Pickpocket

Años llevaba intentando ver esta película sobre un carterista, un pickpocket, se ve atrapado en una vida de crimen y aislamiento, mientras lucha con su propia moralidad y su relación con una joven llamada Jeanne.  

Pickpocket (1959) de Robert Bresson , es el primer verso cinematográfico del cine de verdad que crea un lenguaje autónomo y alejado de la teatralidad. Pretende dar autonomía y lenguaje propio a su cine por medio de sus actores amateur que no actúan, declaman más bien. Los actores usan dicción monocorde y con montaje lleno de insertos especialmente de manos también de miradas y objetos. Pickpocket es una película francesa de 1959 escrita y dirigida por Robert Bresson. Está protagonizada por el franco-uruguayo Martin LaSalle, en lo que fue su debut cinematográfico, en el papel principal, y cuenta con Marika Green, Pierre Leymarie y Jean Pélégri en papeles secundarios. Presenta a un carterista que se siente atraído por el crimen, a pesar de la intercesión de su familia, sus amigos e incluso un policía empático. 

Pickpocket es una adaptación de Crimen y Castigo, y está considerada como una de las mejores películas de Bresson. Junto con Una mujer dulce y Las cuatro noches de un soñador, es una de las tres películas de Bresson fuertemente influenciadas por las obras de Fiódor Dostoyevsky, el autor favorito de Bresson. Combina elementos de Rodion Raskolnikov de Crimen y castigo (que cuestiona si las reglas morales deberían aplicarse a los hombres superiores) con una trama de crimen callejero inspirada en la película Pickup on South Street (1953) de Samuel Fuller. Usa música clásica barroca del compositor Jean-Baptiste Lully. Agnès Delahaie fue la productora de este filme. Dos escenas con estilo Bresson: el robo inicial y el robo de la Garé du Nord. También es muy Bresson el uso de la voz en off, que le permite hablar de la espiritualidad pero nada convencional. Usa la palabra y el sonido como imagen. Junto a Dreyer, Ozú, Hitchcock y Welles fue uno de los renovadores del cine.

Bresson narra en imágenes que fueron filmadas por Léonce-Henri Burel y que posteriormente componen en la edición realizada por Raymond Lamy, mientras que la voz en off es el diario de su narración y de su espiritualidad; gusta de grandes elipsis como en su viaje a Londres o cuando deja la chaqueta de su amigo. Le gusta introducir sonidos añadidos de biblioteca de sonido (torno, caballos,...) aunque no es necesario verlo.  A eso le acompaña la música de Lully.

Es una película de miradas, manos, el dinero y objetos como es una película de carteristas y sobre la redención. El personaje central, Michel, es casi una figura cristica. 

Bresson comienza su película informando sobre lo que va a ocurrir. Le interesa más el camino y las acciones que el momento clímax. 

Michel (Martín LaSalle)  es un joven desempleado que vive en París. Sus amigos Jacques (Pierre Leymarie) y una joven que atiende a su madre (Dolly Scal), Jeanne ( Marika Green), tratan de ayudarlo, pero, aunque Jacques le encuentra varios trabajos, Michel los considera indignos de su suerte. Michel también tiene una relación distante con su madre enferma. A pesar de las súplicas de sus amigos, a menudo inventa excusas para evitarla. 

A Michel lo conocemos robando dinero a un espectador en el hipódromo de Longchamp. Para su sorpresa, la policía lo arresta. Sin embargo, el inspector jefe (Jean Pélègri) se ve obligado a liberarlo por falta de pruebas. 

En un bar, Michel le pide ayuda a Jacques para encontrar un trabajo. Jacques se muestra escéptico, pero acepta ayudarlo. Casualmente, el inspector jefe  también está en el bar. Michel cobra vida y se regodea sutilmente ante el inspector por su fuga. Como el Raskolnikov de Dostoyevsky, afirma que los hombres superiores no deberían estar sujetos a las mismas leyes que los demás. 

Un día, Michel se siente atraído por los elegantes movimientos de un carterista (Henri Kassagi ) del metro. Michel intenta copiar la técnica del carterista. 

Tras algunos éxitos iniciales, Michel le dice con orgullo a Jacques que ya no necesita un trabajo. Sin embargo, lo atrapan al cabo de una semana y se ve obligado a pasar desapercibido durante unos días. Ve a un hombre misterioso acechando fuera de su apartamento. 

Aunque Jacques y Jeanne le piden que visite a su madre, que está muy enferma, Michel persigue al hombre, un carterista que le propone una asociación rentable. La concentración de Michel en el crimen daña su relación con su familia y amigos. Va a un carnaval con Jacques y Jeanne, pero se va para robar el reloj de un hombre. Más tarde, le pregunta con resentimiento a Jacques si está enamorado de Jeanne. Además, se olvida de visitar a su madre hasta que está en su lecho de muerte; ella le dice amablemente que tiene suficiente talento para triunfar en la vida "cuando quieras". 

Después de que ella muere, Michel y Jeanne discuten sobre si irá al cielo. Michel afirma que las reglas morales no existen. Jeanne le pregunta a Michel si cree en algo. Michel responde: "Creí en Dios... durante tres minutos". 

Los dos cómplices de Michel son arrestados. Aunque Michel escapa, el inspector jefe visita su apartamento como advertencia. El inspector explica que, si bien esperaba que Michel se fuera directamente después del incidente en Longchamp, ya no cree que Michel cambie. Agrega que un mes antes de que Michel fuera arrestado en el hipódromo, Jeanne presentó una denuncia policial diciendo que alguien había robado dinero a la madre de Michel. Sin embargo, la denuncia fue retirada al día siguiente. No dice quién retiró la denuncia, pero da a entender que sabe que Michel era el ladrón. 

Después de una conversación con Jeanne, Michel se da cuenta de que su madre retiró la denuncia, lo que significa que su madre sabía que su hijo le había robado. Jeanne está consternada, pero lo abraza entre lágrimas. 

Para evitar a la policía, Michel huye a Londres, donde vuelve a robar. 

Dos años después, regresa a París, después de haber malgastado todas sus ganancias mal habidas en juegos de azar y mujeres. 

De nuevo en París visita a Jeanne y se entera de que, si bien tuvo un hijo con Jacques, decidió ser madre soltera porque no amaba a Jacques. Michel acepta conseguir un trabajo honesto para mantener al niño, pero las tentaciones persisten. 

Un día, Michel se encuentra siguiendo a un entusiasta de las carreras hasta Longchamp. Aunque Michel sospecha que le han tendido una trampa, no puede resistirse a robarle. Resulta que el hombre es un agente de paisano que lleva a cabo una operación encubierta. Esta vez, la policía envía a Michel a la cárcel. 

Jeanne visita obedientemente a Michel en la cárcel todas las semanas, pero cuando se ausenta tres semanas seguidas, Michel se siente apenado por su ausencia. Ella la visita la semana siguiente y Michel la besa. Michel se dice a sí mismo: "Oh, Jeanne, qué camino tan extraño tuve que tomar para llegar a ti por fin". 

Bresson se inspiró supuestamente en la película de Samuel Fuller, Pickup on South Street (1953), que también trata sobre carteristas, aunque Pickup on South Street no se estrenó en los cines franceses hasta 1961, pero fue bien recibida en el Festival de Cine de Venecia de 1954.

Pickpocket comparte muchos elementos de la trama con la película de Fuller, incluida la madre moribunda, la noción del carterista como un extraño y "la interrelación entre el carterismo y la sexualidad". Además, en un momento de la película, Jacques lee y pide prestado a Michel el ejemplar de El príncipe de los carteristas: un estudio sobre George Barrington de Richard S. Lambert. 

