Modigliani, tres días en Montparnasse

Modi: Three Daysi on The Wing of Madness es una película del año 2024 long dirigida por Johnny Depp siendo su segundo largometraje como director veintiocho años después de su ópera prima " The Brave'.

Esta película es el retrato de la agitada existencia de la tormentado y excesivo artista bohemio Amedio Modigliani interpretado por Ricardo Scarmarcio, que pasó su vida entre drogas, alcohol, mujeres como Beatriz Hasting, pobreza y enfermedad y que solo alcanzó la fama tras la muerte al igual que sus compañeros malditos, Utrillo y Chaim Soutine.

Desde la década de los setenta y el oscarizado Al pacino coprotagonista de esta cinta tuvo el propósito de convertir la obra de teatro Modigliani de Dennis McIntyre, en una película, a partir de un guion de Jerzy y Mary Kromolowski.Producida por Johnny Depp, Al Pacino y Barry Navidi cabezas visibles de IN.2 Film de Depp, Salome Productions, Barry Navidi Productions y Proton Cinema, a las que se suman ILBE Group, The Veterans, Red Sea Film Foundation resultando una coproducción entre el Reino Unido, Italia y Hungría. Aquí del llega de la mano del actor en una historia ambientada en el París de 1916 en plena primera guerra Mundial y que recoges 32 horas decisivas en la caótica vida del artista. 

En la película aparte de estos dos actores participan Stephen Graham, Antonia Desplat como Beatrice Hastings y Bruno Gouery, así como Ryan MarcParland, Luisa Ranieei y Kat Fairaway en papeles secundarios, y un cameo de Al Pacino, quien también fue productor del filme.

La película que cuenta con la música de Sacha Puttnam y Steve McLaughlin, la fotografía de Nicola Pecorini y Dariusz Wolski y que cuenta con el montaje Mark Davies, explora dos o tres días caóticos en la vida del artista bohemio italiano Amedeo Modigliani (Riccardo Scamarcio ), conocido por sus amigos como «Modì», que vive en París y al que conocemos ganándose la vida como caricaturista en un restaurant parisino, Le Dôme, donde un camarero lo describe comoo un hombre de la margen izquierda del río, judío e italiano. Así presenta, en los primeros minutos de la película, el camarero del afamado Le Dôme del París de 1916 a Amedeo Modigliani cuando un adinerado matrimonio se interesa por él. Unas mesas más allá, el artista retrata a una joven y bella mujer acompañada de su marido. mientras flirtea con las damas a las que dibuja. 

Un enfrentamiento con un militar de alta graduación de la armada francesa termina con un incidente que le obligar a salir por una cristalera y a huir de la policía. Es ahora cuando se plantea que hace en París diez años de sin sabores en las que malvive en Montparnasse y en el que las únicas satisfacciones las encuentra en su amante, su musa inglesa la escritora Beatrice Hastings (Antonia Desplat ) y en sus colegas de farras como pintores "maduits": el francés de origen español, Maurice Utrillo (Bruno Gouery ) y el bielorruso Chaim Soutine (Ryan McParland ). 

Su deseo de poner fin a su carrera y abandonar la ciudad y volver a su Livorno natal es rechazado por otros bohemios: el artista francés Maurice Utrillo, que está más que desequilibrado - y alcoholizado- fuera de su bella capacidad para reflejar su amada París y que piensa que ha de sumarse al Ejército francés que lucha contra los alemanes, y el bielorruso Chaim Soutine, admirador de Rembrant y de la naturaleza insectívora, mientras se comen un plato de spaguettis en la taberna de Rosalie Tobia (Luisa Ranieri ) . 

Modì busca el consejo - y algo de dinero- de su amigo el marchante de arte polaco Léopold Zborowski (Stephen Graham ), pero el caos llega a un punto culminante cuando se enfrenta a un coleccionista, Maurice Gangnat (Al Pacino) - cuyo retrato fue pintado en 1916 por Pierre-Auguste Renoir-, que podría cambiar su vida. 

El artista se esfuerza por consolidar su arte mientras enfrenta sus propios demonios y la indiferencia de una sociedad que no supo valorar su talento en vida. Son días turbulentos, recorriendo las calles, galerías y bares de la ciudad. Con el alcohol siempre de fondo, con la miseria apretando. Puro retrato de la bohemia. Y por una botella de vino o un plato de espaguetis es capaz de ofrecer obras que hoy tendrían un valor incalculable.  

A finales de los años 1970, a Al Pacino se le ocurrió por primera vez la idea de hacer una película biográfica sobre Amedeo Modigliani basada en la obra Modigliani de Dennis McIntyre. El productor de cine estadounidense Keith Barish compró los derechos de la obra y le dio a Pacino el control creativo total. 

Luego, Pacino llevó a Richard Price a París para comenzar a escribir el guion, utilizando la obra como base para la película. 

Inicialmente, el guion fue confiado al cineasta Francis Ford Coppola para que lo dirigiera, en 1979, con Bernardo Bertolucci y Martin Scorsese como segunda y tercera opción según Pacino, respectivamente. 

Después de ser rechazado por Coppola, Pacino le presentó el guion a Scorsese, quien quedó impresionado. Los dos enfrentaron grandes dificultades para producir la película en la década de 1980, debido a que los estudios no querían financiarla. 

Mick Davis escribió un guion de Modigliani en la década de 1990 y se lo envió a Scorsese, a quien le gustó. «Martin Scorsese me dijo que es uno de los mejores guiones que jamás haya leído y que podría convertirse en una película o en una obra de teatro», dijo Davis en una entrevista en 2014. Pacino y 20th Century Studios recibieron el guion poco después y estaban conformes con él, pero sugirieron que Davis combinara la nueva versión del guion con la anterior. En este momento se consideraba que Pacino era el director, con Johnny Depp desempeñando el papel principal de Modigliani. Davis, que no estaba satisfecho con la idea de combinar las dos versiones del guion, decidió realizar su versión de la película en 2004.

Según Barry Navidi, alrededor de 2012, él y Al Pacino estaban hablando sobre el proyecto, con la idea de que Depp interpretara el papel de Modigliani. Sin embargo, no lograron hacerlo realidad debido a la apretada agenda de Depp en ese momento. Pacino se comunicó por primera vez con el actor para pedirle que dirigiera la película antes de que comenzara la pandemia de COVID-19 en 2020. 

