viernes, 9 de octubre de 2020

La sombra de una duda



Siempre dudo con Hitckcock . Me asalta una duda. Y que siempre tengo el convencimiento, la idea segura que tras escuchar o leer el título de una de sus películas creo haberla, pero en este caso y una vez vista reconozco que no, que no había visto esta obra de arte del "mago del suspense" que nps dejó hace ya 40 años. Son muchos años sin Alfred Hitchcock, pero tenemos la suerte de disfrutar de una de sus obras como esta Shadow of a Doubt, es decir La sombra de una duda.

Hitchcock siempre la consideró su favorita y una de las más personales. Una película realizada en la estadounidense del director en el año 1943, un trhiller psicológico con toques de cine negro dirigida por Hitchcock antes que la versión americana de Sabotaje y precediendo a Lifeboat. 

El guion fue escrito por Gordon McDonell, responsable de la historia, junto con Thornton Wilder, Sally Benson y Alma Reville, la esposa del director. 

Se trataba de una producción de Jack H. Skirball para la Universal Pictures. La película cuenta con la música de Dimitri Tiomkin , la fotografía Joseph A. Valentine y el montaje de Milton Carruth.


En cuanto al elenco lo intepretan Teresa Wright como Charlotte "Charlie" Newton, una adolescente precoz que inicialmente idolatra a su tío que nos es otro que Joseph Cotten como Charles "Tío Charlie" Oakley , junto a él está Macdonald Carey como el detective Jack Graham , Henry Travers como Joseph Newton, el padre de la joven Charlie, al que le encanta leer historias sobre crímenes, Patricia Collinge como Emma Newton, la madre del joven Charlie y la hermana del tío Charlie,  Wallace Ford como el detective Fred Saunders , Hume Cronyn como Herbie Hawkins, un vecino y aficionado a la ficción criminal  que discute ideas para el asesinato perfecto con el padre de Charlie, Edna May Wonacott como Ann Newton,  Charles Bates como Roger Newton, Irving Bacon como jefe de estación, Clarence Muse como la señora Porter , Janet Shaw como Louise Finch , Estelle Jewell como Catherine 


Charles Oakley (Joseph Cotten) vive solo en una pensión. Un día, su casera sube a verlo y le dice que dos hombres han venido a buscarlo; Clarles mire desde las ventanas y ve a los dos hombres esperando en la calle en una esquima frente a su alojamiento. Tras eso decide salir y dar una vuelta. Tras comprobar que le siguen piensa un poco y decide ponr en telegrama a su hermana e irse de la ciudad con destino a la pequeña localidad californiana de Santa Rosa.

En la localidad no sólo vive su hermana Emma Newton (Patricia Collinge ), casada con Joseph Newton (Henry Travers),  al que le encanta leer historias sobre crímenes, junto con sus hijas Charlotte "Charlie" Newton (Teresa Wright), una adolescente precoz que inicialmente idolatra a su tío  Charles "Tío Charlie" Oakley , Anne Newton (Edna May Wonacott) una chica racional y amante de la lectura y el joven Roger Newton (Charles Bates), un chico que le encanta contar. 

Charlotte (Charlie) Newton es una adolescente aburrida que vive en el idílico pueblo de Santa Rosa, que en ese momento siente que no tiene expectativas en la vida, que considera que su madre trabaja mucho y que su padre tiene extraños gustos sobre la preparación del asesinato perfecto.

Esa misma tarde ha pensando en su tío, el hermano menor de su madre  Charles Oakley, y por el que el recibió su nombre, que acaba de anunciar su llegada en tren. 

Mientras viaja vemos que el tío Charlie tiene un extraño comportamiento en el tren haciéndose pasar por enfermo. Nada más llegar es recibido el tío por su cuñado y los hijos de éste que están encantados con su visita, especialmente la joven Charlie. 


El tío Charlie trae regalos para todos. Todos son de valor pero especialmente el que entrega a su sobrina,  un anillo de esmeraldas que tiene grabadas las iniciales de otra persona. También ha llegado con dinero y está contando sus viajes que dejan a la familia embelesada. 


Sin embargo, cuando mira de reojo la prensa se da cuenta de que hay una noticia que le puede afectar, así que simulando jugar con el pequeño de los Newton, arranca una noticia de la prensa. Sin embargo, la joven Charlie  que es muy perspicaz sospecha que lo que allí se ha quitado tiene que ver con él. Auque intenta sonsacarlo, el tío desvía siempre la conversación y dice que se va a dormir, usando como cuerta la habitación que ha cedido la chica. 


Como el padre de Charlie, Joseph Newton, trabaja en un banco el tío Charlie le dice que al día siguiente quiere abrir una cuenta y depositar 40.000 dólares en su banco. 

Mientras está en el banco dos hombres aparecen en la casa de los Newton haciéndose pasar por entrevistadores que trabajan en una encuesta nacional. Cuando el tío Charlie se entera por su hermana de que van a pasar por la casa pues han seleccionado el hogar como modélico, vemos como se siente molesto y reprende a su hermana por abrir su casa a extraños. 


Cuando llegan los hombres a la casa, uno de ellos lleva una cámara y toma una foto del tío Charlie, quien exige el rollo de película, porque "nadie toma mi fotografía" y alegando su derecho a la su propia imagen y su intimidad. 

El entrevistador más joven, Jack Graham (Mac Donald Carey) invita a la joven Charlie a salir, y ella adivina tras un paseo y tras varias preguntas se da cuenta de que en realidad es un detective. El le explica que su tío es uno de los dos sospechosos de ciertos sucesos que han ocurrido en la costa Este.


Cuando vuelve a casa tiene una extraña sensación y para salir de dudas, marcha a la biblioteca a pesar de que es ya la hora del cierre para buscar las noticias de díasn anteriores, Recordando que la página que no está es la tercera, decide leer lo que allí aparece y una noticia le impacta. Habla del cerco de un asesino en serie que es conocido como el "Asesino de la Viuda Feliz". 

Charlie se niega a creerlo al principio, pero luego recuerda al tío Charlie actuando de manera extraña, ante los supuestos periodistas o con el recorte de noticias del periódico de su padre que describe un asesinato. Igualmente las iniciales grabadas en el interior del anillo que le dio coinciden con las de una de las mujeres asesinadas, y además recuerda como durante una cena familiar el tío Charlie revela su odio por las viudas ricas. 

Una noche, cuando el padre de Charlie y su amigo Herbie discuten cómo cometer el asesinato perfecto, el tío Charlie baja la guardia y describe a las viudas ancianas como "animales gordos que respiran con dificultad"; luego dice: "¿Qué les sucede a los animales cuando engordan demasiado y son demasiado viejos?" Horrorizada, Charlie sale corriendo. 


El tío Charlie la sigue y la lleva a un bar y allí se encuentr con una vieja amiga que le habla de su mala suerte. Admite que es uno de los dos sospechosos. Le suplica ayuda; ella acepta a regañadientes no decir nada, siempre y cuando él se vaya pronto, para evitar un enfrentamiento horrible que destruiría a su madre, que idolatra a su hermano menor. 

El colega mayor de Jack Graham, el detective Fred Saunders (Wallace Ford ), le dice a Charlie a la salida de un oficio religioso que la foto que le tomaron al tío Charlie fue enviada para su identificación por testigos pues le entregó un carrete vacío. Tras cotejarlo la policia da a conocer la noticia de que un sospechoso alternativo fue perseguido por la policía y asesinado por la hélice de un avión; se supone que fue el asesino. 


Ante la noticia el tío Charlie está encantado de ser exonerado, pero la joven Charlie conoce todos sus secretos. En principio ella espera que se marcha, pero sus intenciones son otras. Pronto, esta a punto de caer por unas escaleras peligrosamente empinadas que luego se da cuenta de que fueron cortadas. El tío Charlie dice que quiere establecerse en Samta Rosa, y el, ante eso, la  joven Charlie le dice que lo matará si se queda. 


Más tarde esa noche, el tío Charlie que va a dar una charla en el Club de señoras de Santa Rosa le invita a Charlie para que saque el coche del garaje. No sabe que Charlie se dejó el motor en marcha y como ya sabemos la puerta del garaje puede bloquearse con suma facilidad, éste se llena del tubo de gases de escape. Cuando la joven Charlie intenta apagar el motor no puede pues la llave no está en el encendido y cuando intenta irse encuentra la puerta del garaje atascada y está atrapada en el garaje. 

Afortunadamente la llegada de Herbie Hawkins  (Hume Cronyn  ) , el amigo del Sr. Newton, llega y oye a Charlie golpeando la puerta del garaje y alerta a los que están en casa y la saca a tiempo. Tras salvarla , ella se queda sola, mientras el resto van a la conferencia.

 A la llegada el tío Charlie anuncia que se va a San Francisco, pues dice que le ha surgido un negocio en la ciudad californiana. Oculta que marcha junto con una viuda rica, la Sra. Potter (Clarence Muse  ) a la que cnoció en el banco el día que abrió su cuenta corriente. 

En la estación de tren, la joven Charlie sube al tren con su hermana menor Ann y su hermano para ver el compartimiento del tío Charlie. Cuando los niños desembarcan, el tío Charlie retiene a su sobrina Charlie en el tren, alegando que tiene que hablar con ella. la idea es otra bien distinta, ya que tiene intenciones de matarla empujándola fuera del tren cuando éste  coja velocidad. 

Sin embargo, en la lucha subsiguiente, cae justo enfrente de un frente que se aproxima a la estación de santa Rosa. 

En su funeral, el tío Charlie es honrado y homenajeado por la gente del pueblo. Jack ha regresado y Charlie confiesa que ocultó información crucial. Deciden mantener en secreto los crímenes del tío Charlie acabando así la película. 


El proyecto comenzó cuando la jefa del departamento de historias de David Selznick, Margaret McDonell, le dijo a Hitchcock que su esposo Gordon tenía una idea interesante para una novela que ella pensó que sería una buena película. Su idea, llamada "tío Charlie", se basó en la historia real de Earle Nelson, un asesino en serie de finales de la década de 1920 conocido como "el hombre gorila". 