Bresson escribió la película "en tres meses y la filmó en medio de una multitud en un tiempo mínimo". El desorden resultante resultó ser un desafío durante el rodaje, pero a veces se utilizó en beneficio del equipo, como en la secuencia del carterista en la Gare de Lyon. El carterista franco-tunecino Henri Kassagi actuó como asesor técnico en la película, además de aparecer como instructor y cómplice del personaje principal. Después de Pickpocket, el rostro y las técnicas de Kassagi eran demasiado conocidos como para que continuara con su antiguo oficio, y cambió de carrera para convertirse en un exitoso mago de teatro.

Pickpocket compitió por el Oso de Oro en el 10º Festival Internacional de Cine de Berlín, donde perdió frente a El Lazarillo de Tormes. Cahiers du Cinema la nombró cuarta mejor película de 1959. La dirección de Bresson ha sido reconocida por su sensualidad material. Pickpocket ha sido llamada un ejemplo de "narración paramétrica", en la que el estilo "domina el argumento o aparentemente es igual en importancia que él". 

En cuanto a la crítica destacar el análisis realizado por Roger Ebert, columnista habitual del Chicago Sun Times hasta su fallecimiento y responsable de la web rogertebert.com quien escribió que "El Michel de Bresson, como el héroe de Dostoyevsky, Raskolnikov, necesita dinero para hacer realidad sus sueños y no ve ninguna razón por la que una persona común y corriente no brillante no deba verse obligada a proporcionárselo. El razonamiento es inmoral, pero los personajes reclaman privilegios especiales que van más allá de la moralidad común". Ebert sostiene que Michel en realidad no cree que esté por encima de la ley, y que se distingue por su deseo subconsciente de ser atrapado. Ebert comparó el encuentro de Michel con el carterista mentor con el ligue, diciendo que su enfrentamiento en un baño de hombres "no es una coincidencia". Dejó que el lector decida por qué "Michel no quiere ver a su madre, pero le da dinero a Jeanne para ella". 

Por su parte, Gary Indiana agregó que, al igual que en Crimen y castigo, "un hombre comete actos prohibidos, es atrapado y va a prisión, donde su sufrimiento se ve aliviado por el amor constante de una buena mujer". Además, el juego del gato y el ratón del inspector de policía con Michel tiene una subtrama paralela en Crimen y castigo. Sin embargo, Indiana advirtió que Pickpocket es diferente de una adaptación, señalando que Michel ofrece simplemente una "versión acuosa y débilmente afirmada del nietzscheanismo de Raskolnikov" para defender sus crímenes, y que "sus crímenes nunca superan el nivel de la transgresión común y de poca monta. Son ampliados a escala épica solo por su imaginación neurasténica". El mismo Gary Indiana señala que "robar tiene un significado psicosexual específico para [Michel], más allá de satisfacer la simple necesidad de comer... Michel roba porque es el único acto que lo hace sentir vivo en un mundo que se está volviendo muerto". Opina que, si bien Michel termina con Jeanne al final, la supervivencia de su relación no es una conclusión inevitable, y "mucho más románticos que sus tratos con Jeanne son los encuentros de Michel con el ladrón interpretado por el carterista de la vida real Kassagi". 

Ed Gonzalez de Slant concluyó que los temas religiosos y sexuales de Pickpocket están en diálogo entre sí, explicando que "Bresson comprendió tan completamente el espectro completo de nuestra condición humana que ignorar los elementos sexuales y espirituales que se desarrollan simultáneamente en sus películas es no entender a Bresson en absoluto". 

Armond White advierte que un enfoque excesivo en el subtexto gay puede distraer del hilo principal de la película, que es una parábola moral profundamente católica. Según White, "Bresson nunca niega el intercambio sensual, sigiloso y erótico de las rutinas de carterismo de Michel", pero White insiste en que "estos montajes fragmentan la intimidad" en lugar de transmitirla. 

Cosmo Bjorkenheim escribe que la "teoría nietzscheana-raskolnikoviana a medias de Michel sobre una élite de genios suena como algo citado libremente de La soga en lugar de algo profundamente sentido". 

Peter Labuza escribe que "al ver Pickpocket, es fácil atribuirle muchas cosas a la película: las posibles tendencias freudianas y homosexuales, la pesada culpa católica y las críticas de Bresson a la sociedad francesa". 

El Archivo de Cine de Harvard señala que un "erotismo difuso... impregna la película, apuntando hacia la sensualidad más abierta del Bresson posterior". Pickpocket es considerada a menudo una de las mejores películas de Bresson. 

Varios cineastas han votado por Pickpocket en la encuesta Sight and Sound de las mejores películas de todos los tiempos, incluidos y especialmente Paul Schrader, quien en dos de sus películas refleja momentos propios de Pickpocket. La película ejerció tanta influencia formativa sobre el trabajo de Schrader, quien la ha descrito como "una obra maestra absoluta" y "lo más cercano a la perfección que puede haber", y cuyas películas American Gigolo* (1980), Patty Hearst (1988), Light Sleeper** (1992), First Reformed (2017) y The Card Counter*** (2021) presentan finales similares al de Pickpocket. 

Además, el guion de Schrader para Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese tiene muchas similitudes, incluida la narración confesional y una mirada voyerista a la sociedad. 

Schrader se inspiró en el uso que hace Bresson de "una metáfora ocupacional" para destacar "un problema personal que también refleja un malestar social", y señaló que en Taxi Driver, el motivo de un taxi le permitió mostrar a Travis Bickle como "un niño encerrado en un ataúd amarillo, flotando por las alcantarillas abiertas de la ciudad, que parece estar absolutamente solo en medio de una multitud". La admiración de Schrader por Pickpocket lo llevó a proporcionar una introducción filmada para el lanzamiento en DVD de la película de The Criterion Collection en 2005. Como resumió Paul Schrader, "Pickpocket no trata realmente de ser un carterista". 

También influyó en otros directores como Theo Angelopoulos, Bertrand Bonello y László Nemes. En la encuesta Sight and Sound de 2012, Pickpocket ocupó el puesto número 63, pero cayó al puesto número 136 en la encuesta de críticos de 2022 (ocupó el puesto número 93 en la encuesta de directores). Werner Herzog elogió la película llamándola "fenomenal" y "tan intensa y tan hermosa... te hace doler". Yorgos Lanthimos eligió a Pickpocket como "la película más conmovedora que he visto en mi vida". 

Christa Lang y Richard Linklater incluyeron la película en sus diez mejores selecciones de The Criterion Collection. 

Además, el sitio web de transmisión francés La Cinetek enumera a Martin Scorsese, Chantal Akerman, Agnès Varda, Todd Haynes y Agnieszka Holland como fanáticos de la película, entre otros. 

Pickpocket ha sido parafraseada por otras películas, como Les Amants du Pont-Neuf (1991) de Leos Carax. También se ha dicho que la película L'Enfant (2005) de los hermanos Dardenne ha sido influenciada por la película. 

El mismísimo señor del tiempo, Christopher Nolan, dijo que estudió Pickpocket, junto con la película anterior de Bresson, A Man Escaped, cuando hizo su película Dunkirk (2017), para estudiar cómo Bresson creaba suspenso a través de los detalles.

La película es muy características del director por su minimalismo narrativo y estilístico con lo que Bresson emplea su característico estilo sobrio, con actuaciones contenidas y diálogos secos, eliminando cualquier elemento superfluo en la historia. También por la presencia del tema tan de Dostoyevski como la culpa y la posible redención del protagonista. Por supuesto el tema del uso de actores no profesionales debido a que Bresson creía en la idea de “modelos” en lugar de actores tradicionales, buscando interpretaciones más naturales y desprovistas de artificio; y por las secuencias de robos meticulosas especialmente la de carterismo, coreografiadas con precisión, casi como una danza, o el juego de las manos. 

