El compromiso

El mejor Kazan ha pasado por aquí en varias ocasiones.Su carrera quedó marcada cuando colaboró con el Comité de Actividades Antiestadounidenses durante la "caza de brujas", delatando a antiguos compañeros, pues militó en el Partido Comunista de los Estados Unidos, y esto dividió a la crítica durante décadas. 

Elia Kazan destaca por su intensidad dramática, su dirección magistral de actores y la exploración de temas sociales y psicológicos complejos en la sociedad estadounidense. Co-fundador del influyente Actors Studio , Kazan aplicó las técnicas de Konstantín Stanislavski, logrando interpretaciones profundamente naturalistas y viscerales como vemos aquí en el personaje de Kirk Douglas.Abordó sin rodeos asuntos controvertidos como el antisemitismo ( La luz es para todos , 1947), el racismo ( Lo que la carne hereda , 1949) y la corrupción sindical ( La ley del silencio , 1954), pero también la enfermentad mental , la hipocresía social o la complejidad de la famia, todos ellos temas relevantes en esta película.

Aquí nos ha traído «El Acuerdo o El compromiso» , una novela del mismo  Elia Kazan del año 1967. En 1969, Kazan la adaptó al cine pues fue un éxito de ventas y recibió críticas generalmente favorables. Hoy esa novela lleva descatalogada desde la década de 1980.

La misma para llevarse al cine tuvo que ser recortada para ajustarse a 129 minutos y recurrió en gran medida a los flashbacks.

La estructura original que había previsto el director y guionista Elia Kazan se convierte en una historia alternativa, en el doble de la historia primera, sobre todo teniendo en cuenta que la película, de por sí, ya está pensada desde el salto, o desde la negación del relato lineal y continuado.

El compromiso o The Arrangement posiblemente es la historia más personal de la rodadas por el prestigioso Elía Kazán conjuntamente con América América con la que enlaza en un momento dado de la película y con uno de los personajes totalmente secundarios y quien se volcó en la adaptación a la pantalla de su novela autobiográfica con la que llegó a conseguir un auténtico éxito de ventas. 

Se trata de un complejo relato de una crisis personal y de una crisis familiar que sigue teniendo como trasfondo retrato crítico de la sociedad estadounidense como es habitual en todo su cine especialmente en películas como América, América, Viva Zapata, Un tranvía llamado secreto o Esplendor en la hierba. 

Para esta película Kazán buscó la música de David Amram, la fotografía de Robert Surtees y el monatje de Stefan Arnsten siendo una película producida por Elia Kazan para las compañías Warner Bros./Seven Arts, Athena Productions con una inversión de 4 millones de dólares.

Aunque la primera opción como protagonista de Kazán fue Marlom Brando, pues Kazan quería que Eddie fuera interpretado por Marlon Brando , ya que sentía que podía aportar mayor profundidad al personaje y acercarlo al de la novela, además de que Brando ya había cosechado grandes éxitos con Kazan en películas como Un tranvía llamado deseo , ¡Viva Zapata! y La ley del silencio , Lo cierto es que el actor rechazó el papel, alegando que no tenía interés en rodar una película tan poco después del asesinato de Martin Luther King Jr. El papel fue para Kirk Douglas. La producción se detuvo dos veces, ya que Douglas contrajo la gripe de Hong Kong tres veces, 

Especial relevancia tienen los papeles femeninos en este caso en cambernados por la amante interpretado por Faye Dunaway, y Débora Kerr, como la mujer. Aparece igualmente en la película Richard Boone y Hume Cronyn

La película se centra en Eddie un hombre con tendencias suicidas y que está sufriendo un colapso psicótico. Es infeliz en casa, en su matrimonio con su esposa Florence, interpretada por Deborah Kerr , y en su carrera profesional. Mantiene una relación amorosa apasionada con su amante y compañera de trabajo, Gwen ( Faye Dunaway ), y se ve obligado a replantearse su vida y sus prioridades mientras lidia con su padre, un hombre obstinado y anciano ( Richard Boone ).

Su vida personal es engañosa: para los demás está felizmente casado, pero en realidad es un adúltero compulsivo con la aprobación tácita de su esposa Florence, quien le dice "no preguntes, no digas nada", un aspecto del "acuerdo" o compromiso que da título a la obra. Su adulterio serial termina cuando comienza una relación con una asistente de su agencia de publicidad, Gwen Hunt, cuya mente independiente lo fascina; se obsesiona con ella, tal vez incluso siente verdadero amor por ella. 

Florence lo persuade para que deje a Gwen y revitalice su vida con un programa de superación personal; ambos parecen perfectamente felices, aunque algo aburridos, pero después de varios meses él estrella su auto en un aparente intento de suicidio ya que el hombre conduce su coche y, de repente, en un túnel  da un golpe de volante y se encastra bajo un camión que circula a su lado. . 

Así pues el adinerado publicista Eddie Anderson tras intentar suicidarse estrellando su coche deportivo contra un camión se aleja a sí de la chica, pero también del trabajo y de su mundo profesional.

A lo largo de la película, los flashbacks —algunos recuerdos, algunos alucinaciones— revelan el desprecio por su vida y sus "arreglos" como el cambiarse el nombre siendo realmente el de Evangelos Topouzoglou, un reconocido y exitoso ejecutivo de publicidad de origen greco-estadounidense del área de Los Ángeles , conocido profesionalmente como "Eddie Anderson" (su segundo seudónimo). 

Del accidente, Eddie deja de hablar aunque no tiene daño alguno. Lo que más le parece doler es el largo matrimonio de Eddie con Florence que en estos momentos carece  de pasión por su parte y está lleno de frustración por la de ella. 

En todo esta asunto intervienen también Arthur, el abogado de la familia, que la aconseja un  acuerdo para perjuicio de Eddie o el psicoanalista de Florence , el Dr. Leibman, que también interviene. 

Eddie regresa al trabajo, pero con la intención de insultar a un valioso cliente del sector tabacalero al referirse a él como "la gran C", "C" de Cáncer. Después se mete en problemas con la policía al sobrevolar Los Ángeles en una avioneta. 

Buscando su licencia de piloto, Florence encuentra fotografías de Eddie y Gwen desnudos, de ello también se entera su hija adoptiva, ahora estudiante universitaria.  justo cuando Eddie se entera de que su padre está en un hospital de Nueva York. 

Su conflictiva relación con su padre griego, Sam Arness (Richard Boone)  —un importador que en su día tuvo éxito y que desprecia a Eddie por anglicizar aún más su nombre, ir a la universidad y negarse a seguir la tradición familiar— se agrava por el progresivo daño cerebral de Sam a causa de la arteriosclerosis . 

En Nueva York, el hermano y la cuñada de Eddie y la mujer de Sam quieren internar a Sam en una residencia de ancianos para aliviar la carga de su sufrida madre, una carga que se agrava por la violenta paranoia de Sam y su insistencia en emprender un nuevo negocio. 

Gwen también está en Nueva York, viviendo con Charles, quien le cuenta a Eddie lo devastada que quedó tras su ruptura. Gwen le describe a Eddie su comportamiento promiscuo y calculado, un comportamiento que Charles tolera con la condición de que, al final, se casarán. Pero ahora hay un par xde elementos más. Gwen tiene un hijo pequeño, Andy. Ella desconoce la identidad del padre. Gwen y Eddie se convierten en amantes. 

Florence sigue a Eddie a Nueva York. Quiere que vuelva a casa y trabajen en la "reconstrucción" de su matrimonio. Rechaza el deseo de Eddie de cuidar a su padre personalmente y estalla de rabia cuando él le confiesa que estuvo con Gwen. 

Con la ayuda del médico, Eddie saca a Sam del hospital a escondidas y lo lleva a la casa familiar, una enorme mansión victoriana en Long Island Sound . Sam lo llama Evangelos, lo que despierta recuerdos intensos. 

Gwen se ofrece a ser la amante de Eddie después de casarse con un chico que la cuida, George, pero Eddie insiste en que se casará con ella. Eddie no puede darle a Sam el dinero para que inicie su negocio imaginario de alfombras persas, así que décadas de ira reprimida estallan: Eddie admite que se avergüenza de él. Mientras Eddie y Gwen están en un bote, la familia se lleva a Sam por la fuerza. Charles se lleva a Gwen y al bebé. 

Cada vez más distraído, Eddie finalmente se enfrenta al hombre "exitoso" que era. Arthur, el abogado,  interrumpe este diálogo cuando llega de Los Ángeles. 

Arthur, Florence y el Dr. Liebman presionan a Eddie para que le entregue todos sus bienes gananciales a Florence. Ella le dice que no firme, pero él lo hace (usando el nombre de Arthur). En una conversación privada con Eddie, Florence le confiesa su amor y le asegura que estará a su lado pase lo que pase. Pero cuando Eddie dice que no quiere hacer absolutamente nada, ella responde: «De acuerdo. ¿Y tú qué harás?». Él quiere tomarse un tiempo para reflexionar, lo que implica vender sus lujosas propiedades y vivir de forma más sencilla. Florence no lo comprende, y los celos que siente hacia Gwen la consumen. 