Shadow of a Doubt fue filmada y ambientada en Santa Rosa, California, que fue retratada como un modelo de una pequeña y supuestamente pacífica ciudad estadounidense de antes de la guerra. 

Desde que Thornton Wilder escribió el guión original, la historia se desarrolla en esta pequeña ciudad estadounidense, un escenario popular de Wilder, pero con un toque de Hitchcock añadido. 

En la biografía de Patrick McGilligan de Hitchcock, dijo qse señala que la película era quizás la película más estadounidense que Hitchcock había hecho hasta ese momento. 

Las escenas iniciales tienen lugar en el distrito central de Newark, Nueva Jersey. El horizonte de la ciudad y puntos de referencia como el Pulaski Skyway se muestran en la toma de apertura. Las tomas de ubicación se usaron para eludir las restricciones de la Junta de Producción de Guerra en tiempos de guerra de un costo máximo de $ 5,000 para la construcción del escenario. 

La casa de la familia Newton está ubicada en 904 McDonald Avenue en Santa Rosa, que todavía está en pie. 

La estación de tren de piedra en la película fue construida en 1904 para el Northwestern Pacific Railroad y es uno de los pocos edificios comerciales en el centro de Santa Rosa que sobrevivió al terremoto del 18 de abril de 1906 . La estación es actualmente un centro de visitantes. 

La biblioteca era una Biblioteca Carnegie que fue demolida en 1964 debido a preocupaciones sísmicas. Algunos de los edificios en el centro de Santa Rosa que se ven en la película fueron dañados o destruidos por terremotos en 1969 ; gran parte del área fue limpiada de escombros y reconstruida en gran parte. 


La música de la película fue compuesta por Dimitri Tiomkin, su primera colaboración con Hitchcock (los otros fueron Strangers on a Train , I Confess y Dial M for Murder ). En su partitura, Tiomkin cita el vals de la viuda alegre de Franz Lehár , y a menudo vemos en tomas y formas algo distorsionadas, como leitmotiv del tío Charlie y sus asesinatos en serie. Durante los créditos de apertura, se escucha el tema del vals junto con una toma prolongada de parejas bailando. 

La película estuvo nominada al Oscar: Mejor historia.

Como en el resto de sus películas, Alfred Hitctcock realiza una aparición en La sombra de una duda. Allí se lo puede ver, a bordo del tren a Santa Rosa, a una persona de espaldas jugando al bridge con una pareja (Harry y su esposa). El es médico como señala su mujer mientras que Charlie Oakley se encuentra viajando en el mismo tren con el seudónimo de Otis, y fingiendo estar enfermo para no tener que encontrarse con ningún pasajero conocido. 

La señora Harry quiere ayudarlo, pero su marido no se muestra interesado y continúa jugando al bridge con Hitchcock, quien muestra a la cámara sus cartas, conteniendo la mejor mano posible de acuerdo a las reglas del juego. 


Desde su estreno la película recibió muy buenas críticas y en la actualidad se la considera como un clásico y como uno de los mejores títulos de la época estadounidense de Hitchcock. Tras su estreno, la película recibió críticas unánimemente positivas.

Para Bosley Crowther, crítico de The New York Times, a quien encantó la película, afirmó que "Hitchcock podría poner la piel de gallina en la pulgada cuadrada de la carne de un cliente más que cualquier otro director de Hollywood". 

La revista Time calificó la película de "excelente", mientras que Variety declaró que "Hitchcock graba hábilmente sus personajes de pueblo pequeño y su entorno hogareño". 


The Film Daily una publicación del año 1943  elogió todos los aspectos de la producción. La publicación predijo una gran " taquilla” para los cines que presentaban el último trabajo de Hitchcock, aunque en su revisión detallada de Shadow of a Doubt el periódico se refiere erróneamente a la película Suspicion de 1941 del director como" 'Suspense' y decían de ella que " De todas las películas sorprendentes dirigidas por Alfred Hitchcock "el mago del suspense"  esta  se orienta más altamente emoción a las audiencias americanas  (...).   Los valores de producción bajo Jack H. Skirball son de primer nivel, al igual que la fotografía de Joseph Valentine. No hay sombra de duda sobre el éxito de esta película. 

En una entrevista de 1964 en Telescope con Fletcher Markle como presentador; Markle señaló: "Sr. Hitchcock, la mayoría de los críticos siempre han considerado Shadow of a Doubt , que hizo en 1943, como su mejor película". Hitchcock respondió de inmediato: "Yo también". Markle luego preguntó: "¿Esa es tu opinión todavía?" Hitchcock respondió: "Oh, no hay duda". En ese momento, el trabajo más reciente de Hitchcock era Marnie. 

Cuando los críticos le preguntaron sobre un tema general de la película, Hitchcock respondió: "El amor y el buen orden no son una defensa contra el mal". En su libro Bambi vs.David Mamet la llama la mejor película de Hitchcock. 

Cuando más tarde fue entrevistado por François Truffaut, Hitchcock negó la sugerencia de que Shadow of a Doubt fuera su "favorito". Pero en la entrevista de audio con Truffaut, Hitchcock confirmó que era su película favorita, fue su película favorita en su entrevista con Mike Douglas en 1969 y en su entrevista con Dick Cavett en 1972. 

La hija de Alfred Hitchcock, Pat Hitchcock, también dijo que la película favorita de su padre era Shadow of a Doubt en el documental de Laurent Bouzereau del año 2000. 

Hoy en día, la película todavía se considera una obra importante de Hitchcock. El crítico contemporáneo Dave Kehr dijo de ella que era  la "primera obra maestra indiscutible" de Hitchcock. Muchos otros críticos han estado de acuerdo.  

En España y en nuestro tiempo Jordi Batlle Caminal en El País  señaló que "Sin tener para el espectador medio la resonancia mítica de 'Vértigo', 'Psicosis' o 'Los pájaros', está a su altura. Lo que normalmente hemos dado en llamar obra maestra absoluta (...) Filme de atmósferas absorbentes y crudas" 

Jordi Sánchez Navarro , programador en Sitges en un tweet destaca que «La sombra de una duda» (Shadow of a Doubt, 1943) Una de las indudables bases fundacionales de lo que se acabará conociendo como thriller psicológico. Su estudio en profundidad de un personaje detestable ha sido imitado miles de veces.

El argentino Leonardo D’Espósito de la revista Noticias escribió sobre ella que "El film no ha perdido ni un gramo de su fuerza emocional o expresiva, lo que equivale a una especie de milagro. (…) " 

Poco más puedo decir de la película favorita de Sir Alfred Hitchcock, salvo que si es su favorita por algo será y que Joseph  Cotten está magnífico en su papel de malvado así como la joven Charlie, Teresa Wright. 




miércoles, 7 de octubre de 2020

Utoya, 22 de julio



« (...) lo que sucedió en Utoya no surgió de la nada. Los foros en los que se sembró el odio siguen activos; la extrema derecha está en los parlamentos y, sí, las palabras no son inocuas; pueden ser muy peligrosas» 

El que dice esto es un noruego, de 60 años, nacido en Oslo y que es director de cine , productor y guionista noruego. Su nombre es Erik Poppe. Poppe está considerado como uno de los directores de cine más experimentados y convincentes de Escandinavia, muy valorado por su trabajo con actores que se integran en actuaciones corales, que presenta guiones bien escritos. con un buen manejo de la cámara dada su solvencia pues fue en sus inicios fotógrafo de prensa - fue galardonado con el premio Kodak en el Festival Internacional de Cine de Moscú y ganó el premio al director de fotografía del año en Noruega - y con cierta habilidad para el ritmo y la música en la edición siendo además partidario de lo que el llama "The Subjective Objective" es decir, una exploración sobre cómo lograr un mayor resultado emocional mediante el uso de un punto de vista altamente personalizado y estrictamente subjetivo en una película narrativa consciente algo muy evidente en esta película Utoya, 22 de julio y , especialmente en I die , la película que rodó sobre el doctor Per Fugelli que habla sobre la vida y cómo vivirla hasta el final de una persona antes de morir. Esta fue la última pero como las anteriores aclamadas por la crítica como Hawaii, Oslo (2004), A Thousand Times Good Night (2013) y The King's Choice (2016). 

En junio de 2017 Erik Poppe anunciaba que había trabajado durante un año en el desarrollo de un largometraje sobre el ataque terrorista de 2011 en Utøya en las afueras de Oslo. La película, titulada U, comienza 12 minutos antes de la primera toma de Utøya cuando conocemos a Kaja. 

La película sigue el guion escrito por Anna Bache-Wiig y Siv Rajendramy está amparada por las productoras Paradox Film 7, Programme MEDIA de la Communauté Européenne, Nordisk Film, Norsk Filminstitutt y el respaldo de los productores Finn Gjerdrum y Stein B. Kvae.

La película cuenta con la música de Wolfgang Plagge, la edición de Einar Egeland y la fotografía de Martin Otterbeck. 


El reparto lo conforman Andrea Berntzen como Kaja, Aleksander Holmen como Magnus, Brede Fristad como Petter, Elli Rhiannon Müller Osbourne como Emilie, Solveig Koløen Birkeland como una chica herida, Magnus Moen como Tobias, Jenny Svennevig como Oda, Ingeborg Enes Kjevik como Kristine, Sorosh Sadat como Issa, Ada Eide como Caroline, Mariann Gjerdsbakk como Silje, Daniel Sang Tran como Even, Torkel Dommersnes Soldal como Herman, Karoline Schau como Sigrid y Tamanna Agnihotri como Halima. 

La película comienza con imágenes reales del atentado matutino que tuvo lugar en Oslo ante unas dependencias gubernamentales que supuso la muerte de ocho personas . 

Poco después cambiamos de espacio y aparecemos en la isla de Utøya, una isla en el lago Tyrifjorden en el municipio de Hole, en el condado de Viken, de unas 10,6 hectáreas, situada a unos 20 km de distancia en automóvil al sur de Hønefoss y a 38 km al noroeste del centro de la ciudad de Oslo. 