En agosto de 2022, se anunció que Depp dirigiría y produciría Modigliani, una película sobre Amedeo Modigliani, coproducida junto a Pacino y Barry Navidi. La película está basada en una obra de Dennis McIntyre y adaptada para la pantalla por Jerzy y Mary Kromolowski..

Es el primer trabajo como director de Depp desde The Brave, estrenada en 1997, en la que protagoniza junto a Marlon Brando. También es la tercera colaboración de Depp con Pacino, siendo la primera Donnie Brasco y la segunda Jack y Jill. Depp expresó su admiración por Modigliani en una declaración oficial: «Me siento increíblemente honrado de llevar a la pantalla la saga de la vida del Sr. Modigliani. Fue una vida de grandes dificultades, pero con un eventual triunfo. Una historia universalmente humana con la que todos los espectadores pueden identificarse». 

Pacino, quien inicialmente le propuso la idea de dirigir la película a Depp, declaró: «Esta es una parte de la vida de Modì y no una biografía. Ha sido un sueño para mí trabajar con Johnny otra vez; es un verdadero artista con una visión asombrosa para llevar esta gran historia a la pantalla».

En mayo de 2023, la película pasó a llamarse Modì y se anunciaron los primeros integrantes del reparto.: Riccardo Scamarcio y Pierre Niney fueron elegidos para los papeles principales como Amedeo Modigliani y Maurice Utrillo respectivamente, mientras que Pacino fue elegido como Gangnat.

Según declaraciones de Depp, la elección de Scamarcio estuvo motivada en gran parte por la intensidad de su mirada, la cual le recordó a la de Oliver Reed. Depp también destacó que percibió en Scamarcio una combinación singular de la energía de Reed con Marcello Mastroianni.

La película fue vendida para su distribución durante el Festival de Cine de Cannes de 2023 por la productora The Veterans.

El 31 de agosto de 2023, se anunció que Modigliani, tres días en Montparnasse contaría con el respaldo financiero de la Red Sea Film Foundation, que también había apoyado a Jeanne du Barry de Maïwenn, vista no hace mucho, en la que Depp interpretó uno de los papeles principales en esta película de época.

El 11 de septiembre, poco antes de que comenzara el rodaje en Budapest, se anunció que Pierre Niney había renunciado a su papel debido a un conflicto de agenda con otra película que estaba filmando  mientras que Luisa Ranieri, Antonia Desplat, Stephen Graham, Bruno Gouery, Ryan McParland, Benjamin Lavernhe y Sally Phillips se unieron al elenco.

El 11 de octubre, las cantantes rumanas de taraf Viorica e Ionita Manole anunciaron en Instagram que iba a aparecer en la película como cantantes, actuando para Modigliani y sus amigos. 

La filmación comenzó en septiembre de 2023, en Budapest, aunque algunas escenas se rodaron cerca del jardín Károlyi, donde las calles estaban decoradas para parecerse al París de la década de 1910.  Aunque se había anunciado que el rodaje iba a trasladarse a Italia en una fecha posterior, el 4 de noviembre de 2023 se reveló que el rodaje había terminado en Budapest, y el elenco y el equipo publicaron fotos y celebraron en Instagram. Unos días después, Depp recurrió a Instagram para agradecer al equipo y al elenco por su trabajo en el proyecto.

Las escenas en las que aparece Pacino se filmaron en Los Ángeles en enero de 2024.  También se rodaron escenas adicionales en Turín el 20 y 21 de febrero de 2024. El 18 de enero de 2024, justo después de finalizar el rodaje en Los Ángeles, se publicaron las primeras imágenes del set, junto con una declaración de Depp: "Emprender este viaje cinematográfico como director de Modigliani, tres días en Montparnasse ha sido una experiencia increíblemente gratificante y transformadora. Me gustaría expresar mi profunda gratitud a todo el elenco, el equipo y los productores por su inquebrantable compromiso y creatividad. A Al, quien me pidió que hiciera esta película, ¿cómo podría negarme a Pacino? Un sincero reconocimiento por contribuir generosamente con su talento y dedicación a este proyecto. Modì es un testimonio del espíritu colaborativo del cine independiente y estoy emocionado de presentar esta historia única y cautivadora al mundo."

En agosto de 2024, se añadió Three Days on the Wing of Madness como subtítulo. La película está producida por IN.2 de Depp, una compañía europea hermana de Infinitum Nihil, con sede en Los Ángeles, Salome Productions, Barry Navidi Productions y The Veterans, con producción local en Budapest a cargo de Proton Cinema.

Modì, Three Days on the Wing of Madness está dedicada al músico de rock Jeff Beck, quien era un amigo cercano de Depp. Modigliani, tres días en Montparnasse se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián el 24 de septiembre de 2024. 

Obtuvo los premios Capri Cult Award y Cult Movie of the Year Award en el Festival Internacional de Cine de Capri Hollywood, antes de su proyección en el Festival de Cine de Roma el 26 de octubre.Se estrenó en los cines de Italia el 21 de noviembre.

Enn cuanto a la crítica hay que reconocer que ha sido despiadada. Leslie Felperin en The Hollywood Reporter consideró que "Es esencialmente una pieza decorativa de época para el circuito de cine de arte y ensayo, pero con más secreciones corporales y daños materiales." Y añade el crítico norteamericabno que «Al igual que muchas películas sobre artistas», el filme de Depp «no se atreve a comprometerse con seriedad sobre el oficio, la aplicación y la técnica o cualquiera de las cosas esenciales que realmente hacen que sus creaciones sean importantes» E

Jason Gorber de Collider escribió sobre ella que "A pesar de una escena eléctrica que hace que el resto de la película parezca más risible, es un lío tedioso y pretencioso que es fácilmente una de las peores producciones del año (...)" 

