Christine

Stephen King ha supuesto una de las mayores influencias en la cultura audiovisual de los últimos 50 años, convirtiéndose en el autor con más adaptaciones cinematográficas y televisivas de la historia. Su impacto va más allá del género de terror, redefiniendo la forma de narrar historias sobrenaturales y cotidianas en cine y televisión, con más de 70 producciones basadas en sus obras. Sus historias suelen ambientarse en lugares ordinarios (frecuentemente en Maine), lo que hace que el terror sea más cercano y relatable. 

Desde Carrie (1976), King transformó el terror cinematográfico al enfocarlo no solo en el monstruo, sino en cómo los sucesos afectan a las personas comunes y sus entornos. Muchas adaptaciones son consideradas obras maestras del cine, destacando El Resplandor (1980), Carrie (1976), Misery (1990), y las aclamadas The Shawshank Redemption (1994) y The Green Mile (1999), estas últimas demostrando su versatilidad fuera del terror o con Stand by Me (1986) sentando un precedente en la narrativa de historias de iniciación y nostalgia, influenciando producciones modernas como Stranger Things.

Películas recientes como It (2017 y 2019) rompieron récords de taquilla, demostrando la vigencia de sus historias. En los años 90, King dominó las miniseries de televisión, destacando The Stand (1994), El misterio de Salem Lot o The Shining (1997). En la última década, sus obras han tenido una segunda época dorada en plataformas de streaming con series aclamadas como 11.22.63 (2016), Mr. Mercedes (2017), Castle Rock (2018), The Outsider (2020) y The Institute (2025) o en los cines,  The Long Walk (2025), aquí presentada como La larga marcha, demuestran el peso que tiene King en el cine y en la televisión.

En los ochenta muchas de sus obras se llevaron también al cine y la televisión, y entre las primeras destacó Christine, una película de John Carpenter del año 1983 con guion de Bill Phillips aunque hace referencia al paso del año 1978 al 79. En este caso John Carpenter se basa en el best seller de Stephen King del mismo título para realizar esta película que produjo la Columbia Pictures y que tuvo en la producción a Richard Kobritz, Mark Tarlov y Larry J. Franco, llena de sangre con más suspense y elemental de fantasía y terror protagonizada por el hoy director de series que Keith Gordon.

Gordon la vida a Armie Cunningham , un chaval de diecisiete años que es el típico alumno marginado del Instituto, un "monger" al que los más populares le hacen la vida imposible. Un poco después de librarse de una paliza del matón de turno arnie consigue hacerse con un coche de sus sueños un Plymouth Fury del 58 de color rojo y blanco del que emerge una extraña fuerza que proporciona al chico una gran seguridad en sí mismo.

Pero la película comienza antes, en septiembre de 1957, en una cadena de montaje de Chrysler Corporation en la entonces ciudad del automovil, la hoy depauperada Detroit, cuando el capó de un Plymouth Fury de 1958 recién ensamblado y pintado a medida, se cierra sin previo aviso y aplasta la mano de un trabajador de la cadena que inspecciona su parte delantera. 

Poco después otro trabajador entra para sentarse a descansar un momento y deja caer la ceniza de su cigarrillo en el asiento. Horas después, un supervisor descubre que el trabajador se desplomó en el asiento y abre la puerta para ayudarlo, pero el trabajador cae al suelo, muerto con una expresión de terror en el rostro. El supervisor, aterrado y alarmado, hace sonar el claxon para pedir ayuda. 

21 años después, en septiembre de 1978, conocemos a Arnold "Arnie" Cunningham (Keith Gordon) es un adolescente torpe e impopular en Rockbridge (en el estado de California), con un solo amigo, el futbolista de fútbol americano Dennis Guilder (John Stockwell). 

Arnie vive controlado por sus padres y únicamente tiene como amigo a Dennis, al que vemos que se enfrenta con los "bully" de la clase de Arnie cuando se disponen a putearlo.  

Ese mismo día, que coincide con la llegada al centro de una chica guapísima,Leigh Cabot (Alexandra Paul), una vez terminadas las clases, a la salida de clase y cuando van de camino a casa, Arnie ve a lo lejos un coche arrumbado. Ese coche resulta ser Christine. 

La vida de Arnie comienza a cambiar cuando compra un Plymouth Fury de 1958 usado y maltratado llamado "Christine", el mismo auto de la cadena de montaje, que necesita reparaciones extensas y ser restaurado. Como sus padres no lo dejan guardar el viejo coche en su casa y molestos por su compra, Arnie lo guarda en un garaje y depósito de chatarra, para reparar y restaurar, de propiedad de Will Darnell (Robert Prosky). 

A medida que pasa más tiempo trabajando en el automóvil, desecha sus gafas, se viste más como un greaser de los años 1950 - curiosamente, como la música que sale de la radio del coche-  y desarrolla una personalidad muy segura, arrogante y paranoica. 

Sin que Arnie lo sepa, Dennis investiga y descubre el oscuro pasado de Christine, por parte del hermano de su obsesivo propietario original: la hija del dueño se ahogó en ella, su esposa se suicidó dentro de ella y el propietario hizo lo mismo, pero Arnie lo ignora y sigue trabajando durante meses para restaurar su auto. 

Durante el partido de rugby, Dennis se distrae al ver llegar a Arnie en su auto totalmente restaurado, besando a una chica frente a Christine que resulta ser , Leight, y se queda asombrado frente a ella, causando que terminara sufriendo una lesión en la columna y en la espalda que lo elimina de la temporada. 

La nueva novia de Arnie, Leigh Cabot (Alexandra Paul), que , en principio, está bien con Arnie, comienza a sentir celos del coche, pues parece que el mecánico tiene mejor relación con el coche que con ella. Un comentario al respecto sobre el tema enoja al coche y mientras está dentro del auto en una cita con él, en un autocine, Leight está a punto de ahogarse con una hamburguesa. Se salva cuando un hombre que pasa junto a ellos administra la maniobra de Heimlich, algo que Arnie no pudo hacer puesto que Christine bloqueó la puerta del conductor. 

Se revela que Christine está celosa de ella, Leigh jura que nunca volverá a subir al coche y le pide a Arnie que se deshaga de él. Leigh y Arnie se separan cuando él se niega a considerar esto. 

Mientras tanto, enojado con Arnie por haber sido expulsado después de una confrontación en una clase de taller, el acosador escolar Clarence Buddy Repperton (William Ostrander) lo sigue en la noche hasta el taller y vandaliza a Christine con la ayuda de su pandilla. 

Destrozan el coche sin piedad. Cuando lo descubre a la mañana siguiente, Arnie está devastado y decidido a reparar a Christine, pero siente que puede volver a restaurarse por amor. 

Justo entonces, Arnie logra entender que Christine es capaz de recuperarse y repararse rápidamente, quedando totalmente restaurada a la calidad de la sala de exhibición mientras observa. 

Christine en la noche se aleja por sí sola para buscar a la pandilla de Buddy, aplastando a uno en un callejón, provocando una impresionante explosión en una estación de servicio que mata a otros dos y envuelta en llamas persigue al líder Buddy hasta atropellarlo. 

Después Christine regresa al garaje de Darnell para autorepararse, este se sienta detrás del volante y muere aplastado cuando Christine empuja el asiento del conductor hacia adelante. 

A la mañana siguiente, Christine está de vuelta en su lugar y como nueva. El detective de la policía estatal Rudolph Rudy Junkins (Harry Dean Stanton) sospecha de Arnie, después de haber descubierto la pintura de Christine en las escenas de la muerte de dos pandilleros. 

Sin embargo, no tiene evidencia directa para implicar a Arnie, un estudiante universitario que estaba en otro lugar, sin antecedentes penales y buen estudiante, que tiene una buena coartada. Junkins no sabe o no puede creer que Christine pueda conducirse por sí misma. 

Dennis y Leigh, unidos en su afecto por Arnie, deciden que la única forma de salvar a Arnie es destruir a Christine. Empiezan a poner una trampa en el garaje de Darnell; Dennis espera a los mandos de un bulldozer, mientras que Leigh está lista para cerrar las puertas del garaje y cortar la retirada de Christine una vez que entre. Sin embargo, Christine ha estado oculta debajo de una pila de escombros en el garaje todo el tiempo, y cuando Leigh toma su posición en los controles de la puerta, Christine procede a atacarla. Christine se estrella en la oficina de Darnell en un intento de llegar a Leigh. Arnie, quien ha estado conduciendo el auto por sí mismo, es arrojado a través del parabrisas y empalado en un pedazo de vidrio, que le cruza el cuerpo y lo mata. 

