Doce hombres sin piedad

Por aquí ya pasó la película 12  la versión que hicieron los rusos concretamente en 2007 dirigida por Nikita Mijalkov y basada en el guion para televisión de Reginald Rose, aunque ahora quiero hablar de la película con la que debutó Sydney Lumet. Pocas veces un director pudo empezar una obra tan extensa y con tamta calidad cinematográfica con una película tan determinante. Lumet pertenece a la generación de la televisión junto con Arthur Penn y otros directores norteamericanos como Martín Ritt o Sydney Pollack, que desarrollan su carrera en un medio distinto pero que le va a permitir conseguir películas más rentables coma con mayor carga humana y en un medio de difusión público importante. 

Estamos ante un clásico del cine inspirado en todo un clásico de la televisión porque hubo un tiempo en que estas cosas sucedían. Inolvidable fue igualmente la versión que hizo estudio uno para la televisión española en 1973 con actores de la talla de José Bódalo y otros grandes actores como José Alonso, Pedro Osinaga,Sancho Gracia, Rodero, Alexandre, Jesús Puente, Prendes, Merlo..... Lo que se había iniciado en la televisión regresaba con éxito a la televisión.

El debut en el cine de Lumet fue todo un éxito. El comentó en alguna entrevista que "cuando me ofrecieron hacer doce hombres sin piedad, no me lo pese mucho y dije que sí porque cuando vas a hacer tu primera película no piensas más que en hacerla"   Y añade que " yo conocía a Reginald Rose muy bien y aunque teníamos puntos de vista diferentes , el guion era muy bueno. Fui muy afortunado". 

A esto se suma el apoyo técnico en la fotografía de Boris Kaufman y en la música de Kenyon Hopkins. La segunda fue algo más imperceptible, pero el primero captó los rostors con primeros planos, el ambiente pesado por la humedad de la lluvia que ace en un macilento y tórrido verano, en las ropas sudadas, en la posición de la cámara que, en ocasiones, hace tomas cenitales. . 

En los incipientes años 50 cuando comenzaba la hegemonía de la televisión surgen de ahí directores que son capaces de llevar a la televisión y más tarde la gran pantalla películas en un formato totalmente distinto. Las televisiones no tenían fácil tener a su disposición el catálogo de las películas procedentes de las grandes productoras. Por ello y para satisfacer la demanda de ficción no tuvieron más remedio que producirla el resultado fruto de los escasos medios, bajos presupuestos y premura de tiempo fue una renovación tanto formal como temática fijándose en historias más humanas y menos espectaculares. 

Sidney Lumet recuerda que hizo la película con muy poco dinero y en un breve espacio de tiempo. Se rodó la película en diecinueve días y básicamente por el bajo presupuesto que fue de 349 mil dólares. 

El 20 de septiembre de 1954 y como capítulo primero de la séptima temporada de estudio 1, la CBS  emitió en directo la puesta en escena del guion de Reginald Rose bajo dirección de Franklin Schaffner, junto con un grupo de actores de la talla de Robert Cummins, Frachot Tone  y Edward Arnold entre otros protagonistas de esos 12 hombres que formaban parte de un jurado que había de dictaminar sobre la inocencia o culpabilidad de un acusado de asesinato el éxito fue absoluto. 

El éxito fue tal que la obra fue adaptada al teatro el siguiente año por parte de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) junto con Orion-Nova Productions. Y en mil novecientos cincuenta y siete fue llevado al cine por Lumet con Henry Fonda, también  productor, y un grupo fantástico de actores, todos varones como Martín Balsam, John Fiedler, Lee J. Cobb, E.G. Marshall, Jack Klugan, Edward Binns, Jack Warden, Joseph Sweeney, Ed Begley, George Voskovec y Robert Webber.  

La película es una reflexión sobre la sociedad, el sistema judicial, la pena de muerte y la condición humana por encima de todo. 

La película que se inicia con la llegada a un tribunal de los Estados Unidos de diversas personas comienza cuando los miembros del jurado son combinados por partes del juez y encerrados en una sala para deliberar sobre la inocencia o culpabilidad de un hombre un chico de 18 años acusado de asesinatos. A dónde está de acuerdo en su veredicto de culpabilidad. Sin embargo todos menos uno de ellos, que tratará de convencer a sus otros once compañeros de que reconsideren su situación.

La película trata sobre el juicio de un homicidio en el que doce hombres tienen que deliberar sobre el futuro de un muchacho, dictaminando si es culpable o inocente del asesinato de su padre. Si hay alguna duda razonable deben emitir un veredicto de «no culpable». Si se le encuentra culpable, será sentenciado a muerte. 

Las pruebas apuntan a que es culpable, por lo que once de los doce miembros del jurado cuando votan por primera vez a propuesta del jurado número 1 ( Martin Balsam) así lo dictaminan, pero el miembro número 8 (Henry Fonda) tiene en cuenta diferentes argumentos que se han citado en el juicio, y hace que surja la duda razonable sobre la culpabilidad del muchacho. 

Poco a poco, el miembro número 8 hace que los demás vayan reflexionando sobre lo que han visto en el juicio, cambiando de opinión y que estos se den cuenta de otros factores que no se habían analizado en el juicio. 

En la película se observan diferentes tipos de comportamientos y el papel que va desempeñando cada miembro del jurado, mostrando así características de su personalidad y cómo influye su vida a la hora de dictaminar la culpabilidad del acusado. Y todo ello a pesar de la oposición frontal del jurado número 3 (Lee J. Cobb) dada la ruptura hace dos años con su hijo -no olvidemos que el presunto homicida ha matado a su padre-, al apoyo incondicional que tiene del Jurado número 4 (E. G. Marshall) o a los enormes prejuicios sociales del jurado número 10 ( Ed Begley) o la indiferencia absoluta del jurado número 7 (Jack Warden ), más interesado en las apuestas deportivas que en el devenir del juicio y la vida del chaval juzgado. 

Pero la actuación incicial del número 8, lleva al 9 ( Joseph Sweeney) a cambiar de posición, y desde aquí ya sea de forma pública o silenciosa todos irán cambiando desde la serenidad del 10 (George Voskovec) hasta la del publicista ( Robert Webber), el número 12. 

Tuvo tres candidaturas a los Óscar en las categorías de mejor director, mejor película y mejor guion adaptado en la ceremonia de 1958, en la que El puente sobre el río Kwai consiguió dichos premios. No obstante los premios fueron llegando poco a poco, consiguiendo el Premio Oso de Oro de Berlín y Premio OCIC 1957 (Sidney Lumet), las 4 nominaciones a los Globos de oro, el Premio BAFTA 1958 al mejor actor extranjero (Henry Fonda), el Premio WGA 1958 al Drama estadounidense mejor escrito (Reginald Rose). 

Obtuvo igualmente el Premio Mención especial 1957 del Festival Internacional de Cine de Locarno (Sidney Lumet), el Premio Kinema Junpo 1960 a la Mejor película extranjera (Sidney Lumet), el Premio Edgar Allan Poe 1958 a la Mejor película (Reginald Rose), el Premio Nastro d'Argento 1958 al Mejor director de película extranjera (Sidney Lumet), el Premio Blue Ribbon 1960 a la Mejor película extranjera (Sidney Lumet), el danés Premio Bodil 1960 a la Mejor película estadounidense y al Mejor director (Sidney Lumet) y el Premio Jussi de Filandia en 1958 al Mejor actor extranjero (Henry Fonda) o el reconocimiento a la dirección y la película por parte del Círculo de Críticos de Nueva York.