Además la película trata sobre el tema del aislamiento y la alienación que sufre/ siente el protagonista Michel que se aleja de la sociedad, encontrando en el crimen una especie de propósito existencial, pero que retorno en su fe gracias a la redención.. A esto se suma el tema de la moralidad y la ya citada redención en una historia que cuestiona si alguien atrapado en una vida de crimen puede encontrar la salvación, o ese final en el que está presente el destino y el libre albedrío con el que Michel intenta justificar sus acciones aunque parece encaminado a un desenlace inevitable.

El otro amor

Melodrama del año 1947 firmado por el húngaro André de Toth, director que en otros géneros como el western, cine bélico e incluso el de terror, y que cuenta con dos actores que estaban en ese momento en la cúspide como Bárbara Stanwyck y David Niven, nunca parecen acompañados de Gilbert Roland, Joan Lorring y Richard Conte.

La historia se centra en una pianista de fama y prestigio internacional, Karen Duncan (Bárbara Stanwyck) -a la que vemos en la primera escena tocando en un gran auditorio-, y que es derivada por su representante a un sanatorio en Suiza para tratar una enfermedad pulmonar, ya que se encuentra  gravemente enferma de tuberculosis.

Sin saber que su enfermedad es terminal, la pianista Karen Duncan se interna en esta sanatorio en plenos Alpes Suizos bajo el cuidado del doctor Tony Stanton (David Niven), un prestigioso doctor y cuya actitud severa no le agrada a Karen. 

En principio, atiende a todos los requerimientos del Doctor y de su equipo de enfermeras. Nada más llegar recibe un ramo de flores y cuando descubre que no es para ella, las devuelve. En ese momento se entera que la anterior paciente que ocupaba su habitación ya "se ha marchado", así como el hombre que le enviaba las flores. Eso le deja perpleja tanto como el ruido de unas puertas correderas metálicas que escucha en mitad de la noche, que resultarán ser las del tanatorio de la clínica. 

Lleva una dieta estricta y es obligada a dejar de fumar. Mientras se recupera de su agotamiento y se va sintiendo mejor conoce a otra compañera de la clínica Celestine Miller (Joan Lorring ) que le habla del carácter amable pero intransigente en lo profesional del Doctor Santon. 

Un día, ella y otra paciente, Celestine Miller (Joan Lorring ), con la que le gusta estar, dado su carácter alegre y divertido, disfrutan de un día fuera de la clínica y de una noche de fiesta, a pesar del consejo de su médico. Precisamente en ella vuelve a reencontrase con un corredor de autos, Paul Clermont (Richard Conte), que reconoce a Karen con la que coincidió mientras ella llevaba el coche y tuvo un leve incidente.

Esa noche él la invita a Montecarlo . Aunque ella se siente atraída por su médico, la aparente falta de interés de Tony en todo lo que no sea su salud hace que Karen acepte la invitación de Paul. Ella juega, fuma y bebe, luego regresa al sanatorio para descubrir que Celestine ha muerto. Presa del pánico, el primer impulso de Karen es seguir las órdenes del médico de no hacer ningún esfuerzo, pero acaba desobedeciendo y se va de nuevo con Paul, poniendo en peligro su bienestar y optando por llevar una vida salvaje al lado de un jugador, ignorando el amor que le profesa su médico. 

Un día se persona en el Casino el Doctor Stanton que sabe que su paciente está allí, y le pide , primero a ella, y luego a Paul que regrese por su salud. Es en ese momento cuando paul descubre la gravedad del caso. 

Sólo en el último momento, cuando dolida por la aparente indiferencia profesional de Tony, el carácter relajado y propio de un jugador como Paul, y violentada por uno de los crupiers del casino ( Gilbert Roland), vuelve al lado de Tony, quien le propone matrimonio y observa atentamente cómo su futuro juntos pende de un hilo, un hilo que parece que se romperá de forma segura.  

El guion fue escrito por Ladislas Fodor y Harry Brown partiendo de una obra "Beyond" escrita por Erich Maria Remarque, el que fuera responsable de la obra " Sin novedad en el frente".Producido por David Lewis para la United Artists y la Metro-Goldwyn-Mayer contó con la fotografía de Víctor Milner, el montaje de Walter A. Thompson y la música de Miklós Rózsa. 

En su reseña para The New York Times , Bosley Crowther calificó la película como "un típico romance artificial sobre el desgarrador tema de Camille ". 

En el diario El Mundo se destaca que está interpretada por " Dos actores de gran nivel encabezan el reparto de este drama romántico que ha pasado por la historia del cine sin pena ni gloria, Barbara Stanwyck y David Niven. Ambos, se pusieron bajo las órdenes del director austro-húngaro André De Toth, cuyo filme más conocido es ''Los crímenes del museo de cera".  

A destacar la magistral interpretación llevada a cabo por Bárbara Stanwyck y la sofisticada música de Rózsa que es todo un lujo de este drama romántico que cuenta con un gran director como André de Toth que en "The Other love" muestra la maestría de la puesta en escena en momentos como el primer plano de Barbara Stanwyck llorando recostada en la mesa. Introduce en el mismo plano esta situación junto al diamante que representa el encuentro con el amor y el vaso de agua que mitiga los síntomas de su enfermedad y una elegante escenografía. En esta película Bárbara Stanwyck vuelve a componer un magnífico personaje de mujer fuerte y rebelde que se debate entre el amor y la supervivencia

La película refleja la lucha entre el deber y el deseo en el que la protagonista, Karen, quiere vivir intensamente, pero su enfermedad la obliga a enfrentarse a la fragilidad de la vida. Tiene las virtudes propias del cine clásico dominado por esa estética visual y elegante contando con unma fotografía en blanco y negro con un uso sofisticado de sombras y luces, típico del cine de la época en ese gran trabajo de Víctor Milner y con el tono melodramático clásico en el que están presente los sentimientos intensos, personajes atrapados por el destino y una historia romántica trágica todo ello acompañado de una grandiosa banda sonora compuesta por Miklós Rózsa.

Jennifer 8

La he intentado ver en muchas ocasiones, la he tenido presente en muchas otras, pero por una cosa o por otra, esta película de inicios de los noventa que va al hilo de otras que investigan casos escabrosos desde El silencio de los corderos pasando por otras que tuvieron más éxito que esta - que posiblemente fue infravalorada - como Copycat, Resurrección, El coleccionista de huesos amantes......)- no la he podido ver hasta esta noche. 

Jennifer 8, la película de 1992 protagonizada por Andy García y Uma Thurman, que interpreta a Helena, una joven ciega que se convierte en la principal testigo y, posiblemente, en la próxima víctima, y  en la que Lance Henriksen tiene un importante papel y en la que hace un papelón, breve pero intenso, John Malkovich es un thriller policial, un neonoir en toda regla.

Es la historia de un detective que investiga una serie de asesinatos de mujeres ciegas dirigido y escrito por Bruce Robinson, que se dió a conocer con Withnail & I (1987).  

La película está producida por Gary Lucchesi conjuntamente con David Wimbury, y en ella está presente Paramount Pictures. En ella se invirtieron 20 millones de dólares. 

La historia sigue a John Berlin (Andy García), un detective de Los Ángeles que se traslada a unapoblación en California tras un divorcio complicado. Allí, la policía local que es un poco conformista y no está acostumbrada a resolver los casos difíciles de asesinatos. Pero Berlín se ve envuelto en la investigación de una serie de asesinatos de mujeres ciegas, cuyos cuerpos nunca han sido encontrados. 

Conforme Berlin se involucra más en el caso, también desarrolla una relación sentimental con la chica, Helena Uma Thurman). Sin embargo, la investigación se complica cuando su propio departamento comienza a sospechar de él.

