Locura de amor

En la España de los años 40, el cine dominante era la comedia, con cerca de la mitad de la producción, pero entre 1939 y 1951 ,serán unas veinte las películas de contenido histórico. Estas películas eran el principal vehículo de propaganda y adoctrinamiento del primer franquismo. El régimen lo utilizó para construir una épica nacionalista, ensalzando la religión, el Imperio español y los valores militares para legitimar su propia dictadura.

La importancia de este género se basó en tres pilares. El primero, la propaganda e ideología que glorificaba la "Hispanidad" y el pasado católico, creando paralelismos entre los Reyes Católicos o los conquistadores y la figura de Francisco Franco como "salvador de la patria". El segundo, la consolidación de mitos a través de biografías heroicas, se fomentaban valores de sacrificio, patriotismo y obediencia, alejando al público de la dura realidad de la posguerra y la autarquía.  Y el tercero el control cultural por parte del Estado que consideraba la cinematografía como una industria de "interés nacional". A través de la Censura Cinematográfica durante el Franquismo y de productoras como Cifesa o Suavia, el régimen dictaba qué historia se podía contar y cómo.

Recuerdo haber visto en los años ochenta el programa La noche del cine español​ que hacía menciópn a alguna de estas películass. Dicho programa se estructuraba de la siguiente manera: una eje cronológico que repasaba de manera minuciosa la producción fílmica española y el reflejo de la sociedad, centrándose de manera muy detallada en el período que abarcó desde el año 1939 hasta 1975; el formato doble ya que cada emisión combinaba un riguroso reportaje documental o de análisis histórico con la posterior proyección de una película representativa de la época tratada. Y finalmente una importante labor de archivo en el que destacaba, por su ingeniosa tarea de documentación, recuperando fragmentos de películas, material del NO-DO y testimonios clave de la industria. 

Alguna de estas películas de género histórico y de prograganda, además fr la mítica Raza, fueron Agustina de Areagón o Alba de América, ambas de Juan de Orduña o el Jeromín de Luis Lucía... El valor del programa de Méndez-Leite consistió en que no solo emitió estas películas, sino que sentó a directores como Juan de Orduña y a sus intérpretes para que explicaran el férreo control del guion, los presupuestos históricos y los objetivos políticos que el régimen les imponía. Una de esas película que referenciaron fue Locura de amor que me impresionó por sus referencias tanmto a nivel de reparto y sus interpretaciones; el despliegue de medios al contar con un presupuesto inusualmente alto para la época de la autarquía. Destacaron los suntuosos decorados diseñados por Sigfrido Burmann y el vestuario de época, pensados para dar una imagen de grandiosidad hacia el exterior o por su impacto cultural , pues fue un taquillazo de la época , dando lugar a uu estilo melodramático que influyó tanto en la época que años más tarde los directores de la modernidad española (como Berlanga y Bardem) lo tomaron como el principal ejemplo a combatir y parodiar para renovar el cine nacional. .  

Película de 1948 dirigida por Juan de Orduña y cuyo guion fue escrito por Alfredo Echegaray y Carlos Blanco, con la colaboración de José Mª. Pemán, adapta la obra teatral “La locura de amor” (1855), de Manuel Tamayo y Baus. Se rueda en los Estudios CIFESA (Valencia) y en exteriores de las proximidades. Producido por Juan de Orduña (1900-1974) para CIFESA, teniendo como productores a Carlos Blanco y José María Pemán se estrenó en noviembre de 1948 en los Cine Windsor de Barcelona.

La acción dramática tiene lugar entre 1504 y 1506, con un prólogo situado en 1516. En esta fecha comienza la película con la llegada a España del emperador Carlos V (Ricardo Acero) que está en Tordesillas de visita a su madre, que desde hace tiempo permanece confinada en el Castillo de Tordesillas debido a su estado mental. 

La visión del Toisón de oro en el pecho del señor de Chievres le recuerda al intrigante Don Filiberto, encubridor de los amores adúlteros de su esposo y tiene un ataque de locura ante su hijo. El capitán Alvar narrará entonces al emperador la historia de Doña Juana. 

Comienza Alvar con la muerte de Isabel I, la católica (26-XI-1504), Juana (Bautista) es proclamada reina de Castilla en virtud del testamento materno. Casada (1496) con Felipe el hermoso (Rey), soberano de los Países Bajos. 

La película cuenta la pasión que siente la princesa Juana de Trastamara, hija de los Reyes católicos y heredera del trono de Castilla por su marido Felipe el hermoso soberano de los Países Bajos e hijos del emperador alemán Maximiliano de Austria y de María de Borgoña. 

Ella no es justamente correspondida y siente celos de las amantes de Felipe y sufre por el comportamiento promiscuo del marido, Felipe ( Fernando Rey) al que Doña Juana (Aurora Bautista) sorprende a su marido en su pabellón de caza en medio de una fiesta y cortejando a una dama en el momento en que ella iba a comunicarle la noticia de la muerte de su madre, añadiendo a dicho dolor el de la traición. es aficionado a la caza, las fiestas y el deporte de su tiempo.

Ya en Castilla, Felipe sigue siendo infiel. Es mujeriego, tiene una relación en el mesón del Toledado, cuyo mesonero (Félix Fernández) la presenta como sobrina, de nombre Beatriz, nombre bajo el que se oculta Aldara, (Sarita Montiel), una musulmana, hija de un rey musulmán, el Zagal, ansiosa tanto de venganza por la muerte de su padre , su exilio.

Ella quiere conquistar al capitán Alvar de Estúñiga (Jorge Mistral) , al que ha seguido desde Italia. Ella siente pasión por el poder y por la venganza. 

Ya en Burgos conseguirá un puesto como dama de la reina gracias al adúltero don Felipe. En la capital burgalesa, y mientras Felipe se dedica a conquistar a otras mujeres, su hombre de confianza, Filiberto de Were va tejiendo, apoyado por parte de la nobleza castellana deseosa de medrar, como a Don Juan Manuel ( Manuel Luna)  y a Diego López Pacheco y Portocarrero,  Marqués de Villena (Eduardo Fajardo) . Otra parte de la nobleza , como la que representa el Almirante de Castilla (Juan Espantaleó ) no aceptan la ingerencia extranjera.

Allí comienbza una intriga para incapacitar a la reina y proclamar rey a Felipe., y a partir de ahí comienza su locura cuando el archiduque prefiere las aventuras y las argucias de Filiberto de Vere (JesúsTordesillas) con otras mujeres cosa que trastorna completamente a Juana. 

El día anterior a la sesión en que las cortes deben declararle rey, Felipe juega con el marqués de Villena a la pelota y bebe agua muy fría. 

Una carta escrita por Aldara al rey llega a manos de la reina que, cegada por los celos hace escribir a todas las damas unas palabras para descubrir a la traidora, sin importarle que el almirante y los hombres que le son fieles presencien tal escena de celos cuando van a tratar graves asuntos de estado. 

La reina sólo aceptará acudir a las Cortes debido a la insistencia del capitán Alvar de Estúñiga, secretamente enamorado de ella. Pero su presencia será contraproducente, pues aparece ante todos como loca al presentar como prueba de la infidelidad de su marido un papel en blanco que ella creía la carta de Aldara, hábilmente sustraída por el señor de Were. 

Alvar se enfrentará con él, si bien será Aldara quien acabe con el traidor para salvar a su amado pese a que es consciente de que el suyo es un amor imposible. 

Al término de la sesión Felipe se siente mal debido a un corte de digestión. La reina cuidará de él con amor hasta su muerte que para ella es sólo un episodio de sueño, por lo que se negará a enterrarle y paseará su cadáver por Castilla tratando de llevarle a Granada, donde nunca llegarían. 

El reparto de actores y actrices es inmenso; se cree que trabajaron casi todos los actores dramáticos dedicados al cine por esos años haciendo hasta de figurantes. 

Dominan la pantalla Aurora Bautista como Doña Juana, Fernando Rey como Felipe el Hermoso, Sara Montiel como Aldara / Beatriz, Jorge Mistral como Capitán Don Alvar de Estúñiga, Jesús Tordesillas como Don Filiberto de Vere, Manuel Luna como Don Juan Manuel, Juan Espantaleón como Almirante, Félix Fernández como Mesonero, Nicolás Perchicot como Pintor en la corte de Flandes y Eduardo Fajardo como Diego López Pacheco y Portocarrero, Marqués de Villena.