Dennis y Leigh atacan a Christine con la excavadora, pero continuamente se repara y contraataca. La batalla continúa hasta que conducen repetidamente de un lado a otro sobre el coche, dañando tanto a Christine que no puede regenerarse de inmediato. 

Unos días más tarde, Dennis, Leigh y Junkins observan cómo los restos de Christine, compactados en un cubo por una trituradora de automóviles, son arrojados a un depósito de chatarra, se retiran del lugar y la cámara se acerca a un primer plano de la rejilla frontal, que lentamente comienza a doblarse nuevamente para repararse. La historia ¿continua?

La película cuenta con la fotografía y el montaje de Donald M. Morgan o el ilustrador George Jenson y entre el elenco además de Gordon aparece John Stockwell como Dennis Guilder, Alexandra Paul como Leigh Cabot, Robert Prosky como el dueño del taller mecánico Will Darrell , Harry Dean Stanton como el detective estatal Rudolph Rudy Junkins , Christine Belford como Regina Cunningham, la madre de Arnie, Roberts Blosson como George LeBay y David Spielberg como protagonistas aunque a punto estuvieron de protagonixzarla Brooke Shields en el papel de Leigh y Kevin Bacon que optó por otro clásico, Footloose. 

La película cuenta, además, con la música original compuesta por John Carpenter y Alan Howarthuna y una excelente banda sonora adicional en su mayor parte de música de la década de los años cincuenta en la que se puede escuchar al Little Richard, Woody Holly y a los Rolling Stone entre otros sonando desde el radio cassette del precioso y peligroso coche rojo. 

Pese a la inicial tibia acogida de la crítica, con el tiempo se ha convertido en una película de culto. El crítico Roger Ebert consideró que «es, por supuesto, una ridiculez. Pero la he disfrutado de todos modos. El cine tiene una relación especial con los automóviles: por alguna razón adoramos ver accidentes y más accidentes». 

Gary Arnold, en las páginas del diario The Washington Post tiene una consideración global positiva «entre los sobresalientes efectos especiales y la inteligente interpretación de Gordon, lo cierto es que Christine es una obra mucho más entretenida de lo que cabía esperar por su propuesta». 

Por su parte, Janet Maslin, en el diario The New York Times indica que «la primera parte es absorbente y cuenta con buenas interpretaciones, creando una ambientación veraz y creíble. Por desgracia, se hace cada vez más pesada a medida que avanza y cae rápidamente en lo predecible» 

Para los británicos como Peter Bradshaw en The Guardian se trata de "Un cuento macabro perfectamente entretenido, que puede leerse como una parábola satírica de ese tipo particularmente masculino de desarrollo detenido que se manifiesta en la obsesión por los coches (...)" 

Algo menos entusiasta Kim Newman, en la revista de cine Empire, consideró que era  «una película bien elaborada, entretenida y con una excelente puesta en escena, pero que no ofrece nada nuevo. Es fruto del tipo de terror que se hacía en su día, aunque cumple su cometido». 

Ya en España, en Fotogramas se escribió sobre ella que se trataba de «la adaptación de una prometedora novela de Stephen King, que tuvo un tratamiento francamente decepcionante. Su resolución antepone el efectismo más aparatoso a lo inquietante de la historia».

Adrián Massanet, en Espinof indicó «divierte bastante, está realizada con gran profesionalidad, y posee, al menos, dos secuencias antológicas. Pero carece de la densidad del gran cine de Carpenter, el mismo que mientras se ríe de los géneros, o por lo menos los cuestiona, hace uso de ellos para proponer aventuras inolvidables en su fuerza narrativa y en su gozoso tenebrismo». 

Omar Khan, en su crítica para la revista Cinemanía, reseña que «un coche con vida propia es el centro de este film de terror progresivo elaborado con veteranía por Carpenter, a partir de un espeluznante relato de King». 

La cinta fue todo un éxito pues se invirtió en ella US$ 10.000.000 invirtiéndose una parte de ese dinero en comprar 24 Furys, cuyas partes se canibalizaron para crear un total de 17 versiones del coche. Al final del rodaje, todos fueron destruidos menos dos.y obtuvo una recaudación de US$ 21.017.849. 

La película obtuvo una nominación como mejor película en los premios Saturn y Carpenter una nominación a mejor director en el Festival de Cine Fantástico de Avoriaz. En este sentido en cuanto a los medios técnicos, señalar que se utilizó un sistema hidráulico para tirar de las partes del automóvil, y las secuencias se filmaron al revés. El resultado es deslumbrante. 

John Carpenter, que tenía planes de dirigir una adaptación de King muy diferente, la de Ojos de Fuego, pero la Universal Pictures lo desechó por ser muy caro optando entonces por el proyecto de la Columbia Pictures . aportó un estilo visual enfocado en la tensión, logrando que el coche se sintiera como un personaje maligno y amenazante. 

En cuanto al nombre de la novela y de la película, Stephen King rinde homenaje a su amigo George Romero poniéndole el nombre de su mujer, Christine Forrest, a su icónico y malvado Plymouth Fury del 58. El Plymouth Fury rojo se convirtió en un ícono cinematográfico, popularizando la premisa de "objetos cotidianos asesinos". Christine, la película de John Carpenter, se estrenó solo ocho meses después de que Christine, el libro de Stephen King, saliera a la venta en tapa dura. Mientras se proyectaba en los cines, su edición en tapa blanda era el libro más vendido en el país.

A pesar de tener diferencias con el libro como cuando Carpenter se desvió del libro en algunos momentos como en la primera escena donde Christine mata a un hombre por asfixia mientras aún está en la línea de montaje. Una idea que tomó de Alfred Hitchcock (centrándose más en la obsesión que en la posesión fantasmagórica directa), la cinta se consolidó como una de las adaptaciones más reconocibles de King. 

El ambiente en el rodaje era muy distendido. Tanto es así que Alexandra Paul le gastó un broma a Carpenter. Su hermana gemela la sustituyó en una escena. El director intuyó que algo iba mal, pero solo se dio cuenta cuando la hermana de Alexandra comenzó a hablar.ohn Carpenter también gastó sus propias bromas al equipo de sonido de Christine. A veces desconectaba los cables de las tomas de audio antes de decir "Acción". Le encantaba verlos enloquecer y tratar de descubrir qué estaba mal.Golpear a Christine no fue una experiencia tan divertida como parece para la pandilla de Buddy Repperton. Practicaron con un Plymouth real y algunos resultaron heridos al cortarse con trozos de metal y vidrio. 

A Keith Gordon (Arnie Cunningham) le dio un ataque de asma el día que tuvo que grabar la escena con sus padres, además, la capacidad de Keith Gordon para aguantar la respiración dejó boquiabiertos al equipo. Cuando Cunningham está a punto de morir, Gordon decidió aguantar la respiración para ponerse bien colorado . Tanto aguantó que casi se desmaya.

La escena en la que Christine está ardiendo y persigue a Buddy Repperton se grabó con un conductor en el interior del vehículo. Terry Leonard llevaba una botella de oxigeno y muchos dedos cruzados para que el tanque de gasolina no explotara. 

Lo cierto es que Stephen King ha proporcionado un material inagotable que mezcla miedos universales, nostalgia y dramas humanos, convirtiéndose en una fuente fundamental para creadores de cine y televisión durante cinco décadas. Christine supuso un hito del cine de terror ochentero. Transformó un relato de terror sobrenatural sobre un Plymouth Fury de 1958 poseído en una obra de culto, destacando por su icónica banda sonora, la atmósfera de suspense y los impresionantes efectos especiales relacionados con la transformación mecánica para la época, un logro técnico notorio para 1983.

La Carmen de Saura

Si tu gusta la música clásica, la ópera, el flamenco en cualquier de sus manifestaciones, incluyendo las sevillanas, el pasodoble, la guitarra de Paco de Lucía, llevar el compás como hacen unas canasteras o la misma Pepa Flores, la danza, el ballet, el zapateo, la pasión, la fuerza, las miradas, el envite, la clase, el ARTE, así en mayúsculas, esta es tu película. 

Carmen es una adaptación al cine de la famosa obra de Próspero Mérimée, en este caso contó con el apoyo del productor Emiliano Piedra para Televisión Española. Su novedad es que construye una historia de cine dentro del cine o de teatro dentro del cine para ser más exactos y que forma parte de la trilogía musical emprendida por su director, Carlos Saura, con Bodas de sangre y complementada posteriormente con El amor brujo. 