Allí conocemos a Kaja (Andrea Berntzen ), una joven de 18 años que asiste a un campamento de verano del Partido Laborista en Utøya con su hermana menor Emilie (Elli Rhiannon Müller Osbourne). Tras discutir con su hermana Kaja habla con otros participantes en el encuentra sobre la noticia de que ha estallado una bomba en el barrio gubernamental de Oslo, algo inusual en la capital noruega, pues se trata de un país que no conoce el terrorismo. 

Mientras hablan , comen y discuten transcurren apenas 12 minutos antes de que en un momento dado comience la matanza en este campamento de verano de la isla noruega de Utøya, en lo que va a quedar como una fecha infame, el 22 de julio del 2011, en la historia de Noruega. 


Pronto, se escuchan disparos y los campistas se refugian en el único edificio que aparentemente hay en la isla, una nave. Pero al seguir los disparos se dispersan rápidamente. Al principio incluso uno de los chiicos que se refugia junta a Kaja cree que pudiera ser un simulacro pero el reguero de muertos y sangre hacen pensar lo contrario. 

Al principio, la mayoría lloran y gritan en voz alta, pero luego huyen al bosque cercano. Mientras se esconden detrás de los árboles, Kaja y sus amigos llaman al 112 , y la policía dice estar de camino. 


Tras algunas dudas la mayoría sale en busca de la costa para poder nadar hasta un lugar seguro, pero Kaja corre hacia el campamento para buscar a su hermana Emilie de la que no tiene noticias. mientras Kaja se despliega por el campamento encuentra a un niño llamado Tobias, a quien convence de correr hacia el bosque, aunque no de que se quita el chubasquero amarillo y vistoso. 


Cuando Kaja no puede encontrar a Emilie en su tienda, corre hacia el bosque para encontrarla. Mientras corre en dirección a la costa Kaja se encuentra con una joven a la que han disparado en la espalda y trata de atenderla y consolarla. Mientras los disparos suenan cerca. de hecho ve el humo rojo de una granada que llena el bosque. 

A pesar de que Kaja ha atendido lo mejor que puede la chica mientras recibe la llamada perdida de su madre. Por momentos vemos al que dispara, pero Kaja no es vista. 

Posteriormente Kaja se lanza a bajar la cuesta que la lleva a la costa. Allí hay jóvenes refugiados, pero le oiden que se busque otro sitio para no ser vistos. Ella se traslada por la costa y en un momento se encuentra con Magnus, un chico que había conocido al inicio de la jornada. Este se enuntra con otros dos campistas refugiados. 

Magnus intenta calmar la situación y contar chistes para alegrar el ánimo, pero los otros dos se mosquean. Tras un rato refugiados aparecen na gran cantidad de campistas recorriendo en el lago, y los otros dos campistas abandonan a Kaja y Magnus. Kaja y Magnus hablan de lo que quieren ser cuando sean mayores; Kaja quiere ser el primer ministro de Noruega y Magnus un actor. 


De cualquier manera Magnus le pregunta qué habilidad oculta tiene y Kaja reconoce que canta en un coro. Al cantar la escucha su hermana que está escondida en la zona alta. Pero al salir vemos que el tirador dispara cerca y sin parar. 

Kaja sale a buscar a su hermana nuevamente. Una vez en la playa, descubre cuerpos esparcidos por la costa, incluido el del joven Tobias. Cuando Magnus la alcanza, Kaja se derrumba. Un pequeño bote se ve en la distancia, y Magnus intenta convencer a Kaja de ir con él, pero en ese momento el tirador dispara y Kaja cae al suelo. Ella grita por Magnus y recibe un disparo de nuevo, esta vez mortal. 

La perspectiva luego cambia a la de Magnus, mientras corre vemos que se aproxima una lancha a la que se sube Magnis juntos con otros supervivientes. Mientras el barco se aleja de la isla, Magnus se derrumba entre lágrimas. Se revela que Emilie también está en el barco y está tratando de ayudar a una persona gravemente herida. La pantalla torna en un fundido en negro. 

Un epílogo basado en texto a continuación muestra el número de víctimas, un total de 77 personas, 69 en la isla, y describe las motivaciones de los terroristas. Termina con una advertencia «El extremismo de derechas crece en Europa y el mundo. La idea del terrorista de quién es el enemigo perdura y esa visión cada vez está más extendida». 


La película se basa en la masacre del campamento de verano de Utøya que tuvo lugar el 22 de julio de 2011, pero los personajes son ficticios. El propósito de Utøya: 22 de julio era , según el director, promover la comprensión de las víctimas mostrando la masacre desde su perspectiva. La película fue creada tras entrevistarse con más de 40 supervivientes, para acercar la acción lo más posible a la realidad. Se deja claro que Kaja no existió, pero intenta ser la referencia de las personas que estaban allí aquel fatídico día. 

Fue filmada para parecer una sola toma, un único plano secuencia, en tiempo real durante los 72 minutos del ataque. El criminal terrorista es una figura en la periferia a lo largo de la película, y solo se lo ve brevemente dos veces. No se le nombra . 

Pope , tras su estreno en Berlín , fue atacado por algunos críticos que lo acusaron de inmoralidad, pornografía y de provocación. «Mi única intención era mostrar el punto de vista de las víctimas. Me entrevisté con infinidad de ellas y el argumento común es que nadie sabía lo que estaba pasando. Era el terror en casi una pureza absoluta. No quería ni podía componer una pieza de entretenimiento donde hubiera héroes y narraciones consoladoras. Tampoco quería, ni debía, servir al narcisismo del asesino. Él fue una sombra y como tal tenía que aparecer en la película».

La película en sentido estricto empieza antes y acaba justo después del último tiro. Se escuchan los mismos disparos y la cámara simplemente levanta acta de una sensación mucho más profunda, hiriente y hasta inexplicable que la desesperación, el vacío o la angustia". 

Igualmente el director señala que «Lo relevante es la relación con la verdad que pueda establecer el relato. No es verdad que un documental sea más verdad. El proyecto llevó más de dos años y realicé más de 20 entrevistas a jóvenes supervivientes. Reproducir lo que ellos vivieron es imposible, cualquier forma de representación es sólo eso, una imagen. Mi esfuerzo consistió en reconstruir su relato de la forma más fiel. Nada más. Es una película que recoge el testimonio de los que sobrevivieron y que, por su vocación de verdad, homenajea a los fallecidos" 


Por último, el director noruego afirma que «En mi país se ha discutido muchísimo sobre todo. Sobre el tipo y el lugar del monumento, sobre la forma en la que reconstruir los daños causados por las bombas. Pero lo importante, creo, era devolver la propiedad de lo que ocurrió a las víctimas. Hay quien ha dicho que es demasiado pronto. Pero, ¿cuándo es el momento correcto? Si esperamos a estar todos de acuerdo, corremos el riesgo de olvidarlo. Y eso es lo más cruel que se puede hacer». 

La película fue seleccionada para competir por el Oso de Oro en la sección principal la oficial de largometrajes en competencia en el 68 ° Festival Internacional de Cine de Berlín . Utøya: el 22 de julio recibió ocho nominaciones para los Premios Amanda 2018 durante el Festival Internacional de Cine de Noruega en Haugesund , ganando a Mejor Actriz (Andrea Berntzen) y Mejor Actriz de Reparto (Solveig Koløen Birkeland). 

En los Premios del Cine Europeo en Sevilla , Martin Otterbeck ganó el premio al Mejor Director de Fotografía por su trabajo. En el Festival de Valladolid - Seminci se presentó a la Sección oficial 

En cuanto a la crítica Guy Lodge en Variety comenta que "'U – July 22' está diseñada para ser inmersiva y extenuante, y en gran medida lo consigue (...) ¿Ofrece algo a la audiencia? ¿Cómo podría, dada la falta de sentido de lo que representa?" 

Boyd van Hoeij en The Hollywood Reporter defiende que la película es "Desgarradora (...) Formalmente impresionante (...) El final que han creado los cineastas parece un truco sacado del manual de ficción." 

David Ehrlich en IndieWire comenta que es "El artificio suele recompensar (...) 'U-July 22' ayuda a cerrar el hueco que hay entre lo inimaginable y las víctimas" 

En el Reino Unido Demetrios Matheou en Screendaily comenta que "Un testimonio conmovedor del heroísmo humano que estos sucesos sacan a la superficie (...) La audiencia tendrá que prepararse para tener el corazón en la boca durante lo que parece una eternidad" 

Peter Bradshaw en The Guardian escribe que es "Una película visceral y brutal que no por ello deja de ser sincera y honesta (...) Un tributo absorbente y conmovedor (...) " 

Tim Robey en Telegraph defiende que "A nivel técnico e interpretativo, la película es rigurosa e impresionante (...) Berntzen en ningún momento da signos de flaqueza (...)" 


Alex Godfrey de Empire afirma que "La naturalidad del reparto y su química dan humanidad a la película (...) Poppe quiere que sintamos (...) y lo consigue; la película te deja destrozado (...) ".

En Bélgica Bénédicte Prot en Cineuropa señala que "Una sale de la experiencia sintiendo vergüenza por el autor y algo irritada en general." 

Ya en España Miguel Ángel Palomo en FilmAffinity defiende que "El único plano que da forma a "Utoya, 22 de julio", un plano secuencia de 77 minutos, va mucho más allá de un descomunal alarde técnico. Muestra, de la única manera posible, la esencia del espanto (…) Una película que va más allá de sí misma y que se atreve a reflexionar sobre la responsabilidad moral de cualquier producto audiovisual (…)" 

Carlos Boyero en El País asevera que "El director le ha puesto nombres ficticios a aquella gente trágicamente real, pero se ha servido del testimonio de los supervivientes para reconstruir lo que ocurrió allí. Y consigue transmitirte lo que sentían." 

