Maggie

Es difícil imaginarse al actual Arnold Schwarzenegger, pensando en el anterior Arnold Schwarzenegger. Lo recuerdo cuando lo vi en el cine en los primeros años ochenta en una de sus versiones de Conan. Más tarde, se transformó en Terminator, en soldado contra el Depredator, integrante de un Comando, y mil elementos más vinculados con la fuerza y con la musculatura. Posteriormente , me llamó la atención su vis cómica como gemelo de Danny de Vito o como Poli de guardería. Con la llegada del nuevo milenio siguió con su rol de salvar al mundo, aunque no logró salvar a California como Gobernator. Sin embargo, las últimas películas en las que he visto al actor me ha gustado su paso al otro lado de la interpretación apostando por la dramático y lo contenido. 

Esta Maggie es una buena prueba de ello, pues , si bien en cierto que no extraña verlo en una película de terror, su rol queda alejado de la salvación de la humanidad, sino que es la del padre que sufre ante la inminente muerte de su hija y su transformación en otro ser al que, posiblemente, deba él dar el tiro de gracia. Así que nos encontramos al actor austriaco como un hombre sufriente, paternal, atento, sacrificado, responsable y lleno de sensatez, pero defensor de la vida de su hija hasta el último de sus extremos. Así es Maggie, una película de terror apocalíptico, realizada por el británico Henry Hobson en su debut como director. 

Que fuese su debut como director no significa que no tuviese experiencia. En 2012 fue el responsable de la The 84th Annual Academy Awards , aunque implicado en aspectos diversos del Departamento de Arte en ceremonias de años anteriores (2009, 2011), así como en los títulos de crédito de muchas películas (Agosto, El llanero solitario, Blancanieves y la leyenda del cazador, Rango, La cosa, Resacón 2: ¡Ahora en Tailandia! o El árbol de la vida, por señalar algunas de ellas ) , series que van desde The Walking Dead , pasando por documentales (Prophets of Science Fiction ) o videojuegos como The Last of Us o Killzone: Shadow Fall. 

La película le fue encargada por un importante grupo de productores integrado por Colin Bates, Joey Tufaro, Matthew Baer, Bill Johnson, Ara Keshishian, Trevor Kaufman, Pierre-Ange Le Pogam y Arnold Schwarzenegger que están como representantes de un conglomerado de productoras integrado por Lionsgate , Grindstone Entertainment Group , Silver Reel, Gold Star Films. Lotus Entertainment y Matt Baer Films, entre otras, que aportaron los $ 1.4 millones del presupuesto total. 

El guión fue escrito por John Scott III, siendo el encargado de la música David Wingo. La fotografía de tono grises tendente a la oscuridad es de Lukas Ettlin, mientras que el montaje lo fue de Jane Rizzo. 

El reparto está encabezado por Arnold Schwarzenegger como Wade Vogel, junto a Abigail Breslin como Maggie Vogel y Joely Richardson como Caroline Vogel. Además de estos tres protagonistas aparecen Douglas M. Griffin como el tranquilo Sheriff Ray Pierce, JD Evermore como Holt, Rachel Whitman Groves como Bonnie, Jodie Moore como el Dr. Vern Kaplan, Bryce romero como Trent, Raeden Greer como Allie, Aiden Flowers como Bobby Vogel, Carsen Flowers como Molly Vogel. Junto a ellos está Dana Gourrier , Laura Cayouette, Amy Brassette y John L. Armijo, 

La película se desarrolla un futuro cercano y apocalíptico en el que el mundo se recupera de una pandemia que transforma en zombies a la población, siempre que se produzca una infección por mordedura. Ahora parece una enfermedad casi controlada desde el punto de vista profiláctico, pero mortal para los infectados. La población se ha reducido en ciudades y campos, pero el daño aún persiste. 

Una de las chicas afectadas es Maggie (Abigail Breslin ), una adolescente de 16 años, que vivía en el campo junto a su familia y que se ha escapado a la ciudad después de que la mordieran y fuera infectada. Apenas le quedan unas semanas, pues ha estado hospitalizada y le han dado el alta ahora que ha pasado un tiempo de la mordedura que la convertirá en zombie definitivamente a los 6 meses en convertirse en zombie. 

Mientras que esto ocurre convive con dificultad consigo misma , pues sabe el destino que le espera y , como implicará hasta un riesgo para la familia. Así que Maggie Vogel ( Abigail Breslin ) llama a su padre desde una ciudad destruida durante el toque de queda; su correo de voz le pide que no la busque y que ella lo ama. Su brazo fue mordido. Sabiendo que tiene solo unas semanas antes de que el "virus " se vuelva caníbal, y que se fue de casa para proteger a su familia. 

Sin embargo , a Wade (Arnold Schwarzenegger), su padre , no le importa , y tras estado buscando durante semanas a su hija y localizarla en el hospital de la ciudad, quiere que pase sus últimas semanas en casa junto a él y a su mujer, la madrastra de Mag, ya que su madre murió hace años y Wade se ha vuelto a casar hace un tiempo con Caroline ( Joely Richardson) y con la que tiene otros dos hijos , los hermanastros de Maggie , Bobby y Molly ( los hermanos en la vida real, Aiden y Carsen Flowers). 

La llegada de Maggie a la granja supone de inicio que los hermanos pequeños de Maggie se marchen con su tía para no exponerse al peligro ni verse traumatizados cuando Maggie se convierta. Wade, su padre, que sigue sintiendo un amor incondicional por su hija sabe lo que le espera. Lleva dos semanas buscando a su hija. Ha ido de hospital en hospital hasta dar con ella y ha convencido a los médicos para que dejen llevársela a casa, bajo la condición de que, cuando llegue el momento de la conversión, la lleve al centro de cuarentena. 

De regreso a casa desde el centro hospitalario ven como las granjas se han ido abandonando y como al llegar a una gasolinera el propia Wade ha de acabar con un zombie que estaba retenido en el baño, posiblemente el dueño. Maggie se hace con unas gafas para ocultar sus ojos que se irán desvaneciendo poco a poco. 

Al llegar a la granja Wade y su mujer Caroline intentan normalizar la situación con Maggie, aunque antes de nada los pequeños Bobby y Molly se han de despedir. Bobby va junto a su hermanastra y le dice lo mucho que la quiere. Una vez fuera del hogar sus hermanos, la pareja quiere normalizar sus vidas en esos días que le quedan con ella. Pero Maggie se siente cada vez más abatida , débil, depresiva y casi alienada sólo encontrando el consuelo en su padre Wade y en recordar las historias de su pasado cuando su madre estaba presente. 

Un día Maggie sale a pasear por el bosque cercano, pero durante el transcurso ella cae y , accidentalmente se quiebra un dedo del que sale un líquido negro. Como su aspecto es horroroso y refleja el avance de la enfermedad decide cortárselo y al no sentir nada, se siente horrorizada y huye de vuelta a casa. 

En el bosque se encuentra con sus antiguos vecinos ahora convertidos en zombies. Un padre y una chica que estaban al cargo de su madre y mujer. En el último momento, Wade aparece armado con su escopeta y acaba con ellos. 

El Sheriff Ray Pierce (Douglas M. Griffin) - amigo personal de Wade- y su despreciable ayudante Holt (J.D. Evermore ) acuden al lugar, exculpando de cualquier delito a Wade, pero advirtiéndole el primero que deberá entregar pronto a Maggie para evitar ataques como ese. 

Wade descubre por medio de su superviviente vecina Bonnie (Rachel Whitman Groves) que sus vecinos se habían infectado al ocultar también a su hija infectada, ya que en los campos de cuarentena los infectados son tratados como animales. 

Wade decide que esperará hasta que Maggie se convierta y que él mismo la matará. Tras esto lleva Wade a Maggie al médico , el Doctor Kaplan (Jodie Moore ) que le advierte que el estado físico de Maggie va a peor y empeorando rápidamente, lo que le deja tres opciones posibles: puede ponerse en cuarentena, lo que Wade rechaza; Wade puede administrarle en casa la misma inyección para acabar con su vida , algo que se ofrece cuando son llevados a la "cuarentena", lo que, según advierte, es doloroso; o, tercera, Wade puede "hacerlo rápido" , vamos, matarla con su arma. 

De cualquier manera Wade sigue apostando por normalizar sus vidas. Wade y Maggie aprovechan al máximo los días restantes, recordando la madre fallecida de Maggie. Aunque momentáneamente son felices y Caroline parece disfrutar de la misma, aunque con bastante recelo dado el avance de la enfermedad, el deterioro físico de Maggie va a más como se ve cuando unos gusanos le van anidando en su brazo moribundo, lucha por mantener la normalidad. 

Un fin de semana , una amiga Allie (Raeden Greer ) va a recogerla en coche para salir de noche. Ella asiste a una hoguera con las amigas de la escuela secundaria . Hablan de como el Instituto se volverá a abrir para la normalización de sus vidas, pero uno de los asistentes , un chico infectado, Trent (Bryce Romero), con quien Maggie salió antes, habla con pena de lo que le espera a ellos. Describe el área de cuarentena como un sitio horrible en que se apilan los enfermos que son atacados por otros enfermos hasta que mueren. Concluye diciendo que moriría antes de ir allí. 

Tras un rato, Maggie y él hablan de cómo él se infectó y , finalmente, se besan. Tras amanecer Allie deja a Maggie en casa y tras un momento de duda, la amiga la abraza sabiendo que puede ser la última vez, aunque quedan para próximas semanas. 

Un día, Maggie huele comida cuando su madrastra Caroline ( Joely Richardson ), se le aproxima , aunque Caroline no huele nada y piensa que Wade debe estar cocinando abajo. Al encontrar la cocina vacía, Caroline se da cuenta con horror de que Maggie ha empezado a oler la carne de seres vivos, el primer sintoma del principio del fin. Ya ha pasado a una fase , dejando atrás la primera que es la de inapetencia. Ahora llega la pulsión alimenticia. Caroline comienza a tener miedo y se aproxima a ella con una tijeras, auque no pasa nada. 

De cualquier manera, Maggie recibe una llamada desesperada de Trent. Tras llegar a su casa, Trent se ha encerrado en su habitación después de que él también sintió hambre y olía a otro humano, su padre. Maggie trata de consolarlo, pero observa impotente que la policía saca a Trent a la fuerza para llevarlo a la cuarentena. 

De vuelta a casa, Maggie se encuentra con un zorro atrapado en el bosque y que hemos visto en varias ocasiones. Más tarde, ella entra en su casa, histérica y cubierta de sangre, admitiendo con lágrimas a sus asustados padres que liberó al zorro pero luego no pudo evitar atacarlo. 

Tras bañarse la chica, cada vez más deteriorada, Wade sale al campo y dispara al zorro moribundo y medio devorado. En los días siguientes, Maggie va sufriendo pequeños brotes y ataques. Caroline no soporta más verla así y ante la convicción de Wade, se marcha con su hermana y sus otros hijos. 

En una conversación entre padre e hija, nos enteramos que Caroline se ha marchado esa mañana de casa no sin antes instar a Wade a que sea hora de que Maggie pase a la cuarentena. Wade sigue conviviendo con Maggie ante siente en ocasiones como ella se levanta y lo observa. 