Eddie la acusa —con razón— de haber hablado con Arthur sobre internarlo en un psiquiátrico. En la audiencia de internamiento, nos enteramos de que Eddie posteriormente incendió la casa familiar y vemos a los alter egos enfrentándose. Eddie no sabe explicar cómo tiene una herida de bala: vemos que Charles le disparó en el apartamento de Gwen. 

Después de varios intentos fallidos, en los que el recién "auténtico" Eddie es arrestado por exhibicionismo , incendia la casa de sus padres, símbolo de la tiranía de su padre sobre la familia, luego recibe un disparo del celoso pretendiente de Gwen y posteriormente es internado en un hospital psiquiátrico , Eddie pide ser internado en un hospital psiquiátrico. 

El juez le dice a Gwen que Eddie puede ser liberado en cualquier momento demostrando que tiene trabajo y casa. Eddie parece estar contento entre sus nuevos amigos en el manicomio, pero Gwen lo convence para que vuelva a intentarlo. 

Eddie se reconcilia con su padre moribundo y le dice a Gwen que ambos deseaban lo mismo: otra oportunidad. Le confiesa su amor. Ella le da las gracias y sonríe. 

La escena final transcurre en el entierro de Sam, donde Florence le dedica a Gwen una sonrisa irónica. y de ternura mientras bajan el ataúd de su padre a la tumba. 

La película tuvo sus reconocimientos . En la 26.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos fue ganadora Mejor película extranjera; y en la  21.ª edición de los Fotogramas de Plata  fue nominada al mejor intérprete de cine extranjero (Faye Dunaway) y al Mejor intérprete de cine extranjero (Kirk Douglas).

En cunto a la crítica Vincent Canby, del New York Times, escribió que «apesta a cine chic ligeramente absurdo, pero, a diferencia de Escrito en el viento de Douglas Sirk o Dos semanas en otra ciudad de Vincente Minnelli , no solo no es muy divertida, sino que es un desastre de estilos prestados. Lo peor es que puede resultar en gran medida incomprensible, a nivel narrativo simple, a menos que uno haya leído el cuento de 543 páginas de Kazan, un éxito de ventas, que el director ha resumido más o menos en su película».  Canby también incluyó en su lista de las «diez peores películas de 1969» del periódico: «Kazan utiliza muchas técnicas cinematográficas ingeniosas de los sesenta, pero la película sigue pareciendo una producción audaz de Ross Hunter de los cincuenta». 

Variety la calificó como «una película confusa, demasiado artificiosa y excesivamente larga, poblada por un conjunto de personajes que al espectador no le importan en absoluto». Y concluyó con un "Es la película más romántica de Elia Kazan. Y posiblemente sea la peor, en términos cinematográficos" 

Roger Ebert escribió que era "una de esas películas 'serias' largas, pesadas y llenas de estrellas que fueron populares en la década de 1950, antes de que comenzáramos a valorar el estilo más que las buenas intenciones del director. No es exitosa, particularmente no en los términos de Kazan (él la ve, sin duda, como un amargo sermón sobre las consecuencias de venderse). Pero sí se nutre de las notables actuaciones de Kirk Douglas y Faye Dunaway". 

Gene Siskel del Chicago Tribune comentó que Kazan "no logra darnos una caracterización clara de Eddie ni de las personas en su vida. Las tensiones que se revelan están nubladas por errores básicos de dirección... Sería bueno excusar la dirección de Kazan diciendo que se vio obligado a darle vida a un guion débil, pero él también escribió el guion". Y concñluyó con un ""No funciona, sobre todo siendo una película de Kazan (...) Pero se nutre de las estupendas actuaciones de Kirk Douglas y Faye Dunaway (…) " 

La crítica por antonomasia, Pauline Kael, de The New Yorker, escribió: «Si uno no supiera que Kazan es una figura importante en el cine, no encontraría nada en la forma en que se ha realizado esta película que lo sugiera. La dirección es rígida y casi cruelmente coercitiva con los actores. No hay nada en esta película que parezca espontáneo, ni en la dirección ni en la actuación. Los actores no tienen vida propia como intérpretes, ni rastro de inventiva; simplemente gritan frases hechas, representando ideas populares prefabricadas sobre la traición». 

En IndieWire se señala que fue "Un intento mal concebido de adaptarse a unos tiempos cambiantes que Kazan nunca entendió" 

Geoff Andrew de Time Out entiende que "Todo es muy forzado y cuando no lo es, es superficial e indulgente" Sue Heal: Radio Times "Una película bastante desagradable (...) Un reparto lleno de estrellas (...) no es capaz de sacar adelante una premisa anticuada (…) " 

Charles Champlin, del Los Angeles Times, escribió: «La pasión personal que inspiró la novela aún está presente en la película, pero en la pantalla la pasión está tan comprometida y debilitada por lo que se hace pasar por técnica e inventiva que se convierte solo en un eco intermitente». 

Tony Mastroianni en The Cleveland Press se refirió a la película como una "mala novela [que] no mejoró mucho en la transferencia [al cine]". 

Philip Strick de The Monthly Film Bulletin escribió que la película "resulta que no dijo más en 125 minutos de lo que dijo durante los primeros seis". 

Ya en España Francisco Marinero: en El Mundo califica esta película como "Interesante sobre el papel, en el fondo espectacular, da la impresión de que el director no confía en la inteligencia del espectador, y tiene que explicarles la lección, con lo cual el aspecto dramático queda devaluado sin remedio" 

M. Torreiro de El País la califica como "Obra maestra" ; y José Luis Guarner en su Historia del cine americano señala que "Cuenta con grandes momentos y la presencia extraordinaria de Faye Dunaway (...) con todo, significó para Kazan una desilusión, que alentaría su progresivo alejamiento del cine." 

Decir que la película  era parcialmente autobiográfica ; el narrador, al igual que Kazan, es un grecoamericano y liberal que había sido brevemente miembro del Partido Comunista de los Estados Unidos en la década de 1930 antes de desilusionarse con él. Arness también conoce a muchas figuras de menor rango en la industria cinematográfica de Hollywood , donde Kazan alcanzó su mayor fama. 

Kazan afirmó que la obra era completamente ficticia. The Arrangement –según dicen los criticos e historiadores cinematográficos— quiere imitar algunos de los procedimientos que utilizaba el cine europeo de la época para alterar la narración tradicional: confusión entre los tiempos de la historia, entre el pasado y el presente; alguna que otra alteración de la imagen, a través de zooms o de un montaje rápido… La mayor parte de esos mismos críticos e historiadores afirman que la manera en que la película adopta esas estrategias es falsa e impostada, más imitativa que realmente necesaria. Kazan querría ser moderno y fracasaría en el intento, según ellos, yo por mi parte considero que estamos ante uno de los grandes dramas del cine pasado.

La asistenta

Tercera película que he visto a través de Prime, una vez vuelto al Gym, película de la que me habló mi mujer el pasado año por estas fechas para ir al cine y que , obviamente, no pude ir. 

Con el título en inglés de The Housemaid y aquí presentada como La asistenta la película cuenta con tener a dos pibones en su repertorio como son la estrella en alza Sydney Sweeney y otra más consolidada como Amanda Seyfried, superando ser la protagonista joven y enamorada de Mamma Mía, es m ucho m´ñas que eso como comprobé en una serie. Invitado de piedra es Brandon Sklenar. La película es obviamente estadounidense, de suspense psicológico con cierta carga erótica teniendo a quien tiene y del año 2025. 

Fue dirigida por Paul Feig y escrita por Rebecca Sonnenshine basada en la exitosa novela de 2022 de Freida McFadden, razón por la que mi mujer me comentó la posibilidad de ir al cine. 

La película está producida por Todd Lieberman, Laura Fischer y Paul Feig, aunque en la misma aparecen como productoras ejecutivas la escritora McFadden y Alex Young, aunque para mi sorpresa en octubre de 2024, Sydney Sweeney y Amanda Seyfried se unieron en esa función. Esta última, la Seyfried, no supo que estaba acreditada como productora ejecutiva hasta tres semanas después de comenzar la producción; afirmó que este crédito era un “crédito de vanidad” negociado por su agente y aclaró que “no hizo nada para hacer esa película. Solo actué”. Al final, Media Capital Technologies cofinanció la película, junto con las más clásicas Feigco Entertainment, Hidden Pictures, Lionsgate invirtiendo en ella 35 millones de dólares. 

En el apartado técnico su sumaron en la buena fotografía de John Schwartzman, en el montaje Brent White y en la música Theodore Shapiro en su octava colaboración con Feig. 

La película comienza con la llegada a una mansión por parte de "Millie" Calloway (Sydney Sweeney) , una chica, guapa, inteligente, con buen curriculo, pero de la que después descubriremos secretos ocultos, como que malvive en un coche y que recientemente puesta en libertad condicional. Tras abrirle la puerta Enzo ( Michelle Morrone), un italiano sin papeles, es contratada por una encantadora Nina Winchester (Amanda Seyfried) como empleada doméstica interna en una mansión de Great Neck, Long Island , ya que como ex-reclusa en libertad condicional, y pendiente de cumplir otros 5 años de condena por asesinato cuando era adolescente, Millie debe mantener un empleo legal. 

En la casa viven el adinerado esposo de Nina, Andrew (Brandob Sklenar) , y su hija, Cecilia - Cece- (Indiana Elle)  . 

