El Menú

Acabo de descubrir en Twitter que hoy comienza un evento gastronómico. De hecho así aparece en esta red ahora llamada X: "¡Hoy comienza “Eat Spain México 2026”! Desde el 21 de septiembre al 4 de octubre, se podrá descubrir la gastronomía, los alimentos y las bebidas de España a través de promociones, degustaciones y experiencias en varios establecimientos de CdMx. La comida y la cocina hoy son auténtica Marca España. 

¿Quién me lo iba  a decir? Mi abuela tuvo un bar. Era una gran cocinera. Como vasca que era, y por haber estado sirviendo como muchas mujeres a inicios del siglo XX, manejaba como nadie la cocina. Su bacalao y, en mi memoria, guardo sus boquerones en vinagre, imposibles de igualar, eran toda una referencia local. 

La vida da muchas vueltas y yo, como profesor que he sido, tuve la fortuna de impartir clase en la antigua Formación Profesional de Hostelería. Allí di con aspirantes a cocineros, algunos, a día de hoy, han conseguido su reconocimiento y su estrella Michelin. 

Recuerdo que en clase yo enfocaba la materia para hacer la clase atractiva y lo hacía a través de una Historia de la alimentación que casi tuve que sacar de la nada apoyándome en los poquitos textos que de eso había en aquel momento. Menos más que podía tirar del Bueno para Comer de Marvin Harris o de otros que ahora no recuerdo. 

Hoy las cosas han cambiado. Recuerdo que una vez les leía los alumnos y alumnas un texto sobre Paul Bocusse. Ese día algunos alumnos aprendieron que podía aspirara ser un gran chet y tener un gran reconocimiento profesional. 

¡Qué poco se parece el papel de aquellos y aquellas humildes personas que se movían en la cocina a los de ahora! ¡Qué poco se parecen sus platos! ¡Qué endiosamiento tienen algunos chefs! Pensemos en la Guía Michelin y sus estrellas. La actual consideración de los restaurantes referenciados por Michelin tienen a su favor el hecho de su reconocimiento aporta valor tanto al sector gastronómico como a los comensales a través de la estandarización de la calidad, el impulso económico y la visibilidad global de la excelencia culinaria. Los principales aspectos positivos de su reputación actual está en la calidad de los ingredientes, en poner en valor el dominio de la técnica culinaria, el potenciar o buscar la armonía de los sabores, en reconocer el buen trabajo permanente y la personalidad del chef. Esto parece asegurar al cliente un estándar confiable sin importar el país. La llegada de la guía o la consecución de una estrella a un local de una ciudad lo pone en un punto de mira y lo acerca al turismo de alta gama, algo que beneficia al sector hoteleros, y , por extensión , a los transportes y comercios locales. El prestigio de una distinción motiva a los equipos de cocina y servicios a mantener la excelencia, investigar nuevas técnicas y preservar las tradiciones culinarias locales. Parece ser que en los últimos años, la guía ha diversificado su enfoque, otorgando estrellas no solo a la alta cocina clásica, sino también a puestos de comida callejera, bistrós locales y conceptos vanguardistas. Además en este mundo lo sostenible tiene su peso y la introducción de la Estrella Verde Michelin premia preventivamente a los restaurantes con prácticas eco-responsables, promoviendo el respeto al medio ambiente y los productos de proximidad.

Pues a qué viene todo esto, pues lo cierto es que he visto la película The Menu es una película estadounidense que se mueve entre la comedia, terror y suspenso, que es del año 2022 y que fue dirigida por Mark Mylod y escrita por Seth Reiss y Will Tracy . 

La película fue producida por Adam McKay, Betsy Koch y Will Ferrell para las `productoras Alienworx Productions, Hyperobject Industries contando con la distribución de Searchlight Pictures, y la Disney+. Manejó un presupuesto de $30 millones.

En el apartado técnico  la película tiró de la fotografía de Peter Deming , el montaje de Christopher Tellefsen  y la música de Colin Stetson que compuso la banda sonora, lanzada por Milan Records en noviembre del 22, coincidiendo con el estreno de la película. 

La película está protagonizada por Ralph Fiennes , Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, Hong Chau,  Janet McTeer , Judith Light y  Juan Leguizamo en los principales papeles. 

La película comienza cuando un sibarita Tyler Ledford (Nicholas Hoult ), un auténtico enamorado de la cocina y con dinero, lleva a su cita, una chica con la que parece tener una relación, Margot Mills (Anya Taylor-Joy ), a Hawthorn , un restaurante exclusivo sito en una isla privada regentada por el famoso chef Julian Slowik (Ralph Fiennes ) . 

Para acceder a la isla hay que tomar un pequeño barco en el que ya le sirven un aperitivo que Tyler fotografica curiosamente, aunque tomar fotos  está expresamente prohibido. Entre los demás comensales que van en el barco se encuentran la crítica gastronómica Lillian Bloom (Janet McTeer) y su editor Ted Feldman (Paul Adelstein ), los adinerados clientes habituales Richard y Anne Liebrandt (Reed Birney y Judith Light , respectivamente) , una estrella de cine en decadencia George Diaz (John Leguizamo) y su asistente personal Felicity Lynn (Aimee Carrero ) , los socios comerciales Soren (Arturo Castro) , Dave (Mark St. Cyr ) y Bryce, que trabajan para el inversor de Slowik, Doug Verrick, y la madre alcohólica de Slowik, Linda (Rebecca Koon). 

La jefa de sala. Elsa (Hong Chau ) , les recibe amablemente y les ofrece un recorrido por el restaurante y detecta que Margot no es la invitada original de Tyler, una tal Sra. Westerbelt. 

Tras un breve paseo por la isla, mientras ven como marisquean ostras , el frigorífico de maduración de la carne o el exterior de la casa del chef, comienza la cena y Slowik, desde el primer momento, les presenta una serie de platos cada vez más inquietantes que generan cierta tensión entre los comensales,y todo ello mientras el sumiller (Peter Grosz ) va describiendo y sirviendo el vino para el maridaje, mientras se hace gala de que no habra pan. 

Para el tercer plato, verdades incómodas sobre cada comensal se graban con láser en tortillas. En este caso la tensión va a más, puesto que saca una imegen de Tyler haciendo la foto al aperitivo, una crítica feroz de Lilliam, una comprometida foto del señor Liebrandt, o una cuenta de resultados en las islas Caiman del trío de gestores. El malestar va en aumento. 

El sous-chef Jeremy Louden se suicida al comienzo del cuarto plato, y cuando Richard Liebrandt intenta marcharse, el personal le corta un dedo como advertencia a los demás. Disgustado por la intromisión en el negocio del propietario,  Verrick, Slowik ordena que lo ahoguen delante de los comensales. 

El quinto plato comienza con Slowik dejándose apuñalar en la entrepierna por Katherine, una empleada a la que acosó sexualmente en un par de ocasiones. En este plato, las mujeres cenan con Katherine mientras que a los hombres se les da la oportunidad de escapar de la isla, pero el personal de Slowik los atrapa a todos; Ted, el último en ser capturado, recibe un plato de huevos Passard como recompensa. 

En este momento,  Slowik explica que los invitados fueron invitados porque o bien le hicieron perder la pasión por su oficio o bien explotaron a artesanos culinarios como él, y afirma que todos estarán muertos al final de la noche. 

Dado que la presencia de Margot no estaba planeada, Slowik le llama en privado la opción de morir con el personal o con los invitados. Cuando ella duda, él elige al personal, al sospechar que ella yambién trabaja para el sector servicios como señorita de compañía, algo que ella reconoce. Margot admite ser una escort llamada Erin, entre cuyos clientes se encontraba Richard, quien la contrató para que se hiciera pasar por su hija. 

Slowik revela que Tyler fue informado de que los invitados serían asesinados, pero estaba tan desesperado por experimentar el restaurante que contrató a Margot para reemplazar a su exnovia porque Hawthorn no admite comensales solitarios. 

Invitado a cocinar por Slowik, Tyler prepara apresuradamente un plato que el mismo improviosa con puerros, chalotas y cordero, pero que para el chef resulta tan poco halagador que no está a la altura de sus pretensiones que Slowik lo humilla y le susurra al oído, lo que provoca que un Tyler abatido y derrotado abandone la cocina. 