Guy Lodge de Variety escribió sobre ella que "Es palpablemente sincera en su admiración por su tema y quizás más autorreflexiva en nombre de todos los artistas que trabajan en un sistema en el que el arte no lo es todo" 

Para Stephanie Bunbury de Deadline la película "No es el terrible embrollo de autoengrandecimiento que se esperaba, al menos no en su totalidad. Cuenta con algunas piezas bellamente ensambladas" 

Para la crítica "british" el desagrado en algún caso es alto como ocurre en Jonathan Romney de Screendaily consideró que "Su romanticismo cutre nunca convence lo más mínimo, y se siente terriblemente anticuada, tanto en estilo como en contenido" 

Tim Robey de Telegraph dijo de ella que "Cualquiera que sea el parentesco que Depp pueda sentir con este artista torturado, incomprendido y regularmente manchado, se expresa, por desgracia, como una retahíla de clichés agotadores (...) 

En The Guardian Peter Bradshaw  señaló que "La variedad de talentos aquí se siente desperdiciada en lo que es un drama fundamentalmente anticuado y estereotipado cuya pasión bohemia se diluye (...) " 

Más benevolente fue la crónica de Danny Leigh en el Financial Times al considerar que "Se supone que tenemos que aplaudir con admiración, aunque las juergas se vuelven tan repetitivas que hasta un anarquista podría llamar a un policía. Aun así, la película tiene una tesis, o al menos una opinión (...). «Sin duda, Depp admira la obra de Modigliani, pero su verdadera pasión aquí es la fantasía eternamente embriagadora de la bohemia parisina», sentenció, por ejemplo, la reseña del diario The Irish Times. 

Ya en España  Luis Martínez en El Mundo considero que "Johnny Depp se hunde... un poco más. (...) un ejercicio de cine confuso, desmañado, con muy poca gracia y autocondescendiente en extremo (...) " 

Oti Rodríguez Marchante de ABC indicó que se trataba de "Un retrato más largo que estilizado de Modigliani (...) Entre los excesos del pintor y los excesos del director la película adquiere un cierto sentido" 

Desde Barcelona  Nando Salvá en El Periódico destacó que "La película resulta desconcertante no solo por el espectacular despiste que evidencia a varios niveles sino también, sobre todo, por la desfachatez con la que Depp la usa para hacerse un sitio entre los artistas incomprendidos de los que Modigliani es ejemplo paradigmático" . También desde la ciudad condal Philipp Engel habituall en La Vanguardia "Doblemente interesante al tratarse de un artefacto que nos permite pasearnos por la mente de tan magno icono pop, no es el desastre que se anunciaba. (...) este caos alucinado tiene personalidad propia (...)" 

Para Carmen L. Lobo en La Razón "Nos preguntamos qué tenía en la cabeza el gran Johnny Depp cuando decidió dirigir este (...) purito disparate. (...) el resultado desconcierta y hasta se antoja petulante. (...) " 

Javier Zurro de eldiario.es consideró que la película "Roza en ocasiones lo sonrojante. Un decepcionante filme que quiere romper el academicismo de su narración con algún arrebato supuestamente moderno (la música, partes en blanco y negro o aceleradas), sin lograrlo." 

Laura Pérez de Fotogramas, por su parte, afirma que "Resulta loable su empeño en huir del biopic convencional, pero el esfuerzo resulta caótico. (...) Para quienes sientan curiosidad por el Johnny Depp director, sin esperar demasiado (...) Y añade que " Riccardo Scamarcio defiende el papel de Modigliani con dignidad, pero se adivina la borrachera de intensidad e indicaciones contradictorias que lleva encima. Entre clichés romantizadores de la vida bohemia, desliza alguna reflexión interesante sobre el papel de los críticos (sí, también los de cine). "Yo hago arte, tú solo escribes de él", dice en un momento el personaje. No le falta razón."

Como Diana Arrastia señala en El Confidencial "Poco más se cuenta sobre el pintor en la película, que no es un biopic, sino un trozo de la vida del artista que acontece en un torbellino de setenta y dos horas vitales. Tres días en un momento muy concreto. Antes de conocer a su mujer, Jeanne Hébuterne, y, por lo tanto, de sus últimos cinco años de vida. " 

Por mi parte destacar que esta película no me ha parecido tan mala como a los críticos, puede que por recordarme las figuras de estos tres pintores malditos: Modigliani, Utrillo y Soutine que me remiten a mi quinto curso universitaria y a la asignatura de arte contemporáneo, siendo los tres, símbolos como pocos de la brillante creatividad y de los excesos de la París bohemia de principios del siglo XX. 

La película muestra la desesperación por el rechazo de los críticos y la oportunidad final que se le presenta para cambiar su destino antes de su muerte prematura entre alucinaciones inducidas por diversas sustancias, en las que el pintor enfrenta sus demonios y la indiferencia de los coleccionistas y la presión ejercida desde la soberbia por Maurice Gangnat. 

Así es más o menos está historia de este pintor toscano nacido en 1884 en Livorno, en el seno de una familia sefaradí conocida, entre otras cosas, por haber fundado una escuela de estudios talmúdicos, Amedeo abrazó el arte desde pequeño. 

A los catorce años, el joven Modigliani cayó enfermo de fiebre tifoidea: para levantarle el ánimo, su madre -con quien siempre fue muy cercano- le prometió que apenas se recuperase lo llevaría a tomar clases con el mejor pintor de Livorno, Guglielmo Micheli. 

La madre de Amedeo, Eugénie Garsin, que había llegado desde Marsella y crecido en una familia de intelectuales judíos, cumplió con su promesa, abriendo las puertas a la carrera artística de su hijo.En 1906 se instaló en París, donde se codeó con otros artistas como Pablo Picasso, Diego Rivera y Maurice Utrillo. 

Pero en el mítico ambiente bohemio de la ciudad también desarrolló su pasión por las mujeres, las drogas y el alcohol. Comenzó a interesarse por la escultura en su encuentro con Constantin Brancusi. Entre 1909 y 1914 son sus cabezas, figuras de pie y cariátides. Retomó después la pintura, sus desnudos femeninos y sus figuras humanas de característicos rostros ovalados, cuellos alargados y ojos almendrados sin pupilas.

En 1917, la Galerie Berthe Weill de París organizó su única muestra individual en vida. El mismo día de la apertura al público, la policía irrumpió y retiró algunos desnudos femeninos por ser considerados obscenos (había dibujado en ellos el vello púbico). Se trató de un cóctel brutal que, junto a la tuberculosis o de meningitis tuberculosa en 1920. Tenía 35 años sin haber alcanzado el éxito comercial. Los más grandes artistas del momento lo acompañaron en su entierro en el cementerio de Père-Lachaise. Esos mismos que le llamaban Modi, pronunciado en francés “maldito”.

