Canelo

El cine de animación es muy dado a reconocer cono héroes a los protagonistas de fábulas o historias increibles que se alejan de lo normal. Este es el caso de un perro, Canelo, que permaneció 12 años a las puertas del hospital Puerta del Mar de Cádiz, donde estaba ingresado su dueño, una persona sin hogar, que finalmente perdió la vida. 

La ciudad, una ciudad con mucho mundo mágico, el protagonista de esta historia que parecen que muchos recuerdan, pasó entonces a ser acogido por algunos gaditanos. Se le proporcionaba cuidados y atención, hasta que fue atropellado en el año 2002, dada la edad del animal y sus limitaciones visuales. 

Esta historia de fidelidad ha traspasado fronteras y ha llegado a Estados Unidos, donde Animagic Studios la ha convertido en un corto animado. El director de la cinta, Jordi Ayguasenosa, nos cuenta que conocieron la historia del perro gaditano a través de internet y que les pareció muy entrañable. Ha sido un año de producción y de trabajo que ha emocionado a todos los miembros del equipo, amantes de los animales. 

La cinta, que se ha presentado en más de medio centenar de festivales por todo el mundo, ha obtenido ya numerosos reconocimientos como los galardones en festivales tanto de California como de Canadá.

Coincidiendo con el Día Internacional del Perro, el pasado 26 de agosto el cortometraje "Canelo" se estrenaba en Youtube para celebrar el amor, la fidelidad y la compañía que los perros aportan a nuestras vidas. 

El corto empezó a producirse en 2021, después de tres años se estrena para todos los públicos. “Hemos estado un año trabajando en él. El resto del tiempo lo hemos dedicado a presentarlo a festivales” declaró al Correo de Andalucía su director. 

Canelo ha hecho mella en los festivales de diferentes puntos del mundo como en el Indie Short Fest de Los Ángeles o en Canadian and International Short Film Festival, donde ha recibido distintos galardones. 

Una bonita historia de lealtad algo que no ha de envidiar la de Hachiko en el Japón de 1924 con su dueño, Hisesaburo Ueno, un profesor del Departamento de Agricultura en la Universidad de Tokio. Pero esa es otra historia.

Ataun of the dead

Buscando una canción de Kepa Junquera me he encontrado en Youtube con un corto divertido, en tono de comedia y a la par absurdo que responde a esta era en la que lo zombie tiene un valor añadido.

Se trata del corto Ataun Of The Dead realizado en a la par por los arqueólogos Beñat Iturrioz y Xabier Padin responsables no sólo de la dirección sino también en parte de la música y del reparto. Ataun , el pueblo del que en parte procede mi familia, es el lugar en el que se produce un apocalipsis zombie de trascendencia local pero con aristas en la política pasada y presente.

El corto que apenas dura veinte minutos cuenta con la fantástica música de David Larrañaga, Harri Iturrioz, Beñat Iturrioz, (Azti Begia ) así como con la fotografía en gran medida en blanco y negro, aunque en un momento dado cuando huye la protagonista vegana y entra en un local del pueblo adquiere una brillante coloración, con un rojo sanguíneo como dominante.

El reparto está integrado por Jaione Irazu como Begana, Xabier Padin como Jon Tomás, Beñat Iturrioz como Josu Jon Tomas , Xabier Kueto como Andoni y Etxahun Galparsoro como Zumalakarregi. Además aparecen Gorka Bereziartua como Kazetaria, Etor Telleria como el Segurarra, así como David Lopez y en papeles de zombies Julen Aldabe, Xabier “Petxugas” Andres, Xabi Arka, Pablo Bengoetxea, Gorka Estonba, Pablo Flores, Harri Iturrioz, Ihintza Iturrioz, Aritz Kalbete, David Larrañaga, Asier Oiarbide, Aritz Ostolaza, Oskarbi Sein, Chiara Torres.

La película comienza con un travelling en el que vemos a la chica protagonista que sube por la alta de la ladera de una montaña cercana al Txindoki y que huye de una horda zombie integrada por ataunarras infectados por un virus mortal que, tras seguirla, llevando palos y hoces en la mano alguno de los paisanos, en un momento atrapan a la chica, comenzando asi Ataun of the dead.