Slowik envía a Margot al ahumadero de carne a buscar un barril necesario para el postre, pero encuentra a Tyler, quien se ha ahorcado avergonzado. 

Al colarse en la vivienda de Slowik, Margot es atacada por una celosa Elsa, que teme que Margot la reemplace, lo que resulta en una pelea donde Margot apuñala mortalmente a Elsa. 

Margot ve un premio enmarcado al empleado del mes que muestra a un joven y feliz Slowik cocinando hamburguesas. También encuentra una radio y pide ayuda antes de regresar al restaurante con el barril. 

Un oficial de la Guardia Costera que dice llamarse Dale (Matthew Cornwell ) llega, convenciendo a los clientes de que están a salvo, pero se revela como uno de los cocineros de Slowik disfrazado. 

Tramando un plan, Margot acusa a Slowik de cocinar por obsesión en lugar de por amor a la comida. Se queja de que el plato no fue de su agrado y que todavía tiene hambre. Pide una simple hamburguesa con queso y patatas fritas, que Slowik disfruta preparando personalmente. 

Después de disfrutar un bocado, Margot pide llevarse la comida para llevar . Slowik la empaqueta, le da una bolsa de regalo y la deja marchar. 

La cena ha culminado pero falta el plato postrero. Para el postre inspirado en los s'mores , el personal decora el restaurante con salsas y galletas Graham trituradas, y viste a los comensales con estolas de malvavisco y  chocolate industrial. Slowik prende fuego al restaurante, detonando el barril y matándose a sí mismo, al personal y a los comensales. 

Mientras escapa en la lancha de la Guardia Costera, Margot observa el fuego, come su hamburguesa con queso y se limpia la boca con una copia del menú acabando así este menú nada palomitero. 

El origen de esta película está en el momento en que Will Tracy cenó en Cornelius Sjømatrestaurant , un restaurante en una isla cerca de Bergen , Noruega, durante su luna de miel y más tarde le sugirió a Seth Reiss una historia inspirada en la experiencia. 

Varias figuras del mundo de la alta cocina fueron contratadas como consultoras para la película, incluyendo a la chef Dominique Crenn , quien recreó varios platos de su restaurante Atelier Crenn de San Francisco para el restaurante ficticio Hawthorn, y al director de segunda unidad David Gelb , quien fue contratado para recrear el estilo de realización cinematográfica de su docuserie de Netflix Chef's Table . 

En abril de 2019 se anunció que Alexander Payne dirigiría la película, cosa que finalemnte no fue. En diciembre de 2019, el guion apareció en la Black List anual , una encuesta que muestra las películas más populares que aún están en desarrollo. 

Para mayo de 2020, Searchlight Pictures tenía los derechos de distribución, y Payne había abandonado la película debido a conflictos de agenda, siendo Mark Mylod reemplazado como director. 

Meses antes, en abril de 2019, se anunció que Emma Stone y Ralph Fiennes protagonizarían The Menu . En junio de 2021, Anya Taylor-Joy inició negociaciones y fue confirmada en julio para reemplazar a Stone, quien se había marchado debido a compromisos con otros proyectos; poco después se sumaron Hong Chau y Nicholas Hoult y se unieron al elenco ese mismo mes como también hará John Leguizamo ,   Janet McTeer ,  Judith Light ,  Reed Birney , Rob Yang , y Aimee Carrero se unieron en septiembre.  En octubre, Paul Adelstein , Arturo Castro , Mark St. Cyr, Rebecca Koon y Peter Grosz fueron confirmados como parte del elenco. 

El rodaje comenzó el 3 de septiembre de 2021 en Savannah, Georgia , con el director de fotografía Peter Deming y el editor Christopher Tellefsen . Entre las localizaciones de rodaje se incluye la costa de Jekyll Island . 

The Menu se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 10 de septiembre de 2022,   y también tuvo su estreno en Estados Unidos en Fantastic Fest ese mismo mes. en un buen número de salas de cine, el estreno más amplio en la historia de Searchlight.  La película se lanzó en plataformas digitales en enero de 2023.

La película The Menu recaudóun total mundial de 79,6 millones de dólares. Críticos y comentaristas observaron que Hawthorn de The Menu satirizaba varios restaurantes de alta cocina de la vida real, incluidos los postres estilizados de Alinea , la bolsa de granola de Eleven Madison Park , la pesca del propio pescado del restaurante en Fäviken , la "severidad escandinava" de Noma y la remota ubicación en una isla del Willows Inn. 

Fue bien valorada por distintas asociacioes de críticos como las de Georgia, Hollywood, Londres o San Diego y nominada en los  80ª Globos de Oro  al mejor actor principal  (Ralph Fiennes) , Mejor actriz principal (Anya Taylor-Joy). También el Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al Mejor guion original (Seth Reiss, Will Tracy).

En los 51 Saturn Awards 2023 la nominación fue al Mejor thriller , Mejor dirección (Mark Mylod) ,  Mejor guión (Seth Reiss, Will Tracy) , Mejor actriz (Anya Taylor-Joy) , Mejor actor (Ralph Fiennes) ; y en los 27 Satellite Awards (International Press Academy) la nominación fue al Mejor actor principal - (Ralph Fiennes).

En cuanto a la crítica Ann Hornaday del The Washington Post escribió sobre ella que era "Una elegante sátira sobre el elitismo, los excesos capitalistas y la cultura gastronómica fetichista (...) 

Valerie Complex de Deadline consideró que "'The Menu' aporta una inquietante sátira sobre la división de clases y cómo los ricos son un pozo sin fondo de necesidades que nunca serán satisfechas (...) El elenco de estrellas está en perfecta sintonía" 

Tasha Robinson de Polygon vio "Una deliciosa película de suspense (...) Hay cierta tensión mientras los espectadores esperan a ver cómo se desarrolla todo, pero Mylod y los guionistas también sugieren que vale la pena reírse un poco de todos los implicados" 

Meagan Navarro , habitual de Bloody Disgusting , dijo de ella que "Aunque esta comedia de horror sofisticada e irónica te tienta con un festival para los sentidos y un atractivo reparto coral, a su sátira le falta mordacidad (...)" 

Owen Gleiberman de Variety consideró que "Todos los actores son divertidos, pero los dos protagonistas (lo siento, no puedo resistirme) son tan buenos que resultan deliciosos" 

Chase Hutchinson de Collider declaró que "La comida cinematográfica que se prepara aquí es familiar, pero tan carente de sustancia que querrás enviarla de vuelta a por algo mejor" 

Christian Blauvelt de  IndieWire "'The Menu' considera que la película " hace una cosa excepcionalmente bien: capta tu atención y te hace pensar durante un tiempo que todo es posible. Solo eso ya es algo que hace que uno salive" E

Lovia Gyarkye de The Hollywood Reporter destaca que la película "Se prodiga en oportunidades para despojar al emperador de su ropa, y aunque eso no necesariamente se traduce en la más reveladora de las reflexiones sociales, es una experiencia entretenida" 

En Vanity Fair Esther Zuckerman señala que "No es lo que esperas: es mejor (...) Esta sátira sobre el mundo de la comida erupciona en una guerra de clases, pero lucha contra los estereotipos a cada momento"  

Charles Bramesco de The Playlist considera que "Todo lo que hay en el menú de 'The Menu' parece bastante bueno, pero una vez que su enmohecida perorata contra el uno por ciento ha sido completamente repartida, es evidente que no queda mucha carne en el asador" 

En la progresista Slant Wes Greene dice de ella que es "Divertida, sangrienta pero desigual (...)"

Para el británico Peter Bradshaw del The Guardian estamos ante "Un thriller 'foodie' oscuramente cómico, que resulta sabroso, aunque poco hecho (...) Tiene algunos momentos fantásticamente ridículos (...) 

Por su parte, Siddhant Adlakha en las páginas de Empire afirma que "Puede que no sea muy creativa ni emocionante, pero la película rara vez es aburrida (...) 