En tiempos de brujas

No es lo peor que he visto en mucho tiempo, pero lo cierto es que , como ya he señalado en alguna ocasión, para mi hay una máxima cuando voy al cine: si aparece Nicolas Cage, es muy posible que estemos ante una mala película. No llego al extremo que defiende José Luis Caviaro en la otrora blog de cine , hoy espinof quien dice que Cage, trae la peste negra. Lo cierto es que el sobrino de Coppola elige siempre entre mal y fatal, y el resultado suele ser la calamidad esperada. En este caso el producto global, no lo es catastrófico del todo, pues entretener, entretiene, pero cuando aparece el diablo volador todo lo anterior se va al carajo. Y eso que no hablamos de actuaciones o sobreactuaciones, que suelen estar entre malas y deplorables, aunque casi siempre llega a rozar la vergüenza ajena. 

Este es el caso de Season of the Witch, titulada en España En tiempo de brujas. Una película que son muchas a la vez muchas cosas, pero lo dicho acaba siendo un cóctel entretenido, aunque no con ello digo que sea bueno. 

Responsable de la película que no otro que Dominic Sena, director que había sido de al menos de dos películas que han pasado por aquí: Kalifornia y Whiteout, conocida en España como Terror en la Antártida. Una y otra fueron películas que se dejaban ver. 

En este caso al director estaba amparado por Charles Roven y Alex Gartner a los que se sumaron como productores ejecutivos Steve Alexander, Gloria Fan, Alan Glazer, Tom Karnowski, Ryan Kavanaugh y Tucker Tooley representantes de la productora Relativity Studios, Rogue, Atlas Entertainment. El presupuesto estimado invertido en la producción fue de 40 millones. En este caso el responsable del guión no era otro que Bragi F. Schut. 

La película contó con la música de Atli Örvarsson y la fotografía de Amir M. Mokri. En la edición participaron Bob Ducsay , Mark Helfrich y Dan Zimmerman.  

El reparto lo preside Nicolas Cage como Behmen acompañado de Ron Perlman como Felson. Junto a ellos aparecen Stephen Campbell Moore como Debelzaq, Stephen Graham como Hagamar, Christopher Lee como el cardenal d'Ambroise, Claire Foy como Anna, la Bruja y Robert Sheehan como Kay. Junto a ellos aparecen Kirk Jordan como el caballero cruzado, Brían F. O'Byrne como el Gran Maestre, Ulrich Thomsen como Eckhart, Kevin Rees como el monje moribundo, Andrew Hefler como el alguacil de la prisión, Fernanda Dorogi como una anciana, Rebekah Kennedy como una campesina turca, Matt Devere como el sargento de las armas, Róbert Bánlaki como el lacayo, Barna Illyés como el sacerdote del cardenal d'Ambroise, Kevin Killebrew como Demon. Junto a ellos aparecen Simone Kirby , Elen Rhys, Nicholas Sidi, Rory McCann , Nicola Sloane , Ada Michelle Loridans , Lisa Marie Dupree y los actores húngaros que hacen de soldados Gergö Horpácsi, László Imre , Norbert Kovács , Zsolt Viktor Magyari.

La historia se inicia con un juicio a tres mujeres que son acusadas de brujería. Una la niega, al igual que la que le precede, por último la mayor de todas manda al diablo al eclesiástico que las juzga. A pesar de que pide ayuda, pues hay que seguir un ritual para poner fin con su poder, el miembro de la iglesia es abandonado. El persiste en que ha de seguir un protocolo establecido en el Libro de Salomón. Así que va sacando del agua, pues han ido ahorcadas y abandonadas en el río, una a una. 

Tiene dificultades para sacar a la primera, que era la que más clemencia pedía, una chica joven y rubia. Luego a la tercera, la mujer más vieja, y con aspecto de bruja, la saca y percibimos que , a pesar de todo, sigue vive, pues era una bruja. Pero con lectura de las escrituras su cuerpo queda abatido. La tercera, una mujer que fue acusada por cocinar con determinados ingredientes, se le resiste. Es más no puede sacarla y finalmente el que cae y muere es el sacerdote. Tras eso la historia cambia de tiempo y espacio, así como de protagonistas. 

Llegamos a mediados del siglo XIV. Por lo pronto se traslada al periodo de las cruzadas. En ellas la brutalidad y las injusticias están a la orden del día. Todas ellas o gran parte cometidas en nombre de Dios. 

En estas cruzadas y en la brutalidad participan activamente como cruzados Behmen (Nicolas Cage) y su gran amigo Felson (Ron Perlman) que tras intervenir en algunas batallas, no quieran luchar más por los intereses de la Iglesia católica sobre todo tras ver Behmen como mata a una mujer inocente y como mueren niños. 

Tras la captura de Esmirna ambos deciden desertar de la Orden y la Cruzada, para regresar a su lugar de origen. Ambos ya en Europa se quedan sorprendidos al ver en Estiria los estragos de la peste bubónica en el continente europeo. 

En una ciudad, la de Marburgo, mientras buscan alimentos, son identificados como desertores , aunque los dos caballeros son llamados ante el cardenal local, el Cardenal D'Ambroise (Christopher Lee), quien moribundo y lleno de bubones, amenaza a Behmen y Felson con una pena de prisión por desertar en sus funciones, a no ser que acepten llevar a cabo una peligrosa misión. 

En el calabozo del Cardenal se encuentran a una joven (Claire Foy) acusada de ser la bruja que ha traído la peste. Sólo se librarán de la pena de prisión si aceptan llevar a la joven a la que se le atribuye la Peste Negra que asola y destruye Europa a una abadía donde será juzgada. 

Para realizar a cabo esta acción le acompañan el padre Debelzaq (Stephen Campbell Moore), el caballero Eckhart (Ulrich Thomsen ) , un viudo que acaba de perder a sus dos hijas, así como por Hogomar (Stephen Graham), un hombre que dice ser comerciante y conocedor del terreno pero que está preso en un potro de tortura. 

