El eslabón del Niágara

La Zwi Migdal fue una poderosa organización criminal internacional de trata de personas y explotación sexual que operó principalmente en Buenos Aires, Argentina, entre 1906 y 1930. Bajo la fachada de una sociedad de socorros mutuos judía, engañaban a mujeres de Europa del Este con falsas promesas de trabajo o matrimonio para forzarlas a la prostitución. 

Creada inicialmente como "Sociedad Israelita de Socorros Mutuos Varsovia", cambió su nombre a Zwi Migdal en 1926. Estaba compuesta mayormente por hombres judíos de origen polaco que formaban parte de una red de rufianes. Traían a las mujeres , llamadas comunmente "polacas",  y las sometían en prostíbulos. 

Más de 100 miembros fueron procesados ​​por asociación ilícita, corrupción y juego ilegal en 1930. En 1929, Raquel Liberman, una de las víctimas, logró escapar y denunciar a la red, lo que llevó a su desmantelamiento en 1930. 

La historia inspiró libros como La Polaca de Myrtha Schalom y personajes en novelas gráficas y series de televisión, posiblemente esta historia inspiró el libro The 13th Man de Murray Teigh Bloom del que parte esta película. 

Last embrace es una compleja película estadounidense del año 1979 dirigida por Jonathan Demme. Es una película de suspense con toques románticos pero también neo-noir de 1979 dirigida por Jonathan Demme y protagonizada por Roy Scheider , Janet Margolin , John Glover , Sam Levene , Charles Napier y Christopher Walken, junto a Andrew Duncan,  y David Margulies.  

Basada libremente en la novela The 13th Man de Murray Teigh Bloom, cuenta la historia de una mujer que asume un papel similar al del vengador bíblico Goel y mata a los descendientes de los Zwi Migdal , quienes esclavizaron a su abuela. 

La historia comienza cuando un agente del gobierno estadounidense Harry Hannan sufre una crisis nerviosa tras la muerte de su esposa Dorothy y pasa cinco meses en un sanatorio. Al regresar a su apartamento en Nueva York , lo encuentra ocupado por una estudiante de doctorado llamada Ellie Fabian. Ella le explica que había subarrendado el apartamento durante su último semestre de estudios en la Universidad de Princeton . Ellie afirma que la oficina de vivienda les dijo que los Hannan se irían indefinidamente. 

Le entrega a Harry una nota que había deslizado por debajo de la puerta, pero solo contiene unos pocos caracteres hebreos que él no puede leer. Preocupado por si su propia agencia lo tiene en la mira, Harry visita a su supervisor Eckart, quien le asegura que la agencia tiene prioridades más importantes. Eckart insiste en que Harry aún no está listo para regresar al trabajo de campo, pero que está perfectamente a salvo. 

Harry lleva la nota en hebreo a un rabino local, quien solo puede descifrarla parcialmente y le explica que significa " Vengador de la Sangre ". El rabino llama entonces a Sam Urdell y le informa que Harry lo ha visitado. 

Harry se da cuenta de que lo están vigilando, se deshace de su perseguidor y se dirige al Museo Americano de Historia Natural , donde trabaja Ellie. Él le da algo de dinero y la insta a hospedarse en un hotel, pues teme que sea víctima de un ataque accidental. 

Luego visita la tumba de su esposa, donde se enfrenta a su hermano, Dave Quittle. Posteriormente, Quittle visita a Eckhart, quien ordena el asesinato de Harry. Ellie se queda en el apartamento a pesar de la petición de Harry. Ellie sugiere que lleven la nota a su amiga en Princeton, que se especializa en estudios hebreos. 

Cuando Harry despierta de una pesadilla, le cuenta a Ellie sobre la muerte de Dorothy. Toma una pastilla recetada, pero la escupe al darse cuenta de que es cianuro. A la mañana siguiente, parten hacia Princeton. 

En el tren, Ellie le habla a Harry sobre su abuela, cuando Harry se da cuenta de que Quittle y un anciano los están observando. En Princeton, Richard Peabody descifra la nota para Harry. Peabody ha acumulado varias notas, todas relacionadas con asesinatos muy peculiares. Harry es el primero en recibir la nota y sobrevivir. También transmite un mensaje: alguien quiere reunirse con Harry en el patio del campanario al día siguiente. 