Lo cierto la película empieza conociendo al detective de policía de Los Ángeles John Berlin que está al borde del agotamiento tras el fracaso de su matrimonio. Por invitación de un viejo amigo y colega, Freddy Ross (Lance Henriksen) y con el apoyo de su queroida esposa y amiga Margie (Kathy Baker), Berlin se dirige a la zona rural del norte de California para trabajar en la fuerza policial de Eureka. 

Berlin, un policía difícil, pero de trayectoria impecable, irrita a sus nuevos colegas, especialmente a John Taylor, a quien no se le dio un ascenso para dejarle lugar a Berlin que dirige el jefe Citrine (Kevin Conway ). 

En el equipo policial están Detective Sargento John "J.K." Taylor (Graham Beckel ) o el Detective Sargento Angelo Serato (Michael O‘Neil ), y , junto a los anteriores, están los agentes Blattis (Lenny Von Dohlen),  Travis (Perry Lang) y Venables (Paul Bates ). Gran parte de ellos le pasan información a un periodista local, Bisley (Nicholas Love ) . 

Después de encontrar un cuerpo con el cuello rebanado, de casualidad, la mano cortada de una mujer en una bolsa de basura en el vertedero local, Berlin reabre el caso de una chica asesinada no identificada pues apareció sin cabeza y sin manos, apodada "Jennifer", que quedó sin resolver a pesar de un esfuerzo de tiempo completo de seis meses por parte del departamento. Lo cierto es que el caso quedó cerrado hace dos años.Sin tener pruebas fuertes para validar su hipótesis, sus compañeros de trabajo lo ignoran y rechazan.  

Berlin nota una cantidad inusualmente grande de cicatrices en la mano, así como desgaste en las puntas de los dedos, que se da cuenta de que se deben a la lectura en Braille, determinando que la víctima es ciega. 

Comienza a creer que los casos están relacionados. Berlin hace todo lo posible para convencer a Freddy y a sus compañeros de sus sospechas, pero Taylor y el jefe de policía Citrine, se niegan a creer que la mano encontrada en el vertedero esté relacionada de alguna manera con el otro caso. 

Tras consultar a sus antiguos colegas de Los Ángeles, Berlín descubre que en los últimos cuatro años, seis mujeres, la mayoría de ellas ciegas, han sido encontradas muertas o siguen desaparecidas, todas ellas en un radio de 300 millas de San Diego. Se convence de que "Jennifer" fue la séptima víctima y que la niña cuya mano fue encontrada en el vertedero es "Jennifer 8", o la víctima número 8. 

Mientras investiga los vínculos entre las niñas ciegas muertas y desaparecidas, conoce en una institución que dirige el director Goodridge (Bob Gunton) a la profesora de música ciega una joven Helena Robertson (Uma Thurman), y determina que su compañera de habitación, Amber, fue la octava víctima. 

Berlín se obsesiona con el caso, a pesar de la casi total falta de pruebas contundentes, y se involucra románticamente con Helena, que se parece a su ex esposa. 

Comienza a visitar a la chica, pero no sólo lo hace él, puesto que descubrimos que otra persona entra en la casa y la fotografía mientras se baña, descubriendo ella en un momento dado que hay alguien en la casa.  

Después de un ataque a Helena, Ross acompaña a Berlín en una vigilancia en el instituto donde Helena vive en un dormitorio, después de dejarla con la esposa de Ross, Margie. 

Cuando ven una linterna brillando en el mismo piso que el apartamento de Helena, Berlín investiga y el asesino lo deja inconsciente, quien luego dispara y mata a Ross con el arma de Berlín. 

El agente especial del FBI St. Anne (John Malkovich) interroga a Berlín con suma dureza. St. Anne le deja claro a Berlín que lo considera el asesino de Ross, pero también revela sin querer información que ayuda a Berlín a darse cuenta de que Taylor es el verdadero asesino. Berlín les dice a St. Anne y Citrine quién cree que es el asesino, pero sus deducciones son recibidas con incredulidad. 

Berlín es arrestado por el asesinato de Ross, pero Margie paga la fianza y lo rescata, ya que no cree que Berlín sea el asesino. John Berlin nada más salir piensa en lo que le ha dicho su compañero sobre su infancia en Oakland y va allí y registra la casa de la madre de John Taylor. Al principio no puede ligar el caso a su compañero, pero luego en una caja descubre la relación de Taylor con el caso. 

Tras pagar la fianza, Berlín regresa a la casa de Margie y se entera de que ella ha llevado a Helena de vuelta al instituto. Temiendo que Helena y Margie estén en peligro, Berlín se apresura a ir al instituto. No llega antes que Taylor, que irrumpe y persigue a Helena por el dormitorio. 

Finalmente, cuando la alcanza, Taylor se sorprende al descubrir que la mujer que había estado persiguiendo es en realidad Margie. Ella mata a tiros a Taylor, vengando a su marido y cerrando el caso. 

La película se tituló originalmente A Policeman’s Story. La dirección artística estuvo en manos de William J. Durrell Jr. y John Willett quedando el diseño de producción en manos de Richard Macdonald. En otras cuestiones técnicas reseñar que el sonido se grabó en Dolby, el maquillaje correspondió a Jan Newman y Rick Sharp. 

La buena fotografía que capta muy bien la humedad y la tensión fue de Conrad Hall. La labor de montaje le fue asignada a Conrad Buff, mientras que el vestuario fue realizado por Judy L. Ruskin y los efectos especiales a Dale L. Martin y Mike Vézina. 

Si bien las escenas de presentación se filmaron en Eureka y Trinidad, California, la mayor parte del rodaje se llevó a cabo en varios municipios del área canadiense del Gran Vancouver conocido como Greater Vancouver, Columbia Británica, incluidos el Riverview Hospital en Coquitlam, Richmond para la granja rural London Heritage Farm y para Marine Garage en Steveston, y Maple Ridge para el vertedero y para la granja de "John Berlin". Eso explicaría las grandes cortinas de agua que aparecen a lo largo de toda la película. Los decorados de la película fueron diseñados por el director artístico Richard Macdonald. 

La producción tuvo problemas en su desarrollo y postproducción, lo que afectó su lanzamiento y recepción. Originalmente, el director tenía una visión más oscura y psicológica, pero los estudios presionaron para hacer la historia más accesible.El director y guionista, Bruce Robinson dijo más tarde que la película se había visto perjudicada por la interferencia del estudio: "Había cuatro jefes de estudio diferentes en esa película, todos querían cosas diferentes. Lo peor que pasó antes de que hiciéramos la película fue tener a Andy (García), el gran tipo que es, en la película. No la escribí para un protagonista joven y guapo, la escribí para un policía viejo y drogado como Gene Hackman o Al Pacino (...) El problema es que en el momento en que ves a Andy García y Uma Thurman juntos en la pantalla piensas: 'Eso no está mal. Un par de protagonistas románticos, eso está bien'. El punto era que él era un tipo jodido, era Rod Steiger si quieres". De hecho, al principio se quería a Al Pacino como protagonista para el papel de John Berlin, pero finalmente la elección cayó en Andy García. 

Finalmente, Christopher Young fue elegido como compositor por parte del director a pesar de la resistencia por parte del estudio, que originalmente quería a Maurice Jarré. El músico que ya había trabajado en varias películas de terror y suspenso (Hellraiser, Drag Me to Hell). Su partitura ayuda a construir la atmósfera inquietante de la película 

En una entrevista con Movieline, García dijo que se habían cortado veinte minutos de la película antes de su estreno. García describió las escenas cortadas, que incluían la "borrachera de alcohol durante toda la noche" de su personaje y secciones de la secuencia de interrogatorio entre su personaje y el de John Malkovich, como "el corazón" de la película, y que las ediciones hicieron "una película totalmente diferente". 