A ellos se le suma por el camino un joven monaguillo, pero ansioso de ser nombrado caballero, llamado Kay (Robert Sheehan). La ruta es larga y dura. 

Behman, escéptico, comienza a pensar durante el inicio del viaje que la joven pueda ser inocente, pues le recuerda su intervención brutal en la toma de alguna ciudad. Sin embargo, poco a poco vemos como mientras atraviesan pueblos asolados por la peste, que la muchacha tiene una fuerza descomunal, en capaz de intervenir en la mente de las personas, salvar a Kay de morir mientras cruzan una profunda garganta o lanzar mientras buscan la abadía en un bosque nebuloso, el de Wormwood, llenos de lobos a una manada contra el desgraciado de Hogomar. 

Finalmente a la abadía llegan, la chica, Kay, el sacerdote y los dos cruzados. Descubren que todos los monjes han muerto. Eso sí, no saben que allí les espera las fuerzas de la oscuridad que tienen como objetivo un texto: el libro de Salomón, el único que puede acabar con las fuerzas de la oscuridad. 

La película se empezó a rodar en noviembre de 2008 en diferentes localizaciones de Austria, Hungría y Croacia. Destacan poblaciones como Innsbruck, Salzburgo, ambas en Austria; Budapest en Hungría; o la península de Istria en Croacia. 

Se dice que Nicolas Cage se sintió atraído por el proyecto porque lo vio como un tributo a las películas de Roger Corman de la década de 1960, protagonizadas invariablemente por artistas como Sir Christopher Lee y Vincent Price. Fue una gran ventaja para él descubrir que Lee también aparecería en esta película.Nicolas Cage aprendió a montar a caballo para esta película. La fecha de lanzamiento original de la película era el 19 de marzo de 2010. Pero varias semanas antes de esa fecha la distribuidora Lions Gate Entertainment, alegando que había recibido pobres reacciones en los pases previos al estreno optó por despedir a Dominic Sena siendo contratado Brett Ratner, que dirigió nuevas tomas en septiembre de 2010.

Las nuevas sesiones se llevaron a cabo en septiembre de 2010 en Shreveport, Louisiana. Cuando contrataron a Brett Ratner para que dirigiera las nuevas tomas, éste trajo consigo a su editor habitual, Mark Helfrich, pues quería perfeccionar el resto de esta película.Para esta película, Tippett Studio diseñó el demonio que se manifiesta en el final. 

Sumando las recaudaciones internacionales la cifra alcanzó los 91 millones, lo que puede ser considerado un éxito de público. 

Como era de esperar la película llegó a tener sus Premios estando nominada a los Premios Razzie a Peor actor (Cage) y peor pareja en pantalla, siendo responsabilidad de ello de la jefa de casting, Elaine Grainger. Con respecto a la crítica decir que la critica le dio por todos lados, aunque habría que matizar bastante. 

Para Scott Bowles en USA Today la película es "Un batiburrillo de terror y géneros históricos que no resulta tan malo como sus trailers, pero que al final es hundido por, entre otras cosas, su actor estrella" 

Peter Travers en la mítica Rolling Stone se trata de "Una mezcolanza sci-fi de mala historia y peores efectos especiales (...) Tiene tan poca sangre como un vampiro muerto de hambre. En lugar de una crítica, merecería una estaca en el corazón. Muere, monstruo, muere (...)" .

Duro fue igualmente Joe Morgenstern que en las páginas del The Wall Street Journal sentencia: "Bienvenidos a la cuesta de enero".

En el Reino Unido David Hughes de Empire comenta que es "Floja dirección y malos efectos (...) baja un nivel más en la carrera -una vez estelar al ganar un Oscar- de Nicolas Cage. Puede que sólo su contable la apruebe. (...) ". 

Ya en España destaca la bondad con la que la trata Jordi Costa en El País quien dijo se trata de "Una serie B en el mejor de los sentidos: la película de Sena es ágil en su manejo de gratificaciones epidérmicas, va directa al grano y culmina en clave excesiva". 

José Manuel Cuéllar en ABC igualmente lo vio bien al decir que "Necesitaría mayor presupuesto para lo que requieren los efectos especiales pero, aun así, tiene agarraderas para sobresalir (...) se aúpa en una vuelta de tuerca final (...)".

Para Carmen L. Lobo en La Razón señala que "Los efectos digitales parecen del todo a cien (...) Con las ganas muy justas, Cage deambula por una historia que jamás consigue enganchar el interés del espectador".

Por su parte, David Broc en Fotogramas nos dice que es una "lástima, porque sobre la marcha presentaba algunos elementos y recursos como para aumentar sus prestaciones: un magnífico elenco de secundarios –Ron Perlman o Christopher Lee dan empaque a su propuesta–, una dirección sin estridencias y efectiva en algunos pasajes del recorrido y un telón de fondo histórico siempre atractivo para el público. Apuntes que, por desgracia, se desvanecen a medida que Dominic Sena empieza a mezclar géneros sin ton ni son y desde el momento en que Nicolas Cage nos deja claro que él es el primero que no se cree nada de lo que está haciendo". 

En Argentina Diego Lerer en Clarín sostiene que "Cage tiene cara de querer irse a casa pronto, los toques de humor son innecesarios y poco convincentes, y la situación escala hasta un final directamente absurdo." 

Adolfo C. Martínez en La Nación dice que es "Un film entretenido con escenas muchas veces cercanas al videoclip." 

Para Horacio Bernades en Página 12 se trata de una "Película “de acción histórica” en su primera parte (...), suerte de western medieval en la segunda (...), show de efectos especiales fantásticos en la última, da la sensación de que el guión, escrito por un tal Bragi Schut, se contenta con sumar peripecias dispersas, que le permitan llegar hasta los 90 minutos reglamentarios." 

Santiago García en Tiempo Argentino dice que es "Una producción sin estilo ni fuerza, que resulta interminable." 

Yo por mi parte decir que tiene de bueno que es entretenida posiblemente por el carácter cocktail de la misma que hace que pasemos de uno a otro con comodidad. El disparate cono ya he dicho llega en su último cuarto. Lo de los efectos especiales visto que es del año 2011 habrá que reconocer que no tiene perdón. Están sacados de un baratillo y el diablo parece diseñado y animado por Kusidimutxu, una inexistente empresa de efectos especiales inspirada en Kukuxumusu.