El guion fue cosa de Carlos Saura y Antonio Gades. La música fue tanto de Paco de Lucía como de Georges Bizet. El maquillaje fue labor de Julián Ruiz, la fotografía de Teodoro Escamilla, el montaje de Pedro del Rey y el vestuario de Teresa Nieto.

Fue una película que lanzó al estrellato a la entonces desconocida Laura del Sol hoy absolutamente olvidada - parace ser que Laura del Sol debuta como actriz en un papel al que optaron Ángela Molina y María José Cantudo- e irónicamente al igual que la actriz la película tuvo una mayor repercusión a nivel internacional que en España llegando a ser premiada en los BAFTA como Mejor película de habla no inglesa donde también fue nominada a Mejor banda sonora (Paco de Lucía) y Mejor sonido (Carlos Faruolo, Alfonso Marcos, Antonio Illán). 

Además, la película tuvo nominaciones a los premios Globo de Oro, y tres nominaciones a los Óscar de Hollywood (1984) y César francés. Recientemente, el Festival de Cannes, donde la película recibió el Gran Premio Técnico y una mención especial, homenajeó a Carlos Saura en 2023 al proyectar la película 'Carmen' en formato 4K.

El filme sirvió como homenaje del certamen francés al fallecido director aragonés, cuya carrera estuvo muy vinculada al Festival, donde seleccionaron y premiaron varias de sus películas. El aperitivo del recuerdo a Saura sucedió en la alfombra roja de esta 76 edición: sonó Porque te vas (Jeanette/José Luis Perales), de la banda sonora de Cría cuervos (1975), ganadora del Gran Premio Especial del Jurado en el Festival en 1976. El Festival le rindió homenaje ahora con una película que él “llevaba especialmente en el corazón”. 

En España el reconocimiento estuvo en la 39.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos al reconocerla como Mejor película, Mejor director (Carlos Saura) y Mejor actriz de reparto (Cristina Hoyos)

La película es del año 1983 y está interpretada por Antonio Gades, Laura del Sol y sale Paco de Lucía, Pepa Flores y Cristina Hoyos entre otros.

La historia se centra en un director de una compañía de baile clásico que busca una bailaora para protagonizar su nueva versión de la famosa ópera de Bizet, Carmen. Cuando la encuentra se enamora de ella y entre ambos se repite la misma historia que representa sobre el escenario. Inician, pues, una relación turbia y tormentosa, en la que se mezclan las ambiciones artísticas de ambos, su mutua atracción y los celos patológicos de Antonio, además del carácter indomable de la propia Carmen. La historia de los bailaores y amantes se va mezclando poco a poco con la de los personajes que interpretan. 

"Carmen" es una historia de amor y celos en donde el deseo aniquilador conduce a los personajes inexorablemente a la destrucción. Esta producción utiliza la intensidad de la partitura de Bizet y la contrapone a la sensualidad, pasión, amor y rivalidad reflejados en el flamenco más auténtico. En 2014 en unas jornadas de la SGAE dedicadas precisamente al personaje de Merimée y sus distintas representaciones hizo unas declaraciones que recogió el Diario de Sevilla donde reconoció "que no había vuelto a ver Carmen desde que la rodé". 

Y ese mismo diario señalaba que "el director comenzaba un discurso aparentemente improvisado en el que la única batuta que regía la ponencia eran las múltiples preguntas que los asistentes le hacían. En cuanto al origen de su Carmen particular, Saura siempre se remontaba al primer filme de su trilogía, Bodas de sangre, con el que junto a Antonio Gades y el productor Emiliano Piedra revolucionó el concepto de musical. Conseguirían sacar adelante una propuesta diferente al canon anglosajón, fusionando el ballet a ritmo de flamenco con el cine. 

Después de aquella obra inspirada en Lorca, vino inevitablemente Carmen. "Yo quería hacer una película con ese personaje. Esto, unido a mi pasión por los musicales y a mi experiencia como director de ópera, es lo que me llevó a rodarla", afirmaba Saura. 

El director hizo hincapié en ese intercambio de roles, en esa relación "extraña" en la que Laura del Sol interpreta a una mujer fuerte y Gades es el enamorado, el arrodillado a los pies de alguien que juega con los sentimientos de él y sólo mira por sus intereses. Es la explicación que da al "cambio" de sexo en los personajes, que acabará irremediablemente en el trágico final, donde él cumple con su papel y acaba matándola. " 

El cineasta contaba lo difícil, y fácil a la vez, que fue elegir a Laura del Sol como protagonista de su obra. Mientras Gades suplicaba la continuación de la por entonces primera bailarina de su compañía Cristina Hoyos, Saura tenía claro desde el primer momento que la elegida para ese papel sería Laura, a la que definía entre risas como la "descarada y maravillosa joven que salía y se divertía por las noches", algo que unido a su hermosura le convertían en la actriz, y no tanto bailarina, perfecta para encarnar a Carmen. 

Recalcaba esa búsqueda de "una mujer fuerte y bella" frente a la "perfección en el escenario" de Hoyos. De ahí surgirá la tensión entre las dos mujeres en la famosa escena de los espejos. 

Sin música, el cineasta fue capaz de darle sentido a una escena, centrándose exclusivamente en la importancia del ritmo; una nueva concepción del género musical que prolongará en El amor brujo, y más tarde, en Flamenco.

En cuanto a la calidad técnica de la película, se pone de manifiesto la experiencia previa como fotógrafo de Saura, el cual, aunque no se encarga de este apartado en sus películas, siempre intenta exprimir la grabación de cada escena como si fuera la última, consiguiendo una iluminación y escenografía fabulosas. Se considera no obstante un "vampiro de su profesión", alguien que se alimenta de los conocimientos de la gente que le rodea para enriquecer su visión de cineasta. Saura confesó que ha buscado en Carmen a la mujer de su vida. Aquí desde luego, la encontró.

La conquista de Albania

¿Qué tienen el común el fichaje de Alexanco por el Barça en la temporada 1980-81 y La conquista de Albania? Pues lo que se puso sobre la mesa: 100 millones de las antiguas pesetas. Unos 60.000 euros fue lo que costó el negocio. Rentable el primero, ruinoso el segundo.

En cualquier programa de cine de televisión española se nos informó de las bondades de una película rodada en España y que se vendió como una película con unas escenas de lucha espectaculares. Lucha, la hay, muy , al final, pero la película lo cierto es que quedó varada.

Su director fue el madrileño Alfonso Ungría, autor de El hombre oculto, Tirarse al monte, Gulliver, Soldados , África y El deseo de ser piel roja, pero también de la serie de televisión Cervantes o Hasta luego cocodrilo, regresó a la gran pantalla tras los dos años de dedicación a la serie de Cervantes para Televisión Española, donde  siempre se ha definido como un "trabajador fijo". Un hombre que prometía mucho, pero que se quedó en gran promesa de la dirección. Un hombre que siempre había declarado sentirse apasionado si estaba cerca de las cámaras, y que empezó con trabajos experimentales. 

La película que lo ha vuelto a traer aquí tras haber visto Soldados fue su gran oportunidad: La conquista de Albania, una película producida por Ángel Amigo y Luis Calparsoro y que estuvo respaldado por la productora Frontera Films Irún.

Como ya he señalado la película contó con presupuesto de 100 millones de pesetas, subvencionada en un 25% por el departamento de Cultura del Gobierno Vasco.

La película respondió a un guion escrito por la historiadora Arantxa Urretavizcaya junto a  Ángel Amigo y el mismo Alfonso Ungría y está basada en Compañía navarra documentada por la escritora y aquí guionista Arantza Urretavizcaya.

La música de la película fue responsabilidad del guipuzcoano Alberto Iglesias que había debutado como compositor musical en Paisaje, un cortometraje del año 1978 dirigido por Montxo Armendáriz, siendo esta película se primer largo.

Junto a él aparece en la fotografía Alfredo F. Mayo, Julio Peña como editor, Javier Artiñano como responsable del vestuario y Wolfgang Burmann del set y decorados.

El reparto lo encabeza un hombre que se había dado a conocer en televisión, Xabier Elorriaga como Luis de Navarra o de Beaumont, junto a Chema o José María Muñoz como su amigo Pedro de Lasaga o Lazaga y Klara Badiola como Juana de Anjou o Anjola. Junto a ellos aparecen Walter Vidarte como el Capitán Juan de Urtubia, Ramón Barea como el mercenario Cocharel, Patxi Bisquert como un mercenario, Karla Calparsoro, Ramón Balenziaga ,Francisco Sanz como el Obispo, William Layton como el Abad consejero de Carlos II, Miguel Arribas como Carlos II, Alicia Sánchez como María de Lizarazu, Félix Rotaeta como Hamed y José María Tasso (Xemen) como otro mercenario, así como el niño musulmán que acompaña a Pedro ( Eñaut Urrestarazu) que narra la historia.