Wendy Ide de Screendaily destaca que "El enrarecido mundo de la alta cocina no es precisamente un objetivo difícil de satirizar, pero esta comedia deliciosamente salvaje de Mark Mylod hace que cada amargo bocado cuente (...) Vigorosamente rencorosa y muy divertida" 

Ya en España Javier Ocaña columnista de El País afirma que este "Entretenido ‘thriller’ de cocina (...) es una experiencia cercana a lo teatral, sucesivamente inquietante, procaz, graciosa, cruel y macabra. De limitada profundidad, pero efervescente. (...) imaginativo guion" 

Para Oti Rodríguez Marchante en ABC "Estamos ante una película con punta, aunque no se vea claro a dónde señala, pero con gracia y algo de elegante suspense, y con buenos duelos de miradas entre Fiennes y Taylor-Joy. (...) " 

Desde Barcelo, Quim Casas , de El Periódico considera que la película "Plantea un juego ingenioso, pero atropellado. (...) Hay más suspense que viandas selectas (...) tras crear un cierto interés general, el filme se pierde en pequeñas cuitas individuales. (...)" 

Santiago Alverú de Cinemanía considera que la película "Es el reverso tenebroso que, sin negar la artesanía o el sentimiento detrás de un menú minimalista merecen ver todos aquellos que se excitan ante un fenómeno de dudosa integridad. (...) " 

En  Fotogramas Ricardo Rosado describe El Menú como algo que  "[Nos engancha] más por el uso del glutamato monosódico que por una presentación a la que le falta un postre casero que compartir en redes. ¿Volverás? Probablemente. (...)

Como crítica satírica hacia este mundillo la he visto y he de reconocer que el mundo de la cocina es muy complejo. Lo primero desde el punto de vista de los chefs es que hay una gran presión psicológica que puede afectar a su salud mental. Hay un auténtico "síndrome del inspector" según el cual muchos chefs permiten que terminen cocinando de manera encorsetada pensando en agradar a los inspectores anónimos en lugar de buscar la felicidad directa del cliente. La búsqueda de la perfección milimétrica y el estrés crónico han propiciado históricamente horarios extenuantes y, en ocasiones, dinámicas de trabajo abusivas o hiperagresivas bajo la excusa de la alta exigencia. Parece ser que grandes figuras del sector culinario han optado por devolver sus estrellas o cerrar sus negocios para priorizar su salud mental y recuperar la libertad en la cocina. Por otro lado, algo que se describe en la película puede haber incluso una falta de libertad culinaria y que , al final, cocines lo que otros quieren valorar pero no con lo que tú te sientas cómodo. 

Por otro lado, y para ir terminando hay que reconocer que por cada estrella, un comensal de mediana capacidad económica se retire del local pue muchas personas no pueden permitirselo, o , al menos, piensa que esta experiencia gastronómica no es para ellos. Además la estrellita, el sol o lo que sea puede desgraciadamente aumentar los costes o, incluso, dispararlos. Lo que si está claro es que mantener los estándares exige vajillas de diseño, un ratio de personal altísimo (a veces hay más cocineros y camareros que mesas), ingredientes de lujo y reformas constantes. Esto reduce excesivamente el margen de beneficio. Se suma a esto una especia de inflación colateral, ya que al ganar la distinción, los proveedores suelen subir los precios de la materia prima y los propietarios de los locales tienden a incrementar los alquileres, asumiendo que el restaurante ahora genera fortunas así que se despide la clientela habitual, y puede llegar el momento del engolamiento ante algo que no deja de ser subjetivo, incomprensible y todo ello adornado por una tradición o una historia como la gastronómica que pudo ser pero que , seguro, fue diferente. 

Uno de cualquier manera puede y debe disfrutar de todo lo que un buen restaurante le presente. Es una experiencia, por lo general, cara, con maridaje de vino, carísima, - al menos eso me parece- , pero que hay que disfrutarla , en la misma medida que yo disfrutaba del bacalao de mi abuela, de los boquerones en vinagre que ella hacía y que estuve años sin probar cuando ella murió, o de lo mucho y bien que cocinaba mi otra abuela, pues todavía no he encontrado a nadie que repita sus tortitas de garbanzos o sus riñones al Jérez. !!!Puro delicatessen!!!    

El secreto de Marrowbone

Desconocía la existencia de esta película dirigida por un español Sergio Gutiérrez Sánchez en el año 2017 que fue estrenada y que fue una de las películas españolas más taquilleras del año 2017 con más de siete millones de euros recaudados. 

Se trata de un thriller de terror escrito y dirigido por el mismo director con el que debutó como director de largometrajes. Tenía una larga trayectoria como guionista de películas entre ellas Palmeras en la nieve o lo imposible y Sergio Gutiérrez Sánchez ganó el Goya al mejor guión original en el año 2007 por el orfanato dirigida por José Antonio Bayona y que de alguna manera se remite por momentos también la película. Precisamente José Antonio Bayona ejerce aquí el papel de productor de la película implicando también a Telecinco, junto a Starz Entertainent. 

La película se desarrolla en la costa este de los Estados Unidos. En 1968, una señora, Rose Fairbairn lleva a sus cuatro hijos: Jack, Jane, Billy y Coco desde Inglaterra hasta su hogar de la infancia, la Residencia Marrowbone, en una zona rural de Maine. 

Nada m,ás llegar a la casa familiar, que ella recordaba en mejores condiciones, marca una línea en el suelo y les dice que a partir de entonces usarán el apellido "Marrowbone", su apellido de soltera. 

La familia vive en una armonía y solidaridad ante el pasado que desconocemos y siempre están juntos. Un día mientras se dirigen a la playa topan con una chica local llamada Allie, que vive en una mansión cercana, pero alejada en el espacio y se hace amiga de ellos. 

Sin embargo, la salud de la madre, Rose,  empeora y muere, dejando a Jack, el mayor, a cargo de sus hermanos. 

Antes de morir, Rose hace que Jack le prometa que se mantendrán juntos y que ocultarán la noticia de su muerte hasta que él pueda convertirse en su tutor legal cuando cumpla los 21 años. Todavía les queda un tiempo para ello. 

Poco después, un hombre aparece en la propiedad y dispara contra la ventana, no sabemos quien es, pero se puede suponer que es de la persona que huye: su padre. 

Seis meses después, los hermanos aún viven en la casa, con los espejos cubiertos para protegerse de un "fantasma" en el desván del que el pequeño Billy es especialmente temeroso.

Un día, Jack va al pueblo para conseguir lo necesario y corteja a Allie, quien trabaja en la biblioteca, mientras oculta su pasado. Tom Porter, un joven abogado del pueblo que administra la herencia de los Marrowbone, está enamorado de Allie, pero no es correspondido. Tom que encuentra a Jack en la biblioteca que regenta Allie le dice a Jack que recogerá el pago y la firma de Rose para finalizar la transferencia de la propiedad. 

Desesperados por dinero y temiendo que Tom descubra la muerte de su madre, los hermanos deciden usar la caja con el dinero de su padre y falsificar la firma de Rose en los documentos. 

Tras varios incidentes, comienzan a creer que el "fantasma" del padre ha regresado, y eso que fue encerrado en el ático y dejado para morir de hambre después de encontrarlos. 

Mientras tanto, Tom intenta convencer a Allie de irse a Nueva York con él, donde empezará a trabajar en una gran firma de abogados, pero Allie rechaza sus avances. 

Antes de irse, él le entrega información sobre el pasado de la familia Marrowbone. Allie descubre que su padre, Simon Fairbairn, era un asesino en serie , que abusó de su hija y que fue condenado y posteriormente escapó de la cárcel. 

Mientras tanto, Jane está convencida de que Simon sigue vivo. Tom se entera de que su nuevo empleador ya no busca un empleado, sino un socio. Le ofrecen una participación en la firma, algo que no puede pagar. Tom cree que los hermanos Marrowbone tienen más dinero, así que chantajea a Jack. 

Billy confronta a Jack por lo de Simon y le insta a que aborden el asunto juntos, pero Jack sufre una convulsión. Jane decide que deben contarle la verdad a Allie. 

Los hermanos organizan un encuentro con Allie en el lugar apartado donde se conocieron por primera vez, pero Allie solo encuentra el diario de ellos. Lo lee y descubre que Simon encontró la casa hace seis meses, y que Jack encerró a sus hermanos en el ático para mantenerlos a salvo. Jack intentó devolverle la caja de dinero a Simon, quien lo llevó al lugar apartado, pero allí su padre lo arrojó por un acantilado y lo dejó inconsciente. Cuando Jack recuperó el conocimiento, regresó a la casa solo para descubrir que Simon había asesinado a sus hermanos. 