El filme combina elementos de suspenso psicológico y policial, con una atmósfera oscura y una narrativa pausada pero tensa. Aunque en su momento no fue un gran éxito de taquilla, consiguió unos once millones, 9 por debajo de lo invertido, ni de crítica, ha ganado cierto estatus de culto entre los amantes del género.

La película juega con la percepción sensorial, ya que la protagonista es ciega, lo que genera una tensión diferente en varias escenas. El título Jennifer 8 hace referencia a una víctima desconocida, la octava en una serie de asesinatos, lo que mantiene el misterio sobre la identidad del asesino. Señalar que la película tiene un ritmo más pausado que otros thrillers de la época, centrándose más en la atmósfera y los personajes que en la acción.. 

En su reseña para The New York Times, Janet Maslin consideró que las dos horas de duración de la película resultaron en detalles innecesarios que no eran importantes para el misterio, lo que no ayudó ya que "el misterio finalmente demuestra ser su elemento más débil". 

Todd McCarthy de Variety la elogió y la presentó como "un thriller de final de temporada inusualmente inteligente y sin 'exploitation' (...) o poco explotador, lo que probablemente no ayudará a sus posibilidades en la taquilla. Atrapante sin ser emocionante, la película se destaca por evitar la mayoría de los recursos estándar de las películas de suspenso, así como por la cinematografía absolutamente sensacional de Conrad Hall". Y terminó comentando que "Es notable por evitar la mayor parte de los artificios del suspense estándar" 

Por su parte, Bill Cosford en el  Miami Herald comentó que   "Es atractiva, oscura y amenazante (...) pero claramente está fuera de control" 

Para Desson Howe del The Washington Post "Como la mayoría de los thrillers, desde 'Fatal Attraction' a 'Basic Instinct', el final posiblemente no esté a la altura de las expectativas que crea" 

Por último,  Duane Byrge: The Hollywood Reporter "Tratando de complacer a todo el mundo, probablemente decepcionará a los espectadores a cada nivel" 

En Gran Bretaña Matt Mueller de Empire dijo de ella que "Con una predecible historia principal, lo que podría a ver sido una película del montón es muy mejorada gracias a las interpretaciones estelares de Garcia, Thurman y, en particular, Malkovich" 

Ya en España Luis Martínez en El País sostuvo que "Pese a los aciertos formales de un clima de angustiado videoclip, el film queda lastrado por lo imposible de una trama cerca del colapso". 

Por su parte, Francisco Marinero en El Mundo defendió que "Es tal la cantidad de trucos fáciles que el interés decae sin remedio".

Como vemos estamos ante un thriller complejo, con final inesperado y con buenas actuaciones por parte de su grupo de actores y actrices. Muy noventero. 

Movies. Desde 2000 en adelante

Dos décadas de cine según la CNN, era una serie cerrada en 2019. Gladiator, (2000) de Ridley Scott, es curioso que el mismo director señala que una pintura del siglo XIX, la misma que es Pirón a Omar Shariff para explicarnos lo que era la cultura romana, será la inspiradora para la realización de esta película que lanzó al estrellato, pillara famoso, Russell Crowe, pero qué será la película del año 2000 en los Óscar de Hollywood.  Rile Scott y Michael Mann se llamaron varias veces para identificar a Russell Crowe como el protagonista de la película por su talento innato. Sospecho que en la actualidad Scott no piensa lo mismo, especialmente una vez estrenada Gladiator 2. Lo que más le llamó la atención fue la voz del actor australiano. 

Ron Howard lo dirigirán en Una mente maravillosa y destacan de él su capacidad para hacer papeles fuera de lo común y creados desde la nada como el que hizo en la película que él dirigió titulada Una mente maravillosa (2001). Conecta con los personajes y los interioriza con lo que haces que te conectes con su mundo. Ayuda mucho al director a la hora de crear y llevar el personaje más allá de su condición. 

Steven Soderbergh dirigió en dos mil la película Erin Brockovich, que contó con Julia Roberts como protagonista. Ella era una interpreta el papel de una mujer guapa y encantadora sino el de una mujer que lucha por defender sus principios y sobre todo sus derechos laborales. Es una historia real sobre una mujer que demanda a una empresa por contaminar el agua que bebe toda una comunidad. Su contacto con el director supuso para ella una nueva visión del trabajo pues contacto con él y le hizo ver que iba a hacer algo muy distinto. Fue una gran actuación de la actriz que estaba en todo su esplendor. Por este trabajó consiguió un oscar. 

El mismo director la seleccionó para hacer como protagonista femenina de la película Océano"s Eleven. George Clooney convenció a sus amigos para hacer la película fue muy divertido pues permitió ver a muchas estrellas con su carisma en la gran pantalla y en la misma película. Al final la película depende y mucho de los actores. 

En 2001; Robert Luketic dirigió la película Una rubia muy legal. Con la Risespoon es momento en el que las películas empiezan a depender mucho de los actores por lo tanto van a recibir salarios muy elevados, puesto que la película se ponen se diseñan alrededor del actor o de la actriz. 

Esto va a pasar en otras películas de esos años como Miss Agente especial (2000) con Sandra Bullock de Donald Petrie o con El diablo vestido de Prada de David Frankel con la multipremiada , pero también en Infiltrados (2006) de Martín Scorsese con Matt Damon y Jack Nicholson , son películas que en un momento no muestran que la películas depende más de los actores que de los directores. 

Algo parecido ocurre en Náufrago (2000) de Robert Zemeckis con Tom Hanks o Minority Report (2002) de Steven Spielberg con Tom Cruise. Es un equilibrio en beneficio de una de las partes que cada vez se requiere más importancia que hace que el resultado final sea diferente. 

En Ali (2001) de Michael Mann con Will Smith también es una realidad. La película girarán entonces en torno a los actores como ocurre en una película como Día de entrenamiento (2001) de Antoine Fuqua con Denzel Washington en el papel de Alonso, el poli corrupto,  y  Ethan Hawke. Ese año, en los Oscar de 2002, Denzel ganó el Óscar al mejor actor y Halle Berry ganó el de mejor actriz. Ese mismo año sin la hipótesis le dieron un Óscar honorífico. Fue un momento importante para los actores negros para el cine negro para los directores negros tras la lucha. 

En Casi Famosos (2000) de Cerón Crowe el director contó con francés McDonand. Es una película que está considerada como una carta de amor a su infancia, en concreto a su madre. Son películas en las que hay escenas donde la música juega un papel importantísimo. Por ejemplo en la que suena Wild de Vat Steven en la que actriz principal bailar donde esta música o en la que en el autobús cantan todos una canción, Timy Dancer, de retorno a casa. 

El cine musical reaparece en el año 2001 con la película Moulin Rouge y con un director como Baz Luhrmann. Una película en la que Ewan Mc Gregor y la actriz australiana nos llevan al París de principios de siglo, eso sí con música actual cambiada de signo. Se estrenó en una época en la que nadie quería saber nada de los musicales sin embargo esto cambió por la forma de grabar de rodar y de plantear la película. Con todo el número musicales especialmente difíciles y con canciones adaptadas a la película. El ritmo era desafinante. 

Esta película al igual que Chicago (2002) de Rob Marshall, le devolvió el cine los gemelos musicales que había quedado aparcado durante años. Cuando Chicago se estrenó en Broadway ahí en los años 70, la gente pensó que la visión que tenía Bob Fosse sobre el mundo era dilatante y oscura. Pero comienzas del siglo XXI cambia todo. Nadie pensó durante años que era difícil casi imposible levantar una película sobre el musical Chicago pero Rob Marshall lo consiguió. 