En el patio, Quittle tiende una trampa a Harry. Harry logra matar a Quittle durante un tiroteo en el campanario y luego se encuentra con Sam Urdell, el anciano del tren. Sam le explica que forma parte de un comité que investiga los asesinatos sangrientos. Analizan las distintas pistas y descubren que el abuelo de Harry era dueño de un burdel en el Lower East Side de Manhattan. 

Mientras en un hotel de las Cataratas del Niágara, Ellie, vestida de prostituta, atrae a Bernie Meckler a una bañera. Tras tener relaciones sexuales con él, lo ahoga. 

Mientras Harry y Sam recopilan la información, son conducidos de vuelta a Princeton. Harry se da cuenta de que Ellie es quien está asesinando a los hombres, todos ellos descendientes de miembros de Zwi Migdal que habían explotado sexualmente a su abuela. 

Conducen hasta las Cataratas del Niágara, donde tienen un emotivo enfrentamiento. Ella intenta matarlo, pero le confiesa que lo ama. Él se debate entre la verdad y la culpa, pero le dice que la delatará. Ellie huye, y él la persigue por la central hidroeléctrica Robert Moses del Niágara . Ella escapa en un autobús turístico, él roba otro y la sigue hasta la Cueva de los Vientos , donde la persigue por los túneles hasta que tienen un enfrentamiento final al borde de las cataratas. Tras enfrentarse rompen la barandilla y Harry agarra a Ellie, pero ella forcejea y cae al vacío. 

La película fue estrenada por United Artists el 4 de mayo de 1979 y recibió críticas mixtas Se trata de una película compleja la que el protagonista Harry, que trabaja para una agencia del gobierno, un viaje a México por asuntos de trabajo de horrorizado como asesino a su esposa allá en el paso. Harry se desmorona y pasa algún tiempo en un psiquiátrico pero cuando vuelva a casa encuentra a la entrada una amenaza de muerte escrita en hebreo. También descubre que en su apartamento ha sido alquilado a una hermosa y misteriosa mujer. 

Jonathan Demme recordó: «Había gente a la que le había gustado Citizens Band , algún productor que la conocía, así que me enviaron Last Embrace y me encantó la idea de hacer una película que tuviera el potencial de ser un thriller al estilo de Alfred Hitchcock . Con eso me refiero a ese tipo de suspense hitchcockiano y complejidad de personajes, así como de narrativa». A Demme también le atraía la oportunidad de "revelar algo extraordinario sobre la historia", concretamente la corrupción organizada, como la prostitución dirigida por personas dentro de la Iglesia judía. Demme pensaba que si Roy Scheider interpretaba el papel principal, "sería genial. Me había gustado mucho en algunas de sus películas anteriores y pensé que podría ser el Bogart de los años 80". 

Demme calificó la película como "".

Demme dijo: «Tenía un guion defectuoso, y nos esforzamos mucho por corregirlo, aunque también creo que tiene algunos valores. Más que nada, la experiencia me ayudó a comprender: no vayas a ver una película a menos que creas en el guion, porque si tú no lo crees, ¿cómo va a creerlo alguien más? Pero la hice porque me encanta ese tipo de películas y detesto la idea de hacer filmes similares»

El rodaje principal tuvo lugar en exteriores en la ciudad de Nueva York y en las cataratas del Niágara . Debido a que el rodaje coincidió con la temporada alta de turismo, la producción se limitó a filmar entre las 3:00 y las 8:30 de la mañana en los túneles que rodean las cataratas.  Se filmaron interiores adicionales en los estudios Metro-Goldwyn-Mayer en Hollywood.

Como ya hemos señalado la película recibió críticas mixtas. Vincent Canby, del New York Times, escribió sobre Scheider: «Ningún otro actor principal puede crear tanta tensión con un material tan modesto». Pero, ya en España. Fausto Fernádez la considera una obra maestra hitchconiana y de endemoniada maestría, que la considera una maravilla setentera. 

