Hermanos Sherman y su compleja historia

Los hermanos Sherman siempre me han alegrado la vida, y lo peor es que yo he vivido sin saberlo, hasta hace unos años cuando comencé a interesarme por esto que es el mundo del cine. Estaban ya presentes en la primera película de la que tengo memoria, "El libro de la selva". Pero también en otras que disfruté de niño como la gran "Mary Poppins" o la enorme "Chitty, chitty, bang, bang" o ese viaje al Mississippi aventurero de Mark Twain como es "Tom Saywer" o "Huckleberry Finn".

Mientras veía esas y otras muchas películas,  y casi bailaba y cantaba nada más salir de la película, desconocía todo sobre a los autores de la misma, su fraternidad y, por supuesto, la rivalidad existente entre ellos producto de un conflicto interior y de caracteres más que del ego creativo que podía ser lo esperable.

Con el tiempo me enteré que los hermanos Sherman vivieron la época más creativa de los Estadios Disney y que acompañaron a el mismo Walt Disney en el último tramo de su vida personal y profesional.

Pero a través de este gran documental hecho por las dos ramas de descendientes familiares me he enterado de uno de los secretos a voces más conocidos de Hollywood: mientras los dos componían iban ensanchándose la brecha que , finalmente, los convertirá en hermanos totalmente distanciados. 

Lo cierto es que los hermanos Sherman, Robert y Richard, compusieron algunas de las mejores canciones del universo Disney pero no aplicaban los mismo mensajes fraternales o valores familiares de su música en sus hogares.

Hijos de uno de los compositores que darán lugar al sonido americano , junto a George Gershwin y Vincent Youmans , Al Sherman , un judío nacido en las cercanías de Kiev, hijo de un violinista de renombre, Samuel Sherman , que en 1909 decide marchar desde Praga con su familia, en donde vivían, hasta la ciudad de Nueva York.

Poco después su padre lo abandona y Al Sherman , con 16 años,  para entonces ya ha aprendido a tocar el piano y trabaja tocando en bandas.

A pesar de la separación de sus padres y la posición en la que se encontraba, Sherman mantuvo un gran respeto por Samuel y mantuvo un estrecho contacto con él hasta la muerte de Samuel en 1947. A pesar de la juventud y el escaso conocimiento del inglés, su talento natural para la improvisación de piano pronto le valió la reputación de ser el mejor pianista de " música ambiental ". Sus servicios para improvisar música inspiradora fueron buscados por la Biograh que por entonces tenía su sede en New York. Es allí donde conoce a su mujer , una actriz de cine muda , Rosa Dancis. Se casaron en 1923. Pronto en el matrimonio hay frutos como el hijo mayor de Al y Rosa Sherman, Robert Bernard Sherman , nació el 19 de diciembre de 1925 o su hijo menor, Richard "Dick" Morton Sherman nació el 12 de junio de 1928.

Ambos niños nacieron en la ciudad de Nueva York y , mientras el compone para buena parte de los artistas que triunfan , a veces, con sus canciones. Finalmente, cruzan el país y se instalan en Los Ángeles en una casa de Berverly Hills.

Desde ese momento cada uno descubre sus virtudes, Bob , se inclina por la escritura y Dick idolatra, mientras a su hermano. Sin embargo, la personalidad de cada uno se encamina hacia sitios diferentes con amigos diferentes. Samuel Goldwyn Jr. será el amigo del alma de Robert; pero no es eso lo que le abre la puertas de Hollywood ni del éxito; Dick, se encamina por la música.

Un hecho esencial de Bob es que será movilizado durante la segunda guerra mundial algo que le supone de por vida una cojera, pues es herido, sino que le hace vivir siempre de la amargura, siendo uno de los primeros soldados americanos en entrar en Dachau.

Tras ser herido vuelve a los Estados Unidos y se matricula en Literatura en Nueva York. Mientras Dick se dedica al piano, y llevan vidas paralelas. Tanto es así que Dick se casa poco tiempo después, aunque también se separará tras tener una niña y descubrir que su vida puede quedar muy limitada en lo profesional.

Tras eso comienza a colaborar con su hermano y aparecen los Hermanos Sherman. Robert y Richard Sherman comenzaron a escribir canciones juntos en 1951 y en ocasiones con diferentes compañeros de composición durante el resto de la década.

Escribieron la canción del título para el álbum Bright and Shiny de Doris Day , grabada en 1960 y lanzada un año después. En 1958 , Robert fundó la compañía de publicaciones musicales Music World Corporation , que más tarde disfrutó de una relación histórica con Wonderland Music Company , filial de Disney BMI .

Ese mismo año, los Hermanos Sherman tuvieron su primer top ten hit con " Tall Paul ", cantado por Mouseketeer Judy Harriet en el sello Surf Records y interpretado por la joven "Mouseketeer" Annette Funicello .

El éxito de esta canción atrajo la atención de Walt Disney, quien contrató en contadas ocasiones a los Sherman Brothers como compositores de Walt Disney Studios.

La primera canción que escribieron en la asignación personal de Walt Disney fue "Strummin 'Song" en 1961. Se usó en la película para televisión de Annette Funicello llamada The Horsemasters . La primera canción que los hermanos Sherman contribuyeron a una película de Disney fue "Medfield Fight Song" de la película The Absent-Minded Professor (1961).

Mientras trabajan para Disney, Walt tiene la ocasión de presentarle un proyecto que interesa al jefe. Se trataba del libro Mary Poppins. Los hermanos selecciones algunos capítulos de la obra y presentan a Walt un proyecto.

A Walt le encanta y los contrata, pero todavía faltaba un pequeño gran detalle: los derechos de autor de la escritora británica, vista en Mrs Banks.

Mientras el proyecto cuaja, Disney encarga a los Hermanos Sherman partituras musicales para sus películas, pero para otros eventos. Es el caso de " Es un mundo pequeño (después de todo) ", para la Feria Mundial de Nueva York de 1964 . Desde entonces, algunos han afirmado que esta se ha convertido en la canción más traducida e interpretada en la Tierra, aunque esto se debe en gran parte al hecho de que se reproduce continuamente en las atracciones del mismo nombre del parque temático "Es un mundo pequeño" de Disney .

En 1965 , los Sherman Brothers, tras mucho trabajar en lo musical y en las letras, y en lo diplomático con la escritora presenta su proyecto con canciones como " Feed The Birds ", " Supercalifragilisticexpialidocious " y que resultan premiados con 2 Oscar de la Academia por Mary Poppins , que incluye banda sonora y mejor canción con " Chim Chim Cher-ee ".

Desde el estreno de Mary Poppins , los Sherman obtuvieron nueve nominaciones a los Premios de la Academia, dos Premios Grammy , cuatro nominaciones a los Premios Grammy y 23 álbumes con certificación de oro y platino. Esta entrega es la que abre el documental realizado por sus respectivos hijos y que muestran el inexplicable latente conflicto que terminó separando a ambas familias.

Desde ese momento aparece el pasado familiar de los dos hermanos, así como la distinta colaboración que hubo entre ellos , los artistas que llevaron y cantaron su trabajo como Julie Andrews y Dick Van Dyke (con los que trabajaron en "Mary Poppins"), el productor Roy E. Disney, sobrino de Walt, los también músicos John Williams y Stephen Schwartz, y el crítico e historiador de cine Leonard Maltin, actores que están presentes en la producción como Ben Stiller como productor ejecutivo, actuales directores de la factoría de los sueños como John Lasseter, así como otros muchos.

"Intentamos guardar las apariencias durante 50 años" señala Richard Sherman sobre el desconocido conflicto que terminó separándoles y que nos es presentado a través del este documental dirigido por Gregory V. Sherman y Jefrey "Jeff" Sherman, primos e hijos respectivamente de Richard y de Robert, que repasa la historia de los oscarizados músicos y en el que están presentes las productoras de Walt Disney Pictures , Crescendo Productions , Traveling Light Partners y Red Hour Films Gregory Sherman y Jeffrey Sherman relantan como a pesar de su relación y las décadas de colaboración profesional de sus padres, los dos nunca se encontraron hasta la edad adulta.

Las dos familias de Sherman vivían a poca distancia la una de la otra, en Beverly Hills, pero solo los hermanos-compañeros tenían algún contacto entre ellos. Las esposas y los hijos no tenían ningún tipo de relación, no pasaban cumpleaños, días festivos, vacaciones u otros eventos familiares juntos.

Y a pesar de su asociación profesional altamente productiva (y ninguna animosidad personal perceptible entre ellos), Bob y Dick Sherman trabajaron juntos durante largas horas diarias, semanales y anuales, pero no tuvieron contacto fuera de su trabajo.

Esta inusual relación familiar es el punto focal de la película que vino a llamarse en España La historia secreta de los hermanos Sherman y en su versión en inglés The Boys: The Sherman Brothers' Story. Por el documental salen Jim Dale, Micky Dolenz Karen Dotrice, Samuel Goldwyn Jr. , Bruce Gordon, Sheldon Harnick , James Jensen , Jeff Kurtti , John Landis , Angela Lansbury , que interpretó buena parte de sus canciones, Gavin Lee, Wendy Liebman, William Link , el músico y productor Kenny Loggins , Cameron Mackintosh , Leonard Maltin, James Mathers, Pamela Ann Melroy , el compositor Alan Menken y su colega Randy Newman , Hayley Mills , Chris Montan , Robert Osborne , la actriz y cantante Debbie Reynolds, Ron Sadoff, Thomas Schumacher, Stephen Schwartz así como Tracy Sherman , Jon Turteltaub , Tony Walton , la actriz Lesley Ann Warren que debutó en el cine con una canción de los Sherman, Johnny Whitaker y Maury Yeston, y muchos más .
Lo cierto es que impresiona saber que los hermanos Sherman (Robert y Richard) son autores de muchas de las canciones más famosas de Disney; además de las citadas, las de Winnie the Pooh, The Slipper and the Rose, La película de Tigger , La bruja novata o ya para el productor británico Broccoli , Chitty Chitty Bang Bang.