Le asignan una habitación en el ático con una ventana sellada y una puerta con cerradura exterior. Supuestamente, Nina la contrata porque está embarazada y necesita ayuda en la casa. 

Casi desde el principio ella detecta cosas extrañas como el papel del jardinero, Enzo , o como el cambio de carácter de su empleadora. 

Una mañana, Nina acusa a Millie de tirar sus notas de la reunión. Andrew interviene, asegurándole a Nina que tiene tiempo para revisarlas. Le amenaza con echarla, pero el marido la para. 

Una noche, Nina encuentra a Andrew viendo Family Feud con Millie, ya que ninguno puede dormir; aunque inofensivo, la amenaza con despedirla, advirtiéndole que se mantenga alejada de él. Las rarezas de Nina van a más en diversas ocasiones. Ella es testigo de como las amigas de Nina, hablan a su espalda y la consideran una loca de atar, o del papel omnipresente de la madre de Andrew (Eloizabeth Perkins) , una Winchester orgullosa de su dentadura, de su hijo y de sus bienes materiales. 

Millie se preocupa cada vez más por los cambios de humor y los arrebatos violentos de Nina, y comienza a buscar otras oportunidades laborales. 

Millie se entera de que los padres de Nina murieron en circunstancias sospechosas en un incendio en su casa, que no puede tener más hijos debido a una insuficiencia ovárica prematura , que toma antipsicóticos y que fue internada por intentar ahogar a Cece e intentar suicidarse con una sobredosis . 

Un día Nina le pide a Millie que reserve entradas para un musical de Broadway y un hotel para la pareja, el señor y la señora Winchester, pero luego se niega, ya que el horario coincide con el campamento de ballet de Cece en Washington. 

Por supuesto , le dice que ella ha de abonar los gastos generados. Mientras Nina la lleva al campamento, Andrew, que le ha dicho a la asistenta, que no se preocupa que anulará los pagos de la tarjena, pero como no puede finalmente le pide a Millie que asistan en secreto al espectáculo. Tras esto cenan juntos y se registran en el hotel. 

Tras recibir numerosos mensajes furiosos de Nina, esta busca protección en Andrew, quien consuela a Millie, tienen relaciones sexuales y regresan a casa. Al llegar Nina parece más tranquila, pero casi de inmediato le confiesa a Millie que sabe de sus diez años en prisión, los confronta sobre su romance y amenaza a Millie. Andrew defiende a Millie y le exige a Nina que se vaya. Cosa que ella hace , pero ¿ y Cece? - me pregunto, en este momento desaparece totalmente de la película y de la historia , salvo que retorna en la escena casi final. 

Los dos nuevos amantes continúan su relación, mientras que Nina, tras mostrarse visiblemente afectada al principio, parece, una vez fuera de la casa, aliviada y feliz de haberse separado de Andrew. Millie, sin saberlo, sirve el desayuno a Andrew en un plato de porcelana antigua que le había regalado su madre , la señora controladora, pero al ver al jardinero Enzo afuera, se asusta y lo rompe accidentalmente. Andrew despide a Enzo y le dice a Millie que recoja los pedazos y los meta en una bolsa de plástico para restaurarlos. 

Esa noche, la lleva al ático, beben burbujas del champán, pero también la droga y la encierra en el ático. Cuando Millie despierta, exige que la liberen, pero Andrew se niega. ¡Éste si que está loco! 

Mientras desde su nueva habitación, Nina le escribe una carta a Cece para cuando sea mayor, explicándole que ella no tuvo la culpa de la muerte de sus padres. Cuando era estudiante universitaria, un profesor de derecho casado, la dejó embarazada, la abandonó al enterarse del embarazo y ella se enamoró de Andrew mientras criaba a Cece como madre soltera. 

Al principio, Andrew le pidió a Nina que se tiñera el pelo castaño de rubio. Cuando Nina faltó a una cita para teñirse las raíces, Andrew la encerró en el ático hasta que se arrancó cien cabellos, incluyendo los folículos. La obligó a hacerlo de nuevo alegando que a un mechón le faltaba un folículo. Luego, Andrew la drogó, la incriminó por intentar ahogar a Cece y drogarse a sí misma, y continuó torturándola con confinamiento en el hospital psiquiátrico y en el ático. Negándose a quedar embarazada del hijo de Andrew, Nina se puso un DIU en secreto, fingiendo insuficiencia ovárica prematura como excusa para justificar sus dificultades para concebir. Enzo, consciente de la situación, intentó sin éxito ayudar a Nina y Cece a escapar de los abusos de Andrew. Finalmente, contrató a Millie, con la esperanza de que Andrew la dejara. 

Millie es justo el tipo de chica que le gusta a Andrew: joven, guapa, solitaria y problemática. Como castigo por romper la porcelana, Andrew le da a Millie un trozo, exigiéndole que se corte el estómago una vez por cada una de las 21 piezas del plato. Una vez terminado, Millie se queda dormida. 

Cuando Andrew entra en la habitación, ella lo apuñala con un cuchillo que Nina le había dado y luego lo encierra. Millie le ordena a Andrew que le arranque uno de los dientes delanteros con unos alicates. 

Para obligar a Andrew a obedecer, Millie rompe más vajilla de su madre y amenaza con quemar el ático. Revela que estuvo diez años en prisión por haber matado a golpes al violador de su mejor amiga. Pero , con todo, fue condenada a 15 años de cárcel, siendo abandonada por amigas y sus padres, al ser el chico un niño bien. 

Cuando Nina recoge a Cece del campamento, Cece le sugiere que salve a Millie - aunque yo esto no lo he visto- . 

Esa noche, Nina se cuela en el ático, creyendo que Millie sigue dentro. Andrew ataca a ambas mujeres, pero Millie escapa. Intenta convencer a Nina de que vuelva con él, pero ella se niega. Entonces intenta matarla, pero Millie regresa y lo empuja hacia la escalera, donde cae al vacío y muere. Nina deja caer una bombilla como si Andrew se hubiera caído al intentar instalarla. Le dice a Millie que huya y llama a Enzo para que la ayude a limpiar la escena. 

La agente Jessica Connors considera que las pruebas y la declaración de Nina no son convincentes. Sin embargo, su hermana quedó traumatizada cuando estuvo comprometida con Andrew, por lo que afirma que su muerte fue un accidente fortuito. 

Tras el funeral de Andrew, Nina le da a Millie 100.000 dólares y se marcha con Cece a California para empezar de cero. Nina recomienda los servicios de Millie a su amiga Lisa, quien insinúa que su marido la maltrata. Al comprender el verdadero motivo por el que Lisa quiere contratarla, Millie acepta el trabajo encantada. 

El rodaje comenzó en enero de 2025 en Nueva Jersey, y concluyó en marzo de 2025. Canciones comerciales que aparecieron en la película, pero que no se incluyeron en los álbumes de la banda sonora aparecen y son de Lyn Lapid, Linda Ronstadt, René Rapp, Lana Del Rey, Clare y Oliver Manchon, Jessie Murph , Kelly Clarkson, Linda Ronstadt, la "Danza alemana n.º 1 en do mayor" que aparece en Barry Lyndon, pero también de Taylor Swift y Goldie Boutilier. 

La película The Housemaid recaudó un total mundial de 400,5 millones de dólares. Un exitazo. Algún premio se llevó como en los 53 Saturn Awards 2026 dobde fue nominada al Mejor thriller. 

En cuanto a la crítica William Bibbiani de The Wrap escribió: " The Housemaid tiene sus giros, y probablemente verás venir algunos de ellos a kilómetros de distancia, incluso si no sabes exactamente cómo se revelarán los secretos o qué forma tomará el peligro. En más de una ocasión, el giro es que The Housemaid es incluso más extraña y divertida de lo que esperas, y eso es una grata sorpresa". 

Tim Robey de The Daily Telegraph afirmó que "Esto es un regreso total a los tropos del ' thriller erótico ' de la década de 1990". 

Kyle Smith de The Wall Street Journal escribió: " The Housemaid es un delicioso salón de espejos en el que la realidad resulta estar sujeta a una modificación infinita". 

David Rooney en The Hollywood Reporter habla de que es "Una lobotomía podría ser útil para tragarse todos los giros impactantes de esta absurda historia (...) Pero la contraprogramación de vacaciones no puede ser mucho más jugosa" 

Owen Gleiberman en Variety señala que "The Housemaid', un thriller doméstico que te aprieta los tornillos, no es nada más (ni nada menos) que una pieza de pulp postfeminista chillona, divertida y eficaz" 

Jeff Ewing de Collider nafirma que "En general, la película es estructuralmente confusa, con un ritmo inicial lento al principio (...) A pesar de todo, 'The Housemaid' logra uno de los finales más entretenidos de este año. (...)" 

Mick LaSalle en San Francisco Chronicle considera que "Es muy divertida y encaja a la perfección con lo que parece ser el plan maestro de Sweeney para establecerse como una actriz sin complejos especializada en situaciones extremas" 

Jesse Hassenger de AV Club destaca de la misma que es "Un enfrentamiento apropiadamente sórdido entre Seyfried y Sweeney (...) Paul Feig siempre ha parecido un poco incómodo con la 'exploitation', pero hace algunos progresos con este thriller" 

Anzhe Zhang de Slant no tan generoso dice de ella que "Su vuelta de tuerca es increíble, pero no llega a ser una deconstrucción de los valores de las esposas tradicionales y amas de casa. Esto se debe a que esta película incongruente desde el punto de vista tonal (...)" 