  

La película lanzó al estrellato Aurora Bautista con Juana la loca y en la misma aparece Fernando Rey como Felipe el hermoso Sara Montiel y Jorge Mistral como Don Álvar de Estúñiga, así con todo un elenco de secundario magníficos. En ella vemos como su locura se acentuará con la prematura muerte de su marido en Burgos, donde Felipe ejerce el poder real sin contar con la opinión de la Reina. Cuando Felipe muere a los 28 años. (25-IX-1506), por accidente o envenenamiento, se hace cargo de la regencia de Castilla Fernando II de Aragón, el católico, que la delega más tarde en el Cardenal Cisneros hasta que el príncipe Carlos (Arce) es proclamado mayor de edad (a los 15 años) y rey de Castilla y Aragón (1516). 

Juana nunca fue legalmente incapacitada, las Cortes de Valladolid se negaron a hacerlo y siempre fue citada como reina hasta su fallecimiento (1555). Vivió recluida en el castillo de Tordesillas (Valladolid), por decisión de su padre Fernando el católico y de su hijo Carlos I, hasta el final de sus días, a los 75 años de edad. El film construye una historia de ficción, de carácter dramático y romántico, con elementos folletinescos y melodramáticos, que se aparta de la verdad histórica. Juana está profundamente enamorada de Felipe, no quiere pleitear con él, es muy religiosa, devota y austera. 

Forma parte del conjunto de obras sobre temas históricos que en los años 40 y primeros 50 cuentan con gran aceptación de un público popular que sublima sus frustraciones y miserias con relatos épicos y grandes historias, como “Alba de América” (1951), “Agustina de Aragón” (1950) y otros. 

El estilo narrativo es ampuloso y grandilocuente. Reproduce las imágenes de dos cuadros famosos: “Doña Juana la loca” (1877, Museo del Prado), de Francisco Padilla, y, “El testamento de Isabel la católica” (1884, Museo del Prado), de Eduardo Rosales.

La banda sonora, de Juan Quintero Muñoz (“Agustina de Aragón”), ofrece composiciones corales religiosas (de difuntos, de acción de gracias...) y cortes vibrantes de acompañamiento. La fotografía, de José F. Aguayo (“A tiro limpio”, Pérez-Dolz, 1963), compone imágenes opresivas y lúgubres, coherentes con el desarrollo de la historia, excelentes perspectivas generales de multitudes (entrada en Burgos) y composiciones de numerosos personajes. Se beneficia, además, de unos decorados suntuosos. El montaje fue de Juan Serra. 

La película presenta diálogos brillantes, con actores y actrices de dicción colosal y su ritmo impecable, fruto de la experiencia del cineasta. "Su locura no tiene remedio. Pero es la más hermosa locura del mundo. Locura de amor."

En 2001 Vicente Aranda retomó el argumento para su película Juana la Loca. 

La película obtuvo dos Premios del Sindicato Nacional del Espectáculo como el de mejor película y la Mejor actriz para la actriz a Aurora Bautista. En la 4.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos consiguió el de mejor película y mejor actriz para Aurora Bautista. Obtuvo seis premios en el Primer Certamen Cinematográfico Hispanoamericano, celebrado entre el 27 de junio y el 4 de julio en Madrid: mejor película española, director, actriz (Aurora Bautista), actor secundario (Jesús Tordesillas), decorados (Burmann) y música (Quintero). 

Para Fotogramas supone un ejercicio de grandilocuencia: desde las interpretaciones hasta una envarada realización que refuerza su carácter de pretencioso cartón-piedra. Tiene un valor estrictamente arqueológico pero puede ser asumido con sentido del humor.Un film mítico que aunó el éxito popular con el dudoso prestigio cultural. Basado en un dramón histórico de Manuel Tamayo y Baus, supone un ejercicio de grandilocuencia: desde las interpretaciones hasta una envarada realización que refuerza su carácter de pretencioso cartón-piedra. Tiene un valor estrictamente arqueológico pero puede ser asumido con sentido del humor.

Para el Mundo " Uno de los mayores éxitos de la productora CIFESA, que lanzó al estrellato a su protagonista, Aurora Bautista, gracias a la que apenas era su segunda película. Otro beneficiado de su enorme repercusión comercial fue su director, Juan de Orduña, que gracias a él se convirtió en uno de los grandes nombres del cine español de la época, además de un un especialista en superproducciones de corte histórico, como las posteriores 'Vendaval', 'Agustina de Aragón', 'La leona de Castilla' o 'Alba de América'. "

La cicatriz

Película del año 1948 protagonizada y producida por Paul Henreid, por medio de la Eagle-Lion Films y Bryan Foy Productions que llevaba en su versión original el título de Hollow Triumph - que significaría Triunfo hueco- y que fue película una película en clave de cine negro y que tiene como protagonista a un hombre que se pasa por otro dada su similitud física , con la única diferencia de una enorme cicatriz en la cara y no en el lado opuesto de la misma como le ocurre al individuo al que imita, de ahí el título de la película en español, La cicatriz.

La película fue dirigida por Steve Sekely y Paul Henreid y contó con un guion de Daniel Fuchs partiendo de la novela escrita por Murray Forbes. Fue estrenada por la productora Eagle-Lion Films , basada en la ya citada novela homónima de 1946 escrita por Murray Forbes. Los decorados de la película fueron diseñados por el director artístico Edward L. Ilou . Responsable de la fotografía fue John Alton, mientras que la edición lo fue de Fred Allen y la banda sonora de Sol Kaplan. Junto al mítico actor de Casablanca participan Joan Bennett y Leslie Brooks . 

El protagonista es John Muller (Paul Henreid), un astuto criminal con estudios en medicina y psiquiatría, sueña con el día en que logre dar "el gran golpe". Tras salir de la cárcel se ve obligado a desempeñar un aburrido trabajo de oficina. 

Un día, Muller decide llevar a cabo su sueño, robar en un conocido club de juego, propiedad del mafioso Rocky Stansyck junto con los integrantes de su banda. Recién salido de prisión, John Müller planea un asalto a un casino ilegal dirigido por Rocky Stansyck. El robo sale mal, y los mafiosos capturan a algunos de los hombres de Müller y los obligan a identificar al resto antes de matarlos. 

Tras el golpe y durante su huida, Muller será confundido con el Dr. Bartok, prestigioso psquiatra, debido a su asombroso parecido. Muller tratará de aprovechar la ocasión para esconderse, suplantando la personalidad del doctor. Para ello, deberá autoinflirgirse una herida que le deja una cicatriz idéntica a la del conocido psiquiatra... 

Stansyck tiene fama de rastrear y matar a sus enemigos, sin importar el tiempo que tarde, así que Müller decide irse de la ciudad y esconderse. Acepta un trabajo de oficina recomendado por su hermano Frederick, un hombre respetuoso con la ley, pero pronto decide que trabajar para ganarse la vida no es para él. El encuentro casual con el dentista Dr. Swangron revela que Müller se parece mucho a un psicoanalista que trabaja en el mismo edificio, el Dr. Bartok, con la única diferencia de una gran cicatriz en el lado izquierdo de la cara del doctor. 

Aprovechando la oportunidad, comienza a investigar a Bartok, incluso entrando sigilosamente en su consultorio para revisar su historial. Lo descubre la secretaria del doctor, Evelyn Hahn. 

Ella lo confunde con su jefe y lo besa, pero pronto se da cuenta de que es otra persona. Él la convence de salir con él, aunque ella se ha amargado y afirma haber renunciado a cualquier sueño de encontrar el amor. 

Müller se propone hacerse pasar por Bartók, con la ayuda de haber estudiado psicoanálisis en la facultad de medicina antes de abandonarla. Toma una fotografía del médico y la usa como guía para hacerse una cicatriz idéntica en el lado derecho de la cara. Solo después de haber asesinado a Bartók y de estar preparándose para arrojar el cuerpo al río, descubre que Bartók en realidad tiene la cicatriz en el lado izquierdo de la cara, y que al imprimir la fotografía, el negativo debió de estar invertido sin querer, por lo que la cicatriz de Müller está en el lado equivocado. Aun así, sigue adelante con el plan, y (excepto la señora de la limpieza, cuyas sospechas consigue disipar) nadie nota la diferencia, ni siquiera Evelyn ni los pacientes de Bartók. 

Müller descubre entonces que "él" tiene novia, Virginia Taylor, y que frecuentan Maxwell's, un casino de lujo. También resulta que Bartók ha estado perdiendo mucho dinero. 