El autor se basa en el comportamiento de los miembros de un jurado durante un proceso de deliberación, convocados a fin de tomar una recta decisión sobre el caso. Un punto importante que hay que subrayar es la dificultad que muestran para poder deliberar correctamente, debido a distintas limitaciones y prejuicios, algunos psicológicos, otros educativos, otros de orden lógico, etcétera. El juzgar en derecho está supuesto a ser lógico, pero tiene que ser argumentado para ser veraz en los hechos. En este caso, el jurado identificado con el número 8 pone todo en duda y logra que los demás miembros del jurado también duden sobre la culpabilidad del joven. Como se dice en la película "Muchas veces los prejuicios oscurecen la verdad". 

Al juzgar a alguien ha de presumirse su inocencia. Toda deducción debe ser comprobada como veraz para evitar que un inocente sea condenado o un culpable exonerado de su culpa. Algo notable que ocurre es por qué estos doce hombres están tan «enfadados» (12 Angry Men). La respuesta radica en que están angustiados. La angustia es la reacción general frente a la agresión psicológica. En general, se considera que todo aquel que argumenta en contra de una opinión propia comete una agresión. La película lleva a reflexionar sobre si la toma de decisiones es un proceso racional o irracional. 

Cabe destacar que la actitud de un jurado ante la implicación en cualquier caso debería ser lo más racional y objetiva posible. En la película esto se ve reflejado en ciertas personas, como en el caso del jurado número 8. Como ejemplos de abordajes irracionales están los jurados número 3 ( Lee J. Cobb) y el número 7 con el personaje que interpreta Jack Warden. 

De la película se ha escrito mucho y la crítica, unánimemente, la elogió. En Estados Unidos A.H. Weiler en las páginas del The New York Times escribió que era una "Excelente película (...) un análisis penetrante, sensible y a ratos impactante del corazón y la mente de los hombres (...) tenso, absorbente y apasionante drama que va más allá de los estrechos límites de un jurado confinado en una sala." 

En Time Out, Joshua Rothkopf sostuvo que "Muy pocas películas abordan el arte de la discusión como tema, sin duda nos vendrían bien algunas más, pero hasta entonces, la ventana de Lumet al tenso deber cívico continuará sirviendo con mucha fuerza (...)" En Variety lacónicamente señalaron que "La película deja un impacto tremendo" 

El ya fallecido Roger Ebert en su web revisándola señaló en rogerebert.com que "Es una obra maestra de realismo estilizado -- el estilo viene de la manera en la que la fotografía y el montaje hacen observaciones sobre la esencia del contenido (…)"

El menos elogioso fue posiblemente Jonathan Rosenbaum en la prensa de Illinois, concretamente en el Chicago Reader al decir que "La película se salva, o casi, por la consistencia en la dirección de Lumet y las hábiles actuaciones (...) Escrita mecánicamente, pero dentro de sus propias limitaciones conservadoras cumple." 

En Gran Bretaña, Geoff Andrew en Time Out destaca de la misma que "El tratamiento es intenso, lúcido y admirablemente económico (...) Lo que realmente aleja a la obra de ser simplemente una demostración parlanchina de que un hombre es inocente, es la atmósfera tensa y sofocante" . 

Por su parte, William Thomas en Empire escribe que "Increíblemente conmovedor y poderoso para ser un drama parlanchín que se desarrolla en una habitación (…); y Marc Lee en Telegraph destacó que "La genialidad de Lumet en la poderosísima '12 Angry Men' es que (...) hace que un espacio pequeño y claustrofóbico sea incluso más opresivo." 

Ya en España en El País Miguel Ángel Palomo y Fernando Morales están de acuerdo en su grandeza; aunque el primero escribió que era "Una obra que aún ofrece lecciones de cine (...) virulenta y acerada crítica al sistema judicial estadounidense y muestra un profundo desprecio por la pena de muerte (...) Lumet crea con su cámara una continua asfixia, entre gestos crispados e íntimas angustias" ; mientras que el segundo aseveró que la película era "Intensa y magnífica cinta (...) A pesar del aire teatral del relato, la cinta destaca por sus magistrales diálogos e interpretaciones y la exquisita dirección por parte de Sidney Lumet." 

En El Español David G. Maciejewski lo tiene calro: "Obra maestra. Riguroso retrato del sonambulismo judicial (...) Lumet, siempre comprometido con el humanismo pero sin destilar una plomiza ideología" 

Para Gerardo Sánchez, director de Días de cine estamos ante "un películón " y desde Televisión española se nos dice que son "95 minutos de gran cine, una única localización, un ensayo de 15 días y un rodaje de 21. Quizá Sidney Lumet logró así mostrarlos agotados, cansados. Pero la vida de un joven estaba en juego..." 

El sabio Fausto Fernández nos informa en Twitter ahora X que se trata de una "Modélica pieza de interiores (no sólo el único decorado, sino del de los seres humanos) y del género judicial (con un juicio ya hecho), por lo que la película aún sorprende y te sacude con todo el suyo discurso liberal tan de Lumet." John Savoca fue el acusado de 12 hombres sin piedad en lo que fue su único contacto con el cine y la interpretación. Era repartidor de una pastelería frecuentada por Sidney Lumet, quien lo eligió por un aspecto que podía representar a italoamericanos, judíos o hispanos. Falleció en 2005. Igualmente nos informa que "Sólo dos actores repitieron su rol en 1957 en el film de Lumet: Joseph Sweeney (jurado n° 9) y George (Jirí) Voskovec (jurado n°11)". 

Buena película, imprescindible en lo que se ha venido en llamar el cine judicial que dentro del drama, es un subgénero que ha dado grandes títulos, siendo el último, Jurado número 2 del veterano y , posiblemente, más contundente director de los que siguen en activo, Clint Eastwood, que tuvo la ocasión de ver hace unas semanas. 

Bienvenido, Mister Chance

He grabado esta película por error. Tenía en mente Adiós, Mister Chips, una película británica en blanco y negro del año 1939 dirigida por Sam Wood, una película sobre un profesor, el Señor Chipping, que impartía clase en Brookfield con Robert Donat de protagonista que vi de niño y que me encantó. Sabía que había una versión posterior, del año 1969, un musical, dirigida por Herbert Ross y con Peter O´Toole, y creía que era esta la que emitía, pero me equivoqué. No era Adios, sino Bienvenido. No era Mister Chips, sino Mister Chance. No era Peter O´Toole, sino otro Peter, Sellers. En definitiva, error tras error he llegado a Bienvenido, Mister Chance. 

Con el título de Being There, en su versión original, Hal Ashby firmó en mil novecientos setenta y nueve (1979), Bienvenido Mister Chance, una película basada en la novela homónima cuyo autor el escritor polaco-norteamericano, Jerzy Kosinski, recibió un día un telegrama muy curioso en el que alguien que se hacía pasar por el personaje protagonista escribía: "Estoy disponible dentro fuera de mi jardín". Se añadía un número de teléfono y Kosinski lo marcó. Al otro lado de la línea contestó la voz de Peter Sellers quien pasó a protagonizar la película dirigida por Hall Ash en una de las más memorables interpretaciones de su carrera y que le supuso una nominación al oscar al mejor actor. Otra nominación pero también concretada como Óscar lo fue para el mejor actor secundario en la persona del actor Melvin Douglas. 