Reiterar que contar con Cage tiene sus riesgos y ver que en una película aparezca tiene los suyos. Eso sí, estamos avisados. Los demás, la cuadrilla integrada por Ron Perlman, Christopher Lee, Stephen Graham y Claire Foy junto a Robert Sheehan bien gracias. En definitiva, es pasable, la ves y después buscas información sobre Leo Messi, por ejemplo.

Esto es Inglaterra

La primera vez que estuve en el Reino Unido fue en diciembre de 1986. Era el Reino Unido de la "dama de hierro", de Margaret Hilda Thatcher, la primera mujer que ocupó este puesto en su país. Era un país conservador en lo político desde hacia tiempo. Ella era la que se había enfrentado a la Argentina de Galtieri. Era la que había llevado a cabo la privatización de muchos empresas estatales , arrasando como muchos de los servicios sociales o con la Educación. Era la que se había enfrentado a los mineros y había casi anulado a las Trade Unions. 

Para mi, por entonces un joven provinciano, el Reino Unido o Inglaterra era sinónimo de hombres con bombín, botellas de leche en las puertas, discusiones parlamentarias entre laboristas y conservadores, era la música tanto la pop, como el heavy , como la techno y, por supuesto, el movimiento punk y los mods. 

Eran muchas más cosas, pubs con hora de bebida y cabinas rojas, bobbyes en las calles, el Times en el metro y el autobús. Me encontré algunas de esas cosas en mayor o menor medida, algunas en menor de menos. Pero guardo gratos recuerdos de mchas cosas. En los estético recuerdo haber paseado por un Carnaby Street en el que aún quedaban, aunque pocos, punks. Lo si que no quería para nada era ver a los "skin head". A esos si que temía encontrarlos. Sabía de su carácter nacionalista y racista, o al menos, eso era lo que se transmitía en España sobre ellos. 

Anoche recordé lo que eran ellos y como esa Gran Bretaña que conocí superficialmente. Lo pude ver perfectamente retratada en ese fresco de una época que es This Is England , una película británica de 2006 escrita y dirigida por Shane Meadows. 

Share era casi un autodidacta cuando llegó al cine. Procedía del mundo del cortometraje en su versión más amateur. Su salto al cine se produce en 1996 con Small Time. Diez años más tarde y un cuatro película después se lanzó a escribir el guión de This is England basándose en sus propias experiencias convirtiéndose como Ken Loach y Mike Leigh en un narrador social de los británicos de los que nunca se comenta nada. 

This is England es un drama ambientada en 1983 centrado en un grupo de jóvenes skinheads de principios de los ochenta. Tan importante fue que de la misma surge tres temporadas de una serie de Televisión: This Is England '86 (2010) (con cuatro episodios de 60 minutos con episodios bajo la dirección de Meadows , al menos, el tercero y cuarto); This Is England '88 (2011) (tres episodios de 60 minutos) y This Is England '90 (2015) (cuatro episodios de 60 minutos, el cuarto episodio y gran final fue largometraje).

Meadows tradicionalmente suele contar con equipos estables en todo. Para esta película contó como ayudantes de dirección con Tony Ahearne, Peter Foster Griffin, Matt Huntley, Nicola Parfit, Christian Rigg. Nickie Sault y Christian Rigg. 

En la dirección artística con Caroline Grebbell. En la producción aparece Mark Herbert, pero también se suman Peter Carlton, Will Clarke, Lizzie Francke, Hugo Heppell, Louise Meadows, Kate Ogborn, Tessa Ross, Paul Trijbits, Julia Valentine, Helen de Winter, Richard Knight, Gerardine O'Flynn, Rebekah Wray Rogers, Barry Ryan y Nina Sagemoen. Mark Leese en el diseño de producción. En la misma estaban presentes las productoras Film4, Warp Films que manejaban un presupuesto US$ 2.380.000 ( es decir, unos £ 1.500.000). La distribución quedó para Optimum Releasing. 

En la música Lcontó con el pianista y compositor italiano Ludovico Einaudi . Sin embargo, no son ajenos a la película John Boughtwood, Mark Pusey y Susan Tilly. En cuanto al sonido se identifica a Penny Chettle junto a muchos otros como Dave Croft, Lee Everett, Matthew Hall, Ben Harvey, Jim Holiday, John Hughes, Gareth Llewellyn, Jo Manly, Greg Marshall, Rowan October, Emma Pegram, Susan Pennington, Dave Poulton, Leyton Rooney, Dave Sansom, Andrew Stirk, Chris Sturmer, Ian Waggott, Paul Watson, Jörg Klaussner. 

En otras cuestiones técnicas aparecen en maquillaje Lily Beckett, Ailsa Davies, Veronica Lewis, Donald McInnes y Catherine Scoble. La fotografía es de un habitual de Meadows , Danny Cohen. 

En el montaje están presentes Chris Wyatt, Ally Gipps, Justin Lanchbury, Gareth Spensley y Vanessa Taylor. 

El vestuario fue labor de Jo Thompson, Natasha Bardusco, Amy Broatch, Nadia Dunn-Hill, Mariel Gimeno-Bayón, Debbie O'Brien, Charlotte Rees y Nat Turner. En cuanto a los efectos especiales fueron labor de Simon Rippin, Shaun Robert Smith, Tim Baxter, Jonathan Cheetham, Clare Heneghan, Andrew Keys y Justin Lanchbury. 

El reparto lo encabeza un joven del año 1992 como es Thomas Turgoose como Shaun Field, y lo acompañan en los principales papeles Stephen Graham como Andrew Combo Gascoigne, Joe Gilgun como Richard Woody Woodford, Andrew Shim como Milky, Vicky McClure como Frances Lol Jenkins, Rosamund Hanson como Michelle Smell, Andrew Ellis como Gary Gadget, Jack O'Connell como Pukey Nicholls, Kieran Hardcastle como Kes, Sophie Ellerby como Pob, Perry Benson como Meggy, y George Newton como Banjo. Aparecen igualmente Kriss Dosanjh como Mr. Sandhu, Jo Hartley como Cynthia, Michael Socha como Harvey Danielle Watson, Frank Harper como Lenny, Chanel Cresswell como Kelly, Danielle Watson como Trev, Hannah Walters como la asistente de la tienda. Por último aparecen igualmente en pequeños Dave Laws como Mr. Dudley, Ian Smith como un profesor, Dave Blant como un profesor, Matthew Blamires James Burrows como los "Bullys", Harpal Hayer , Terry Haywood y Nimesh Jani como niños que juegan al fútbol y David Claridge como Roland Rat . Igualmente aparecen personajes de los ochenta como Duran Duran , Simon Le Bon, Carlos de Gales , Diana de Gales , Ronald Reagan o Margaret Thatcher. 