Luis Martínez en El Mundo defiende que "Poppe sorprende, aterroriza y angustia, todo a la vez, con un viaje en tiempo real y en un único plano a lo sucedido el 22 de julio de 2011 (...) Lo que se ve es todo ello tan imprevisible como magnético, al límite exacto de lo soportable. Tan brutal como irresistible. Pero, sobre todo, se ofrece como una experiencia única en su capacidad para abrir interrogantes en el centro mismo del absurdo. En un momento dado, la película se detiene en la piel erizada de la protagonista. Un mosquito se para delante de la cámara como señal y testigo de que todo lo que ocurre es tan real que parece fabulación, tan inaudito y extremo que sólo puede ser cierto. Y añade es una película tan imprevisible como absorbente. Tan brutal como irresistible." 

Oti Rodríguez Marchante en las páginas de ABC escribe que "[Poppe] utiliza una narrativa sorprendente para situar la cámara y los ojos del espectador en el lugar de los hechos (...) no reconstruye la tragedia, sino que construye la tensión, el terror, la confusión (…)" 

En la versión catalana de El Periódico Quim Casas señala que la película "Deviene un notabilísimo ejercicio de terror en tiempo real (...) " 

Eulàlia Iglesias en El Confidencial defiende que "Pope nos sumerge en la terrorífica experiencia del ataque (...) no busca representar lo sucedido aquella jornada. Sino aproximar a la audiencia al horror que vivieron las víctimas en el islote (…) " 

Andrea G. Bermejo en Cinemanía postula que "La aproximación de Erik Poppe a la catástrofe no puede ser más respetuosa (...) es inevitable plantearse cuánto hay de denuncia y concienciación y cuánto de disfrute al verla (…) " y en la misma revista en forma de tweet se señala que "Nos conduce en una sola toma por el infierno de aquella isla". 

Juan Pando en Fotogramas sostiene que "El cine consiste en dotar de magia a la realidad. No hay más misterio, y eso es lo que logra Erik Popp (...) recurre al efecto especial más económico y eficaz que existe: la imaginación del espectador. (…) " 

Personalmente me ha encantado, en parte por recordar el suceso, en parte por cómo lo presenta Poppe. Lo hace con total brutalidad, pero sin exhibicionaismo. El nombre del criminal ni se nombra. Es la representación de la animalidad, de la falta de inteligencia, de la brutalidad. 

Vemos la historia siempre desde la perspectiva de Kaja y únicamente cuando no está le cede el testigo a Magnus que encuentra al sujeto de la búsqueda de Kaja. 

En cuanto la técnica empleada grandiosa, presentada como falso documental de lo  ocurrido pero documenta lo ocurrido en tiempo real y además visualiza sin obscenidad los hechos usando en ocasiones un fuera de campo espectacular que nos muestra la angustía ante la posibilidad de la muerte, la propia, la de los demás, la de su hermana. Una heroína entregada, la merecida Primer Ministro del futuro. Fenomenal película de una pesadilla real ocurrida un 22 de julio hace 9 años. Para no olvidarla.


martes, 6 de octubre de 2020

Salyut, 7, los héroes en el espacio

 


El cine ruso ya no se amilana con nadie ni con nada. El efecto Putín llevado al cine ha permitido ver como los directores rusos se lanzan con osadía no sólo ya al cine histórico de corte nacionalista, refugio habitual del cine revisionista ruso, sino a gloriosas epopeyas y heroicidades del pasado y del presente. Pero además en ocasiones apuestan por historias en las que muestran una enorme capacitación tecnológica y acierto con el uso, por ejemplo de la tecnológica 3D aplicada al cine a través de RealD 3D. Y Salyut 7 , los héroes del espacio es un buen ejemplo de ello. 

Se trata de una película rusa del año 2017 rodada por el director de cine, aunque también guionista, actor y productor ruso Klim Shypenko y basada en el guion de Natalia Merkulova, Aleksey Samolyotov o Chupov y el mismo Klim Shipenko que narra una historia real que se basa en la misión Soyuz T-13 que tuvo lugar en 1985 y que formaba parte del programa soviético Salyut ; fue la primera vez en la historia en la que una estación espacial "muerta" fue acoplada y puesta nuevamente en servicio. 

La película es una producción de Anton Zlatopolskii o Zlatopolsky, Sergej o Sergey Seljanov y Bakur Bakuradze y de la que fueron productores ejecutivos Julia Mishkinene y Natalia Smirnova, quedando Sergey Dolgoshein como productor de postproducción todos vinculados con las productoras Kinokompaniya CTB, Lemon Films Studio, Telekanal Rossiya. 

La música fue labor de Anton Belyaev, Dmitry Noskov, Svyatoslav Kurashov, Vlad Zhukov y Ivan Burlyayev, siendo fotografía de Sergey Astakhov siendo el montaje de Mariya Sergeenkova y Sergey Beiseu. 

Responsables del maquillaje fueron Tamara Frid con la participación de Lyubov Egorova, mientras que del vestuario fue Tatyana Patrakhaltseva, Nadezhda Vasilyeva con la participación de Elena Lukyanova. En cuanto al sonido destaca el trabajo de Boris Voit siendo el diseño de sonido de Alexander Kopeikin. 

Como operador de escenas en el espacio aparece Sergey Astakhov siendo responsable de las escenas en Tierra Ivan Burlakov con la participación de Kirill Bobrov. En ese sentido jugaron una papel importante los operadores Steadicam con Valery Petrov y Anatoly Simchenko quedando como supervisores de VFX, Alexey Gusev, y el productor VFX como Pavel Semerjian. 

Los responsables de casting fueron Yulia Milovidova, Natalia Fedorenko, Tatyana Komarova y Ekaterina Dyukova que seleccionaron a Vladimir Vdovichenkov como Vladimir Fedorov, comandante de equipo de la Soyuz T-13 (basado en el piloto Vladimir Dzhanibekov), Pavel Derevyanko como Viktor Alyokhin, ingeniero de vuelo de la Soyuz T-13 (basado en Viktor Savinykh) y Alexander Samoilenko como Valery Shubin, director de vuelo (basado en Valery Ryumin). Junto a ellos aparecen Alexander Ratnikov como asistente de vuelo, Vitaly Khaev como Yuri Mikhailovich Shumakov, Igor Ugolnikov como Boldyrev, Maria Mironova como Nina Fedorov, esposa de Vladimir, Lyubov Aksenova como Liliya Alekhina, esposa de Viktor, Oksana Fandera como Svetlana Lazareva, cosmonauta (basado en Svetlana Savítskaya).Igualmente aparecen Nikita Panfilov como Igor Zaitsev, cosmonauta (basado en Ígor Volk), Polina Rudenko como Olya Fedorov, hija de Vladimir, Alexandra Serebryakova como empleado del Centro de Control de Misión, Natalya Kudryashova como la Médico, Arthur Waha como psicoterapeuta, Sergey Chonishvili como la voz en off en la versión rusa que yo  no he visto, durante la emisión de noticias en canales de televisión extranjeros y el director Klim Shipenko como Patrick de Bonel, astronauta francés (basado en Jean-Loup Chrétien). 

La película comienza en el espacio cuando el comandante Vladimir Fedorov (Vladimir Vdovichenkov ) está trabajando en el exterior de la estación orbital soviética Salyut 7 junto con su compañera Svetlana Lazareva (Oksana Fandera). Se trata de la más avanzada estación orbital soviética, orgullo del estado, construida con una aleación especial de aluminio y acero, con escotillas de atraque en ambos extremos, un sistema de abastecimiento de combustible mejorado y alojamientos más cómodos. Los tripulantes accedían a ellas con naves Soyuz, y eran abastecidas por naves no tripuladas Progress. 

Tras ayudarse mutuamente en la reparación por medio de una soldadura de una avería en una estación espacial, bromean con un compatriota dentro de la estación, teorizando sobre cuándo el gobierno de la URSS querrá experimentar con el sexo en el espacio, y cuánto tiempo necesitarán (o llegarán a) gastar en simuladores de entrenamiento para el proyecto. Luego, un accidente de soldadura perfora el guante de la cosmonauta. 

A medida la presión de su traje desciende rápidamente, la hipoxia amenaza, su compañero le habla suavemente durante el proceso de rescate para tranquilizarla. Poco antes de entrar en la estación Vladimir ve una extraña luz cegadora que el no sabe muy bien lo que es. Lo cierto es que cuando llega a tierra y es entrevistado por director de vuelo el laureado dos veces Valery Shubin (Alexander Samoilenko), éste lo saca de los proyectos al no verle capacitado. 

Vladimir en ese momento se siente confundido y desubicado porque su mundo es el espacio. A pesar de su buena relación con su mujer Nina Fedorov (Maria Mironova) e hija se siente incómodo al verse fuera de cualquier proyecto. 


Sin embargo, el 11 de febrero de 1985, la estación orbital soviética Salyut 7, que ha estado en órbita sin tripulación durante los últimos seis meses, pierde el control inesperadamente y deja de responder a las señales enviadas desde el Centro de Control de Misión. 

 Ante la perdida de toda comunicación con la nave y la probable caída a la Tierra de una estación que es el orgullo de la ciencia y la cosmonáutica soviéticas, puede provocar no solo la pérdida de la reputación del país, sino también una tragedia con víctimas humanas. 

La estación averiada puede caer en cualquier parte del planeta, destruir cualquier cosa, incluso una ciudad, y todo esto sucede en el contexto de la Guerra Fría, lo que complica aún más la situación. El 6 de junio de 1985, después de tres meses de entrenamiento y tras comprobar que nadie está más capacitado para su recuperación que Vladimir Fedorov, el Centro de Control de Misión decide enviar la nave espacial tripulada Soyuz T-13, con una tripulación de dos de los más experimentados cosmonautas soviéticos: el comandante Vladimir Fedorov y el ingeniero de vuelo Viktor Alekhin. 


Ambos se enfrentan a una tarea difícil y arriesgada y de importancia estatal: dar con la estación «muerta»; acercarse sin colisionar y realizar un acoplamiento manual muy complicado con una estación espacial incontrolada y en movimiento, lo que nadie había hecho antes en la historia de la cosmonáutica; verificar el estado de los sistemas de a bordo y el equipo de la estación; identificar las causas de los problemas y prevenir la catástrofe. 