Tras eso comienza en un largo flashback que ocupa el resto de la historia con la presencia de dos convencidos y nostálgicos carlistas que están experimentando en un laboratorio con el fin de crear una fórmula que recupere para la vida a un paisano de la comarca , el general Zumalakarregi, muerto como todos sabemos en el sitio de Bilbao y cuya muerte supone el inicio del fin a la causa carlista. Una canción nos muestra una glosa del militar fallecido.

Los intentos de regenerar al militar vasco están ligados a la reciente llegada a la Lehendakaritza del primer presidente no nacionalista, Patxi López, al que consideran un ser abominable como en el siglo XIX, lo fue la regente María Cristina bajo cuya regencia muere el glorioso militar. Como ya he dicho los dos científicos carlistas pertenecientes a la organización EKA , intentan resucitar a Zumalakarregi, al Napoleón Vasco, al León de Ormaiztegi .

Para ello están utilizando todo tipo de fórmulas que van desde el uso de nueces, mezclado con agua Insalus y la necesaria Cuajada, al que se suma otras sustancias como el Paté Vasco de M. Etxenike. A todo ello se le suma música de la tierra que va desde Xabier Lete a otras canciones viejas. Tras la llegada de Andoni con su porte de Idiazabal y con su informe preparado , ellos se despistan por lo que del ensayo algo sale mal, cuando ellos van a tomar un "caldo de patxarán", y el líquido preparado contamina el queso de Idiazabal que había llevado Andoni , y que iba a presentar en el concurso de Idiazábal. Tras tomar el caldo juegan una partida de dardos apuntando a una imagen de maría Cristina pero con la foto de Patxi López.

Posteriormente vemos a la vegana - o Begana- , una chica rara según los dos Tomás, pues no come carne ni va a las sidrerías. Tampoco come queso como le recuerda al tendero cuando le ofrece un poco de Idiazábal para probar.

Pero antes de salir de la tienda recibe el ataque del tendero ya transformado en zombie tras comer el queso. A su salida descubre que gran parte del pueblo y de los habitante de Ataun se han convertido en Zombies que la sigue por los rincones de San Martín y , posiblemente, del lejano, San Gregorio.

Ella huye adentrándose por los rincones del pueblo. Entrando en una taberna y pasando del blanco y negro al color , en la que cuatro chicos zombies juegan a las cartas , hacen un amago de atacarle, pero está la partida. Así que ellos siguen a lo suyo.

Posteriormente - y otra vez en blanco y negro-  los dos integrantes del EKA, desconocedores de todo, ven un reportaje sobre la feria del queso en el pueblo más largo de Gipuzkoa, así que un equipo de televisión trasladado a Ataún entrevista a uno de los foráneos que han ido a la ferie. En concreto el entrevistado es un chico de Segura, al que le gusta el queso, pero que reconoce ante su vergüenza que jamásha subido el Txindoki, algo imperdonable para uno del Goierri.

Sin embargo, la entrevista se ve interrumpida por la presencia de un zombie que, ataca - no podía ser de otra al irresponsable de Segura.

Tras el ataque los dos integrantes del comando Karlista que intenta revitalizar al general, conocedores que una de las claves para revivirlo puede ser la mezcla de la sangre de un infectado decide dar un golpe genial: secuestrar a la única chica que no es zombie, evidentemente, la vegana como colocarla en un árbol cerca del lugar en el que está enterrado el héroe militar.

Tras desplazarse al pueblo toman como rehén a la chica y la atan a un árbol cerca del enterramiento de Don Tomás. Tras atraer a un zombie tocando el txistu y una pandereta consiguen tumbar a uno. Posteriormente abren con sus manos la fosa y descubren para su sorpresa que bien está conservados el militar al que ponen sangre del zombie.

Tan emocionados están que no ven como dos paisanos ataunarras les atacan, justo en el momento en que la vegana huye ladera abajo seguida por los zombies que tras dar cuenta de los irredentos "karlistas" siguen a la chica, acabando así la historia o ,mejor dicho, comenzándola.

El corto fue rodado en Ataún en 2011 tanto en la parroquia de San Martín como en San Gregorio, así como alrededores de la localidad. fue estrenada en 2013, aunque no tengo claro en que circuitos, aunque se proyectó en el Zinegin Festibala.

Quién está detrás difundiendo el corto es  la Katihotsak Logia Kultur Elkartea responsables de otras obras con trama carlista como Napardeath en la que vuelven a estar implicados Beñat Iturrioz y Xabier Padin y gran parte de la cuadrilla de este corto. También de ellos es Euskal Harriaren ABDak y Joxean´s Hil Eben.