Brian Truitt de USA Today algo más benévolo que el anterior dice de ella que "La película del director Paul Feig no alcanza todas las marcas de su adictivo material de origen, pero la cosa es lo suficientemente salvaje como para ser un placer culpable de vacaciones. (...)" 

En las páginas de IndieWire, Kate Erbland, destaca a "Amanda Seyfried realiza su segunda gran actuación de 2025 en un thriller demasiado tímido para ser totalmente 'camp'" 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian considera que "Puede que sea una tontería, pero Feig y su reparto la interpretan con un gusto tremendo; es un inocente regalo navideño. (...) " 

En Time Out, Olly Richards comenta que "Casas estupendas, lástima de la trama. El tipo de tontería lustrosa que podrías ver a medias en un domingo perezoso. (...)" 

Clarisse Loughrey del The Independent comentó que "Sydney Sweeney tiene un éxito 'camp' en sus manos (...) ['The Housemaid'] tiene un arma secreta en la forma de una muy brillante Amanda Seyfried (...)

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo afirma que es "Una solemne, divertida y muy consciente majadería, pero muy disfrutona y con un guión con más giros que el scalextric de Marty Feldman (...) 

En El País, Javier Ocaña "Una intriga psicológica tan demencial como irresistible (...) Cine travieso para espectadores juguetones. Sin freno." 

Desirée de Fez en El Periódico considera que es "Un 'thriller' juguetón y adictivo, lleno de volantazos y decisiones imprevisibles, que Paul Feig ha sabido trasladar al cine con una mezcla equilibradísima de elegancia y guasa. (...)" 

Janire Zurbano de Cinemanía dice de ella que "Feig se consagra como maestro del thriller femenino con una Amanda Seyfried brillante (...) que disfrutarán los que busquen una adaptación fiel al libro y los amantes del género (...)" 

Sergi Sánchez en La Razón considera que "No parece tomarse demasiado en serio a sí misma, acentuando la dimensión ‘camp’ de sus excesos, que son muchos e implausibles. (...) A ratos recupera el encanto desmelenado de clásicos del thriller de los noventa como “La mano que mece la cuna” (...) 

Marta Medina del Valle de El Confidencial calificó el "artefacto posposmoderno",  declarándolo la "mejor peor película" de los últimos tiempos. 

En enero de 2026, Lionsgate anunció que se había dado luz verde a una secuela, con Feig, Sweeney y Morrone de regreso. La secuela será una adaptación de El secreto de la criada , el segundo libro de la serie La criada de Freida McFadden . En marzo de 2026, Lionsgate Studios anunció que la secuela se estrenaría el 17 de diciembre de 2027, con Kirsten Dunst añadida al reparto.

Por mi parte decir que la historia de esta película la ves venir. Es un thriller psicológico que cumple con entretener, pero flaquea al recaer en lugares comunes y resoluciones que el espectador intuye desde su primer tramo.

Desde el inicio, la propuesta asume los modismos clásicos del thriller doméstico de sobremesa. El marido seductor y perfecto, la esposa desquiciada pero educada y los secretos tras las paredes de lujo se configuran como fichas de un dominó que caen exactamente en el orden previsto Aunque la cinta juega a proponer giros de guion en su tramo final, la naturaleza de estos artificios se huele con demasiada antelación. Las pistas que la trama siembra en pantalla son tan evidentes que anulan el factor sorpresa. 

En lugar de generar genuina tensión o incomodidad profunda, la historia transita por un camino de comodidades narrativas donde el espectador siempre va un paso adelante de los personajes. Lo mejor de la propuesta recae en el duelo actoral entre Amanda Seyfried y Sydney Sweeney. Ambas intentan elevar el material de origen con una contención elegante que dota de cierta atmósfera a escenas que, de otro modo, se sentirían planas. 

Sin embargo, el esfuerzo del reparto no logra rescatar al filme de su gran debilidad: un libreto previsible que prefiere la seguridad del molde comercial antes que la osadía del misterio real.  

Revisión de la casa torcida

Una película de Agatha Christie, siempre genera interés y en el caso de La casa torcida, una película del año 2017 es un fiel adaptación del estilo tan característica de la autora con su natural "whodunit" (¿quién lo hizo?). En este caso no se ha ido al periodo victoriano sino que la historia está ambientada en la década de 1950. Como suele ocurrir en sus obras la investigación se complica porque, según el estilo habitual de la Doña, todos en la mansión tienen motivos y secretos para querer al patriarca muerto. La familia del finado convive en una peculiar mansión de estructura inclinada de ahí el título.

Después de conseguir el premio al mejor director por La llave de Sara en el Festival Internacional de cine de Tokio, el director francés Gillet Paquet- Brenner vuelve con la adaptación cinematográfica de la enigmática novela homónima de Agata Christie, La casa torcida, publicada en 1949. Se trata de una película con guion de Julian Fellowes, Tim Rose Price y el mismo Gilles Paquet-Brenner, producida por James Spring, Sally Wood, Joseph Abrams para las productoras Metro International, Brilliant Films Entertainment, Fred Pictures que invirtieron en ella unos $10 millones. 

La película contó con la fotografía de Sebastian Winterø siendo una coproducción británico-estadounidense  protagonizada por Max Irons , Terence Stamp , Glenn Close , Gillian Anderson y Stefanie Martini, Julian Sands, Christina Hendricks . 

La película del año 2017 cuenta la historia de tres generaciones de la familia de Arístides Leonides un multimillonario griego que conviven en una curiosa mansión de estructura inclinada. La rutina de la mansión se trunca cuando Arístides es envenenado ya que se sospecha que el culpable de ser alguien de la familia. 

Sophia pedirá entonces a Charles un antiguo amante que haga lo posible para esclarecer el asesinato. El caso se completará con más muertes y con el hecho de que nadie tiene una firme coartada en esta historia que se desarrolla a mediados de la década de 1950, en Londres.

La película comienza cuando Sophia Leonides (Stephanie Martini), nieta del difunto magnate griego Aristide Leonides, visita al detective privado Charles Hayward (Max Irons). Le pide que investigue la muerte de Aristide, sospechando que fue asesinado. 

Charles accede a regañadientes, sintiéndose dividido debido a un antiguo romance con Sophia en El Cairo . 

Charles solicita la autorización del inspector jefe Taverner (Terence Stamp) de Scotland Yard para investigar el caso. Aristide era el patriarca autoritario y manipulador de la numerosa y peculiar familia Leonides, cuyos miembros vivían juntos en la finca familiar. Aparentemente murió de un infarto después de que su inyección habitual de insulina, administrada por su esposa Brenda, fuera adulterada con eserina procedente de sus gotas oftálmicas. 

Brenda(Christina Hendricks ) es la segunda esposa de Aristide, una exbailarina de casino de Las vegas mucho más joven que su marido. 

Por su parte, Lady Edith de Haviland (Glenn Close) era la hermana de la difunta primera esposa de Aristide, a quien le gustaba merodear por la finca y disparar a los topos en el césped con una escopeta. Despreciaba a su cuñado. 

Philip (Julian Sands), el hijo mayor de Aristide, odiaba a su padre por haberlo excluido como sucesor en el negocio familiar y por negarse a financiar la producción de un guion que escribió para su esposa, Magda (Gilliam Anderson) , una actriz de teatro en decadencia. 

Sus hijos (nietos de Aristide) son Sophia, Eustace, un adolescente cínico, amante del rock and roll y afectado por la polio , y Josephine, una niña inteligente de 12 años que se entera de todo. 

El hijo menor de Aristide, Roger, es director general de una importante empresa familiar, pero es un fracasado que ha necesitado múltiples rescates financieros. Su dominante esposa, Clemency, es bióloga botánica con amplios conocimientos sobre venenos. 

Además en la casa está Laurence Brown, un profesor particular, mantiene una relación extramatrimonial con Brenda. Su alumna Josephine lo espía desde su escondite en la casa del árbol. 

Charles entrevista a la familia y se topa con hostilidad por parte de todos. Todos los miembros de la familia tienen motivos para el asesinato: todos resentían el comportamiento intimidatorio y manipulador de Aristide, y ahora esperan una cuantiosa herencia. La mayoría sospecha de Brenda, como la persona ajena a la familia que administró la inyección letal. Sus sospechas se refuerzan cuando se descubre que el testamento de Aristide no estaba firmado, lo que resulta en que Brenda herede toda su fortuna según las leyes de sucesión intestada . 

En un momento dado, Josephine insinúa haber encontrado pistas, pero se niega a revelarlas. La escalera que lleva a la casa del árbol de Josephine es saboteada, ella cae y queda inconsciente. Las sospechas recaen sobre Sophia tras el descubrimiento de otro testamento, debidamente firmado, que le deja toda la herencia. 

Por su parte, el inspector Taverner llega para hacerse cargo del caso; siente que el pasado de Charles con Sophia lo compromete. El descubrimiento de cartas de amor entre Brenda y Laurence le proporciona a Taverner pruebas suficientes para arrestarlos por el asesinato de Aristide y el intento de asesinato de Josephine. 