Al poco tiempo el mismo Jerzy Kosiński y Robert C. Jones estaban trabajando en el guion para la productora Lorimar Television que contó con un presupuesto de 7 millones de dólares y contratando en la banda sonora a Johnny Mandel, en la fotografía a Caleb Deschanel y en el montaje a Don Zimmerman. Al elenco junto a Peter Sellers, se sumaron Shirley MacLaine, Jack Warden, el veteranísimo Melvyn Douglas, Richard Dysart y Richard Basehart. Esta fue la penúltima película en la que participó el actor británico Peter Sellers antes de su muerte en 1980. 

El rodaje es relatado en The life and death of Peter Sellers, una película biográfica sobre este actor estrenada en 2004. En 2015, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. 

Nada más comenzar la película conocemos a Chance (Peter Sellers ), un hombre de mediana edad, sencillo, al que le gusta ver cualquier programa de la televisión, que vive en la casa de un anciano adinerado en Washington D. C.

Desconocemos su relación con el señor. No está a sueldo de él, y lleva allí toda la vida. La ha pasado cuidando el jardín y nunca ha salido de la propiedad. Aparte de la jardinería, su conocimiento se deriva enteramente de lo que ve en la televisión. Cuando recibe la información por parte de la criada negra de la casa, Louise (Ruth Attaway), de que su amo ha muerto ni se inmuta. 

Cuando éste recibe a los abogados, y le pregunta por el grado de relación, Chance comenta que ninguna, que es únicamente el jardinero , aunque no consta contrato alguno por parte de ellos. Así que el abogado le pregunta si va a solicitar algún tipo de reclamación, Chance le dice que no, por lo que los abogados le pide que se mude al día siguiente. 

Así que este sencillo jardinero con cerca de sesenta años, incapaz de leer, que ha vivido y trabajado durante la mayor parte de su vida en la mansión de este hombre adinerado y solitario, totalmente aislado de la realidad y que toda su relación con el mundo exterior ha sido a través del televisor que apenas se entiende y con el que siempre han dado zapeando de un canal a otro sale de la casa. 

Al salir vemos que se encuentra en un espacio degradado. Chance vaga sin rumbo, descubriendo el mundo exterior por primera vez. Tiene hambre. No sabe como conseguir comida. 

Con su aspecto, portando un bombín y elegantemente vestido se encuentra con un grupo de chiquillos. Estos se encaran con él y le preguntan por un tal Raphael, al que amenazan Le dice que si se encuentra con éste que le pincharán en el culo con las navajas con los que le han amenazado. 

Poco después, ya anocheciendo, al pasar Chance por una tienda de televisión, se ve capturado por una cámara en el escaparate. Extasiado, se aleja de la acera descuidadamente y es atropellado por un auto con chofer que es propiedad del anciano magnate de negocios Ben Rand (Melvyn Douglas). 

En el auto está la esposa, mucho más joven de Rand, Eve (Shirley MacLean). Cuando le preguntan como se encuentra, Chance responde que dolorido de una pierna. Y al preguntarle por su nombre dice llamarse "Chance, el jardinero" en respuesta a la pregunta de quién es él, y Eve entiende que se llama "Chauncey Gardiner". 

Así que Eve le propone, primero llevarlo a un hospital, pero después cambia de idea y lleva a Chance a su casa para recuperarse. Lleva ropa cara a medida de los años veinte y treinta, que su benefactor le había permitido quedarse de todo aquello que tenía en el ático de la casa. Sus modales son anticuados y corteses. 

Tras ser atendido por Allenby (Richard A. Dysart), el médico que atiende al marido de Eve. Tras eso va a conocer a Ben, el marido de Eve. Cuando Benjamin «Ben» Turnbull Rand (Douglas) se encuentra con él, toma a "Chauncey" por un hombre de negocios de clase alta y alto nivel educativo que ha pasado por momentos difíciles. Rand lo admira, encontrándolo directo, sabio y perspicaz. "Chauncey" conoce al presidente de los Estados Unidos, que es amigo de Rand. 

En una discusión sobre economía, Chance toma su ejemplo de las palabras "estimular el crecimiento" y habla sobre los cambios en las estaciones que sufren las plantas y los árboles del jardín. El presidente interpreta erróneamente esto como un consejo político optimista y cita a “Chauncey Gardiner” en un discurso público retransmito por televisión. 

Chance adquiere entonces prominencia nacional, asiste a cenas importantes, desarrolla una estrecha relación con Vladimir Skrapirov (Richard Basehart) el embajador soviético y aparece en un programa de entrevistas televisivo - que es visto por Louise que dice de Chance que no sabe ni leer, durante el cual sus consejos detallados sobre lo que debe hacer un jardinero serio se malinterpretan como su opinión sobre cuál sería su política presidencial . Aunque ahora se ha elevado a la cima de la sociedad de Washington, el Servicio Secreto y otras 16 agencias no pueden encontrar información de antecedentes sobre él. 

Durante este tiempo, el médico de Rand, el Dr. Allenby, sospecha cada vez más que Chance no es un experto e inteligente político y que el misterio de su identidad puede tener una explicación más mundana y considera decírselo a Rand, pero mantiene su silencio al darse cuenta de lo feliz que está haciéndolo en sus últimos días. 

El moribundo Rand anima a Eve a acercarse a "Chauncey". Ella ya se siente atraída por él y hace un avance sexual. Chance no tiene interés ni conocimiento sobre el sexo, pero imita una escena de besos de la película de 1968, The Thomas Crown Affair, que aparece en la televisión. Cuando la escena termina, Chauncey se detiene de repente y Eve acaba confundida. Ella le pregunta qué le gusta, es decir, sexualmente; Él responde: "Me gusta ver", es decir, la televisión. Ella se desconcierta momentáneamente, pero está dispuesta a masturbarse por su placer voyerista, por lo que no se da cuenta de que se ha vuelto a la TV y está imitando un ejercicio de yoga en un canal diferente. 

Chance está presente en la muerte de Rand y muestra su sincera tristeza por su muerte. Interrogado por el Dr. Allenby, admite que "ama mucho a Eve" y también que solo es un jardinero. Cuando se va para informar a Eve de la muerte de Ben, Allenby se dice a sí mismo: "Entiendo", pero la interpretación de eso se deja al espectador. 

Mientras el presidente pronuncia un discurso en el funeral de Rand, los portadores del féretro, todos ellos hombres muy poderosos, sostienen una conversación susurrada sobre posibles reemplazos para el presidente en el próximo mandato y acuerdan por unanimidad que Chauncey Gardiner debe ser el sucesor. Ignorando todo esto, Chance se aleja por la finca de Rand. 

Endereza un pino aplastado por una rama caída, luego camina por la superficie de un lago. Hace una pausa, hunde su paraguas profundamente en el agua bajo sus pies (confirmando al espectador que no es sólo una capa de agua en el suelo), luego continúa, mientras se escucha al presidente que cita a Rand: "La vida es un estado de mente." Mientras los créditos van apareciendo al final de la película vemos una toma descartada conocida como "toma descartada de Rafael". 

Comentar que a Sellers le disgustó que se publicara la toma descartada porque creía que le quitaba la mística de Chauncey. También creía que eso le impedía ganar el Oscar. 

Para el papel el director se planteó a Burt Lancaster, la primera elección de Ashby para el papel de Ben Rand y Laurence Olivier también fue considerado para el papel, pero lo rechazó debido a la escena de la masturbación. 