La película ambientada en la Inglaterra de los años 1980, comienza con pequeños fragmentos documentales de la situación política, económica y social de la Inglaterra de esos años. El breve montaje acaba con imágenes de la Guerra de las Malvinas. También nos informan que están presentes diferentes culturas urbanas , unas "in crescendo" y la otra en recesión. Entre ellas están los Mods, los New Romantics y los Skinheads son las principales tribus que pululan por las calles británicas en aquel verano de 1983. 

Casi de inmediato vemos como se levanta un chico de la cama. Se trata de un joven de 12 años llamado Shaun (Thomas Turgoose) que . después nos enteramos que acaba de perder a su padre en la guerra de las Malvinas- y es un recién llegado a la ciudad. Por lo tanto, Shaun, (Thomas Turgoose), es un desarraigado , un niño solitario muy a su pesar que viste con pantalones de pana de talle muy ancho y por hacer un chiste sobre la muerte de su padre. 

Su aspecto genera mofa entre sus compañeros y de hecho uno de ellos , el matón Harvey (Michael Robert Socha) , le mete boca y acaba tanto él como Shaun siendo golpeado por los profesores y más tarde por el director. 

Tras ello el curso acaba y un día mientras se desplaza el joven Shaun de 12 años , vagando sin rumbo , tiene un encuentro casual con un grupo de cabezas rapadas (skinheads). encabezado por Woody (Joe Gilgun) un grupo que se presenta como divertido y amigable , aunque pertenezcan a los Skinhead. 

La banda de skinhead está formada además de Woody por el británico de origen jamaicano Milky (Andrew Shim), Lenny (Frank Harper) , el gordete Gadget (Andrew Ellis)' y 'Meggy' (Perry Benson). Es Woody su líder y el que le intenta subir el ánimo a Shaun. 

A pesar de que ese primer encuentro no es del todo satisfactorio , pues uno de ellos le pega . El grupo localiza donde vive y va a por él para hacer una salida a una casa abandonada. El objetivo es destrozarla, algo que hacen con bastante habilidad. 

Tras esto el grupo lo permite una nueva oportunidad de vida y ser parte de un todo. Le permite estar con chicas, enrollándose con Michelle ("Smell") - Rosamund Abigail Hanson - , ir a fiestas, beber y fumar, ponerse camisas de Ben Sherman, botas de Doc Martin y peinados con la cabeza afeitada realizado por la chica de Harvey , Lol (Vicky McClure). 

El joven Shaun es bienvenido, aunque al principio a su madre no le gusta la idea, pero tras ver lo bien que está su hijo y la mejora de su situación en la ciudad durante estas vacaciones de verano ha mejorado muchísimo acepta a sus amigos. 

Así son las cosas hasta que un día se persona en la casa Andrew "Combo" Gascoigne ( Stephen Graham) que llega a la fiesta y les amarga a todos. Se muestra como es. Viene de estar encarcelado. Es peligroso, racista, un skinhead militante y psicótico. 

Al joven Shaun la nueva situación no le afecta a pesar de los comentarios racista de Combo dirigido sobre todo al miembro de color de la banda , de origen jamaicano, un chica feliz , y a Harvey, que nota el rechazo de Combo, entre otras cosas por estar con una chica por la que Combo está obsesionado. Combo, un antiguo miembro de la banda, que después de tres años de cárcel se presenta con ideas nacionalistas y racistas. 

A partir de ahí, la banda se divide entre los miembros que mantienen sus ideales apolíticos y los que siguen el nuevo tipo de ideología neonazi que Combo quiere integrar. Shaun, convencido por las palabras de Combo, que le manipula constantemente utilizando la muerte de su padre, decide vincularse con él y su grupo racista para "luchar por el orgullo de su padre" (palabras de Combo). 

Finalmente Combo, amargado porque la chica de Harvey pasa de él, una noche se enfrenta al único integrante negro de la pandilla de Shaun, Milky, al que ¿mata? de una paliza  . Shaun, con horror, se da cuenta de la clase de persona que es Combo. El mismo Combo aparece arrepentido minutos después de dejar inconsciente al amigo negro a puñetazos. 

Shaun, vuelve a casa y se encierra en el cuarto. Poco después sale con la bandera de Inglaterra que le había relagado Combo. Se la lleva a la orilla del mar y desde allí la arroja al agua, acabando segundos después la película. 

La película se rodó en parte en el área del St. Anne de Nottingham con una sección en la que salían algunas casas abandonadas que eran filmadas en el exterior justo de la base aérea de la Royal Air Force de Bingham, en Nottinghamshire. También se rodó en diversos lugares de Lincolnshire en concreto en Boston - en The Jolly Sailor Inn, Hagnaby Lock, Stickney- en la playa de Cleethorpes, en Grimsby, en concreto en los Grimsby Docks; en Derbyshire, en concreto en la Escuela Wilsthorpe de Long Eaton; en la RAF Newton en la ciudad de Nottingham, al igual que Plaza de la iglesia de Lenton,Ewe Lamb Lane y Limmen Gardens, espacios todos ellos de Nottingham, en Nottinghamshire. 

Para su película Shane Meadows contó con Thomas Turgoose un chico que nunca había actuado antes, y había sido expulsado de su centro escolar por comportarse mal e incluso exigió £ 5 para aparecer en las audiciones de la película. Thomas Turgoose no conocía nada del movimiento skinhead. La película está dedicada a la madre de Thomas Turgoose , Sharon, quien murió el 29 de diciembre de 2005, antes de que ella tuviera ocasión de ver la película. 

El actor Jack O'Connell audicionó para el papel de Shaun, pero perdió contra Thomas Turgoose . Shane Meadows quedó impresionado por la audición de O'Connell y escribió el papel de Pukey especialmente para él. 