Con Dreamgirls (2006) de Bill Condón volvemos a encontrarnos un buen musical, como dos años después con mamma Mia (2008) de Phyllis Lloyd, que se convirtieron en musicales populares con una gran acogida por parte del público, , la audiencia está muy interesada incluso convirtiéndose en fenómeno como es el caso de la película La la Land, Ciudad de las estrellas (2016) de Damien Chazelle. Hasta la animación en películas como Shrek (2001) de Andrew Adamson y Vicky Jenson, apostó por introducir algunos elementos musicales en películas de animación..

Lo cierto que en el cine animación un punto de inflexión a partir de la década del año 2000. El nuevo milenio nacía una nueva concepción de cine de animación. Los directores vieron que podían capturar a nuevos espectadores no solo el público infantil sino a través de nuevas historias nuevo concepto de dibujo y animación incluso con películas llenas de ironía. Nadie quedaba afuera. 

Con Monstruos SA (2001) de Peter Doctor el espectro de espectadores aumentaban. Billy Tristán fue contratado para ser una de las voces de los protagonistas de esta película. El reconoce que fue el idiota que rechazó participar en Toy story.. con monstruos no hubo duda. Como señala Kenneth Turan, críticos cinematográficos habitual de Los Ángeles Times, las películas de Pixar son muy valientes es en ese sentido. En Wall-E (2008) al igual que en la anterior destaca la caracterización que Pixar le da a estos personajes. 

En Los increíbles (2004) de Brad Bird , fue la primera película de fit Pixar en la que los menores tenían que ir acompañados. Era arriesgado puesto que era una película acción pero la gente cuando va al cine de animación espere una película marcadamente infantil. No es el caso. Son personajes reales y cercanos. Eso no se había visto lo antes antes de los increíbles. 

Para Billy Crystal, las películas de inmersión de Pixar son las mejores y eso es visible por ejemplo en el inicio de la película como Up (2009) de Peter Doctor. Es una pre secuencia preciosa que nos avisa de cómo va a ser el resto de la película. Como de ser una película con mucha felicidad y de pronto pasa a ser mucho más triste. Es una película animación que desde el principio habla de la pérdida. 

En Pozos de Ambición (2007) de Paul Thomas Anderson , para Steven Spielberg la película favorita del director. Lo importante de ser director es y cómo va creando su personaje principal hasta convertirlo en un personaje único. Importante para la película la participación de Daniel Day Lewis. Su impronta es posiblemente clave en el éxito de la película y en la creación de un personaje tan potente como el protagonista. El personaje dan es intenso y divertido, según el mismo Paul Thomas Anderson. Ese papel era especial para que sacara esa vena de hombre malo y divertido. Esta intensidad es posiblemente lo que llegó a Steven Spielberg o Martin Scorsese a elegirlo para protagonista de Gangs of new York en el caso del segundo o Lincoln (2012) en el caso del segundo. Spielberg reconoce que estuvo diez años intentando conseguir su participación en esta película. 

Con No es un país para viejos (2007) los Coen, Joel y Ethan, basada en una novela de Cormack que la concibió como una película violenta que se desarrolla en un pueblo fronterizo. Como ocurre en otras de sus películas y resalta Tom hanks lo interesante de los hermanos Coen es que les gusta salirse de la norma. En Valor de Ley (2010) , que viene a ser un remake de western clasico de Henry Hathaway. La participación en ella de Jeff Briget y de Matt Damon es fantástica. 

Hay director que empezaron en los 80 y en los 90 que solo quieren hacer las películas que quieren hacer. Este es el caso de Danny boyle director entre otras de Slumdog Millonaire (2008) , están por encima de los estudios que quieren tener el control o del dinero. Esto es visible en directores como David Fincher y en su película La red social (2010) o El cisne negro ( 2010) de Darren Aronofsky , o Boyhood (momentos de una vida , 2014) de Richard Linklater o en The Máster (2012) de Paul Thomas Anderson. Lo hacen porque creen en el cine y no porque creen en el dinero ni en los estudios. 

También la década de los años 2000 van a dar lugar a grandes sagas cinematográficas en las que unos protagonistas se van a ir desarrollando con el tiempo y en relación a una aventura o a un proyecto. 

Esto es visible en películas o en sagas como la de Harry Potter o la del señor de los anillos, o en las películas procedentes de las Marvel studios. 

Con Harry Potter y la piedra filosofal (2001) de Chris Columbus da comienzo una saga literaria de J.K. Rowlings  que impactará en toda la sociedad y por supuesto en el cine.  Estas películas salió justamente después del 11S y para algunos críticos de cine representaba una película que servía para escapar del horror que se había vivido en los Estados Unidos un mundo de magia y hechicería. Se hizo en contacto directo con la escritora.. la saga tanto de las películas como de los libros que siguieron a esta HP y la cámara de los secretos (2002) de Chris Columbus marcaron a una generación. Visible en HP y el Prisionero de Azkaban (2004) con un diseño impresionante, o en HP y las reliquias de la muerte parte una (2010) de David Yates , pues ya hay uniformidad en la dirección; o fue la segunda entrega la parte 2 (2011) de David Yates. 

Algo parecido en El señor de los anillos que empezó con la comunidad del anillo de Peter Jackson (2001) donde hay una mayor renuncia a la parte literaria pero se crea un mundo nuevo. Una película que cumple con las expectativas y lo ha hecho tres veces enseguida en cada una de sus entregas. Una de las logros más impresionantes del cine y moderno. Ya que las dos siguientes entrega, Las dos torres (2002) y El retorno del rey  (2003) culmina toda una saga literaria. Peter Jackson fue un director visionario que estaba al cargo de siete equipos diferentes que iban rodando cada uno por su lado pero siempre coordinados por el director. En ella se aplicó con Andy Serkis, una técnica experimental que se llamó captura de movimiento, será la que le da vida gollum. La película presentó un cambio tecnológico presentó actores que ahora mismo son referencias del cine y es una auténtica epopeya de películas que no se habían visto desde Star wars. 

Con la siguiente saga la del Hobbit, un viaje inesperado (2012) se le da continuidad a parte de las historias surgidas del señor de los anillos aunque sean precedentes. 

La excepción del francotirador de Clint Eastwood (2014), las películas más taquilleras desde el 2000 en adelante han sido películas de saga. Entre ellas no podemos ignorar a piratas del Caribe que desde la maldición de la Perla negra (2003) de Gore Verbinski, hasta sus pepinos que ya no me gustaron tanto pero que lo hubo, trazaron y las historias de las carteleras de esos años. 

Los directivos de los estudios empezaron a pensar que esa era la dirección adecuada seguir en una saga y esto lo volveremos a encontrar en la saga Crepúsculo (2008) de Catherine Hardwicke; o con 007 Casino Royale (2009) de Martín Campbell. Ahora los estudios no quieren un proyecto independiente sino que quieren un pelotazo y además que se repita en el tiempo, quieren muchas películas de éxito.

Algo parecido pasa en la incomprensible Transformers (2007) de Michael Bay . Son películas que luego pueden explotar en mercadillos secundarios como televisión videojuegos etc.  

Otros ejemplo de ellos en la saga de bourne, iniciada por Paul Greengrass (2004) con el Mito de Bourne, donde se reinventan la forma de rodar las películas de acción. Algo similar lo encontraremos en misión imposible; Nación Secreta (2015) de Christopher McQuarrie (2015) 

Hasta las comedias empiezan a tener sed a como el caso de resacón en Las Vegas (2009) de Todd Phillips, que fue seguida de distintas resacones por distintas partes del mundo por Estados Unidos. Si tres fueron las de reglas sacó un cuatro fueron las de hombre de negro , por ejemplo Hombres de negro 2 (2002) de Barry Sonnenfeld. 