El rodaje principal tuvo lugar en Biltmore Estate, la casa privada más grande de los Estados Unidos, ubicada en Asheville, Carolina del Norte. Según MacLaine, "(Peter) creía que era Chauncey. Nunca almorzó conmigo... Fue Chauncey Gardiner durante todo el rodaje, pero creía que estaba teniendo una historia de amor conmigo". 

El final original tal como está escrito en el guion se filmó; muestra a Eve encontrando a Chance junto al lago, declaran que se han encontrado y ambos regresan juntos. Sin embargo, Ashby no estaba contento con este final, por lo que hizo sumergir una plataforma en el lago para que Sellers caminara, creando la enigmática escena final de la película. 

La nieta de Melvyn Douglas, Illeana Douglas, visitó el set y conoció a Peter Sellers, su actor favorito. Desde entonces, le ha dado crédito a la película por inspirarla a seguir una carrera en la actuación. 

Según Illeana, Sellers y Douglas se conocían desde la década de 1940, cuando se conocieron por primera vez en la campaña de Birmania (1944-1945) durante la Segunda Guerra Mundial. A menudo recordaban sus días de guerra mientras estaban en el set. 

La realización de la película se describe en La vida y muerte de Peter Sellers, una película biográfica de la vida de Sellers. 

La música incidental se utiliza con mucha moderación. La poca música original que se utiliza fue compuesta por Johnny Mandel y presenta principalmente dos temas de piano recurrentes basados en "Gnossiennes" No. 4 y No. 5 de Erik Satie. 

Las otras piezas musicales importantes utilizadas son el arreglo de jazz/funk de Eumir Deodato de la fanfarria de apertura de Also Sprach Zarathustra y "Basketball Jones" de Cheech y Chong. Estas piezas acompañan respectivamente a los créditos del título y a la primera llegada de Chance a Biltmore Estate. 

Mandel también contó con la ayuda de su primo y compañero compositor Miles Goodman con la orquestación de la película. 

La película recibió críticas positivas y le dio a Sellers un éxito después de muchas películas fallidas fuera de la serie Pink Panther. 

El crítico de cine de Chicago, Gene Siskel habitual del Chicago Tribune, consideró que la película era perfecta, calificándola de "una de esas películas raras, una obra de comedia tan eléctrica que es más probable que la veas con asombro que que te rompas a reír". 

Otro crítico de Chicago Dave Kehr: Chicago Reader"Nadie parece saber qué hacer con el tono alegórico del guion de Kosinski, pero en conjunto, mantiene un buen nivel de ingenio, sofisticación y reflexión"  

Por último, el habitual columnista del Chicago Sun Times, en 2006, Roger Ebert mencionó la reacción de sus alumnos ante la escena final (que es exclusiva de la película y no aparece en el libro), afirmando que una vez sugirieron que Chance podría estar caminando sobre un muelle sumergido. Pero, escribe Ebert, "La película nos presenta una imagen, y si bien se puede discutir el significado de la imagen, no está permitido idear explicaciones para ella. Dado que Ashby no muestra un muelle, no hay muelle; una película". es exactamente lo que nos muestra, y nada más." 

Janet Maslin del The New York Times dijo de ella que era "Una sátira bella y majestuosamente interpretada, con una premisa divertida, pero frágil" 

Variety la calificó de "una película altamente inusual e inusualmente buena" que "representa el trabajo más impactante de Peter Sellers desde mediados de la década de 1960". 

Kevin Thomas de Los Angeles Times la llamó "una película gentil y exquisitamente divertida", y agregó que "Sellers no ha sido tan fantástico, ni ha tenido un material tan fantástico, en años".  Y por parte de Ron Pennington del The Hollywood Reporter "Una de las películas más encantadoras del año (...) La dirección de Hal Ashby es perfecta plasmando el original humor y la amable sátira de la obra"

Vincent Misiano revisó Being There en la revista Ares y comentó que "el humor de la película nunca flaquea y, sin embargo, su ironía delicadamente amarga nunca está lejos. Satiriza la política y los políticos, las empresas y los hombres de negocios y, finalmente, al resto de nosotros y lo que imaginemos que vemos cuando nos miramos unos a otros». 

Por último, Ian Nathan del británico Empire dijo de ella que "Invita a los espectadores a convertirse en creyentes: es una prueba de candidez universal (...) "

La película presentada en Cannes, consiguió importantes reconocimientos y nominaciones. En los öscar de 1980 fue nominado Peter Sellers al mejor actor, aunque únicamente consiguió el Óscar al mejor actor de reparto para Melvyn Douglas. 

En los Globo de Oro sí se llevó el de mejor actor - Comedia o musical para Peter Sellers y el Globos de Oro al mejor actor de reparto para Melvyn Douglas, siendo nominado a los Globos de Oro para la mejor película - Comedia o musical, el mejor director para Hal Ashby, la mejor actriz - Comedia o musical para Shirley MacLaine y al mejor guion para Jerzy Kosiński. 

En los BAFTA fue premiado al mejor guion original para Jerzy Kosinski, siendo nominados a la mejor película, al mejor actor para Peter Sellers y mejor actriz para Shirley MacLaine. 

Comentar igualmente que la película ganó el Premio del Sindicato de Guionistas (WGA) al mejor guion adaptado comedia (Jerzy Kosinski); el del Círculo de Críticos de Nueva York al Mejor actor (Peter Sellers), quedando nominado al de Mejor actor de reparto (Melvyn Douglas), Mejor guión (Jerzy Kosinski). 

La National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) la incluyó en las Mejores 10 películas del año, y premió igualmente a Mejor actor (Peter Sellers). 

La Asociación de Críticos de Los Ángeles dió como ganadora a esta película y como Mejor actor secundario (Melvyn Douglas). 

Y en los 5º Premios de la Academia Japonesa (Películas del 1981) la nominó a Mejor film de habla extranjera eso por nombrar algunos. 

Al menos me alegro en este caso de haberme equivocado y he visto lo que no esperaba ver, una comedia contenida, bien desarrollada, magníficamente interpretada y con una historia compleja sobre un hombre siempre en una sociedad que espera respuesta complejas a temas simples...o no.

Billy, dos sombreros

Buen western rodado en parte en Israel y dirigido por el canadiense Ted Kotcheff, director y productor de cine, entre otras fue el director de la película original de Rambo First Blood (1982) y Uncommon Valor (1983). 

Tras una larga experiencia en la televisión de su país y de Gran Bretaña, este director de origen búlgaro se pasó al cine en 1962 con Tiara Tahiti una película que contaba con James Mason , pasando nuevamente a realizar telefilms en países de habla inglesa. 

Su primer éxito fue la película australiana Wake in Fright ( Outback , 1971) con la que consiguió importantes reconocimientos y premios incluso en el prestigioso Festival de Cine de Cannes , tras su retorno a Canadá y a la televisión, pasó en a Hollywood donde se lanzó a rodar comedias algunas con George Segal como protagonista como Fun with Dick and Jane (1977), que fue un gran éxito o Too many Chefs - ¿Quién está matando a los grandes chefs de Europa? (1978), para luego escribr y dirigir al joven Nick Nolte en North Dallas Forty (1979) que fue aclamada por la crítica. 

En 1982 rueda Split Image, con Michael O'Keefe, Karen Allen, Peter Fonda, James Woods, Elizabeth Ashley, Brian Dennehy y Ronnie Scribner. Tras esto llegó el bombazo de First Blood junto a Sylvester Stallone a, a la que siguieron Uncommon Valor (1983), una película bélica desarrollada en Vietnam con Gene Hackman, Fred Ward, Reb Brown, Randall "Tex" Cobb, Robert Stack y Patrick Swayze, y luego regresó a Canadá para hacer Joshua Then and Now (1985), de la novela de Mordecai Richler . 