Sin embargo, tras décadas de trabajo juntos, terminaron enfrentados. Nos enteramos que en 2001, Robert, después de la muerte de su esposa, trasladó su residencia a Londres, coincidiendo con la apertura de Chitty Chitty Bang Bang en el Palladium de Londres el teatro en 2002. Desde ese momento Bob se entregó casi por completo a la pintura.

En 2004 Mary Poppins también abrió en Londres en el Teatro del Príncipe Eduardo. Los hermanos colaboraron en nuevos materiales para los proyectos.

En 2005 y 2006, respectivamente, Chitty Chitty Bang Bang y Mary Poppins se estrenaron en Broadway (Nueva York).

En 2008, tal y como vemos al final del documental,  los hermanos fueron homenajeados por el presidente estadounidense George W. Bush en la Casa Blanca y recibieron el honor más alto que el gobierno estadounidense da a los artistas o mecenas de las artes: la Medalla Nacional de Honor. En 2009 se presentó este documental rodado en Londres, en Los Ángeles y New York.

Después hubo más reconocimientos . En 2010 los hermanos recibieron una ventana en Disneyland en Main Street.

En 2011 los hermanos Sherman fueron distinguidos con el doctorado honoris causa por la universidad: el Bard College.

A pesar de que vivían en continentes diferentes seguían colaborando de vez en cuando en la promoción de nuevos proyectos musicales y así fue hasta 2012 , momento en qué Bob fallece en Londres.

En junio de 2018 la Academia de Hollywood homenajeó hoy a los hermanos Robert y Richard Sherman. Además de los Oscar obtenidos por Mary Poppins fueron nominados en múltiples ocasiones por Chitty Chitty Bang Bang (1969), a la Mejor canción original The Age of not believing de La bruja novata, 1971 así como a la mejor banda sonora por la misma. En 1974 lo fueron a la Mejor banda sonora por Tom Sawyer, en 1978 a la mejor banda sonora y a la Mejor canción original The Slipper and the Rose Waltz y en 1979 a la Mejor canción original When you're loved (La magia de Lassie).

La lista de éxitos del dúo se suman hasta éxitos musicales como el "You're Sixteen" interpretada por Ringo Starr en la década de 1970.

Tuvieron presente que Robert, había fallecido en Londres en 2012, y el receptor directo fue Richard, que acaba de cumplir 90 años. Este declaró que era "(...) algo realmente emocionante", a su llegada al Teatro Samuel Goldwyn, en Beverly Hills (California), donde fue recibido con una enorme cucharilla de azúcar y una vela (guiño a "A Spoonful of Sugar") por su cumpleaños. "No esperaba algo así. Estoy emocionado. Mi hermano está aquí en espíritu, igual que mis padres", añadió. El evento, que llevaba por título "The Sherman Brothers: A Hollywood Songbook", incluyó clips de algunas de las películas en las que trabajaron y actuaciones musicales a cargo del veterano Dick Van Dyke, Hayley Mills, Jordan Fisher y LeAnn Rimes, entre otros.

El niño Anthony González, de 13 años, que puso su voz al protagonista de "Coco", también intervino cantando el tema "Changes", del filme "Snoopy, Come Home" vinculado con Charlie Brown. Al acto también acudieron Karen Dotrice (la niña de "Mary Poppins"), el compositor Michael Giacchino o la actriz Lesley Ann Warren. "Es fantástico que la Academia les rinda homenaje. Son el emblema de una época dorada para los musicales. Son leyendas por derecho propio", indicó a Warren, que debutó en el cine en 1967 con la cinta "The Happiest Millionaire", donde cantó el tema "Valentine Candy", escrito por los Sherman.

A pesar de la fama conseguida con sus películas, el trabajo de estos hermanos que probablemente llegó al mayor número de gente fue "It's a Small World", la canción que crearon para la atracción homónima de los parques de atracciones de Disney.

Sin embargo, a mi , por un lado, me ha desconsolado ver los últimos encuentros y como el contacto en los mismos es mínimo. Es cierto, que ya la distancia tenía su peso, la separación entre ellos por la falta de empatía entre mujeres también pudo ser. Pero , el hecho, que parece más determinante en ese posible retraimiento de Bob en el mundo y por lo tanto ante su hermano fuese ese trajo amargo que vivió en su juventud, el vivir esa Segunda Guerra Mundial y ver el dolor y la brutalidad en el campo de concentración. Eso pudo estar presente en la distancia progresiva que hizo que Bob se alejara de un  Richard Sherman , que hoy sigue en activo y en agosto estrenó . o al menos así se anunció,  "Christopher Robin", otra película de Disney, para la que ha compuesto tres canciones.

De cualquier manera reconozco que hoy, una vez concluido el reportaje no he podido dejar de cantar y bailar sus canciones como ha comprobado - creo que con horror- alguno de mis ojos. Nunca sabemos lo que está detrás de una mente brillante, en ocasiones, la oscuridad o como dijera San Juan de la Cruz, la noche oscura del alma. Un documental que merece la pena ver y disfrutar, a pesar de la amargura que destila.

Ithaca

Javier Aparicio en Babelia, el apéndice cultural que tiene el diario El País , escribió que "William Saroyan supo cómo transmitir a sus lectores el optimismo en épocas tan trágicas como la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial". 

Y lo hace por medio de una prosa limpia y marcada por un inconfundible toque autobiográfico de este hijo de inmigrantes armenios, prueban su capacidad para pintar al ser humano y sus sentimientos. Si John Dos Passos eligió la crónica colectiva de los antecedentes de la crisis en su trilogía U.S.A. (1938), y Steinbeck transcribe con disciplinado naturalismo el épico y sórdido drama social en Las uvas de la ira (1939) , William Saroyan (1908-1981) -el autor de Mi nombre es Aram (1940) y de El joven audaz sobre el trapecio volante (1934) y La comedia humana (1943)- describe en cambio incontables estampas impresionistas de la vida diaria de los desfavorecidos, jóvenes vagabundos, jugadores, niños huérfanos como el propio autor, campesinos y buscavidas entre los que se encuentra él mismo, aprendiz de escritor y rousseauniano impenitente, incapaz de no inmiscuirse en las historias que narra porque en realidad le contienen. 

Saroyan fue un narrador precoz y compulsivo, entusiasta, capaz de escribir durante días enteros sin apenas borrar o corregir, como si le hubiera sido revelado que cada una de sus palabras aseguraría la redención del mundo. Su imaginario se asienta tanto en la idea de confraternización entre hombres de culturas remotas cuanto en una personal invocación al carpe diem. 

En su obra, la que nos ha traído hasta aquí, "La comedia humana" entreteje sentimientos primarios como el dolor, la bondad, la ambición, la dulzura o la soledad. Y para ello tira de sus recuerdos, de sus vivencia, como al protagonista de su película , él es huérfano, tanto los de su vida como los obtenidos en su localidad natal del Valle de San Joaquín de Fresno en California o como los textos llenos de frases simples y breves, como los telegramas que Saroyan tecleó durante años en la compañía de telégrafos de San Francisco. 

Lo primero, su trabajo como telegrafista, se verá reflejado de forma natural en su libro La Comedia humana lo segundo, su espacio vital, se transformará en su Ithaca. Una localidad ficticia que empezará a ser conocida en 1944 cuando sus calles sean recorridas por su protagonista, Homer, en un papel que encarnó Mickey Rooney en un filme que le hizo ganar a Saroyan no sólo el Óscar al mejor guión original, sino una popularidad insólita en un escritor de su tiempo. Y eso que lo hace a través de infaustos telegramas que siempre comenzaban con un destinatario / a que se encontraba con un terrible texto que decía que " "El Departamento de Guerra lamenta comunicarles el fallecimiento" 

Pues bien este libro y esta película oscarizaba servirán para el debut cinematográfico de la que fue en su tiempo considerada "la novia de América": Meg Ryan. 

Atrás quedó la cara divertida, despreocupa y simpática de una chica que despuntó casi orgásmicamente con “Cuando Harry encontró a Sally” , que se llevó en pantalla de maravilla con Kevin Klein en “French Kiss” de la que es productora, que se mostró como una mujer llena de coraje y determinación en “Prueba de vida” junto con Russell Crowe con quien mantuvo una breve relación sentimental rompiendo con su pareja Dennis Quaid, o sus colaboraciones con Tom Hanks en algunas comedias románticas como Joe Versus the Volcano (1990), Sleepless in Seattle (1993) por las que recibió nominaciones al Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical y con el que se reencontrará en 1998 con "Tienes un e-mail"dirigida por Nora Ephron y tras la que se publicó que «la química entre Hanks y Ryan es innegable». 

Pero llegó el nuevo milenio y Meg dejó de ser la novia de los americanos que parecieron ignorar su drama erótico In the Cut (2003), dirigido por Jane Campion o tras varias películas con peso femenino fue castigada públicamente con su primera candidatura al Razzie a la peor actriz por The Women. 

Desde 2008 parte de las películas por ella estrenada pasan directamente a no estrenarse en salas sino al mercado doméstico. Y aunque su cara es relativamente popular en las carreras políticas de genete vinculada con el partido demócrata, no es menos cierto que extrañas cirugías la hayan transformado tanto que sea difícil reconocerla físicamente hoy, con un extraño rostro y una delgadez casi enfermiza, cumpliéndose lo que se afirmaba en la obra de Miguel Hernández ¡Quién te ha visto y quién te ve! sombra de lo que eras. 

No tengo claro  si fue para relanzar su carrera o para demostrar otro lado en sus capacidades en 2016 Meg Ryan se estrenó como directora de cine con la película 'Ithaca', en la que por cuarta vez compartió pantalla con su amigo, el actor Tom Hanks, conocidos los dos como "la pareja de oro de las comedias románticas de los años 90". 

La elegida por ella y amparada precisamente por Hanks fue 'Ithaca', basada en 'The Human Comedy', la novela de William Saroyan de 1943, que fue Premio Pulitzer, que se inspiraba en el gran clásico del poeta griego Homero, "Odisea". 