Tras tapiar el ático con ladrillos, Jack, devastado, se preparó para suicidarse, pero desarrolló múltiples personalidades de sus hermanos para convencerse de que aún estaban vivos, cubriendo todos los espejos de la casa para no recordar que estaba solo y evitando subir al ático por la misma razón. 

Mientras tanto, Tom llega a la casa y descubre la entrada al ático tapiada, convencido de que el dinero está escondido allí. Derriba la pared, pero Simon lo ataca. Allie va a la casa Marrowbone y encuentra a Jack discutiendo con las personalidades de sus hermanos. Ella intenta hacerlo reaccionar, pero él la rechaza, incapaz de aceptar la muerte de sus hermanos. Al ver las pertenencias de Tom, Allie sube al ático y encuentra los cadáveres momificados de los hermanos de Jack, junto a Tom, que agoniza. 

Simon la ataca mientras ella llama a las personalidades alternativas de Jack para pedir ayuda. Finalmente, Jack permite que "Billy" tome el control y mata a Simon. 

Tiempo después, Allie cuida de Jack tras su salida del hospital psiquiátrico. Ella ignora la recomendación del médico de asegurarse de que Jack tome su medicación, sabiendo que Jack es más feliz cuando cree que sus hermanos siguen vivos y bien.

Rodaba en inglés este cuento gótico con inquietante caserón espejo cubiertos y fantasmas esta protagonizada por George McKay, protagonista de la película 1917, Anya Taylor Joy, que se dará a conocer por gambito de gama, Charlie Heaton, una de las caras más reprensibles de strangers things, Mia Goth, coprotagonista en Emma precisamente con Anya, y pequeño Matthew Stagg.

Esta película estuvo nominada al Goya a lo mejor dirección Nobel en el año 2018. Se proyectó en la sección de presentaciones especiales en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2017. La película fue estrenada en España el 27 de octubre de 2017 por Universal Pictures. Fuera del país fue comercializada bajo el título de Marrowbone.. 

La película ha recibido críticas mixtas, algunas malas y otros, bastantes,  positivas. Al ser una película española comenzara con la crítica de nuestro país. Jordi Costa, habitual columnista de El País , escribió - parece ser que en la revista Fotogramas-  que la película «tiene energía, solvencia técnica y rasgos de originalidad, pero también sus problemas (...); se requiere al espectador tener una excesiva manga ancha en cuestiones de punto de vista (...)». 

Carlos Boyero en El País crítica no vio gran cosa positiva y señaló "Aquí solo percibo monotonía narrativa, un esforzado intento con resultado vano de transmitir emoción, lirismo y miedo." y añadió que "Tiene energía, solvencia técnica y rasgos de originalidad, pero también sus problemas (...) se exige al espectador tener una excesiva manga ancha en cuestiones de punto de vista (…)  

Luis Martínez de El Mundo escribió que "Construida sobre una intuición. Y con ella, vibra. (...) una sabia y elaboradísima película (...) es una cinta virtuosa y hasta feliz (...)" 

El habitual de ABC, Oti Rodríguez Marchante nos dijo que "Tanto sorprende «El secreto de Marrowbone» por su potencia visual y su preciso mecanismo, como, también, por su falta de pegada emocional (...) y por su innecesaria caída en ciertos clichés de género (…) " 

Beatriz Martínez de El Periódico afirmó que "El director sabe cómo manejar el choque entre realidad y fantasía, pero cae en la trampa del efectismo (…) " 

Carlos Loureda de Fotogramas señaló que "Es una historia con pegada, con mucho empaque visual y que coquetea con el terror psicológico y con los dramas familiares y psiquiátricos" 

Janire Zurbano de Cinemanía aseveró que "Intenta abarcar tantos géneros (terror, drama, amor, thriller), giros de guion y subtramas, que termina siendo asfixiada por esa ambición. (…)" 

Para Fausto Fernández, con el que discrepo en esta ocasión,  " Su director se enfada mucho cuando le comentan que El secreto de Marrowbone es A las nueve cada noche de Jack Clayton con faltas de ortografía, pero es que es así. Calificando la película como gótico artrítico opinando que la película se quedaba en un quiero y no puedo ser con innecesarios giros, concluyendo con un "Puro aburrimiento".  

En los Estados Unidos John DeFore, de The Hollywood Reporter, dijo que «presenta algo conocido y profundamente satisfactorio (...) Es lo suficientemente aterradora como para agradar a los fanáticos del género».

Matt Fowler de IGN escribió que "Aunque titubea constantemente, no sabe qué tipo de historia quiere contar (...) 'Marrowbone' es irrisoriamente manipuladora" 

Tina Hassannia para la web de rogerebert.com destaca "La elaboración tiene elementos satisfactorios, pero es algo irrelevante en una película tan mala." 

Jessica Kiang de The Playlist enaltece que siendo "Una historia de fantasmas con buen aspecto pero tonta y sobrecargada (...) No es buena" 

Greg Cwik de Slant consideró que la película es "Un batiburrillo poco memorable de elementos trillados (...) Cada giro de 'Marrowbone' parece existir sólo para mover hacia delante una trama enrevesada (...) 

En Gran Bretaña  Tim Grierson de Screendaily dijo de ella que "No le falta ambición ni elegancia visual (...) Es bastante frustrante, arruinada por un estilo narrativo con adornos y cuyos giros sólo engendran más giros" 

Por su parte Dan Jolin de Empire comentó que "Si has visto 'El orfanato' todo te parecerá muy familiar (...) Un thriller de terror más sólido que espectacular (...)".

Indudablemente Marrowbone no es una obra maestra contemporánea del de suspense y , si bien es cierto, que trasciende las fronteras del terror convencional para convertirse en un desgarrador y lírico poema sobre el amor fraternal y la supervivencia, lo cierto es que presenta algunos peros, como ese aire al "Orfanato" ya comentado . Dirigida por Sergio G. Sánchez, la película destaca como un ejercicio cinematográfico impecable, elegante y profundamente conmovedor que atrapa al espectador no a través de sustos fáciles, sino mediante una atmósfera absorbente y una narrativa de una sensibilidad extraordinaria. Hay que reconocer el papel de la dirección artística y la atmósfera que se crea. La puesta en escena es de una belleza gótica sobrecogedora. 

La fotografía utiliza la luz natural y las sombras para crear un entorno que se siente vivo, donde la vieja casona familiar se convierte en un refugio sagrado y, a la vez, en el reflejo de los traumas ocultos de sus habitantes. 

El elenco joven, encabezado por George MacKay, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton y Mia Goth, actúa muy convincentemente creando unos personajes llenos de vulnerabilidad, fuerza y una química colectiva tan auténtica que el espectador se convierte instantáneamente en un guardián de su secreto al intuir lo que está pasando. 

La narrativa teje con absoluta maestría el drama familiar con el thriller psicológico. Cada pista está colocada con delicadeza, culminando en un giro argumental revelador en el último tercio de la película que la resignifica y eleva el relato a una metáfora inolvidable sobre el duelo, la madurez forzada y los sacrificios de la mente para proteger a quienes ama. 

La banda sonora es evocadora y decadente obra de Fernando Velázquez que actúa como parte del filme, guiando las emociones desde la melancolía más pura hasta la tensión más vibrante, consolidando el tono de fábula oscura e íntima. 

En última instancia, Marrowbone no es solo una historia de fantasmas; es un homenaje definitivo a la resiliencia humana y al lazo inquebrantable de la hermandad. Es una película valiente que demuestra que, incluso ante la oscuridad más densa y los monstruos más reales del pasado, la pureza del amor y la promesa de proteger a los tuyos puede construir un refugio eterno contra el dolor del mundo. Esa última imagen en las que todos retornan es , simplemente, emocionante y necesaria. Un momento a la fraternidad, nunca mejor dicho.

