Mildred Pierce

Magistral película de Michael Curtiz del año mil novecientos cuarenta y cinco que le permitió a Joan Crawford llevarse el oscar a la mejor actriz por esta película. Basada en la novela de 1941 de James M. Cain, el autor entre otras de 'Perdición' aquí transformada en guion por Ranald MacDougall que introduce el tema del asesinato del segundo marido de Mildred fue producida para la Wagner por Jerry Wald siendo éste el primer papel protagónico de Crawford para Warner Bros. tras dejar la Metro-Goldwyn-Mayer. 

Contó con un importante presupuesto de $1.4 millones de dólares. La película fue filmada en un impresionante blanco y negro que fue responsabilidad de Ernest Haller y presenta un acertado montado con dos largos flashback que nos van relatando la historia en este caso realizado por David Weisbart. La película cuenta con la banda sonora de Max Steiner. 

La película que tiene tanto de cine negro como de melodrama está protagonizado por Joan Crawford, Jack Carson y Zachary Scott, además de Eve Arden, Ann Blyth y Bruce Bennett. 

Nada más comenzar la película vemos un asesinato. Se trata de Monte Beragon (Zachary Scott ) , el segundo marido de Mildred Pierce ( Joan Crawford) . A ella la descubrimos perdida paseando y deambulando por la ciudad. Parece incluso que se va a suicidar al asomarse con una baranda, pero un policía le invita a no hacerlo. 

Tras eso sigue deambulando llegando hasta el local de un viejo amigo. Se trata de Wally Fay (Jack Carson), antiguo socio de su primer marido y amigo personal de ella. Parece que él se siente atraído y no duda en irse con ella cuando ella propone ir a su casa cercana a la playa. Nada más llegar ella se insinúa, pone unas copas y le dice a su viejo amigo que la espere. Wally espera un rato pero la busca por la casa descubre que las puertas y ventanas están cerradas y , finalmente, antes de huir por la ventana tras romperla descubre el cuerpo del asesinado. 

Nada más salir a la calle es descubierto por la policía y el declara antes ellos que el segundo marido de la mujer con la que estaba ha sido asesinado. Poco después ella recibe la visita de la policía, pasando a ser interrogada por el Inspector Peterson (Moroni Olsen), aunque antes le dice que la sospecha recae en su primer marido , cosa que la niega. Sin embargo, el inspector declara al primer marido culpable del asesinato a Mildred, ya que poseía el arma, tenía un motivo y no niega el crimen. Mildred protesta, alegando que es demasiado bondadoso como para cometer el asesinato, y le revela su historia al agente en un flashback. 

Durante el mismo descubrimos a la mujer, madre annegada que intenta a cualquier precio subir en el escalafón social con su familia durante la Gran Depresión, para dar todo lo que pueda a sus hijas, Veda - la mayor- y Ray - la pequeña- . Ella cuenta cómo ha sido subida desde que se casó por primera vez hasta que los sacrifico todo por su hija, Vera. Mildred comenta con ella y Albert "Bert" Pierce (Bruce Bennett) eran un matrimonio infeliz. 

Tras la ruptura de Bert con su socio, Wally Fay, un agente inmobiliario, Mildred debe vender sus productos horneados para mantener a la familia. Bert acusa a Mildred de favorecer a sus dos hijas por las que anteponen todo, especialmente, el matrimonio. 

Su disputa se intensifica tras una llamada de la amante de Bert, Maggie Biederhof (Lee Patrick ), y , tras esto, se separan. Mildred conserva la custodia de Veda (Ann Blyth ), de 16 años, una niña malcriada y arribista, y de Kay (Jo Ann Marlowe ), de 10 años, una niña poco femenina a la que le gusta el beisbol. 

El objetivo principal de Mildred es proporcionar bienes materiales a Veda, quien anhela un estatus social alto y se avergüenza de que su madre se gane la vida cocinando para otros o trabajando como camarera. De hecho, Mildred oculta su otro trabajo como camarera, pero Veda descubre la verdad y trata a su madre con desdén. 

Mildred conoce a Monte Beragon, un playboy de la alta sociedad de Pasadena con una herencia casi agotada. 

Beragon es dueño del local que Mildred quiere comprar para un restaurante y siente un interés romántico por ella. 

Mientras ambos pasan el fin de semana en su casa de playa, Kay contrae neumonía y muere tras un viaje a Lake Arrowhead con Veda y Bert. Mildred canaliza su dolor hacia el trabajo y se dedica a abrir un nuevo restaurante. Con la ayuda de su amiga y exsupervisora, Ida Corwin (Eve Arden ) , el restaurante de Mildred triunfa. 

Wally ayuda a Mildred a comprar la propiedad, y pronto se convierte en dueña de una cadena de restaurantes por todo el sur de California. 

Mientras tanto, Veda se casa en secreto con el adinerado Ted Forrester por su dinero y posición, pero su madre se opone. Veda acepta disolver el matrimonio, pero afirma estar embarazada y exige 10.000 dólares (equivalentes a 192.000 dólares en 2024) a los Forrester. Veda confiesa con aire de suficiencia a Mildred que su embarazo es una farsa, quien rompe el cheque y la echa de casa. 

Bert, demasiado angustiado para contarle a Mildred la última aventura de Veda, la lleva al club nocturno de Wally, donde Veda actúa como cantante de salón. 

Tras ver a varios marineros del público silbarle a Veda con su disfraz sexy, Mildred le ruega que vuelva a casa. Veda se burla y dice que su madre nunca podrá darle el estilo de vida que merece. 

Desesperada por reconciliarse con su hija, Mildred convence a Monte de un matrimonio sin amor para mejorar su estatus social. 

El precio de Monte es un tercio de su negocio para que pueda saldar sus deudas. Veda, ansiosa por vivir su sueño de debutante, finge reconciliarse con su madre y se muda a la lujosa mansión de Beragon. 

Finalmente, el costo de mantener el estilo de vida opulento de Monte y Veda, y la turbia estratagema de Monte para conservar su parte del negocio mientras su esposa pierde la suya, lleva a Mildred a la bancarrota, obligándola a vender la cadena de restaurantes. 

Tras conducir hasta su casa de la playa para confrontar a Monte, Mildred encuentra a Veda en sus brazos. Veda le dice con desdén a su madre que Monte piensa casarse con ella después de divorciarse de Mildred, quien corre a su coche llorando tras dejar caer un arma que pretendía usar contra Monte. 

Cuando Monte le dice a Veda que nunca se casaría con ella porque es una "zorrita despreciable", ella le dispara con la pistola de Mildred. Veda le ruega a su madre que la ayude a ocultar el asesinato; Mildred accede a regañadientes. 

Harta de las fechorías de Wally —ayudar a Veda a chantajear a los Forrester, contratarla para cantar en su sórdido club nocturno, consentir las maniobras comerciales de Monte en su contra y hacerle constantes insinuaciones sexuales—, Mildred intenta culpar a Wally del asesinato atrayéndolo a la casa de la playa. 