Ithaca es un drama rodado en 2015 dirigida por Meg Ryan y escrita por Erik Jendresen , basado como hemos dicho en la novela de 1943 La comedia humana de William Saroyan . Estaba producida por Janet Brenner , Laura Ivey y el guionista Erik Jendresen y apoyada por las productoras Apple Lane Prods., Pilothouse Pictures, Playtone, Bron Studios que quisieron revitalizar la novela de Saroyan que ya había sido llevada al cine en 1944 y que era una reflexión sobre fragilidad de la vida en un mundo de extremos salvajes y circunstancias cambiantes. Señalar que como productores ejecutivos están Jason Cloth , Aaron L. Gilbert, Gary Goetzman, Robert Immerman y el ya citado, Tom Hanks. Contó con un presupuesto de 5 millones de dólares. 

Para desarrollar esta historia Ryan cuenta con la fotografía de Andrew Dunn, el montaje de John F. Lyons, el apoyo en el diseño de producción de Stephanie Carroll y la música de John Mellencamp. 

La película está protagonizada por los integrantes de una familia , los Macauley, integrada entre otros por los padres de la misma Meg Ryan como Kate Macauley , Tom Hanks como Matthew Macauley y sus hijos en la pantalla Alex Neustaedter como Homer Macauley, Jack Quaid como Marcus Macauley-hijo de Ryan y ex esposo Dennis Quaid - , Christine Nelson como Bess Macauley, Spencer Howell como Ulysses Macauley . Junto a ellos y con gran protagonismo Sam Shepard como Willie Grogan , Hamish Linklater como Tom Spangler a los que se suman en papeles menores Zachary Webber como Horse, Nick Williams como Texas, Lois Robbins como la señora Beaufrere, Robin Skye como la señora Brockington, Scott Shepherd como Corbett, Jacob Rodriguez como Shag, Gabriel Basso como Tobey George. Igualmente aparecen Emily Marie Palmer, Bridget Gethins, José Luis Muñoz, Spencer Howell.

La historia tiene como protagonista a un joven de 14 años Homer Macauley (Alex Neustaedter )al que le gusta montar en bicicleta y que está decidido a ser el mensajero de telegramas más rápido sobre una bicicleta que jamás se haya visto. Su familia acaba de sufrir una terrible pérdida, la del padre , Matthew, (Tom Hawks) que sigue estando presente en las visiones tanto de él como de su madre , Kate ( Meg Ryan). 

Ademas su hermano mayor, Marcus (Jack Quaid) se ha alistado y se ha ido a luchar en la guerra, dejando a Homer al cuidado de su madre viuda, y de sus hermanos, su hermana Bess (Christine Nelson) y su pequeño hermano Ulysses ( Spencer Howell) con sólo cuatro años. 

Así que durante el verano de 1942 el joven Homer, con 14 años, pero que dice tener 16, quiere trabajar como mensajero, para poder llevar algo de dinero a un hogar donde falta el padre. Y se ofrece a repartir los mensajes que salen de una empresa de telegramas, la sucursal local de Postal Telegraph, que todavía tiene a un viejo telegrafista al frente Willie Grogan (Sam Shepard ), y a un joven y soñador gerente Tom Spangler (Hamish Linklater ) para llevar a todos mensajes de amor, esperanza y pero también, y más en un momento de guerra de muerte . 

Por medio de flashbacks vamos viendo desde las visiones de su madre que todavía percibe la presencia del padre en la casa, al igual que le ocurre a Homer, pero también vemos como el hermano mayor, Marcus ( Jack Quaid ), emtabla amistad mientras que se desplaza con muchos de sus compañeros a servir en la Segunda Guerra Mundial , dejando a las familias preocupadas y pendientes de que no lleguen los dolorosos mensajes del Departamento de guerra, esos mensajes que comienzan con "Lamento comunicarle que...". 

Con la suma de todos ellos vemos el aprendizaje afectivo del ser humano y como se conforma a través de un viaje por un mundo de estados anímicos, simbolizados aquí por los mensajes que entrega a sus vecinos, lo que de algún modo explicaría los nombres homéricos de sus protagonistas (Homero, su hermanito Ulises), los ecos bíblicos (su padre Mateo, su hermano Marcos) en algunos pasajes próximos a la parábola y en cierta propensión a lo sentencioso. 

Homer, tras ser seleccionado y acabar un periodo formativo en la escuela en la que vemos que se ha enamorado de un compañera de clase y que compite afectivamente con otro compañero especialista en la prueba de obstáculos, Homer combina esas experiencias vitales y propias de su edad ( inlcuso la de competir en la prueba aunque no estuviese previsto por parte de sus profesores) con la entrega cartas que traen mensajes de amor, deseos por parte de chicas y chicos con sueños y dificultades , con lo que más hay en ese momento angustia, dolor y muerte, esperando que uno de ellos anuncie el regreso de su hermano. 

Las reflexiones de Homer no son las preocupaciones normales de los adolescentes (sexo, escuela, deportes), sino sobre todo conforme mejor se lleva con su gerente Spangler, más bien especulaciones y sobretodo con el viejo telegrafista Grogan, un veterano y profesional del cable, alcohólico y al que la empresa quiere sustituir por una máquina y que sabiendo el momento histórico en el que vive en los social y en lo personal quiere estar al pie del cañón el mayor número de horas combinado el trabajo con la bebido de alcohol y café del bar de enfrente, el de Corbett (Scott Shepherd ) con lecciones vitales al chico. 

Homer le lee a sus compañeros las cartas que Marcus le envía durante su traslado al frente del Pacífico y que además de cederle la propiedad de todas sus cosas le hace saber que ahora él es el hombre de la casa . Así que vemos como su ocupa y habla con su madre viuda (Ryan), su preocupa de su hermana Bess (Christian Nelson) que a su vez sale con Mary (la que ha de ser su cuñada) y como atiende a su hermano menor Ulysses (Spencer Howell), dotado de una curiosidad insaciable que a veces sale con Lionel Cabot, un chico nada despierto, capaz de hacer colar en el cine para pasar el rato. 

Por su parte, Homer simultanea su tarea de entregar a domicilio los telegramas recibidos con sus estudios en el colegio donde imparte clase la vieja profesora Hicks, que se duerme en clase intentando inculcar valores entre el alumnado. 

Desafortunadamente, el trabajo requiere que Homer envíe ocasionalmente mensajes que anuncien la muerte de soldados a sus familiares. A si pasa con el primer mensaje que ha de entregar y que llega ala Señora Rosa Sandoval (Lucia Scarano) quien al desconocer bien la lengua le pide que le lea el mensaje de la muerte de su hijo en el frente, algo que le provoca el vómito a Homer nada más salir de la casa, y que cuando él le cuenta a su madre sobre esta difícil tarea, ella responde con una advertencia de amor: "Te estás dando cuenta de un mundo en el que has sido un niño". 

Algo similar le ocurre cuando a de ir a una mansión , al de los Beaufrere, para dar a la madre (Lois Robbins) la misma noticia cuando está celebrando en casa una fiesta. Esa combinación entre la niñez, la adolescencia y la madures florece igualmente en tres soldados que invitan tímidamente a dos chicas locales (una de ellas, la hermana de Homer) a unirse a ellas para pasar una noche en el cine, la noche antes de que salgan. 

Mientras tanto, Marcus, el hermano mayor de Homer, se vincula con un compañero soldado, un huérfano llamado Tobey (Gabriel Basso), al que le regala historias de su familia en casa. 

Pero desgraciadamente Homer se irá convirtiendo en un mensajero de la Muerte incluso para su propia familia, una muerte que ya ha visto en una alucinación la propia madre, Kate, y que llega a la oficina local. 

Tras ser leída por Grogan este muere ante la máquina, siendo Homer el receptar de la mala noticia. Al desconsuelo por la muerte del hermano Marcus se suma las del viejo y a pesar de ser atendido con todo cariño por Tom Spangler , cumple con su deber de informar a la madre. 

Lo cierto es que poco antes de la llegada de Homer, Bess la hermana descubre que hay un soldado en la puerta. El soldado resulta ser Tobey quien anuncia la muerte del hermano, segundo después confirmada por el telegrama a los Macauley donde se comunica la muerte del hijo enviado a la guerra. 

La madre, con tranquilidad , abraza a su hijo y pide entrar en la casa a Bess y a Tobey, tras eso suena la coda musical que ha venido sonando cada vez que se anunciaba una muerte o situación dramática compuesta por John Mellencamp de clara inspiración irlandesa y se pone fin a la película. 

La película fue rodada no es Fresno , la ciudad californiana que inspiró a Saroyan en la novela de 1943 The Human Comedy, precisamente la novela que leía Ryan durante su proceso de divorcio de Dennis Quaid, sino en un par de ciudades de Virginia como Richmond y Petersburg en los meses de verano de 2014 y algunas escenas de apertura de la película se filmaron en el Western Maryland Scenic Railroad. 

La película distribuida por Momentum Pictures tuvo su estreno el 23 de octubre de 2015 en el Festival de Cine de Middleburg y comercialmente casi un años más tarde, el 9 de septiembre. 

Como producción decir que fue el 29 de enero de 2014, cuando se anunció que Meg Ryan dirigiría Ithaca , una película basada de William Saroyan , con Ryan, Sam Shepard , Hamish Linklater y el hijo de Ryan, Jack Quaid. 

El 25 de junio de 2014, Tom Hanks se unió al elenco. John Mellencamp , el ex novio de Ryan, escribió la partitura completa de la película. "Ninguna nota [en Ithaca ] es otra cosa que no sea Mellencamp. Él hizo todo", declaró Ryan después de una proyección de la película en el Festival de cine Bentonville de Geena Davis , Ryan dijo: "La música es muy hermosa. John Mellencamp escribió cada nota, todo, las diminutas gotas de agujas que escuchas en la parte posterior. Escribió alrededor de la mitad después de que le leí el guión, y luego la siguiente mitad después de ver la película. Es simplemente increíble ". Además de la partitura, Mellencamp escribió dos canciones originales para Ithaca : "Sugar Hill Mountain" (cantada por Carlene Carter ) y "Seeing You Around" (cantada por Leon Redbone ). "Sugar Hill Mountain" es una canción popular impulsada por el violín que describe un lugar idílico donde hay "chicles y árboles de cigarrillos", no hay relojes, todos los días es primavera, y todo lo que necesitas es "gratis". Mientras tanto, "Seeing You Around", que tiene un gran volumen de piano, tiene el sonido de un estándar de la década de 1940 (el período de tiempo en el que se desarrolla la película) y su sonido más auténtico de los años 40 se debe a las voces ásperas y barítonas de Redbone. La cantante Carlene Carter declaró en 2015 que " John Mellencamp y yo nos conocimos fue cuando él me invitó a cantar esta canción que había escrito para la película que Meg Ryan había llamado Ithaca . Fue entonces cuando nos hicimos amigos, cuando fui a Indiana. y grabé con él y los chicos esta canción realmente genial llamada 'Sugar Hill Mountain' que está en la película. Y la película es maravillosa. Pudimos ver un corte y me impresionó mucho "La partitura musical folk, apropiada para el período de John Mellencamp, es efectiva y evocadora a lo largo de "Ithaca", pero especialmente durante la escena final, una coda perfecta y sólida". 