La película que en euskera se titula Albaniaren konkista, narra la historia de un grupo de navarros que partió hacia la conquista de Albania en el siglo XIV. Todo comienza cuando Don Luis de Beaumont, de Navarra o Louis d'Evraux (Xabier Elorriaga), hermano del rey Carlos II de Navarra (Miguel Arribas ), vuelve a su tierra después de las derrotas en Normandía frente al rey de Francia.

Vuelve con un enorme arco en la mano, un arco galés, para él el arma que lo ha derrotado. Nada más llegar se reencuentra con su amigo de infancia Don Pedro de Lazaga (José María "Txema" Muñoz) y con su hermano al que le cuenta el por qué de la derrota así como las dudas que se ciernen sobre él y sobre el Reino, una vez que ha sido derrotado en el norte con lo que han perdido todas las opciones de dominar Francia y sobre el sur dado que su Reino está en cuña entre el Reino de Castilla y el de Aragón.

La única solución para salir de su papel de segundón es casar bien. Y aunque el tenga una compañera sentimental, María de Lizarazu (Alicia Sánchez ) con la que tiene una hija, lo cierto es que su ambición ( y la de su hermano) le llevan a una nueva aventura a orillas del Mediterráneo, en concreto al Reino de Nápoles y por su matrimonio con Juana de Anjou, hija del rey de Sicilia que aspirante a ocupar el Ducado de Durés o Durazzo.

Para los navarros era una forma de sacarse la espina de la dolorosa derrota en Normandía contra los franceses de Carlos V aunque adentrarse en una aventura así les da pavor.

Sin embargo la oportunidad de conseguir no sólo más que gloria, sino riquezas de un territorio con la promesa de parte de su rey Carlos II aconsejado tanto por su Obispo así como por su colaborador directo , un abad, así como algunos nobles, lo llevan a presentar la conquista de ese territorio como una buena recompensa para aquellos que se alistasen.

Así que en 1376, 100 hombres se alistan. Algunos veteranos de la derrota en Normandía como Cocharel, Juan de Urtubia (Walter Vidarte), Cocharel (Ramón Barea), y algunos más (Patxi Bisquert) se embarcaron en Tudela, para ir por el río Ebro hasta su desembocadura con el mar Mediterráneo, para allí comenzar la aventura con parada en Nápoles para que se les una Luis.

Pero el barco que desde el puerto de Tortosa durante el trayecto ha sufrido por falta de viento y el exceso de bebida de algunos hombres, no sube solo sino que junta a él, tras esperar en la Bahía varios días, sube la legítima heredera del Ducado que no es otra que Juana de Anjou (Klara Badiola ) que es vista por algunos como el inicio de sus desventuras.

El barco sigue por el Adriático hasta llegar a las cercanías de Durazzo, en Albania. Cuando llegaron se encontraron un paraje desolador, desierto y sin señales de vida. Hasta que los albaneses dan la cara, solo pasan penurias y miserias. Además el rey al que Pedro conoció como un hombre vivo y valiente es ahira un hombre taciturno, lleno de dudas y entregado en cuerpo y alma a su mujer. Esto llega a indignar a algunos hombres como el mismo Urtubia, un hombre cruel y sin piedad.

El propio Pedro descubre en esos días de desánimo la miseria y la brutalidad de la guerra y lo que lleva , muerte de inocentes y destrucción. Nada que ver con la idea que tenía casi de honor y gloria. 

Los navarros quieren iniciar una ofensiva de los albanos a los que apoyan normandos, pero en una de sus salidas el rey es gravemente herido al perder una mano. El rey se está desangrando y los navarros exigen venganza. Así que deciden contraatacar y tras un brutal envite entre tropas navarras y albanos conquistan la fortaleza de Durazzo .

Pero al llegar al cuartel general descubren que el rey ha muerto. A pesar de la muerte de Luis de Evreux, que implica que la campaña perdió todo el sentido, deciden entrar en la ciudad casi todos. Pedro junto al joven Ahmed deciden regresar. Nos relatan como los hombres que lograron la gesta de Durazzo luego marcharon hacie el sureste en dirección a la Península de Morea y lo que actualmente es Grecia, pero esa es ya otra historia.

La película tuvo un rodaje de 8 meses de duración y la misma tuvo lugar en la estanción y estribaciones del Castillo de Loarre (Huesca) y en las Bardenas Reales cerca de Tudela así como Elizondo y paisajes del Valle del Baztán en la Comunidad Foral de Navarra. Igualmente se rodó en las localidades segovianas de Valsaín y Los Asientos. También en la localidad costera de Motrico en Guipúzcoa.

En la aunamendi.eusko-entziklopedia se dice que "Tras el éxito de La fuga de Segovia Ángel Amigo se vio con ánimos de embarcarse en un nuevo proyecto. Para ello contó con muchos de los participantes en esa película como sus antiguos compañeros de lucha antifranquista Imanol Gaztelumendi y Patxi Bisquert y otros actores como Ramón Barea, Xabier Elorriaga o Klara Badiola".

Fue en la cárcel donde el productor Ángel Amigo leyó una obra sobre la historia de Navarra y las primeras noticias sobre la expedición navarra a tierras albanesas durante el reinado de Carlos II de Navarra. Tras un proceso largo de redacción de guión se creó una historia que eliminaba el tono grandilocuente presente en los primeros borradores para dibujar un relato, dentro de la épica inherente al tema, más intimista. En paralelo a la aventura de la Compañía navarra se escribió un conflicto dramático que contraponía el idealismo de Pedro de Lasaga con el desencanto de Don Luís y la rudeza y brutalidad propias de la guerra.

El director declaró en El País que su película era una historia " sobre el amor y la amistad". Y añade que "Aunque La conquista de Albania es una película de acción, de aventuras, lleva dentro una historia muy eterna, que es lo que más me gusta, ya que se habla de temas de siempre, como el amor, el odio, la envidia, donde los ideales pueden transformar la realidad" Igualmente puntualizó que "No va a ser una película histórica en sentido estricto, ya que tiene elementos de ficción sobre hechos reales, con unos personajes históricos a los que no se les puede aplicar un psicologismo de hoy. Es también la historia de una amistad. El aspecto dramático de los personajes tiene más entidad que en otro tipo de película española de aventuras. También aparecen aspectos muy medievales, como las motivaciones de la nobleza y la actitud del pueblo llano".

En otra entrevista declaró en este mismo diario que una vez rodada "Y a pesar de que pueda parecer poco oportunista hablar hoy del siglo XlV", afirma, "siento que, en realidad, la historia de fondo es actual". "No hay que dejarse engañar por las vestimentas y los castillos" . El director termina diciendo que "lo que cuenta son los sentimientos y eso fue igual en el siglo XIV y en el XIX, y lo será siempre" "

La conquista de Albania fue una gran apuesta económica y política del Gobierno Vasco. Por primera vez una película vasca alcanzaba los 100 millones de pesetas de presupuesto. Además su estreno en el Festival de San Sebastián se retrasó 24 horas para que el lehendakari Garaikoetxea pudiera estar presente.

En julio de 1983 publicaba El País un artículo sobre su rodaje en el que se decía que " se han rodado esta semana en una pradera del Patrimonio Nacional, en el lugar denominado Los Asientos, entre la carretera de Segovia y el puente Los Canales. Era el sitio idóneo para reunir a 200 personas, entre miembros del equipo técnico y artístico, especialistas y figurantes, extras que habían llegado desde Madrid, Segovia y La Granja. Junto a ellos, 30 caballos programados para realizar 20 caídas de distinta espectacularidad y los camiones de vestuario de época, con cascos, arcos, lanzas, pendones, pieles, cueros y barbas.Durante esta semana se han rodado las escenas de la batalla final entre navarros y albaneses, en una conquista ocurrida en el siglo XIV. Los dos últimos meses han recorrido Las Bárdenas, Baztán, Motrico y Tudela, escenarios donde transcurre esta historia "medieval y mediterránea" de la compañía navarra reclutada para conquistar Albania " Y añade el mismo artículo que "La planificación y la seguridad son los requisitos básicos de las secuencias de acción, según Carlos Gil, ayudante de dirección, que se ha incorporado a la película para las secuencias de la batalla. Es un especialista que trabaja habitualmente en el extranjero, en especial con cincastas norteamericanos o en las grandes coproducciones (...) A través de su megáfono llegan incansables las órdenes de los preparativos, sin olvidar alertar al personal sobre las costumbres de los caballos y la salida de cuadro de algunos turistas con motos y perros. "

El director en ese mencionado artículo afirmó que "Aparece la decepción en el momento en que se enfrentan con los problemas cotidianos. Cotidianeidad", y "aunque poco tiene que ver con la nuestra". También recalcó que la película descubre la fascinación que sintió Pedro por su amigo aventurero y conquistador y como flaquea cuando "se da cuenta de que éste se comporta como un hombre y no tanto como un dios".