Emma de Jane Austin

En el año 2020 la directora Autumn de Wilde que debutaba en el cine con esta película británica y con un guión escrito con total sensibilidad por Elenanor Catton partiendo de la obra inmortal de Jane Austen, y contando como productores con Tim Beban, Eric Fellner, Graham Broadbent y Peter Czernin por medio de Perfect World Pictures, Working Title Films y Blueprint Pictures, que invirtieron en ella casi 10 000 000 se lanzaron a rodar Enma, la popular comedia de la escritora británica sobre cómo encontrar a tu medio naranja y conseguir un final de feliz que se refiere en esta novedosa adaptación de Emma. 

Para ello contaron con el buen trabajo de Anya Taylor-Joy como Emma Woodhouse, Bill Nighy como Mr. Woodhouse el de Johnny Flynn como como George Knightley, Mia Goth como Harriet Smith, John O Connor como como Mr. Elton, Callum Turner como Frank Churchhill  y Miranda Hartcomo Miss Bates. 

El rodaje comenzó el 18 de marzo de 2019 y la película fue estrenada en Estados Unidos el 21 de febrero de 2020 y en el Reino Unido el 14 de febrero de 2020, a través de Focus Features. 

La película contó con la música de Isobel Waller-Bridge, la fotografía Christopher Blauvelt y el montaje de Nick Emerson. 

Desde el principio conocemos a Emma (Anya Taylor-Joy) , la segunda hija de Mr. Henry Woodhouse (Bill Nighyy) su difunta esposa. 

Ema es descrita como «bella, inteligente, joven pero también mimada y "rica», siendo ese motivo principal por el que no quiere casarse. Su hermana mayor, Isabella, está casada con el señor John Knightley. 

Emma lleva una muy buena relación con su antigua institutriz, la señora Weston (antes señorita Taylor), a la que conocemos al inicio de la película y vemos como se casa, pasando desde ese momento a ser su mejor amiga Harriet Smith. 

Emma vive junto a su padre en su hogar de Hartfield, en Inglaterra, cerca de Highbury. Le gusta actuar como casamentera, no está interesada en el matrimonio, no tiene necesidades económicas debido a su herencia, y no tiene deseos de dejar a su padre solo después del matrimonio de su hermana. Sin embargo, acaba enamorándose del cuñado de su hermana. Emma permanece inmune a la atracción romántica y el deseo sexual. Se divierte con el emparejamiento y se entromete en la vida romántica de sus seres más cercanos en este momento de la Inglaterra de la Regencia. 

La adinerada y hermosa Emma Woodhouse, de veinte años, vive con su padre viudo en su finca de Hartfield, en el pueblo de Highbury, en Surrey. Allí reciben las continuas visitas de George Knightley , amigo íntimo de la familia y propietario de la cercana Abadía de Donwell, es un visitante frecuente de Hartfield. 

George es hermano de John Knightley, esposo de Isabella, hermana de Emma, ​​quien reside en Londres. Emma se enorgullece de su talento para encontrar pareja y logra concertar con éxito el matrimonio de su antigua institutriz, la señorita Taylor, con el señor Weston. 

Una vez sin su antigua institutriz se hace amiga de Harriet Smith, una joven ingenua de origen incierto que reside en un internado para niñas de la localidad, y la convence de rechazar la propuesta de matrimonio de un respetable granjero, Robert Martin, y de recomendarle al vicario local, el señor Elton. 

George Knightley expresa en privado su desaprobación, diciéndole a Emma que está animando a Harriet a aspirar a un hombre que jamás podrá aceptarla. 

En una fría noche de Navidad, y de regreso a casa después de una cena, Emma se encuentra sola en un carruaje con el Sr. Elton. Para su sorpresa, este le propone matrimonio, lo que la lleva a un incómodo rechazo. Solo entonces descubre que lo que había confundido con afecto hacia Harriet era simplemente el intento del Sr. Elton de cortejarla. 

El Sr. Elton abandona la zona y regresa seis semanas después con una nueva esposa, la pretenciosa Augusta. 

Llegan a Highbury dos visitantes largamente esperados: Jane Fairfax, la sobrina de la señorita Bates , una amiga de la familia, refinada pero de bajos recursos, conocida por su incesante charlatanería; y el encantador Frank Churchill, quien, siempre a la orden de su adinerada tía, ha tenido pocas oportunidades de visitarla. Emma se siente intrigada por Frank y envidia el talento , especialmente su dulce belleza y su don musical, de Jane. 

La llegada de Frank motiva a los Weston a celebrar un baile , en el que el Sr. Elton desaira groseramente a Harriet. George Knightley la rescata y la invita a bailar. Emma y Knightley también bailan juntos, lo que despierta sentimientos románticos entre ellos. 

Durante un picnic en Box Hill , Frank anima a la compañía a jugar a un juego ligero, y Emma, ​​en un momento de humor irreflexivo, insulta a la señorita Bates, causándole una gran angustia. 

Knightley reprende en privado a Emma por su crueldad, lo que la lleva a reflexionar sobre su comportamiento. Se disculpa con la señorita Bates, quien la perdona. Harriet le confiesa a Emma que ha encontrado el amor de nuevo; no menciona al hombre, pero Emma supone que se refiere a Frank Churchill. 

La repentina muerte de la tía de Frank revela que Frank y Jane Fairfax se habían comprometido en secreto, un compromiso que le habían estado ocultando. Emma intenta contárselo con delicadeza a Harriet, pero esta le revela que es George Knightley, no Frank, a quien Harriet ama. Según Harriet, su amor es correspondido.

Knightley se encuentra con Emma mientras pasea. Está decidido a declararle su amor, pero Emma lo detiene, creyendo que ha venido a confesarle su amor por Harriet. Emma queda tan conmocionada al darse cuenta de lo que dice Knightley que le sangra la nariz. Acepta su mano con alegría. 

Emma visita al Sr. Martin para reconciliarse y le ofrece, además de un ganso, un retrato de Harriet que ella misma dibujó. El Sr. Martin renueva su oferta de matrimonio, y esta vez Harriet acepta. 

Por último, vemos como Harriet y Robert Martin se casan, seguidos por Emma y George Knightley. 

La película comenzó su desarrollo en octubre de 2018, cuando Taylor-Joy fue elegida para el papel principal. El resto de los papeles secundarios se seleccionaron en marzo de 2019. El rodaje tuvo lugar en Firle Place en Sussex se usó para el exterior de la casa de Emma. Otras ubicaciones incluyeron Lower Slaughter (exteriores) en los Cotswolds que representaba al pueblo de Highbury, Kingston Bagpuize House en Oxfordshire, Wilton House cerca de Salisbury en Wiltshire y Chavenage House en Beverston , Gloucestershire . 

En la película la música juega un papel esencial. Está presente, especialmente durante los paseos de los protagonistas, en algunas fiestas y en encuentros. En la película, Jane Fairfax (interpretada por Amber Anderson) eclipsa a Emma al interpretar el tercer movimiento de la Sonata para piano n.º 12 de Mozart en el fortepiano . Anderson, pianista de profesión, tuvo que reaprender la pieza para adaptar su técnica a las tonalidades más cortas del instrumento de época. 

La secuencia de créditos incluye "Queen Bee" , una canción original de Johnny Flynn. Isobel Waller-Bridge le pidió a Flynn que escribiera una canción para la película. Él escribió "Queen Bee" para transmitir la perspectiva de Knightley sobre Emma, y la interpretó con un estilo apropiado para la época de la película. La banda sonora incluye numerosas grabaciones a capela de canciones folclóricas de artistas como Maddy Prior y The Watersons . 

La debutante directora, De Wilde concibió inmediatamente la música de la película como una obra de raíz folclórica. También quería que la banda sonora orquestal emulara Pedro y el lobo de Sergei Prokófiev , donde cada personaje tenía un tema que lo personificaba. A mi me ha ido sonando principalmente a música irlandesa. 

Anya Taylor-Joy, Anderson y Flynn cantan en pantalla en la película. Taylor-Joy se esmeró en explicar que su interpretación de La última rosa del verano utilizó un estilo afectado que imaginó que Emma Woodhouse usaría para cautivar a su público. Anderson y Flynn cantan un dueto de Drink to me Only With Thine Eyes escrita por Ben Jonson en la película durante una escena de baile. El adagio del movimiento final de la Sinfonía n.º 45 en fa sostenido menor de Haydn , Farewell , también se escucha en la película. 