En cuanto a la crítica Duane Byrge en The Hollywood Reporter declara que "Un debut en la dirección de Meg Ryan sentido, pero saturado. 'Ithaca' es farragosa y estática" .

Joe Leydon en Variety escribe que "Ithaca" se desarrolla a un ritmo constante que, a decir verdad, hace que la película parezca más larga de lo que es. Peor aún, el tiempo de pantalla no se distribuye de manera justa: algunos personajes interesantes no son lo suficientemente frecuentes, mientras que otros o bien se quedan más de lo esperado o no son bienvenidos en absoluto. " 

Una vez vista decir que Ithaca es una película sensible , pero nada impactante. Es el sentido narrativo es bastante plana y sólo busca la emoción fácil. Extraña en ella la aparición de escenas oníricas vividas tanto por Kate como por Homer que , en gran medida, son premonitorias y que nos adelantan acontecimientos. Posiblemente lo más interesante es el relato presente en el libro que nos deja de ser una historias de adolescentes que descubren el mundo adulto a través de la mirada del telegrafista y de la madre, pero que nos es narrada en una voz en off, en la que hay presentes radios de fondo, noticieros, lecturas en voz alta y otros ruidos que ayudan a esos monólogos internos llenos de cuestiones filosóficas.

Un nuevo mundo

He tardado en verla, pero lo he conseguido. No se lo que tenía, pero he tenido ocasión de verla en varias ocasiones, y siempre la aparcaba. Creo que Terrence Malick es mucho director para verlo con poco tiempo.

También - no se si es casualidad o no- , me he topado con unas imágenes iniciales en la películas que me han remitido al director  Kaul y su manera de filmar el agua, aunque puede ser que estoy todavía afectado en positivo por su film documental Before the eyes. 

La película que he visto es El Nuevo Mundo, una película del año 2005, que nos muestra la llegada de los  ingleses a tierra americana , así como la posterior fundación de Jamestown (Virginia), una historia conocida por una versión animada , la historia de Pocahontas que vimos en el año 1995 y su relación con John Smith. Por cierto, una historia de la que muchos historiadores dudan de que la historia de amor entre John Smith y la nativa norteamericana sucediera de verdad.

De acuerdo con el relato “oficial”, la hija del jefe de los powhatanes, una tribu de Virginia, se lanzó al cuello de Smith cuando este se hallaba a punto de ser ejecutado. Esta anécdota surge de la Historia general de Virginia (1627), donde el propio explorador cuenta su salvamento in extremis, pero dos cartas suyas anteriores, redactadas en 1607 y 1612 y el suceso habría ocurrido en 1607, al principio de la colonización británica de Estados Unidos. Pocahontas en realidad se llamaba Matoaka; Pocahontas era un apodo que significaba “niña traviesa” o “maleducada”.

Según los actuales descendientes de los powhatanes, el colono (luego primer presidente de Virginia) incluso disgustaba a Pocahontas, que tenía doce años por aquella época. Otros creen que el simulacro de ajusticiamiento constituía un rito habitual entre ciertos pueblos nativos americanos. Sí se sabe que la hija del jefe fue apresada cinco años después por los británicos, mientras hacía una visita de cortesía al asentamiento de Jamestown.

Entonces surgió el amor, aunque de manera unilateral: el plantador de tabaco viudo John Rolfe quedó prendado de la prisionera y le propuso casarse cristianamente con él para ser liberada. A partir del enlace, Pocahontas pasó a llamarse Rebecca.

En 1616, el matrimonio y su hijo Thomas viajaron a Inglaterra para demostrar la buena relación entre nativos y colonos en ultramar. Eso sí, la joven powhatan murió en 1617 en Gravesend, localidad a donde fue trasladada enferma desde el barco que iba a llevarla de regreso a su tierra.

Dirigida por el realizador Terrence Malick, se trata de una producción de Sarah Green y en la que están presentes las productoras  New Line Cinema - también en la distribución- , así como Sunflower Productions, Sarah Green Film, First Foot Films y The Virginia Company LLC.

La película responde a un guión del mismo Malick y cuenta con la música de James Horner , la fotografía de Emmanuel Lubezki y el montaje de Richard Chew , Hank Corwin,  Saar Klein y Mark Yoshikawa.

Sus protagonistas son Colin Farrell, como el Capitán John Smith, y Q'Orianka Kilcher, como Pocahontas o Matoaka, o Rebecca Rolfe, al gusto de cada uni. Junto a ellos aparecen el veternao  Christopher Plummer como el Capitán Christopher Newport,  Christian Bale como John Rolfe , August Schellenberg como el jefe Powhatan (Wahunsonacock) , Wes Studi como Opechancanough,  el alguacil David Thewlis como Edward Wingfield,  Yorick van Wageningen como Samuel Argall , Ben Mendelsohn como Ben , Raoul Trujillo como Tomocomo , Brian F. O'Byrne como Lewes , Irene Bedard como la madre de Pocahontas (Nonoma Winanuske Matatiske) , John Savage como Thomas ,Savage,  Alex Rice como la esposa de Patawomeck , Jamie Harris como Emery,  Janine Duvitski como Mary , Thomas Clair como Patawomeck (Japazaws) , Michael Greyeyes como Rupwew , Kalani Queypo como Parahunt , Noah Taylor como Selway , Ben Chaplin como un fugaz Robinson , Eddie Marsan como Eddie , Billy Merasty como Kiskiack  y Jonathan Pryce como el rey James  y Alexandra WB Malick como la reina Anne.

Estamos en el año 1607 , año en la que la London Virginia Company inglesa fleta tres barcos con el objetivo de buscar tesoros en los nuevos territorios de América. Allí llegaron los tres tras una larga travesía a la bahía de Chesapeake.

Testigos de la llegada son una chica nativa, Pocahontas , la enérgica y aventurera hija del Jefe Powhatan , y otras hombres  de su tribu que  presencian la llegada de tres barcos enviados por la carta real inglesa para fundar una colonia en el Nuevo Mundo en la bahía.

En la bodega de uno de los barcos en el que va el capitán de la expedición el Capitán Christopher Newport (Christopher Plummer ) vemos a un soldado profesional encadenado y que se ha embarcado voluntariamente, pero de carácter rebelde que viaja en calidad de detenido y presto a ser ejecutado.Es el Capitán John Smith , inicialmente , está sentenciado a muerte por ahorcamiento por sus  comentarios.

Sin embargo, antes de ser ahorcado ese soldado  , que es el Capitán John Smith (Colin Farrell) es salvado in extremis e indultado por Newport,   , el líder de la expedición, a pesar de la hostilidad que le muestra el alguacil Edward Wingfield ( David Thewlis ).

Tras eso , y a orillas del río James, fundan la ciudad de Jamestown. Se ve que el interés de gran parte de ellos es la búsqueda del oro, que no aparece.

Inicialmente, se abre un pozo en el interior de un recinto que comienza a amurallarse con palos y a levantarse algunas dependencias.

Mientras tanto la población nativa está a la expectativa ante los recién llegado. Inicialmente se ocultan, pero poco después se personan ante los blancos. El encuentro entre unos y otros es de sorpresa ante el extraño aspecto entre ambos.

Entre los nativos americanos se encuentran Pocahontas o Matoaka (Q'Orianka Kilcher) , el jefe de la tribu que vive allí, los Powhatan , Wahunsonacock, (August Schellenberg ) padre de la anterior y uno de sus hombres Opechancanough (Wes Studi) que , en principio, aceptan la presencia de los barbados y metálicos blancos. 

Sin embargo, está expectación inicial termina cuando uno de los hombres llegados desde Inglaterra dispara sobre uno de los nativos, iniciándose desde ese momento las hostilidades.

Esto , en parte, arruina las perspectivas para el asentamiento que son inicialmente brillantes, ya que a lo dicho anteriormente se le suman las enfermedades, la mala disciplina, la escasez de suministros y las tensiones con los nativos americanos locales lo que pone en peligro la expedición.

El capitán Newport entonces encarga a John Smith que organice una expedición en busca de comida a través del río Chickahominy.

Newport, por su parte, anuncia que se marchará a Inglaterra para anunciar el asentamiento y traer nuevas expediciones.

Smith lleva a un pequeño grupo de hombres río arriba en busca de intercambios comerciales. Sin embargo, la expedición de Smith es atacada por los indígenas powhatan, que acaban con todos, salvo el propio John Smith, que es capturado y conducido prisionero a la aldea, en la que conocerá a la hija del Jefe Powhatan.

Después de ser interrogado, el capitán es casi ejecutado. Se libra cuando Pocahontas interviene y le salva su vida. La chica convence a su padre de que Smith es un hombre de buenas intenciones y que le deje vivir.

De paso esta princesa indígena intrigada por el inglés y sus maneras se enamora perdidamente del cautivo, quien es dejado en libre tránsito en el poblado y aprende las costumbres de los nativos. Smith, que irá a sumiendo el carácter sencillo y generoso de los nativos, llegando a admirarlos,  promete sólo quedarse hasta la primavera. En ese tiempo, Smith recibe un buen trato y se gana la amistad y el respeto de la tribu.