El propio director declaró que "La historia está narrada de la forma más lineal, en el concepto más antiguo de la palabra" Puede que por este motivo la acogida de la crítica fue especialmente dura y tuvo una carrera comercial gris.

En cuanto las críticas Maruja Torres en El País dice de la película que "No nos encontramos ante un filme épico tradicional. (...) se resiente de un bloque central excesivamente moroso, reiterativo. (...) después el filme remonta el vuelo y acaba en nota muy alta."

En este mismo diario Diego Galán comenta que se trata de una "Sobria realización de Alfonso Ungría, eficaz y sensible, (...) Tanto su iniciación como el desenlace contienen mayor vigor cinematográfico. (...) El director ha conducido la historia sin querer perder la solidez de su línea narrativa y buscando sus mejores aspectos plásticos. Es el guión el que no facilita siempre tal labor." 

Ernesto J. Pastor, historiador del cine, a través de un tweet de su cuenta @cinepastor comenta que "Presentada en @sansebastianfes cuando el festival había perdido la categoría A (fueron años difíciles en muchos sentidos)La historia (real) interesa más bien poco. "

En ABC PLay afirman que "La conquista de Albania" es uno de los pocos intentos de cine histórico que ha dado el cine español. Está dirigida por Alfonso Ungría y es quizá la película más destacada de su filmografía. Entre los actores encontramos a Xavier Elorriaga ("Tesis") en el papel de Luis de Navarra."

En cuanto premios la película logró el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine Ibérico y Latinoamericano de Biarritz.

Sin embargo destacar que la película no puede plantear lo que intentaba, la gesta "euskaldun" de estos navarros y además hacerlo con rigor histórico. Lo que al final nos queda claro en que estos hombres, como ha ocurrido siempre no dejó de ser una tropa de mercenarios, muchos provenientes de Alta y Baja Navarra así como de Gascuña, que lucharon en distintos territorios griegos y de su entorno a finales del siglo XIV y principios del XV, como ya hicieron junto a gentes de otros reinos hispánicos en la llamada expansión de los almogavares.

El término Compañía navarra es un término moderno, el verdadero nombre de estos mercenarios fue Compañía blanca.

Lo cierto es que para el año 1366 los habitantes de este ducado decidieron independizarse del Reino de Napoles que pertenecía a la casa de Anjou desde hacia mas o menos 100 años y toman la ciudad de Durazzo o Darres (la antigua Dyrrachium) al mando de Carlo Thopia. Así que nominalmente quien mandaba en el principado era Juana de Sicilia, casada con Louis d'Evraux hermano de Carlos el Malo, Rey de Navarra.

Al no controlar de hecho el territorio Louis reclutará tropas en sus dominios y los de su hermano para acabar con el movimiento rebelde. Lo que pretende hacer la película es presentarnos el momento en que nace esta Compañía Blanca o de Navarra. Y aunque la primera compañía fue creada por Carlos II de Navarra para luchar contra Carlos V de Francia, tras la paz conseguida en 1366, los soldados se organizaron en una compañía bajo las órdenes del infante Luis de Navarra, conde de Beaumont-le-Roger y duque de Durazzo por su matrimonio con Juana. Carlos II de Navarra le apoyó en su intento de recuperar Durazzo y el Reino de Albania. Asimismo, Carlos V de Francia ayudó a Luis con 50.000 ducados.

En 1372 la compañía creció gracias al reclutamiento efectuado por Enguerrand de Coucy, quien contrató a 500 lanzas y 500 arqueros a caballo, la mayoría de Gascuña. Aunque estos soldados fueron reclutados para servir en Albania, se organizaron en Nápoles.

Entre 1375 y 1376 muchos hombres de Navarra se alistaron en la compañía y viajaron directamente a combatir en Albania. Las tropas salían de Tortosa y cobraban 30 florines aragoneses de oro al mes.Se supone que llegan en el 1375, la heroica gesta duro escasamente 3 años.

Tras la muerte de Luis la compañía se quedó sin funciones así que se pusieron bajo las órdenes de Pedro IV de Aragón en 1377 y se organizaron en cuatro compañías, mandadas por los gascones Mahiot de Coquerel y Pedro de Lasaga, camarlengos del rey de Navarra, y los navarros Juan de Urtubia y Garro, que tenían el rango de escuderos.

En 1376 los de Durazzo se volvieron a sublevar y retomaron la ciudad que fue suya hasta que en 1385 año en la que cae en manos de los turcos.

La película da poco de sí. Creo que fui más generoso con ella cuando la vi por primera vez sobre el año 1985. La película es lenta, pretenciosa, con diálogos plúmbeos, y las únicas escenas de acción llegan muy al final. Así que la película se hace aburrida a pesar de que "la batalla" no está mal rodada . De ella se puede destacar su buena música, el manejo de los extras en la batalla, bien rodada, el elemento musical con temas en vasco y la inquietante música.

Igualmente son dignos de elogios se puesta en escena con su vestuario lleno de ropas raídas, de suciedad, bien articulado el marco histórico con esos palacios incómodos, pocos atractivos para ser habitables, con ese ambiente oscuro de interiores, con esa imagen terrosa posiblemente no deseada sino de la copia que he visto.

Como intento de lanzar películas históricas no triunfó, aunque a mi personalmente me hizo descubrir un espacio que tuve la fortuna de recorrer hace cuatros años, las Bárdenas Reales, un espacio espectacular.

Total es Cuerda

He visto Total de José Luis Cuerda, la que  fue la primera apuesta por el surrealismo entre un Londres y un Paris rural. Una película dedicada a Fernando Álvarez 

Total es una película, realmente un mediometraje del año 1983 y en ella vemos a parte del grupo que más tarde apareció en Amanece. Con ella Cuerda abre la trilogía surrealista que incluye Amanece, que no es poco y Así en el cielo como en la tierra. José Luis Cuerda se presenta aquí como director y guionista para una película realizada para TVE ,con el productor Alfonso García, aunque amparada por Cinearte y Cornejo, y que se emitió por vez primera el 26 de diciembre de 1983.

Este mediometraje fue emitido con la música de José Nieto y la fotografía de Juan Martín Benito. José María Biurrún fue el encargado de la edición y el vestuario de Félix Sánchez Plaza.

El elenco absolutamente coral lo encabeza Agustín González como Lorenzo el pastor, María Luisa Ponte como la aparecida Doña Paquita, Manuel Alexandre como Herminio, Miguel Rellán como el inspector Luciano, Alicia Sánchez como Rocio, José María Caffarel como el alcalde londinense Don Alonso, Eusebio Lázaro es como el maestro Don Gabriel, Enriqueta Carballeira como Macarena, Luis Ciges como el ciego Pascual, Chus Lampreave como la vaquera Álvarez. Junto a ellos aparece Enriqueta Carballeira, María Elena Flores, Mercedes Lezcano, los primos Carlos Velat y Fernando Vivanco así como Elena Santonja y Carmen Santonja.

Partiendo del siglo XXVI (2598) nos encontramos tres días después de la llegada del fin del mundo. Londres, un pequeño y perdido pueblo de ambiente castellano.

Un pastor de ovejas llamado Lorenzo  (Agustín González) y que actúa de narrador y nos presenta a su hijo Herminio (Manuel Alexandre) que es mayor en edad que el padre, un comerciante y salteador amenazante con su pistola. Ese hijo que de escolar pasa a adulto de golpe, sorprendiendo enormemente a su padre, cuando lo ve por vez primera sobre un puente. Herminio regenta una tienda pero tiene la mala costumbre de atracar a las clientes que acuden a la panadería y que , al final de sus días tendrá que ser colgado unas diez veces, eso sí, malamente, y que finalmente resucita en el cementerio de la Iglesia donde fue enterrado.