Cuando un preocupado Frederick Müller intenta contactar con su hermano, la pista conduce a Bartok. La cicatriz convence a Frederick de que el hombre que ve es solo un doble. Evelyn, que desconocía el cambio (pero ahora sospechaba mucho), revela que John Müller dijo que iba a París. 

Frederick Müller le dice a "Bartok" que su hermano ya no tiene por qué esconderse, porque Stansyck fue condenado por "problemas con el impuesto sobre la renta" y está a punto de ser deportado. 

Después, Evelyn se da cuenta de que Müller es un impostor y que debe haber asesinado al psicoanalista. Aunque él se lo confiesa, ella no lo denuncia a la policía, sino que compra un billete para ir junto a él a Honolulu. 

Müller se entera y promete acompañarla, pero ella no cree que deje pasar semejante oportunidad de enriquecerse. Müller consigue que otros médicos atiendan a sus pacientes y se dirige al muelle. Allí, sin embargo, es interceptado por dos hombres que quieren hablar sobre la deuda de juego de 90.000 dólares de Bartok. Cuando Müller intenta escapar, le disparan mortalmente. Evelyn se aleja navegando, sin saber que Müller pretendía cumplir su promesa acabando así la película. 

Henreid quería dedicarse a la producción tras firmar un contrato con Warner Bros. Opcionó una novela que le había sugerido el director Steve Sekely y montó el proyecto en la recién formada Eagle Lion. 

Henreid estaba entusiasmado por interpretar el papel principal, un gánster, ya que era un papel diferente para él. Contrató a Daniel Fuch para escribir el guion, tras admirar su trabajo en Entre dos mundos. Quería a Evelyn Keyes para el papel principal, pero tenía contrato con Columbia y Harry Cohn se negó a cederla, así que eligieron a Joan Bennett en el papel de Evelyn. 

Henreid manifestó que Eagle Lion no estaba contento con la dirección de Sekely, por lo que lo reemplazaron por Henreid. Henreid afirma que la película tuvo un buen desempeño en taquilla, pero que estaba vinculada financieramente con otras tres películas de productores estrella. Ninguna de estas tuvo éxito, por lo que Henreid no obtuvo ganancias.

En cuanto a la crítica el crítico del New York Times, Thomas M. Pryor, la calificó como "un análisis adecuado de un tipo de criminal inteligente. La trama carece de la lógica suficiente para resistir el escrutinio, pero la historia avanza con agilidad, las actuaciones son sólidas y siempre existe la promesa de más violencia a la vuelta de la esquina". 

Para Alain Silver en Film Noir: An Encyclopedic Reference to the American Style señala: "Como en muchos de estos thrillers de serie B, la trama es artificial, aunque la conclusión de la película es tan deprimente como la de cualquier película negra desde Scarlet Street ".

Revisión del tesoro de Sierra madre

Maravillosa película de aventuras basada en una famosa novela de B. Traven, que ya había comentado hace años en la entrada titulada El gran tesoro de John Huston, y que te tiene en tensión desde el principio hasta el fin. John Huston es el responsable de esta auténtica joya del cine negro, pero también de este western del año 1948 que cuenta en el reparto entre otros con el padre del director, Waletr Huston. 

La historia la protagonista un tres aventureros, dos vagabundos en México, Fred Dobbs y Bob Curtin, que conocen a un viejo buscador de oro, Howard, y con el que se asocian para encontrar un filón en la Sierra Madre y que se van en busca de ese preciado tesoro por las laderas de ese desierto mexicano y montaña mexicana. Las actuaciones son todas memorables en esta historia sobre la fiebre del oro, la envidia y el lado oscuro de la naturaleza humana. 

Un clásico del género donde destaca la intervención de Walter Huston padre del director. John Huston, ganó el Oscar por Mejor Director y Mejor Guion Adaptado especializado en llevar a la gran pantalla grandes aventuras con grandes perdedores; smientras que su padre, Walter Huston ganó el Oscar al Mejor Actor de Reparto. 

La historia se centra en la codicia y cómo corrompe, pero como comenta el personaje de Walter Huston cuando aparece en un refugio para pobres en Texcoco por primera ver como la búsqueda del oro, que inicialmente puede suponer establecer vínculos inquebrantables y solidaridad en un priumer momento puede acabar cuando se tiene a la ruptura y a la propia avaricia. A medida que encuentran el oro, la amistad se desintegra por la paranoia y la codicia, llevando a conflictos y revelando la naturaleza destructiva de la avaricia. 

La película explora la fragilidad de la amistad, la moralidad humana y cómo el deseo de riqueza puede llevar a la locura y la autodestrucción. Estamos ante un clásico del cine, elogiada por su realismo, diálogos y profundidad filosófica, a pesar de las dificultades del rodaje en México. Ha inspirado a directores como Paul Thomas Anderson (quien la vio antes de escribir There Will Be Blood ) y Vince Gilligan , quien citó al personaje de Dobbs del que Bogart dijo "Interpreto al mayor bastardo que hayas visto nunca" , una auténtica ruina moral, capaz de agredir a un niño, que , por cierto, interpretó un actor como Robert Blake, y uno de los mayores logros de Bogart, y que se verá como influencia clave para crear a Walter White en Breaking Bad .

Casbah

Segunda versión del clásico francés Pépé Le Moko en este caso dirigido por John Berry que cuenta como actores principales con Tony Martin, Yvonne de Carlo, Peter Lorre y Märta Torén, que sustituye a Jean Gabin y a Charles Boyer..

En este caso se trata de un remake en clave musical pero que combina igualmente el cine negro, de una historia ya conocida como la de Pépé Lemoko la primera dirigida por el francés Julien Duvivier  realizada en el año mil novecientos treinta y siete y el año siguiente pero ya con el título de Argel por John Cromwell y cuyo papel estelar fue interpretado por Charles Boyer.

Las tres películas están a su vez basada en la novela Pépé Le Moko de Henri La Barthe, quien firmaba sus obras con el seudónimo de Detective Asheibe.

Lo llamativo en esta versión del año mil novecientos cuarenta y ocho es la presencia de Yvonne de Carlo, una de las actrices que eran reinas absolutas del cine de aventuras e historias exóticas de los años cuarenta y cincuenta en plena explosión del tecnicolor.

Igualmente destaca la presencia de Peter lorre que interpreta al inspector x un hombre que se mueve entre la amistad con Pepe y el deber de cumplir con su actividad profesional. Aquí se presenta como secundario de doble moral. Destaque igualmente la presencia de la dulce y prematuramente desaparecida actriz sueca Märta Torén. La película fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Canción Original por la canción "For Every Man There's a Woman" en la ceremonia de los Oscar del año 1949 .  Y por supuesto sorprende la presencia estelar de Tony Martin. 

Lo de Martin es -o debe ser- un punto y aparte. Su verdadero nombre era Alvin Morris (25 de diciembre de 1913 – 27 de julio de 2012), conocido profesionalmente como Tony Martin , un actor y cantante popular estadounidense, brillando especialmente en su  faceta como cantante. 

La película fue realizada por Marston Productions, la productora de Tony Martin, quien firmó un acuerdo con Universal. Lo cierto es que Tony Martin estaba ansioso por restablecerse en la industria cinematográfica después de haber estado en la lista negra de la industria del entretenimiento desde que fue dado de baja de la Marina por "incapacidad" en 1942. Ya que se le acusó de comprarle un coche a un oficial de la Marina para facilitarle la obtención de un puesto de jefe. calificación de especialistas. 

Fue la primera producción de Marston, que Martin poseía con su agente, Nat Gould. El Bank of America prestó 800.000 dólares para financiar la película; Universal proporcionó parte del dinero y con ello pudo contar con Yvonne De Carlo quién firmó para interpretar a una de las protagonistas femeninas, Inez, en junio de 1947. Erik Charrell produciría y William Bowers la escribiría.

La historia sigue los patrones anteriores, aunque con algunos cambios, como la traición por parte de su amigo y compañero de celda en el Centro Penitenciario Metropolitan parisino, Carlo; el lugar de la muerte , un aeropuerto y no un muelle, y la afectación amorosa, aunque sea similar. 

Desde el principio, Pépé le Moko ( Tony Martin ) lidera una banda de ladrones de joyas en el distrito Casbah de Argel, donde se ha exiliado para escapar de la prisión en su Francia natal. Allí vive con Inez ( Yvonne De Carlo ), su celosa y temperamental novia.

A la Casbah van turistas interesados por su exótismo y sus mitos. Entre los que van en esta ocasión se encuentran un grupo de norteamericanos, británicos y franceses entre los que se encuentra un bella y ambiciosa chica francesa, Gaby.