El jefe devuelve a Smith a Jamestown con la idea de que los ingleses partirán la próxima primavera, una vez que sus barcos hayan regresado.

Tras esa larga estancia en el poblado, y cuando todos sus compañeros le daban por perdido , John regresará a Jamestown. Nada más llegar descubre que el capitán Newport no ha retornado y que en el mismo se vive un desbarajuste absoluto, en parte, por la mala gestión de Edward Wingfield, al hambre de los colonos, a la envidia entre ellos. Descubre que la realidad de Jameston no puede ser peor y contrasta el espíritu que existe entre los hombres del nuevo mundo y los suyos.

Wingfield cuando vuelve a demostrar su carácter tiránico recibe  un disparo y John Smith es declarado capitán a la espera del barco. Las medidas son más razonables y sostenibles que las anteriores, pero para nada sirven para alimentarse.

Una vez ha aceptado el cargo de gobernador, encuentra que la paz que tuvo con los nativos fue reemplazada por la privación, la muerte y las difíciles responsabilidades de su nuevo cargo. Smith desea volver con su amor pero desecha esto.  Él piensa que su tiempo entre los nativos americanos es "un sueño" del cual él ha despertado.

Los  asentados en Jamestown van disminuyendo a lo largo del brutal invierno. El tiempo pasa , no han conseguido sembrar nada y en el invierno se presenta tan frío como cruel. Fatal para los ingleses y estos comienzan a morirse de hambre. Cuando la situación es angustiosa, los powathan liderados por la princesa indígena los salva de morir de inanición al traerles alimentos procedentes de la caza, Pocahontas busca además ver a su amado pero este le menciona que no debe confiar en él. Pocahontas no entiende el mensaje. De cualquiera manera en  Jamestown, ella y Smith renuevan su aventura amorosa.

Cuando llega la primavera, los Powhatan se dan cuenta de que los ingleses no tienen la intención de irse. Al descubrir las acciones de su hija, ordena un ataque a Jamestown y el exilio de Pocahontas.

Rechazando el ataque, los colonos se enteran de la expulsión de Pocahontas de su propia tierra. Organizan un intercambio para que la joven pueda ser llevada como cautiva y ser utilizada como freno para evitar nuevos ataques.

Samuel Argall (Yorick van Wageningen ) que está desde el principio en el asentamiento convence a los colonos en una expedición comercial por el río Potomac para secuestrar a la chica que está en manos de los Patawomecks como prisionera para negociar con su padre el intercambio de algunos colonos cautivos, pero no las armas y herramientas robadas. Cuando Smith se opone al plan, es reprobado como gobernador.

El regreso del capitán Newport agrega complicaciones. Newport le dice a Smith que tiene una oferta del rey para dirigir su propia expedición con el fin de  encontrar un paso del Noroeste a las Indias Orientales. Dividido entre su amor y el deseo de progresar en su carrera, el capitán decide cumplir con su carrera militar y después regresar a Inglaterra. Antes de partir, deja unas instrucciones a uno de sus amigos. Si no regresa en dos meses que le digan que ha muerto.

Llega la primavera y los powhatan se dan cuenta que los ingleses no tiene la menor intención de irse. Mientras tanto Pocahontas, al haberles dado alimentos,  es expulsada de su propia aldea y busca a su amado John Smith.

Sin embargo, éste es enviado a Terranova y, le dice a un compañero que cuando regrese en un par de meses , informe a la chica que ha muerto. Meses más tarde, la chica es informada por él que Smith murió durante la travesía, lo que la deja angustiada.

Devastado, Pocahontas se hunde en la depresión y sigue llorando la "muerte" de su amor. Pocahontas , que ha sido expulsada de su tribu y malvive en la ciudad, que poco a poco se va asentando en el territorio y es atendida por alguna de las mujeres que han llegado en las siguientes expediciones de Newport.

Poco a poco va interesándose por ella un colono recién llegado llamado John Rolfe (Christian Bale)  que se dedica a la plantación de maíz y tabaco y que se enamora de ella. Él la ayuda a adaptarse al estilo de vida inglés y, finalmente la bautiza, recibe educación y se casa con Rolfe y da a luz a un hijo al que llaman Thomas.

Un tiempo después Pocahontas (ahora bautizada con el nombre de Rebecca) escucha que Smith vive y que está en Inglaterra. Ante la noticia de que el Capitán Smith todavía está vivo ella tiene una reacción violenta. Pocahontas rechaza a Rolfe , pero, por otro lado, su esposo le anuncia que el rey le ha hecho una invitación para conocer a la pareja en Inglaterra, ella acepta irse a vivir allá con la remota esperanza de ver a Smith.

Viajará a Inglaterra.  Al llegar a Londres y compartir una audiencia con el rey y la reina,y será presentada en la Corte, donde es bien recibida de acuerdo a su linaje siendo hija de un jefe indio y tratada como una princesa nativa.

Pocahontas se siente abrumada por las maravillas de este "Nuevo Mundo". Mientras vive en un inmenso palacio en el campo tendrá una reunión privada con  John Smith, un encuentro que propicia su esposo con la esperanza de que si lo vuelve a ver ella estará en paz.

La reunión resulta incómoda. El estado de sus vidas actuales muestra cuánto han cambiado cada uno. Smith admite que puede haberse equivocado al elegir su carrera por encima de su amor por Pocahontas. Él dice que lo que experimentaron en Virginia no fue un sueño, sino "la única verdad". Pero la chica es consciente, primero, del gran amor que siente por ella Rolfe, así como la existencia de un hijo de ambos. Además le pregunta si alguna vez había encontrado sus Indias, respondió: "Es posible que haya navegado más allá de ellas". Él termina por desencantarla. Luego de ese encuentro Smith desaparece para siempre  y las dos partes, nunca volverán a encontrarse.

Al darse cuenta de que Rolfe es el hombre que ella creía que era y más, finalmente lo acepta como su esposo y como su amor.Rebecca y Rolfe hacen arreglos para regresar a Virginia junto a su esposo y su hijo.

Antes de que se vayan, ella cae enferma  al contraer la enfermedad del hombre blanco (viruela) o neumonía y muere. La película termina con imágenes de la Rebecca y su pequeño hijo jugando alegremente en los jardines de su finca inglesa.

Rolfe, en una voz en off, lee una carta, dirigida a su único hijo sobre su madre nativa americana fallecida. En los momentos finales de la película, Rebecca dice: "Madre, ahora sé dónde vives" con la película desvaneciéndose sobre imágenes de la naturaleza en el Nuevo Mundo. Rebecca es enterrada en Inglaterra y tiempo después John Rolfe y su hijo parten hacia América.

Terrence Malick comenzó a trabajar en el guión de The New World a finales de los años setenta. Después de The Thin Red Line , Malick trabajó en una película sobre Che Guevara y su revolución fallida en Bolivia . Cuando aún no había llegado a conseguir su financiación, se le ofreció a Malick la oportunidad de dirigir The New World y dejó el proyecto Guevara en marzo de 2004. La producción en The New World estaba en marcha en julio de ese año.

El rodaje se desarrolló desde el 26 de julio al 6 de noviembre de 2004.Durante esos tres meses y medio se rodó tanto en Estados Unidos, concretamente en Virginia y su Chickahominy River como en Gran Bretaña. En este país se rodó en Hatfield House en Hertfordshire, en Charlestown, en la localidad de Cornwall, en la Bodleian Library, en Oxford, en el condado de Oxfordshire, así como en Hampton Court Palace de East Molesey, en Surrey.

La película destacó por su énfasis en la autenticidad, desde la ubicación, los escenarios y el vestuario hasta el uso de actores y extras nativos americanos que fueron entrenados por Blair Rudes , profesor de lingüística en UNC-Charlotte , para hablar una forma de la extinta lengua Powhatan ( un tipo de algonquiano virginiano ) desaparecida en el siglo XVIII y reconstruido para la película de Rudes. 

Para la preparación para el papel, Colin Farrell leyó los siete libros de John Smith que publicó en Inglaterra sobre sus viaje en El Nuevo Mundo.

Antes del inicio del rodaje, el director Terrence Malick y el director de fotografía Emmanuel Lubezki idearon una serie de reglas fotográficas que se utilizarían durante el rodaje. Entre ellas destacan: 1) No hay luces artificiales. Todo se rueda con luz natural. 2) No hay tomas de grúa ni de plataforma rodante, solo tomas de mano o Steadicam. 3) Todo se rueda en la vista subjetiva. 4) Todas las tomas deben ser de enfoque profundo, es decir, todo (primer plano y fondo) es visible y enfocado. 5) Se recomienda (al equipo de cámara) que vaya y tome fotografías de cosas inesperadas que puedan suceder en un accidente o si su instinto lo indica. 6) Disparos selectivos: no se usa ningún disparo que no tenga fuerza visual. Según Lubezki, muchas de estas reglas acabaron por no cumplirse. Se usó luz artificial , al igual que los disparos de foco superficial.Solo las escenas tomadas en los interiores del Palacio de Hampton Court se complementaron con luz artificial que entraba por las ventanas. 

Prácticamente casi todos los diálogos fueron doblados en post-producción. La razón principal fue que durante las tomas, la voz de Terrence Malick a menudo se escucha en el fondo.

El casting para el personaje de Pocahontas resultó difícil, los productores observaron a más de dos mil actores antes de decidir abrir sus criterios de búsqueda para todos los actores indígenas de América del Norte y del Sur. Para obtener una actuación más auténtica, Terrence Malick prohibió a Colin Farrell y Q'orianka Kilcher verse antes de filmar su primera escena. De cualquier manera, en el momento en que se hizo esta película, Q'orianka Kilcher no tenía idea de quiénes eran Colin Farrell y Christian Bale. Tenía 14 años cuando esta película comenzó a rodarse, y 15 años cuando esta película fue estrenada.

Christopher Plummer se enfureció después de ver el corte final de la película y descubrir que se habían cortado escenas clave y que uno de sus discursos importantes se había reducido al ruido de fondo. Juró nunca volver a trabajar con Terrence Malick.