Una mañana se personan en la granja los dos oficiales y ante la insistencia por ver a la chica, Wade pelea con Holt, antes de que aparezca Maggie, asegurándoles que aún no se ha transformado. El sheriff deja a Wade con una advertencia de que debería decidir qué hacer con ella antes de que vengan a por Maggie. Wade le muestra a Maggie las margaritas blancas que él ha cultivado en el viejo jardín de su madre, "Daisy" es un apodo que a veces usa para Maggie. Ella le agradece por la belleza del jardín, pero también le ruega que le prometa que "la detendrá" antes de que empeore. 

Más tarde, Wade se sienta solo con su escopeta, aún incapaz de usarla. Extenuado, cae dormido. Cuando Maggie se levanta casi transformada se le acerca, su piel ahora gris y sus ojos ennegrecidos. Ella se detiene en él, oliéndolo, aparentemente al borde de la transformación, sin embargo, le besa en la frente. Luego se sube al techo y salta, sus últimos recuerdos son de ella cuando era niña jugando al aire libre con su madre, recogiendo una margarita y poniendo fin a la misma. 

El guión original para Maggie, escrito por John Scott III, ganó el Premio de Oro de la categoría Thriller / Horror en un concurso, dentro de los Premios Internacionales de Escritura PAGE de 2010 y, como resultado, llamó la atención del director Henry Hobson. 

Al año siguiente, el guión llegó a la Lista Negra de "guiones más populares". Chloë Grace Moretz inicialmente fue la elegida para el proyecto, pero se retiró debido a conflictos de programación. La película fue el debut como director de Henry Hobson, cuyos trabajos anteriores se centraban en el diseño de los títulos de otras películas como las señaladas a las que se unen Sherlock Holmes (2009) y Robin Hood (2010) o videojuegos y sus anuncios para Halo, Resistance3 y Xcom. Hobson eligió a Schwarzenegger como el padre protector, con lo que Hobson también disfrutó la idea de elegir al actor contra su estereotipo habitual, explicando "cuando apareció Arnold, fue una idea realmente intrigante; ha sido el héroe en todo lo que ha hecho, y ahora lo usa contra él y lo hace ser un padre que no ha protegido a su familia usando sus cualidades más fuertes como un tipo de ayuda narrativa ". 

El rodaje comenzó el 23 de septiembre de 2013 en Nueva Orleans, Louisiana, y finalizó el 25 de octubre de 2013. El calendario de rodaje de la película duró 25 días. Hobson produjo más de 200 páginas de guiones gráficos para guiar a sus actores a lo largo de la película. 

La película originalmente iba a tener su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto del año 2014 , pero Lionsgate compró los derechos de distribución estadounidenses y sacó la película de la lista del festival. Fue estrenada en 2015 en el Festival de Cine de Tribeca el 23 de abril de 2015 y el 8 de mayo de 2015 , de forma comercial en los cines de Estados Unidos. La película consiguió prácticamente la suma de lo invertido, alrededor de unos $ 1,4 millones de dólares. 

Fue presentada igualmente en la Sección oficial largometrajes del Festival de Sitges en el otoño de 2015. Crítica y público quedaron sorprendidos por la interpretación dramática de Schwarzenegger, un registro nada habitual en el actor. 

Christopher Bourne, de Twitch Film , que revisó el Festival de Cine de Tribeca en 2015 , afirmó en una crónica que Schwarzenegger "ofrece una de sus mejores y más efectivas actuaciones aquí, la más (...) restringida o contenida que jamás haya sido. Aporta un sorprendente matiz y profundidad a su papel como padre que lucha desesperadamente por conservar sus últimos momentos con su hija, y que sufre una agonía considerable por su incapacidad para revertir o mejorar el inevitable declive de Maggie ", y agrega que su dramático giro" sugiere su capacidad para una gama más amplia de roles a medida que se acerca a su setenta años y es menos capaz de asumir las demandas físicas de los roles de héroe de acción por los que ha sido conocido ". 

Manohla Dargis en The New York Times nos dice que "Zombies, Arnold Schwarzenegger y un cierto aire a Terrence Malick... ¿qué podría salir mal? Más o menos todo en este rompecabezas de bajo presupuesto" 

Para Michael O'Sullivan del The Washington Post "La película peca un poquito de lenta. Pero una vez que te has hecho a la idea de que no es 'Guerra Mundial Z', tiene sus pequeños placeres, tanto intelectuales como emocionales" 

Peter Travers de Rolling Stone afirma que "Schwarzengger consigue superar el reto de un papel que se enfoca en la vida interior de un hombre en crisis (...) El gore está reducido al mínimo, lo que probablemente disgustará a un público sediento de sangre (...) " 

John DeFore en The Hollywood Reporter se trata de "Un drama familiar de enfermedades terminales en el que la enfermedad resulta ser el zombismo (...) 'Maggie' consigue hacer la mezcolanza sin una pizca de actitud irónica" 

Perri Nemiroff de Collider , escribió que Schwarzenegger "nunca se sacudirá por completo el súper duro exterior, pero que ciertamente se presenta como un padre cariñoso y muy bien relacionado aquí", y que Breslin "obtiene una buena ayuda con el extrañamente natural maquillaje de transformación de zombies, pero es su capacidad de moverse entre vender a Maggie como una joven fuerte que trata de mantenerla unida para su familia y también estar completamente aterrorizada lo que hace que el rendimiento sea especialmente desgarrador ". Sin embargo, en última instancia, ella afirma que la película "es solo una gran oportunidad perdida. [El director] Hobson ciertamente tiene potencial, pero su determinación de resaltar la miseria de los personajes a través de visuales tenues y caras súper tristes termina chupando la vida del concepto . " 

Grayson Hamilton de Popzara.com se mostró más entusiasta que la mayoría y dijo que la película "recupera la velocidad y termina en el momento perfecto, sin necesidad de complacer a la audiencia o estirarse por un tiempo de pantalla más largo", al tiempo que agrega "el nivel de carga emocional es raro para una película de Schwarzenegger, pero el ícono de acción lo lleva mejor que cualquier otra actuación de toda su carrera ". 

Drew McWeeny, de Hitfix.com, no es tan positiva. En su negativa crítica de la película señala que "el papel de Schwarzenegger finalmente tiene un rendimiento real para juzgar, ya que a Arnold se le quita prácticamente todo lo que ha podido confiar en su trabajo. El resultado es un estudio de cerca de sus limitaciones como actor y un trabajo realmente triste que él maneja bien ". McWeeny prosigue diciendo que "Breslin hace un trabajo sólido como una niña que tiene que lidiar con la idea de que no podrá disfrutar de las alegrías de la edad adulta, y que sabe muy bien lo que su sufrimiento va a hacerle a su padre ... "Honestamente, me gustaría que me gustara más la película, pero en este punto, hemos visto muchas películas de zombis, y aunque esta trata de encontrar una nueva forma en la idea, no hace nada particularmente nuevo". 

Tom Long de Detroit News entiende qie "El problema, aparte de que no sucede gran cosa, es que Schwarzenegger sigue siendo un actor seriamente limitado, así que no hay mucho estudio del personaje. Un concepto potencialmente interesante: pero con la estrella equivocada". 

Para Guy Lodge de Variety lo importante es que se trata de "Un debut muy prometedor (...) Una emotiva vuelta de tuerca al género (...) la película ofrece a los espectadores a un Schwarzenegger como nunca lo habían visto antes" 

Claudia Puig en USA Today destaca que la película es "Melancólica, pero humanista, 'Maggie' es la rara clase de película que no trata tanto sobre los apetitos de los muertos vivientes como de sus complicadas emociones (...) " 

Al otro lado del país, Michael Ordona, en las páginas del San Francisco Chronicle comenta que es "Interesante pero con defectos (...) Es en realidad un drama indie con elementos de terror (...) Schwarzenegger ofrece aquí la mejor interpretación de su larga carrera" 

Ya en España Jordi Costa escribe desde las páginas de El País que "La incapacidad de destilar la melancolía que impregna al relato en verdadera identidad estilística lastra una película que, no obstante, se revela consecuente e implacable en todas sus decisiones narrativas." 

Desde Barcelona, Jordi Batlle Caminal, en La Vanguardia entiende que "Es un trabajo a la vez simple y efectivo, de factura clásica, desprovista de retórica, que va siempre al grano. (...) Schwarzenegger lleva a cabo una actuación dramática muy digna" 

En Cinemanía, Javier Cortijo escribe que "Alargado aunque interesante “gangrena-western” con el que casi aceptamos a Terminator como actor serio y formal. (...). 

Por último, en Fotogramas se destaca que "El (¿ex?) Terminator aguanta magníficamente los primeros planos y nos cuenta muchas cosas con la mirada (preocupación, dolor, impotencia), por lo que sería de agradecer que su incursión en el film low cost no se redujera a la ópera prima de Henry Hobson. Con 'Maggie', nuevamente nos vienen a la mente los westerns hawskianos, sólo que aquí los protagonistas no protegen a un prisionero, sino que tratan de evitar que los 'villanos' les arrebaten una jovencita con las horas contadas. Una muchacha con el típico (y hermoso) miedo del infectado ante la posibilidad de pasar de amigo a enemigo de los suyos. A cambiar de bando. De ser cómplice a ser verdugo. " 

En definitiva , una buena película , que sin ser imborrable si que destaca por la presencia cada día más humanizada de Arnold Schwarzenegger cada día menos cyborg y con más capacidad y versatilidad para su trabajo. Interesante el trabajo de transformación de Abigail Breslin como adolescente que siente y sufra por lo que sabe que se perderá y por lo que ha perdido. Fantástico el tono de la película que consigue un apocalipsis en base a unos pocos detalles. Además tiene la virtud de ser corta. ¡¡¡Qué mas queréis!!! Merece la pena.

Brick, una compleja historia teenager

Con 45 años en el momento en que escribo esto, Rian Craig Johnson, es un hombre polifacético. Además de tocar el banjo y ser cantante de músical flok, es un director nacido en Maryland, aunque criado en Colorado y formado en San Clemente ( California) , donde estudió en la San Clemente High School (se graduó en 1992), a sus 30 años tuvo una irrupción espectacular en el mundo del cine como director al presentar en Sundance su "ópera prima" que llevaba por título Brick. 

Después su carrera no ha hecho nada más que ampliarse sobre todo como guionista, en televisión como responsable de capítulos de algunas series de renombre como Breaking Bad - el fue el director del archiconocido capítulo The Fly y otros como " Fifty-One " y " Ozymandias "- incluso con alguna aparición en películas y otras direcciones entre las que están The Brothers Bloom (2008), Looper (2012) y Star Wars: The Last Jedi (2017). 

Brick fue su película debut y , aunque el siempre ha defendido que su intención no era realizar un film de misterio o neo-noir lo cierto es que eso le salió en aquel año de 2005 tras haber concluido un guión escrito por el mismo. Lo cierto es que su película debut, Brick , realizada con algo menos de $ 500,000 se acerca más al drama, pero indudablemente tiene un componente criminal. 

El título se refiere a un bloque de heroína , comprimido aproximadamente al tamaño y forma de un ladrillo. 