Charles, sin embargo, sigue sin estar convencido. Josephine está furiosa porque su cuaderno personal ha desaparecido. Su niñera le prepara chocolate caliente. Josephine lo rechaza y su niñera muere tras beberlo. 

Charles le ruega a Josephine que revele la identidad del asesino. Una vez más, Josephine se niega, incluso cuando Charles le advierte que corre peligro. 

En esto a Edith le diagnostican una enfermedad terminal y le dicen que solo le quedan unos meses de vida. El forense determina que la niñera murió por envenenamiento con cianuro . Charles sospecha de Edith, quien usaba cianuro para matar topos. 

Registra el cobertizo del jardín de Edith y encuentra una botella de cianuro, así como el cuaderno desaparecido de Josephine, enterrado en cal viva . 

Finalmente vemos a Edith llevando a Josephine al campo a dar un paseo en coche. Deja una nota confesando los asesinatos. 

Charles y Sophia los persiguen en otro coche. Mientras conducen, Sophia lee el cuaderno de Josephine y descubre la verdad: que Josephine había asesinado a Aristide por haberle interrumpido sus clases de ballet. También había simulado su caída desde la casa del árbol, envenenado a la niñera (que ya sospechaba de ella) y falsificado las cartas de amor de Brenda. Edith se dio cuenta de que Josephine era la asesina y confesó falsamente para exonerar a Brenda y Laurence, y evitarle a Josephine una vida en un centro psiquiátrico. 

Cuando Charles y Sophia los alcanzan, Edith se precipita por el borde de una cantera y tanto ella como Josephine mueren acabando así la película. 

En 2011, el cineasta estadounidense Neil La Bute anunció que dirigiría una versión cinematográfica, para 2012, de la novela con un guion de Julian Fellowes . En mayo de 2011, se anunció que Gemma Arterton , Matthew Goode , Gabriel Byrne y Dame Julie Andrews encabezarían el reparto. 

En un informe publicado el 10 de junio de 2012, Sony Pictures Worldwide Acquisitions adquirió todos los derechos en EE. UU., Canadá e internacionalmente para la película, lo que podría ayudar a asegurar su lucrativo estreno, aunque el reparto y el equipo creativo habían cambiado. 

El rodaje comenzó en septiembre de 2016.  Parte del rodaje se realizó en la Biblioteca Maughan del King's College de Londres . Minley Manor, cerca de Fleet, Hampshire , se utilizó como lugar para las tomas exteriores de Three Gables, también conocida como la Casa Torcida que da título a la película. Los interiores se filmaron en cuatro lugares diferentes,  incluyendo Hughenden Manor , West Wycombe House y Tyntesfield , cerca de Bristol . 

El diseñador de producción fue Simon Bowles .  La ​​banda sonora original de la película es de Hugo de Chaire. 

La crítica la considera una adaptación sólida y entretenida, fiel a la obra original, que era una de las favoritas de la propia Agatha Christie. Algunos críticos señalaron que el ritmo puede ser lento para algunos espectadores, y la actuación de Max Irons fue descrita por algunos como plana, contrastando con actuaciones destacadas como la de Glenn Close eso una vez estrenada la película  en el Reino Unido por Channel 5 el 17 de diciembre de 2017.

En cuanto a la crítica británica en el Telegraph Gerard O'Donovan afirma que "En general, una adaptación muy entretenida y suntuosa que, aunque no rompe los moldes de Christie, impregna la historia de un tinte agradablemente contemporáneo (…) " 

Terry Staunton de Radio Times sostiene que se trata de "[Una] adaptación fallida (...) La ordinaria dirección de Paquet-Brenner hace que la obra parezca una producción resacosa no profesional (…) 

En la estadounidense Variety Peter Debruge  escribe que presenta "Una dirección elegante y un reparto deliciosamente perverso refuerzan el misterio más retorcido de Agatha Christie." 

Chuck Bowen de Slant comenta que "Gilles Paquet-Brenner dirige esta película de manera efectiva e impersonal (...) La película se desarrolla en piloto automático alternando entre lo prestigioso y lo teatral (…) " 

Emily Yoshida de Vulture  sostiene que "A veces chirría, pero tiene suficientes giros y momentos impactantes para resultar atractiva durante todo el metraje (...) La MVP es Christina Hendricks" 

Ya en España Jordi Costa en El País dice de ella que "Paquet-Brenner se aplica (...) sin atisbo de inspiración expresiva, pero Glenn Close, Julian Sands y Gillian Anderson, entre otros, le sacan las castañas del fuego con su colectivo retrato de una aristocracia endogámica y monstruosa" 

Alberto Luchini de El Mundo lo que destaca es que hay "Aburrimiento en la mansión (...) diálogos absolutamente impostados, una puesta en escena impersonal y apabullantemente teatral y un reparto de campanillas (…)" 

Oti Rodríguez Marchante de  ABC comenta que "Todavía procura cierto interés, o intríngulis, si no se conoce la obra original, pero es inimaginable sacarle algo de carne a ese hueso si ya se sabe quién es el asesino en esta historia sin mayordomo. (…) " 

Desde Barcelona Quim Casas en El Periódico la describe como una película con "Un detective inexperto y sin nada de carisma intenta resolver el caso mientras el director del filme inclina la cámara para mostrar lo descentrados que están los personajes. Todo bastante previsible y en exceso mecanizado. (…) " 

Daniel De Partearroyo en Cinemanía comenta que "Cuando, como en el caso de 'La casa torcida', no hay detective carismático a lo Poirot o Miss Marple para llevar de la mano la narración, esa tosquedad mecánica chirría más. (...) una adaptación criminal. (…) " 

Y en Fotogramas Jordi Batlle Caminal lo que destaca es que "La intriga es tan descafeinada como inexistente la dirección, plúmbeo el ritmo narrativo y discretas las interpretaciones; el protagonista, Max Irons, bien merece el premio al actor más soso en lo que va de siglo. (…)"

Ernesto J. Pastor en X señala que "¡Qué espanto de realización! ¿Para qué montar una secuencia en 10 planos si se puede montar en 100 y además cámara en mano para que se note más? Y no es cuestión de ritmo. "

Por mi parte destacar que de lo más interesante de la misma es su escenografía pues la película se filmó en varias mansiones históricas de Inglaterra, como Minley Manor (exteriores) y Tyntesfield (interiores), lo que le da un aire gótico y opulento muy característico. 

Por otro lado la película consigue capturar el ambiente provocado por a tensión familiar, la codicia y la manipulación más que en la violencia física.

Y por último elogiable es su guion coescrito por Julian Fellowes, conocido por "Gosford Park" y "Downton Abbey", lo que asegura un estilo refinado en los diálogos.  En fin, me ha gustado esta Crooked House 

La pequeña tierra de Dios

Drama del año 1958 dirigido por Anthony Mann y William Keighley basado en una obra literaria del año 1933, en plena depresión y titulada en su versión original como God's Little Acre. La obra se desarrolla en Georgia y que tiene como protagonista a un pobre granjero ( Robert Ryan) padre de una muy desestructurada familia que cree que en su terreno hay un tesoro escondido. El hombre lleva años buscando afanosamente el oro de su abuelo en compañía de dos de sus hijos. Con ellos convive su hija pequeña, pero tiene otra hija casada con un líder de una fábrica y con otro hijo con el que no se habla. 

La película cuenta con Aldo Ray, Buddy Hackett, Jack Lord, Fat Spain, Vic Morrow, Helen Westcott, Langella Fuller, Rex Ingram y un irreconocible - y en este caso albino- Michael Landon .

Está basada en la obra de Erskine Caldwell, una novela, exitosa -vendió 10 millones de ejemplares superando a “Lo que el Viento se Llevó”- aunque transformada en guion por Philip Yordan y un no acreditado Ben Maddow, uno de los 10 de Hollywood- y está producida por Security Pictures, inc, Anthony Mann Production y teniendo como productor oficial además con Sidney Harmon. La película cuenta con la gran música de Elmer Bernstein, cuya banda sonora consta de 15 temas, intensos, apasionados y cautivadores, entre los que destacan "Griselda", "Solo de piano", "Escena de amor" y "God's Little Acre" (tema principal); la magnífica fotografía en blanco y negro es de Ernest Haller que muestra el calor, la luminosidad cegadora - y en ocasiones sucia- del sur. Un director de fotografía que ya había brillado en "Jezabel (1938), y con Mann en uno de sus western, "El hombre del Oeste" (1958) , que nos ofrece una narración visual magnífica, con encuadres precisos, aproximaciones emotivas, composiciones de gran fuerza y referencias simbolistas, como el río de aguas apacibles, casi estancadas, que abre y cierra el film. Igualmente destaca el montaje de Richard C. Meyer. 

El viudo Ty Ty Walden y tres de sus hijos —Buck y Shaw, y su hija Darlin' Jill— viven en un lugar remoto de Georgia. La atractiva esposa de Buck, Griselda, también vive con la familia. La hija de Ty Ty, Rosamund, vive en el pueblo de Peachtree Valley con su esposo, Will, obrero textil. 