Nosferatu de Herzog

Recuerdo a ver visto esta película con 15 años en el cine de los Salesianos, en viernes por la tarde. Tendría que ser alrededor del año 1981. Desconocía para aquel entonces la obra previa de Murnau y que llevó por título Nosferatu Eine Symphonie des Grauensel _Nosferatu, una sinfonía del horrror-. interpretada por Max Schreck como el Conde Orlok. Yo vi la película de Herzog teniendo en mente el Drçacula setentero de la Hammer con Christopher Lee o , incluso, el Drácula interpretado por Bela Lugosi de Tod Browning y Karl Freund del año 1931. Evidentemente que extraño se me hizo este Nosferatu , el Vampiro - o Nosferatu: Phantom der Nacht  - 'Nosferatu: el fantasma de la noche'. Sobre todo por desconocer la obra de Bram Stoker o por carecer de códigos sobre lo que era un homenaje a una obra previa, o distinto elementos de los que era desconocedor como las danzas de la muerte que, en un momento, de la película juegan un papel esencial en esta película de terror gótico del año 1979 dirigida y escrita por Werner Herzog. Estaba claro que tenía que madurar más, ver más cine y tener más cultura para haberla visto. 

La película de Herzog sirve tanto como una nueva versión de la película Nosferatu de 1922 como una adaptación de la novela Drácula de Bram Stoker de 1897. 

La película de Herzog está ambientada en Wismar (Alemania) y Transilvania, en el siglo XIX y  está protagonizada por Klaus Kinski como el Conde Drácula , Isabelle Adjani como Lucy Harker, Bruno Ganz como Jonathan Harker y el artista y escritor francés Roland Topor como Renfield . 

Hay dos versiones diferentes de la película, una en la que los actores hablan inglés y otra en la que hablan alemán. Yo la he visto en Prime, en inglés. 

La película comienza con un recorrido por una catacumba en la que se ven cadáveres de distintas edades , desde la más temprana edad a la senectud, que nos deja con la idea de que vamos a ver un espectáculo en la que la muerte estará muy presente. 

La historia comienza en 1850, cuando Jonathan Harker (Bruno Ganz) un agente inmobiliario que vive y trabaja en la ciudad alemana de Wismar, que está recién casado con Lucy (Isabelle Adjani) y a la que quiere con locura, intentando darle una mejor casa y mejor vida. Ella últimamente sufre visiones extrañas con la presencia de murciélagos que entran en la habitación. 

También conocemos al jefe de Jonathan, Renfield (Roland Topor), un hombre que parece ido. Éste le informa a su empleado de que el noble Conde Drácula desea comprar una propiedad en Wismar, y le recomienda que le ofrezca una casa en ruinas cercana a la suya. . 

Harker es encomendado para visitar al Conde en su país de origen y cerrar el trato. Dejando atrás a su esposa Lucy, Harker viaja al castillo de Drácula en Transilvania, en un viaje que dura cuatro semanas, llevando consigo los documentos necesarios para vender la casa. 

Cuando ya esta cerca de poner fin al largo camino que le lleva al Castillo de Drácula, Harker se detiene en una posada, donde los lugareños, una comunidad gitana, que están en una taberna así como el tabernero,  le ruegan que se mantenga alejado del castillo maldito, proporcionándole detalles del vampirismo de Drácula. 

Ignorando las súplicas de los aldeanos como superstición, Harker continúa su viaje, ascendiendo por caminos tortuosos que le llevan al Paso de Borgo que lo hace a pie y llegando al castillo, donde de inmediato conoce a Drácula, un hombre con orejas grandes, piel pálida, dientes afilados y uñas largas. 

El Conde le ofrece una suculenta cena , pero durante la misma Jonathan se hace una herida en un dedo y el Conde le chupa en dedo, aunque Jonathan lo rechaza. 

Poco después el Conde queda encantado con un pequeño retrato de Lucy y acepta de inmediato comprar la propiedad de Wismar, especialmente sabiendo que ella se convertiría en su vecina. 

A medida que avanza la visita de Jonathan, se ve acosado por la noche por varios encuentros con Drácula. 

Mientras en Wismar, Lucy sigue estando atormentada por pesadillas, plagadas de imágenes de fatalidad inminente. Lucy es atendida y consolada por su amiga Mina y por su esposo intentado mininizar sus temores relacionados con la muerte de Jonathan. 

Una noche, cuando Harker ha decidido procede a la vuelta, aunque debilitado por las sangrías realizadas por el Conde descubre para su horror en un sótano del Castillo al Conde dormido en un ataúd, lo que le confirma que Drácula es de hecho un vampiro. 

Esa misma noche, Drácula parte para su destino final en Wismar, llevándose ataúdes llenos de la tierra maldita que necesita para su descanso vampírico. 