Johnson declaró en alguna ocasión que se inspiró en las novelas de Dashiell Hammett pero con la intención del adecuar su lenguaje al tono de la película. Mientras que la película está clasificada como cine negro , Johnson afirmó que no se hicieron referencias a otras películas del cine negro durante la producción, a fin de enfocar la producción lejos de reproducir una pieza de género. 

Tan pocas expectativas tenía que una vez terminada Brick fue lanzado directamente al mercado del DVD por Focus Features aunque se presentación a algunos festivales de prestigio como el de Sundance, Deauville o Sitges facilitó su estreno en cines de Nueva York y Los Ángeles el 7 de abril de 2006. 

Brick fue producida por Ram Bergman y Mark G. Mathis por parte de Bergman Lustig Productions que asumió el presupuesto de $ 450,000 que conseguiría recuperar con creces en taquilla al recaudar $ 3.9 millones en taquilla. 

El guión fue escrito por el mismo Rian Johnson, encargado igualmente de la edición. siendo responsabilidad de la música su primo, Nathan Johnson , responsable de la partitura para Brick - aunque presente igualmente en otras películas del director como The Brothers Bloom y Looper - . La fotografía fue de Steve Yedlin. 

El reparto lo integran un grupo de jóvenes actores y actrices como Joseph Gordon-Levitt como Brendan Frye, Nora Zehetner como Laura Dannon, Lukas Haas como el Pin, Noah Fleiss como Tugger, Matt O'Leary como el intelectual, Emilie de Ravin como Emily Kostich, Noah Segan como Dode, el veterano actor Richard Roundtree como el vicepresidente adjunto del Instituto, el señor Trueman, Meagan bueno como Kara, Brian White como Brad Bramish.

Desde el principio conocemos a Brendan Frye (Joseph Gordon-Levitt) , un estudiante de instituto del sur de California, un chico inteligente, que lleva una existencia solitaria tras su ruptura con la ex novia Emily Kostich ( Emilie de Ravin ). 

Brendan que no teme respaldar sus palabras con acciones si la situación lo requiere. No obstante, prefiere mantenerse al margen de todo. Pero eso cambia cuando su ex-novia Emily (Emilie de Ravin) reaparece inesperadamente para desaparecer sin dejar rastro poco después. 

Nada más empezar la película Brendan descubre una nota que lo lleva a un teléfono público, donde recibe una llamada de una aterrorizada Emily que le pide ayuda. 

Durante la llamada ella menciona un "Brick o un ladrillo", y habla de un "pobre Frisco", "Tug" y "Pin" antes de colgar abruptamente. Su miedo parece haber sido causado por un Ford Mustang negro que pasa , desde el cual se arrojó un cigarrillo con una señal distintiva. 

Al pedirle información a su amigo Brain ( Matt O'Leary ), para iniciar la búsqueda de Emily Brendan es enviada a otra ex novia, la seductora Kara (Meagan Good) una "vampiresa del drama", que a su vez lo dirige a una fiesta de Halloween a la que asisten una chica popular y sofisticada de clase alta Laura Dannon ( Nora Zehetner ) y su novio, Brad Bramish ( Brian J. White ). 

Laura apunta a Brendan la dirección de un restaurante local, donde organiza una reunión a través de Dode ( Noah Segan ), un yonkie, un líder de la pandilla "stoner" con cachetas de cuero ,  a la que pertenece Emily. 

Tras reunirse con ellos y pegar a Dode, Emily se retracta por teléfono y le dice a Brendan que la deje ir. De cualquier manera Brendan se queda con su libreta durante el encuentro y encuentra una nota que lo lleva directamente a su cadáver. 

Brendan se queda destrozado y sospecha del chico con el que sale, el yonqui Dode (Noah Segan), Emocionalmente perturbado por su muerte, Brendan se encarga de resolver su asesinato, teniendo siempre la ayuda de Brain. 

Lo primero que hace Brendan es esconder el cuerpo para evitar la intrusión policial. Brendan, poco a poco, descubre que "Pin" ( Lukas Haas ) es el jefe de la droga local. 

Después de descubrir que Brad es un cliente habitual de los ladrillos de Pin, Brendan trata de llamar la atención de este último al golpear a Brad. 

Luego, Brendan es golpeado por un joven desconocido con el pelo rubio mientras habla por teléfono con Brain. 

Brendan visita al subdirector adjunto Trueman ( Richard Roundtree ) para preguntarle si podría investigar los eventos, sin mencionar la muerte de Emily, como un favor por entregar a Jerr. Mientras Trueman permite que Brendan continúe su investigación, advierte que si Brendan es atrapado, Trueman lo "arrojará debajo del autobús". 

Brendan visita nuevamente a Kara, y le pide más información sobre Pin, aunque ella lo ignora. Más tarde, mientras camina, Brendan ve el mismo Ford Mustang negro en un estacionamiento. Antes de intentar entrar en el auto, el dueño del auto, el matón Tugger (Noah Fleiss) lo nota y lo golpea, siendo el mismo chico que lo golpeó anteriormente. Brendan le pide al hombre varias veces que se encuentre con el Pin. 

Al principio, éste es reacio, y se aleja, pero luego regresa, el joven lleva a Brendan al Pin en el maletero de su coche. Brendan se reúne con el Pin y lo convence para que le considere a Brendan para un puesto para el trapicheo. 

También se revela que el hombre desconocido es Tug ( Noah Fleiss), el matón principal de Pin. Pin le dice a Brendan que lo contratará o lo probará al día siguiente. En el camino de regreso a casa, Laura le dice a Brendan que Pin había rechazado previamente el intento de Emily de unirse a los narcos, así que ella robó el ladrillo de Pin. 

Laura se ofrece a ayudar a Brendan, pero él desconfía. Mientras Brendan espera una respuesta de Pin en la escuela, es golpeado por un chico con un cuchillo. Después de una persecución, Brendan hace una zancadilla lo que provoca que el asaltante se golpee en la cabeza. Finalmente, Pin lo acepta. 

Más tarde, Brendan recibe una llamada de Dode, quien le dice que le vio esconder el cuerpo de Emily en el alcantarillado. Dode está convencido que Brendan es el asesino, jura arruinarle la vida. 

Brendan se encuentra con Pin en ese lugar y comienza a sospechar de Tug. Brain informa que "el pobre Frisco" es Frisco Farr, un estudiante que cayó en coma Después de inyectar heroína mal cortada. 

En la casa de Pin, Tug le dice a Brendan que Pin recibió un envío de 10 ladrillos y vendió ocho; pero también un ladrillo fue robado y reemplazado por otra que había sido cortado con detergente, causando el coma de Frisco, y el décimo ladrillo aún queda por vender.  Pin llega y le dice a Tug que tiene noticias de alguien que sabe lo que le pasó a Emily. 

Brendan, con la cara machacada tras varias peleas recientes, intercepta a Dode antes de la reunión y descubre , en ese momento, que Emily estaba embarazada cuando murió. Los cuatro se encuentran en el punto en el que apareció el cuerpo de la chica. Dode insinúa a Tug y al Pin que tiene información sobre quién mató a Emily, diciendo que es alguien muy cercano. pero Tug se vuelve loco y golpea a Dode , disparándole después en la cabeza. Tug entonces amenaza a Pin, que se aleja mientras Brendan se desmaya por un ataque de tos. 

Brendan se despierta en la habitación de Tug, donde Tug le dice que está en guerra con el Pin. Brendan se enfrenta a su ex amiga Kara, acusándola de manipular a Dode al decirle que Emily estaba embarazada y que tenía su bebé y lo empujó a vender su información a Pin. 

Brendan organiza una reunión entre Tug y el Pin, y espera en la cama de Tug; Laura entra para consolarlo mientras llora y le habla de Emily. Tras eso se abrazan y Laura y Brendan acaban teniendo relaciones sexuales. 

Cuando terminan Laura se dispone a fumarse un cigarro y en ese momento Brendan reconoce su cigarrillo con la misma marca distintiva que se dejó caer del Mustang negro de Tug después de que Emily se asustó durante la primera llamada telefónica. 

En la reunión entre Tug y Pin, el caos estalla cuando se descubre que ahora falta el décimo ladrillo. Tug golpea a Pin hasta la muerte mientras Brendan huye, escapando justo cuando llega la policía. A medida que huye se va abriendo el maletero del coche de Tug, donde ha ocultado el cuerpo de Emily para asegurarse de que la policía le atribuya su asesinato a éste. 

Al día siguiente, Brendan se encuentra con Laura en el campo de fútbol de la escuela. Brendan le explica a Laura que él sabe que ella preparó el robo del noveno ladrillo. Luego manipuló a Emily para que conociera a Tug, quien finalmente la mató después de dejarle creer que él era el responsable del embarazo de Emily. Se revela que más tarde Laura también robó el décimo ladrillo. Brendan le dice a Laura que él ha puesto esta verdad en una nota al Vicedirector Trueman, quien encontrará el ladrillo de droga en el casillero de Laura si, de hecho, lo que dice es verdad. 

Laura, vengativamente, le dice a Brendan que sabe el 90 % de la verdad, pues lo que desconoce es que Emily lamentó no poder seguir con su embarazo porque no amaba al posible padre, y que Emily estaba embarazada de tres meses cuando ella murió, lo que implica que el bebé era suyo. Brendan observa a Laura alejarse acabando así la película, mientras la presencia de Brain vuelve a manifestarse.

Los orígenes de Brick fueron las obsesiones de Rian Johnson con las novelas de Dashiell Hammett . Hammett era conocido por sus duras novelas de detectives , y Johnson quería hacer una historia de detectives estadounidense. Había descubierto el trabajo de Hammett a través de una entrevista a los hermanos Coen cuando presentaron su película Muerte entre las flores , una historia de gángsters de l año 1990 que se presentó bajo el título de Miller's Crossing . 

Tras eso leyó Red Harvest (1929) y luego pasó a The Maltese Falcon (1930) y The Glass Key (1931), la última de las cuales había sido la principal influencia para la película de los Coen. 

A esto se suma que Johnson había crecido viendo películas de detectives y de cine negro. Leer las novelas de Hammett lo inspiró a hacer su propia contribución. Se dio cuenta de que esto daría como resultado una mera imitación, así que cambió el entorno habitual y la edad de los protagonistas colocando el espacio en lucha por parte de algunos en  una escuela secundaria. 

Del proceso de escritura inicial, comentó que "fue realmente sorprendente cómo todos los arquetipos de ese mundo de detectives se deslizaron perfectamente sobre los tipos de escuela secundaria". También quiso interrumpir las tradiciones visuales que venían del género. 

Una vez que comenzó a escribir y pensar en Brick , lo encontró "muy relacionado con la experiencia de ser un adolescente". 

Johnson sostuvo que la película no era autobiográfica. Johnson escribió el primer borrador en 1997 después de graduarse de la Escuela de Artes Cinematográficas de la USC un año antes. 

Pasó los siguientes siete años lanzando su guión, pero nadie estaba interesado, porque el material era demasiado inusual para hacerlo con un director por primera vez. Johnson estimó la cantidad mínima de dinero por la que podía hacer la película y pidió apoyo a amigos y familiares.  Su familia estaba en la industria de la construcción y contribuyó lo suficiente como para alentar a otros a contribuir. 