La policía arresta a Wally cuando huye presa del pánico tras ver el cadáver de Monte. Aun así, el investigador le dice a Mildred que Wally no puede ser el asesino porque no tiene ningún motivo. En el presente, los detectives admiten que siempre supieron que Veda cometió el asesinato. Mildred intenta disculparse mientras su hija es enviada a prisión, aunque Veda afirma que se las arreglará. Mildred sale de la comisaría y encuentra a Bert esperándola afuera, quedando Veda como la que era: todo un bichaco.

El título provisional de Mildred Pierce era "Casa en la Arena" aunque en España se llamó "Alma en suplicio". Su rodaje comenzó el 7 de diciembre de 1944 y se rodó en Glendale y Malibú, California. 

Ralph Bellamy, Donald Woods y George Coulouris fueron considerados para el papel de Bert, y Bonita Granville, Virginia Weidler y Martha Vickers para "Veda". Debido a las restricciones de la guerra, se requirió el permiso de la Marina de los Estados Unidos para rodar en Malibú. 

En 1942, Joan Crawford solicitó su liberación de la Metro-Goldwyn-Mayer por mutuo acuerdo y se unió a Warner Bros. en busca de mejores papeles cinematográficos. Crawford hizo campaña para el papel principal en "Mildred Pierce", que la mayoría de las actrices principales rechazaron debido a la edad implícita al ser madre de una hija adolescente. Warner Bros. y el director Michael Curtiz inicialmente querían que Barbara Stanwyck interpretara el papel principal, pero ella lo rechazó. Al principio, Curtiz no quería que Crawford interpretara el papel, pues creía que no era la adecuada, pero aprobó su elección tras ver su prueba de cámara. 

Al principio, Curtiz y Crawford tuvieron desacuerdos en el set, con el productor Jerry Wald actuando como mediador. Con el tiempo, Curtiz y Crawford se hicieron buenos amigos y trabajaron juntos varios años después en Flamingo Road. 

Tras su estreno la película alcanzó una recaudación de $5.6 millones de dólares. Además de premiar a la Crawford en los Oscars , siendo igualmente ganadora en los National Board of Review Awards, fue nominada igualmente en los New York Film Critics Circle Awards, fueron nominados a mejor pelicula ( Jerry Wald como productor ) , mejores actrices secundarios ( Eve Arden y Ann Blyth), Ranald MacDougall al mejor guion y Ernest Haller a la mejor footografía. 

Las críticas contemporáneas elogiaron la actuación de Crawford, pero tenían opiniones encontradas sobre otros aspectos de la película. 

Una reseña en The New York Times afirmó que, si bien Crawford ofreció una caracterización sincera y, en general, efectiva, la película carece de la fuerza impulsora de un drama estimulante, y que no parecía razonable que una persona sensata como Mildred Pierce, quien construye una cadena de restaurantes de fabuloso éxito prácticamente sin nada, pudiera estar tan completamente dominada por una hija egoísta y avariciosa, que deletrea problemas con mayúsculas. 

En 1945, el crítico de cine y autor James Agee escribió en The Nation: «Una versión desagradable y gratificante de la novela de James Cain... Se intentó presentar a Mildred como noble cuando es simplemente idiota o, en el mejor de los casos, patética; pero con una atención constante, virulenta y deslumbrante al dinero y sus efectos, y con insinuaciones sexuales más auténticas de las que uno espera ver en las películas estadounidenses». 

Pauline Kael escribió: «La respiración agitada de la señorita Crawford fue certificada como actuación cuando ganó un Premio de la Academia por su actuación». Leslie Halliwell comentó que "La imagen de una mujer por excelencia, fotografiada con brillo y melancolía, con una estrella sufriendo en el lujo por la hija más ingrata de todos los tiempos." 

A William Brogdon, de Variety, le gustó la película, especialmente el guion, y escribió: A primera vista, la novela homónima de James M. Cain podría no sugerir material para cine, pero la limpieza ha dado como resultado una película de gran calidad, producida con maestría por Jerry Wald y dirigida con gran precisión por Michael Curtiz... El dramatismo es intenso, pero está tan bien manejado que nunca empalaga. Joan Crawford alcanza la cima de su carrera como actriz en esta película. Ann Blyth, como la hija, brilla dramáticamente en su primer trabajo como actriz. Zachary Scott saca el máximo provecho de su personaje como el villano de Pasadena, una actuación talentosa. 

Harrison's Reports escribió que Crawford realizó una "buena actuación", pero la historia "carece de convicción y las caracterizaciones principales son exageradas. Por ejemplo, el odio de la hija hacia su madre no tiene base lógica, por lo que debilita la historia". 

John McCarten, de The New Yorker, escribió: "Ciertamente, a pesar de su desorbitada duración (dura casi dos horas), Mildred Pierce contiene suficiente emoción como para sacudir incluso al cliente más apático... Es gratificante informar que la señorita Crawford ya no se ve tan frenética como antes. A pesar de las múltiples oportunidades de volverse loca como una madre de Caín, la señorita Crawford se mantiene sumisa y razonable, como la mayoría del resto de un elenco altamente competente." 

En esta misma revista David Denby comentó que "La actuación de Crawford es convincente e inteligente y la amargura parece genuina"; y en la edición de febrero de 2020 de la revista New York Magazine incluye a Mildred Pierce entre "Las mejores películas que perdieron el premio a la mejor película en los Oscar". 

En una reseña de 2005, Jeremiah Kipp, de Slant Magazine, valoró la película con una crítica mixta al decir que " Mildred Pierce es una basura melodramática, construida como un confiable caballo de batalla aristotélico donde los personajes han sembrado las semillas de su propia perdición en el primer acto, solo para tener revelaciones dolorosas en el clímax. Dirigida por el favorito del estudio, Michael Curtiz, en un estilo expresionista alemán que no encaja del todo con las playas y el sol de California, sino que establece el tono sombrío del cine negro doméstico, y con música de Max Steiner, con una grandilocuencia sensacional que resulta conmovedora incluso cuando no encaja con el ambiente más tranquilo y pensativo de las escenas individuales, Mildred Pierce está ejecutada profesionalmente y se mueve a un ritmo rápido. 

En 1978, la historiadora June Sochen argumentó que la película se sitúa en la intersección de los géneros de "llorón" y "mujer independiente" de las décadas de 1930 y 1940. Acentúa los puntos en común de ambos: las mujeres deben ser sumisas, vivir a través de los demás y permanecer en el hogar. 