Y como la máquina sigue girando y no ha dejado de parar contenido lo encontramos en la saga fast and furious que en 2013 planteó la sexta entrega dirigida en este caso por Justin Lin. 

Borat (2006) de Larry Charles , que siempre nos presentan actor , Sacha Barón Cohen, en situaciones absolutamente ridículas. Es un documental paródico muy interesante. 

En 2006 se presentó , Pequeña miss sunshine, de Jonathan Dayton y Valerie Faris. El guión fue de Michael Arndt, y reconoce que primero escribió el final después planteado el principio. 

Con Kos Tenenbaums: una familia de genios (2001) de Western Anderson. Como todas sus películas son meticulosas y en ella se cuida hasta el mínimo detalle. Todo lo que sabe en ella es diferente al resto del mundo. 

En Un reino bajo la luna (2012) Wes Anderson vuelve a ser original como siempre. En sus historias el nivel de originalidad y creatividad es enorme como reseña Michael Arndt. Visible igualmente en el Gran hotel Budapest (2014) donde el guionista vuelve a señalar la originalidad de la historia, y los pequeños detalles que completan este universo. 

Para la década del año 2000 quentin tarantino seguía en activo. En 2009 nos dejó Malditos Bastardos. Donde le da la vuelta a la historia. En 2012 nos dejó Django desencadenado. En ambas historias los malos pierden y cambian el orden de las cosas. Escribió películas originales bastante violentas pero originales y hacen referencia a películas antiguas pero que las convierte en sumamente atractiva. 

Volviendo a Todd Phillips descubrimos que en 2003 firmó Aquellas juergas universitarias. Una película para el que muchos consideran un genio de la interpretación, Will Ferrer. Lo dirigió en el año 2003, Jon Favreau en Elf. Personalmente me sorprende mucho pero en Estados Unidos así está considerado. En 2004 fue el protagonista de El reportero una película dirigida porAdam McKay. Destacan de él su capacidad de improvisación. Todo lo que es característico de la comedia a los 2.000 aparecen en el reportero. 

En Virgen a los 40 (2005) se dará conocer a un gran actor y a un buen director como Judd Apatow. Este mismo director que para algunos transformó la voz media del siglo XXI es el director de la película Un lío embarazoso (2007)  influya en otros directores como Greg Mottola, director de la buenísima Supersalidos (2007) o en Adam McKay director entre otras de Hermanos por pelotas (2008).

En La boda y mi mejor amiga (2011) de Paul Feig lo mejor que hace el director es traernos mujeres reales. Película de sororidad y de amistad entre mujeres. 

En la segunda entrega de esta serie de la CNN que trata sobre el cine a partir del año 2000 nos trae una buena cantidad de películas o de referencias a las mismas. 

Y empieza con una película que cambió absolutamente todo. Se trata de Avatar (2009) una película dirigida y escrita por James Cameron, qué prosigue los éxitos que ya habían comenzado a finales de los 80 y sobre todo en los años 90. En este caso la aplicación de la tecnología al cine va a dar lugar a una auténtica revolución así como un taquillazo impresionante. Con ella el director quería recuperar la magia de las películas en 3D. Todo parecía real y tangible. 

Curiosamente la exmujer de James Cameron en 2009 estaba dirigiendo una película radicalmente diferente; En tierra hostil (2009) de Kathryn Bigelow. Estores experta en crear suspense y En Tierra hostil lo consigue desde las primeras escenas. Deja de lado la violencia para tratar algo más profundo. Sobre todo intenta explicar qué es lo que lleva estos hombres a desactivar bombas y hago sesionarse con ello. Es un nuevo directora con gran imaginación intrépida y nunca se sabe y hacer las cosas con cabeza y pelo nunca deja de experimentar siendo una gran directora. Fue la cuarta mujer en ser nominada a los Óscar como mejor directora y la primera en conseguirlo. En 2012 ella misma dirige la noche más oscura. Ella estaba muy contenta por ser la primera pero no quería convertirse en un símbolo de las mujeres directoras de Hollywood. No quiere llevar su género por bandera es una directora haciendo películas. 

En 2010 Debra Granik dirige Winter's Bone. Esta directora se centró en historias sociales y realistas son historias que requieren de mucha paciencia pero cuando salen bien son muy satisfactorias. La directora justa de contar historias del día a día en lo que mejor sabe hacer y con lo que disfruta. Está considerada como una de las mejores películas independientes. Contó con Jennifer Lawrence. También tuvo varias nominaciones a los Óscar y fue premiada en Sundance. Este fue el inicio de una gran carrera por parte de esta actriz, que explotaría definitivamente la trilogía de Los juegos del hambre (2012). Paso de ser una cara nueva en la película de Debra Granik a convertirse en la protagonista absoluta de una saga tremendamente conocida. En 2012 en la favorita en los Óscar por su película El lado bueno de las cosas (2012) de David O. Russell. El propio Robert De Niro con el que compartió pantalla mixtas películas reconoce la fuerza con la que interpretó su papel. Ese año ganó el Óscar por esta película. 

En La gran estafa americana (2013) del mismo director, se presenta como una actriz divertida, ingeniosa y real. 

En dos mil quince interpretó Joy:el nombre del éxito con el mismo director. Puede conseguir todo lo que se proponga. 

En 2003 se estrenó la película dirigida por Nancy Meyers titulada Cuando menos te lo esperas. En este caso destaca la participación de Jack Nicholson. Está directora a Nancy Meyers ingenió una nueva forma o fórmula de comedia. Es brillante y divertida romántica y que hace que las mujeres que ven sus películas vean su vida reflejadas en ella. En este caso aparecen Diane Keaton y la mujer y musa de los Coen. Es una película que abre fantasías y en ella también participan Cameron Díaz. Son fantasías de mujeres de cierta edad que también Apple aparecen en la película no es tan fácil (2009) en la que Nancy Meyers es también guionista y directora. 

Distintas pero también divertida será Mi gran boda griega(2002) de Joel Zwick la protagonista es la actriz escritora Nia Vardalos que la entrevista dice que ella creció precisamente en una sociedad rodeada de mujeres en las que sus tías mujeres de alrededor le iban dando permanentemente consejos para casarse o tener hijos. Fue la comedia romántica de la película más taquillera de inicios de los 2000. 

Otra de rectora que cada vez llama más la atención es Sofía Coppola En 2003 volvió a tocar el éxito, que ya había tenido con Las vírgenes suicidas, con Lost in Traslation. Es una película considerada como directa íntima y sentimental. En la historia de una mujer que se siente sola y que hecha y falta a su marido pues ella está relegada en un hotel, y allí encuentra un hombre, un cómico, Bill Murray , que se siente solo, ante muerto por dentro,  en cualquier lugar del mundo. 

En 2004 se estrena Olvídate de mí de Michel Gonchy. Y se ha interpretado por Jim Carrey un gran humorista pero también un gran artista capaz de dar todo un ejemplo de interpretación fuera de sus roles habituales, como Murray.en Lost in Traslarion. 

Algo parecido va a ocurrir en el western alternativo dirigido por Ángel Lee y titulado Brokeback Mountain   ( en terreno vedado) 2005. Su coguionista Diana Ossana fue consciente que desde que leyó está historia sabía el poder que iba a tener. Es una película presentaba un romance tradicional de Hollywood entre dos chicos que estaban enamorados. En la historia del hombre que quieren vivir. La película sobre la compasión. 