Lorenzo, pastor de ovejas, nos cuenta una serie de sucesos extraordinarios que han ido anunciando el fin del mundo: las vacas quieren ir a la escuela, así que la vaquera Álvarez pide permiso un día sí y otro también al maestro Don Gabriel ( Eusebio Lázaro) que siempre espera como maestro que sus alumnos no concluyan la tabla del siete y que está casado con una mujer Doña Rocío (Alicia Sánchez) que está llena de violencia y mal carácter.

Igualmente nos describe como las paredes de las casas y de los corrales se derrumban, o como Doña Paquita (María Luisa Ponte) , la mujer del alcalde Don Alonso (José María Caffarel) - que tiene una amante (Mercedes Lezcano) , la prostituta del pueblo que solo lo hace con Don Alonso, y que ahora quiere hacerse decente en ese pequeño y rural Londres- se aparece en los lugares más insospechados atravesando las paredes.

Este fenómeno lleva al pueblo a un inspector que tiene que hacer un informe de las apariciones. Se trata de de Luciano ( Miguel Rellán) que es invitado a tomar anís. Pero lo mejor es que descubre a las hija de Doña Paquita y Don Alonso, Macarena ( Enriqueta Carballeira). Tanto es así que salen a un "prao" cercano y allí se declaran su amor, consolidaban su relación con un hijo de tres años y ponen fin al mismo.

Vemos también , por dos veces, y con los papeles cambiados dos primos (Carlos Velat y Fernando Vivanco ) que se reencuentran en el pueblo tras llegar uno de ellos . en la otra ocasión es el otro- a la plaza de Londres por la muerte de una de sus madres.

Otro de los habitantes de ese Londres, que en un momento se transforma en París, es la recuperación de la vista de Pascual (Luis Ciges) el ciego del pueblo que vive con su hermana (María Elena Flores ), que lo putea mientras lo saca a la calle.

Cuando Pascual, amigo de Herminio, recupera la vista, gracias a las mezclas de medicamentos con gaseosa, decide hacerse el ciego para ver como lo tratan, acabando con la vida de su hija.

Al final una vez con el Apocalipsis que provoca la caída de muros y casas de este Londres / París vemos como Lorenzo , con su hijo revivido , decide irse con sus ovejas de la ciudad con la cuidadora de vacas, aquellas que nunca pudieron ir a la escuela muy a su pesar.

Tanto Herminio como Pascual han decidido quedarse siendo los únicos acabando la película gritándoles "¡Que os vais a perder el Juicio Final, gilipollas! Que desde allí se va a ver de pena so memos!" .

La película coral rodada para la televisión fue rodada en la provincia de Soria, en concreto en los municipios de Oncala, fundamentalmente, así como en San Pedro Manrique y Yanguas localidades perteneciente a la comarca de las Merindades de las Tierras Altas. Fue rodada en 16 mm .

La película es una especie de versión surrealista y un ejercicio del absurdo inspirada en la Biblia, o de algunos de sus pasajes. Fue presentada en el Festival Internacional de Montecarlo de 1984 y se le otorgó el Premio a la Crítica Internacional y el Premio Especial del Jurado, y se ha emitido además de en España en países como Canadá y en EEUU.

Para el propio Cuerda, se trata de «un retorcimiento de la realidad que sigue siendo realidad». Cuerda lo explica así: “Yo siempre he tenido la sensación de ser mayor que mi padre. Mi padre ha hecho cosas con una libertad y con una inconsciencia que yo he sido incapaz de practicar. He vivido, lógicamente menos que él, pero he sido mucho mayor. Desde muy pequeño, yo fui enfermizamente reflexivo. Lo que ocurre en Total es una plasmación física de esa hiperreflexión: «Padre, que me he hecho mayor» dice Alexandre, cuando se encuentra con su padre al salir de la escuela. A partir de entonces , el hijo empieza a actuar como una persona mayor; habla incluso en francés. Todo tiene su lógica. El comercio es una forma como otra de latrocinio: cuando vendes siempre cobras más de lo que cuestan las cosas. Alexandre atraca abiertamente a los clientes. Lo mío no es surrealismo, como se ha dicho, sino darle un revolcón a la lógica, fajarse con ella cuerpo a cuerpo y retorcerle el pescuezo hasta que vomite sus últimos argumentos”.

Y añade “Yo creo que la ficción legitima el echar mano de realidades muy distintas porque, en el fondo y puestos a escribir o a narrar o a pintar o a hacer lo que uno quiera en términos creativos, tan realidad son los sueños como los deseos como un bodegón. Entonces, en ese sentido, a mi lo que me apetecía, más que tergiversar la realidad por decirlo así -porque siempre me ha gustado extraer sus últimas consecuencias de frases, de hechos, como cuando se dice que un hombre de campo está enraizado verlo -como en `Amanece…´plantado en un bancal”.

Sobre Total han opinado algunas personas , tal y como se recoge en este wordpress,  entre ellos, el crítico de cine Jesús Miguel Sáez González que dijo “el humor absurdo salpica la trama de esta pequeña obra –una hora aproximadamente-, en ocasiones no se duda de ciertos ecos surrealistas” en la que Cuerda “introduce en la trama juegos temporales y metalingüísticos –resonancias por ejemplo del Lazarillo de Tormes en la escena del invidente y su hija que lo ayuda a cruzar los charcos inexistentes, se emplean algunos pasajes de claras referencias bíblicas centrados siempre en lo que les ocurre a los personajes”.

José Sánchez Alite, Total es una pequeña joya en la que ve un ejercicio de surrealismo rural. “Quien haya visto ‘Amanece que no es poco’ habrá encontrado todas las similitudes con este mediometraje”. No obstante, Cordera nos señala que él no cree en la etiqueta de “cine surrealista” porque el surrealismo conlleva la plasmación inmediata de la inspiración que llega a la mente, y ello no acontece en la realización de una película.

El escritor Félix Chacón considera a Total como un borrador de ‘Amanece que no es poco’ con su “ambientación rural, situaciones insólitas, conversaciones disparatadas, un mundo que se rige por reglas distintas al nuestro…”

Marisol Farré Brufau  autora del ensayo Del travelling, destaca dentro de la película la completa historia de amor, en un solo travelling analiza especialmente el inicio de la película y la secuencia del travelling en la que pasado, presente y futuro se desarrollan en un mismo plano, del que el propio Cuerda sigue estando orgulloso al considerarla como “una de las secuencias que más me gusta de las que he hecho: la historia de amor en un plano de Enriqueta Carballeira y Miguel Rellan”.

Cuerda en el libro escrito sobre él por Úbeda-Portugués (José Luis Cuerda, ética de un corredor de fondo) teoriza sobre ello así: “En la pantalla, la convención del amor siempre será expresada parcialmente, sintéticamente. ¿Qué mejor síntesis puede hacerse que narrar la historia de amor completa en un plano? La convención queda «desenmascarada» automáticamente. Una película como Total, que segundo a segundo reflexiona expresamente, visual y verbalmente, sobre la narración misma, se puede y debe permitir estos «atajos».”

Y prosigue diciendo: “Al fin y al cabo las vidas amorosas que se cuentan en el cine son meras convenciones, es decir, no transcurre en el tiempo real, se está sintetizando mucho -en hora y media fíjate las vidas que puedes contar en una película- ¿pues por qué no hacerlo en un solo plano? Y empieza diciéndote “te quiero mucho; a ver si nos casamos; ya nos hemos casado y tenemos un crío.., y más vale que lo dejemos” Pues se puede decir en un solo plano perfectamente. Es decir están evidenciando la mecánica cinematográfica que aquello no es verdad e intentar hacerlo sobre material perfectamente reconocible, pedestre, cotidiano y tal… es un juego que a mí me interesa mucho, porque me interesa mucho saber que en el cine, y de una manera tan falsa, tan artificiosa como es la del cine, se puede terminar contando verdades. No la verdad, yo no creo en la verdad, creo en las verdades, que junta y honradamente terminan haciendo una verdad”. Y finaliza diciendo: “que el espectador tenga la oportunidad de oír el mismo texto dicho por dos personas distintas y que es contradictorio y que sin embargo son perfectamente argumentables con los parámetros con los que se están jugando”.

Cuerda que falleció la semana pasada fue objeto de un homenaje televisivo en la 1 de Televisión Española, que tuvo a bien emitir dos películas de su trilogía surrealista. Una de ellas "Amanece que no es poco" que vi en la noche de fin de año cuando llegué a casa después de la cena familiar. Creo que si no fuese por la recomendación siempre sabia de Gerardo Sanchez a través de su cuenta de Twitter no dudé en que había que verla . Y sí, cumple una de las máximas de lo que pensaba este director de poderosa voz y que el mismo dijo de sí en alguna ocasión: “Yo hago películas, escribo, dibujo de vez en cuando, y el que lo vea que piense sobre ello lo que quiera, que para eso está”

El dinero

Puertas que se abren , puertas que se cierran. Ventanas que enmarcan historias, historias que nacen con una nimiedad y que culminan en un asesinato múltiple. Es , si me permiten el símil, la historia de una lluvia que cae mansamente en la montaña , pero que el valle provoca una inmensa avenida que arrasa la vida de muchas personas. 