En su libro de 1986, Guía para Fans del Cine, Danny Peary escribió: " [Mildred Pierce] es esencialmente una película de cine negro donde es una mujer, [Joan] Crawford, en lugar de un hombre, quien es guiada por una mujer fatal codiciosa, manipuladora y malvada —en este caso, su hija, [Ann] Blyth— por un camino fatalista lleno de engaños, dinero para codiciosos, asesinatos y fatalidad (solo que aquí se añade un final optimista). Al igual que las mujeres fatales clásicas, Blyth es el catalizador para que la protagonista moral revele rasgos no tan admirables; de hecho, Blyth personifica la codicia y la ambición sublimadas de Crawford, debidas a una educación en la pobreza. [Mildred Pierce] es también una "película de mujeres" típica, una telenovela sobre madres que sufren al estilo de Stella Dallas. Pero aquí tenemos el raro caso en el que pensamos que la madre es insensata por dedicar su vida a complacer a su hija, porque, a diferencia de las hijas de esas otras películas, que eran básicamente chicas imperfectas pero decentes, Blyth no merece la devoción de nadie." 

Añadió Peary que "La vacilante carrera de Crawford se salvó con su interpretación de Mildred Pierce, ganadora del Oscar, considerada por muchos como su papel por excelencia, que fusionó varios de sus personajes cinematográficos. Pero en realidad no es muy buena, interpretando cada escena con discreción. Su Mildred no es un personaje interesante, a pesar de su fuerza, a pesar de ser una mujer trabajadora/empresaria. Dado que es el tipo de mujer que atrae a perdedores insulsos como [Bruce] Bennett, [Zachary] Scott y Jack Carson, uno no puede quedar demasiado impresionado" 

Más recientemente Don Druker en el Chicago Reader escribió que "Crawford ganó un Oscar bajo la competente dirección de Michael Curtiz". 

En 1996, Mildred Pierce fue considerada "cultural, histórica y estéticamente significativa" y seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. 

En Gran Bretaña, Peter Bradshaw en las páginas de The Guardian comentó que "Por su control narrativo, su fotografía (...) y su cautivadora actuación principal de Joan Crawford, el thriller noir de Michael Curtiz es absolutamente apasionante". 

Para Angie Errigo en Empire comentó que "Quizá no sea arte o no tenga buen gusto, pero un melodrama tan vibrante no se puede hacer con mayor convicción (...)" 

En la BBC, George Perry comentó que "Es principalmente el éxito de Crawford y es uno de los regresos más destacados de la historia de Hollywood." 

Phil Hardy de Time Out destacó que "La novela de James Cain (...) cobra vida de forma inmaculada y sombría gracias a la dirección de Curtiz" 

David Parkinson de Radio Times lo que valoró fue el peso de "El guion de Ranald MacDougall retiene la agudeza de la novela de James M Cain (...) La interesante dirección de Michael Curtiz hace que la acción se mueva (...)" 

Ya en España Fernando Morales en El País señaló que se trataba de una "Magnífica combinación de cine negro y melodrama."; y En el Diccionario Espasa, Augusto M. Torres dijo de ella que era un "Clásico del cine americano"

Siempre nos quedará mañana

Cuando los italianos hacen buen cine, hacen el mejor. Esto es el caso de C' é ancora domani una maravillosa película italiana que emociona y divierte que es una muestra del mejor cine y se puede hacer en Europa. En ella, una producción en la que están presentes Wildside, Vision Distribution, Sky Italia, Netflix, Ministero della Cultura dieron vía libre a la actriz, guionista y en este caso, debuutante fdirectora, Paola Cortellesi para hacer una película que se centra en la historia de una familia, pero especialmente la de una mujer maltratada, humillada continuamente y que parece lo va a romper con su familia abandonando a su marido, pero al final nos sorprende a todos participando en las primeras elecciones en las que las mujeres italianas pudieron votar.

La protagonista es participante activa en aquel domingo 2 y el lunes 3 de junio de 1946, en las que fueron las primeras elecciones en las que pudieron votar las mujeres en Italia. De los veinticinco millones de electores 13 millones fueron mujeres. El 89% de ellas decidieron participar en las elecciones. Como dice Anna Garofallo "las mujeres se aferraron al voto" como si no hubiese un mañana. 

La película acaba con imágenes reales de la masiva participación femenina en Roma. Cambiaron el régimen político pues Italia pasó de ser una monarquía la de los Saboya a una República, su primera República. 

La película del año 2023 está dirigida por Paola Cortellesi que también participa como actriz la película fue todo un éxito en Italia, donde recaudó más de cinco millones de euros. 

Siempre nos quedará mañana es una cinta imprescindible, un canto a la libertad que muestra, a través del humor, la cruda situación de las mujeres italianas en la Roma de la posguerra, mujeres que allanaron el camino a las que vinieron después. 

La película es una ópera prima de la actriz Paola Cortellessi quien también protagoniza la película eh reinterpreta de forma esperanzadora, contemporánea y universal el cine del neorrealismo, poniendo en el centro a una mujer, madre, trabajadora y víctima de la violencia machista por parte de su marido. 

La protagonista es Delia, y la descubrimos al primer bofetón que le da su marido tras un "Buengiorno, Ivano". Delia está casada con Ivano, quien regularmente la golpea, y la somete a constante acoso y humillaciones; la pareja tiene tres hijos. Además Delia ha de ciudar del impresentable padre de Ivano que también le pone la mano encima y no la respeta. 

La hija mayor, Marcella, a punto de comprometerse, desprecia a su madre por la pasividad con la que sufre los abusos conyugales. 

La jornada de Delia se divide entre tareas domésticas, y diversos trabajos mal remunerados como costurera, remiendos de ropa interior , empleada doméstica, limpieza y aplicación de inyecciones en casa además de reparaciones de paraguas. 

Los únicos alivios son su amistad con Marisa, una verdulera ingeniosa y optimista, y Nino, por quien tuvo un tierno cariño en el pasado. Nino, mecánico y expartisano, le sugiere escapar con él a Lombardía en busca de mejores oportunidades laborales y vitales. 

Un día Delia encuentra en el suelo una fotografía. Reconoce rápidamente al protagonista y se le devuelve. Se trata de una foto familiar al soldado afroestadounidense William, quien le agradece ofreciéndole una barra de chocolate. Después de varios encuentros, William se ofrece a ayudarla al notar los moretones en su cuerpo. 

Además, Delia recibe una carta cuyo contenido no se revela y, aunque inicialmente piensa desecharla, decide conservarla. 

Mientras tanto, Marcella organiza su boda con Giulio, el joven vástago de una familia adinerada, los Moretti, dueño de una cafetería y heladería de la zona. Ivano apoya este matrimonio, intuyendo los beneficios económicos que podrían derivarse de él. 

Sin embargo, al presenciar un episodio en el que su novio, Giulio, amenaza a Marcella, si ella vuelve a pintarse para ir a trabajar, Delia comprende que su hija va a tener un matrimonio similar al suyo, en el que sería regularmente acosada y humillada. Con la ayuda de William, consigue arruinar los planes matrimoniales de la pareja, ya que convence al norteamericano en arruinar el negocio de los Moretti.