Tras el despegue desde Roscosmos se produce el acercamiento que inicialmente falla dada la velocidad y la dificultad, pero al segundo intento a pesar de parecer una locura ante los ojos de todos, pero no del camarada cosmonauta Fedorov, lo consiguen. 


El segundo paso una vez acooplada la nave es verificar el estado de los sistemas de a bordo y el equipo de la estación. Cuando entra el ingeniero Viktor Alekhin en su interior descubre que la estación está cubierta de hielo, aunue desconoce el origen del mismo. 

Tras pensar como eliminar el hielo, para eso han de cambiar de posición los paneles solares, y que aumente así la temperatura de la nave orbital, consiguen su objetivo. El problema es deshacerse del agua acumulada, cosa que hacen con un soplador y todo el tejido existente. 

Sin embargo, la clave para entender el por qué está en el exterior obliga a salir a Vladimir y mientras éste estudia el exterior y ve que unos pequeños meteoritos han roto parte de la carcasa externa y han averiado la pieza de los motores, descubre con horror como en el interior de la nave orbital hay fuego y luego una enorme llamarada. 

Con todo Viktor ha logrado despresurar la nave , salir de ella, aunque su cuerpo se queda con graves quemaduras. A pesar de ello lo peor es el consumo de oxígeno. Tanto han consumido que únicamente hay para el retorno de uno de ellos. 

Mientras en tierra , el director de vuelo Valery Shubin se mueve entre las presiones políticas de las autoridades que prefieren destruir las naves antes que caígan en manos americanas y el intento de salvar la vida a sus dos pilotos. Además, los americanos han lanzado en paralelo su nave, la Challenger.

Con todo ordena a Vladimir que el que se ha de salvar es Viktor. Éste lo admite , aunque tiene una idea quitar lo que impide que la nave recargue su energía y a pesar de ir contrarreloj en el último momento consigue que la nave se reactive salvando el prestigio de la carrera espacial soviética y la más avanzada que las cinco estaciones lanzadas. 

El complejo formado por la Salyut 7 y el módulo Cosmos 1686 (TKS-4) culminó su vida operativa y entró en la atmósfera terrestre convertido en una bola de fuego y cayendo sobre Argentina el 7 de febrero de 1991. Al final una cartela nos señala que 'Salyut-7' está dedicada a "todos los héroes de la cosmonáutica espacial".. 

La idea de la película, basada en los hechos reales del rescate de la estación orbital Saliut 7 fue del periodista de televisión Alexei Samolet, especializado en temas espaciales. 

Según el productor Bakur Bakuradze, los guionistas se basaron en los diarios de Viktor Savinykh, que explican en detalle toda la expedición, pero «es difícil para una persona que no conoce las sutilezas del tema del espacio entender todos los detalles. Por lo tanto, algunas cosas tuvieron que simplificarse, mientras que otras, por el contrario, se reforzaron y se adaptaron para nuestro entendimiento». Por esta razón los nombres de los personajes principales han sido cambiados. 

Los autores de la película eligieron material que les permitió permanecer fieles a los hechos. Los consultores fueron los cosmonautas Serguéi Krikaliov, Aleksandr Lazutkin, el jefe de Roscosmos, Igor Komarov, y los especialistas del RKK Energiya. El estudio de rodaje se ubicó en el suburbio de San Petersburgo, fue construido específicamente para la película ya que las instalaciones de Lenfilm no pudieron acoger todo lo necesario. Se creó una copia del Centro de Control de Misión y del Centro de Entrenamiento de Cosmonautas con las maquetas de la Saliut 7 y la Soyuz T-13. 

Varias empresas de la corporación estatal de Roscosmos proporcionaron equipamiento que ya había estado previamente en el espacio. Sergei Astakhov, no solo conocido en Rusia por ser operador de cámara, sino también como un maestro en técnicas de rodaje complejas, fue invitado a diseñar y controlar los complejos dispositivos de imagen. En el proyecto, fue el operador de las escenas del espacio y el ingeniero de toda la parte tecnológica del rodaje. «Para cada cuadro, se desarrollaron nuestros propios sistemas de disparo, se utilizaron diferentes suspensiones y métodos de sujeción para mostrar de manera realista la interacción con los objetos en ingravidez y para asegurar una transición suave de la animación por computadora». 

Con el fin de soportar una carga parecida a la de los astronautas reales, los actores se sometieron a un serio entrenamiento físico. El entrenamiento duró varios meses con un tremendo esfuerzo físico. La jornada laboral fue de doce horas, y el 90 % del período de filmación fue ocupado en «pasar el rato» en ingravidez. En el estudio, los actores se movían utilizando cables especiales. Para comprender cómo moverse en un estado de ingravidez, cómo se comporta el cuerpo, era necesario sentir la ingravidez que se realizó en una sesión de entrenamiento especial, en un avión Il-76 que se elevó diez veces a una altura de varios miles de metros y descendiendo abruptamente para realizar un vuelo parabólico, mientras aparecía la ingravidez durante 26 segundos. 

Inicialmente, Svyatoslav Kurashov y Vlad Zhukov trabajaron en la música original, pero el resultado no agradó a los productores, e Ivan Burlyaev y Dmitry Noskov se sintieron atraídos por el proyecto y fueron quienes reescribieron casi por completo la banda sonora. La música de Burlyaev y Noskov fue grabada por una orquesta sinfónica con sintetizadores analógicos y digitales. Entre los temas musicales de la película se encuentran la entonación del himno nacional de la Unión Soviética y la suite «¡Tiempo, adelante!» (en ruso Время, вперёд!) de Gueorgui Svirídov. La banda sonora oficial de la película fue publicada el 13 de octubre de 2017 e incluye la música de todos los compositores que trabajaron en la película y las composiciones de otros artistas incluidos en la película.  

El 15 de septiembre, la película fue presentada en Yalta durante la inauguración del Festival de Cine de Eurasia. 


El 4 de octubre de 2017, en la sala de cine del Palacio Estatal del Kremlin, tuvo lugar la proyección de la película, que se convirtió en el evento principal de la noche de gala dedicada al 60 aniversario del lanzamiento por la URSS del primer satélite artificial de la Tierra. Después de ver la película, el presidente ruso Vladímir Putin se reunió con el equipo de rodaje, que había visto la película la noche anterior. Los pilotos y cosmonautas Vladimir Dzhanibekov, Viktor Savinykh y Oleg Skripochka, el jefe de Roscosmos, Igor Komarov, y la hija del primer cosmonauta Yuri Gagarin, Elena Gagarin, también asistieron a la cita. 

La película se estrenó el 21 de septiembre de 2017 en Estados Unidos, el 11 de octubre de 2017 en el festival de Sitges y el 12 de octubre de 2017 en Rusia. 

La crítica de cine Susanna Alperina (Rossíiskaya Gazeta) destacó que «el trabajo de los cineastas en Saliut 7 es más relajado, emocionalmente equilibrado, no siguieron el camino de la exacerbación y el empeoramiento de las relaciones de trabajo en el CCM, aclarando los problemas importantes con el Ministerio de Defensa soviético y el Politburó. Para ellos, era importante mostrar la hazaña de los astronautas que, [...] en circunstancias difíciles, estaban a punto de reparar una estación espacial congelada. Le devolvieron la vida no solo a ella, sino también a la reputación del país». Susanna Alperina consideró que el trabajo de Vladimir Vdovichenkov y Pavel Derevyanko es lo más valioso de la película. Lo que menos gustó a esta crítica fue la presentación de las relaciones entre los cosmonautas y sus familias. Señala que «están representadas por una línea de puntos clásica basada en los estereotipos de la comprensión de una familia buena y correcta». 

El cosmonauta Viktor Savinykh dijo que «Ni los guionistas ni el director, mientras trabajaban en la película, me hicieron preguntas o solicitudes de consulta. Al parecer, simplemente no necesitan saber la verdad sobre ese vuelo. Su objetivo era diferente: ganar dinero en la taquilla. Creo que tomaron la información de mi libro Notas de la estación muerta y descubrieron que ya tenían suficiente. Bueno, esa es su decisión». 

Más tarde, después de verla, Viktor Savinykh admitió que le gustaba la película en su conjunto: «La película es buena, entretenida, a la gente definitivamente le gustará. Especialmente quiero señalar la extraordinaria calidad de la imagen del cosmos, la ingravidez: los gráficos por computadora recrean el alcance y la belleza del cielo. En cuanto a inexactitudes, sí, las hay. La cuestión de si derribar la estación no existía en absoluto. En lugar de un martillo, solo teníamos una montura, intentamos eliminar un fallo completamente diferente. No fumamos, no nos quemamos. Aunque realmente en el espacio hubo varios incendios. Pero esencialmente no hay mentiras. Por eso, en general, la película me gustó. Y si no hubiera trabajado en el espacio, me hubiera gustado aún más. Es difícil ver lo que se inventó en la pantalla cuando sabes cómo era en realidad». 

Al cosmonauta Vladimir Dzhanibekov no le gustó la película: «Tengo una opinión contradictoria con la película. Desde el punto de vista de la imagen artística, se realizó un trabajo maravilloso: tomas increíbles, efectos, los actores interpretados de manera excelente, incluso la ingravidez podría transmitirse de manera muy fría. Pero hay algún tipo de versión estadounidense del impacto en los cerebros de la audiencia. Mostraron unos generales rusos terribles, listos para dispararse en el espacio. En la película también existen amenazas del máximo liderazgo del país. Aunque todo era exactamente lo contrario: todos esperaban el éxito, preguntaron qué faltaba para que esto sucediera. Nunca nos amenazaron. Los trabajadores del Comité Central del PCUS y el Ministerio de Defensa solo nos apoyaron, desearon la victoria y recibieron condolencias si algo salió mal. Nuestro ejército tiene una función diferente: rescatar, salvar, proteger y nunca matar. La gente en el extranjero estará más atenta a ver la situación en el Centro de Control de la Misión, ¿crees que esto pasará? No, en general, cómo era puedes leerlo en el libro de Viktor Savinykh Notas de la estación muerta. Sí, y en el libro de registro no hubo alusiones a una amenaza». 