Esta multipremiada película tuvo reconocimiento del público alcanzando una recaudación de unos US$26 404 660, pero también de los reconocimientos en premios y de la crítica. En los reconocmientos destacan las nominaciones en la 93 Edición de los Oscar (2021) tanto al Mejor vestuario (Alexandra Byrne) y a la Mejor maquillaje y peluquería (Marese Langan).

En los 78ª Globos de Oro (2021) la nominación fue pàra Emmma como Mejor actriz principal - Comedia o musical (Anya Taylor-Joy); y en los BAFTA 2021la nominación fue al mejor diseño de vestuario (Alexandra Byrne). 

En los 26 Critics Choice Awards las nominaciones se centraron en la Mejor dirección artística (Kave Quinn, Stella Fox), Mejor vestuario y Mejor maquillaje y peluquería. La Asociación de Críticos de Chicago la nominó a la Mejor dirección artística, ganando en Mejor vestuario; por su parte la de Boston nominó la película a la Mejor dirección novel (Autumn de Wilde). 

En los 25 Satellite Awards (International Press Academy) las nominaciones fueron a la Mejor actriz principal - Comedia o Musical (Anya Taylor-Joy) y Mejor vestuario. 

En cuanto a la crítica la opinión mayoritaria fue muy positiva. En el Reino Unido Tim Grierson de Screendaily defendió que "Esta Emma lucha por ser más que solo una reproducción de la historia de Austen (...) Permanece en la superficie y no consigue captar el dolor -o el placer- del romance, con tanta fuerza como podría".

En Radio Times Flora Carr comentó que "Al fin obtenemos una Emma que los lectores de Austen reconocerán (...) Los espectadores verán la Emma de Taylor-Joy como algo a superar (...) "

Anna Smith de Time Out  no tan contento como los anteriores afirmó que "Flaquea en términos de ritmo y estructura (...) La mejor parte es el ingenio que exuda el texto de Austen (...) " 

Tim Robey del Telegraph describió la película de la siguente manera: "Tiene más estilo que sensibilidad (...) Habría ayudado que los toques cómicos (...) no se presentaran de forma tan afectada (...) " 

Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian la describe como una película "Agradable, genial e interesante de forma modesta (...) " 

Lewis Knight del Mirror dijo de ella que seb trataba de "Una adaptación encantadora, entretenida y hermosa del clásico de Jane Austen, con un tono extravagante que añade frescura (...) " 

Por último,  Kevin Maher de The Times dijo de ella que "El personaje de Austen es la heroína perfecta para la era de Instagram (...) " 

En los Estados Unidos , or ejemplo, Andrew Barker habitual en Variety d escribió sobre ella que "Una versión atractiva, inteligente y fiel, sin pretensiones (...) Como siempre, una adaptación de Austen vive o muere por la idoneidad de su pareja principal y Taylor-Joy y Flynn tienen una química aceptablemente encantadora " 

Caryn James en las páginas de The Hollywood Reporter señaló que se trataba de"Una adaptación sencilla y fiel en su mayor parte, con una hermosa puesta en escena y vivas interpretaciones (...) Ofrece los encantos de un escapismo tan familiar como bienvenido en estos tiempos difíciles" 

David Ehrlich de IndieWire comentó que "La adaptación de Jane Austen más elegante jamás hecha (...) Los actores hacen que sea divertido ver a los personajes determinar y reivindicar su verdadero valor" 

Robert Abele en The Wrap "Tras los suntuosos exteriores ingleses y el brillo de la comedia romántica, hay toques sutiles y exquisitas interpretaciones (...) una mezcla muy satisfactoria de malentendidos y líos románticos" 

Manohla Dargis del The New York Times "Las primeras escenas son poco prometedoras (...) Cuando los planes de Emma empiezan a salir mal, las intervenciones de los creadores empiezan a ser menos forzadas, más orgánicas" 

Matt Goldberg Collider "Es difícil lograr que una historia tan antigua y tan adaptada tenga frescura, pero de Wilde lo consigue con su ojo para los detalles y su exquisita dirección. Rara vez una obra de época ha sido tan deliciosa." 

Gavia Baker-Whitelaw del The Daily Dot comentó que "Taylor-Joy ofrece un tono cómico perfecto en esta típica adaptación de la icónica novela de Jane Austen (…) " 

Leah Greenblatt Entertainment Weekly "La frescura proviene, principalmente, de la energía narrativa de de Wilde y de la vitalidad de su joven reparto" Estados Unidos Vulture Alison Willmore Vulture "En el peor de los casos, es como ver una película antigua en la que la audiencia se ríe con todo lo que está anticuado. En el mejor, es efervescente" 

Ya en España  Elsa Fernández-Santos de El País sostuvo que "Es una de esas delicias donde todo se saborea como si fuese la primera vez. (...) Anya Taylor-Joy brilla en la piel del más vanidoso e irresistible personaje de Jane Austen" 

Nando Salvá de El Periódico escribió sobre la película que "El filme captura con eficacia razonable la singular habilidad de Austen para combinar el romance genuino con la sátira (…) " 

Toni Vall de Cinemanía la describió como "Los avatares de (...) Emma (...) lucen en pantalla con gran expresividad y más que notable personalidad narrativa (...) Una película que palpita. ¡Qué alegría! Un clásico visitado con mirada propia (…) " 

En  Fotogramas Beatriz Martínez dice de ella que es "Sorprendente y casi osado que (...) se limite a ser fiel al original. (...) La directora se muestra especialmente interesada en la pintura minuciosa de ambientes a través del puntillismo y la puesta en escena suntuosa (…)

Al final lo que tenemos es una delicada y magnífica película británico hecha con sumo gusto; una maravilla desde el punto de visual, bien rodada, con una música que acompaña en todo momento, con un vestuario y peinados digna de la monarquía británica del XVIII y XIX, con una sabia dirección por parte de su directora, acompaña en lo técnico por su insuperable equipo; una obra visual de alto alcance , con una gran puesta en escena, que además está magníficamente interpretado por una actrices y actores salidos de los lienzos de la pintura británica del periodo de Regencia. Una gran película. 

Amsterdam

Hubo una vez en la Historia de los Estados Unidos en la que su régimen democrático estuvo en peligro. Este hecho conocido como Business Plot es la guiño que sirve de base argumental para la historia que David O. Russell nos cuenta en la película Amsterdam, una película del año 2022 y que contó con toda un firmamento de estrellas que se sumó a la misma. 

La conspiración de la que hace referencia la trama de la película se basa libremente en la llamada "Business Plot" una supuesta conspiración para derrocar al presidente Franklin D. Roosevelt en 1933. El personaje de De Niro, Gil Dillenbeck, se basa en el general Smedley Butler, quien testificó ante el Comité McCormack-Dickstein en 1934 sobre la supuesta conspiración.

La mayoría de los demás detalles de la conspiración representada en la película, incluido el Comité de los Cinco, sus conexiones con el nazismo y los nombres de la mayoría de las personas involucradas, son ficticios. 

La manifestación que ocurre al final de la película puede haberse inspirado en el documental de 2017 Una noche en el jardín, que describe una manifestación nazi de 1939 en el Madison Square Garden. Aunque el trío principal de personajes de Ámsterdam es ficticio, la película describe con precisión aspectos del 369.º Regimiento de Infantería, que luchó en Francia en la Primera Guerra Mundial y estaba formado por afroamericanos que servían bajo el mando de oficiales en su mayoría blancos. La película también refleja la Marcha Bonus de 1932 como un importante evento de fondo, y el discurso de Dillenbeck en el evento se basa en un discurso similar pronunciado por Butle.

Se trataba de un gran producción la que había de enfrentarse a esta historia. En ella se implicaron en la producción Arnon Milchan, Matthew Budman, Anthony Katagas , David O. Russell - por aquí han pasado algunos de sus títulos como El luchador, o La gran estafa americana- y Christian Bale respaldadas por las productoras Regency Enterprises, New Regency, DreamCrew Entertainment, Keep Your Head Productions y Corazon Camera. 