Después de que Johnson consiguió aproximadamente $ 450,000 para el presupuesto de la película, Brick comenzó su producción en 2003 insertando la historia en un suburbio de California . La mayoría de los personajes principales son estudiantes de secundaria. 

La película se basa en gran medida en la trama, la caracterización y el diálogo de los clásicos duros, especialmente los de Dashiell Hammett .El escritor / director Rian Johnson escribió la historia por primera vez como una novela, al estilo de Dashiell Hammett , antes de convertirla en un guión. Tanto la novela como el guión original están disponibles de forma gratuita en su sitio web oficial. 

Aunque la película se rodó en 20 días, Johnson pasó mucho tiempo antes de perfeccionar el guión y tres meses ensayando con el elenco.  Había visto a Joseph Gordon-Levitt en una película llamada Manic (2001), se reunió con él . Animó al elenco a leer Hammett pero no a ver ninguna película de cine negro, porque no quería que influyeran en sus actuaciones. En cambio, los hizo ver comedias de Billy Wilder como The Apartment (1960) y otras comedias como His Girl Friday.(1940). 

Al principio estaba nervioso trabajando con un elenco y un equipo profesional por primera vez, pero tan pronto como comenzó a filmar, este sentimiento desapareció y tuvo una buena experiencia. 

Johnson filmó la película de 35 mm en su ciudad natal de San Clemente, una pequeña ciudad costera en el Condado de Orange, en California y gran parte de la misma tiene lugar en San Clemente High School , a la que asistió el director. Reclutó a estudiantes actuales para trabajar en la película, filmando los fines de semana.

El túnel de drenaje de la película está ubicado en la misma calle del campo de fútbol de San Clemente High School y pasa por debajo de la autopista. En un momento de la película en la reunión con Trueman, Brendan se refiere a un maestro "Kasprzyk" como "duro pero justo". La Sra. Kasprzyk era una verdadera profesora de inglés (incluido el inglés de Colocación Avanzada) que en gran parte era conocida por ser dura pero justa en la Escuela Secundaria San Clemente, la escuela donde se filmó la película. 

El director de fotografía fue Steve Yedlin , un amigo de la escuela de cine que había participado en el proyecto desde que se escribió el guión. 

Para las escenas de la cabina telefónica, Johnson y su equipo filmaron en las afueras de San Clemente. La misma señal para las calles de Sarmentoso y Camino del Río sigue en pie. Sin embargo, la cabina telefónica en sí misma era un accesorio que el departamento de producción agregó para la película. 

Johnson tuvo dificultades para encontrar una casa en ruinas para la base de operaciones de Pin. La producción encontró una casa apropiada, pero solo tuvo una semana hasta que fue demolida para ser reconstruir. El sótano era un conjunto que construyeron, pero la cocina y la sala de estar del Pin todavía existen en el bed and breakfast de Blarney Castle. 

Johnson también tuvo dificultades para encontrar una mansión para la escena de la fiesta hasta que, cuando faltaba un día para encontrar la ubicación, un ex ejecutivo de Telecom y un millonario excéntrico les permitió filmar en su lugar, que aún estaba en construcción. La gran mansión estaba llena de cabinas telefónicas que datan de la década de 1950. 

Johnson citó como influencias  a Sergio Leone y Shinichiro Watanabe y el anime Cowboy Bebop (1998), así como de la Chinatown neo-noir de Polanski (1974) con sus espacios planos abiertos. Johnson ha confirmado que varios elementos en la película están influenciados por el creador de Twin Peaks , David Lynch. Sobre la presencia de pájaros a lo largo de la película señala el director en una entrevista que "Las aves fueron definitivamente un pequeño guiño al halcón maltés (1941), pero tiene más que ver con los disparos en San Clemente, una pequeña ciudad costera en el Condado de Orange. En realidad, es mi ciudad natal, y la filmamos en mi escuela secundaria. Esa ciudad está llena de pájaros, llenos de gaviotas. Crecí rodeada de ellos y sabía que disparar allí, que estaríamos rodeados de ellos, así que tenía sentido hacer que ese tipo de motivo en curso en el La cosa de los pies, personalmente me encantan los zapatos como elemento de diseño para un personaje. Pueden darte una instantánea instantánea de la esencia de ese personaje. Brendan con sus buenos zapatos resistentes y sólidos, o Emily, con zapatos que eran estas hermosas y delicadas pequeñas cosas que ahora están destrozadas ". Por otro lado, el curioso traje que lleva el actor Lukas Haas , ese traje con capa que lleva Lukas Haas a través de la película se basa en el mismo atuendo que Jonathan Frid usó en el clásico de televisión de los 60 Sombras en la oscuridad (1966). 

La mayoría de los efectos especiales de la película se produjeron de manera económica y eficiente utilizando efectos prácticos y en la cámara . 

El corte original de la película duraba más de dos horas, aunque se editó a 117 minutos para el Festival de Cine de Sundance. Se cortaron 7 minutos adicionales antes del estreno, incluida una foto de la espalda desnuda de Zehetner cuando se volvió a poner la camisa después de que ella y el personaje de Gordon-Levitt tuvieran relaciones sexuales. Según un post de Johnson en sus propios foros, sintió que la desnudez se sentía mal en el contexto de la película y que prefería dejar el grado de intimidad ambiguo.Según la revisión en "The New Yorker", esta película fue editada en una computadora de la casa. 

La partitura de Brick fue compuesta por el primo de Johnson, Nathan Johnson , con soporte adicional y música de The Cinematic Underground . La partitura recuerda el estilo, la sensación y la textura general de las películas noir. Presenta instrumentos tradicionales como el piano, la trompeta y el violín, y también contiene instrumentos únicos e inventados, como el vino o el teléfono, el metal , los pianos , los archivadores y los utensilios de cocina , todos grabados con un micrófono en un PowerBook de Apple. Además de la partitura de Johnson, contiene canciones de The Velvet Underground , Anton Karas y Kay Armen, así como la versión para big band de " Frankie and Johnny " interpretada por Bunny Berigan y una canción cantada por Nora Zehetner. 

La película tuvo su estreno en enero de 2005 en el Festival de Cine de Sundance y el  7 de abril de 2006  en Estados Unidos. Desde el mismo estreno la película fue premiada.

Entre los Premios destaca el de Sundance al ser Premio Especial del Jurado (Rian Johnson por su original visión) y nominado al Gran Premio del Jurado en el género dramático.

También será premiada en los Premios Independent Spirit con dos nominaciones que incluyen el Premio John Cassavetes y a la mejor producción cinematográfica con un presupuesto inferior a $ 500,000 .

En su recorrido por otros festivales destaca el festival de Sitges siendo premiada en la Sección oficial largometrajes a concurso con el Premio Ciudadano Kane al mejor director revelación.

Obtuvo igualmente en el Festival de cine de Deauville el Gran premio especial. En cuanto a críticos la Asociación de Críticos de Chicago la premió con el Premio al Mejor director novel; fue nominada en Premios del Círculo de Críticos de Cine de San Francisco al Mejor guión original. También en los Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Ohio Central.

En los British Independent Film Awards (BIFA) fue nominada a la mejor película extranjera independiente y a la mejor película pasada por alto así como al Mejor guión original. Obtuvo el premio de la Asociación de Críticos de Cine de Chicago al director más prometedor.

En los Satellite Awards estuvo nominada a la mejor banda sonora (Nathan Johnson ). Finalmente fue nominada tanto por los Sociedad de Críticos de Cine Online al Mejor cineasta de vanguardia , así como en los Premios Empire al director recién llegado.

En cuanto la crítica fue valorada positivamente por gran parte de ella. Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, escribió en su columna que "[Funciona] en el sentido de que los clásicos de Hollywood funcionaron: la historia nunca es clara mientras se desarrolla, pero proporciona una rica fuente de diálogo. , comportamiento e incidentes ". El único error seria de la película, opinaba Ebert, era que los personajes no eran del todo creíbles y, por lo tanto, era difícil preocuparse por el resultado de los eventos para los personajes. Y añade que "Esta película me deja deseando ver el próximo trabajo de su director. Y a Rian Johnson le podríamos decir (...) 'Eres bueno. Eres muy bueno'. (...)."

Para Peter Travers, de Rolling Stone, también le dio a la película una crítica positiva, y explicó que "una parodia hubiera sido fácil. En su lugar, Johnson se sumerge en el fondo, arriesgándose a ridiculizar esta carpeta de hechizos con arena y piedras" y añade "Rian Johnson enseña sus credenciales para un futuro prometedor en el cine (...).

Por su parte, Desson Thomson en The Washington Post escribió sobre ella lo siguiente: "Rian Johnson sabe cómo fundir el entretenimiento y el suspense. Y, con Brendan, ha creado un atractivo personaje. Aunque te cueste seguir su frenética verborrea y su complejidad de personajes, 'Brick' resulta siempre entretenida."

Menos generoso es Stephen Holden de The New York Times comentó en su columna que: "El Sr. Haas y el Sr. Gordon-Levitt al menos logran evocar los contornos de sus personajes. Pero la confianza de la película en el argot de la época no solo se agota, sino que mantiene a los personajes. Tal como son, a una distancia fría ". Y acaba sentenciando "¡Es todo tan sórdido, morboso y espeluznante!. Y aburrida, a pesar de su brillo a lo cine negro de múltiples ángulos cinematográficos".   

En el Reino Unido Damon Wise en las páginas de Empire señala que "Con un espléndido protagonista a cargo de la estrella emergente Joseph Gordon-Levitt, el debut de Rian Johnson es una inteligente y original cinta de nuevo cine negro que funciona como un ingenioso juego (...) ."

Ya en España en El País Javier Ocaña escribe "Mafia de instituto. (...) Johnson ha adaptado las claves del género con convicción y, lo mejor, no las ha banalizado."

En ABC Oti Rodríguez Marchante afirma que "La historia es enrevesada y potente, los personajes embrollados y sólidos, el estilo visual fuerte (...) pero también tiene algún desperfecto: es fría, lejana (...) Es una buena película que te atraviesa y se va. (...)." Jesús Palacios en Fotogramas comenta que es "Una de las películas sorpresa del año. Llena de humor, imaginación y estilo. Dará que hablar. (...).

En filmaffinity concluyen que ""Brick" tiene como referente el estilo verbal de las novelas de Dashiell Hammett y sigue la abundante tradición cinematográfica del cine negro y el hard-boiled, añadiendo como nuevo escenario un instituto en el sur de California." 

Para amantes de estadísticas decir que Brick se ubicó en el puesto 489 de la lista de las 500 mejores películas de todos los tiempos de la revista Empire en 2008.

Por mi parte decir que la película me ha costado trabajo entrar en ella. La hora y el cansancio después de haber estado caminando 20 kilómetros no me ha ayudado mucho. Considero que la película es una nueva fórmula de presentar un relato neonoir, muy en la línea Twin Peaks- no olvidemas que Laura, la protagonista involuntaria de esta película pudiera ser la Laura Palmer de la obra de Lynch- y , sobre todo,  desarrollada mediante una historia asumida por "teenagers" cuyas vidas se ven salpicadas por la violencia, las drogas, la traición, el amor y la amistad. 