Y en cuanto al cine de ciencia ficción pero también policíaco el género cambia cuando aparece una película como un Momento ( 2001) dirigido por Christopher Nolan. En esta película, un neonoir, que juega con el tiempo como en todas las películas de Nola y que fue una gran actuación de Guy Pearce. No la juega con la cronología y con la estructura narrativa. El director de pastor ser inteligente a la parque popular capaz de enfrentarse a una saga de superhéroes como la de DC en Batman begins (2005), a un personaje ya mítico como Batman. Con Christopher Bale.

El paso de Batman al Caballero Oscuro (2008) es natural. La participación de Heath Ledger como un Joker que es absolutamente un psicópata fue legendaria. Puede ser un personaje ambiguo a convertirse en un personaje absolutamente malévolo. 

El efecto de Batman de Nolan hizo que apareciera el fenómeno de los superhéroes especialmente los de la saga de Marvel que se inicia con Iron Man (2008) de Jon Favreau, permite modificar y abrir un concepto nuevo que va a tener muchísimo éxito a lo largo de estos veinte años de siglo XXI. En la historia de alguien que no tiene superpoderes, quiere tener éxito y que tiene una crisis de valores. La clave fue darle el papel a Roger Downing Junior. 

El tono creado por Iron Man fue el que marcó el recorrido de todas las películas de la saga Marvel y el universo  que explosionó absolutamente con la saga de Los Vengadores (2012). La idea de que aparecieran tantos superhéroe en una sola película nunca se había hecho y desde el inicio fue un éxito. Aparte del mundo de los comics donde ya existe un universo con la saga de Los Vengadores y cualquiera de sus películas incluida la de Thor (2011) de Kenneth Branagh o Capitán América : el primer vengador (2011) de Joe Johnston hasta Ant Man (2015) de Peyton Reed, se creó un universo coherente y eficaz capaz de convertir todas las películas en éxitos. Eso mismo ocurre cuando en 2014 se estrena los guardianes de la galaxia de James Gunn. Ahora lo más importante es la marca llevan su propio sello, la marca, siendo la mayor estrella en la historia del cine gasta inicial de la década de los años 20 del siglo XXI,  como ocurre por ejemplo con Doctor Strange (2016) de Scott Derrickson (2016) o en Spiderman; de vuelta a casa (2017) de Jon Watts. Nada se puede equiparar a esta marca o Los Vengadores ; Infinity Wars (2018) de Anthony y Joe Russo. 

Los directores mexicanoc han estado en estado de gracia en estos dos décadas del siglo 21 un jugador un papel importantísimo en el cine de Hollywood. De entre ellos Alejandro G. Iñarritu ha tenido diversos éxitos y algún que otro premio por la academia. Esto es el caso de la película del año 2014 Birdman o ( La inesperada virtud de la ignorancia). Los actores que han trabajado con él como Edward Norton o Michael Keaton han realizado una gran labor con él. 

Algo parecido con los igualmente talentoso mexicanos Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón consiguieron colocar películas entre lo mejor de estas dos décadas. Son directores que no han salido de la nada porque vienen de un cine que ha aportado grandes películas y una gran tradición cinematográfica. 

Guillermo del Toro representando a España presentó El laberinto del fauno (2006) , ofreciendo una perspectiva muy particular. Una mezcla entre terror y los cuentos de hadas. En La forma del agua (2017) su versión de la mujer y el monstruo. Gobierno de todo realiza sus películas con mucho respetado por el pecho al cine anterior. 

Alfonso Cuarón con la película Gravity (2013) realizó una auténtica epopeya Gravity espectacular, combina lo íntimo ponlo humano además de lo técnicamente brillante en un 3D alucinante. Tan inteligente con talento y que hace películas que llegan al corazón de los espectadores esto también se ve en la película Hijos de los hombres (2006), dónde se muestran muchas relaciones delicadas e intimas y  en un mundo distópico sin fertilidad y la boca supervivencia de la especie. Está acá el gran trabajo de cámara que ayuda a una narración ágil. 

En El renacido (2015) Iñarritu crea una escena inicial espectacular. Por si son experiencias. Con esta película conseguir dos Óscar el niño consecutivo. 

La negritud tiene también cabina en este cine del nuevo milenio. En mil trece se estrenó Trece años del esclavitud de Steve McQueen. Presiento perfectamente la esclavitud. Realmente un hombre negro libre que lo  esclavizan. Todas las películas del Museo de una realidad muy cruda. 

También aparece la película Selma: el poder de un sueño (2014 de la directora Ava Duvernay. Es una película que habla del Martín Luther King pero no presenta en toda su biografía sino concreto la del incidente de el puente de Selma en la raíz del derecho a voto. 

Como dice la crítica de Rotten Tomatoes en referencia a esta película o a Good Seeds (2012) de Tyler Perry, no ha sido un golpe de suerte si no un momento en el que el público ha obtenido ver estas películas sobre la población negra como ocurrió con la película Straight Outta Compton (2015) de F. Gary Gray o en  Precious (2006) de Lee Daniels. O Moonlight (2016) de Barry Jenkins, la historia de un negro y gay. 

En Estación Fruitvale (2013) de Ryan Coogler, que trata de un policía negro que dispara sobre otro nombre negro en Oakland . Es el mismo director que en 2015 inicio su propia película sobre la leyenda de Rocky en Creed (2015) y y a dar un paso más con Black Panther (2018), una película que surge como una gran gestación y que llegó a cambiar la imagen del cine negro. 

Con Los niños están bien (2010) de Lisa Cholodenko , se muestra una pareja en este caso de lesbianas, y que crean un par de niños y un día y pesan concer al donante de esperma. Muestran que todos los matrimonios se fueron 

En Lady Bird (2017) de la actriz y escritora Greta Gerwing , como una chica se convierte en mujer en Sacramento.  Para por Tomasa Anderson en sus películas son humanistas, divertidas y cinemáticas. Entre una madre y una hija. 

En Tangerine (2015) de Sean Baker un director independiente grabada entera con una cámara de iPhone pero muestra un grupo de mujeres trans de Los Ángeles este mismo director es el responsable de la fantástica película de The  Florida Project (2017) , un director 

Así mismo año Jordan Peele presenta Déjame Salir , una película de terror se protagonista es un joven negro que se ve secuestrado por blancos supremacistas, inflados en lo que parece una pareja de interracial. Y se apoderan tu cuerpo. El estilo fue la mejor ópera prima que vio muchos años. 

Esa diversidad también se ha visto en películas como Crazy Rich asians (2018) de Jon M. Chu, o en Roma (2018) de Alfonso Cuarón, o en Wonder Woman (2017) de Patty Jenkins,o en Francés (2016) de Denzel Washington película muy diferente , que nadie más puede contar y eso hace que las películas sean diferentes entre sí, pero que son las que quieren contar los directores y guionistas. 

Una película es  algo especial, casi artesanal, es un mosaico que se ha ido montando con mucho cuidado y detenimiento. Te da la oportunidad de sumergirte en ella, es como estar en un suelo y según Spielberg es como si lanzarás luces y sombras y que rebotaran sobre un público que no sabe lo que va a recibir. Las imágenes de las películas se quedan grabadas en la mente como las letras de una canción. Volver a ver estas imágenes la usamos para recordar, para vivir nuestra propia vida  o ver una realidad que hace nos sintamos las cosas con los cinco sentidos. Aunque estás haciendo algo muy personal y de alguna manera muy egoísta porque lo haces porque te apasiona, luego lo lanzan al mundo y pueden cambiar la vida de la gente. Cuando puedes ir a un sitio donde sabes que vas a poder dejar tus problemas a un lado durante un rato es como una droga, como una droga. Es una conexión directa con el alma. Desde el origen de la humanidad siempre que hemos podido nos ha gustado reunirnos alrededor de una hoguera para contar historias para sentirnos humanos juntos.