." Y Manuel Kalmanovitz G. de la revista Semana afirma que "Muestra de forma tensionante los problemas morales implícitos en la persecución del narcotráfico. (...) " En esta misma, Gustavo Valencia Patiño comenta que la película "[Presenta] una diversidad de sucesos y de acontecimientos que le van imprimiendo ritmo al relato, como también un viso de realismo muy interesante el de realzar este conflicto interno entre estos órganos estatales." 

Una secuela, Sicario: Día del Soldado , comenzó a rodarse en noviembre de 2016 y está programado para ser lanzada en este mes de junio de 2018. Lionsgate ha encargado una continuación centrada en el personaje de Del Toro, subtitulado Soldado . El proyecto está siendo supervisado por el escritor Taylor Sheridan con Villeneuve también involucrado. En abril de 2016, los productores Molly Smith y Trent Luckinbill dijeron que Del Toro y Brolin regresarían. Pero hace dos años, en junio de 2016, el cineasta italiano Stefano Sollima fue contratado para dirigir, y Villeneuve ya no está disponible debido a conflictos de programación. La fotografía principal comenzó el 8 de noviembre de 2016 en Nuevo México. 

Por mi parte diré que la película está muy bien en todos los sentidos. Se ve una dirección bien llevada, un gran guión de Taylor Sheridan, y unas actuaciones muy convincentes. A nivel técnico destacar la nítida y tan luminosa como terrosa fotografía de Deakins con grandes fotogramas muy bien rodados y con un ritmo que mantiene la tensión en todo momento. El resultado final es un "thriller" intenso , entretenido, algo maniqueo, con momentos de intensa violencia, que no da tregua ni respiro alguno.