Esa es la historia de El Dinero o L'Argent, una película dramática francesa dirigida por el cineasta Robert Bresson en 1983. Esta obra es el legado definitivo del también fotógrafo y pintor. Se encuentra libremente inspirada en la primera parte de la novela de León Tolstói, Le Faux Coupon El cupón falso o El falso billete. 

Fue la última película de Bresson falleciendo a los 98 años en 1999 y por ella obtuvo el premio a mejor director en el Festival de Cine de Cannes de 1983. Es curioso que Robert Bresson, un fotógrafo metido en el cine pero con un planteamiento ascético del mismo , que ganas usaba actores profesionales y que narraba casi literariamente lo que eran para él obras visuales que se centran en aspectos que suelen escapar a la miraba habitual. De ahí que la cámara se centre en esas puertas, esas ventanas, en las manos, en los silencios , en los encuadres sin figuras, o en las figuras que piensan y meditan pero que hablan poco. 

Esa idea ascética de si cine hace que su película tenga lo que en realidad importa , el sonido, pero salga de la misma, lo que suele ser un añadido durante el montaje, la música. Es por esta razón por la que en esta película apenas escuchamos músicas salvo en la de un personaje que sabe tocar el piano e interpreta una obra de Johann Sebastian Bach. 

Bresson gusta de un tono ascético en el sentido religioso y prueba de ello está en la imagen de personas que rezan por el alma de los que se sienten condenados, un preso que reza por el protagonista, que ha intentado suicidarse. También en la idea de venganza pero que acaba con la redención por medio del arrepentimiento una vez cometido el brutal asesinato final y que es observado por una barrera externa de parroquianos que me recordaban un cuadro de Gauguin, el de la Visión después del sermón, una de las primeras obras del estilo simbolista en el que empieza a trabajar el artista y que representaba la «simplicidad rústica y supersticiosa» de los asistentes al mismo. Aquí testigos mudos de la entrega del inocente que acaba por transformarse en un brutal asesino del que no vemos nunca sus asesinatos, pero sí los efectos de los mismos. Bresson como buen asceta prescinde del espectáculo para dejar de mostrar el hecho. 

La obra de Bresson comenzó en 1934 con Les Affaires publiques, un cortometraje cómico. Pero recién empezada la Segunda Guerra Mundial, fue apresado por más de un año en un campo de concentración alemán. 

En 1943, Les angés du peché o Los ángeles del pecado y en 1945 una tragedia psicológica con Las damas del bosque de Bolonia (Les Dames du Bois de Boulogne). Después vinieron sus obras más conocidas Diario de un cura rural (Le Journal d'un curé de campagne, 1950),una adaptación de la novela de Georges Bernanos . Un condenado a muerte se ha escapado (Un condamné à mort s'est échappé, 1956) y Pickpocket (1959). Son obras en las que el director renunciaba a actores profesionales y a todo artificio, en busca de un lenguaje visual puro, cargado de gestos, miradas y sonidos para dar profundidad a las convicciones morales de la historia.

A estas siguieron otras como El proceso de Juana de Arco (Le Procès de Jeanne d'Arc, 1962), Al azar de Baltasar (Au hasard Balthazar, 1966) , Mouchette (1967) y Una mujer dulce (Une femme douce, 1969), Cuatro noches de un soñador (Quatre nuits d'un rêveur, 1971), Lancelot du Lac (1974), El diablo probablemente (Le Diable probablement, 1977) concluyendo su trayectoria como director en 1983 con El dinero (L'Argent). Más tarde, en 1995, toda su obra cinematográfica recibió el premio René-Clair . 

Esta obra fue una producción de Jean-Marc Henchoz, Daniel Toscan du Plantier así como Antoine Gannagé y Jean-Marc Henchoz vinculados con Marionfilms. Seguía un guión escrito por Robert Bresson, pero basada en El cupón falso o El billete falso de León Tolstói y que produjo Marionfilms, FR3 y EOS Movies y distribuyó MK2 Diffusion. 

La fotografía estuvo a cargo de Pasqualino De Santis y Emmanuel Machuel, mientras que el montaje fue de Jean-François Naudon. La decoración fue de Pierre Guffroy. El execpcional trabajo de sonido fue de Jean-Louis Ughetto y Luc Yersin. 

El protagonista fue Christian Patey como Yvon Targe, junto con Vincent Risterucci como Lucien, Caroline Lang como Elise, Sylvie Van den Elsen como la mujer canosa, Michel Briguet como el abusador padre de la mujer canosa. Junto a ellos aparecen Béatrice Tabourin como la fotógrafa, Didier Baussy como el fotógrafo, Marc Ernest Fourneau como Norbert y Bruno Lapeyre como Martial, entre otros. 

Hay que decir que Bresson trabajaba desde 1951 principalmente con actores no profesionales, que él llama modelos. El modelo nunca debe haber hecho teatro ni cine para darle al director la oportunidad de "modelarlo". Su principio rector era: "El automatismo engendra emoción". 

Un primer plano fijo da inicio a la película: un cajero expulsando billetes . Sin embargo, la historia que se nos narra da comienza cuando un joven , Norbert ( Marc Ernest Fourneau) que va salir y que necesita dinero de su asignación mensual se encuentra que su padre (André Cler) , que está trabajando en un estudio y ni quiere ni puede atenderlo no se da la cuantía que él le pide, recordándole que tiene una deuda con un compañero de la escuela y que debe pagar. Tampoco le da dinero su madre (Claude Cler). Esto lo lleva a empeñar su reloj a un amigo que, en lugar de pagarle, le da un billete falso de 500 francos. 

Junto a este amigo deciden usar dinero falso que tiene este último para poder comprar e intercambian el billete falso en un negocio de fotografías, con el pretexto de comprar un portarretratos. La chica a la que le hace la compra (Béatrice Tabourin ), pero cuando el dueño (Didier Baussy) se da cuenta, regaña a su pareja por su falta de cuidado. 

Ella se defiende reclamándole a él por haber aceptado dos billetes falsos la semana anterior. Él promete deshacerse de todos los billetes falsos que tengan, en la próxima oportunidad que encuentre. 

Como las ocasiones las pintas calvas el siguiente que entra por la puerta, un trabajador , Yvon Targeque (Christian Patey) le lleva un porte de gasolina para el suministro de combustible para calefacción por valor de 1.500 francos como puede ver en la factura y el fotógrafo le paga con los falsos billetes. 

Yvon intenta pagar la cuenta de un restaurante con los billetes falsos, pero el camarero los reconoce como falsificados. Yvon es arrestado. 

En el juicio posterior la gente de la tienda de fotografía con la colaboración de uno de sus trabajadores , Lucien (Vincent Risterucci ) miente. Evita ir a la cárcel; sin embargo, pierde su trabajo.  

La chica que trabaja en la tienda de fotografía reconoce a Norbert en la calle con un grupo de sus amigos de la escuela, y ella se acerca a las autoridades de la escuela y lo acusa de haberles pasado los billetes falsos. 

Cuando el Capellán da una charla en clase ante los estudiantes sobre las facturas falsificadas, centrándose en la deshonestidad del hecho, Norbert abandona el aula. En casa, la madre del chico le aconseja que lo niegue todo, y ella va a la tienda de fotografía con un soborno para que los dueños dejen que el asunto se olvide. 

Por su parte,  Lucien (Vincent Risterucci ) el asistente de la tienda de fotografía que participó en el juicio y cometió perjurio en favor de sus jefes al negarse a reconocer a Yvon, los estafa al aumentar los precios mientras están fuera de la tienda y se embolsan la diferencia. Cuando los dueños del negocio lo descubren, lo despiden, pero, ellos no saben que ha hecho copias de las llaves de la tienda. 

Él y dos amigos roban la caja fuerte de la tienda y comienzan una operación de robo de tarjetas ATM de cajeros automáticos, similares a las que aparecen a inicio de la película durante los títulos de crédito. 

Por su parte, Yvon necesitado de dinero, pues está casado con Elise (Caroline Lang ) y tiene una hija pequeña, ayuda a un amigo en un robo a un banco, como conductor del vehículo en el que huyen.Pero la policía frustra el robo y arresta a Yvon, quien es juzgado y sentenciado a prisión por tres años. 