Aunque estaba decidida a escapar con Nino el 2 de junio, Delia se ve obligada a postergar sus planes cuando su suegro muere repentinamente esa misma mañana. Aunque intente ocultar la noticia a su familia, se ve atrapada en el velatorio y obligada a permanecer más tiempo en casa. 

Al día siguiente, antes de salir de casa, Delia le deja el dinero que había ahorrado a Marcella para que pueda proseguir sus estudios y se propone finalmente cumplir lo que había planeado: acude en secreto a las urnas para votar al referéndum sobre la república y elegir la Asamblea constituyente, su primera experiencia de voto, como para las demás mujeres de Italia. 

Habiendo perdido accidentalmente su tarjeta electoral en casa, encontrada primero por Ivano y luego por Marcella, se ve perseguida por ambos: Marcella le devolverá el documento válido a tiempo para emitir su voto. Al ver a Ivano dirigirse hacia ella, Delia piensa en salir corriendo, pero en el último momento se detiene y gira para mirarlo, imitada por las demás mujeres presentes, lo que hace que su marido se vaya. 

Esa es la historia de una mujer que lucha para sacar adelante a sus hijos como, en especial a Marcela para que no tenga que sufrir los golpes que a ella le toca percibir. Sin embargo, parece que esa terrible existencia va a cambiar cuando llega a casa una carta con un importante mensaje. 

La película fue presentada en la 18ª edición del Festival de Cine de Roma, compitiendo en la categoría Progressive Cinema - Visioni per il mondo di domani (tdl. ‘Cine progresivo - Visiones para el mundo del mañana’) como película de apertura del certamen y donde obtuvo dos premios, incluido el Premio Especial del Jurado y una mención especial como Mejor Ópera Prima. La revista Ciak d'oro la nominó al mejor actor (Valerio Mastrandrea), mejor actriz revelación ( Romana Maggiora Vergano) y mejor cartel.

Posteriormente recibió el premio a la Película del Año en los Nastri d'argento 2024. Allí la película obtuvo el récord histórico de nominaciones a los premios David de Donatello, veinte, de los que ganó entre otros,, los correspondientes al mejor ópera prima, guion, actriz y actriz secundaria. En el exterior fue premiada a la mejor película del año en el Festival del Cine de Göteborg

La película fue un éxito de taquilla en Italia, apreciada tanto por la crítica italiana como por la extranjera extranjera por la dirección y actuación de los actores Paola Cortellesi, Vinicio Marchioni, Valerio Mastandrea, Enmanuela Fanelli, Giorgio Colangeli o Romana Maggiora, y con una magnífica banda sonora a la que acompaña una selección de canciones de la época acertadísimas. 

La banda sonora fue realizada por Lele Marchitelli, y alterna composiciones originales con canciones ya existentes. Las canciones que aparecen son Aprite le finestre (Fiorella Bini), Calvin (Jon Spencer Blues Explosion), M'innamoro davvero (Fabio Concato), Irrequietezza (Lele Marchitelli), La lettera (Lele Marchitelli), Nessuno (Musica Nuda), Perdoniamoci (Achille Togliani), Nella città (Lele Marchitelli), La sera dei miracoli (Lucio Dalla), Ansia e dolore (Lele Marchitelli), C'è ancora domani (Lele Marchitelli), B.O.B. (Bombs Over Baghdad) (OutKast), A bocca chiusa (Daniele Silvestri), The little things (The Big Gigantic con Angela McCluskey), Swinging on the right side (Lorenzo Maffia y Alessandro La Corte), Tu sei il mio grande amor (Lorenzo Maffia, Alessandro La Corte y Enrico Rispoli). 

La crítica del país la elogió sobradamente. Paolo Mereghetti, en una reseña sobre la película para el Corriere della Sera, escribe que el trabajo de Paola Cortellesi es «definitivamente extraordinario» ya que las elecciones de dirección «intentan encontrar un equilibrio inesperado entre un tono realista y otro más ejemplar y didáctico», constatando en algunas soluciones cierta «ingenuidad», pero reconociendo que son «consecuencia de la ambición y la originalidad puestas en juego». El crítico afirma que la película pretende «ampliar el debate sobre Delia y las otras mujeres hacia una dimensión que ya no sea sólo individual, sino finalmente colectiva y social», añadiendo que, a pesar de abordar cuestiones «de violencia y maltrato», el proyecto «nunca los muestra en su crudo realismo».

Boris Sollazzo, de The Hollywood Reporter Roma, aprecia la capacidad de la directora para realizar «los planos, especialmente los más enfáticos y paroxísticos, de manera contraintuitiva, para subrayar la normalidad de un paseo o de una discusión», mientras que la fotografía y el montaje son «lo suficiente abruptos, siguiendo un lenguaje también visual de la época, aunque con rasgos y algunas soluciones de dirección modernas.»

Cristina Battocletti, de Il Sole 24 Ore, afirma que Cortellesi como directora «sigue la estela de un civismo que caracteriza toda su carrera», que demuestra «inteligencia también a la hora de hacer suya la lección de la Commedia all'italiana» y de personificar a «una máscara muy original en el sentido noble de la comedia del arte».

Alessandro De Simone de Ciak también escribe que la película se basa en el género de la comedia con una «valiente contaminación entre musicales, neorrealismo [italiano] y posmodernismo» y «en cierto punto, casi se inclina hacia las historias de detectives». El periodista subraya que aunque no todo resulte equilibrado, el guion «aporta un nivel cinematográfico superior» al proyecto, apreciando «los ritmos cómicos y todas las interpretaciones», especialmente las de Emanuela Fanelli, Paola Tiziana Cruciani y «la hermosa sorpresa» de Romana Maggiore Vergano.

​ Piera Detassis de Elle Italia considera que la película «obviamente mira con amor el neorrealismo pero es completamente contemporánea», calificándola de «convincente».

​Un comentario similar procede de Federico Pontiggia, de Cinematographe, que sostiene que la película «sabe maniobrar entre lo cómico y lo trágico y evocar sin demasiadas pretensiones el neorrealismo rosa, y por tanto la comedia italiana en los personajes humanos, en la decoración, en la clima sociocultural».

Gabriele Niola de Esquire, sin embargo, plantea algunas objeciones al éxito de algunas secuencias de la película, citando una escena que «intenta una difícil unión entre danza y violencia» y, «aunque su intención de contar las raíces de esa violencia es clara, en cualquier caso es torpe.» Sin embargo, el mismo periodista afirma también que, a diferencia de la «banalidad sin ideas de las comedias italianas», Siempre nos quedará mañana es «muy vivaz a nivel de la dirección» y «llena de ira», «como todos los mejores debuts».

​ Luisa Garribba Rizzitelli del HuffPost Italia cree que la película presenta «algo revolucionario y lleno de esperanza», ya que no está dirigida «a las mujeres [...], sino a sus compañeros, sus hermanos, sus padres, [que] no pueden evitar verse reflejados en la secuencia de episodios despiadados: el poder masculino excesivo desvirtuado por los privilegios de la cultura todavía patriarcal». Rizzitelli sostiene que Cortellesi «no muestra un tiempo pasado, sino el espejo de lo que todavía está ahí hoy» al imponer en el final de la película «a los hombres, precisamente, decidir de qué lado tomar, determinando su propia posición respecto a las luchas de feminismo.» 