Además, Viktor Dmitrievich Blagov, director adjunto de vuelo de la estación Saliut 7, criticó la distorsión de los sucesos reales y señaló que considera que la película es útil para los jóvenes, a pesar de la artificialidad de algunas situaciones. 

El crítico de cine Konstantin Bakanov (sobesednik) señaló la habilidad del equipo de producción y dirección, que casi logró conseguir un éxito de taquilla por poco dinero, «no se parece a una orden del gobierno: Sobrevivir en ruso podría ser el eslogan de la película. La técnica es más o menos, no escuchamos órdenes, rompemos el régimen, mantenemos el equilibrio, esperamos un milagro, y esto es un milagro (bueno, ¡debe serlo!) Sucede siempre. Esto definitivamente no es sobre los estadounidenses. Se trata de nosotros» 

En España Oti Rodríguez Marchante en ABC destacó que "Lo que suele ser convencional en el cine de Hollywood se convierte aquí en otro modo de producir tensión y épica (...) es visualmente excepcional, y le encuentra planos, ritmos e intrigas nuevas a lo de siempre. (…) " 

Nando Salvá en El Periódico defiende que la "Intriga visualmente imponente y que recurre a una serie de amenazas para provocar con eficacia la tensión (...) Su punto flaco es el factor humano, porque todos los personajes son unidimensionales (…) " 

Marta Medina de El Confidencial escribe que "Shipenko centra más su mirada en la capacidad de sacrificio y el código moral de dos hombres que están dispuestos a cumplir el cometido que se les ha encomendado hasta sus últimas consecuencias. Como herramienta dramática, el director presenta a los protagonistas como carácteres antagónicos: por un lado, Dzhanibekov es un tipo indisciplinado, enérgico y heterodoxo y, a la vez, el mejor en su campo de experiencia; por otro, Savinikh es cerebral, un hombre de ciencia —diseñó gran parte de la Salyut-7— al que Dzhanibekov considera un "simple ingeniero con traje espacial". "Ni siquiera eres un cosmonauta de verdad; nunca has paseado por el espacio". Y añade que "Con una puesta en escena discreta —más allá de los efectos especiales— y una narración clara y lineal —salvo los 'flashbacks' que intercala de vez en cuando—, Shipenko mantiene el ritmo y el suspense hasta el mismo final de la película, en lo que es su mayor virtud, interpretaciones aparte. Consigue además un clímax emocional que exalta la dignidad de un hombre que enfrenta el mayor de los contratiempos sin aspavientos, con entereza. Y el director lo cuenta con una sencillez, además, conmovedora. ". 

Janire Zurbano en Cinemanía comenta que "El mayor logro de Shipenko, además de la espectacularidad de sus planos, es convertir un suceso épico en una película igual de épica (...) y sorprendente, pese a estar basada en hechos reales. (…) " 

Nuria Vidal en Fotogramas opina que "No existe en el film ni la épica ni el suspense propio del cine de aventuras. En cambio Shipenko apuesta por el espectáculo visual con unos efectos especiales no muy espectaculares, pero si muy creíbles (…) "

Comentar que lo que ha parecido más interesante es presentar la guerra fría desde la óptica de la carrera espacial, una de sus vertientes más llamativas y más complejas técnicamente y no sólo por lo que implicaba para el mundo de la ciencia y la tecnología sino como el enorme peso de la prograganda que suponía. Muy interesante la recreación de espacios, los efectos especiales y , como todas las espaciales, ideales para verla en 3D. En ese sentido nada tiene que enviadiarle a Gravity, por ejemplo. 

Espectacular las elipsis que emplea para pasar de un espacio a otro para narrarnos una historia real y la más compleja desde el punto de vista técnico de la historia espacial como espectaculares son las imágenes del espacio y de la Tierra siempre al fondo, abajo, hermosa pero amenazante y lejana. su suma las pequeñas dosis de humor con el vodka clandestino o con la compañera inesperada , una cucaracha, el osito de peluche Mishka o el espectáculo de las gotas de agua. Por último, tirar de mi memoria y recordar como en aquel año 1991 hubo interés  temor ante la caída de la nave. Como ya he señalado cayó en Argentina, pero lo cierto miramos al cielo en aquellos días muy intensamente a sabiendo que de una guerra, la más fría,  hacía un par de años que había terminado. Pero esa era otra historia. 



domingo, 4 de octubre de 2020

O que arde



Galicia y el fuego. Antes eso era una constante. De un tiempo a esta parte lo que antes era norma, ha comenzado a ser excepción, afortunadamente. Y es que Galicia es mucha Galicia. Sobrevivir al fuego no siempre es fácil. Fuego hay porque hay monte. Os Resentidos decían en una canción "arde Galicia co lume forestal" Y el fuego puede aportar pastos nuevos además de ayudar al desbroce en su extensísima superficie forestal en medio de un espacio envejecido y del abandono rural que no sólo vive Galicia, pero especialmente sufrida es en Galicia. A eso se le suma una tierra, en minifundio, que vale poco, y cuyos ferrados do monte en ocasiones sus dueños no saben ubicar ni delimitar. Lo curioso es la mala leche de las buenas vacas que algunos estilan como acabo de ver en O que arde cuando un paisano de la montaña le dice al protagonisa, un hombre que ha pasado varios años en la cárcel por pitómano: Tenes lume? Claro, se descojona. No podía ser de otra manera. 

O que arde es una buena película de eso que llaman cine de raiz rural, como hace unos días pudimos ver en Furtivos de José Luis Borau. Salvando las distancias, esta película coincide con la película de Óliver Laxe en que tienen mucho de antropológico y que no deja de ser un drama rural, aunque no un dramón. O que arde fue una de las revelaciones de la pasada entrega de los premios Goya. 


Curiosamente yo intenté ver la película en la Filmoteca de Andalucía, una tarde noche de un viernes de febrero, pero la gala celebrada la semana anterior y especialmente el Premio a la mejor actriz en su debut, que no fue para otra que para la protagonista femenina de la película, Benedicta Sánchez, actriz no profesional al igual que el protagonista principal masculino, Amador Arias, fue ella Benedicta la que llevó a la masificación de la sala. También influyó los premios previos, pues O que arde cuando se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Cannes 2019, en Cannes, en la sección Un certain regard , ganó el Premio del Jurado. 


O que arde es uan película rodada en el 2018 y estrenada en 2019 dirigida por Óliver Laxe y coescrita por Laxe y Santiago Fillol. Detrásde ella está Miramemira, Kowalski Films, 4 a 4 Productions y Tarantula Luxembourg, pues sí es una coproducción entre la Televisión de galicia, con participación de Euskaltelebista, y también de Francia y Luxemburgo. 

En la misma participan Xavier Font en la música y Mauro Herce en la fotografía. El elenco lo forman los citados Amador Arias como Amador Coro, Benedicta Sánchez como Benedicta, Elena Mar Fernández como la veterinaria Elena, la veterinaria, Inazio Abrao como el vecino Inazio así como Iván Yáñez, David de Poso y Álvaro de Bazal. Todos ellos actores no profesionales que habitan en la sierra de Ancares. 

La historia se inicia con la luz nebulosa en una noche cerrada en un bosque gallego. Esa noche va dejando ver un halo de luz que podria surgir del humo aunque posteriormente adivinamos que puede ser la las luces de un enorme bulldozer que va derribando sin piedad árbol tras árbol, junto otro que va en paralelo y que se frena ante un árbol ancestral. 

Tras eso vemos el expediente que permite la salida en prisión de Amador Coro ( Amador Arias) un pirómano que sale de de su centro penitenciario después de ser condenado como responsable de un incendio y tras haber cumplido dos tercios de su larga condena por quemar el monte. Tras eso vemos que se desplaza hasta su casa en los Ancares y que es recibido por su madre, Benedicta (Benedicta Sánchez) que lo atiendo con carino. 

A la mañana siguiente , tras el desayuno, Amador se dispone a ayudar a su madre en las labores del campo con su perra Luna y sobre todo atendiendo al ganado vacuno. 

Vemos que Amador se muestra huraño con los vecinos. No quiere tratar con ellos, ni siquiera con Inazio, que le ofrece llevarlo a casa en coche y que está adecentando su casa para convertirla en destino turístico, pensando en el éxito de la campaña , ya añeja, pero acertada de "Galicia calidade". 


Similar actitud muestra con los vecinos que acuden a un entierro y que él, a diferencia de su madre, da el pésame. Lo más que le piden y de coña es "lume" (fuego). También se relaciona algo mejor con la veterinaria Elena (Elena Mar Fernández ), una mujer que estudio veterinario para no salir del campo, aunque Amador de manera lacónica le dice que no era necesario estudiar si al final una iba a quedarse en el campo. Ella no sabe quién es Amador. Aunque un día cuando él baja al concello se encuentra en el bar con una Elena que ya sabe quién su cliente. 


La vida de madre e hijo transcurren en medio de la naturaleza. A veces reflexionan sobre la misma. Descubrimos que su relación con la misma es sana, aunque Amador no entiende como ha podido ocuparlo todo el eucalipto un árbol que lo destrozo todo a su alrededor y en las entrañas de la tierra. 

Un día se produce un incendio que arrasa la comarca. Intervienen los bomberos, la Guardia Civil y los vecinos para aplacarlo. Pero el fuego lo arrasa todo. Todas las miradas van hacia Amador. Especialmente directo es Inazio con él, llegándolo a agredir. Tras hacerlo, madre e hijo se marchan. Y acaba todo con un fundido en negro como el futuro de esa comarca. 

O que arde es la primera película en gallego que se proyecta en la sección oficial de Cannes, pero es la tercera vez que una película de Laxe participa en el concurso francés. 

En mayo de 2017 Óliver Laxe recibió el Premio de la Semana de la Crítica de Cannes por Mimosas. Es la película más taquillera y más vista en gallego, con más de 62,500 espectadores en los cines después de su lanzamiento, y más de 320,000 € recaudados, superando a Sempre Xonxa (1989) de Chano Piñeiro. 