Entre las estrellas se encontraban Christian Bale, Margot Robbie, y John David Washington en los tres papeles principales pero a los que se suman Chris Rock, Anya Taylor-Joy, Zoe Saldaña, Mike Myers, Michael Shannon, Timothy Olyphant, Andrea Riseborough, Matthias Schoenaerts, Alessandro Nivola, Rami Malek, Robert De Niro ... hasta Taylor Swift. Y contra lo que podía esperarse la película se convirtió en un sonoro fracaso que generó perdidas por encima de los 100 millones de dólares. ¿Qué falló en ella? Pudo ser el momento de su lanzamiento o el tono de la misma, pero es inexplicable pues es una buena historia que contar.  

La historia parte de su presente, años treinta, y nos presenta a un veterano médico, Burt Berendsen (Christian Bale) , que ejerce su actividad profesional, principalmente, con lisiados y afectados de la Gran Guerra. Lo hace de manera casi fuera de la legalidad , pues emplea terapias dudosamente legales o abiertamente ilegales en las que las drogas forman parte de la misma.

Nos enteramos que ha perdido un ojo, lleva uno de cristal, y que lleva un corsé producto de las heridas infringidas mientras participó, muy a su pesar, en el frente franco-belga. Nos enteramos que en 1918, Burt Berendsen fue enviado por los suegros de su ex esposa a luchar en la Primera Guerra Mundial. 

Mientras estaba destinado en Francia, Burt es enviado a una compañía de soldados negros a los que no se les permite ni tan siquiera vestirse con el uniforme del ejército estadounidense, sino el francés. El regimiento está al mando del comandante Bill Meekins (Ed Begley Jr ), un senador que ve en el médico un nexo blanco para unir ese regimiento. Entre los soldados de color y el médico surgen una fidelidad que , en el presente, se mantiene.

De entre ese regimiento de color el doctor hace amistad con el soldado afroamericano Harold Woodman (John David Washington ), al igual que otros como Milton King (Chris Rock) . 

Después de sufrir ambos heridas en la batalla, Burt y Harold son cuidados por Valerie Bandenberg (Margot Robbie ), una enfermera bella y excéntrica que hace arte con metralla extraída de los soldados, con quienes también se hacen amigos. 

Después del final de la guerra, los tres viven juntos en Amsterdam y se hacen amigos íntimos. Ella además les abre las puertas a otros singulares personajes como los integrantes del servicio secreto británico y estadonidense - Henry Norcross (Michael Shannon) y Paul Canterbury ( Mike Myers) - que les une más su interés por la ornitología más que por el trabajo. 

El tiempo pasa dulcemente en Amsterdam hasta que Burt regresa a la ciudad de Nueva York para volver con su esposa Beatrice Vandenheuvel (Andrea Riseborough). Es significativo que Burt marchó a la guerra por la presión que sobre su hija ejercían sus padres Augustus (Casey Biggs) y Alvelia Vandenheuvel (Dey Young). 

Por su parte, Harold, que ha permanecido en Holanda, se ha enamorado de Valerie y comienza a tener  una relación romántica con ella. Pero Valerie abandona a Harold, por lo que regresa a Nueva York. 

Quince años después, Burt abrió su consultorio médico atendiendo a los veteranos de la guerra y sigue siendo amigo de Harold, quien ahora es abogado. Sin embargo, no han sabido nada de Valerie desde que abandonaron Ámsterdam. 

Un día de repente Harold se persona en la clínica y le pide a Burt que realice una autopsia a Bill Meekins que acabada de llegar de Roma para una convención organizada por los veteranos de su regimiento. Harold informa que han de realizar esa autopsia a instancias de Elizabeth (Taylor Swift) , la hija de Meekins, quien cree que fue asesinado durante su reciente viaje a Europa. 

Burt rechaza realizar la autopsia pero pide ayuda a una médica forense amiga, con la que mantiene una relación, Irma St. Clair ( Zoé Saldaña). La autopsia revela una cantidad considerable de veneno en el estómago de Meekins; Burt e Irma teorizan que esta debe haber sido la causa de su muerte. 

Burt y Harold que había  concertado una cita con la chica en un restaurante va a reunirse con Elizabeth para hablar sobre los resultados de la autopsia, aunque ella, que ha salido unos minutos antes,  muere atropellada repentinamente cuando alguien, posiblemente, un sicario, la empuja hacia el tráfico y es arrollada por un camión. 

El sicario, ante otros testigos no oculares,  incrimina a Burt y Harold por su muerte. Lo cierto que la extraña conjunción de un blanco con ojo de cristal y un negro que dice ser abogado puede resultar difícil de creer y ambos huyen cuando llega la policía. 

Burt y Harold intentan descubrir quién le dijo a Elizabeth que los contratara para limpiar sus nombres. Esto los lleva al rico heredero textil, Tom Voze (Rami Malik) , su condescendiente esposa Libby  (Anya Taylor-Joy ) y la hermana de Tom, Valerie, (cuyo verdadero apellido es Voze) que no deja de ser para sorpresa de ambos, sino la Valerie Bandeberg que ambos conocieron en Francia y convivieron en Holanda. Se enteran de que Valerie fue quien convenció a Elizabeth para que los contratara, sabiendo que eran dignos de confianza. Valerie está bajo constante supervisión de Tom y Libby, quienes afirman que sufre de una enfermedad nerviosa y epilepsia. 

Burt y Harold hablan con Tom, y éste le sugiere que hablen con el general Gil Dillenbeck (Robert de Niro) , un veterano famoso y condecorado que era amigo de Meekins, para saber quién acompañó a Meekins en el viaje (y podría haberlo envenenado o poder guiarlos hasta la persona quién lo hizo. 

Mientras Burt intenta comunicarse con el general, Irma lo visita en su consultorio médico, al que también han llegado los dos policías que están atendiendo el asesinato de los Meekins -el Detective Hiltz ( Alessandro Nivola) , otro veterano de la Gran guerra que respeta a Burt , y su compañero el Detective Gem Getweller  (Matthias Schoenaerts) -  y revela que fue atacada y le rompieron la muñeca mientras intentaba llevarle el informe de la autopsia y el atacante le quitó el papel. Tras eso, ambos se sientan cuando de repente 

Después de restablecerle la muñeca, Burt e Irma se besan cuando de repente aparece Beatrice Vandenheuvel, la mujer de Burt, que le pega una torta a su esposo. 

Mientras tanto, Harold y Valerie pasan el día en su casa, donde notan que el asesino a sueldo, Tarim Milfax (Timothy Olyphant) , ha estado vigilando la casa. Lo siguen hasta una clínica de esterilización forzada propiedad de una misteriosa organización conocida como el "Comité de los Cinco". Es el cinco una cifra y un símbolo que han ido apareciendo en varios momentos. 

Después de una pelea con Milfax, Harold y Valerie se reencuentran con Burt. Valerie los lleva al Waldorf Astoria de Nueva York, donde conocen a Paul Canterbury y Henry Norcross, los benefactores de Valerie de Ámsterdam que son espías secretos en la comunidad de inteligencia. Paul y Henry explican que el Comité de los Cinco es una camarilla estadounidense con vínculos con Alemania que planea derrocar al gobierno estadounidense y que Dillenbeck puede ayudar a frustrar su complot. 

El trío marcha a la mansión del ex militar y, en principio , no es bien recibido por su mujer (Beth Grant), aunque luego tras la entrega de algunas fotos da permiso para reunirse con el general Dillenbeck, a quien un hombre, que lleva varios días intentando hablar con él, le ofrece una gran suma de dinero en nombre de un benefactor anónimo para pronunciar un discurso en el que aboga por que los veteranos destituyan por la fuerza al presidente estadounidense Franklin D. Roosevelt e instalen a Dillenbeck como un dictador títere. 

El general acepta ayudar al trío a frustrar el complot y acepta hablar en una gala de reunión de veteranos que organizan Burt y Harold para descubrir quién está detrás del complot. 

En la gala, el general Dillenbeck es la estrella. Es el reclamo para que personas de la alta sociedad neoyorkina asistan al evento. Todos quieren conocerlo y están fascinados por ellos especialmente Beatrice Vandenheuvel y sus padres. Ella le comenta en un momento dado que , ahora, tras el éxito su padre está dispuesto a rehabilitarlo en el Colegio de Médicos, pero Burt ya se ha dado cuenta de que Beatrice nunca lo ha querido y la rechaza a ella, a su familia y a la rehabilitación. 