El último miembro de la familia Walden es Jim Leslie, su hijo, también viudo, quien es un adinerado comerciante de algodón y reside en Augusta. 

Ty Ty es un granjero que padece la "fiebre del oro" y que lleva 15 años excavando infructuosamente en sus tierras, buscando el tesoro que le legó su abuelo y que dejó enterrado hace unos 100 años. Como consecuencia, la granja ha sufrido años de abandono. Mientras el padre y dos de sus hijos cavando llega un amigo de la familia,  Pluto Swint, para anunciar su candidatura a sheriff.  

Junto a eso le dice al viejo que sería más fácil encontrar el tesoro y el oro si tuviese a su disposición un albino, pues tienen - según sus cortas luces- la capacidad para detectar el oro escondido y enterrado en el suelo. Se acerca a la parte trasera, donde Darlin' Jill se está bañando en una bañera al aire libre situada cerca de una bomba manual y un grifo. Sabiendo que Swint se siente atraído por ella, ella lo molesta y le pide que bombee más agua. Aunque Swint mantiene los ojos cerrados, echa un vistazo. 

Creyendo que tener a una persona con albinismo acompañándolo en su búsqueda del tesoro le traerá suerte, Ty Ty secuestra a un albino, Dave Dawson, exigiéndole que le ayude a localizar el tesoro enterrado. Dawson, usando una varita mágica hecha de sauce como la que tienen los zahories o buscadores de agua, afirma que el oro se encuentra en la parcela que Ty Ty ha designado como "El Pequeño Acre de Dios". 

Ty Ty saca la cruz de la tierra, explicando que Dios le dijo que la moviera, lo que lo absolvía de dar a la iglesia el oro que encontrara en ese nuevo lugar. 

Esa en la casa hay diversos encuentros unos causales y otros los más buscados. A destacar el reencuentro de Wiltly Griselda, que hace años fueron novios, y que se sienten todavía atraídos con una fuerte pulsión sexual irrefrenable en una noche tórrida de temperatura. 

Esa misma noche, la pequeña Jill seduce a Dawson, algo que descubre Ty Ty en la laguna cercana, y al día siguiente, un trabajador del campo, el tío Félix, lo ahuyenta a punta de pistola, diciendo: "Yo no te voy a disparar, hijo, pero esta pistola sí". 

Lo cierto es que el proyecto de excavación de oro ha interrumpido la agricultura, y Ty Ty necesita dinero para alimentar a la familia y a los trabajadores. Por sugerencia de Félix, va a la mansión de su hijo Jim Leslie a pedir un préstamo. 

Un arrogante Jim Leslie le da el dinero, pero también se insinúa a su cuñada, Griselda, y promete hacerla suya. 

Tras conseguir el dinero  y a petición del marido de Griselda deciden para en la ciudad en la que todos paran menos el padre para beber. Mientras el espera en el coche se le insinúa una furcia, ante el regocijo de sus hijas y de su hija política. Mientras en el bar, el resto bebe sin límite llegando casi a las manos.

Will marcha junto a su mujer a Peachtree Valley, la fábrica de algodón lleva meses cerrada, lo que genera una gran tensión entre los desempleados. Will está decidido a entrar en la fábrica y dar electricidad para que todos puedan volver al trabajo. En plena noche, después de beber mucho, Will sale de su casa. Rosamund envía a Griselda tras él porque sabe que Will se siente atraído por ella. Él rompe las puertas de la fábrica y entra en la propiedad. Al principio, Griselda lo distrae de su propósito. Se besan apasionadamente y luego desaparecen en otra habitación. Cuando salen con el pelo despeinado, él la acompaña de vuelta a las puertas y pide a la creciente multitud que la contenga. Vuelve a entrar y enciende la electricidad, y las máquinas se reactivan entre los vítores de la multitud. 

El conserje, al oír la asamblea de los alborotadores y el encendido del molino, sale de una oficina interior y dispara a Will por allanamiento. La multitud lleva su cuerpo de vuelta a su casa. 

Griselda entra para darle la mala noticia a Rosamund, pero Rosamund grita que ya sabe lo que ha pasado. 

De vuelta en la granja, la familia Walden discute después del funeral de Will, especialmente Buck, quien está furioso por el comportamiento de Griselda con Will en el molino. Ty Ty anima a Buck a ser más feliz y a dedicar más tiempo a pensar en Dios. Jim Leslie llega para robar a Griselda, y Buck lucha contra él. 

Durante la pelea, Jim Leslie golpea a Ty Ty en la cabeza con un peldaño del porche. Al darse cuenta de que su evasividad ha destrozado a la familia, se interpone entre sus hijos antes de que Buck empale a Jim Leslie con una horca y lo envíe lejos para evitar más violencia. Ty Ty contempla sus tierras de cultivo, llenas de los enormes hoyos cavados durante los últimos 15 años, y declara que dejará de buscar oro si Dios protege a sus hijos. 

El tiempo pasa. Pluto Swint, ahora sheriff electo, le muestra su uniforme a Darlin' Jill, ahora su prometida. Buck y Griselda se han reconciliado, prestándose más atención mutuamente. La familia ara los campos con satisfacción por primera vez en años, y parece que finalmente podrían producir una cosecha. Pero Ty Ty encuentra la hoja de una vieja pala en la tierra y especula sobre si el oro podría estar allí. 

Al comenzar a cavar de nuevo, la escena final se centra en el lugar donde descansa el marcador del Pequeño Acre de Dios: el estanque. 

La película fue tan controvertida como la novela, que inspira en la experiencia de infancia del narrador en el Sur de EEUU, aunque a diferencia del material original, no fue procesada por obscenidad. Si bien tanto el libro como la película estaban plagados de insinuaciones subidas de tono que cuestionaban la fidelidad conyugal, la adaptación cinematográfica podría haber sido más alarmante porque retrataba un levantamiento popular, o insurrección obrera, en el sur de Estados Unidos por parte de obreros despedidos de fábricas que intentaban controlar el equipo de la fábrica del que dependían sus trabajos. 

Cuando se estrenó la película, se prohibió a los menores de 18 años ver lo que se percibían como numerosas escenas eróticas, aunque en las últimas décadas la reputación escandalosa de la película ha disminuido. 

En cuanto a las críticas que se publicaron sobre la película destaco dos. La primera la de Roger Moore, en Movie Nation. Moore señala que la película promete ligereza (por la canción del inicio, por ejemplo) pero se adentra en terrenos oscuros: obsesión, pecado, locura, violencia, traición. Movie Nation. Moore destaca a Robert Ryan como el patriarca Ty Ty Walden, un personaje obsesionado con encontrar el oro enterrado, lo que mina tanto la tierra como las relaciones familiares. También menciona que, aunque la obra original de Caldwell era fuerte y controvertida, la adaptación de Mann “suaviza” algunos elementos, quita algo de su potencia dramática o subtexto. Como conclusión se trata de una película con muchas virtudes —interpretación, ambientación, combinación de lo humorístico con lo sórdido—, pero que se siente “anticuada”, y por momentos caricaturesca. 

Por su parte, en Time Out analiza la película como algo más que una adaptación del libro sensacionalista de Caldwell; la ve como “un estudio de dos tipos de personajes que buscan controlar el destino de la familia”. Indica que Ty Ty Walden representa al patriarca monomaníaco, mientras que personajes como el yerno (o el hijo que se fue) encarnan otros modos de afrontar la pobreza, la tradición, los sueños frustrados. Y, por último, en Time Out, comenta que, aunque el desenlace (una especie de reconciliación, paz) puede resultar poco creíble, las tensiones entre personajes y la forma en que Mann maneja los dramas familiares son lo más logrado.

Philip Yordan recibió oficialmente el crédito por el guion, pero Ben Maddow afirmó haberlo escrito. Dado que Maddow fue incluido en la lista negra por el Comité de Actividades Antiamericanas ("Caza de brujas") acusado de actividades comunistas radicales, sospechosas pero no probadas, durante la Pánico Rojo de la década de 1950, trabajar sin aparecer en los créditos era la única manera de que pudiera presentar guiones con éxito por lo que Philip Yordan sería él quien firmaría cinco de los guiones que escribiera entre ellos éste así como “The Naked Jungle” o “Men in War”.  

Tras décadas de abandono, tras una discreta distribución de la United Artists, la película fue restaurada por el Archivo de Cine y Televisión de la UCLA bajo la supervisión del maestro restaurador Robert Gitt. Como parte de la restauración de Gitt, el nombre de Yordan fue eliminado y reemplazado por el de Maddow en los títulos principales, aunque no aparece en la mayoría de los estrenos actuales. La película, que obtuvo muy buenas críticas, destacando el trabajo de Robert Ryan y la voluptuosa Tina Louise. Eso no excusó para llevar al director ante los Tribunales acusado de obscenidad. Fue absuelto. La película no se estrenó en España. Anthony Mann dijo: «Todos decían que era imposible hacer una película a partir de este libro de Caldwell, y si lo lees, es uno de los libros más disparatados que jamás hayas visto. Fue un reto intentar encontrar el espíritu detrás del libro y de estos personajes miserables. Se convirtió en otro experimento y en una película completamente distinta. Ensayé con los actores, por primera vez, durante unas tres semanas antes de empezar a rodar, para que todos conocieran a los personajes, se conocieran entre sí, se convirtieran en una familia y reaccionaran adecuadamente. Esto se convirtió en algo más grupal, más teatral de lo que suelo hacer». 