Interesante, ciertamente, ha sido el estilo planteado en el que las elipsis y los flashbacks que aparecen sirven para descolocar tanto o más que los pájaros o la presencia casi fantasmagórica de cerebro, un personaje que parece estar y no estar a la vez. Creo que una vez vista, se merece una revisión para valorar de manera más apasionada y / o cerebral, ya que Brick, no deja de ser una compleja historia teenager. 

Lo particulare en Antonioni

Como diría un amigo italiano para muchos cosas de esta vida, el cine de Michelangelo Antonioni "e molto particulare". Su cine es intrincado , complejo, insisto particular. De él se ha dicho que produjo "piezas de ánimo enigmáticas e intrincadas" que rechazaban la acción en favor de la contemplación, centrándose en la imagen y el diseño sobre el personaje y la historia. Para él la narración era algo diferente hasta lo que hasta ese momento se había realizado. Un hombre que busca lo auténtico y lo espontáneo. Antonioni  decía que sentía “(...) la necesidad de expresar la realidad en términos no estrictamente realistas”.

En 1994 recibió el Premio Honorífico de la Academia "en reconocimiento a su lugar como uno de los maestros estilistas visuales del cine" y entregado por Jack Nicholson, un actor presente en una de sus películas, The Passenger (1975). Anteriormente, había sido nominado a los Premios de la Academia al Mejor Director y al Mejor Guión por Blow up . 

Se trata de un director adorado por unos cineastas, e incómodo para otros. No dejó a nadie indiferente. El director de cine Akira Kurosawa consideró a Antonioni uno de los cineastas más interesantes y Stanley Kubrick mencionó a La Notte como una de sus diez películas favoritas en una encuesta de 1963. Para el checo Miklós Jancsó  Antonioni es su maestro. 

Frente a estos el estilo de Antonioni y sus  personajes sin propósito, molestaban a Ingmar Bergman , el director que coincidió en su muerte con el italiano y que en 2002 declaró que consideraba algunas de las películas de Antonioni, incluidas Blowup y La notte , obras maestras por su calidad extravagante y de ensueño, pero encontró otras películas aburridas y señaló que nunca había entendido por qué Antonioni era tan estimado. 

Orson Welles lamentaba el uso que hizo el director italiano de la toma larga.: "No me gusta detenerme en las cosas. Es una de las razones por las que estoy tan aburrido con Antonioni, la creencia de que, porque un disparo es bueno, mejorará si sigues mirándolo. Te da una foto completa de alguien caminando por una carretera. Y piensas: 'Bueno, él no va a llevar a esa mujer por todo el camino'. Pero él lo hace . Y luego ella se va y tú sigues mirando la carretera después de que ella se ha ido ". 

Antes de ese reconocimiento, este intelectual de Ferrara, la ciudad que me remite al ferragosto en el sentido literal, una ciudad llana, sudorosa, calurosa por no decir tórrida en verano, de frialdad extrema en invierno- según dicen- y plagada de bicicletas. Un hombre que descubre el cine en su adolescencia dejando atrás su interés por el violín y la música,pero nunca el dibujo que le sirve para crear arquitecturas y organizar calles, a los que irá introduciendo personas y con ellas entran sus historias. 

Formado en economía en la ciudad roja y porticada de Bolonia se transforma en 1935 en crítico de cine en el diario Il Corriere Padano en la Italia del Duce. En 1940, Antonioni se mudó a Roma, donde trabajó para Cinema , la revista oficial de cine fascista editada por Vittorio Mussolini . Sin embargo, Antonioni fue despedido unos meses después. 

Más tarde ese año se inscribió en el Centro Sperimentale di Cinematografia para estudiar técnica de cine, pero lo abandona después de tres meses. Posteriormente fue reclutado en el ejército. 

Durante la guerra, Antonioni sobrevivió y fue condenado a muerte como miembro de la resistencia italiana. Esta historia contrasta con sus inicios en el cine que van de la mano de Rossellini. En 1942, Antonioni coescribió Un Piloto Ritorna con Roberto Rossellini y trabajó como asistente de dirección en I due Foscari de Enrico Fulchignoni . En 1943, viajó a Francia para asistir a Marcel Carné en Les visiteurs du soir y luego comenzó una serie de cortometrajes con Gente del Po (1943), una historia de pobres pescadores del valle del Po . Cuando Roma fue liberada por los aliados, la película se transfirió a la " República de Salò " fascista y no pudo recuperarse ni editarse hasta 1947 (aunque nunca se recuperó el material completo). Son película en el tono del neorrealismo por estilo, siendo semiestudios documentales de la vida de la gente común. 

Sin embargo, el primer largometraje de Antonioni, Cronaca di un amore (1950) se separó del neorrealismo al representar a las clases medias. Aunque continuó haciéndolo películas como I vinti ("The Vanquished", 1952), un trío de historias, cada una ambientada en un país diferente (Francia, Italia e Inglaterra), sobre la delincuencia juvenil; La signora senza camelie ( The Lady Without Camellias , 1953) sobre una joven estrella de cine y su caída en desgracia; y Le amiche ( The Girlfriends , 1955) sobre mujeres de clase media en Turín o Il Grido ( El clamor, 1957) que fue un regreso a las historias de la clase trabajadora, representando a un trabajador de una fábrica y su hija. Cada una de estas historias se centraba en la alienación social. En Le Amiche (1955), Antonioni experimentó con un nuevo estilo radical: en lugar de una narrativa convencional, presentó una serie de eventos aparentemente desconectados, y usó tomas largas como parte de su estilo cinematográfico.

Antonioni volvió a su uso en L'avventura (1960), que se convirtió en su primer éxito internacional. En el Festival de Cine de Cannes recibió una mezcla de aplausos y abucheos, pero la película fue muy popular en los cines de casas de arte de todo el mundo. La notte (1961), protagonizada por Jeanne Moreau y Marcello Mastroianni , ganadora del Oso de Berlín , y L'Eclisse (1962), protagonizada por Alain Delon , siguió L'avventura . Estas tres películas se conocen comúnmente como trilogía de la alienación porque son estilísticamente similares y todas están relacionadas con la alienación del hombre en el mundo moderno. 

En 1964 se pasa al cine en color , Il deserto rosso ( El Desierto Rojo , 1964) trata sobre temas similares y es a veces se considera la cuarta película de la "trilogía". En todas ellas está presente Monica Vitti, algo que una actriz para él. En estas cuatro películas , como más tarde en Identificación de una mujer, está presente ese aletargamiento, ese aburrimiento del que sale a la luz en la mentalidad o cultura de la intelectualidad italiana del momento presente en Moravia y expresada visualmente en los años sesenta, en el existencialismo relacionados con la incomunicación descritos por Antonioni

Antonioni luego firmó un acuerdo con el productor Carlo Ponti que permitiría la libertad artística en tres películas en inglés para ser lanzadas por MGM . El primero título será, Blowup (1966), ambientado en Swinging London y con David Hemmings y Vanessa Redgrave , fue un gran éxito internacional. El guión se basó libremente en el cuento The Devil's Drool (también conocido como Blow Up ) del escritor argentino Julio Cortázar . Aunque abordó el desafiante tema de la imposibilidad de estándares objetivos y la verdad siempre dudosa de la memoria, fue un éxito exitoso y popular entre el público, famosa por sus escenas de sexo. 

La segunda película fue Zabriskie Point (1970), su primer set en América y con un tema de contracultura . La banda sonora llevó artistas populares como Pink Floyd (quien escribió nueva música específicamente para la película), Grateful Dead y los Rolling Stones . Sin embargo, su lanzamiento fue un desastre crítico y comercial. 

En 1972, entre Zabriskie Point y su siguiente película , The Passenger , Antonioni fue invitado por el gobierno de Mao de la República Popular China a visitar el país. Hizo el documental Chung Kuo, Cina , pero fue denunciado severamente por las autoridades chinas como "anti-chino" y "anticomunista". 

El tercero, The Passenger (1975), protagonizada por Jack Nicholson y Maria Schneider., recibió elogios de la crítica, pero también lo hizo mal en la taquilla. En 1980, Antonioni hizo Il mistero di Oberwald ( El Misterio de Oberwald ), un experimento en el tratamiento electrónico del color, grabado en un video y luego transferido a la película, con Monica Vitti una vez más.

Para 1982 estrena la película que he visto, Identificazione di una donna. , su cuarta y última colaboración con el fotógrafo Carlo Di Palma. Con ella Antonioni volvía a sus temas tradicionales, la incomunicación, la imposibilidad del amor. Para ello partía de una historia y un guión escrito por  el mismo Michelangelo Antonioni ,  aunque con aportaciones de Gérard Brach y el crítico de arte y amigo Tonino Guerra.

Para la película el director de Ferrara contó con el apoyo del  productor Antonio Macrì responsable de Iterfilm S.p.A, aunque participa igualente en régimen de coproducción  la Gaumont  y la Rai 2 (Rete 2 TV).

Para esta película volvía  a contar con la fotografía Carlo di Palma, como ya he señalado , el  montaje del mismo Michelangelo Antonioni y la música de John Foxx, la escenografía de Andrea Crisanti y el vestuario de Paola Comencini.

En cuanto al reparto el director contó con Tomas Milian como el Niccolò, Daniela Silverio como Mavi, Christine Boisson como Ida, Lara Wendel como la chica de la piscina y amante de Mavi, Veronica Lazar como Carla, la hermana de Niccolò, Enrica Fico como Nadia, Marcel Bozzuffi como Mario, Giampaolo Saccarola como el hombre que amenaza a Niccolò, Sandra Monteleoni como la hermana de Mavi, Dado Ruspoli como el padre biológico de Mavi, Itaco Nardulli como el hijo de Carla y sobrino de Niccolò, Paola Dominguin como la chica en la ventana, Pier Francesco Aiello como el Chico en la fiesta y Stefania Damario la chica que encuentra Niccoló en el departamento de Mavi.

La historia comienza con una imagen cenital de la llegada a casa de un viaje del director Niccolò (Tomas Milian ), un director de cine abandonado por su mujer, que acaricia la posibilidad de realizar un nuevo proyecto en el que están muy presente  las mujeres.

De hecho en su casa tiene un panel con las fotografías de  fotos icónicas de mujeres , como de la estrella de cine de los años 20 y 30, Louise Brooks, así como algunas sacadas de la prensa entre las que se encuentran la de una pareja de terroristas. Niccolò necesita encontrar una mujer para identificación, un ostro femenino adecuado para su película, pero no puede encontrarlo

Necesita un nuevo rostro para su película y eso le obsesiona. Al poco de llegar recibe, tras una entrada nefasta en la casa, en la que ha olvidado el mando de la alarma, que llega a saltar , suena un teléfono en el que el intercomunicador concreta una cita al día siguiente en una heladería Fassi para el día siguiente con el fin de hablar de un "asunto delicado" .  Al día siguiente tiene lugar su encuentro con el hombre que desea ver a Niccolò, (Giampaolo Saccarola) y el resultado de la misma es que se siente amenazado ya que el extraño le advierte que de continuar su relación con Mavi dejará de vivir con "tranquilidad". En eso la historia cambia de momento y nos vemos un tiempo antes. De hecho vemos como antes de esa conversación conoce a una chica, la que pudiera ser responsable de esa ambigua , pero real amenaza.