En los Estados Unidos la crítica no fue tan unánime . Por ejemplo, Beatrice Loayza del The New York Times dice de ella que "A pesar de sus desalentadores paralelismos con la vida real, es un placer para evadirse"; y menos le gustó a Beandrea July columnista de IndieWire quien escribió malamente sobre ella al decirr que "El guion oscila desconcertantemente entre el dramatismo y el humor, recurriendo al sentimentalismo barato y a la comedia pesada para distraer la atención de su falta de profundidad". 

Por su parte,Ty Burr del The Washington Post comenta que es "Un éxito italiano pero un fracaso en inglés (...) Conmovedora, pero sin armonía (...). 

Para Abby Olcese quien escribe en la web rogerebert.com destaca que "Es la sencillez de la historia combinada con la excelencia de la realización cinematográfica, aunque a menudo resulte engañosamente simple, lo que hace que acabe funcionando (...)" . 

En la progresista revista Slant, Anzhe Zhang sostuvo que era "Una película sobre la violencia doméstica que resulta divertida gracias a números musicales coreografiados y momentos de un realismo mágico ligero (...)"; mientras que Alissa Simon de Variety destacó de ella que "Aborda temas serios incorporando al mismo tiempo un humor pícaro". 

En Europa gustó más como vimos en la crítica italiana. En Gran Bretaña , Allan Hunter de Screendaily escribió sobre ella que era "Un melodrama desvergonzado y a la antigua usanza se convierte en la historia más meditada de pequeñas victorias en el camino hacia el empoderamiento femenino". 

En The Times, Ed Potton, afirmó que era "Una película entretenida e inusual, pero no el clásico que se anuncia (...); y en The Guardian, Peter Bradshaw, destacó que era "Un drama de la clase obrera de la Roma de posguerra, rico e incluso escandalosamente sentimental. (...). En este mismo diario, Wendy Ide dijo de ella que era "Una tragicomedia empoderadora sobre una esposa maltratada en la Roma de la posguerra (...) Audaz y agridulce (...)". 

Más generoso en su crítica, Jonathan Romney del Financial Times dijo de ella que "Con un diseño meticuloso y un trabajo de cámara perfecto de Davide Leone, se trata de una película única, reflexiva, emocionalmente satisfactoria e inmensamente entretenida(…)". 

Ya en España, en la que tampoco obtuvo tanto impacto los críticos la valoraron positivamente en toda la prensa salvo en El País. 

Para Oti Rodríguez Marchante habitual de ABC "Más que la historia, lo que sorprende es la forma y el tono elegidos para su desarrollo, con decisiones de puesta en escena inesperadas y la excelente mano de la directora para no reamargar lo amargo (...)" . 

Elsa Fernández-Santos de El País la película no deja de ser una "Comedia dramática que, aunque peca demasiadas veces de almibarada, resulta eficaz y curiosa. Cortellesi introduce elementos musicales (...) que le permiten hablar de violencia de género con originalidad, pese a los desequilibrios" . 

En Cinemanía, Enid Román Almansa dijo de ellka que "Se necesita maestría, tacto y talentos como los de Valerio Mastandrea, Vinicio Marchioni y la hipnótica Romana Maggiora Vergano para narrar de manera tan justa y a su vez atípica historias tan delicadas (...)" . 

Y en Fotogramas, Juan Pando, destaca la labor de la directora y guionista ya que "Cortellesi reinterpreta, con un guion ágil, el cine neorrealista y la comedia alla’italiana en clave feminista. Los personajes están bien definidos (...) y la dirección artística y la fotografía, cuidadas. (...)  

Una película filmada por Davide Leone en blanco y negro, aunque negros son especialmente los temas tratados y abordados relacionados como la cultura patriarcal, la violencia de género y los derechos de las mujeres. Ha sido reconocida entre las mejores películas de 2023.lo dicho una película magistral. 

Orgullo de comanche

Película del año 1950 dirigida por un artesano como George Sherman que llevó por título original Comanche Territory siendo un western con elementos de comedia romántica. Forma parte de los más de 50 realizados por Sherman ("El gran Jack", 1971). 

Enmarca la acción en espléndidos paisajes naturales, tratados con devoción y admiración. Su grandeza envuelve y subraya el tono épico del relato. La imagen que ofrece de los comanches es respetuosa y digna. Se refiere a su arrojo, valentía y nobleza. Rodea de elegancia y solemnidad la figura del jefe comanche Quisima (Pedro de Cordoba).

Orgullo de comanche se encuentra entre los mejores huestes de la década de los años 50 gracias a la fotografía en términos de Maury Gertsman que supo plasmar en imágenes la belleza del territorio y del desierto rojo de Sedona en Arizona así como otros paisajes de este estado como Big Park, Little Park, Red Rock Crossing, Yavapai County. También se señala que se rodó igualmente en Kanab, Utah, pero el rodaje en exteriores tuvo lugar en la zona del Cañón Oak Creek de Arizona y sus alrededores. 

La fotografía de Gertsman ("Rifles de Bengala", Benedek, 1954), se sirve de la luz, el color, la composición y el dibujo para crear imágenes de concepción pictorialista de resonancias románticas. 

La película parte de un guión de Oscar Brodney res`ponsable que fue de "Música y lágrimas", A. Mann, 1954) y Lewis Meltzer, desarrolla un argumento de éste último. Contó con un presupuesto de serie B. siendo producido por Leonard Goldstein para la Universal, estrenándose en abril de 1950. 

La definición de caracteres se ajusta al modelo típico del género, con un héroe inteligente y hábil, un antiguo político abrumado por las contradicciones y una heroína de carácter fuerte, como corresponde al tipo de mujer emblemática de las pioneras en una tierra dominada por los hombres.

La música, de Frank Skinner ("Horizontes lejanos", A. Mann, 1952), ofrece una partitura orquestal, descriptiva y ambiental, que aporta pasajes de acción y románticos. Añade una bonita canción a cargo de O'Hara.  

La historia se contextualiza antes de la guerra civil, cuando en el territorio de los comanches se acaba de descubrir plata. Esta es la razón por la que se firma un tratado con los comanches que impide que los colonos acampen en territorio comanche, pero lo cierto es que al encontrar plata el gobierno ha enviado a Jim Bowie (Macdonald Carey) y a Dan'l o Daniel Seeger (Will Geer) a negociar un nuevo tratado que permita la extracción del metal precioso. 

Así pues el inicio de la película vemos como el jinete es atacado por una banda de comanches pero con la ayuda de un tirador que resulta ser el antiguo congresista por lo que logran escapar de ellos. Ambos logran un tratado amistoso con Quisima (Pedro de Córdoba), jefe de la tribu comanche. 