Una apuesta original, divertida, grotesca, muy gamberra , adecuada para un corto centrándose en la localidad en la que Carles Clemente en su libro, Las guerras carlistas, identifica como el pueblo en el que tuvo lugar el primer levantamiento de las terceras guerras carlistas.

Cuando pueda veré la segunda parte de la anterior rodada o estrenada en 2014 con el título Joxean´s Hil Eben de esta propuesta que pide a gritos sacar unos minutos para verla. ¡Que nuestros fueros no se los lleve el viento! Amén

Michelangelo frente a Michelangelo

Hoy he visto, más que leído,  un testamento. Se trata de un testamento artístico y visual. En el mismo un director nonagenario se despedía de un colega artista que murió varios siglos antes. La despedida entre uno y otro ha sido por medio de una lucha de miradas y se concretó en un cortometraje de unos 17 minutos titulado Lo sguardo di Michelangelo, (2004) o La mirada de Michelangelo , aunque en inglés se presento como Michelangelo , eye to eye. 

La película fue la última dirigida por Michelangelo Antonioni, asistida por Enrica Antonioni y con el mismo director en una producción en la que están el Istituto Luce y Lottomatica - y la Warner Independent Pictures (WIP) en la distribución- , así como la fotografía de Maurizio Dell'Orco siendo ayudado por Marco Adesso y el soberbio montaje de Roberto Missiroli y la asistencia en el mismo de Giuliana Sarli. 

Para el documental contó como consultores históricos a Antonio Forcellino y Raffaele Viola y Christoph L. Frommel como consultor científico. Y presenta como música las voces polifónicas del "Magnificat IV" de Giovanni Pierluigi da Palestrina, exquisito compositor renacentista. 

La historia comienza con la entrada del director en la Chiesa de San Pietro in Vincoli, en el Monte Esquilino, y , lo hace entre luces y sombras mientras las pisadas sólidas del veterano director resuenan por el templo en lo que será un duelo entre el hombre y la composición escultórica que Michelangelo realizó para el Papa Giulio II y que realmente nunca terminó.

Es cierto que no lo hizo, pero no es menos cierto que el veterano escultor se enfrenta a este mármol que representa a un líder religioso en su senectud, para dejarnos su obra más realista. Era lo que iba a ser una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, que, en principio, presentaría de tres niveles y aproximadamente unas 40 estatuas.

En el centro del mausoleo estaría ocupado por una inmensa figura diseñada para ser vista desde abajo. Es el líder que ha guiado al pueblo de Israel sacándolo de Egipto y recorriendo el Sinaí. Se presenta sendente, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba.

Miguel Ángel utilizó para la figura con la cabeza vuelta, concentrando una expresión de ira que se refleja también en la poderosa constitución tensión que transmite la estatua y en su mirada. Es por eso que estamos ante un duelo de miradas, a través de los ojos del mundo judeocristiano y ante la mirada de un humanista, como Miguel Ángel, del cine.

Es una representación neoplatónica, la parte derecha está estable, es la parte divina, por donde le viene la inspiración, en contraposición la parte izquierda es la parte por donde le viene el peligro y el mal. Está tenso, viendo como su pueblo ha caído en la idolatría. Como he dicho tiene cuatro elementos neoplatónicos: la tierra, representada en la pierna con los pliegues de la ropa a modo de cueva; el aire cuando respira, se percibe en las aletas de su nariz, que se expanden; el agua representada en sus barbas a modo de cascada; y el fuego representados con esos "cuernos".

La sangre fluye de manera contenida, parece que está a punto de estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psique se puede captar a través de su gesto y su mirada,podemos ver su pensamiento, es un trabajo psicológico muy estudiado.

En su artículo "El Moisés de Miguel Ángel", Sigmund Freud apuntaba que la mirada del profeta es una conjunción de desprecio, furia y pena al observar la multitud que adora el becerro de oro por eso tiene la cabeza erguida volteada hacia su izquierda y la tensión de la mitad derecha del cuerpo, con las venas y los músculos marcados, se contrapone con el relax de la otra mitad, movimiento que sugiere que Moisés está a punto de incorporarse.

A diferencia de lo que he leído la obra pudiera representar aspectos que son constantes en la filmografía del director italiano, superando lo reconocible, rastreando el misterio de la relación entre el cuerpo, la conciencia que lo observa y la “idea” que lo habita.