La película se inspirá en los numerosos incendios que se han producido en Galicia durante varios años.En las primeras etapas del proyecto, la película recibió el título provisional de Aquilo que arde. La idea original era crear un falso documental sobre incendios, pero el proyecto se convirtió en una película de ficción que , según el director, hablaba sobre la desaparición de lo rural, que a menudo se acelera. por los fuegos. 

El equipo de producción de la película comenzó a buscar actores no profesionales en Navia de Suarna y eligió a Amador Arias, un guarda forestal profesional, y a Benedicta Sánchez, una mujer de 83 años en el momento del rodaje, como protagonistas. 


La película comenzó a rodarse en marzo de 2018, y sus locaciones incluyen varios lugares de los municipios de Cervantes y Navia de Suarna. Para poder grabar cerca del fuego, el equipo de rodaje tuvo que recibir entrenamiento físico y teórico por bomberos. Acompañaron a los bomberos en las tareas de extinción de incendios, formando una pequeña unidad bajo la responsabilidad del jefe de brigada.profesionales. A veces, el equipo tuvo que dejar de rodar para ayudar a extinguir el fuego. 

Todas las escenas de los incendios fueron filmadas con una cámara Super 16 y sin ninguna manipulación de la imagen, decidiendo tomar muchas escenas durante la noche para enfatizar la "belleza" del fuego. 

Su estreno comercial se realizó en 54 salas de 21 ciudades de Francia el 4 de septiembre de 2019, bajo el título Viendra le Feu y por el distribuidor internacional Pyramide Films. Fue lanzado en la versión gallega original con subtítulos. 

En Galicia tuvo dos estrenos. La primera se celebró el 29 de septiembre de 2019 en la Plaza de la Villa de Navia, en Navia de Suarna. La elección de esta ciudad se debió a la familia del director, ya que la madre de Laxe es de Vilela, parroquia de Son, además de ser uno de los lugares de rodaje. 

El segundo estreno tuvo lugar el 1 de octubre de 2019, en el Festival Curtocircuíto, en el Teatro Principal de Santiago de Compostela. 

El 12 de octubre de 2019, O que arde se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York dentro de la sección oficial. Laxe no pudo asistir a la presentación debido a la negativa de los Estados Unidos a otorgarle la autorización electrónica para viajar a este país, la ESTA. 

En el Festival de San Sebastián consiguió el Premio Film Commission para Óliver Laxe. En el Festival de cine internacional de Orense se llevó dos, Premio Galicia y Premio Especial del Jurado. 

En los Premios Goya , en lo que fue su gran escapate, consiguió el Premio a la Mejor fotografía (Mauro Herce ) y actriz revelación (Benedicta Sánchez) de sus 4 nominaciones entre ellas también a la mejor película y mejor director. 

En los Premios Feroz obtuvo 5 nominaciones, incluyendo mejor película Astor de Oro a la mejor película y Mejor guion Óliver Laxe y Santiago Fillol. 

En los Premios José María Forqué fue nominada a Mejor película y en los Premios Gaudí consiguió el Premio al Mejor film europeo y fotografía.

En su recorrido internacional ha participado en distintos festivales. En el Festival de Mar del Plata ganó el Premio a la Mejor película y mejor guion. En el Festival de Cine de Autor de Belgrado ganó al Mejor director (Óliver Laxe) y Premio Vlada Petric a la Secuencia más cinematográfica. 

En el Chicago Film Festival se llevó el Premio al mejor sonido ( David Machado) y en el Festival Internacional de Cine de Salónica se llevó dos, el de Mejor película , el llamado Premio Alexandre de Oro y Mejor actor (Amador Arias). También fue pemiada en el Festival Internacional de Cine de Hainan (china) se llevó el Premio del Jurado, "Coco de Oro" 

En cuanto a la crítica, esta ha sido en general muy ositiva. El crítico francés Thomas Baurez de la revista de cine Première describió la película como "incandescente y poderosa". 

Por su parte, el belga Fabien Lemercier de Cineuropa dijo de ella que era "Una película austera y muy potente sobre las fuerzas de la naturaleza" 

En The Hollywood Reporter, David Rooney calificó la película como "un trabajo hermoso y melancólico, con una sensibilidad generalizada". Y añade "Tarda un poco en encenderse pero acaba soltando llamaradas poderosas (...) Hay una distancia casi etnográfica en la mirada de Laxe, pero también una sensibilidad profunda". 

Guy Lodge de Variety destaca de la misma que "Analiza tanto la naturaleza como la naturaleza humana con la misma fascinación (...) Laxe realiza un estudio de un ecosistema que mantiene un equilibrio frágil y lánguido hasta que interviene un imprudente impulso humano." 

Peter Bradshaw en el diario británico de The Guardian escribe que "El drama de Laxe sobre un pirómano en la España rural es impresionante a nivel visual, pero desesperante a nivel narrativo (…) 

Ya en España Javier Ocaña en El País dijo de ella que "Pocas películas recientes poseen un inicio tan deslumbrante (...) Es el talento de Oliver Laxe. (...) Un cine contemplativo pero nunca redundante; ajustadísimo en cada plano, sin regodeos de grandilocuencia." 

Luis Martínez en El Mundo destaca que "Oliver Laxe deslumbra (...) Una obra irrefutable y mayor (...) prodigioso trabajo de fotografía de Mauro Hercé (...) una película de una belleza tan provocadora como hipnótica, a la vez apología y refutación del fuego." 

Por su parte, Quim Casas, responsable de la sección de cine de El Periódico destacó que "Laxe incrusta su relato en una ficción seudo-documental preñada de infinitos matices, de la contemplación rural a la imposibilidad de ser aceptado. (…) " 

Carlos F. Heredero en Caimán comentó que se trataba de "Un retrato hondo, conmovedor y empático de la vida diaria en la Galicia profunda (...) la mejor película de su autor y una de las obras más estimulantes vistas este año en la programación de Un certain regard [de Cannes 2019]" En esta revista Jonay Armas defiende que "El dominio narrativo de Laxe obliga a repensar el relato mítico también desde una crisis de las propias formas, como si el cineasta filmase en otro planeta. Si 'Mimosas' respiraba pasión, ahora 'Lo que arde' respira madurez." 

Oskar Belategui columnista de El Correo escribió que era una "Fascinante crónica del regreso de un pirómano a su aldea (...) es un deslumbrante artefacto que atrapa un modo de vida en extinción en la Galicia rural (...) dos maravillosos actores no profesionales" 


Marta Medina en El Confidencial confiesa que la película le parece una "Maravilla incendiaria (...) Los primeros minutos son de una belleza abrumadora (...) 'Laxe' es una de las voces del cine español con más personalidad, perspectiva y prospectiva (…) " 

Carlos Loureda en Fotogramas defiende que es "Una magistral sinfonía visual sobre el individuo (...) Ver ‘O que arde’ en una pantalla grande es asistir a una comunión con el séptimo arte." En esta misma revista Eulàlia Iglesias sostiene que la película "Arranca con una secuencia hipnótica (...) Unos personajes que rebosan autenticidad (...) Laxe consigue su película más accesible sin renunciar ni un ápice a la ambición artística que define su obra. (…) " 

Paula Arantzazu Ruiz de Cinemanía comenta que la "Aventura que se abandona a sí misma para arrasar con cualquier idea preconcebida, con cualquier juicio temprano, sobre el fervor emocional de las personas (...) un poema en combustión. (…) " 

En Argentina Diego Batlle de la web argentina OtrosCines.com sostiene que es "Un ensayo sobre la melancolía, el dolor y la pérdida que alcanza momentos de belleza sublime gracias a los aportes del fotógrafo Mauro Herce. (...) " 

Por su parte, Diego Lerer de MicropsiaCine.com escribe que se trata de " Una película sutil, poética y con una enorme potencia audiovisual sobre la relación entre el hombre y los elementos." 

Juan Pablo Cinelli en Página 12 señala que "Lo que hace extraordinaria a 'O que arde' es la delicadeza poco usual con la que Laxe construye una cosmogonía que da cuenta de un orden y un equilibrio." 

En México Alonso Díaz de la Vega de El Universal considera que "Laxe utiliza el clima y el color para sugerir una transformación justo antes de la desazón absoluta, y nos expresa, sobre todo, una pregunta que va más allá de la culpa y se interna a los misterios de la identidad." 

Por último señalar que estamos ante una película sencilla que no simple que afronta un tema complejo como la situación del mundo rural gallego desde la verosimilitud a través de lo que pudiera ser una película naturalista, sin filtro de artifico que ha conseguido con algunas de sus imágenes momentos mágicos , especialmente al principio y al final, momentos en el que el bosque en su soledad , en su destrucción y en su quema es tan protagonista como la vida aparentemente sencilla de Amador y Benedicta, nada más alejado de la realidad. 

A esto se suma la "lume" de un bosque y de una sociedad que arde. Alguna vez el director xeral de Montes de Galicia ha declarado que el 80 % de los fuegos forestales son provocados y que sobre el fuego en Galicia es «provocado por personas que saben cuándo y dónde hacer más daño» que buscan el «fuego pantalla» , es decir, fuegos con un fuego con mucha visibilidad , para ser visto y para generar «considerable alarma social» y añade que "el monte no arde si alguien no lo prende». Y una película como O que arde que habla de lo que no se habla no se ve , si alguien no la hace. Éste ha sido el éxito de Laxe, mostrar lo que nadie muestra; mostrar, una realidad, silenciosa y silenciada. Una buena y autentica película, sin artificios, con "lume".



El bosque infinito


 

Hace unos años estuve recorriendo los Estados Unidos. Realmente recorrí el oeste al centrar mi viaje en California, Arizona, Nevada, Wyoming y Montana, aunque también estuve en puntos del Estado de Nueva York y Nueva Jersey. Cuando se lo comenté a una compañera, me dijo ella que conocía principalmente el este del país por el que estuvo viajando especialmente en la zona cercana al Canadá. Recuerdo que me comentó que lo más le impresionó, aparte de algunas ciudades del este, eran los árboles, altos y la naturaleza frondosa. Estoy convencido de que si eso es así en la actualidad, o almenos, cuando ella fue, en el siglo XVII tendría que ser espectacular. 