El rodaje tuvo lugar en Stockton, California y lo hizo con un presupuesto de serie B.

En los Globos de Oro del año 59 hubo un reconocimiento, el Golden Laurel, a esta película con la concesión del premio a Tina Louise como nueva promesa femenina y aspiró al León de oro de Venecia a la mejor película. 

La película refleja las condiciones de vida míseras de una familia de granjeros del Sur, en esta caso de Georgia, una atmósfera enrarecida debido a la sensualidad, erotismo, deseos, falta de habilidades, frustración, tensión, infidelidades, celos, pobreza, pasiones, obsesiones, tozudez, sordidez y desvaríos, estallidos de violencia, con una manifiesta violencia intrafamiliar, secuestros, segregación por apariencia, erotismo al por mayor, contención y pulsión sexual, fulanas que incitan a los clientes, una religiosidad ruda y elemental, asesinatos, mucho alcohol, pero sobre todo mucha violencia verbal, vicaria, fraternal, vamos, tremenda. 

Los Santos inocentes

Hay películas que salen redondas. En ocasiones hay que darle las gracias a los directores, pero en algunas el hecho de tener un gran guion y de contar con un grupo de actores excepcionales puede dar lugar a eso. 

El caso de la santa inocentes en el cine español es uno de ellos. Se trata de una película del año 1984 y que contó con la dirección de Mario Camus que ya venía de acero del trabajo magnífico en la colmena. Si la colmena se adapta un libro de Camilo José Cela, en los Santos inocentes se adapta una obra de Miguel Delibes, posiblemente el escritor que mejor ha conocido el campo y el mundo rural español.

Su obra, una obra corta, con únicamente cuatro capítulos que hacen referencia a los cuatro protagonistas de la obra, en los que Paco el bajo y Azarías así como la niña chica y quise completando las historias terribles que tienen como trasfondo la desigualdad social en la Extremadura de los años 60. 

La película comienza con la llegada de Quirce, que está haciendo el servicio militar a Zafra. Tras entrar en la cantina de la estación va en busca de su hermana, Nieves , que trabaja en una empresa de la localidad pacense. Tras eso le pregunta por los padres y por la muerte de su otra hermana, la "niña chica". Poco después conocemos a sus padres en un momento previo a esa escena. Se trata de Paco (Alfredo Landa) y Régula (Terele Pávez) que viven en un chozo en la raya con Portugal. Forman, junto a sus tres hijos, Quirce, Nieves y Charito (la niña chica) (aunque en la novela existe un cuarto hijo, Rogelio), una familia de campesinos a las órdenes de los señores del cortijo, en este caso una marquesa que va puntualmente al mismo- que aguanta toda clase de órdenes y humillaciones sin queja alguna.

Paco, el Bajo (Alfredo Landa) es el cabeza de familia. Se trata de un hombre servicial y trabajador que vive con su familia en condiciones de extrema pobreza. Régula ( Terele Pávez) es su mujer, una persona abnegada que se dedica al cuidado de su hogar y de sus hijos. 

Un día se presenta Azarías (Paco Rabal), el hermano discapacitado de Régula, pues ha sido despedido del cortijo en el que él trabajaba, el cortijo de La Jara, pues se orinaba en las manos para que no se le agrietasen, y decide unirse a la familia de su hermana para trabajar. El hermano de Régula es un hombre mayor con discapacidad intelectual, cuya ternura y conexión con la naturaleza, especialmente con su grajilla, su "milana bonita", será clave en el desarrollo y desenlace de la historia. 

Frente a ellos está el señorito Iván (Juan Diego), el cruel y despótico terrateniente, hijo de la Duquesa (Mary Carrillo) que simboliza el abuso y la humillación ejercida por las clases privilegiadas. Ahora, deberán hacer frente a todas las penurias típicas de la época juntos. 

La película fue rodada en un lluvioso otoño de 1983 en las localidades pacenses de Zafra, en Mérida y en Alburquerque, en la raya con Portugal que ha sido presentada  como la frontera del subdesarrollo en palabra de los escritores Antonio Pintado y Eduardo  Barrenechea. 

La película comienza con una foto fija en la que aparecen todos los protagonistas. Tras ella nos informamos de que la productora es una desconocida común Ganesh, producciones cinematográficas. El director de producción fue Andrés Santana, aunque el productor fue Julián Mateos.  

El montador fue  José María José María Biurrun y el director artístico Rafael Palmero. La película contó con la música de Anton García abril y la fotografía de Hans Burmann.

La película cuenta con el magistral trabajo de Alfredo Landa, de Paco Rabal y de Terele Pávez, así como tres secundarios de lujo como Agustín González, Ágata Lys y Juan Diego. Tristemente de ninguno de ellos está hoy con vida. Junto a ellos aparecen Belén Ballesteros Juan Sánchez y Susana Sánchez. También participa a Mari Carrillo, José Guardiola, Maribel martín, Manuel Zarzo,...

La adaptación cinematográfica correspondió a Antonio Larreta, Mario Camus y Manuel Matji. La película contó con el sonido de Carlos Faruelo, el maquillaje de Mariano García Rey y el vestuario de León revuelta. 

La película se desarrolla en los años 60 y conocemos la desgraciada vida de una familia de campesinos que miserablemente un cortejo extremeño bajo la autoridad absoluta de los terratenientes. La vida de los campesinos es pura renuncia, sacrificio y obediencia. 

La película narra la vida de una humilde familia campesina que trabaja como jornaleros en una finca propiedad de una familia aristocrática. La historia explora la opresión de la clase trabajadora por parte de los terratenientes, exponiendo el abuso de poder, la sumisión y las tensiones de una sociedad profundamente estratificada que refleja la desigualdad social y explotación de los trabajadores rurales extremeños con la subordinación de los campesinos frente a la arrogancia y prepotencia de los terratenientes. Frente a ello vemos la dignidad y la resistencia silenciosa de los campesinos que a pesar de las humillaciones, una dignidad que contrasta con la vileza de los poderosos. 

Otro tema a destacar en la película es la relación del hombre con la naturaleza representado por Azarías, con su amor por los animales y la naturaleza, representa una pureza que el mundo opresivo y deshumanizador intenta destruir, así como el fatalismo y resignación de los trabajadores del campo pues la película refleja la falta de esperanza de los personajes frente a un sistema que no ofrece vías de escape. 

En 1981 Miguel Delibes publicó su novela Los santos inocentes, enmarcada dentro del periodo realista del autor, que la dedicó al naturalista Félix Rodríguez de la Fuente, fallecido antes de la publicación del libro. Delibes había concebido la obra como una intención de mostrar la incultura y la pobreza a la que se veían sometidos los trabajadores de los latifundios fronterizos con Portugal. 

Su título hacía mención a la matanza de los Inocentes, en donde los inocentes son sometidos y oprimidos, y tienen un castigo de pobreza y desdicha sin tener la culpa de ello. Frente a ellos, los señoritos con una doble moral que se muestran indiferentes ante la miseria que sufren los campesinos. A la hora de redactar el guion, cada uno de los guionistas hizo una escaleta de la película y posteriormente se redujeron los seis episodios que componen la novela a solo cuatro, por lo que no se incluyeron algunos personajes y se obviaron algunas partes. 

Después de ello, se partió la escaleta en cuatro partes, siendo la primera desde que Quirce le lleva la milana a su tío Azarías para disculparse por reírse de él, que fue escrita por Mario Camus; la segunda contaba el trabajo de Nieves en la casa de los señores, que fue escrita por Antonio Larreta; luego vino la parte, la de la cacería de Paco el bajo, y la última, la de Azarías, estas dos últimas escritas por Nicolás Matji. 

Tras un mes, los guionistas se volvieron a reunir tras acabar sus partes y ambos estuvieron conformes con lo que habían escrito. 

El rodaje de la película comenzó a finales de octubre del año 1983, aunque tuvieron que hacer una construcción de uno de los escenarios en la finca del Zajarrón. 

Dos de las escenas más complicadas de la película fueron cuando la milana se escapa cuando le están tomando una foto a la familia y se va a un torreón para luego volver al hombro de Azarías, pues dependía únicamente de lo que hiciese el ave, y cuando Paco el bajo se fractura el peroné, pues tenía que resultar creíble que en realidad caía desde la rama más alta del árbol. 

La composición de la banda sonora fue encargada a Antón García Abril, quien realizó la música a piano. Después se la mandaron a Pedro Madrid, quien se aprendió de memoria la banda sonora y la tocó con el rabel a cambio de 5000 pesetas. La agrupación folklórica Juéllega Extremeña ameniza la Comunión del niño Carlos Alberto con música y canciones tradicionales. 

A lo largo de la película vamos conociendo la vida cotidiana en el cortijo se muestra con minucioso detalle y muestra una rutina opresiva basada en una rígida jerarquía. En la cima de este sistema estratificado se encuentran los aristócratas propietarios de este y otros cortijos, así como los políticos franquistas y los funcionarios de la Iglesia que los visitan rutinariamente. 