Desde ese momento combinó cine y televisión, aunque dando más peso a estos último entrando igualmente en la producción. En la actualidad con 90 años está jubilado. 

En los setenta se atrevió con todos los géneros incluyendo este curioso western del año 1974  rodado en parte en Israel y que contó en la producción con un peso pesado de la dirección y de la producción como Norman Jewison que junto a Patrick J. Palmer apostaron por él. Con el respaldo de la productora Algonquin y un presupuesto de unos $1,100,000 llevó a la gran pantalla lo que había escrito Alan Sharp responsable que fue como guionista de La venganza de Ulzana, La Noche se mueve o Rob Roy, entre otras. 

Al grupo en el apartado técnico se unió en la música John Scott que creará una buena banda sonora con toques de guitarra española. También se le une Brian West para realizar una luminosa fotografía y el montaje de Thom Noble. 

El elenco lo encabeza Gregory Peck como Arch Deans, Desi Arnaz, Jr. como Billy, dos sombreros o Two Hats, Jack Warden como el sheriff Henry Gifford y David Huddleston como Copeland. Junto a ellos aparecen Sian Barbara Allen como Esther Spencer, John Pearce como Spencer, Dawn Little Sky como la mujer de Copeland, y en el papel de nativos americanos están W. Vincent St. Cyr , Henry Medicine , Zev Berlinsky , Antony Scott. Igualmente tiene una breve aparición Vic Armstrong como Harry Sweets Bradley.

   

La película se inicia con la llegada a localidad del Oeste, de un veterano sheriff. Se trata de Henry Gifford (Jack Warden) quien tiene la orden de localizar y capturar a tres hombres que han participado en el atraco a un banco. 

Se trata de un veterano asaltante Arche Deans (Gregory Peck) que se acompañada de otro compañero como Harry Sweets Bradley (Vic Armstrong ) y un chico joven y mestizo apodado “Billy dos sombreros”. Hay una recompensa de 100 dólares para quien los capture, vivos o muertos. 

Tras ubicar el sheriff a los fugitivos en un hotel de la aislada y desértica localidad logra sorprender a Harry Sweets Bradley tras estar vistiéndose tras pasar la noche con una chica y con el joven mestizo que va en busca de un Arche al que quiere avisar , pero que ya está en el exterior montado en su caballo. 

Cuando se produce el tiroteo el veterano forajido huye, quedando el joven mestizo indio Billy Two Hats (Desi Arnaz Jr. ) en manos del sheriff Gifford. Tras la captura del agente de la ley de Billy, procede a llevar al detenido ante la justicia para que sea ahorcado conforme a la ley. 

Mientras se desplaza por el desierto vemos que Arche Deans sigue desde la distancia a ambos y los ve llegar a un puesto comercial en mitad de la nada. 

Descubrimos que Billy es despreciado tanto por Henry Gifford como por Copeland (David Huddleston) , el veterano propietario del puesto por su condición de mestizo. Y sorprende puesto que Copeland convive con una india (Dawn Little Sky) con la que llegó a tener un hijo. Pero comenta en un momento mientras hablan de este tema así como del pasado (los búfalos que pastaban por allí, del viejo oeste que va desapareciendo,...) y del futuro ( la esperanza de Copeland es que por allí pase en un futuro el ferrocarril al ser el único espacio con agua de ese territorio) , pero también habla de como él decidió entregar a su hijo a la familia india por el hecho de ser mestizo. Unos y otros son inflexibles con los mestizos. 

No obstante, la india con la que convive Copeland atiende amablemente al chico mientras lo dejan atado a la puerta de la casa para llevarlo al día siguiente ante el juez. 

Gifford no es consciente de que desde la distancia Deans observa la presencia del Sheriff Henry Gifford y de Billy al puesto comercial remoto. Tras la llegada de la noche el tiene la idea de sorprender a todos durmiendo. 

Nada más llegar se siente en el techado frontal de la casa y espera a que Billy despierte y sorprender a los que están dentro. 

Cuando sale la mujer lo ve, pero no dice nada - posiblemente Billy le recuerda al hijo que entregó y perdió- así que soprende a Gifford al que hiere en el hombro y que está sorprendido de qye Arche haya ido por él a salvar al muchacho, siendo éste mestizo. 

Con el disparo despierta a Copeland al que le quita todas sus armas. Y tras hacer un encargo de provisiones, su idea es llegar a México, con el dinero obtenido y comenzar a vivir allí una nueva vida. 

Tras escapar ambos y mientras se alegan Copeland, el amigo del alguacil, y dueño del puesto comercial, es cosnciente de que tiene todavía su viejo rifle de búfalo de largo alcance y tras prepararse un tiempo dispara un tiro que mata al caballo de Deans. Este al caer se rompe una pierna. 

Ante las circunstancias Billy construye un camilla india para portar a Deans hasta la frontera siendo arrastrado por el caballo de Billy. Descubrimos que Billy se niega a abandonar a su amigo y lo lleva a rastras por el desierto tras su caballo. 

De esta forma, intentará superar todos los obstáculos que los separan a un México que para ellos significa libertad. 

Mientras tanto Copeland se une al tenaz Gifford que a pear de estar herido y ser curada por la india decide ir detrás de los dos fugitivos. Copeland jura como ayudante del sherriff y se lanzan detrás de Billy y Deans. 

Sin embargo, Billy no puede ir muy rápido. Poco a poco Gifford y Copeland van recortando las distancia. Dada la poca separación que hay entre unos y otros, Billy se la ingenia como indio para engañar a sus dos perseguidores mientras está cayendo la noche. Finalmente, la maniobra de distracción sale perfectamente. Con eso Arches y Billy ganan tiempo y distancia. 

Mientras pasan por un desfiladero Billy percibe que hay cuatro indios apaches (W. Vincent St. Cyr , Henry Medicine , Zev Berlinsky , Antony Scott), avenjentados que están fuera de control. Los asaltantes les exigen whisky, y , en su defecto, lo poco que llevan (caballo, armas, ropa, etc... ). Pero Billy convincentemente se los quita de encima. 

Poco despues se encuentran con un granja muy aislada en la que vive un hombre mayor, Spencer (John Pearce) y su joven esposa, Esther (Sian Barbara Allen). Están en una granja remota. 

Deans que no quiere robarles ni los caballos que tienen, persuade a Spencer para que les deje pasar la noche y a la mañana siguiente lo lleve en su carromato hasta México para conseguir caballos con la condición de que Billy se quede con Esther para protegerla a ella y a la granja de los indios merodeadores. Billy también debe estar atento a la persecución de Gifford. 

Billy, que en principio se queda oteando desde una colina para ver si Gifford todavía o sigue - nosotros ya sabemos que Copeland, ha abandonado al sheriff dado que no le renta estar más tiempo con él, fuera del puesto comercial- , pero descubrimos que la joven Esther, a la que en la tarde anterior Spencer había agredido sin piedad por su tartamudez, es una chica temerosa de la soledad, pobre y sin familia, a la que compró Spencer en Saint Louis por un centenar de dólares. Ambos pasan el tiempo juntos hablando. Esther, está horrorizada de vivir allí y de la violencia de su marido. 

Billy le cuenta que le llaman dos sombreros por su padre, un irlandés que tenía dos sombreros para momentos distintos, el diario y el ceremonial. En los dos días que pasan juntos la chica se enamora del joven Billy. 