Tanto Irene Bedard (la madre de Pocahontas) como Christian Bale (John Rolfe) tienen papeles en esta película y en la película animada de Disney Pocahontas (1995). En la película de Disney, Christian Bale brindó la voz de Thomas y Irene Bedard expresó el papel principal, Pocahontas. Terrence Malick era fanático de la película de Disney y reclutó a Bale y Bedard en la película, como posible homenaje a la película animada de Disney.

Terrence Malick estaba tan concentrado en que la película fuera auténtica que les dijo a los actores que hicieran lo que los personajes harían. En sus descansos, Christian Bale incluso se sentaba en la silla de John Rolfe y fumaba en pipa, y Q'orianka Kilcher hacía bailes algonquinos.

En una entrevista, Christian Bale habló de excéntrico estilo de dirección de Terrence Malick. Dijo que quería ver qué haría Malick si simplemente salía del plano y se dirigía hacia el equipo. Malick siguió a Christian con la cámara y, como dijo Christian, "[el equipo] salió corriendo y se refugió detrás de los arbustos para alejarse de la cámara.

La película fue originalmente lanzada en noviembre de 2005, pero el lanzamiento tuvo que ser pospuesto. Malick todavía estaba editando las imágenes que había filmado. Es bien conocido el carácter detallista del director a la hora de editar sus películas hasta el último minuto, en los que a menudo recorta sus películas y deja a los personajes completos fuera de la impresión final, como es el caso de The Thin Red Line .

A principios de diciembre, se mostró una versión de 150 minutos exclusiva para los críticos para que fuese considerada dentro de la temporada de premios. Fue lanzado durante una semana, desde Navidad hasta el día de Año Nuevo, en dos cine, uno en Los Ángeles y otro en Nueva York.

El lanzamiento a gran escala de la película comenzó el 20 de enero de 2006, cuando Malick la reeditó reduciéndola a 135 minutos, pero también agregó imágenes que no se vieron en la primera versión.

Modificó algunas de las extensas voces en off de la película para aclarar la trama. Se hicieron cambios sustanciales en la primera media hora de la imagen, aparentemente para acelerar la trama. La partitura musical de The New World fue compuesta por James Horner .

Trabajó primero desde el guión y luego desde escenas editadas. A medida que la película fue reeditada, se requirieron más cambios en la partitura. Debido a que la edición de Malick fue extensa e involucró reordenar o eliminar pasajes o insertar secuencias, gran parte de la partitura de Horner no se usó.

Para la versión final, Malick utilizaron secciones de la música de Horner junto con otros elementos como el preludio de Wagner " Das Rheingold" , parte de Mozart , en concreto su " Piano Concerto No. 23" , y otras piezas. Horner y Glen Ballard escribieron y grabaron la canción "Listen to the Wind", cantada por Hayley Westenra , para los créditos de cierre, pero esto tampoco fue utilizado. En una entrevista, Horner dijo que Malick amaba su puntaje, pero no tenía idea de qué hacer con él.

Llegó a la conclusión de que trabajar con Malick era "la experiencia más decepcionante que he tenido " y que "nunca me sentí tan decepcionado por un cineasta en mi vida".

En cuando a las críticas El Nuevo Mundo abrió con comentarios positivos. Roger Ebert dijo de ella que "lo que distingue a la película de Malick es cuán firmemente se niega a saber más de lo que debería ... Los eventos en su película, incluidas las trágicas batallas entre los indios y los colonos, parecen estar ocurriendo por primera vez." También alabó a Malick como un "visionario". El columnista de Chicago Sun-Times dijo además que ""Se despoja de todas las fantasías y tradiciones de la historia de Pocahontas (...) e imagina cómo de nuevos y extraños se debieron parecer esas personas entre sí. (...) Malick es un visionario, y esta historia requería uno. (...) ."

Por su parte, Mick LaSalle, del San Francisco Chronicle, calificó la película como "una obra maestra",y añade en enero de 2010, que fue como la película número 1 de la década. " La película de Terence Malick, sobre la vida de Pocahontas y los albores de la historia estadounidense, contiene algunos de los mejores escenas imaginables, algunos de ellas más allá de la imaginación. La he visto al menos cinco veces y no tengo idea de cómo Malick supo, cuando lo puso todo junto, que la película tendría sentido. Es difícil escribir un gran poema corto. Es difícil escribir una gran novela larga. Pero escribir un gran poema largo que sea del tamaño de una gran novela larga - uno que tenga sentido, no se marque y sea exponencialmente mejor de lo que hubiera sido el poema corto o la novela larga - eso es casi imposible. Malick lo hizo. Con imagenes".

En noviembre de 2009, Time Out New York clasificó la película como la cuarta mejor de la década, y dijo de ella que:" El poder particular de este poema (..) viene de cuán silenciosamente resignados están ambos personajes a su destino, como si sintieran una mano guía en cada una de sus acciones. Los pasajes finales del idilio de Malick , después de que Pocahontas realiza un fatídico viaje por el océano, son los mejores trabajos de su carrera, sobre todo en su descripción de la muerte y la transfiguración de la princesa, una secuencia de cinco minutos que nunca deja de moverse ".

Muchos otros como Ty Burr de The Boston Globe , Peter Travers de Rolling Stone , Richard Corliss of Time y David Ansen de Newsweek dieron críticas positivas a la película.

Carina Chocano en Los Angeles Times comenta que se trata de "Un trabajo de una imaginación impresionante, más que una película es un modo de transporte, y en todos los sentidos una obra maestra"

Sin embargo, y por otro lado, Stephen Hunter de The Washington Post criticó a la película por ser "majestuosamente casi hasta el punto de ser estática", mientras que otros como Joe Morgenstern de The Wall Street Journal lo criticaron por "lenta", "subdramatizado" y "emocionalmente remota".

En Francia la revista de cine Cahiers du cinéma clasificó a la película como la novena lugar en su lista de las mejores películas de la década 2000-2009. El crítico de cine y televisión Matt Zoller Seitz ha dicho que es su película favorita.

En Gran Bretaña y concretamente en The Guardian , John Patterson escribe que The New World " The New World , el mito de la fundación estadounidense de Terrence Malick, que llegó justo cuando la década alcanzó su punto medio a medias, en enero de 2006. [...] The New World es una película sin fondo, casi indeciblemente bella y formalmente armoniosa. La película llegó y se fue en un mes, y su recepción crítica se caracterizó en su mayor parte por desconcierto, condescendencia, burla perezosa y hostilidad absoluta. [...] Sus hermanos se encuentran a lo largo de la historia del cine y en todos los límites nacionales y estilísticos, desde los silencios hasta Jean-Luc Godard , James Benning y Stan Brakhage , o en Winstanley y Barry Lyndon . Su interior cultural se compone no solo de otras películas, sino también de budismo , etnografía y naturalismo., Wagner, Mozart y las formas estructurales de la música clásica, el entusiasmo de Malick por la observación de aves y la ayuda de Heidegger y Kant [...] Es a la vez antiguo y moderno, el cine en su forma más pura y orgánica, más simple y más refinado [...].

En una encuesta de críticos internacionales realizada por la BBC en 2016 , The New World fue votada como la 39a mejor película desde 2000.

El estudioso del cine Mark Cousins dijo de ella " Hacia el final de El Nuevo Mundo , me parecía, que había experimentado algo así como una Misa de Bach en si menor o un poema de Percy Bysshe Shelley . Era sobre el rapto y el final del rapto. Me mostró viendo. Me hizo sensible".

Ya en España Alberto Bermejo en El Mundo afirma que se trata de "Una historia que se mueve en un terreno inexplorado, con una primera parte fascinante e hipnótica. (...) ." En este mismo diario, Carlos Boyero dijo de ella que era "(...) muy bonita y tiene esa trabajada fascinación y lirismo genuino que caracteriza al cine de este extraño director. Decepcionó bastante en Berlín incluso a los seguidores incondicionales de Malick. A mí me gusta más que 'La delgada línea roja'."

Para Javier Ocaña en El País entiende que es un "Bellísimo poema histórico de aventuras, quizá un tanto impreciso y excesivamente preciosista, pero dotado de momentos absolutamente deslumbrantes. (...) Arriesgada, difícil, hermosa, imperfecta y profundamente artística."

Oti Rodríguez Marchante en ABC escribió que "Al puntillista Malick se le ha ido el pespunte al final; aunque el entramado no deja por ello de ser excepcional, de una calidad extrema, con un gusto exquisito (...) ."

Si bien su fecha de lanzamiento se programó para ser considerada para la temporada de premios, fue nominada solo para el Premio de la Academia a la Mejor fotografía de Emmanuel Lubezki en la 78ª edición de los Premios de la Academia .

Los premios fueron realmente para Q'orianka Kilcher como se hizo en la National Board of Review a la mejor actriz , tal y como ocurrió en la Asociación de Críticos de cine del área de Washington DC al mejor debut que fue nominada, al igual que lo hizo la Asociación de Críticos de Chicago, o en los Premios ALMA , o los Critics' Choice Awards a la Mejor actriz joven (Kilcher), - aunque también al compositor Holner- o en los Premios de la Sociedad de Críticos de Cine "on line" o el Círculo de Críticos de Nueva York con 4 nominaciones, incluyendo Mejor película. La Sociedad de Críticos de Cine de San Diego premió a Emmanuel Lubezki por su fotografía . En el Festival de Mar del Plata la película estuvo en la Selección oficial largometrajes a concurso.

En cuanto a la precisión histórica señalar que según la profesora de historia Cathy Schultz, la gente de Powhatan "estaba lejos de las criaturas inocentes y infantiles que vemos en la película". Schultz señala que Powhatan "se rige por la conquista de las tribus circundantes", en contraste con la descripción que la película hace de ellos como pacífica, excepto cuando está en conflicto con los ingleses. Además, la mayoría de los estudiosos están de acuerdo en que no hubo una relación romántica entre Pocahontas y Smith. Tenía 10 años en 1608 cuando se dijo que se conocieron por primera vez.