Inez se enfurece cuando Pépé coquetea con la recién llegada Gaby ( Märta Torén ), una visitante francesa, pero Pépé le dice que se meta en sus propios asuntos. 

Mientras tanto, el detective Slimane ( Peter Lorre ) , al qiue hemos conocido al inicio de la película junto con un inspector metropolitano obsesionado con la detención inmediata de Pépé, sigue su proopia táctica que es la de intentar sacar a Pépé de la Casbah para que pueda ser encarcelado. 

En contra del consejo de Slimane, el jefe de policía de Lovaina ( Thomas Gómez ) captura a Pépé en una redada, pero sus seguidores lo liberan. Se demuestra que el jefe de policía desconoce la práctica y el reconocimiento que tiene Pépé entre la población local. 

Mientras tanto, el acercamiento entre Pépé y Gaby prosigue. Inez se da cuenta de que Pépé se ha enamorado de Gaby y tiene intención de seguirla a Europa. Slimane sabe lo mismo y la utiliza como cebo para sacar a Pépé de la Casbah.  

Pépé se da cuenta de que la Casbah no deja de ser una prisión abierta que limita sus movimientos y su felicidad decide seguir a Gaby, cuando ésta decide marchar a París en avión, abandonando su protección urbana y humana.

Se dirige al aeropuerto donde la chica hace valer su pasaje y se monta en el avión. De inmediato Pépé, aunque ella no lo percibe, intenta pasar asumiendo el nombre de otro pasajero, sin percibir que el inspector Slimane se encuentra esperándolo. Éste procede a su detención, descubriendo que ha sido Inez quien lo ha traicionado explicando los pasos que iba a dar en la huía. Cuando Pépé quiere avisar a Gaby llamando su atención el inspector le dispara por la espalda mientras el avión remonta el vuelo, acabando así la película. 

 

La película fue realizada por la Marston Productions, la productora de Tony Martin, quien firmó un acuerdo con Universal. Tony Martin estaba ansioso por restablecerse en la industria cinematográfica después de haber estado en la lista negra de la industria del entretenimiento desde que fue dado de baja de la Marina por "incapacidad" en 1942. Se le acusó de comprarle un coche a un oficial de la Marina para facilitarle la obtención de un puesto de jefe. 

Será Erik Charrell el que produciría mientras William Bowers escribiría el guion y Harold Arlen haría la música, siendo Leo Robin el responsable de las letras. John Berry firmó para dirigir. 

Märta Torén debutó aquí en el cine, al igual que esta fue la primera aparición cinematográfica de Eartha Kitt , pero sin acreditar como miembro de los bailarines de la Compañía de Katherine Dunham. 

Universal compró todos los derechos de la película en una subasta pública por 5.000 dólares. Esta compra estaba sujeta a un gravamen insatisfecho contra la propiedad de $195,000 al Bank of America. 

Martin tuvo que acudir nuevamente a los tribunales. Marston demandó a Universal en enero de 1949 por 250.000 dólares, alegando distribución inadecuada. Universal presentó una contrademanda en mayo por 325.439 dólares, incluidos los 320.439,25 dólares que Universal proporcionó a los cineastas y los 5.000 dólares que, según Universal, Marston distribuyó en contra de su acuerdo. 

Universal logró obtener una sentencia judicial contra Marston de 350.000 dólares. Un juez ordenó que la película se subastara por 329.486 dólares.  Martin tuvo que acudir nuevamente a los tribunales para argumentar (con éxito) que tenía derecho a reclamar la pérdida de la película como una deducción fiscal. 

Entre las canciones de la película destacan "Para cada hombre hay una mujer", cantada por Tony Martin ; "Hurra por el amor", cantada por Tony Martin e Yvonne De Carlo;  "Fue escrito en las estrellas", cantada por Tony Martin y "¿Qué tiene de bueno el adiós?", cantada por Tony Martin. 

La película sólo recuperó 600.00 dólares de su coste negativo. El 24 de septiembre de 1949, la película había obtenido alquileres por valor de 1.092.283 dólares. 

En 1949, la película fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Canción Original por la canción "For Every Man There's a Woman" o "Para cada hombre hay una mujer", cantada por Tony Martin de Harold Arlen (música) y Leo Robin (letra).

Con esta pongo fin a la historia de amor y venganza, con toques de cine negro que surgido en Francia en los años treinta , se convirtió en un referente en la década de los cuartenta.  

A double life

Ronald Colman es el protagonista absoluto de esta película de George Cukor en la que un actor pierde la referencia de la realidad, sin poder delimitar que es verdad y que no. Su papel como Otello de Shakespeare y su sentido del método actoral le hace perder el sentido de lo real y acaba cometiendo un asesinato con una brutalidad extrema imitando al de la obra teatral. Por este papel fue premiado con los máximos galardones a su actuación, pero ¿ Quién se acuerda hoy de Ronald Colman?

Ronald Colmar aquí interpreta al actor Anthony "Tony" John, y aparece acompañado de la actriz sueca Signe Hasso como Brita, Edmon O' Brien como Bill Friend y Shelley Winters como Pat Kroll en el que fue casi su debut como actriz. 

Junto a ellos participan Ray Collins como Víctor Donlan, Philip Lorb como Max Lasker, Millard Mitchell como Al Cooley, Joe Sawyer como Pete Bonner, Charles La Torre como Stellini y White Bissell como el Doctor Staufer. 

Doble vida es una película del año 1948 dirigida por George Cukor y que cuenta la historia de Anthony un famoso actor trágico que trabaja en Broadway (Nueva York) y qué es adorado por los espectadores yo odiado por las personas más cercanas al menos algunas de ellas.

Anthony "Tony" John, es un célebre actor de teatro que disfruta del éxito de su actual comedia "A Gentleman's Gentleman". Un día recibe la oferta del protagonista de una nueva producción de Otelo de Shakespeare del productor teatral Max Lasker. Lasker también quiere que la ex esposa de Tony, Brita, coprotagonice el papel de Desdémona. El productor recupera una antigua propuesta del propio Anthony que tenía su prio concepto de este proyecto shakesperiano.

Tony inicialmente rechaza la oferta, para alivio del director Victor Donlan, quien sabe que Tony se involucra demasiado en sus papeles. Brita está de acuerdo con su exmarido y advierte al agente de prensa Bill Friend que, aunque el ánimo de Tony es agradable cuando aparece en una comedia, es aterrador cuando actúa en un drama. Ella advierte a Friend que Tony se sumerge tanto en los roles que pueden apoderarse de su realidad. Tony cambia de opinión después de obsesionarse con la idea de interpretar a Otelo.

Un día te deja convencer por el empresario Max lasker y el director Víctor Dong Lang a quien debe sus mayores éxitos de que el mejor papel que para su carrera artística es el del celoso Otello de  Shakespeare. En su decisión entra en el lecho de que la coprotagonista es su ex mujer Brita kaurin de la que a pesar de estar dos años divorciado de ella sigue estando locamente enamorado. De hecho viven juntos. 

Tras comenzar los ensayos se aprecia un cambio en el ánimo de Anthony que de pronto empieza a revestir caracteres casi patológicos. En vano, Brita, que lo conoce bien, trata de calmarle por todos los medios. Ella siempre encuentra en el amor pasado y el cariño presente un inicio de cura pero no es suficiente. 

Anthony interviene en los más nimios detalles del montaje de la obra aterrorizando con sus bruscos y violentos cambios de humor a cuantos entran en contacto con él. De tal modo se identifica con el personaje dramático que olvida el lenguaje habitual y comienza a hablar en tono o teatral y de forma grandilocuente a otras personas como si fuese permanentemente un personaje de la obra.

Brita acepta de mala gana el papel de Desdemona y comienzan los ensayos. La producción se abre con excelentes críticas, pero Tony gradualmente se absorbe en su papel y comienza a perder el control sobre dónde termina la obra y comienza su vida real. Tony ve los celos como la clave de su carácter.

Justo antes de la representación número 300 de la obra, Brita le muestra un relicario que Bill le regaló por su cumpleaños y esto provoca celos en su interior. Esa noche, durante la escena del "beso de la muerte" de Otelo con Desdémona, Tony se siente abrumado por el papel y casi estrangula a Brita hasta la muerte. 

Una noche ya en vísperas del estreno y más exaltado que nunca Anthony vagando por la ciudad y llega al barrio de Little Italy y en Mulberry Street entra en una pizzería, el café Venecia, y se sienta en una mesa. Allí es atendido por una bella camarera del establecimiento, Pat Kroll, y se enamora de él a primera vista empleando sus ardides de mujer de tal modo que logra atraerlo a su nuevo piso.