Tras algunas actuaciones presentadas por veteranos y por ellos mismos y antes de  leer su discurso tiene un encuentro con los "benefactores" integrantes del "Comité de los Cinco", aunque únicamente están presentes tres, pues otro está en Munich. Son representantes de grandes corporaciones industriales norteamericanas así como de la prensa y que están dispuestos a cambiar el régimen. De todo ello, del encuentro,  hay una grabación realizada por Valerie

Tras esto Dillenbeck "procede a leer su discurso en lugar del que le pagaron por leer. Desde una zona elevada Milfax, el asesino de Meekins, intenta dispararle por hacerlo, pero Harold, Valerie y luego Burt, éste recibiendo una bala en su cuerpo, más bien, en su corsé, logran detenerlo a tiempo. 

Milfax es arrestado y se revela que el Comité de los Cinco está formado por cuatro líderes de la industria, incluido Tom, que conjuntamente con Libby han estado envenenando a Valerie para mantenerla obediente. que está fanáticamente obsesionado con Benito Mussolini y Adolf Hitler, y tiene la intención de convertir a Estados Unidos en un país fascista. 

Tom y los demás líderes son arrestados por la policía, pero no permanecen en prisión por mucho tiempo y calumnian al general Dillenbeck en la prensa después de su liberación. No osbtante, el general Dillenbeck testifica sobre el incidente ante el Congreso y regresa a casa para vivir su vida. 

Por su parte, sabiamente, y conscientes de que ni Tom ni la sociedad norteamericana van a permitir que sigan juntos, Harold y Valerie abandonan el país porque no pueden estar juntos en Estados Unidos. Creen que van a Amsterdam , pero los agentes del servicio secreto les informan que ese lugar dentro de poco tampoco será seguro.

Por último, Burt que ha ido al puerto a despedirse de ellos y planea reabrir su práctica médica y entablar una relación con Irma.

Con  imágenes reales de la declaración ante el comité del Congreso que estudia la denuncia , concluye la película. 

En enero de 2020, New Regency anunció el desarrollo de una película sin título escrita y dirigida por David O. Russell y protagonizada por Christian Bale. meses después se anunció que Margot Robbie y Michael B. Jordan  pero este último abandonó antes de que comenzara la producción debido a conflictos de agenda. Según los informes, Jennifer Lawrence fue considerada para el papel de Robbie, mientras que Jamie Foxx fue considerada para el de Jordan. En octubre de ese, John David Washington fue elegido como reemplazo de Jordan. El resto del elenco se reveló al año siguiente, 2021. 

Originalmente, el rodaje estaba previsto para comenzar en marzo de 2021 en Boston con un presupuesto de 50 millones de dólares, pero se retrasó debido a la pandemia de COVID-19. El rodaje se trasladó a Los Ángeles, y se rodó durante 49 días entre enero y marzo de 2021. 

El traslado de Boston a Los Ángeles y las precauciones de COVID hicieron que el presupuesto final de la película se disparara a 80 millones de dólares. 

Los miembros del equipo incluían al director de fotografía Emmanuel Lubezki (su primer largometraje desde 2015), el editor Jay Cassidy y el compositor Hildur Guðnadóttir, pero finalmente la responsabilidad recayó en Daniel Pemberton. Lo llamativo y a pesar de los técnicos la película fue nominada únicamente en los BAFTA a Mejor diseño de vestuario (J.R. Hawbaker, Albert Wolsky).

Reconozco que la película me ha gustado, pero la crítica fue especialmente dura con el producto final. No oobstante, se cuenta con una mano , casi, las críticas positivas ante la misma. De estas positivas destacas unas cuentas como la de Scott Mendelson de Forbes la describió como una "delicia de estrellas" con "fuertes valores de producción" y un "elenco fantástico que ofrece un trabajo de primer nivel". 

Chris Knight, que escribía para National Post, admiraba el "traqueteo" de la película "ritmo, guión "encantador" y reparto secundario. Brian Truitt de USA Today alabó el elenco, especialmente en la química "que agradó al público" entre Bale, Robbie y Washington. 

Ryan Swen de Slate elogió el sentimiento de la película y la narrativa "rica en detalles" y Oliver Jones de The New York Observer escribió que la película es "bastante extraña y desconcertante, pero si permites que su energía intensa y persistente te invada y te empapes de la alegría y la justa ira que anima su espíritu generoso, el resultado final es decididamente conmovedor y... en algunos puntos, incluso fascinante. 

Frente a ellos, David Rooney de The Hollywood Reporter escribió que Amsterdam es "un montón de películas de manera poco elegante juntas en una sola: una comedia estrafalaria, un thriller policial, un sincero saludo a los pactos de amor y amistad, una lección de historia antifascista con florituras ficticias". Elogió las actuaciones principales, la cinematografía, la producción y el diseño de vestuario, pero consideró que su material se adapta más a una serie limitada que a una película. 

Tim Grierson de Screen International calificó la película como un "asesinato misterioso y recargado" con una historia "intrincada", pero aplaudió algunos aspectos: la "imprevisibilidad" de la trama y el "descaro indulgente" de la película. 

El crítico de Variety, Peter Debruge la calificó de "bellamente filmada" pero "sátira social sobrecargada" con ideas inteligentes mal ejecutadas.

David Ehrlich de IndieWire señaló que era "Una nueva comedia histórica repleta de estrellas, que es divertida en el mejor de los casos, perniciosa en el peor y frenéticamente autoinsistente en su insignificante valor como entretenimiento (...)  

En el Reino Unido, el británico Peter Bradshaw de The Guardian elogió su humor, pero consideró que la historia era "exhaustivamente loca".

Ian Freer de Empire afirmó que Ámsterdam "no llega a ser más que la suma de sus partes ocasionalmente impresionantes". con una historia "agitada", pero calificó la producción y el diseño de vestuario como "impecables". 

Robbie Collin de The Daily Telegraph encontró el diálogo poco impresionante y escribió que el guión de Russell "hace que la historia sea pesada". 

Ya en España la ponen a parir todos o casi todos los críticos. Carlos Boyero  en El País escribe que "Yo no doy crédito a lo que veo y escucho en el agotador metraje de la última tontería que se le ha ocurrido a Russell. El guion juega con variados géneros, pero fracasa en todos ellos. (...) Todo es un disparate." 

Quim Casas en el barcelonés El Periódico comenta que "Russell mueve los hilos de su hiperbólica trama confiando en sus intérpretes, la reconstrucción retro de la época y los vaivenes de un relato que a ratos interesa, en otros desconcierta y en la parte final se acelera (...) " 

En Cinemanía Rubén Romero  sostiene que "Entra por derecho propio en el top ten de películas fallidas. (...) Salta de género sin ton ni son (...) un filme en el que no se sabe si el esperpento es buscado o accidental. (...) " 

Javier Yuste de El Cultural habla de "Película caótica, a veces cursi, 'Ámsterdam' resulta fallida, lastrada por diálogos poco inspirados y ciertas florituras de estilo que aportan poco (especialmente la voz en off de Bale)." 

Oti Rodríguez Marchante del ABC comenta que "Muchas estrellas y muy poco brillo y claridad. Hay para todos, para los que soportan el exceso de ingenio y para los que llevan bien el adoquinazo (...) "

Por último en Fotogramas Antonio Trashorras sostuvo que "Ámsterdam' nos devuelve al Russell de siempre, embriagado de su propio afán de trascendencia multinivel: él no solo quiere transmitir contenidos relevantes sino detonar en el público auténticas epifanías ideológicas (...)"

Yo, por mi parte, tengo que decir que me ha gustado haber visto esta película. Recuerdo que comencé a verla hace meses, pero la dejé, y no tengo claro la razón. Posiblemente fue el caos inicial y ese tono cómico en el que parecía haberse desarrollado el primer crimen, el de Meekins. Sin embargo, una conversación en la cena de fin de año con uno de mis cuñados me abrió nuevamente la posibilidad de  verla y de dedicarle toda mi atención para descubrir una película coral, algo liosa, es cierto, pero que nos acerca a una historia en la que la cuna de la democracia contemporánea estuvo en el punto de mirar del totalitarismo. Pero además esto me ha permitido hacerme una pregunta ¿Estaremos a salvo de los movimientos totalitarios en democracia aparentemente consolidadas?