Una vez vista tengo que decir que gustarme me ha gustado. Indudablemente es una película que tiene mucho de poema visual sobre el encuentro entre cultural . Indudablemente, es muy superior a otras sobre hechos parecidos. Estoy pensando en 1492 la película de Ridley Scott sobre el descubrimiento. Puede tener el mismo carácter reflexivo, pero el resultado es una obra infinitamente más brillante, pues huye del elemento épico para dar valor a la experiencia humana. Apuesta por la poesía visual, por una historia conocida, sencilla y verista y , además, me ha permitido conocer la existencia de una serie llamada Jamestown, así que le doy una valoración muy positiva. 

Mon oncle

Recoge en su Historia del Cine escrita por Terenci Moix para una separata del "Blanco y Negro" del diario ABC en un capítulo dedicado al cine francés que "Contrariamente a la famosa escuela cómica del cine mudo, el sonoro no trajo a Francia mucho más que una serie de cómicos de interés local , especializados en la payasada al gusto de la clase media".

De la lista de estos cómicos Moix exceptúa a algunos cómicos como Raimu o Fernaldel, cuya cuerda fue mucho más amplia , pero de los que no excluye se encuentran nombres como Darryl Cowl, Robert Lamoreaux , Annie Cordy, Les Charlots o , el más conocido para mi Louis de Funes. Finalmente, el escritor catalán afirma que " Y en tan patético repertorio , Jacques Tati fue una excepción universalmente aplaudida".

Entiende el autor de la primera obra que leí de él "No digas que fue un sueño" y su continuación "El sueño de Alejandría" o de "Garras de astracán" , entre otras muchas obras, y fallecido en 2003, hermano de  la también escritora y fallecida en 2014, Ana María Moix que esto se debe a que  Tati se sintió heredero del cine mudo estadounidense  , desde Mack Sennett a Buster Keaton.

Tati fue el creador de un personaje, Monsieur Hulot,  que aunque no apareciese en su primer largometraje , Dias de Fiesta o Jours de fête , en 1947 , si está su espíritu costumbrista y su resignada actitud masoquista y contemplativa en el sentido de la vida. 

Michel Chion en un artículo sobre el cineasta en Cahiers du Cinèma , en 1987 decía tiene la virtud de presentar en sus secuencias lo que el llamó el "carroussel visual in crescendo", propio del cine estadounidense,  pero al que Tati añadió rasgos propias del cine europeo: la tristeza o la melancolías de sus sátiras sobre el mundo moderno. 

La virtud de Mi tío o Mon oncle, y eso lo añado yo, es que en ella el director integra desde la ridiculización de los aspectos formales de la vida, hasta - lo que se hace más visible- a la burla ante la idea de modernidad  que lo invade todo, así como el conflicto entre el aparente bienestar de la modernidad frente a la idea de humanización de lo tradicional. 

Recoge Moix que "la función última  de Monsieur Hulot está en ser " el encargado de de arrancar mediante atinadas observaciones , el lado absurdo y de nuestras acciones y nuestros objetos". 

Y todo esto es visible en la cromática película del año 1958 dirigida y producida por Jacques Tati, siendo el encargado del diseño de producción Henri Schmitt . La película fue producida por la Gaumont Film Company , Specta Films , Gray-Film , Alter Films Film del Centauro , Cady Films  quedando la distribución Gaumont para Francia y por la  Continental Distributing para Estados Unidos. La película contó con un presupuesto de ₣250,000.

La película partía de un inteligente guión de Jacques Tati , Jacques Lagrange , Jean L’Hôte y contó con la inolvidable música de Alain Romans , Franck Barcellini,  Norbert Glanzberg y la fotografía muy cromática de Jean Bourgoin y el montaje de Suzanne Baron, así como el vestuario de Jacques Cottin.

El elenco lo formaban Jacques Tati que retornaba al papel de Monsieur Hulot que se inició con Las vacaciones de Monsieur Hurlot , a los que se suman   Jean-Pierre Zola como Monsieur Arpel , Adrienne Servantie como Madame Arpel , Alain Bécourt como el sobrino  Gérard Arpel , Lucien Frégis como  Monsieur Pichard,  Betty Schneider como  Betty ,  Jean-François Martial como Walter , Dominique Mariecomo la rubia vecina , Yvonne Arnaud como Georgette (la sirvienta) , Adelaide Danieli como Madame Pichard , Régis Fontenay como el distribuidor de Braces , Claude Badolle como el señor del mercadillo,  Max Martel como el hombre borracho , Nicolas Bataille como un trabajador.

El Sr. Hulot, que vive en una casa modesta de un barrio humilde y es un hombre soñador, poco práctico y adorado sin trabajo que se ocupa de llevar a la escuela a su sobrino Gérard y acompañarlo después a la ultramoderna casa de su hermana. Ella está casada con el señor Arpel, quien intenta emplear a su cuñado en la fábrica de tubos de plástico en la que trabaja.

Por su parte, su hermana, querrá convertir a Hulot en la pareja de su vecina, una señora tan rubia como nerviosa. Uno de los muchos días que va a visitar a su sobrino en la ultramoderna (Villa Arpel).

Como ya he dicho el padre del niño ocupa un alto cargo en una fábrica de plástico. Y casi de plástico parece la tecnológica casa de los materialistas Arpel que no deja de ser una estancia fría y funcional, tecnológicamente avanzada, que contrasta con la barriada popular en la que vive en un ático Monsieur Hulot.

Como el buen tío que es lleva por las mañanas al colegio a su sobrino , un chico de 9 años que no parece feliz, ya que evitan que traiga a casa a los amigos, porque podrían romper algo. El Sr. Hulot intentará que mejore esa situación cuando al salir del colegio deja que juegue con sus amigos a juegos inofensivos como hacer ruidos por las calles cerca de los autos para que piensen que se han golpeado o chiflando para despistar a los viandantes y que choquen contras las faroles que hay por la ciudad,

De todas maneras gran parte de la atención se lo lleva la casa de los Arpel, en una casa y jardín geométricos ultramodernos, presidido por una fuente que emite un chorro de agua controlado desde el salón de la casa. Así es Villa Arpel, situada más allá de los muros que engloban el viejo París, en un nuevo barrio de la capital, situado más allá de los edificios de piedra de los barrios antiguos de la ciudad.

Los padres de Gérard  que viven en esta mansión intentan impresionar a los invitados, vecinos y directivos de la fábrica . La señora Arpel está deseosa de mostrar la fuente con forma de pez en el centro del jardín que activa Madame Arpel solo para los visitantes importantes.

La fuente y la tecnología de la casa no satisface al pequeño Gérard  al que vemos abatido por el aburrimiento cuando está en su casa.

Esta situación contrasta con la vitalidad existente en la casa de Tati donde multitud de personas suben y bajan y en el que todos están atentos a la vida de los demás. Los niños del barrio se reunen y juegan en solares vacíos o entre los coches en la calle.  La casa de Tati en cambio es un complejo laberinto de viviendas, escaleras y pasillos donde dificilmente se pueda escapar de la mirada, el saludo, la conversación casual, en fin del contacto social con el barrio. La casa forma parte del barrio. El barrio es un espacio donde nadie parece hacer lo que tiene que hacer: el verdulero vende desde una mesa de un bar a unos cincuenta metros del puesto de verduras, el barrendero que no barre , las personas hablan , viven y se divierten, etc. Los perros corren por las calles en van saltando de un barrio a otro.

Mr Hurlot se desplaza por la ciudad a pie o en una bicicleta motorizada VéloSoleX y Gérard,  se une a su tío en cada oportunidad. Hulot, poco más que un niño a veces, se siente completamente cómodo con Gérard y al llegar a la casa de su hermana, y luego de su jefe sigue la línea sinuosa marcada celosamente por el diseñador entre el césped  en ese camino de losas blancas.

La hermana de Hurlot , exasperados por la percepción de inmadurez de su hermano decide dos cosas. Una organizar una fiesta en casa, la otra pedirle a su marido que lo contrate en la empresa de plástico Arpel.

Descubrimos que ni una ni la otra tienen éxito. Por lo pronto la hermana tiene como interés que su hermano conozca a la vecina, así que organiza una comida en el jardín de la casa para que ambos coincidan. Sin embargo, tras la llegada de los invitados y de Monsieur Hurlot y previa a mostar la casa, vemos que su hermano no tiene interés alguno en ello. De hecho la comida es un desastre absoluto en la que la fuente jugará un papel esencial en el fracaso del encuentro. A esto se le suma lo patoso que es Hurlot.

La incorporación de la fábrica tampoco va como lo esperado. A Monsieur Hurlot se le hace responsable de la producción de un tubo rojo, pero al atender otras cosas la producción se les va de las manos apareciendo sobre el conjunto una plástico de proporciones inmensas que no tendrá salida para el mercado. Tras el desaguisado han de deshacerse de la carga y no tienen más ocurrencia que llevarla a un río donde genera un atasco monumental.

Mientras tanto la vida sigue , y Monsieur Hurlot hace amistad con el transportista y con la gente del bar bebiendo hasta altas horas de la noche.

Mientras en Villa Arpel la tecnología sigue su curso y vemos como se muestra "desobediente" la puerta de la cochera, que se abre o se cierra a voluntad con los esposos en el interior, siendo la asistenta de la casa quien los libera.

Por último vemos que la vida sigue, que la niña a la que saluda todas las mañanas va creciendo y que las circunstancias hacen que entre el padre y Gérard haya un poquito más de acercamiento como vemos al final de la película.

La película se rodó entre septiembre de 1956 y febrero de 1957 , casi nueve meses en distintos espacios como Place d'Armes de Saint-Maur-des-Fossés, en el departamento de Val-de-Marne donde también se rodó en Créteil. Igualmente se rodó en Paris, y en los Victorine Studios ( Studios de la Victorine) - hoy Studios Rivière - donde se levantaros diversos sets diseñados por Jacques Lagrange a lo largo de 1956  sitos en Avenue Edoard Grinda, en las cercanías de Nice, en el departamento de Alpes-Maritimes que se demolieron después de que se completó el rodaje. Se tardó un año en editar.