Cuando la obra comienza su segundo año, Tony le pide a Brita que se vuelva a casar con él, pero ella se niega. Tony sospecha que Brita está enamorada de Bill. Enfurecido, confundido y delirante, Tony va al apartamento de Pat. 

Esa relación es pasajera, pero no el Estado es un instante y exageradamente peligroso del actor. Una noche se persona en el  piso de la joven Pat y el actor sucumbe a su obsesión llegándose a identificar tanto con su personaje que acaba estrangulando a la mujer creyéndola Desdémona.  Tony regresa a casa de Brita y se queda dormido en su sofá.

Al día siguiente, el periodista Al Cooley le ofrece a Bill publicidad en primera plana para la obra de Tony, señalando las similitudes entre el asesinato de Pat y el "beso de la muerte" por lo que el tipo de asesinato lo vincula con el beso de Otello.

Tony se enfurece cuando ve la historia y ataca físicamente a Bill. Bill sospecha que Tony es el asesino de Pat y acude a la policía, sólo para descubrir que el vecino borracho de Pat ha sido arrestado por su asesinato. 

Tony exige el despido de Bill, que casi sin querer ha dado con el asesino curiosamente la persona que se encuentra enamorada de Brita  y Bill planea unas cortas vacaciones. 

Bill le dice a Brita que la ama, pero Brita no le corresponde. Sin embargo, Brita le revela a Bill que Tony salió de su casa la noche del asesinato de Pat.

De todas maneras tiene que confirmar que el asesino es Anthony así que busca a una mujer de similares características a la asesinada la viste y la peina con ese estilo y la convierte en un cebo cuando con cierta una cita con él. Bill contrata a una actriz para que se vista como Pat, incluido el uso de los aretes distintivos de Pat, y la coloca como camarera en el restaurante donde Pat había trabajado. 

Bill invita a Tony al restaurante mientras que el capitán de policía Pete Bonner observa. Tony se angustia al ver al "doble" de Pase se descompone y sale corriendo del restaurante al ver a la chica Anthony . Luego marcha al teatro. Con sospechas ahora, Bill y la policía siguen a Tony al teatro.

Ese día está muy nervioso, algo que percibe Brita,  que intenta calmarlo como siempre pero el descontrol es tal que parados entre bastidores, los dos observadores ven la actuación y Tony los ve allí. En un momento dado de la representación Otelo decide suicidarse en el clímax de la actuación de Otelo. Tony, lleno de culpa, se mata clavándose un cuchillo en el pecho pues las puñaladas son con una daga real, en el mismo momento en que lo hace Otelo en la obra. Entre bastidores, sangrando por la herida que se autoinfligió, confiesa todo y muere.

Los espectadores piensan que es una parte más del espectáculo pero tanto Brita como Bill saben que es un intento por parte del actor para acabar con la locura que lo consume, acabando así la película. 

En esta película el director mezcla abiertamente en la pantalla zinc y literatura concretamente teatro. A esto se suman celos y locura en esta película de la Kanin Productions perteneciente al productor Michael Kanin.  El guión fue escrito por Ruth Gordon y por  Garson Kanin. El diseño de producción estuvo en manos de Harry Horner, mientras que la fotografía fue responsabilidad de Milton krasner. Robert parrish fue el montador de esta película. La música fue compuesta por el gran Miklos Rozsa. 

El trabajo de Ronald Colman fue recompensado con un Óscar al mejor actor por esta interpretación y un globo de oro por su difícil interpretación del protagonista. Hasso reconoció que su papel en esta película fue su actuación más lograda y por supuesto su favorita. Esa actriz sueca fue a los Estados Unidos con la vitola de la nueva Gago y bajo la protección del productor Howard Hughes. Junco el que siempre fue considerado como actor de actrices en este caso se manejan magníficamente con el protagonista. 

El papel principal estaba previsto inicialmente para Laurence Olivier . Inicialmente, Colman estaba ansioso por representar a Shakespeare en la pantalla. Para tranquilizarlo, Cukor le dijo al actor que la película había sido diseñada para conseguirle un Oscar muy esperado (que ganó más tarde); Colman había sido nominado tres veces antes. 

La música de Miklós Rózsa, por la que ganó su segundo Premio de la Academia, mezcla su propio lenguaje moderno con pasajes del estilo veneciano del siglo XVI. 

Posteriormente, el compositor adoptó el título A Double Life para sus memorias de 1982 para indicar la división en su carrera entre la música absoluta y las bandas sonoras de películas de Hollywood.

Cuando la película se estrenó en el Radio City Music Hall ya con el título definivo, pues pudo ser previamente durante el rodaje, se plantearon y se utilizaron como títulos de trabajo Inspiration y The Art of Murder`-, el crítico de cine del New York Times, Bosley Crowther , escribió: "Lo tenemos bajo la muy buena autoridad de Ruth Gordon y Garson Kanin, quienes deberían saberlo: no solo son actores y dramaturgos, sino también esposas". y su cónyuge—que lo que parece una profesión bastante segura, la actuación, es tan peligrosa como parece y que el amor entre gente del teatro es una aventura llena de peligros infinitos. Es especialmente arriesgado cuando un actor se toma en serio su trabajo y se dedica a interpretar "Otelo". Entonces los pañuelos y los puñales dominan su mente. Al menos eso es lo que se demuestra de manera rica, emocionante y melodramática en la lujosa producción de los Kanin... George Cukor, en su dirección, demuestra ampliamente que sabe el teatro, sus imágenes, sus sonidos y su gente frágil". 

El crítico Jerry Renshaw escribió en 1999: " A Double Life es un noir inusualmente inteligente y alfabetizado que se aleja con clase de la atmósfera pulposa de "B" que a menudo se asocia con el género. Esté atento a Paddy Chayefsky y John Derek en partes minúsculas. "

Lo cierto es que lo más destacado de esta película de cine negro que tiene mucho que ver tanto con Robert Louis Stevenson como con Shakespeare , es decir, con el Doctor Jeckyll y con Otelo, con el cine -pues son técnicas narrativas cinematográficas propias del cine negro- con el teatro, es el trabajo del londinense Ronald Colman, que vivió en primera persona la Primera Guerra Mundial junto con otros compañeros de profesión como Claude Rains, Herbert Marshall y Basil Rathbone, y que fue seriamente herido en la batalla de Passchendaele.

Tras la guerra, empezó a actuar en el teatro londinense. En 1922, apareció en Broadway, en el éxito teatral La Tendresse, aunque ya había trabajado en el cine en 1917 en algunas películas como The Live Wire (1917), A Daughter of Eve (1919), Sheba (1919), Snow in the Desert (1919), The Toilers (1919), Anna the Adventuress (1920), A Son of David (1920) o The Black Spider (1920). 

El director Henry King le vio, y lo incluyó en el reparto de la película de 1923, The White Sister (La hermana blanca), junto a Lillian Gish. Se hizo un actor muy popular del cine mudo, tanto en películas románticas como de aventuras. 

Pasó con éxito al cine sonoro gracias a su voz sonora y elegante. Su primer gran éxito sonoro tuvo lugar en 1930, cuando fue nominado a los Premios Óscar por dos papeles — Condemned (Condenado) y Bulldog Drummond (El capitán Drummond). Apareció en El prisionero de Zenda y Horizontes perdidos en 1937, Si yo fuera rey en 1938, y The Talk of the Town en 1941. 

Tras ganar el Óscar en 1948 por esta película, Doble vida (A Double Life), su carrera se detuvo realizando tres películas más: Champagne for Caesar (1950), La vuelta al mundo en ochenta días (1956) y La historia de la humanidad (1957), centrándose en la Radio en un par de programas humorísticos The Jack Benny Program, junto con su segunda esposa, Benita Hume, The Halls of Ivy . 

Ronald Colman falleció el 19 de mayo de 1958, a los 67 años de edad, a causa de una infección pulmonar, en Santa Bárbara. Con dos estrellas en el paseo de la fama, pero la duda vuelve y es la siguiente: ¿Quién se acuerda de estos grandes actores y actrices de los cuarenta y cincuenta?  

Los amantes de la noche

Los amantes de la noche (They live by night) de 1948 es una película de Nicholas Ray, en su debut como director, uno de los integrantes de la generación de la violencia. Un director reconocible por su estilo invisible, sutil, retórico. En este caso ese elemento retórico aparece en la secuencia inicial rodada en un helicóptero por primera vez en la historia. Toca la gloria en los años 50 con Rebelde sin causa, aunque su prestigio en España pòr Johnny Guitar vino por vía francesa. 