Efectivamente los colonos ingleses y franceses que llegaban al nuevo continente se encontraban en esos espacios con un bosque infinito. Precisamente, ese el título que se le ha dado en castellano a la serie Barkskins, aquí presentada como El bosque infinito. 


La serie se basa en un bestseller del mismo nombre escrito por Annie Proulx, una obra que transporta a los espectadores a esta frontera salvaje de finales del siglo XVII. El resultado es una miniserie de ocho episodios que ha emitido National Geographic, creada por Elwood Reid , responsable que fue de otra, "The Bridge". Aquí ejerce de showrunner y productor ejecutivo aunque no está solo pues aparece acompañado de Scott Rudin por medio de su Scott Rudin Productions, responsable que fue de "No es país para viejos", Garrett Basch ("The night of"), Eli Bush ("Lady Bird"), David Slade ("Black Mirror: Bandersnatch") y la misma Anne Proulx, todos ellos con cierta trayectoria y solvencia en el mundo del cine y de las series. 


Annie Proulx es autora de ocho libros, incluida la novela "Atando cabos" y la colección de relatos cortos titulada "Close Range”. Entre sus numerosos premios cabe destacar un Premio Pulitzer, un Premio Nacional del Libro, el Premio Internacional de Ficción del Irish Times y un Premio PEN/Faulkner. La adaptación para el cine de su relato Brokeback Mountain, que apareció originalmente en The New Yorker, ganó el Premio de la Academia. 

El texto de El bosque infinito fue transformado en guion por Sheri Holman, Kseniya Melnik y Elwood Reid. 

Para el desarrollo de la misma han contado con directores como Lukas Ettlin, Daniel Attias, Darren Grant y David Slade, mientras que en la grandiosa fotografía están Gavin Finney, John Lee y James Hawkinson. 


La serie cuando con un elenco de peso en el que están presentes David Thewlis -al que conocemos de Harry Potter y Wonder Woman-) como el colono y terrateniente Claude Trepagny , Marcia Gay Harden cara visible en "The Newsroom" y en La favorita como la emprendedora tabernera viuda Mathilde Geffard, Aneurin Barnard cara visible en "Dunkerque" que aquí hace de inglés en territorio francés que busca a su cuñado en el papel de "Hamish Goames", James Bloor también reconocible en "Dunkerque" como un francés buscavidas en el papel de Charles Duquet, Christian Cooke que hace de leñador en el papel de Rene Sel, David Wilmot como el Alguacil Bouchard , Thomas M. Wright como el escocés viudo de una francesa Elisha Cooke, la rubia Tallulah Haddon que salió en "Black Mirror: Bandersnatch" como la trepa de Melissande, Kaniehtiio (Tiio) Horn como la indio Mari y la Lily Sullivan como Delphine y el nativo americano Zahn McClarnon como Yvon ue trabaja por la compañía. Junto a ellos están Matthew Lillard como Gus Lafarge, Domenic Di Rosa como el padre Gabriel, Eric Schweig como Jefe Tehonikonhraken y Leni Parker como Madre Sabrine.

La serie se ambienta en Wobik, un pequeño asentamiento francés en lo que hoy es la provincia canadiense de Québec en el ue la Compañía británica del Hudson tiene intereses comerciales y de ocupación. Mientras la Iglesia Católica envía sacerdotes jesuitas para convertir a los pueblos indígenas, Francia envía siervos contratados para poblar sus territorios, junto con las denominadas "Filles Du Roi" o"Hijas del Rey", mujeres jóvenes que deben casarse con colonos solteros asentados para formar familias y contribuir así a la prosperidad de las colonias. 

A Wobik llegan un nuevo grupo de franceses. Nada más acercarse al puerto ven a un grupo de indios iroqueses colgados a los que se han hecho responsables del incendio con el que se inicia la serie. Entre ellos están inmigrantes que llegan a Nueva Francia para trabajar durante tres años en servidumbre por contrato como castigo por delitos cometidos en otros lugares o como fuerza de trabajo. Es el caso de René Sel (Christian Cooke) un leñador, un piel de corteza, y Charles (James Bloor) es un ladrón que no tiene intención de cumplir su condena. 

En cuanto las mujeres que llegan son recibidos por una monja, la Madre Sabrina y con ella llegan unas señoritas que llegan en el mismo barco de inmigrantes que transportaba a René y Charles. Las mujeres están allí para ser preparadas como mujeres adecuadas y luego casadas como son Melissandre y Delphine. 

Este grupo dispar de marginados debe abrirse camino entre dificultades, intereses opuestos y lealtades en la encrucijada de la civilización en este nuevo espacio que es Nueva Francia de 1690, un capítulo, el primero, dirigido por David Slade. 

Tras ser entregados los trabajadores a Trepagny vemos que uno de ellos, Duquet escapa de la servidumbre por contrato y se encuentra a merced del vasto bosque. Por su parte la mujer del cantinero, Mathilde tiene la tarea de proteger a los supervivientes de la masacre del arroyo. 


Tras el asesinato de su marido por la conspiración que se vive en Mobik auspiciada por Cooke, Mathilde se hace cargo de la posada, mientras los "Filles" se preparan para el baile de emparejamiento. Trepagny se une a los hombres elegibles para una sesión de emparejamiento. Poco a poco los iroqueses van apareciendo en la zona y regresan a Wobik para recoger a sus muertos. 


Por su parte, Trepagny lleva a Melissande a la finca, la Dome. Por su parte, Delphine emprende un nuevo viaje con el granjero Pierre Gasquet que , finalmente, la repudia al ver una marca en la zona baja de su cuerpo. Más tarde, Mathilde persuade al jefe Bouchard para que restablezca su poder y autoridad en la zona frente a la ingerencia francesa. 

Más tarde, Trepagny es embarcado en una misión peligrosa frente a los iroqueses. Por su parte, el destino de Delphine cambia de rumbo tras ser descubierta en su esplendor por Cooke. La intervención de rescate de Trepagny y Bouchard acaba de mala manera con todos los sacerdotes que intervienen muertos e iniciando un levantamiento de los iroqueses contra los franceses. Por su parte, el que escapa es Sel que contempla la muerte del Gabriel. Igualmente, la lealtad de Cooke es puesta a prueba por las autoridades. Trepagny se salva por poco y en Wobik se reencuentra con Melissande. 


Por su parte, Mathilde anima a Delphine a entretener el interés de Cooke mientras Bouchard y las autoridades francesas es obligado a recuperar los cadáveres que han muerto en la refriega. En el último capítulo vemos que Melissandre sigue empeñada en los preparativos de una boda ahora que el otoño pone su fin. Pero además vemos que la decisión de Duquet de hacer un trato con el inglés Goames podría significar el final de Wobik. 


En el último momento vemos que , por un lado, los indios se lanzan aacabar con el asentamiento, mientras que , por otro, Trepagny que parecía muerto revive en lo alto de su atalaya y mira, supongo, el "El sol negro". 

El showrunner y productor ejecutivo de la serie Elwood Reid declaró que “El bosque infinito es una historia sobre la supervivencia y el afán por construir una civilización” y añade “Los colonos que han venido a buscar fortuna en el inmenso e implacable 'Nuevo Mundo' los forman pobres sin tierra, huérfanos sin hogar, puritanos religiosos, comerciantes codiciosos y mujeres jóvenes y pobres que esperan casarse para obtener tierras y dinero... todos persiguen sus sueños y deben enfrentarse a la cruda realidad en su intento de encontrar un lugar en ese nuevo mundo. Están en el bosque del mundo, una tierra oscura y despiadada habitada desde hace mucho tiempo por naciones indígenas que ven su llegada con desdén pero que comprenden que una alianza con estos recién llegados tan dispares es cada vez más necesaria para sobrevivir”. 

La serie cuenta una historia de exploración, aventura y de ambición en la que hay soñadores y luchadores. Algunos tienen una visión utópica del mundo, otros son rufianes, pero todos deben afrontar los riesgos de una nueva y peligrosa frontera. 

A medida que aumentan las tensiones, se forjan extrañas alianzas entre franceses e ingleses y entre estos y los nativos americanos , se intensifican las antiguas rivalidades territoriales y comerciales y se forman nuevas familias en contraposición a las riquezas naturales aparentemente infinitas y a los peligros ocultos de un nuevo continente americano. 

El bosque infinito es la lucha contra la naturaleza, contra la ambición y la supervivencia del más fuerte. La serie se puso en marcha en 2016 y se anunció en una rueda de prensa ante la Asociación de Críticos de Televisión que National Geographic se había asociado con Scott Rudin Productions para optar por los derechos de pantalla de la novela de entonces próxima publicación de Annie Proulx , Barkskins . 

El 3 de diciembre de 2018, se informó que National Geographic le había dado a la producción un pedido de serie para una primera temporada que constaba de ocho episodios. La serie fue creada por Elwood Reid, de quien también se esperaba que fuera productor ejecutivo junto a Scott Rudin , Eli Bush y Garrett Basch . 

El 10 de febrero de 2019, se anunció que David Slade dirigiría el episodio piloto de la serie y actuaría como productor ejecutivo. 

En cuanto a las críticas comentar que la serie ha tenido críticas mixtas. Para Inkoo Kang de The Hollywood Reporter la serie "Está llena de personajes intrigantes pero ofrece muy pocas razones para interesarnos por ellos" 

Sonia Saraiya en Vanity Fair escribe que está "Recomendada para aquellos a los que les gustaron los libros de 'Little House' tanto como 'Little Women'. No se la recomiendo a los que son quisquillosos." 

Allison Keene de Paste Magazine entiende que "Demuestra rápidamente que tiene suficientes extravagancias para compensar la oscuridad y mantenerme interesada".

Por mi parte decir que la serie me ha sabido a poco. Queda inconclusa, con muchos frentes abiertos, con elementos esotéricos o cátaros esbozados, pero poco definidos. A favor el espacio natural en el que se desarrolla y los grandes actores y actrices que participan. En su contra los múltiples frentes abiertos y casi ninguno cerrado. Espero que tenga continuidad con una nueva temporada. Hay que apostar por ella.