El director tras presentarse frente al gigante marmóreo y enfrentado en su mismo silencio lo admira , la toca - que envidia siento- , y sus ojos que no son otra cosa que la cámara va pasando por los más mínimos detalles de la obra. Su mano en primer plano acaricia suavemente los detalles del mármol que el encuadre de la cámara torna abstractos. Vamos , a través de sus manos y con la mirada de la cámara descubriendo las texturas.

El realizador mira el Moisés como dirigió sus películas, reconociendo que el autor -su conciencia y su técnica- es incapaz, que solo atisba el vacío; e incluso ante la perfección de la proporción renacentista .

Antonioni parece insistir en la pregunta por lo que queda oculto, aquello que no se explica con figuras reflejo de un supuesto ideal neoplatónico que explique el mundo. Aquello más allá del autor y de la obra que se manifiesta a través de la sombra y el silencio.

Decía Julio Cabrera en su obra Cine: 100 años de filosofía al referirse al cine del director italiano: «La inmensa mayoría de los filmes tratan acerca de cuestiones “ónticas” (o sea, referidas a los entes): personas que están preocupadas, afligidas o angustiadas por problemas económicos, o porque están siendo injustamente perseguidas (…) Pero existen ciertos filmes (muy pocos) que son, posiblemente, los filmes más filosóficos de todos, en los cuales los protagonistas están preocupados, afligidos o angustiados… por nada en particular y, en cierto sentido, por todo, en general, o simplemente por ser, por estar en el mundo».

Tras verla, tocarla, sentirla desde el silencio profundo y despedirse de ella sale de la Iglesia y así acaba la película , dando la espalda a Michelangelo.  

La película fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Valladolid del año 2004 siendo su testamento como    película final de Michelangelo Antonioni, un director que ha estudiado sin par (durante casi 55 años) la incapacidad de las personas para comunicarse entre sí y que ha creado seres que se mueven o se paralizan por la angustia, pero siempre elegantes, melancólicos, e imposibles.

Nos hace reflexionar sobre qué pasa aunque aparentemente no sucede nada. Lleva la sutileza al extremo y lo hace por medio de tomas panorámicas y lentos travellings. Es intersante descubrir que él es su último personaje debilitado por un derrame cerebral y ha sido privado del habla y la mayoría de los movimientos corporales durante casi 20 años, y  una estatuas "inanimadas"  de Michelangelo Buonarroti.

Atrás quedaba su primer filme “Gente del Po” (1943), que retrataba la difícil realidad de la clase obrera italiana. o “El grito” (1957) plantea la vida de un proletario que abandonado por su mujer emprende un viaje hacia el norte de Italia. Ambas son propias del neorrealismo imperante de esa época.

Sin embargo en “El grito” demuestra que muchas veces los problemas de las clases bajas no se hallan sólo en lo económico, sino también en lo emocional.

El director  eligió mostrar otro tipo de miserias que no habitan en lo material sino en lo humano: La incomunicación, la angustia.

Sus personajes suelen tenerlo todo y sin embargo algo los aqueja. Parejas que no se entienden (La Noche, El eclipse, etc.), circunstancias poco claras (La aventura, Blow up, El Reportero), o realidades demasiado injustas para ser aceptadas como tal (Zabriskie Point, 1970). De hecho, por estudiar las clases altas, se lo considera una “segunda fase” del neorrealismo en donde profundiza el aspecto psicológico de los personajes, más que las condiciones materiales o físicas.

En su tetralogía de la incomunicación (La noche, La aventura, El eclipse y El desierto rojo) pone en manifiesto la alienación que vive el hombre de la modernidad, la cual termina por interferir en las relaciones más íntimas; aislando cada vez más al sujeto incomprendido.

En la película está la cámara mirando, panoramizando o rastreando incesantemente cada detalle de las impresionantes estatuas hasta que opta `por llevar su mano  para acariciarla sintiendo la naturaleza táctil del arte del escultor.

Es su testamento y su despedida de sus  admiradores , es un canto del cisne  conmovedora sobre todo si sabemos que Antonioni murió tres años después de la realización de este corto, seguido por el segmento de "Eros" (también de 2004) que constituye el punto final de su carrera cinematográfica, su despedida, llena de luces y sombras, pero vence la luz.