La película parte de un guion de Nicholas Ray y Charles Schnee que toma como referencia la novela Thieves Like Us de Edward Anderson que se desarrolla en los años de la Gran Depresión . En la misma aparecen la música de Leigh Harline con la integración de alguna canción de corte jazzística, el montaje de Sherman Todd y la buena fotografía en blanco y negro de George E. Diskant. La película está protagonizada en los principales papeles como Cathy O'Donnell como Catherine "Keechie" Mobley y Farley Granger como Arthur "Bowie" Bowers. 

Los amantes de la noche es una película que pertenece al género del cine negro pero que en el fondo guarda una auténtica historia de amor entre dos jóvenes que no han tenido suerte en la vida. Se trata de un producción de la RKO en la que intervino John Houseman, el mismo productor que estuvo p`resente en el debut de Orson Welles con Ciudadano Kane-  Citizen Kane-  (1941), también realizado para la  RKO.

El joven Bowie (Farley Granger ) acaba de escapar de prisión con otros dos reclusos. Han secuestro a un conductor que los lleva hasta un descampado. Desde allí huyen no son antes uno de ellos agredir brutamlmente al dueño del vehículo. El más joven de los tres es Arthur "Bowie" Bowers, un joven de 23 años que cumple una sentencia de prisión por un asesinato que supuestamente ayudó a perpetrar a los 16 años. En la prisión conoció a los otros con otros dos veteranos ladrones especializados en robos de bancos, Chicamaw (Howard Da Silva) , el tuerto , y T-Dub (Jay C. Flippen ). 

Los tres se refugian con el hermano de Chicamaw, Mobley (Will Wright) , un borracho que necesita siempre dinero y que opera en una estación de servicio, y su sobrina, Catherine "Keechie" Mobley (Cathy O'Donnell ), que trabaja allí. 

Con la esperanza de liberar también a su hermano encarcelado Richard, Chicamaw elabora un plan para robar un banco y usar el dinero para contratar a un abogado con el fin de probar que fue un error judicial. . 

En la guarida donde se refugian vive Keechie, una joven que pronto se siente atraída por él. Allí preparan su nuevo golpe. El robo transcurre sin problemas. Sin embargo, poco después, Bowie choca con su auto y el brutal Chicamaw cuando es auxiliado por un policía que ha sido testigo del mismo mata al oficial de policía cuando este llega a la escena. 

Chicamaw huye y deja a Bowie herido al cuidado de Keechie y acuerda reunirse con T-Dub en otra ciudad. La tímida Keechie rápidamente se encariña con Bowie, quien también es poco dado a fiarse de otras personas. Los dos se unen por su falta de experiencia, sus dudas ante la vida y pronto se unen románticamente. 

Mientras tanto, en el coche accidentado la policía encuentra la pistola de Bowie por lo que la prensa informa mucho sobre Bowie, identificándolo erróneamente como el cabecilla del robo. Bowie y Keechie deciden huir juntos, sin rumbo fijo, y viajar en autobús por varias ciudades. 

Una noche, bien tarde, encuentran una capilla que realiza matrimonios rápidos por $ 20. Bowie aprovecha la parada para pedirle a Keechie que se case con él, a lo que ella accede. Hawkins, el juez de paz local, realiza la ceremonia y vende a la pareja un auto. 

Más tarde alquilan una cabaña en la montaña con la esperanza de poder vivir en paz. Se trata de un remoto resort de montaña donde Keechie se alojó una vez durante su infancia. Lo alquila soñando con poder vivir juntos libremente. 

En Navidad, Chicamaw llega al resort después de haber rastreado a la pareja  ha perdido su dinero en apuestas y quiere que Bowie lo ayude a él y a T-Dub a cometer otro robo. Bowie acepta a regañadientes, aunque Keechie, temiendo que Bowie no salga con vida, le entrega de antemano su regalo de Navidad: un reloj de pulsera. 

Los tres hombres cometen un nuevo robo, pero T-Dub muere durante el mismo. Bowie y Chicamaw huyen de la escena en coche. Mientras conduce, Bowie se entera por un Chicamaw borracho que está celoso de toda la atención de la prensa que Bowie y Keechie han recibido. Bowie finalmente obliga a Chicamaw a salir del auto a punta de pistola.

Cuando Bowie regresa a la cabaña, Keechie le dice que Chicamaw murió en el robo de una licorería.  De nuevo, los medios, principalmente, la radio Bowie es  descrito como el cabecilla del robo. En una conversación acalorada, Keechie revela que está embarazada. 

La pareja sale del resort y se dirige hacia el este, viajando principalmente de noche para no ser vistos. Un día deciden pasar un rato de ocio en público, visitando un parque y luego un club nocturno. 

En el club, Bowie mientras canta una chica (Marie Bryant) se produce una pelea en la que Bowie está implicado. Mientras que cura sus heridas en el baño es reconocido por un gánster que le pide que salga del local.  La pareja vuelva a huir. 

Bowie sugiere que escapen a México, a lo que Keechie accede. En el camino, Keechie enferma y la pareja busca refugio en un motel propiedad de Mattie, la cuñada de T-Dub. Mattie, está resentida con Bowie, ya que lo considera el responsable de la muerte de T-Dub, sin embargo, les permite quedarse a regañadientes. 

Bowie visita a Hawkins, el hombre que los casó y les habló de Mexico, de su vida, de los encantos de ese espacio, con la esperanza de que pueda ayudarlos, mientras ocurre esto Mattie está llegando a un trato con la policía con el fin de delatar a Bowie a cambio de la liberación de Richard. 

Cuando Hawkins le dice a Bowie que no puede ayudarlo, Bowie regresa al motel e informa a Mattie que se irá solo para garantizar la seguridad de Keechie y el hijo por nacer. Mattie anima a Bowie a despedirse por última vez de Keechie. Él acepta y escribe una carta de despedida para llevársela. 

Cuando está a punto de entrar en el vehículo, la policía aparece inesperadamente, provocando que Bowie saque su arma. La policía lo mata a tiros. Keechie, arrodillada sobre el cadáver de Bowie, lee la carta de despedida que escribió para ella acabando así la película. 

La historia de esta película comienza cuando la novela escrita por Anderson llegó a manos del productor Houseman. La novela Thieves Like Us de Edward Anderson había sido comprada por RKO en 1941 por $ 10,000. Después de que numerosos escritores intentaran hacer un guion, no se avanzó nada. hasta que dio con ella el productor John Houseman, "Encontré el libro y se lo di a Nick (Ray)  para que la leyera, y se enamoró perdidamente de ella, al igual que yo, pero Nick además estaba muy familiarizado con ese territorio de Texas. Había estado allí cuando trabajaba para el Departamento de Agricultura. Y todo ese asunto de la Depresión era terriblemente suyo. Así que se sentó y escribió la revisión. Llegaba a casa por la noche y lo repasábamos; Lo editaba un poco, eso es todo, y era muy, muy bueno".

Houseman enviaba revisiones repetidamente, defendiendo el trabajo de un novato Nicholas Ray. Houseman, que tenía una autoridad considerable como productor, estaba al tanto de la pasión de Ray por el proyecto y nunca hubo ninguna duda de que dirigiría la película. 

Para consternación de Ray y Houseman, RKO no vio ningún valor comercial en la historia, especialmente porque Ray no tenía experiencia en la dirección.

A principios de 1947, el productor Dore Schary se convirtió en jefe de producción de RKO. Su idea era la de convertir la RKO en el estudio más aventurero de Hollywood. Pero afortunadamente, Schary era conocido por sus valores liberales y por dar a los directores novatos la oportunidad de debutar. 

Schary leyó la adaptación de Ray en febrero de 1947 y Ray firmó un contrato con RKO con una nota de Schary que especificaba que "es la intención que dirija su primer proyecto Thieves Like Us ". Houseman contrató a Charles Schnee para que escribiera el guion, pero le preocupaba no alterar el adaptación Ray. Ray y Schnee trabajaron juntos sin ningún problema para convertir el texto en un verdadero guion, que se envió a RKO en mayo de 1947.