Harker, que ve la salida del Conde, se encuentra preso en el castillo e intenta escapar a través de una ventana con una cuerda improvisada hecha con sábanas. La cuerda no es lo suficientemente larga y Jonathan se cae, lastimándose gravemente. 

A la mañana siguiente, se despierta en el suelo, conmovido por el sonido de un joven gitano tocando el violín. 

Finalmente, Jonathan saca fuerzas de flaqueza y llega hasta la taberna. Allí ven el estado de debilidad en el que se encuentra y es enviado a un hospital. Durante su estancia habla a los que le escuchan de los "ataúdes negros" ante los médicos, quienes suponen que la enfermedad está afectando su mente. 

Drácula y sus ataúdes viajan a Wismar en barco a través del puerto de Varna en el Mar Negro, desde allí a través del Bósforo y el estrecho de Gibraltar, y rodeando la costa atlántica de Europa occidental por el Golfo de Vizcaya hasta el Mar Báltico. A través del Capitán del barco, conocemos como al partir las autoridades portuarias revisaron los ataudes descubriendo únicamente tierra y ratas. Durante el trayecto en Capitán recoge en el cuaderno de bitácora como han ido desapareciendo algunos integrantes de la tripulación, habiendo aparecido asesinados otros. Finalmente, el capitán se ata al timón y llega muerto a Wismar.  Drácula ha matado a la tripulación del barco, haciendo que parezca que están afectados por la peste. 

El barco fantasma llega a Wismar, donde los médicos y las autoridades portuarios y municipales, incluido Abraham Van Helsing, investigan el destino del barco. 

Descubren un diario de a bordo que menciona la posibilidad de que todos hayan muerto por la afectación de la plaga de peste. Desde el barco de Wismar la ciudad se inunda entonces de ratas procedentes del barco que empienzan a invadir la ciudad en su totalidad. . 

Por la noche Drácula descarga sus ataúdes que los deposita en la vivienda que ha comprado cerca de Harker y poco después se ve con Reinfeld al que el Conde le pide que se lleve parte de las ratas más al norte.

Mientras la muerte se extiende por toda la ciudad, Lucy llora la desaparición de Jonathan pues del mismo no hay noticia alguna. 

Sin embargo, un enfermo y muy debilitado Jonathan es transportado a casa, pero no parece reconocer a Lucy cuando finalmente llega y dice que la luz del sol le está haciendo daño. 

Más tarde, Lucy se encuentra con Drácula. Cansado e incapaz de morir, él exige algo del amor que ella le da a Jonathan, en vano. Ahora consciente de que algo más que la peste es responsable de la muerte que ha asolado Wismar. La muerte no ha respetado a nadie. Han muerto las autoridades municipales, ricos y pobres, personas mayores y jóvenes.

Lucy intenta convencer a los habitantes del pueblo, que se muestran escépticos y desinteresados, participando en una danza macabra y teniendo una última cena . Únicamente es escuchada por el Doctor Van Helsing, aunque tiene dudas.

A partir de un libro entregado a Jonathan por los transilvanos, Lucy descubre que puede derrotar a Drácula distrayéndolo hasta el amanecer, momento en el que los rayos del sol lo destruirán, pero solo a costa de su propia vida. Jonathan se enferma más a medida que su memoria empeora y su piel se vuelve pálida. 

Esa noche, Lucy pone un anillo de hostias consagradas desmenuzadas alrededor de Jonathan y atrae a Drácula a su dormitorio, donde bebe su sangre. Lucy distrae a Drácula del canto del gallo y, con las primeras luces del día, muere. 

Van Helsing llega y descubre que Lucy está muerta, pero ha vencido. Entonces clava una estaca en el corazón de Drácula para asegurarse de que el sacrificio de Lucy no haya sido en vano. 

Jonathan despierta de su enfermedad, convertido en vampiro, y hace que arresten a Van Helsing por el asesinato de Drácula. 

Jonathan declara entonces que tiene mucho que hacer y se marcha a caballo, vestido con el mismo negro ondeante que Drácula mientras recorre una playa solitaria, mientras termina la película.

La producción de Herzog de Nosferatu fue muy bien recibida por los críticos y disfrutó de un cómodo grado de éxito comercial. La película también marca la segunda de cinco colaboraciones entre el director Herzog y el actor Kinski,  después de Aguirre, la ira de Dios de 1972. 