Bowie pronto descubre que los colonos planean un asalto a los comanches, todo instigado por la dueña de un bar de una pequeña localidad, el remoto pueblo de Crooked Tongue, en el que Katie Howard (Maureen O'Hara), y su hermano corrupto, Stacey (Charles Drake). 

Katie Howard junto a su hermano Stacey está al frente de los principales negocios de un pequeño pueblo con minas de plata próximas al territorio que dominan los comanches. Ambos han robado el tratado a Daniel Seeger y planean invadir las tierras comanches, sabiendo que es poco probable que una nueva copia del tratado llegue a tiempo para cumplir con una fecha límite clave. 

Bowie decide hacerse pasar por comprador de plata para averiguar quién está detrás del robo. Pronto, todo apunta a Katie, la pelirroja, enérgica pero atractiva. Y aunque al principio choca una y otra vez como Bowie, Katie acabará por enamorarse de Bowie y se vuelve honesta, pero podría ser demasiado tarde para evitar otra guerra indígena.

Dan, por su parte, se halla bien dispuesto a ayudar y como agente del gobierno está seguro de poder identificar a la persona que le robó el tratado por el olor de su perfume. Así que se pasa la primera parte de la película olfateando a todo el que se encuentra. Es el la principal ayuda del otro protagonista, Jim Bowie (Carey), acaudalado creador de los famosos cuchillos que llevan su nombre. Galante, como buen caballero de Luisiana, hábil en el manejo de su cuchillo. Uno y otro han de asegurarse del cumplimiento del tratado de paz con los indios. 

Una vez en el territorio descubre que los colonos plantean atacar a los indios para saquearles la Plata. Katie confiesa y le dice a Bowie que la codicia no es su motivación. Su verdadero objetivo es asegurar que los blancos se establezcan y prosperen en la tierra que sus antepasados lucharon con tanto esfuerzo por dominar. Él, a su vez, la convence de que lo está haciendo mal: que el gobierno necesita la plata y que violar el tratado solo conducirá a un derramamiento de sangre. Y así, Katie, cada vez más encariñada con Bowie, cambia de opinión. Su hermano se une —o más bien finge estar de acuerdo— con su nueva visión sobre cómo ayudar al territorio a prosperar. 

Katie Howards es, sin duda, la atractiva líder de los colonos. Cuando el cruel Stacey Howard (Charles Drake), un oportunista con planes para una mina ilegal de plata, decide incluso engañar a su hermana jugadora, tabernera y cantante, Katie (Maureen O'Hara), que, en un momento dado, decide respetar lo que viene en el tratado, no como se hermano que aprovechando la entrega de todas las armas que han hecho los de la comunidad decide conspiran para romper las relaciones con Bowie y los comanches. 

Dirigida por George Sherman la película está protagonizada por un McDonald Carey, interpreta a Jim Bowie, un famoso explorador que es enviado por el gobierno para llegar a un acuerdo con los comanches que les permita extraer plata de sus tierras. Le acompaña el político Dan Seeger, interpretado por Will Geer, que intenta renovar el acuerdo de gobierno por el que se prohíbe los colonos blancos establecer cargamento en territorio. 

Sin embargo, la propietaria del salón, Katie , interpretada por Maureen O'Hara conspira junto con su hermano Stacey , cuyo papel asume Charles Drake, para hacer fracasar la misión de paz tanto de Bowie como de Seeger. Cuando Katy se enamora de Jim Bowie y decide ser honesta, puede ser ya demasiado tarde. 

En marzo de 1949, la Universal anunció la realización de una película biográfica de Jim Bowie producida por Leonard Goldstein, probablemente protagonizada por Scott Brady como Bowie. La película se tituló originalmente The Bowie Knife. Fue la segunda película de O'Hara para Universal, tras Bagdad (1949), y la segunda película de su coprotagonista Macdonald Carey cedido por Paramount, tras South Sea Sinner (1950).El rodaje se pospuso una semana en agosto de 1949 para que O'Hara pudiera recuperarse de una laringitis.

Sobre el cuchillo Bowie comentar que, en contra de lo que se asegura en la película, no fue invención y base de la fortuna de Jim. Se trata de un cuchillo de caza, rústico, grande y, esta es su característica más singular, de doble y afilado corte. Es el arma de los colonos americanos desde mediados del siglo XVIII, este célebre cuchillo debe su nombre y su fama al duelo ocurrido el 19 de septiembre de 1827 en Natchez (Luisiana) entre James Bowie, comerciante y célebre aventurero, que, herido de varios disparos de pistola, consiguió acabar con sus contendientes a cuchilladas. Este y otros episodios contados por pioneros y vaqueros, asociaron al célebre cuchillo Bowie con la conquista y colonización del Oeste, de hecho hoy se halla plenamente integrado en la cultura norteamericana.

La importancia de llamarse Ernesto y la gilipollez de llamarse Eric

Visto hace unos meses parcialmente, hoy lo disfruto de nuevo en Canal Sur que ha tenido a bien realizar volver a emitor este documental llamado tal ciual, del año 2023, dirigido y escrito por César Martín Herrada para la Dexiderius Producciones Audiovisuales S.L. y Malas Compañías PC. que habla de Eric Jiménez, el batería de KGB, de Los planetas y sobre todo de Lagartija Nick durante 20 años consecutivos, y que ha recibido el premio el mejor batería alternativo español. 

En este documental eres Jiménez se presenta a sí mismo sin filtro recorre cuarenta años de su vida traslada batería. Su historia es la de un hombre que ha estado siempre en la cuerda floja entre ganar y perder, entre la vida y la muerte, entre la música y la locura. 

Se trata de un documental sobre la vida y los golpes del batería Eric Jiménez. Que nacido en Granada, la única ciudad del mundo con nombre de bomba, cuya madre regentaba la Pensión Penibética de la ciudad , que era la forma en la que el padre biológico de Ernesto y sus dos hermanos "pagaba" la pensión a esos tres hijos nacidos fuera del matrimonio. 

He leído que con 6 años su padre le apuntó con una pistola, dicen, aunque lo que realmente he concluido es que su padre no quería a ninguno de sus hijos. Ni siquiera recuerda su nombre. Con diez ingresó entró como cornetín en la OJE porque quería tocar el tambor. Sus mayores influencias musicales han sido la Semana Santa y su primera hostia, la que le dieron al nacer, quizás la más artística y la menos dolorosa. Se casó con dieciséis años. Poco más tarde empezó a consumir drogas para evadirse casi coincidiendo con su ingreso con 16 años en una banda de punk granaína, la KGB, como todo lo que había en Granada allá por los ochenta, magnífica y tremenda. Este fue su inicio en la música , pero los Dro hicieron todo lo posible para que aquello descarrilara. Pero el Sacromonte tiene su embrujo y allí confluían en las cuevas todos los que querían hacer música, así que enlazó con Antonio Arias de los Lagartija Nick, con quienes grabó junto a Enrique Morente el mítico disco Omega, , una fusión innovadora de flamenco y rock , donde debería haber muerto antes de los treinta. 