La película es una visión irónica de los cambios que iban produciendo en la Francia de finales de los cincuenta en lo social y en lo tecnológico. Hay una crítica a la valoración de la “eficiencia” visible en la casa moderna de Villa Arpel con sus mecanismos electrónicos a distancia y los electrodomésticos omnipresentes en la vida familiar frente a la “ineficiencia” con  la que se retrata la barriada popular. Pero como hemos visto la mirada es crítica y la eficiencia termina siendo un inconveniente cuando más los artefactos no responden a sus amos. Por el contrario, Monsieur Hulot vive en un distrito de una ciudad vieja y deteriorada, pero que no deja de ser un barrio lleno de vitalidad y felicidad.

Mientras filmaban, Tati - que apenas habla de manera audible en la película- y su equipo se encontraron con un grupo juguetón de perros callejeros. Tati hizo varias tomas de ellas, que luego utilizó para conectar escenas. Cuando terminó la filmación, no podía soportar dejarlos solos, y colocó un anuncio en el periódico, llamándolos "estrellas de cine"; todos los perros eventualmente fueron tomados por familias respetables.

Una réplica de Villa Arpel , diseñada por Jacques Lagrange, se levantó en el Cent Quatre de París. Cada elemento de Villa Arpel está diseñado con un estilo funcional. Al elegir la arquitectura moderna para desarrollar  su sátira, Tati dijo que  una vez: " Les lignes géométriques ne rendent pas les gens aimables " ("las líneas geométricas no producen personas agradables"). y esta va desde sillones o sillas incómodas en las que es difícil sentarse y hasta una cocina llena de electrodomésticos que hace un ruido ensordecedor, reflejo para Tati de una estética superficial y de la apuesta por el diseño moderno, aunque sea incómodo o casi inútil.

Para resaltar este todo lo relacionado con Monsieur y Madame  Arpel incluida su empresa de trabajo automático son representados con tonos monocromáticos, en el que el rojo es fundamental,  y en días nublados.

Una versión en inglés de la película, nueve minutos más corta que la original fue  lanzada como My Uncle , y se filmó al mismo tiempo que la versión en francés. Hay ligeras diferencias en la puesta en escena de las escenas y en las actuaciones. En la versión en inglés, los signos franceses se reemplazan por unos en inglés; El diálogo importante se dobla en inglés, aunque las voces de fondo permanecen en francés.

Curiosamente en su debut en Francia en 1958, Mon Oncle fue denunciado por algunos críticos que consideraban una visión reaccionaria (...) de una sociedad de consumo francesa emergente, que últimamente había abrazado una nueva ola de modernización industrial y una estructura social más rígida. Pero la película, que contaba con la música de Alain Romans y Franck Barcellini,  fue otro gran éxito para Tati con más de 4,5 millones de espectadores admisiones en Francia. Sin embargo, esta crítica pronto cedió ante la enorme popularidad de la película en Francia y en el extranjero, incluso en los Estados Unidos.

Tras este esfuerzo la película ganó el Óscar a mejor película extranjera en la 31.ª entrega de los premio a la mejor película de habla no inglesa en 1959 y el Premio Especial del Jurado en Cannes.

También ganó el Premio del Círculo de Críticos de Nueva York a la mejor película extranjera , así como las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos a la ​Mejor película extranjera . Para la National Board of Review la película forma parte de las mejores diez películas extranjeras.

Al haber sido galardonado con el Oscar a la mejor película extranjera por esta película, Jacques Tati fue invitado a una recepción estatal en la que fue presentado al presidente francés, Charles de Gaulle. Como broma y como referencia a la película, el ministro de Cultura, André Malraux, lo presentó como "un monje". De Gaulle, sin darse cuenta de quién era el director o qué película había hecho, lo felicitó por tener un sobrino talentoso.

La película está incluida en la lista de "Grandes películas" de Roger Ebert y está incluido entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", escrito por Steven Schneider.

Aparte de lo señalado por Ebert, al incluirlas en su lista de favoritas, la crítica fue unánimemente positiva.

Para Bosley Crowther la película tenía un "elenco de actores coloridos y diestros que apoyan, todos no profesionales" y una "partitura musical divertida pero algo monótona"; calificó a la película "perceptiblemente ideada cuando permanece demasiado tiempo y se adentra demasiado en la monotonía de las cosas mecánicas. Después de presionar un botón y una cara modernista, los ha presionado a todos. Sr. Hulot [interpretado por Tati ] es el foco de la diversión, no las puertas eléctricas y las máquinas que sacan la manguera de plástico ". Crowther dijo que su estilo de humor "fue hecho magníficamente hace más de veinticinco años por René Clair en À Nous la Liberté y luego por Charlie Chaplin en Modern Times ".

Variety dijo que aunque era "algo largo para ser una comedia, la película de Jacques Tati tiene inventiva, gags, calidez y un enfoque 'poético' a la sátira"; elogió el "bloqueo experto de los personajes, el uso creativo del sonido y el abandono de todo diálogo inútil" de la película.

Ya en España,  Daniel Andreas en filmaffinity se publicó que " Los franceses hacen la tortilla sin patatas y las comedias sin humor. El resultado es el mismo: ni la tortilla francesa ni las comedias galas tienen la más mínima gracia. La excepción a la regla es, por supuesto, Jacques Tati. Un prodigio de elegancia, originalidad y sutileza, combinadas con un inmaculado sentido del humor y la ironía. Ésta es, sin duda, su mejor película: una parodia blanca de la vida moderna y ultratecnificada, a la que contrapone el encanto y la calidez de la vida tradicional. Si Chaplin diseccionó impecablemente las servidumbres que la técnica implicaba para el obrero en "Tiempos modernos", Tati, su digno sucesor, nos muestra las que supone para el burgués, sacando así a la luz el absurdo y la pomposidad de nuestra sociedad. Todo ello, a través de las meteduras de pata del entrañable Monsieur Hulot y las trastadas de su travieso sobrino. Para el recuerdo, la fiesta en el jardín: "El guateque", a su lado, es de una chabacanería insoportable.

Para Miguel Ángel Palomo en El País opinaba que  "La obra de Tati permanece como un monumento luminoso al que pocos han sabido acercarse. (...) En esta obra inolvidable arremete contra la sociedad de consumo y contra el mecanicismo que ahoga al individuo. Así hace presente el absurdo de la realidad cotidiana en un prodigio de fantasía que encierra a sus personajes en secuencias deslumbrantes"

En ABC  se escribe que la película es la "Historia que muestra la deshumanización, el esnobismo y la frialdad de la vida moderna con tecnología de última generación en contraste con el descuidado pero animado ambiente del barrio humilde y antiguo, con niños traviesos, naturaleza y hogares llenos de vida. Esta película muestra situaciones fuera de lo común y personajes que consiguen definirse sin decir apenas nada. Se trata de una cinta en la que se desarrolla una historia crítica y con mucha sátira sin hacer casi uso de los diálogos".

En Cine y Arquitectura se dice que "la película Mi Tio (Mon Oncle), de Jacques Tati muestra los contrastes entre dos mundos, dos maneras de vivir y de entender la ciudad y la arquitectura que a fines de los años ´50 se superpondrían violentamente. Uno es el mundo de la modernidad exagerada por un optimismo futurista, como llegó(o regresó) a Europa de la mano de la reconstrucción de posguerra y el otro está representado por la ciudad tradicional. Esos dos mundos están representados en la película de Tati en tres niveles diferentes: El habitante, su casa y su entorno cotidiano, o el barrio. Un niño va a ser el conector entre estos dos mundos completamente diferentes. Él vive en el barrio moderno, en una casa moderna y tiene una familia moderna. Al otro lado está el tío del niño, Monsieur Hulot representado por Tati, que vive en la parte antigua de la ciudad, en una casa antigua. La afilada mirada crítica de Tati marca en cada escena las diferencias entre esos dos mundos en un contrapunto incesante. Tati pasa habitualmente a buscar al niño a la escuela, para llevarlo luego a la casa de su hermana, quién está casada con Arpel, un exitoso fabricante de plásticos. Tati en cambio, no tiene trabajo. ""Mientras la “eficiencia” parece ser la palabra que expresa la casa moderna, con sus mecanismos electrónicos a distancia y los electrodomésticos omnipresentes en la vida familiar; es la “ineficiencia” la que se retrata en el barrio antiguo en donde nadie parece hacer lo que tiene que hacer: el verdulero vende desde una mesa de un bar a unos cincuenta metros del puesto de verduras, el barrendero no barre ,etc. Sin embargo la mirada es crítica y la eficiencia termina siendo inconveniente cuando más de una vez los artefactos no responden a sus amos. Sería imposible describir cada escena de esta película en un post, a la vez que innecesario, ya que mejor recomendaría que la vieran porque realmente vale la pena hacerlo. "

Como vemos la obra del director francés Jacques Tati es una muestra de cómo el modernismo se refleja en la vida cotidiana y doméstica de la sociedad de la época. La búsqueda de la máxima eficiencia, los diseños puros y la sofisticación de cualquier tipo de indumentaria pasa a ser más que una herramienta, en el objetivo de cualquier entorno urbano.

Al igual que con la mayoría de las películas de Tati, Mon Oncle es en gran parte una comedia visual en la que el color y la iluminación se emplean para ayudar a contar la historia. El diálogo en mon oncle es apenas audible, y en gran parte está subordinado al papel de un efecto de sonido. Los ruidos a la deriva de los argumentos acalorados y las bromas ociosas complementan otros sonidos y los movimientos físicos de los personajes, intensificando el efecto cómico.

La compleja banda sonora también utiliza la música para caracterizar los entornos, incluido un animado tema musical que representa el mundo de la ineficiencia y la libertad cómicas de Hulot un hombre tan torpe como  amable que lucha contra el enamoramiento de la Francia de la posguerra con la arquitectura moderna, la eficiencia mecánica y el consumismo .

Yo he descubierto esta película de la que conocía únicamente su banda sonora compuesta por Franck Barcellini y Alain Romans, pero ninguno de sus cinco largometrajes en 25 años de carrera. Me encanta que sea en el fondo un homenaje permanente a la obra de Buster Keaton o Charles Chaplin y la idea de que lo importante no es el texto escuchado sino el visto a través de gestos o de gags, los ruidos, los sonidos de objetos o las voces de las gentes que hablan en segundo plano. Esta muy bien descubrir uno de los grandes clásicos del cine francés.