La película tuvo 1.000.000 de espectadores en Alemania Occidental y recaudó 53.870.000 ITL en Italia. También fue un éxito modesto en el país natal de Adjani, con 933.533 espectadores en Francia.  

Paul Monette escribió una novelización del guion y la publicaron tanto Avon Publishing como Picador en 1979. La película de terror italiana de 1988 Nosferatu en Venecia es una "secuela sólo de nombre",  nuevamente con Kinski en el papel principal. 

Aunque la historia básica se deriva de la novela Drácula de Bram Stoker , el director Herzog hizo la película de 1979 principalmente como un homenaje a la versión de la película muda Nosferatu (1922) de F. W. Murnau , que difiere un poco del trabajo original de Stoker. 

Los creadores de la película anterior sobre Nosferatu cambiaron varios detalles menores y nombres de personajes. Tampoco tenían permiso para usar la propiedad intelectual de la novela, que era propiedad (en ese momento) de la viuda de Stoker, Florence . Se presentó una demanda, que resultó en una orden de destrucción de todas las copias de la película. Algunas copias sobrevivieron y fueron restauradas después de que Florence Stoker muriera y los derechos de autor expiraran. 

En la década de 1960 y principios de la de 1970, el cine mudo original volvió a circular y fue disfrutado por una nueva generación de cinéfilos. Herzog consideraba que Nosferatu de Murnau era la mejor película jamás hecha en Alemania,  y estaba ansioso por hacer su propia versión de la película, con Klaus Kinski en el papel principal. 

En 1979, el mismo día en que los derechos de autor de Drácula habían entrado en el dominio público , Herzog procedió con su versión actualizada de la clásica película alemana, que ahora podía incluir los nombres de los personajes originales.

Herzog vio su película como una parábola sobre la fragilidad del orden en una ciudad burguesa y austera. "Es más que una película de terror", dijo. "Nosferatu no es un monstruo, sino una fuerza de cambio ambivalente y magistral. Cuando la plaga amenaza, la gente arroja sus propiedades a la calle; se deshace de sus atavíos burgueses. Se produce una reevaluación de la vida y su significado". 

Adjani dijo sobre su heroína: "Hay un elemento sexual. Poco a poco se siente atraída por Nosferatu. Siente una fascinación, como todos pensaríamos. Primero, espera salvar a la gente de la ciudad sacrificándose. Pero luego, hay un momento de transición. Hay una escena en la que él está chupando su sangre - chupando y chupando como un animal - y de repente, el rostro de ella adquiere una nueva expresión, una expresión sexual, y ella ya no lo dejará marchar. Hay un deseo que ha nacido. Un momento como este nunca se ha visto en una película de vampiros".

Según Kinski: "Vemos a Drácula con simpatía [en esta película]. Es un hombre sin libre albedrío. No puede elegir y no puede dejar de existir. Es una especie de encarnación del mal, pero también es un hombre que sufre, sufre por amor. Esto lo hace mucho más dramático, más de doble filo".

Nosferatu el vampiro fue coproducida por Werner Herzog Filmproduktion , la compañía cinematográfica francesa Gaumont y la estación de televisión pública de Alemania Occidental ZDF . Como era común para las películas de Alemania Occidental durante la década de 1970, Nosferatu el vampiro se filmó con un presupuesto mínimo y con un equipo de solo 16 personas. 

Herzog no pudo filmar en Wismar , donde se filmó la película original de Murnau, por lo que trasladó la producción a Delft , Países Bajos. 

Partes de la película se filmaron en la cercana Schiedam , después de que las autoridades de Delft se negaran a permitir que Herzog liberara 11.000 ratas para una escena de la película.  La casa de Drácula está representada por ubicaciones en Checoslovaquia . Herzog originalmente tenía la intención de filmar en Transilvania , pero el régimen de Nicolae Ceauşescu no lo permitió debido a la relación entre el personaje del conde Drácula y Vlad el Empalador . El castillo de Pernštejn sustituye al castillo de Drácula en la película, tanto en el interior como en el exterior. 

A petición de la distribuidora 20th Century Fox , Herzog produjo dos versiones de la película simultáneamente para atraer al público de habla inglesa. La mayoría de las escenas con diálogos se filmaron dos veces, una en alemán y otra en inglés, aunque algunas escenas se filmaron una vez con doblaje según fuera necesario. 