Un día , mientras visita a su hermana Carla (Veronica Lazar), una importante ginecóloga romana, tiene que atender a una chica por teléfono con la que entraba una relación dialéctica. Durante la misma el reconoce su nombre y algo despierta su imaginación. Anota su nombre y dirección, y unos días después le invita a su apartamento en Roma donde hacen el amor. Desde ese momento son amantes.

Ese día conoce a Maria Vittoria Luppis " Mavi ",  (Daniela Silverio  ) y en poco tiempo comienza con ella una relación que se intensifica con el sexo. Ella le cuenta que llegó tarde al sexo y que estudio en un internado femenino de Gales, donde todas las chicas fueron formadas en actividades de salvamento marítimo, y que tenían que estar prestas en cualquier momento para ello.

Cuando la intensidad del sexo decae y las dudas sobre su continuidad avanzan , Niccolò le pregunta a Mavi sobre si ella cree que el "títere" que lo amenazó, lo hizo en nombre de uno de sus pretendientes. Mavi no sabe quién puede ser. Preguntándose quién está detrás de las amenazas, Niccolò le pide a Mavi que le presente a algunos de sus viejos amigos aristocráticos. Así que van al restaurante de Dandini,donde es saludada por varios viejos amigos, incluido un caballero mayor que la detiene en las escaleras y habla con ella. Luego, Mavi le informa a Niccolò que se siente incómoda y le pide que se vaya.

De cualquier manera así comienza Nicco a interactuar con los amigos y conocidos de ella, ya que Nicco quiere conocer el mundo del que ella procede,la "jet set" romana. Por la tanto una noche  van a una fiesta o cena en un mansión. Niccolò encuentra a la multitud aristocrática tan fría y distante como elegante. Mavi lo deja para hablar con sus amigas, incluida una hermosa joven rubia.

Por su parte, Niccolò sospecha de Mavi, creyendo que ella conoce la identidad de su misterioso pretendiente. Mavi le asegura que ella ya no está con esta multitud y que ahora está con él.

Desde que llega Mavi no para de saludar. Allí se encuentra con su hermana (Sandra Monteleoni ). También le revela que el hombre que conoció en las escaleras de Dandini era un "amigo de la familia" que recientemente descubrió que era su padre. Con lágrimas en los ojos, ella cuenta cómo lo evitó durante años sin saber quién era, y todo el tiempo fue incapaz de mostrar su amor a su hija mostránose únicamente como el amante de su madre, persona a la que ella repudia y a pesar de ser su padre biológico (Dado Ruspoli ), algo que ella sospechaba, no puede sentir nada por él.

Tras ese encuentro, quiere Mavi marcharse de la fiesta , aunque vemos poco después como en la misma Nicco observa a algunos de las asistentes , personas de distinta edad , pero de alta extracción social.

Durante la misma Nicco habla con un algunas personas, aunque la mayoría lo ignora. Eso sí, se fija en el trato cariñoso de entre Mavi y una joven amiga ( Lara Wendel), en un par de comensales que comen en solitario y en un chico con el que habla mientras escucha música (Pier Francesco Aiello).

Poco después de la fiesta es cuando comienza a manifestarse cierta oposición a que él siga saliendo con Mavi. El percibe  una fuerte oposición por parte de los amigos de la mujer, personas de una clase más alta, y en particular por ese misterioso joven, que lo cita en una heladería y que le insta a romper la relación.

Niccolò supone que puede ser enviado por el verdadero padre de Mavi que ella siempre ha odiado y que siempre se ha presentado como amigo de la familia. De cualquier manera percibe que la oposición no es un farol cuando su hermana le informa que acaba de perder su plaza en el hospital.

La presión externa va a más y Nicco comienza como empieza a ser perseguido por un detective privado que no le deja ni a sol ni a sombra. Una noche, cansado de esa presión, llama a Mavi para irse con ella a una casa de campo.

Durante el desplazamiento para ir a la casa vemos  que su relación con Mavi es compleja. El viaje se hace en coche que se desplaza envuelta en la espesa niebla.

Durante la angustiosa travesía donde  Niccolò y Mavi (Daniela Silverio) no aciertan a comunicarse. Mavi se siente angustiada y asustada por la senda peligrosa que le lleva su amante.Ante una luz intermitente de precaución cerca de un puente, Niccolò se detiene y sale a investigar. Mavi llama a Niccolò y él vuelve al coche. Ella siente que están siendo observados.

Niccolò arranca a toda velocidad por la carretera envuelta en la niebla. Se meten en una discusión sobre su forma de conducir y Niccolò detiene el coche. Mavi sale y se aleja, desapareciendo en la niebla.

Niccolò sale a buscarla, pero no está por ninguna parte. Ella ha desaparecido en la espesa niebla. Poco después Nicco sale a buscarla. Para un coche en el que va una pareja que le dice que no la han visto, pero que tenga cuidado pues en las cercanías ha habido un asesinato.

Cuando Nicco desesperado llega al coche la encuentra a ella. Tras eso llegan a la casa de campo. Nada más llegar Nicco le dice que la casa se encuentra sobre una villa romana y que se asienta sobre un criptopórtico, en el aire. Van a visitarle, pero salen rápidamente ante la presencia de una rapaz nocturna que asusta a Mavi.

Luego entran en la fría vivienda, discuten sobre su relación y la incapacidad para decirle que la ama, pero finalmente los encontramos en la cama haciendo el amor apasionadamente bajo las sábanas y con la música de Maniobras Orquestales en la Oscuridad y su "Souvenirs".

De vuelta en la ciudad después del viaje al campo, ella desaparece, haciendo que se pierda cualquier rastro de sí misma. De hecho cuando va a buscarla a su apartamento descubre que en el mismo hay un par de chicas instaladas. Habla con una de ellas ( Stefania Damario).

Unos días después, el hombre recibe la visita de su hermana en casa junto a su hijo (Itaco Nardulli  ). El sobrino está interesado en unos sellos que tiene el director y que Nicco ha ido buscando con interés y que localiza en un arcón.

Vemos que su relación con su sobrino es muy grata. El chico, muy observador, le pregunta por varias cosas como por una protuberancia que hay en un pino cercano al balcón de la vivienda de su tía. Tras darle los sellos al chaval, habla con su hermana y comenta Nicco la relación que mantiene con Mavi y sus dificultades. En ese momento sabemos que Nicco ha estado previamente casado y que él fue el responsable de la ruptura de la pareja.

En un momento dado el hijo de su hermana, , le pregunta el  por qué , como director, no hace una película de ciencia ficción.

Tras eso vemos como el tiempo ha pasado. Niccolò ya no tiene contacto con Mavi. Un día al pasar por un puesto de periódicos, Niccolò reconoce o cree reconocer a la joven rubia en la portada de una revista de natación con la que habló Mavi durante una cena. Al llegarse a las piscinas de entrenamiento identifica entre las que se encuentran viendo el mismo a una joven con la que Mavi se paró en la fiesta.

Se acerca a ella y habla con ella. Ella dice no conocer nada sobre la chica, sin embargo, en un momento dado habla de una relación homosexual con ella durante un fin de semana en la playa. Pero también le dice que no la ha visto últimamente.

El director sigue buscando una mujer para su película, pero no da con ninguna. Esto no impide que no salga con amigas. Esa noche ha quedado con una amiga . Llega y lo primero que le dice es que tiene que ir al servicio, pero no quiere ir a un bar y deciden ir a un teatro cercano.

Unos escalones de piedra conducen al Teatro Parnaso por una travesía angosta y poco luminosa. Niccolò (Tomás Milian) acompañado por su amiga, entra en las estancias traseras del teatro.

Los actores, acabada la función, se pierden entre las habitaciones. Tanto Nicco como su amiga, se fijan en una actriz, sexy, que antes de desaparecer tras una puerta echa una última mirada a Nicco. Ambos bajan las escaleras, a moderada velocidad, cogidos de la mano y desaparecen del plano que se quedó en la puerta trasera del teatro.

Tras un corte, Niccolò contempla la labor de un panadero. Cuando se abre el plano lo vemos al pie de esa escalera que instantes antes había bajado en compañía de una mujer. La mujer que hay ahora detrás de él, es Ida (Christine Boisson), la actriz. Indudablemente , se conocían.

Ida propone ir a su casa, en las afueras de Roma. Vive en el campo, aunque vemos, muy cercana a la ciudad. En el campo tiene una caballos que se dedica a montar. Niccolò se siente atraído por la franqueza, calidez y sinceridad de Ida. Después de pasar la noche, la observa a la mañana siguiente montando a caballo en la granja donde vive.

Desde ese momento , Nicco e Ida comienzan una relación estable en todos los sentidos. Parece que la búsqueda de la mujer concluye en Ida, pues parece que a los dos la relación satisface. No obstante una noche, Ida va a la casa de Niccolò, y mientras salen llega un arreglo floral de gardenias japonesas para Mavi. Niccolò todavía está molesto por su desaparición y su misterioso pretendiente. Así que se irrita.

No obstante, Nicco sigue preguntándose el por qué de la desaparición misteriosa de Mavi. De hecho, un día Nicco se cruza cerca del Vaticano con la persona que le presionó para dejar a Mavi. Éste no revela el nombre del interesado secreto.

La propia Ida conocedora de la historia y del interés de Nicco ayuda en esa resolución y le aporta una importante pista: Mavi , descubre un pequeño artículo de la chica que ha descubierto en la revista Time con la foto de Mavi en un artículo titulado "Europe's Woman Today". A través del editor de la revista en Italia consigue una dirección.

El director se persona en el bloque de viviendas sita en Vicoli del Cedro en el barrio del Trastevere.  Allí va piso por piso  buscando a la chica. En principio nadie dice reconocer a Mavi. Sin embargo, Nicco tiene la sospecha en uno de ellos en la que vive una guapa chica que ha dicho previamente que no la conoce. Efectivamente , espera, y al rato descubre que ella llega. Su amiga le informa que un hombre ha preguntado por ella. Ella mira y no ve a nadie. Entra en la habitación se abraza con la chica y luego mira a través de la ventana. Efectivamente ve salir a Nicco que se da la vuelta y mirar. Mavi da un paso atrás, cuando se adelanta. Ya no hay nadie en la calle.

Nicco prosigue su buena relación con Ida. Un día ella le dice que la obra que representa en el Teatro, en el Parnaso, no será representada en tres días. Propone salir a de viaje. La propuesta de Nicco es ir a un a invernal Venecia,  y en ella visitar la Gran Laguna.

En una barca, Nicco e Ida reman para ir al centro de la Gran Laguna . A medida que se desplazan a través del paisaje marino solitario y desolador, Ida observa: "Es muy hermoso, pero triste". Niccolò le pide a ella que se case con él y se abrazan. . Ambos se abrazan, él le dice a ella: “Nos imaginamos que la felicidad se encuentra siempre donde no estamos. Tiene que ser por eso por lo que en este mundo hay mucha gente que sufre.”