Mientras está en prisión, Yvon se entera de la muerte de su hija y de la decisión de su esposa de comenzar una nueva vida sin él tras recibir una carta de su mujer diciendo que lo abandona para comenzar una nueva vida. Yvon se queda lleno de dolor y desesperación. 

Fracasa en un intento de suicidio.Ante el mismo dos presos comentan que “Se tiene miedo a la muerte porque se ama la vida”, tras lo cual uno se pone a rezar por su alma. Lucien y sus cómplices finalmente son capturados y arrestados, y Lucien es enviado a la misma prisión que Yvon. Lucien ofrece incluir a Yvon en un intento de fuga de prisión, pero Yvon se niega. Yvon culpa a Lucien por sus problemas y quiere venganza. 

Lucien continúa con su plan de escape. El intento de fuga se transforma en un plano fijo de una puerta a oscuras; el sonido de una alarma, el encendido de una rendija de luz. Se oyen pasos de carreras y una frase en off.

Ha fracasado, pero Yvon y su compañero de celda escuchan ruidos en el pasillo que implican que Lucien ha sido atrapado, y el compañero de celda, un hombre sabio que le había pedido que “No te involucres en el absurdo del mundo”, cree Yvon al igual que Lucien probablemente serám transferidos a una prisión de máxima seguridad mucho más severa. 

Al salir de prisión, Yvon no tiene nada. De inmediato, mata a los guardias de un hotel para robarles la caja. 

Luego busca refugio en el campo en la casa de una amable mujer de pelo blanco y su familia. La mujer de pelo gris dotada de indulgencia y bondad ilimitadas le dice en algún momento que “Recibirás perdón. Si yo fuera Dios, perdonaría a todo el mundo” y le habla de su dura vida con un padre (Michel Briguet ) - o marido no me ha quedado del todo claro- que a pesar de ser un músico reputado que toca a Bach , le agrede de forma regular y de cómo ha de atender a un chico impedido. 

Pasa un poco de tiempo, y aunque Yvon parece rehabilitarse, sin embargo, una noche , sin motivo aparente, Yvon mata a los que viven en la casa con un hacha y sabemos su motivo - o no- pues a la mujer le pregunta: “¿dónde está el dinero?” empuñando el hacha, acabando con todos los que viven en la casa.

Va a un restaurante, le confiesa a un oficial de policía lo ocurrido y es arrestado a la vista de todos los parroquianos que expectantes - y nosotros con ellos perturbados- que ven la salida de Yvon pero se centran en la sala vacía de la cafetería. Un último plano fijo ante un cajero que vuelve a dar dinero pone fin a la película con sus títulos de créditos.  

Bresson empezó a trabajar , asistido por Olivier Péray, primero en el guión de la película en 1977 inspirándose en la obra escrita por León Tolstói. Más tarde, Bresson dijo que era la película “con la que estoy más satisfecho – o al menos es en la que encontré la mayor cantidad de sorpresas cuando estuvo terminada – cosas que no esperaba.” 

La película fue estrenada en Francia, el 18 de mayo de 1983 por MK2 Diffusion y premiada en Cannes. 

En cuanto a la crítica Vincent Canby escribió en The New York Times que “Ese Robert Bresson, el veterano director francés, es todavía uno de los realizadores cinematográficos más rigurosos y talentosos del mundo, es evidente con la llegada de su hermosa y astringente película, El Dinero". Canby añadió que “Como todas las películas de Bresson, El Dinero no puede ser interpretada exclusivamente en términos sociales, políticos o psicológicos… El Dinero podría ubicarse en análisis Marxistas, sin embargo, es cualquier cosa menos Marxista. Es demasiado poética – demasiado interesada en los misterios del espíritu." 

Tom Milne descubrió que L′Argent era "inconfundiblemente una obra maestra", señalando "la extraordinaria apoteosis de la secuencia final" y el "asombro sin aliento en la última imagen de los espectadores congelados mientras observan la habitación vacía desde la cual todas las pruebas del crimen ha ido."  Y en The Times se califica como una película "única, destacable, devastadora". 

Bresson recibió el Premio del Director en el Festival de Cine de Cannes de 1983 , junto a Andrei Tarkovsky (que admiraba las obras de Bresson) por su película Nostalghia . L'Argent fue nominado a Mejor sonido en los César Awards 1984 y ganó, además, el National Society of Film Critics Award como Mejor Director de 1984. 

La película rodada en Eastmancolor muestra como el espectador es testigo de la caída del protagonista, que viene a cometer los peores crímenes, una caída que se presenta como consecuencia de una injusticia original, en sí misma debido al atractivo de la ganancia. 

El propio Bresson en algunas de sus obras teóricas publicó algunas cuestiones centrales sobre el por qué de sus obras. Con respecto a la última señaló Robert Bresson: … desde hace años he suprimido por completo en mis películas la música de apoyo o de acompañamiento. Tardé mucho en darme cuenta de su efecto nefasto, sobre todo cuando se trata de una música célebre. Inmediatamente, las imágenes pierden vigor; mientras que con el menor ruido, se ahondan, ganan en profundidad, adquieren una tercera dimensión.

Michel Ciment: ¿Por qué eligió para El dinero la Fantasía cromática de Bach? 

R.B.: Porque no quería que mi pianista tocara una música sentimental. Pero la música de Bach es siempre sentimental, de modo que me he equivocado un poco. 

R.B.: Lamento no haber podido detenerme más en la idea de redención de Yvon en El dinero; pero en ese momento el ritmo de la película no lo permitía. 

M.C.: Yvon es un poco como el ángel exterminador.

R.B.: La sociedad lo abandona. Su matanza es como la explosión de su desesperanza. 

R.B.: Hay muchos bellos relatos de Tolstói. Uno de ellos es El billete falso, que me brindó algo más que un punto de partida: la idea de una propagación vertiginosa del Mal y el surgimiento final del Bien. 

Por último señalar que Bresson buscaba insistentemente que el cine, para él la herramienta mas potente del arte, se desprendiera de los elementos de otras artes , especialmente del teatro.

De acuerdo con Alan Pavelin, su obra tiene tres fuentes principales de inspiración: su inspiración catolicismo jansenista que implica que sus personajes carecen de "psicología" , su carrera como pintor y su experiencia de prisioneros de guerra . Para él los personajes son guiados por el destino, no hay que explicar las razones o los motivos de su acción . Y esto es precisamente lo que ocurre con Yvon, un joven que es injustamente acusado de traficar con dinero falso, y que por ese error  judicial, su vida se complica y se llena de adversidades que culminan con su entrada en prisión, no solo porque el ambiente lo va degradando y corrompiendo hasta convertirlo en una persona sin escrúpulos ni principios morales, sino por lo que acontece en su vida cuando está preso. 

Esta película cumple alguno de sus principios: la igualdad de importancia entre las imágenes y los sonidos, trabajo importante del campo a través de la estilización de estos; las múltiples tomas para obtener lo absoluto, los modelos ocultos, la estilización de sus voces; y el gusto por una cámara que apuesta por buscar los tres cuartos en la pantalla .

A esto se une el uso de la elipsis ,  los detalles mínimos, los encuadres que cortan la figura humana, junto a ello los diálogos ceñidos a la mínima e imprescindible concisión, la ausencia de imposturas y el minimalismo radical lleno de detalles (cafetera, tazas, cerraduras,...) y planos vacíos - o llenos según veamos- con enfoque especial a una manos que se abren, se cierran, que reciben o que dan , que son receptoras de agua o de avellanas verdes en la palma de una mano y eso sí, puertas, y en la que el personaje principal no aspira a alcanzar la gracia divina pues la única redención es el reconocimiento de la culpa.

Tras la muerte del director se instituyó el premio Robert Bresson , un premio cinematográfico que presentado por los Consejos Pontificios de la Cultura y de las Comunicaciones Sociales que premiaba a los directores que en el Festival de cine de Venecia trabajan buscando un obra "significativa por su sinceridad y la intensidad de la búsqueda del sentido espiritual de la vida".

La película se centra en el papel degenerativo y corrupto de ese poderoso caballero "Don Dinero" que actúa como un nuevo Dios en cuyo altar se sacrifican valores e ideales, así como en el azar que juega un papel importante en la vida del protagonista que lo mueve como si fuese una marioneta por lo que el director trasmite una mirada escéptica sobre la humanidad casi sin esperanza que parece avisarnos de algo terrible: No future!!!