Mientras ambos hacen el amor son sorprendidos por Gifford que encuentra a los dos juntos en la cama. Este asume que Billy violó a la mujer, se enfurece y lo golpea. Esther intenta explicarse, pero no puede porque tartamudea cuando está angustiada. 

Desconocen los tres lo que están viviendo Deans y Spencer . Ya que mientras se desplazaban por un desfiladero los cuatro indios que vimos el día anterior los emboscan su carro y matan al caballo . Luego los sitian. Uno y otro se esconden debajo del carro. Pero tras una larga espera, Spencer huye pensando que los indios no atacan de noche. 

A la mañana siguiente se reanuda el ataque con disparos y con piedras que casi matan a Deans. Al rato por la montaña cae el cuerpo sin vida y con el torso desnudo de Spencer muerto. Allí aguanta estoicamente el ataque Deans que logra matar primero a un indio y luego a otro, aunque previamente lo deja muy mal herido. Luego, Gifford, Esther y Billy parten tras Deans. 

Los tres al entrar en el cañón se encuentran con Deans casi moribundo. Los dos indios que restaban , al ver llegar a los tres huyen. 

Con la ayuda de Esther, Billy mata a Gifford y le entrga a Deans la cortina verde- la única propiedad de Esther- para que muera rodeado del verde de Escocia que tanto añoraba. Tras esto Deans muere a causa de sus heridas. 

Tras quemar el carro con los cuerpos de Gifford y de Spencer, Billy que no cree en enterrar a los muertos, coloca su cuerpo en un árbol en lo alto de una colina, al estilo indio. Esther y él se marchan juntos. 

La película fue rodada en el otono de 1972 entre Israel, lugar con espacios desérticos que quitan el hipo, y en Estados Unidos especialmente en la localidades de Arizona de Parker, Wickenburg y Harquahala Mountains, así como en Farmington, New Mexico. 

En principio la película iba a ser dirigida por Norman Jewison. El hecho de que se tratara de un western filmado en Israel fue motivo de chanza por parte de algunos comediantes, que dijeron de ella que se titularía "Shalom on the Range". 

A destacar la larga escena en la que el protagonismo lo asume el 'Buffalo Rifle' de tiro largo o rifle Sharps e ilustra la precisión de la misma. 

La película fue distribuida United Artists y tuvo su estreno en marzo de 1974 en Los Ángeles. Desconozco su éxito o fracaso en la taquilla.

Variety calificó la película como "una película fresca y diferente (la primera filmada en Israel) que comienza con violencia y contiene algo en todo momento, pero nunca se demora con amor en el caos y la sangre; ergo, es dócil para el grupo de Sam Peckinpah , pero muy bien manejada en todos los aspectos. de manera que debería tener un buen futuro tanto aquí como en el extranjero ". Y esa misma revista dejo que era" un western original y diferente (...) Gregory Peck está espléndido" 

Gene Siskel del Chicago Tribune dijo de ella que "Cuando la acción se convierte, como inevitablemente debe, en una conversación entre Peck y Arnaz, 'Billy Two Hats' se vuelve insípida. Y cuando el joven Arnaz entabla un romance con la tartamudeante novia por correo de un ranchero, la acción y el diálogo se vuelven positivamente embarazosos ". Y añade que "Los personajes del escritor Alan Sharp están bien dibujados y bien interpretados, pero el ritmo de 'Billy Two Hats ' es demasiado lánguido y su estilo demasiado portentoso para mantener el interés en ellos". 

John Raisbeck de The Monthly Film Bulletin comentó que "Al igual que "La venganza de Ulzana - Ulzana's Raid- también escrito por Alan Sharp, Billy Two Hats es una película de cazadores y cazados, centrada en la relación padre / hijo; solo que aquí los roles tradicionales se invierten, con los canosos Deans (Gregory Peck luchando sin éxito con un acento escocés) teniendo que apoyarse en su ingenioso y joven compañero. El motivo, sin embargo, se maneja con una obviedad que caracteriza gran parte de la película ". 

Adrian Turner de Radio Times comentó que "Tiene algunas secuencias de acción decentes y la novedad de que el imponente Peck hace de malo (...) " 

En Time Out la describe que es "Un intento decepcionante de mezclar declaraciones serias sobre prejuicios raciales y una historia de western (...) Parece que Kotcheff se interesa más por los paisajes que por los personajes." 

Ya en España Fausto Fernández se trata de un "atípico western típicamente 70s " y nos dice en distintos tuits de la película que responde a un " Guión de (todos quitándose el sombrero) Alan Sharp para un atípico western 70s con Gregory Peck rodado en Israel" Igualmente destaca del mismo esos " Paisajes israelíes para un western con muchos alicientes, comenzando por el guión de Alan Sharp, la dirección de un infravalorado Ted Kotcheff y ese enorme Gregory Peck de los años 70 en plenitud de facultades o con David Huddleston, actorazo de reparto ." 

David Tejero en Twitter escribe que "En Billy Dos Sombreros (1974), hay todo eso que le pedimos al western, pero sobre todo hay tristeza infinita. Kotcheff sabe impregnar de melancolía una película con interesantes trasfondos (denuncia) correlativos al cine de los setenta". 

En el mundo se afirma que es "Un original wéstern, rodado en el desierto de Israel y que tiene como mejor baza a un convincente Gregory Peck, en un personaje algo alejado de los que nos tiene acostumbrados. Desi Arnaz jr. el otro coprotagonista, era el hijo de los popularísimos Lucille Ball y Desi Arnaz (los protagonista de la mítica serie ''Te quiero, Luci'') y siguió la carrera de sus padres, tanto en cine como en televisión, aunque con mucha menor fortuna. " 

A mi personalmente me ha gustado la película. Por la historia, por ser un canto anti racista, - "¿Quién puede apreciar a los mestizos?", se pregunta Gifford y lo mismo piensa Copeland, por el tono de la misma, por su dosis que se mueven entre el padre y maestro que educa hasta en lo religioso- cita del Eclesiastés- a su "nuevo hijo", por los paisajes, la luz cegadora que refleja y la música ajustada a la película en todo momento. A destacar el fantástico trabajo de los veteranos intervinientes encabezado por este padre adoptivo que es aquí Gregory Peck, y esos dos secundarios de peso y lujo absoluto que son el poderoso Jack Warden y el siempre magnífico "Lebowski" David Huddleston. Una gran y agradable sorpresa. Para quitarse al menos un sombrero.

Búfalo blanco

En el verano de 2015 estuve en Wyoming buscando el oeste y , por supuesto, lo encontré. Uno de aquellos lugares que tenía marcados para sentirme en un espacio de lo que se considera singular por su espectacularidad en esta América salvaje y que no podía perderme en el era el primer parque nacional declarado del mundo: Yellowstone.

La visita a Yellostone fue inolvidable. Cubrió todas mis expectativas. Con la excepción de Grizzlies, encontramos de todo, fue un milagro no cruzarse con uno cuando caminábamos hacia nuestra cabaña en el interior de los que era el Shoshone National Forest - ya en Montana-. Sin embargo, nos cruzamos con todos tipo de aves, entre ellas, el águila pescadora de cabeza blanca - símbolo de los Estados Unidos-, con gigantescos wapitis , o con osos negros. Sin embargo, el animal estrella del parque es el bisonte que ocupa las amplias llanuras que aparecen en esta gigantesca caldera volcánica.