Durante cuarenta años ha golpeado la batería como la vida le ha golpeado a él, con todas sus fuerzas. Así que lo vamos conciendo por lo que cuenta y sobre lo que él dicen, Jota de los planetas, Miguel Ríos, Soledad Morente, Juan Codorniu, Florent y Gabriela Jiménez que han paseado por esta historia que filma Juan Pérez Fajardo y monta Pablo Barce en la que nos muestran un hombre que toca, que disfruta y que tiene la capacidad de tener un bar para bebérselo y que le pongan un solete - de Repsol- en la puerta. Ellos o cualquiera de sus antiguos compañeros son algunos de los artistas que acompañan con sus testimonios al que es uno de los mejores músicos de su generación y uno de los músicos que mejor ha golpeado la batería a lo largo de su vida con toda su fuerzas. A través de entrevistas y material de archivo vamos conociendo al músico, al padre, al hijo , al hermano, al bromista que habla con sorna e ironía permanente. 

El documental fue presentado en los festivales de Málaga, Dock of the Bay (premio del público) de San Sebastián, Alcances de Cádiz, Granada, In Edit., Sonorama o Festival Gigante y allí conocemos al mejor batería de rock y de la música independiente de nuestro país. Jiménez es autor de dos vibrantes y divertidos libros autobiográficos con Plaza y Janés, Viaje al centro de mi cerebro y Cuatro Millones de golpes.

Estrenado en 2023, el filme ofrece una mirada íntima y sin filtros sobre la trayectoria de este influyente músico granadino. El documental se caracteriza por su tono irónico y desenfadado, reflejando la personalidad de su protagonista. Más allá de ser una mera biografía, ofrece un retrato generacional de la escena musical granadina

Pánico en la escena

Desconocida película para mí de Alfred Hitchcock del año 1950 que llevaba por título Safety Curtain, aunque también  llevo por título Stage Fright , realizada en Gran Bretaña  para la Warner Bros junto a la First National Film y Transatlantic Pictures, apareciendo como productor el mismo director  cuenta con James Wyman, Marlene Dietrich, Michael Wilding, Richard Todd, Alastair Sim, Gloria Grahame, Kay  Walsh y Sybil Thordike.Incluso llega a salir una hija del director y la guionista, Alma Reville, Pat Hitchcock.

El guión se basa en una novela escrita en 1947 y titulada Man Running por Selwyn Jepson, aunque transformado en  guión por Whitfield Cook y adaptada por Alma Reville. 

El director de fotografía fue Wilkie Cooper, siendo director artístico Terrence Verity, el montaje fue de E. B. Jarvis, miéntras que la música fue compuesta por Leighton Lucas, siendo el director musical Louise Levy. 

Eve Gill (Jane Wyman ) es una aspirante a actriz en la Real Academia de Arte Dramático (RADA) de Londres. Ella es interrumpida durante el ensayo por su amigo Jonathan Cooper ( Richard Todd) del que parece estar enamorada, Jonathan Cooper, el amante secreto de la extravagante actriz de teatro y cantante, Charlotte Inwood (Marlene Dietrich ) . 

A través de un flashback, dice que Charlotte lo visitó después de matar a su marido; Ella llevaba un vestido manchado de sangre. Jonathan afirma que regresó a su casa para buscar otro vestido, pero fue visto por Nellie Goode (Kay Walsh ), la criada y ayudante "cockney" de Charlotte. Escapó de la policía y necesita ayuda. Eve lo lleva a la casa de su padre en la costa para esconderlo. 

La idea de Eve es llevarlo a un lugar alejado, a la costa o a la ribera de un río, lugar donde su padre, un hombre muy singular, el comodoro Gill (Alastair Sim ) se da cuenta , el momento de ver el vestido, de que la sangre en el vestido de Charlotte ha sido untada deliberadamente; Él y Eve creen que Charlotte incriminó a Jonathan. 

Sin embargo, un furibundo Jonathan destruye furioso el vestido y, con ello, la pista que evidencia su inocencia, la más útil. 

Tras ello y con el fin de descargar la culpa sobre Jonatham,  Eve, como buena amiga del sospechoso, decide investigar el asesinato por su cuenta.  

En ese punto comienza a investigar por su cuenta. Ella escucha a la ayudante y testigo ocular del supuesto criminal, Nellie Goode alardear de su nueva notoriedad en un bar. 

Mientras está allí, Eve conoce al inspector detective Wilfred O. Smith (Michael Wilding ), aunque ella desconoce su profesión y se hacen amigos. 

Luego Eve se hace pasar por reportera. Ella soborna a Nellie para que le diga a Charlotte que está enferma y presenta a su prima "Doris Tinsdale" como reemplazo. Utilizando sus habilidades de actuación, Eve se convierte en "Doris" y comienza a trabajar para Charlotte. 

Eve descubre que Charlotte está teniendo un romance con su manager Freddie Williams. Por su parte, Eve y "el inspector Smith se vuelven más amigables. Cuando Smith visita a Charlotte, Eve tiene que ocultar el hecho de que ella también es "Doris", la criada. 

Tras ello Smith hace una visita de cortejo a Eve y a su madre (Sybil Thorndike ) en su casa, donde el comodoro deja caer sutiles pistas de que Jonathan ha abandonado la casa junto al mar. 

A pesar de su condición de viuda, Charlotte continúa realizando su espectáculo musical en el West End. Jonathan llega a su camerino y le pide que lo acompañe al exterior. Ella le dice casualmente que no, pero él dice que todavía tiene el vestido manchado de sangre. 

La policía busca nuevamente a Jonathan y Eve lo ayuda a escapar. Se esconde en la residencia de los Gill en Londres. Él está agradecido con Eve, pero ella está empezando a enamorarse del detective Smith. 

Mientras ella va a una reunión a favor de la jubilación de los actores o sus huérfanos, Smith y Eve se besan en un taxi camino a la fiesta en el jardín de la RADA, donde Nellie Goode confronta a Eve y le exige más dinero por chantaje. Eve no tiene suficiente, por lo que llama a su padre que llega para darle más dinero a Nellie. Freddie Williams ve a Eve (pensando que es "Doris") y le ordena que ayude a Charlotte, quien cantará en el escenario dentro de una carpa. 

Durante la actuación, el comodoro Gill hace que un niño pequeño lleve una muñeca con un vestido manchado de sangre al escenario mientras Charlotte canta "La Vie en rose". Perturbada, Charlotte se derrumba, y "Doris" tiene que ayudarla. 

Al ver esto, Smith compara a Eve y al Comodoro, pero Eve proclama su verdadero afecto por Smith, así como la inocencia de Jonathan. Ambos convencen a Smith para que prepare a Charlotte. 