En 2014, Herzog calificó la versión en inglés como "genial", pero la versión alemana como la versión "más auténtica" de las dos.

Herzog filmó la secuencia de apertura en el museo de las Momias de Guanajuato , en Guanajuato , México , donde se exhiben al público una gran cantidad de cuerpos momificados de forma natural de las víctimas de una epidemia de cólera de 1833. Herzog había visto por primera vez las momias de Guanajuato durante una visita en la década de 1960. A su regreso en la década de 1970, sacó los cadáveres de las vitrinas donde normalmente se almacenaban. Los apoyó contra una pared para filmarlos, ordenándolos en una secuencia que va aproximadamente desde la infancia hasta la vejez. 

El maquillaje de Drácula de Kinski, con traje negro, cabeza calva, dientes de rata y uñas largas, es una imitación del maquillaje de Max Schreck en el original de 1922. La maquilladora que trabajó en Kinski fue la artista japonesa Reiko Kruk. Aunque se peleó con Herzog y otros durante la realización de otras películas, Kinski se llevó bien con Kruk, y las sesiones de maquillaje de cuatro horas se llevaron a cabo sin arrebatos del propio Kinski. Varias tomas de la película son recreaciones fieles de imágenes icónicas de la película original de Murnau, algunas casi perfectamente idénticas a sus contrapartes, pensadas como homenajes a Murnau. 

La banda sonora de Nosferatu el vampiro fue compuesta por el grupo de Alemania Occidental Popol Vuh , que ha colaborado con Herzog en numerosos proyectos. La música de la película incluye material del álbum del grupo Brüder des Schattens – Söhne des Lichts . Además, la película presenta el preludio de Richard Wagner a Das Rheingold , "Sanctus" de Charles Gounod de Messe solennelle à Sainte Cécile y la canción folclórica tradicional georgiana " Tsintskaro ", cantada por el Vocal Ensemble Gordela. 

La película obtuvo algunos premios y reconocimientos. En el 29 Festival Internacional de Berlín sw 1979 si bien no obtuvo el Oso de Oro a la Mejor película, si fue ganadora del Oso de Plata para Henning von Gierke por el diseño de producción. Fue nominada por la National Society of Film Critics al Mejor actor para Klaus Kinski. La National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) la incluyó como una de las Mejores películas extranjeras del año. Obtuvo algunos Premios del cine Alemán 1979 ganando entre otros el de Mejor actor (Klaus Kinski). Y en los Premios Saturn del 1979 fue nominada al Mejor film internacional y al Mejor vestuario (Gisela Storch).  

Hubo alguna polémica con respecto al trato de los animales. El biólogo holandés Maarten 't Hart , contratado por Herzog por su experiencia con ratas de laboratorio, reveló que, después de presenciar la forma inhumana en que se trataba a las ratas, ya no quería cooperar. Aparte de las malas condiciones de viaje que las ratas, importadas de Hungría, habían comenzado a comerse entre sí al llegar a los Países Bajos, Herzog insistió en que las ratas blancas comunes se tiñeran de gris. Para hacerlo, según 't Hart, las jaulas que contenían las ratas debían sumergirse en agua hirviendo durante varios segundos, lo que provocó la muerte de la otra mitad de ellas. Las ratas supervivientes procedieron a lamerse para limpiarse el tinte de inmediato, como 't Hart había predicho que harían. 't Hart también dio a entender que las ovejas y los caballos que aparecen en la película fueron tratados muy mal, pero no especificó nada más. 

Vincent Canby en las páginas del The New York Times comentó que "Es divertida sin ser tonta, inquietante sin ser ridícula y extraordinariamente bella de una manera que nada tiene que ver con la mera hermosura" .

Roger Ebert columnista habitual del The Chicago Sun-Times revisó la película en su estreno en 1979, otorgándole cuatro estrellas de cuatro posibles, escribiendo: "No hay nada agradable en el vampiro de Herzog", que fue "interpretado totalmente sin ego por Klaus Kinski". Ebert añadió: "Esta película ni siquiera da miedo. Es tan lenta que a veces resulta meditativa, pero es la serie de imágenes más evocadora centrada en la idea del vampiro que he visto desde Nosferatu de F.W. Murnau, que se hizo en 1922". 