Tras eso marchan a su hotel veneciano ante el Gran Canal. La relación entre ambos es más fuerte que nunca. Sin embargo, Ida pide unos minutos para realizar una llamada. La hace y recibe una noticia que, por un lado, le llena de felicidad y , por otro, le angustia. La razón de esta última está en que se encuentra embarazada tal y como le informado su médico, pero el padre de la criatura es otro hombre, pues el embarazo es anterior a la entrada de Nicco en la vida de Ida. Aunque le dice a Niccolò: "Tú eres mi amor", ella sabe que regresará con el padre de su bebé. Niccolò mira las gaviotas volando sobre el canal.

Nicco se siente desarmado, pues creía haber encontrado en Ida a la mujer. Ella es consciente que su relación ahora es imposible, cosa que reconoce Nicco que no quiere ser el padre de un hijo que no es suyo.

Tras eso retorna a casa. Lo volvemos a ver subiendo las escaleras. Al abrir la puerta de la casa deambula por l vivienda hasta que abre una puerta de la zona que habitualmente no usa de la casa. Mira por la ventana desde la posición que solía usar para mirar con sus telescopio al sol.

En los instantes finales, de vuelta en Roma, Niccolò se sienta en el alféizar de su ventana mirando el sol a través de unas gafas de sol. Cierra los ojos e imagina una película de ciencia ficción sobre una nave espacial que avanza hacia el sol. Ahora una voz en off y con imágenes de la que posiblemente sea su nueva película , explica la sinopsis de la misma a su sobrino:
Y tiene lugar esta conversación:
Niccolò: Mi nave espacial es un asteroide capturado en el espacio y transformado en una nave espacial, está hecho de un mineral extremadamente raro que puede soportar hasta un millón de grados.
El niño: ¿Y por qué se acerca el sol?
Nicco: Para estudiarlo ... el día en que el hombre pueda entender cómo se distribuye la materia dentro del sol y su dinámica, tal vez entenderá cómo es todo el universo y la razón de muchas cosas ...
El niño : ¿ Y entonces? ¿Pero no se quema?


Sobre las imágenes van apareciendo los títulos de crédito que ponen fin a la larga película.

La película se rodó en los Incir De Paolis Studios de Roma, y en otros lugares de la capital. Entre ellos está la Gelateria Fassi en el 65 Via Principe Eugenio, en Via Angelo Masina, en Via del Velabro, Via San Simone donde localiza el Teatro Parnaso. También se rueda en la Casale della Cervelletta o en el Trastévere. También se rueda en St Donat's Castle en Vale of Glamorgan en Gales para el Atlantic College. También se rueda en el Gritti Palace Hotel de Venecia y en la gran laguna.

Cuando la película fue presentada el director de Ferrara "Es una historia muy italiana, que trata sin embargo de temas universales. Uno es el amor, un tema viejo como el mundo con algo de nuevo, de actual, en los personajes y en torno a ellos. Al menos eso espero." Fue la última película que pudo explicar de viva voz Michelangelo Antonioni pues fue anterior a su crisis.

Curiosamente, Enrica Fico, una de las actrices de la película, fue a la esposa de Michelangelo Antonioni cuatro años después.

Para la banda sonora, Antonioni eligió música en su mayoría diegética, muy en la línea de lo que ocurría a comienzos de la década de los ochenta en las que se incluían canciones de músicos de vanguardia. El encargado de la misma,  el británico John Foxx , anteriormente en las bandas Ultravox , contó con la música de bandas electrónicas como Japan y Tangerine Dream , que aporta la pieza final de su trabajo Ricochet y, sobre todo, Tangram (1980), para acompañar el epílogo y los créditos.

También hay presentes dos canciones de Gianna Nannini para las cuales Antonioni dirigirá el videoclip del éxito de Fotoromanza en 1984 y otros "cameos musicales"como la del música Fausto Cigliano tocando en la fiesta que invita Mavi a Nicco una guitarra clásica la pieza - Soavesito - de Henghel Gualdi y Massimo  Casadei que Antonioni quería, para la ocasión, interpretado por un coro de voces blancas,  o en una escena de sexo entre Mavi y Nicco con la música de Maniobras orquestales en la oscuridad y su tema "Souvenirs".

La película fue presentada a concurso en el 35º Festival de Cine de Cannes y por ella recibió el 35º Premio Aniversario . También  fue nominada en los Premios David di Donatello a la mejor fotografía en la persona de Carlo di Palma.

Una vez presentada la película está se verá lastrada por la crítica que queda relegada  en algunos mercados tras las críticas . Este es el caso de de Vincent Canby calificó la película como "bella y triste" y "un" trabajo insoportablemente vacío " tras verla en el Festival de cine de Nueva York de 1982 y que trasladó a las páginas del New York Times .  Esta información contrastaba con la crítica que se hizo en la revista Première sobre el director cuando se le entregó el Premio y justifica l mismo por ""el espíritu de la investigación constante de su obra" . La película finalmente fue estrenada en Estados Unidos en 1996.

La película está muy en la línea del cine de Antoniani visible en los planos elegidos , como el cenital del principio, la necesidad de capturar las luces ( espectaculares en Venecia)  o las sombras en las escenas del Trastevere y sobre todo las vinculada con la niebla.

También hay  bruscos cambios de raccord con cortes en la historia que , en muchos ocasioes, no tiene nada que ver con la linealidad temporal , incorporando lapsus temporales que responden al concepto de montaje de Antonioni. Estos saltos se parecen mucho a la vida y a la búsqueda de mata en mata que lleva el protagonista, Niccolò, también director de cine de profesión, y que algunos apuntan que , posiblemente existan muchos elementos autobiográficos que traslada al guión y a la película. Igualmente vuelve a uno de sus temas: la incomunicación entre hombres y mujeres una vez superada la etapa de pulsión sexual , la famosa incomunicación o la imposibilidad de ser feliz.

En esta película el director de Ferrara cuenta con actores de largo recorrido y debutantes en el cine. Tomás Milián era, por entonces, un conocido actor estadounidense con larga trayectoria en Italia; había trabajado previamente con con Luchino Visconti ( Boccaccio 70 ), Liliana Cavani ( The Cannibals ) y Bernardo Bertolucci ( La Luna ).Christine Boisson comenzó su carrera en 1974 en cine y teatro y Daniela Silverio , procedente del teatro, comienza aquí su carrera cinematográfica. Verónica Lazar , fallecida en 2014, había debutado en El último tango en París de Bertolucci.

Destacar igualmente el trabajo del fotógrafo , Carlo di Palma, y su cámara . No sólo por colocarla en lugares casi inverosímiles como vemos al principio sino por la capacidad que tiene de alejarse de los personajes y de incluirlos o excluirlos del plano. Dentro de las imágenes de la película ha de destacarse el tema de la niebla, una secuencia en la que es imposible no sentir la tensión por esa conjunción entre la imagen, las palabras y lo que no se puede ver. Un momento altamente inquietante.

Por supuesto que hay en esta película mucho, muchísimo de incomunicación y de desorientación vital en sus personajes, nada claros, con aristas y ángulos múltiples, llenos de angustia, pero sin dejar de ser elegantes, tristes,  cargados de melancólica, infelices o ajenos a la felicidad, sin un fin en la vida o , al menos, sin concretar esa finalidad,  y sobre todo nada diáfanos, siempre envueltos en la niebla o vistos a través de un ángulo o un espejo. 

De la crónica de la película en Cannes sepublicó en El País en mayo de 1982 lo siguiente : "Antonioni, en Identificación de una mujer, narra las vicisitudes de un director cinematográfico que busca con ansiedad el rostro de la mujer que debe inspirar su próxima película. Naturalmente, es un hombre en crisis. Enfrentado a dos caracteres femeninos opuestos, el fracaso coronará sus pretensiones amorosas; la contemplación de la naturaleza será su único refugio. Antonioni explica que los viejos términos del amor son ya irrepetibles, pero carece de la sensibilidad necesaria para comprender los nuevos: malgasta mucho tiempo de proyección para informar del lesbianismo de una de sus mujeres y pierde el resto para concluir que la segunda tendrá un hijo de otro hombre; es decir, matiza su crisis con problemas tan ingenuos que resulta difícil aceptarlos.Un sorprendente esquematismo bodea todo el filme de Antonioni, repleto, por otra parte, de frases tan pretenciosas como chirriantes. "

Tonino De Pace en su web sobre cine presentada como bajo el nombre sentieriselvaggi comenta que Antoniani dirige una película de signos, superficies, transparencias, caras que coinciden con el centro de dos centros urbanos, tan diferentes y cercanos a su autor, Roma y Venecia, una película. de la soledad, de las oportunidades perdidas, de las ventanas que miran a otra parte y que imitan la falta de participación en la vida, la protección, la escalera, los apartamentos, las dudas y las pérdidas. La identificación de una mujer es una película de conexiones entre personas y cosas en un mundo que se ha vuelto incomprensible y de cine que trata de descifrarlo. 

Destaca este analista que  La película, en 1982, se ve afectada por su contexto externo " la crisis del político y los signos del pasado en el presente no son más que una malla que cuelga en las paredes como después de una catástrofe. Un mundo que Niccolò ya no entiende y no puede definir, ya no sabe cómo identificar y traducir los signos en realidad, ni siquiera en el cine.

Y concluye con "Michelangelo Antonioni dirige su película más incierta, más temblorosa, de la historia poco probable de un director que en una crisis creativa conoce a una mujer, se enamora de ella, la pierde y trata de encontrarla en las otras mujeres a las que asiste. Finalmente lo encuentra, pero todo parece no tener sentido. Y a final crea "  una película de espacios, como ya fue el caso de L'eclisse o L'avventura , pero en comparación con esas soluciones, dominadas por un blanco y negro geométrico, esta vez la película parece mirar el encanto de la redondez. donde parece desarrollar la conciencia irresoluta de su protagonista en el plano inclinado que lo obliga a un movimiento que parece estático y que no encuentra solución a su ansiedad de buscar la perfección".

En Cahiers du cinéma Serge Daney publicó el 19 de noviembre de 1982 lo siguiente : "Identificación del film. Niccolo (Tomas Milian) es un cineasta italiano, y por lo tanto complicado. La acción transcurre en "nuestros días", como es la norma con Antonioni. El lugar es Roma, los barrios buenos, luego un poco de campo, y una pizca de Venecia. Sobre todo un (bello) mundo flotante, el viejo Miguel Ángel arroja miradas de calígrafo loco. La elegancia es casi insostenible, así como la belleza de la fotografía, obra de Carlo di Palma. Belleza asfixiante. Entre dos edades, dos mujeres, dos films, se encuentra el cineasta: el siniestro Niccolo. Del film que se dispone a escribir sólo se sabe que lo construirá a partir de una "forma femenina". Una forma que todavía queda por identificar. 