Una vez que el teatro ha cerrado, utilizan un micrófono oculto y "Doris" le dice a Charlotte que tiene el vestido manchado de sangre. Smith y sus hombres escuchan utilizando los altavoces del teatro. Charlotte admite haber planeado la muerte de su marido, pero dice que Jonathan realmente cometió el asesinato. Charlotte le ofrece a Eve 10.000 libras para que guarde silencio. Eva ve que la policía ha llevado a Jonathan al teatro, pero él escapa. 

Charlotte se da cuenta de que su conversación con Eve fue transmitida a los detectives y que será acusada como cómplice de asesinato. 

El detective Smith le dice al comodoro que Jonathan realmente mató al Sr. Inwood y que Jonathan había matado antes, aunque se libró con una declaración de defensa propia. Escondido debajo del escenario, Jonathan le confiesa a Eve que Charlotte lo llevó a matar a su marido. 

Su historia retrospectiva era toda mentira, y fue él quien untó más sangre en el vestido. Alude a matar a Eva para justificar una declaración de locura ante el tribunal. Eve finge ayudar a Jonathan a escapar, pero lo encierra en el escenario y alerta a la policía sobre su presencia. 

Mientras Jonathan es perseguido desde todas las direcciones y acorralado, muere al caer la cortina de seguridad del escenario.

Hitchcock se sirve de su particular sentido del muro y del suspense para involucrar al espectador en una trama llamada de trampa que se resuelve en los dos últimos minutos. 

Aunque Hitchcock había vivido y trabajado en Hollywood desde 1939, este thriller de misterio, mezclado con humor, se rodó en localizaciones de Londres. Los únicos miembros del reparto que no son británicos son las dos estrellas principales: Wyman y Dietrich.

El vestuario de Dietrich fue diseñado por Christian Dior, y la producción contó con una canción de Cole Porter, "The Laziest Gal in Town", interpretada por Dietrich de manera sensual. Dietrich también comienza una representación de "La Vie en rose" de Edith Piaf dos veces, la primera se escucha antes de un cambio de escena y más tarde su personaje no puede terminarla después de ser sobresaltada por un Boy Scout que le trae una muñeca manchada de sangre. Hitchcock le permitió a Dietrich un control de tomas sin precedentes durante el rodaje. Cuando durante el rodaje le preguntaron sobre su trabajo con la famosa Dietrich, controladora y técnicamente experta, Hitchcock respondió: «Todo está bien. La señorita Dietrich lo ha organizado todo. Les ha dicho exactamente dónde colocar las luces y cómo fotografiarla». Más tarde, como refleja Spoto, Donald (2000). Blue Angel: The Life of Marlene Dietrich ,comentó sobre Dietrich: «Marlene era una estrella profesional. También era camarógrafa, directora de arte, editora, diseñadora de vestuario, peluquera, maquilladora, compositora, productora y directora profesional».

Según la biografía de Dietrich escrita por su hija Maria Riva, Dietrich no sentía un afecto especial por Jane Wyman, quizá porque eran muy opuestas. Stage Fright recibió cierta publicidad adversa en su lanzamiento inicial debido al "flashback mentiroso" que se ve cerca del comienzo de la película. Sin embargo, algunos críticos de cine, incluidos los de Cahiers du cinéma, ven el flashback simplemente como una ilustración de la versión de los hechos de una persona: los hechos tal como los cuenta el personaje cuya voz en off escuchamos, lo que presumiblemente era la intención de Hitchcock. 

Hitchcock se dio cuenta de que la escena podría ser malinterpretada después de ver la película montada, pero era demasiado tarde para cambiar; Más tarde sostendría que fue uno de sus mayores errores. Alternativamente, el cineasta moderno y devoto de Hitchcock, Richard Franklin, lo describió como "cine de misterio casi de vanguardia". 

Como suele ser habitual hay un cameo del director. En Stage Fright, se lo puede ver a los 39 minutos de la película como un hombre en la calle que se gira para mirar a Eve mientras ella ensaya su discurso de presentación guionado para la Sra. Inwood. En el número del 4 de junio de 1950 de The New York Times, Hitchcock afirmó: En Pánico en la Escena, me han dicho que mi actuación es bastante jugosa. Me lo han dicho con cierta tolerancia, dando a entender que ya he alcanzado el límite de la improvisación como director en el sándwich cinematográfico. No es cierto. Puede que haya habido un MacGuffin en mi actuación, pero no una improvisación. La película tiene algunas tomas extra largas, que recuerdan a las que Hitchcock utilizó en La soga (1948) y Bajo Capricornio (1949), ambas películas producidas por Hitchcock para la Transatlantic Pictures en asociación con Sidney Bernstein y estrenadas por Warner Brothers. 

Howard Maxford, autor de The A–Z of Hitchcock: The Ultimate Reference Guide, señala que algunos aspectos del caso de Edith Thompson y Frederick Bywaters tienen similitudes con la trama de Stage Fright. 

El presupuesto de la película fue de $1.4 millones y en cuanto ingresos consiguió casi 2 millones de dóalres, unos $1.9 millones con lo que se ve que tuvo ciero éxito. 

En cuanto a la crítica Bosley Crowther, de The New York Times, escribió que Hitchcock «y sus guionistas se las han ingeniado para ofrecer a un excelente elenco de actores algunas cosas ingeniosas y entretenidas. Pero debemos advertirles discretamente que estas cosas, si bien son divertidas por separado, generan muy poco entusiasmo o suspense sostenido. Son simplemente una acumulación desenfrenada de episodios ingeniosos o coloridos, tendiendo mayormente a lo cómico, sin ninguna ansiedad real». 

Más o menos en la misma línea, Variety publicó una crítica más positiva, informando que Hitchcock "tiene un elenco selecto para poner a prueba, y no hay una mala actuación en ninguna parte. El diálogo tiene un propósito, ya sea para provocar una risa o una emoción, y el ritmo es bueno a pesar de los 110 minutos de metraje". melodrama que rara vez resulta más que moderadamente emocionante. El resultado general es un entretenimiento irregular que se prolonga demasiado para mantener vivo el interés de uno constantemente". 

Richard L. Coe de The Washington Post escribió que había "tantas personas y momentos encantadores" en la película "que es curioso que la película en su conjunto no sea mejor". 

El Monthly Film Bulletin escribió: "Stage Fright no carece de momentos efectivos, que nos recuerdan cómo Hitchcock una vez sobresalió en el melodrama simple con fondos ordinarios y naturalistas; pero gran parte de ella tiene la calidad pesada y corpulenta que hizo que La soga y en particular Bajo Capricornio fueran tan sin vida e irreales" 

Nada elogiosas fueron dos de las críticas. Las de Stanley Kauffmann de The New Republic describió Pánico en la escena como "abominable"; y las de John McCarten, de The New Yorker, coincidió, escribiendo que «la película no carece de toques cómicos, pero ninguno de sus episodios conecta estrechamente con el siguiente, y el resultado es decepcionante».