Ahora tocaba el siguiente paso, seleccionar el elenco. Ray pensaba ya en Farley Granger y aprovechó un en encuentro fortuito en casa de Saul y Ethel Chaplin durante en una fiesta. Ray allí estaba sentado, bebiendo y mirando a Granger. Granger le preguntó a Ethel Chaplin acerca del comportamiento de Ray, y ella respondió que Ray estaba en medio del casting de su primera película y que se había interesado profesionalmente en Granger. El principal obstáculo es que el actor tenía contrato en vigor  con Samuel Goldwyn. Houseman hizo arreglos para que Granger probara en RKO, y la cosa salió muy bien. Ray estaba decidido : había encontrado a su Bowie. Faltaba su partenaire. 

Ray le preguntó a Granger si había una actriz con la que se sintiera cómodo. Granger respondió que con Cathy O'Donnell, quien también estaba como él bajo contrato con Samuel Goldwyn. Ambos tenían una limitada experiencia actoral. Granger había estado en dos películas antes de ser reclutado para la Segunda Guerra Mundial, mientras que O'Donnell acababa de hacer el clásico Los mejores años de nuestras vidas (1946), pero Ray festaba plenamente convencido y luchó por ambos. 

Granger dijo más tarde que "[Ray] y John Houseman estaban entre las pocas personas que lucharon por mí carrera. Dijeron que no, que no haremos la película sin él. Cuando Nick creía en ti, era muy leal".  En su autobiografía, Granger enumera They Live by Night como una de sus dos o tres películas favoritas.

Muchos de los actores secundarios y personajes secundarios fueron interpretados por amigos de Houseman y Ray, aunque el actor contratado por RKO, Robert Mitchum, expresó interés en interpretar a Chicamaw y dijo que, al igual que Ray, sabía todo sobre el sur de la era de la depresión y que una vez había estado en una  banda. Mitchum llegó a afeitarse la cabeza y teñirla de negro para el papel (en la novela original Chicamaw es un indio), pero debido a que era una estrella en ascenso y recientemente había recibido una nominación al Oscar, el papel de un ladrón de bancos se consideró inadecuado para él. El papel de Chicamaw le fue dado a Howard Da Silva, quien había causado una gran impresión en el musical de Marc Blitzstein The Cradle Will Rock (1937), producido por Houseman. 

Otros papeles menores fueron interpretados por personas que Ray conocía de su tiempo en el teatro de Nueva York, incluida Marie Bryant de Beggar's Holiday (la cantante del club nocturno que canta Your Red Wagon), Curt Conway (el hombre del esmoquin en el club nocturno) y Will Lee (el joyero). Byron Foulger aparece como el dueño de la cabaña donde la pareja intenta esconderse. 

El rodaje comenzó en junio de 1947. La primera escena filmada fue la de apertura, un travelling de Bowie, T-Dub y Chickamaw escapando de la prisión en un auto robado. Ray decidió utilizar un helicóptero, que anteriormente se había empleado para hacer tomas de paisajes, pero nunca antes se había utilizado para filmar acción. Se requirieron cuatro tomas, con la segunda en el corte final. 

Durante el resto del día, Ray utilizó el helicóptero para otras escenas de la película. Filmando They Live by Night bajo la producción de Houseman y Schary fue probablemente la única vez en la carrera de Ray en la que tuvo un control creativo completo.

Ray experimentó con el sonido y cinematografía. El biógrafo de Ray señala que "solo Welles trató de forma similar de definir texturas acústicas e incluso verbales tanto como las visuales". El renombrado editor de cine Sherman Todd también instó a Ray a experimentar y romper reglas. 

Los exteriores se filmaron tanto en el lugar como en el rancho cinematográfico de RKO en Encino, pero Todd combinó las secuencias tan bien que el público no notó la diferencia. El rodaje terminó en octubre de 1947. 

A pesar de un excelente preestreno, el estudio no sabía cómo comercializar la película y la adquisición de RKO por parte de Howard Hughes exacerbó la situación. Hughes archivó la película durante dos años, antes de estrenarla en un solo cine en el Reino Unido con críticas entusiastas (una de ellas provino de Gavin Lambert, quien finalmente se convirtió en guionista de Ray) y finalmente se estrenó en los EE. UU. en noviembre de 1949, con el título They Live by Night, después de ser cambiado en varias ocasiones -Thieves Like Us (el nombre original de la novela), The Twisted Road, I'm a Stranger Here Myself and Your Red Wagon-. El título, elegido de una encuesta de audiencia, fue favorecido por Hughes. 

Durante esos dos años, muchas personas involucradas en la industria de Hollywood vieron la película, lo que condujo a un mayor empleo de su elenco y equipo. Alfred Hitchcock eligió a Farley Granger en Rope (1948) al ver esta película y Humphrey Bogart, muy impresionado por la dirección de Ray, lo contrató para dirigir su producción independiente Knock on Any Door (1949) en Columbia Pictures . 

John Houseman luego recordó la película con afecto: "Ahora [1973] está siendo redescubierta y llamada todo tipo de cosas hermosas, pero en ese momento tuvo una muerte horrible. . . . Tuve un gran éxito en Hollywood, pero de alguna manera siempre tienes un sentimiento especial por tus hijos enfermos, en mi caso, 'They Live by Night' y 'All Fall Down'".La película registró una pérdida de $ 445,000

Cuando se estrenó la película, el crítico de cine Bosley Crowther escribió: "Una historia pequeña y común sobre un joven convicto prófugo y su romance con una chica amable con la cual se casa, es contada con una sinceridad pictórica y empuje emocional poco común es último producto de RKO, They Live by Night. ... Este melodrama de crimen y compasión tiene las virtudes del vigor y la moderación. . . They Live by Night tiene el fallo de volverse sentimental por el crimen, pero logra generar interés con su movimiento dramático nítido y tipos claros" 

Godard sobre la película señalo que en el cine «había teatro (Griffith), poesía (Murnau), pintura (Rossellini), baile (Eisenstein), música (Renoir). De ahora en adelante hay cine y el cine es Nicholas Ray»,

Cine negro en la forma y  de corte romántico en el fondo. Sabemos desde el principio que el no saldrá vivo de esta historia. Son los personajes condenados, pero que aspiran a vivir con normalidad y, más aún, a la búsqueda de una vida llena de paz y amor. Emocionante ver a esta pareja de jóvenes predestinados al fracaso. No hay despedida del moribundo. Es un tipo de gran sensibilidad propio del "Ray touch", que expresan magníficamente los dos actores principales en estado de gracia, al igual por el manejo de la luz y de las sombras por parte del director de fotografía George E. Diskant. 

La película tiene un halo mágico que desarrolla en esos 90 minutos. Hay una violencia presente como en todos estos directores (Fuller, Aldrich, Anthony Mann,...) pionero de la sensibilidad expresiva y cierto contenido social por el extracto social de sus protagonistas , posicionándose a favor de ellos y de su fatalidad. 

Con todo responde a aspectos de "código Hays" en lo sexual o el final del protagonista ( un ladrón que debe morir).La pareja parece vivir en otro mundo, vive en una burbuja frente al mundo ( ricos o compañeros de fechorías). El tiempo está presente en todo momento , en los relojes, en la duración de todo...y el tiempo se manifiesta al final, cuando el tiempo de Bowie se ha acabado, dando lugar a uno de los finales más bellos de la historia del cine. 

Zapatillas rojas

En una entrada anterior, me imagino que fue en Narciso negro, una película del año 1946, ya comenté el descubrimiento que supuso para mí descubrir la obra del tándem formado por Michael Powell y Emeric Pressburger. Uno y otro son dos de los mejores representantes del cine británico de los años cuarenta y cincuenta y directores de las películas que mejor retratan las dificultades del mundo de posguerra. Son capaces de sacar como algo normal el drama en algo romántico. Pressburger era un húngaro que había trabajado como guionista en Alemania y Francia antes de recalar en Gran Bretaña, allá por el año 1936. Allí fue ayudado por los Korda, familia igualmente de origen húngaro,  quien lo puso a trabajar en el guión de una película que llevaba por título, "El espía negro" de Michael Powell. Éste era un antiguo asistente de Rex Ingram y de Alfred Hitchcock que había dirigido a principios de los años treinta numerosos cortos para compañías independientes, antes de lograr hacer una película. En  el año 1937 . " The Edge of The World", rodada en la isla escocesa de Foula y con cierta semejanza a la de los hombres de Arán de Flagerty. 

Korda quedó tan gratamente impresionado por el trabajo que contrató a Powell para una película que llevaría por título "Burnes Silver"  que al final no se hizo y para "El espía negro" una película de intriga y de espías con Conrad Veidt, que transcurría en el escenario de las islas Orkney y  las Orcadas. Hubo una secuela de la misma titulada "Contrabando" en 1940.