Si hacer un film consiste en encontrar un cadáver cuando todo lo que se conoce todavía no es más que el lugar del crimen, Identificazione di una donna es el relato de una investigación que se hace in vivo, delante de nosotros. En tiempo presente. Un presente antonioniano que consiste en repetirse sin cesar, como el obsesivo "¿por dónde comenzar?". Asfixia de este presente. El argumento es antonioniano, por lo tanto somero. Al comienzo del comienzo, entonces, había una mujer, María Vittoria, llamada "Mavi" (Daniela Silverio), fina flor de la aristocracia romana, y al final del comienzo habrá una joven actriz de teatro, Ida (Christine Boisson). Niccolo amaba a Mavi como amará a Ida. Pero al final del comienzo del comienzo, hay un "misterio Mavi": ella no es como las otras, hay algo en ella que se sustrae a Niccolo hasta en el cuerpo a cuerpo del amor (escena sorprendente). Por otra parte, ella desaparece. Al final del final del comienzo tenemos a Ida que está encinta (pero de otro). Por otra parte, Niccolo la deja para ponerse -¡por fin!- a trabajar. 

( ...) (Y )  su trabajo consiste en componer, a partir del caos complaciente de su vida privada, una mujer que no sea ni Mavi ni Ida, y a la que nunca veremos: una mujer ficticia, más verdadera que las de verdad. Para llevar a cabo este trabajo, procede como la mayor parte de los protagonistas (varones) de los films de Antonioni: se pasa la vida haciendo investigaciones, centra la atención sobre una línea móvil de microacontecimientos, amolda las turbulencias de la materia en la probeta de los propios sentimientos, procede a ampliaciones (se dice blow-up), apunta un telescopio sobre un detalle del ser amado (y por lo tanto observado), hace una montaña de este detalle, y un cuadro de esta montaña. Escala la montaña para salir del cuadro. Se desplaza para encontrar el buen ángulo de visión en un mundo de hologramas totalmente nuevo. Trabaja en la identificación de la mujer. Celosamente. ¿Se puede decir que los celos son también un arte poética? Creo que sí. ¿Y que Antonioni es un poeta celoso? Absolutamente, sí. No se contenta con tratar el "tema" de los celos. Plantea a toda cosa, cualquiera sea, la pregunta misma del celoso: ¿de dónde vienes?, ¿dónde estabas hace un instante?, ¿cómo te atreves a existir cuando yo no estoy ahí para verte existir?, etc. Celoso de todas esas cosas que no se pueden guardar en el ojo porque está en su naturaleza desvanecerse, desaparecer. El sol tiene sus eclipses, el día sus noches, la niebla sorda tiene sus estudios (gran golpe de efecto en que la pareja tiene su discusión matrimonial en un telón de humo), la línea tiene el movimiento para desplazarla y el color tiene la luz para alterarlo. La mujer tiene todo eso para hacer cine. La mujer y esa propensión suya a desaparecer. Sobre todo en las películas de Antonioni. (...) 

En Identificazione di una donna, todo es visto a través del personaje de Niccolo. Pertenece a (y está en) todos los planos.(...)  Es asfixiante este Niccolo. Su investigación será infinita, y la pregunta "por dónde comenzar" podría volverlo loco si no hubiera un mecanismo tan particular como el del final. Cuando termina de seguir el rastro de la desaparecida Mavi, oye en las escaleras una conversación que le confirma lo que ya sabía: Mavi vive con otra mujer. Y de repente, la cámara está del otro lado, por primera vez del lado de las mujeres, y muestra al hombre que se aleja, pensativo y avergonzado. Luego se da la vuelta en la calle, Mavi se aproxima a la ventana, se ven, la cámara describe un gran arabesco y vuelve sobre Mavi que mira al vacío, en el lugar en que Niccolo ya no está. Fue necesario que se convirtiera en un objeto visto por otro(/a) (doblemente otro) para lograr su derecho a la desaparición. Y al arte. Tardó mucho, verdaderamente, en convertirse en objeto. El objeto-film también él, es difícil de identificar. Ya casi nadie sabe (o ve) hacer cine como Antonioni. Este film se hallará muy alejado del gusto actual y de su chatura propia, o, al contrario, demasiado conforme al "Antonioni de siempre", convertido ya en monumento histórico. No sería justo que tales cosas ocurran. A pesar de una belleza plástica de cada instante (digna de un Piero della Francesca erotómano, digamos), surge del film un fuerte sentimiento de impaciencia. 

En 1985, tres años después del estreno de la película, Antonioni sufrió un derrame cerebral, que lo dejó parcialmente paralizado e incapaz de hablar. Sin embargo, continuó haciendo películas, , en parte, junto a Wim Wenders cuando filmó algunas escenas de Beyond the Clouds(1995). Compartieron el Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Venecia junto con la película vietnamita Cyclo del director Tran Anh Hung que pude ver en el Cine Santa Rosa años. 

Antes de morir nos dejó dos obras: su documental sobre El Moisés o Lo sguardo di Michelangelo ( La mirada de Michelangelo , 2004) visto hace unas semanas. Esa historia que se centra en un hombre viejo, precedido por su propia sombra, atraviesa la puerta de una vieja iglesia romana. En el interior se halla la impresionante escultura inacabada del Moisés de Miguel Ángel. El hombre la observa con veneración, en escrupuloso silencio, casi con recogimiento religioso, empequeñecido su cuerpo anciano bajo la magnitud de la obra que parece estar observándole a él. Los ojos del hombre parecen cansados pero su mirada está viva, es joven, se detiene en cada detalle con embeleso: hasta se atreve a acariciar partes de la escultura con sus manos delicadas. Luego, sale de la iglesia con calma.

La última película de Antonioni, hecha cuando tenía unos 90 años, un segmento de la antología Eros (2004), titulada "Il filo pericoloso delle cose" ("El hilo peligroso de las cosas"). Los episodios del cortometraje están enmarcados por pinturas de ensueño y la canción "Michelangelo Antonioni", compuesta y cantada por Caetano Veloso .

Antonioni murió el cineasta que en palabras de Octavi Marti dio voz al silencio a los 94 años el 30 de julio de 2007 en Roma, el mismo día en que murió otro renombrado director de cine, Ingmar Bergman . Fue enterrado en su ciudad natal de Ferrara el 2 de agosto de 2007. Con él moría un cineasta que impactó en otro cineastas como Wenders, Scorsese, Toback , Hill, Yoshida o Jaime Camino, un inventor de formas, un narrador que maneja el tiempo como material maleable y capaz de servirse como nadie del color y un poeta de la imagen y un testigo inteligente y sensible de los cambios que ha vivido el mundo entre 1945 y 2000.

Un director tan relevante que en 1995 el que fuera Presidente de la República,Oscar Luigi Scalfaro. inauguró un Museo , Museo Antonioni, que se centraba en su filmografía , sus guiones y su correspondencia.  

La historiadora del cine Virginia Wright Wexman describe la perspectiva de Antonioni sobre el mundo como la de un " intelectual marxista y existencialista posreligioso ".

En un discurso en Cannes sobre L'Avventura, Antonioni dijo que en la era moderna de la razón y la ciencia, la humanidad todavía vive por "una moralidad rígida y estereotipada que todos reconocemos como tales y, sin embargo, nos mantenemos fuera de la cobardía y la pura pereza". Dijo que sus películas exploran la paradoja de que "hemos examinado esas actitudes morales con mucho cuidado, las hemos diseccionado y analizado hasta el punto de agotamiento. Hemos sido capaces de todo esto, pero no hemos sido capaces de encontrar otras nuevas. "

Nueve años más tarde expresó una actitud similar en una entrevista, diciendo que detestaba la palabra 'moralidad': "Cuando el hombre se reconcilia con la naturaleza, cuando el espacio se convierte en su verdadero trasfondo, estas palabras y conceptos habrán perdido su significado, y nosotros Ya no tienen que usarlos ". 

Uno de los temas recurrentes en las películas de Antonioni son los personajes que sufren de aburrimiento y cuyas vidas están vacías y sin sentido, aparte de la satisfacción del placer o la búsqueda de la riqueza material. Sus personajes sufren crisis vitales o un hastío existencial , especialmente si sus protagonistas pertenecen a la alta burguesía y son mujeres. 

El historiador del cine David Bordwell escribe que en sus películas, "Vacaciones, fiestas y actividades artísticas son esfuerzos vanos para ocultar la falta de propósito y emoción de los personajes. La sexualidad se reduce a la seducción casual, la empresa a la búsqueda de riqueza a cualquier costo". Bordwell explica que las películas de Antonioni tuvieron una gran influencia en las películas de arte posteriores : "Más que ningún otro director, alentó a los cineastas a explorar la narrativa elíptica y abierta". 

Las películas de Antonioni tienden a tener tramas y diálogos de sobra, y gran parte del tiempo de pantalla se invierte en ciertos ajustes, como la toma continua de siete minutos al final de The Passenger y la hermosa toma larga cerca del comienzo que "mezcla el tiempo", o la escena en L'Eclisse en la que Monica Vitti mira con curiosidad los postes eléctricos acompañados por los sonidos ambientales de los cables.

En este caso la película propone una reflexión sobre las relaciones de la mujer y el hombre. Este último no siempre comprende el comportamiento de las mujeres que ha conocido. La película se realiza cinco años después de que Luis Buñuel presentara Ese oscuro objeto de deseo , y Michelangelo Antonioni trabaja a su vez en la relación entre hombres y mujeres con una reflexión sobre la duplicación del personaje femenino central: dos actrices para el mismo personaje de Conchita en Buñuel; en Antonioni, son dos actrices, la rubia Daniela Silverio y la morena Christine Boisson, para dos personajes diferentes que, sin embargo, pueden aparecer como la doble cara de una fantasía. Un retorno a la idea de la disyuntiva masculina ante el dilema Ofelia y Salomé.  

Virginia Wright Wexman resume su estilo en los siguientes términos: "La cámara se coloca a una distancia media más a menudo que cerca, con frecuencia se mueve lentamente; los disparos pueden extenderse ininterrumpidamente al cortar. Por lo tanto, cada imagen es más compleja y contiene más información. de lo que lo haría en un estilo en el que se enmarca un área más pequeña ... En el trabajo de Antonioni debemos considerar sus imágenes en detalle; nos obliga a prestar toda nuestra atención al continuar la toma mucho tiempo después de que otros lo cortaran ". 

Antonioni también es conocido por explotar el color como un elemento expresivo significativo de su estilo cinematográfico, especialmente en Il deserto rosso , su primera película en color . 

El actor estadounidense Peter Weller , a quien Antonioni dirigió en Más allá de las nubes , explicó en una entrevista de 1996: "No hay un director que viva, excepto tal vez Kurosawa , Bergman o Antonioni, por el cual me derrumbaría y haría cualquier cosa. Conocí a Antonioni hace tres años en Taormina en un festival de cine . Me presenté y le dije que adoraba sus películas, sus contribuciones al cine, porque fue el primer chico que realmente comenzó a hacer películas sobre la realidad de la vacuidad entre las personas, la dificultad para atravesar este espacio entre Amantes en el día moderno ... y él nunca te da una respuesta, Antonioni, eso es lo hermoso ".

De cualquier manera y , como ocurre en la película en la conversación entre tío y sobrino, no podemos decir nunca en la ciencia-ficción qué es verosímil y qué no. No hay duda de que el sol da vida, calienta, pero también quema. Sí, amar es ciencia-ficción. Lo dicho, un director "molto particulare".