Las clases medias rurales están representadas por el administrador Pedro y su aburrida esposa Pura. Los sirvientes de la casa y los siervos modernos que cuidan la tierra ocupan el nivel inferior y son tratados como seres infrahumanos por todos los demás.

Los miembros de cada escalón se sienten con derecho a humillar a quienes se consideran sus inferiores sociales. Por ejemplo, el hijo del dueño, el señorito Iván, vuelve a menudo a la finca para mantener abiertamente un romance con Pura, y su marido, que sabe lo que hace, descarga su ira impotente sobre los trabajadores, en particular sobre Azarías. 

Paco y Régula aceptan las reiteradas humillaciones de su posición como dependientes a capricho de los dueños y del administrador de la finca, pero Nieves y Quirce están menos acostumbrados a esta realidad y aspiran a una vida mejor. Además de su romance con la mujer de Pedro, otro motivo de las visitas de Iván es su pasión por la caza . Se organizan partidas de caza rutinariamente en la zona. Paco, a quien obliga a subir a un árbol para atraer a las palomas, se cae y se rompe una pata. Quirce reemplaza brevemente a Paco, pero su actitud distante irrita a Iván, que está más acostumbrado al servilismo de los padres del joven. Cuando queda claro que la pierna de Paco no se curará a tiempo para la siguiente partida de caza, Iván intenta utilizar a Azarías y, en un ataque de ira durante una cacería infructuosa, mata a tiros a la grajilla mascota del hombre. 

La siguiente vez que Azarías es enviado a un árbol para trabajar como señuelo, le pone una soga al cuello a Iván y lo ahorca como venganza. Su edad mental infantil le ahorra un procesamiento legal (que en la España de los años 60 habría conllevado una larga pena de prisión o incluso la pena de muerte) y es internado en un manicomio. 

La película tuvo sus reconocimientos, algunos de ellos, importantísimos. Ganó la mención especial del jurado en el Festival de Cannes en 1984 y, por sus interpretaciones, Alfredo Landa y Paco Rabal recibieron ex aequo el premio de interpretación masculina. Tuvo ade más una Mención especial en el llamado Jurado Ecuménico Internacional. En la 40.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos fue la película ganadora. En los Fotogramas de Plata obtuvo varias nominaciones al Mejor actor de cine en las actuaciones de Francisco Rabal, Agustín González y Alfredo Landa, quien resulató ganador; y en el apartado femenino a Mejor actriz de cine Terele Pávez fue candidata. Por último en los Premios ACE (Nueva York) Alfredo Landa, optó al premio al mejor actor.

Lo cierto es que el trabajo de los actores es magistral. Alfredo Landa , que ya había abandonado la fase del "landismo" hizo una interpretación estelar. Tanto la crítica como el público concuerdan en que es la mejor interpretación de la carrera del actor. A la hora de preparar el personaje, Landa lo trató como un personaje de bondad absoluta y no como alguien servil, más bien como un perro que sigue amando a su dueño aunque este le maltrate, y debía tener la misma mirada que un perro que fuese abandonado en la carretera por su dueño. 

Por su parte, el otro actor con una interpretación magistral es Francisco Rabal. Desde el principio, el director Mario Camus tuvo claro que Francisco Rabal iba a ser quien interpretara el personaje de Azarías. Para preparar el personaje, Rabal convivió durante varios meses con un ciudadano del pueblo llamado Juan Flores Domínguez, más conocido como Barrunta, para aprender sus gestos, su forma de andar, sus costumbres, llegando incluso a comprarle la ropa a Barrunta para ponerse mejor en el papel. Con esta película, la carrera de Rabal remontó definitivamente tras haber pasado por la década de los setenta, que le obligó a llegar a pedir dinero prestado a otros. Es un "niño encerrado en el cuerpo de un hombre" que se mueve por instintos primarios y rutinas automatizadas. En palabras del propio Delibes es, junto a "la niña chica", el verdadero inocente de la historia, pues "era un engorro, como otra criatura", según menciona en la película Régula. Es inocente porque tiene deficiencias psíquicas y porque no es consciente de que causa perjuicio a los demás.

Juan Diego , igualmente borda su papel como señorito Iván. El actor sevillano fue elegido para el papel tras recordar su participación en el episodio de la serie Del dicho al hecho. 

Brillantes están igualmente, Agustín González como Don Pedro, el administrador del cortijo; la bellísima Ágata Lys como Doña Pura, la esposa de don Pedro al que le pone los cuernos, Mary Carrillo como la Sra. marquesa, la bella Maribel Martín como la Srta. Míriam que queda horrorizada cuando descubre a la niña chica, y breve pero acertado como siempre el papel de Manuel Zarzo como Doctor , siendo - creo- el único de los que participa que a día de hoy está vivo junto al no acreditado y hoy totalmente perdido para el cine, Liberto Rabal y Maribel Martín. 

Por último, para algunos de los que aparecen fue el primer y único papel en el cine como es el caso de Belén Ballesteros que interpreta a Nieves, la hija de Paco y Régula. Mario Camus la eligió por su "mirada melancólica", que podía incluso decir lo que pasaba con los ojos. A pesar de sentirse orgullosa del papel, Belén dijo que le trajo su participación diversos problemas, pues su familia era más cercana a la de los dueños de la finca que a los trabajadores del campo . Algo parecido le ocurre a Quirce que interpretó Juan Sánchez. 

Mario Camus adopta un enfoque sobrio , contenido y realista que recoge con acierto lo que son esos paisajes de dehesas en los que viven los trabajadores en sus chozos que transmite el aislamiento y la dureza de la vida rural. Y lo hace con un ritmo episódico, dividiendo la historia en capítulos que tienen siempre a un protagonista , pero a su vez imprime un pausado, para enfatizar la monotonía y el peso de las condiciones de vida de los campesinos. 

Uno de los grandes aciertos de Camus es que al poner el énfasis en los silencios y los gestos, más que en los diálogos, hizo que los actores reflejarán más introspección que expresividad, salvo en Azarias. La dirección de Camus logra captar el espíritu de la novela de Delibes, creando una obra que es al mismo tiempo un documento social y un testimonio poético, y se produce en estos casos una igualación en calidad entre obra literaria y cinematográfica. 

El propio Miguel Delibes afirmó que le gustó la adaptación y estuvo conforme con la visión que dieron de la misma el director y los guionistas. En taquilla fue un éxito, convirtiéndose en su momento en la película más taquillera del cine español, con 523 904 485 pesetas. Los Santos Inocentes de Mario Camus recibió elogios unánimes de la crítica tanto en España como a nivel internacional, destacándose como una obra maestra del cine social y un fiel retrato de la España rural y opresiva de mediados del siglo XX. En la actualidad es valorada como una de las obras maestras del cine español. En El País se elogió la fidelidad de la película a la novela de Miguel Delibes, destacando que Mario Camus consiguió plasmar con precisión el espíritu y la atmósfera de la obra literaria.se destacó de la película la actuación de Francisco Rabal y Alfredo Landa fue descrita como "sobrecogedora", especialmente por la contención y autenticidad que aportaron a sus personajes. 

En Fotogramas se destacó la dirección de Camus, calificándola como una "lección de narrativa cinematográfica", con un estilo sobrio y directo que intensifica el drama humano sin recurrir al sentimentalismo excesivo. La revista también subrayó la importancia del guion, escrito por Camus junto a Antonio Larreta, que mantiene intacta la profundidad y la crítica social de Delibes. De ella un crítico de Fotogramas escribió «consigue un notable poder de convicción, especialmente a través de las memorables interpretaciones de sus protagonistas, pero no trasciende las limitaciones propias del naturalismo más tradicional». En Twitter he leído en la cuenta de Fotogramas que fue "Una radiografía certera de aquel país de cortijos, señoritos y milanas. Esa España gris y convulsa de los años 60. La de Delibes, la de Mario Camus. Una obra maestra". 

En la Vanguardia se alabó el tratamiento visual de los paisajes rurales, calificándolos como "personajes en sí mismos", que refuerzan la sensación de aislamiento y la opresión de los personajes. El diario catalán mencionó que la película no solo narra una historia, sino que es "un retrato atemporal de la España profunda y sus tensiones sociales".

Fuera de España el diario francés Le Monde consideró que la película es una "obra universal", a pesar de retratar una realidad muy específica de España y destacó el simbolismo de la figura de Azarías y su "milana bonita" como una metáfora conmovedora de la inocencia y la pureza enfrentadas al poder y la crueldad. 

Cahiers du Cinéma vio en ella un adecuado equilibrio entre el realismo brutal y la poesía, comparando la obra de Camus con el cine neorrealista italiano por su capacidad de capturar la vida de los marginados con humanidad y profundidad. 

En The New York Times se describió "Los Santos Inocentes" como una "crítica mordaz de la desigualdad social y la explotación" y señaló que las actuaciones eran "tan naturales que parecían documentales", y aplaudió la capacidad de la película para transmitir emociones complejas con economía de palabras.

Estamos ante una obra imprescindible y monumental del cine español, por las sentidas actuaciones de los protagonistas, en base al acierto de la dirección y al soberbio guion llevado al cine partiendo de la obra de uno de nuestros más grandes escritores que conocía a la perfección el mundo rural, Don Miguel Delibes.