El bisonte o búfalo pelaje de color marrón oscuro aparecía en inmensas manadas . Este animal y era un "Dador de vida", pues todo de este ser era utilizado. Los usos incluían alimentación, abrigo, indumentaria religiosa, combustible (se secaban las deyecciones al sol) y materiales de construcción. Era un animal venerado por muchas de las tribus nativas de Norteamérica y en concreto el bisonte albino o búfalo blanco era para ellos una deidad sobre todo entre las tribus sioux / lakota, cuyos líderes espirituales recomendaban respetarlos, venerarlos y admirarlos de acuerdo con la leyenda de " Mujer Búfalo", de Dakota del Sur y con la antigua leyenda india, según la cual este animal mágico les entregó a las tribus sioux la pipa sagrada, la cual se le atribuían poderes que daban fuerza y espíritu de supervivencia.

El búfalo blanco es un animal sagrado y mágico para los indios . Según cuenta la mitología de los indios “Ojo de Águila era un intrépido niño piel roja que quería ser mayor para poder cazar, pero esta actividad estaba encomendada a los mayores de edad, entrenados por un cazador con experiencia durante más de seis lunas. El ayudaba a su madre y sus hermanos curtiendo las pieles o salando la carne para su conservación. Pero también sabía distinguir las diferentes huellas de animales, las voces de apareamiento y fue entrenado en el uso del arco. 

Pese a esto, los cazadores se negaron a que el muchacho los acompañara y Ojo de Águila decidió seguir una mañana al grupo de cazadores de incógnito y con total sigilo, llevando alimentos, agua, abrigo y una afilada vara de arce como arma. Al caer la tarde, el grupo de cazadores llegó a las colinas para dar caza a los ciervos y prepararon una gran hoguera para soportar el frío y cocinar sus alimentos. 

Ojo de Águila había olvidado llevar la yesca y el pedernal para poder prender el fuego, por lo que estaba muerto de frío y hambre. Quería ir al campamento pero el miedo a ser castigado por su desobediencia le hacía dudar. 

De repente, oyó rugir a un puma así que decidió salir corriendo hacia el campamento de los cazadores que lo descubrieron. Éstos se enfadaron por la desobediencia, dándole una tremenda paliza y riéndose del niño asustado. Al día siguiente, el jefe del grupo le ordenó que se quedara a cuidar el campamento mientras ellos cazaban. 

El muchacho se quedó de mala gana y pasados unos minutos el joven abandonó el campamento. Comenzó a caminar y se desató una tormenta de nieve que trajo una densa niebla. Perdió el rumbo. Cuando esta cesó y sin saber dónde estaba, vio la silueta de un gran búfalo blanco. El miedo se apoderó de él, pero armado de valor se acercó con cautela y la bestia le encaminó hacia su campamento. 

Una vez puesto a salvo, el búfalo desapareció entre la niebla. Cuando llegó Ojo de Águila les narró su aventura pero no le tomaron en serio. 

Tras eso llegaron noticias de hombres blancos que montaban a caballo e iban armados estaba matando y destrozando a las culturas indígenas. Ante las noticias, un frío invierno, el abuelo de Ojo de Águila y su familia huyeron urgentemente sin rumbo, pero también sin víveres. Después de buscar y no encontrar ninguna presa, el jefe de la partida, el abuelo de Ojo de Águila decidió salir a cazar, aunque se perdió de regreso al grupo. 

Cansado y sin esperanza, penando en una muerte segura, se topó con un gran Búfalo Blanco, que le señaló el camino de regreso donde lo esperaba su familia. El jefe afirmó que Ojo de Águila sería el día de mañana uno de sus chamanes o un gran jefe." Aquí está la leyenda.

Pues bien otro leyenda vinculada con este The White Buffalo nos es narrada en esta película que se conoce como El Desafio del búfalo blanco un western crepuscular y fantástico con tintes espirituales, lo que se conoce también como el extraño oeste o su nombre en inglés "weird-western" o un subgénero literario - los weird western tales- que ha se expresión en muchas películas, cómics y series de televisión.

La película se basa en una novela de Richard Sale titulada "The White Buffalo" publicada por primera vez en 1975 y con guión del mismo Sale, que trata de un gigantesco búfalo blanco siembra el terror, la muerte y la destrucción en las colinas negras de Dakota. Para en la película el Búfalo blanco simboliza el miedo, las pesadillas al que , al final, no tiene más remedio que enfrentarse cara a cara para seguir viviendo con dignidad. La película que lleva por título El desafío del búfalo blanco y es del año 1977 fue dirigida por el británico J. Lee Thompson siendo una producción de Dino De Laurentiis por medio de su productora Dino De Laurentiis Company y contando con la distribución de la United Artists.

La película contó con la banda sonora - magnífica- de John Barry, la fotografía de Paul Lohmann y el montaje de Michael F. Anderson. La película contó con la presencia de Charles Bronson como James Otis / Wild Bill Hickok, Will Sampson como Gusano / Worm / Caballo Loco (Crazy Horse), Jack Warden como el viejo Charlie Zane, Slim Pickens como Abel Pinckney, Kim Novak como Poker Jenny Schermerhorn, Clint Walker como Kileen Jack, Stuart Whitman como Winifred Coxy y John Carradine como Amos Briggs.

La película comienza en 1974 cuando un hombre que va en el coche cama de un tren y llamado James Otis -en realidad Wild Bill Hickok (Charles Bronson)- , que se ve perturbado por un sueños que parece recurrente con la aparición de un un búfalo blanco gigante que destroza todo a su paso. James Otis se despierta del sueño disparando de manera irracional sobre la cama superior alterando al resto de pasajeros, aunque a la mañana siguiente se lo comenta a Amos Bixby , el interventor del tren -Douglas V. Fowley-.

Esa misma noche en un campamento lleno de tipis se presenta un búfalo blanco que lo asola y en su recorrido mata entre otros a una niña que resulta ser la hija de un importante guerrero sioux que tras el incidente pierde su nombre para ser llamado Gusano (en realidad, Caballo Loco) (Will Sampson), que promete ante los dos demás matar al salvaje animal. James vemos que está obsesionado con sus sueños con ese búfalo blanco gigante.

Tanto, que recorre el territorio de Dakota para encontrar a la bestia en las Black Hills , territorio en el que se nos informa que una expedición encabezada por el general Custer acaba de encontrar oro, lo que atrae e miles de busca vidas y mineros.

En el camino, Hickok encontrará grandes dificultades pues su leyenda como pistolero le ha granjeado muchos enemigos. Bill el Salvaje sabe que hay cierto resentimiento contra él por parte de gente del ejército , por cazadores de bisontes y por otros pistoleros como apreciamos en su desplazamiento por las ciudades y , especialmente en Cheyenne donde aparece una montaña osea de los restos de miles de bisontes sacrificados.

Tal y como le dice el sheriff de Cheyenne Pete Holt (Clifford A. Pellow), Wild Bill Hickok tiene muchos enemigos. Así lo  vemos en una emboscada preparada por grupo un grupo de soldados encabezados por Tom Custer (Ed Lauter), un hombre que viaja con él en una diligencia que intenta apuñalarle como es Winifred Coxy (Stuart Whitman) o la alcohólica prostituta Cassie Ollinger (Cara Williams) que se le llega a encarar y que , finalmente, aparece muerta dentro de la diligencia que lleva Abel Pickney (Slim Pickens) que le hace entrega a ese enterrador que es Amos Briggs (John Carradine como el padre de los Carradine).