Es esto Powell siguió trabajando sin pressburger en el león tiene alas y colaboró con Ludwig Berger y Tim  Whelam en la mítica  "El ladrón de Bagdad" de Korda.  

Poco después, comienza a trabajar el auténtico equipo, Powell Pressburger, que abarca desde el año 1941 hasta el año 1956 e incluye la formación de su propia compañía llamada The Archers en 1942. Ambos realizan alguna película para el gobierno de Canadá y relacionada con el cine de propaganda. 

Una vez acabada la guerra Arthur Rank es el todopoderoso señor del cine británico y busca películas británicas para competir con el cine estadounidense. Lo cierto es que, tras la guerra, el colosal imperio cinematográfico del multimillonario Arthur Rank, consolidado definitivamente, continuó su producción de costosas películas de prestigio, entre las que destacaron Cadenas rotas (Great Expectations, 1946) y Oliver Twist (1947), ambas a partir de textos de Charles Dickens, dirigidas por David Lean, y sobre todo, las adaptaciones cinematográficas de obras de Shakespeare, Hamlet (1948) y Ricardo III (Richard III, 1955), realizadas por Laurence Olivier. 

El cine inglés afronta con optimismo su posguerra y en 1946 eleva al cuarenta por ciento (40%) su proteccionista cuota de pantalla que sube al 45 en 1948. 

Como ya he dicho el cine británico del momento apuesta por cine de prestigio con las adaptaciones literarias de Charles dickens que llevará a cabo David Lean como "Cadenas Rotas" (1946). Es en este intento de buscar un cine de prestigio cuando aparece la obra de Powell y Pressburger.

Durante la guerra la colaboración entre ambos continúa con películas  de propaganda, pero una vez acabado el conflicto y la inevitable propaganda, se convirtió en una no menos inevitable reflexión.

En 1945 realizan "A vida o a muerte' (A Matter of Life and Death) estrenada al año siguiente. La película viene a representar la tendencia del cine británico entre los años cuarenta y cincuenta que intentaban reflejar las dificultades de la guerra y la posguerra. Con ella el cine se convierte en un drama pero también en algo romántico. A vida o muerte nos lleva a un punto de dramatismo en la historia pero lleno de diálogos románticos. Usa vivos colores y una iluminación que oculta las lágrimas del protagonista de la historia, David Niven, que sabe que va a morir mientras habla con la operadora de radio norteamericana. 

Dice Mark Cousins que las películas de Pressburger y Powell son muy diferentes a las americanas muy inglesas alejadas de los documentales. El piloto no va a morir al estrellarse pero queda herido en la playa con daños cerebrales. No ha muerto, pero ha quedado herido y se imagina que está en el cielo. Es en este momento en que la película cambia al blanco y negro para mostrar el mundo imaginario. La vida o a muerte como su título nos revela es el argumento de la película lo más importante en tiempos de guerra. Powell y Pressburger demostraron que no había que elegir entre ser honestos mostrando la dureza de la guerra o buscar el elevado estilo romántico. Ningún director combinaba mejor que esta pareja la honestidad y el romanticismo. La guerra sacaba lo mejor de cada uno.

Y en mil novecientos cuarenta y seis la ya vista, que no comentada, Narciso negro. 

En esa película descubrimos el buen manejo que tienen ambos directores del trabajo de las actrices, el acertado guión de Pressburger, pero también de la excepcional fotografía de Jack Cardiff y del imaginativo uso del Technicolor que acentuaba los tonos de una obra que parecían estar entre el romanticismo y él expresionismo. 

Poco después volvemos a encontrar a este grupo en "Las zapatillas rojas" (The Red Shoes), película que se estrenó en 1948. Se trata del film más famoso según Terenci Moix de todos los rodados y referencia obligada de los espectadores de posguerra. 

Para Moix en su Historia del Cine, destaca que "si bien el conflicto argumental resulta poco convincente - la bailarina obligada a elegir entre su vocación y el amor- a la película no le faltan una serie de triviales de referencias a la divinidad del arte y la condición mesiánica del artista destaca la originalidad de la película así como los aspectos cromáticos más apreciables que se centran en el vale titular de catorce minutos de duración". 

Basado en un cuento de Hans Christian Andersen se vierte en conceptos sobre las tentaciones del mal personificados en las zapatillas y que ya habían sido mostrados en Narciso negro.

La historia se centra en una compañía de Berlín que dirigida por Boris Lerdmotov una compañía que goza de el prestigio mundial pierde a su primera bailarina la buroskaia que se retiran por contraer matrimonio esta es la gran oportunidad que esperaba una joven componente del ballet. 

La participación de primera figura de la danza como Leónide Massine, Robert Healpman y Ludmilla Tcherina así como una escenografía de pretendido buen gusto, que bebía de las tardías fuentes del surrealismo fueron factores que sirvieron para impresionar a gran parte de la crítica y dieron excelente resultados de taquilla hasta el punto que las zapatillas roja se convirtió en el filme inglés que más éxito obtuvo en los Estados Unidos, permaneciendo casi dos años en una arthouse de Nueva York.

El film producido por The Archers, productora creada por ambos directores en mil novecientos cuarenta y dos, y que cuenta con la participación de Marius Goring, Jean Short, Gordon Littman, Julia Lang, Antón Walbrook, contribuyó a la fama cinematográfica de la bailarina Moira Shearer a quien se vio posteriormente junto a James Mason en el episodio el amante celoso de "Los tres amores" (1953) y en la agradable comedia de Terence Rattingam "Las pelirrojas". Esta es la opinión de Terenci Moix, que no coincide con lo que afirma Román Gubern en su Historia del cine al afirmar que Rank confesó que había perdido " dos millones de libras esterlinas con sus film de prestigio destinados al mercado americano". La razón estaría en el elevado coste que suponía estas películas y en concreto lo carísimo que salía los suntuosos ballets filmados por el tándem de directores tanto en las zapatillas rojas como en los cuentos de Hoffmann. 

Moira fue también la muñeca Copelia en la versión cinematográfica de Los cuentos de Hoffman, otra operación de prestigio del tándem Powell y Pressburger, adornada con todas las virtudes y defectos de un género de por sí híbrido y proclive al kitsch. Esta opinión está alejada de lo que pensamos muchos, parece ser que es una de las preferidas de Martin Scorsese, a pesar de que mucho de lo dicho , por no decir todo, existe en esta película. 

Desde mi punto de vista es una película llena de simbolismo, pintura, sensible. Como he leído por twitter es una obra de arte y un ejemplo de orfebrería cinematográfica.  

En cualquier caso la reconocida capacidad de la pareja para la invención plástica triunfó por momentos. La película contiene momentos gloriosos destacando entre ellos el famoso vale que empieza a la hora y y que se desarrolla durante más de quince minutos. 

El mismo juega con diversas técnicas narrativas como las apariciones en escenarios fantasmagóricos como todo un catálogo de recursos cinematográficos, especialmente en la posición de la cámara, que la encontramos en ángulos inauditos y planos que son catálogos y una lección de manual. Además tienen un uso magistral del Technicolor y una joya de la coreografía. 

La profundidad de campo, en ocasiones, se consigue con ventanas aunque muchas veces apreciamos que el fondo es un decorado muy al gusto de estos directores. 

Al inicio de la película no recuerdan que la misma no tiene que ver con ningún personaje de la vida real presente o pasada y la misma desde el primer momento juega con el tiempo comienza con una vela encendida y acaba con una vela consumida. 

 Curiosamente Powell en 1958 rodó en España un título titulado "Luna de miel" en el que hay un ballet, el de los amantes de Teruel con claros rasgos surrealistas. La colaboración entre Powell y Pressburger siguió en el tiempo hasta que en 1957 la asociación se disolvió.  Ese mismo año ya encontramos a Dick Powell rodando Duelo en el Atlántico. 

En 1969 Powell, ya no asociado a Pressburger, cambia de registro y  realiza una obra impactante "El fotógrafo del pánico", la historia de un asesino de mujeres y su relación con la cámara fotográfica una película que ya hemos comentado o eso creo por aquí. De todos maneras muy alejada de este monumento a la danza sentida como vida y como drama griego. Terpsicore , la musa que se deleita en la danza, estará siempre encantada con estas Zapatillas rojas. 

La reacción norteamericana a las zapatillas rojas fue nada más y nada menos que un americano en París la película de Vincent minelli, en las obras maestras del cine musical.