El actor que interpreta a Combo (Stephen Graham), que hace de skinhead racista, es de abuelo negro, aunque sea difícil de adivinar por sus rasgos. 

En un período de preguntas y respuestas tras el estreno mundial de esta película en el Festival Internacional de Cine de Toronto, el director Shane Meadows señaló que la cruda influencia de la cabeza rapada del protagonista de 11 años era un verdadero retrato de su propia infancia y muchos de los eventos representados de su vida temprana. 

El póster en la pared (en la habitación en la que Shaun se corta el pelo y se pone su nueva camisa) presenta seis bandas clásicas del movimiento británico Ska y 2Tone, y es del álbum de vinilo en vivo de 1981 Dance Craze: The Best of British Ska ... ¡Vive! Las bandas del cartel son Bad Manners, The Beat, The Bodysnatchers, Madness, The Selecter y The Specials. 

Para otro de los papeles eligió al director a Joseph Gilgun quien realmente tiene tatuado un LOL (nombre de la novia de Woody) , ya que la película significó mucho para él. 

A destacar la banda sonora de la película en la que oficialmente aparece como autor el pianista italiano Ludovico Einaudi con dos obras : Dietro casa y Fuori dal mondo. Pero la estrellas para mi son las magníficas canciones que suenan como Please, Please, Please, Let Me Get What I Want de Morrissey y Johnny Marr interpretada por Clayhill , 54-46 Was My Number , Pressure Drop y Louie Louie interpretado por un grupo jamaicano de nombre Toots & The Maytals , Come On Eileen interpretado por Dexys Midnight Runners , Tainted Love por Soft Cell , Nicole (Instrumental) de Gravenhurst , Morning Sun de Al Barry & The Cimarons , Do The Dog por The Specials , Return Of Django por The Upsetters , Warhead por UKSubs , Let's Dance por Jimmy Cliff , Since Yesterday por Strawberry Switchblade y Dark End Of The Street interpretado por Percy Sledge.

La falta de claridad en el título se refiere al estado mental descrito por uno de los personajes principales de la Inglaterra de esos años con tasa de desempleo que pasó del 7% a comienzos de los 80, llegó al 12% en 1984 y luego bajó al 7% a fines de los 80. 

La película tuvo una elevada recaudación de US$ 8.176.544 (£ 5.154.493) y muy buena críticas. La valoración en IMbD es en enero de 2018, de 7'7 y en otras páginas que recogen críticas y reseñas la valoración es muy elevada. 

This Is England formó parte de varias listas "top 10" de críticos en 2007; fue tercera en la lista de David Ansen de Newsweek, séptima en la lista de Marc Mohan de The Oregonian y novena en la de Kevin Crust de Los Angeles Times. 

En Gran Bretaña, el director Gillies Mackinnon la nombró la mejor película del año ​ y David M. Thompson, crítico y cineasta, la nombró tercera. Ocupó el puesto número 14 en la lista de mejores películas del año 2007 de The Guardian y el número 15 en la de Empire. 

En España las críticas fueron muy positivas cuando se estrenó en los cines españoles el 4 de enero de 2008, justo un día después de su estreno en DVD en Inglaterra. 

Jordi Costa dijo en El País que era un "Poderoso relato de iniciación (...) excepcional Thomas Turgoose (...) Meadows remata su relato con una simbología ingenua y obvia que no logra hacer naufragar la excelencia del conjunto." 

Para Federico Marín Bellón en ABC se trata de "Cine social y algo más. (...) Meadows añade algo de historia musical y tribal mientras confiesa los pequeños traumas que supuran tras aquel conflicto (...) ." 

En El Mundo Francisco Marinero afirmaba que era "Convincente en todo momento, en buena parte porque evita el énfasis épico y el maniqueísmo (...) espléndidas interpretaciones (...) ." Para Toni García en Cinemanía era "Una de las mejores películas del año" 

El largometraje se estrenó el 12 de septiembre de 2006 en el Festival Internacional de Cine de Toronto. ​ La película ganó el premio Alexander Korda como mejor película británica en los premios BAFTA 2007. También ganó en la categoría de mejor película en los British Independent Film Awards, y Thomas Turgoose se llevó el premio al mejor actor nuevo, aunque obtuvo 6 nominaciones más. Entre ellos fue nominado al mejor director (Shane Meadows), mejor guion (Shane Meadows), mejor actor o actriz de reparto (Joseph Gilgun) y Stephen Graham y al mayor logro técnico y a Ludovico Einaudi por la banda sonora original . 

Ya en el extranjero la película ganó el Premio Guldbagge (Suecia) a la Mejor película extranjera y en el Festival de Roma ganó el Premio Especial del Jurado. 

Como ya he dicho en 2010 se estrenó la serie de televisión secuela de la película bajo el título de This Is England '86, ambientada tres años más tarde y con los mismos personajes. Posteriormente la saga continuaría con This Is England '88 (2011) y This Is England '90 (2015). 

La película fue proyectada en varios festivales internacionales, incluyendo el de Londres, y entonces el permiso especial fue concedido para que fuera proyectada en el cine Whitgift de Grimsby. La película fue calificada como "Mayores de 18 años" por el BBFC debido a su lenguaje soez e incidencia racista de la violencia. Sin embargo, algunas ciudades tales como Bristol, Camden y Westminster han elegido no acatar esto, sintiendo que la película debe alcanzar sus audiencias de adolescentes con el fin de cambiar sus percepciones. 

This is England pretendía ser una mirada hacia atrás a principios de los ochenta de la mala situación en la que quedó la clase obrera británica y sus hijos a través de los ojos del joven Shaun y sus colegas skinhead. También llama la atención como un movimiento estético y cultural acabó debido a la amargura a llenarse de referencias que contenían discursos llenos de racismo y xenofobia por parte de una comunidad blanco empobrecida que responsabilizaba a los demás de sus desgracias. El Gobierno Thacher , su política neoliberal a ultranza en lo económico no generó respuesta inmediata al desempleo masivo y como logró cohesionar a los británicos participando en una guerra populista como fue la de las Malvinas. 

Una película que debe verse como un documento histórico, una cápsula del tiempo y aunque sólo sea por la música merece la pena.