Tras llegar a una localidad indeterminada de ese territorio cercano a las Black Hills -¿Deadwood? se instala en una pensión regentada por un vieja amiga Poker Jenny Schermerhorn (Kim Novak), ahora viuda, con la que tuvo una vieja historia de amor. Pero ahora  James Otis , ahora ya un reconocible Wild Bill Hickok está plenamente obsesionado con el bisonte y recibe información de que por allí se encuentra con un viejo camarada de caza y que odia a muerte a los indios .

Se trata de Charlie Zane (Jack Warden) que le comenta que çel también ha visto y sentido el poder del búfalo blanco en forma de enorme desplazamiento de tierras en unas montañas cercanas.

Tras superar un nuevo incidente ahora protagonizado por un pistolero Jack Kileen (Clint Walker) en un local de juego regentado por el irlandés Tim Brady (Shay Duffin) sale con dirección a las montañas junto a Charlie Zane. Wild Bill Hickok (Charles Bronson), el legendario explorador, aventurero, jugador y pistolero, que quiere darle caza para poner fin a sus pesadillas, aunque ello le cueste la muerte, mientras que Zane (Jack Warden), un viejo colono que por su parte, sólo busca el beneficio económico que le reportaría la venta de la piel de animal.

En la montaña se encuentra con el indio llamado Gusano que también va en la búsqueda de un búfalo blanco gigante, que ha matado a su hija. Charlie Zane (Jack Warden), que busca al gran búfalo blanco para matarlo por su valiosa piel, propone matar al indio , pero Will Bill decide no hacerlo viendo la valentía con la que se defiende de un ataque de indios de otras tribu.

Tras ayudar Will Bill al jefe sioux “Caballo loco” (Will Sampson) se entera de que la intención de éste de acabar con el animal es porque el alma de su hija, víctima del animal, sólo hallará la paz cuando su cadáver sea cubierto con la piel del búfalo . Caballo loco le devuelve a favor matando con sus flechas al  pistolero Jack Kileen.

Hickok y Crazy Horse se unen para matar al esquivo búfalo. Tras ver como el animal ataca primero al caballo de Wild Bill, aunan sus esfuerzos a pesar de que Charlie Zane no quiere tal colaboración. Finalmente, el animal sale a su encuentro, pero el trabajo conjunto tendrá éxito y , finalmente, dos de ellos consiguen sus objetivos, muy a pesar de Charlie Zane, que protesta y se enfrenta su viejo amigo. Tras despedirse del indio a sabiendas de que posiblemente nunca más se vuelvan a encontrar, la película acabará con el entierro entre la piel del animal de la hija del jefe sioux “Caballo loco”.

La película se estrenó el 6 de mayo de 1977 en los Estados Unidos, mientras que en España tendrá que pasar casi un año para ello estrenándose en salas el 28 abril 1978 con el título de El desafío del búfalo blanco.

La película se rodó en diversos espacios de Estados Unidos como en Chama (Nuevo México); el Bosque de Pike / San Isabel; en Bronson Canyon, Buckskin Joe Frontier en Canon City; Red Canyon Park; Cripple Creek y Sangre de Cristo, todas ellas en el Estado de Colorado; así como en el Parque Griffith en Los Ángeles en California.

Para las escenas de búfalos, el productor Laurentiis contrató a Carlo Rambaldi para diseñar un bisonte de tamaño normal que se deslizaría por las vías. Esto se basó en su trabajo a mayor escala sobre su anterior colaboración en la película King Kong (1976) de Guillermin.

Esta película fue producida por Dino De Laurentiis que buscaba conseguir algo similar a lo logrado por Spielberg con su Tiburón (1975) y que revitalizará el cine de bestias salvajes como King Kong (1976), Orca, la ballena asesina (1977) y El desafío del búfalo blanco (1977). El argumento de esta película se ha comparado al Moby Dick de Herman Melville .

La película está dirigida por un interesante director como J. Lee Thompson , quien trabajaba por segunda vez con el actor Charles Bronson, aunque para éste fue la última película que el actor hizo para la United Artists.

Hubo un momento en que Charles Bronson dutante los años 70. participó en muchos westerns como Caballos salvajes (1973), Sol rojo (1971), Chato el Apache (1972), Sucedió entre las dos y las tres (1976), Nevada Express (1975) y El desafío del búfalo blanco . Fue el último de sus western. Charles Bronson, en la película Wild Bill Hickok vemos que a menudo usa gafas oscuras. Hay una base real para esta caracterización. En 1876, Hickok fue diagnosticado por un médico en Kansas City, Missouri, con glaucoma y "oftalmia". En realidad, probablemente estaba afligido con tracoma , un trastorno de visión común de la época.La película también muestra correctamente la forma en que Wild Bill llevaba sus revólveres, encajados en su cinturón o faja sin ningún tipo de funda. Por cierto, Charles Bronson tenía unos cincuenta y cinco años de edad cuando apareció en esta película, un año más que el viejo que le acompaña, Jack Warden.

La película contó con actuaciones muy cortas por parte de importantes actores y actrices. Entre ellas Kim Novak que, en principio, se había retirado del cine con apenas 32 años para casarse. Luego se divorció y regresó con películas consideradas menores como este “El desafío del búfalo blanco” ganado por ello la cifra de $ 50,000 por sólo 3 días de trabajo..

El film combina una gran fotografía de parajes nevados y bosques fríos junto a desiertos áridos y rocosos, todo ello condimentado por la excelente banda sonora de John Barry , una excelente puesta en escena junto al magnífico plantel de actores secundarios que lo conforman, entre ellos Stuart Whitman como "Winifred Coxy", Slim Pickens como "Abel Pinckney", la ya citada y siempre impresionante Kim Novak como "Pokey Jenny", Clint Walker como "Kileen Jack, John Carradine como "Amos Briggs" y especialmente Ed Lauter, el inmenso secundario fallecido el 16 de Octubre de 2013, conocido por sus papeles secundarios en numerosas series televisivas de los años ochenta.

La película es un western mestizo con historias de indios, a veces con un tono cercano a Leone  , con base en la realidad histórica de algunos de estos personajes como Wild Bill Hickok o lo criminal que fue la extinción de los bisontes, con esa escena memorable en la estación.

El tono general de la película es aceptable, y  auque haya elementos que a día de hoy nos pueden parecer ridículos dados los medios técnicos y digitales actuales lo ciero es que animatrónic es poco convincente. De cualquier manera el conjunto de la película es bueno e interesante, realizado  desde la eficacia y la profesionalidad.

Cada uno de los tres protagonistas principales de la historia  representa una diferente razón personal: Willd Bill la obsesión, Caballo loco la venganza, y Zane la codicia.

De esta película se dice que se asemeja aunque de forma lejana, a la novela Moby Dick, donde el protagonista obsesivo y enloquecido busca matar a un terrible y poderoso ser.

Como western, el film tiene un aire crepuscular, como el que el mundo en el que viven los protagonistas que, poco a poco, se está  extinguiendo ante una modernidad irrefrenable.

La ambientación soberbia, con todos esos paisajes desérticos, solitarios y bosques y montes nevados, dan la sensación de ser lugares casi mágicos, donde todo parece posible, y donde deambulan criaturas fantásticas como el mencionado búfalo.

Dirigido por J. Lee Thompson, El desafío del Búfalo Blanco, es un film que vi de pequeño y que desde luego me quedó grabado en la memoria por su carácter crepuscular y sus brillantes escenas de acción. Eso sí, narrativamente me ha parecido deslavazada. Si te gustan los western de los setenta, esta puede ser tu película.