En 2011, Ebert añadió la película a su "Gran colección de películas". Para concluir su reseña, Ebert dijo: Una cualidad sorprendente de la película es su belleza. El ojo pictórico de Herzog no suele recibir el crédito suficiente. Sus películas siempre lo eclipsan con sus temas. Nos centramos en lo que sucede y hay pocas "fotos hermosas". Observe aquí su control de la paleta de colores, sus composiciones descentradas, el contrapunto dramático de luz y oscuridad. Aquí hay una película que hace honor a la seriedad de los vampiros. No, no creo en ellos. Pero si fueran reales, así es como deben verse. Y añadió en rogerebert.com  que era "Una película de notable belleza (...) He aquí un filme que hace honor a la seriedad de los vampiros (...) "  

Dave Kehr en otro diario de Illimois , el Chicago Reader escribió que "Las interpretaciones son demasiado excéntricas y el curso narrativo, demasiado débil para satisfacer a los fans del género, pero los admiradores de Herzog encontrarán mucho en sus paisajes animistas y en su visionaria imaginería" 

Para Keith Uhlich de  Time Out se trató de "Un pináculo del cine de horror: atmosférica, rapsódica y - en especial en las confrontaciones a fuego lento entre Lucy y su enamorado sobrenatural - dolorosamente trascendente (...)" 

El crítico John J. Puccio de MovieMet la considera un homenaje fiel a la película original de Murnau, actualizando significativamente el material original y evitando el peligro de ser demasiado derivada.

En el Reino Unido Wendy Ide desde las páginas del The Times reseñó que era "Una mezcla curiosa: a veces, delirante y exagerada, otras veces, melancólica, contemplativa y extrañamente hermosa" 

Para Peter Bradshaw en The Guardian "Kinski está realmente aterrador (...) Éste es el viaje de Herzog al corazón de las tinieblas (...)"

En las reseñas contemporáneas, la película se destaca por mantener un elemento de terror, con numerosas muertes y una atmósfera sombría. Aun así, presenta una trama más amplia que muchas producciones de Drácula, con un mayor énfasis en la trágica soledad del vampiro. Drácula sigue siendo una figura espantosa, pero con un mayor sentido del patetismo; cansado, no amado y condenado a la inmortalidad. 

La película de Herzog está profundamente arraigada en la estética de los años 70, respondiendo a lo que se vino a llamar el  Nuevo Cine Alemán de los años 70 que buscaba liberarse de las formas tradicionales y conectarse con temas más profundos, más emocionales y a menudo más oscuros pero también más sublime, lo siniestro y la profunda belleza de la naturaleza más que de estética gótica , romántica. 

 Es una producción con claras limitaciones. No se hizo con un presupuesto enorme, pero está bien hecha. Herzog logró una película visualmente impactante rodada en escenarios reales, como Delft, el castillo de Pernštejn en la República Checa y Schiedam, lo que le da a la película un aire de autenticidad y una calidad de atmósfera inquietante. 

El equipo de producción fue pequeño, solo 16 personas, y el uso deliberado de efectos prácticos y recursos restringidos en la película contribuye a su atmósfera única. 

La secuencia de apertura de la película presenta cuerpos momificados del museo de las Momias de Guanajuato en México. Estas imágenes macabras, combinadas con tomas en cámara lenta de murciélagos volando, le dan un tono inquietante a la historia y sumergen inmediatamente al espectador en su mundo oscuro y atemporal. 

A destacar el trabajo de uno de sus actores habituales, Bruno Ganz  como el estoico y , finalmente, transformado Jonathan Harker; con una Isabelle Adjani  fascinante como Lucy Harker, en la que destaca su belleza  y potencia sexual. Junto a ellos un atormentado Klaus Kinski. Finalmente, un pequeñísimo papel para Roland Topor como Renfield, el siervo del Conde, pleno de locura y sumisión. 

Las escenas en la naturaleza, con las montañas, el pueblo gitano y otros paisajes naturales, son brillantes y transmiten una sensación de sublime. Por el contrario, mucho más teatral son los elementos ficticios tales como las orejas protésicas de Klaus Kinski o el maquillaje blanco que solo cubre su rostro. En este sentido la iluminación interior a menudo revela su artificialidad, pero eso ayuda a dar el toque gótico en la misma medida que el uso estratégico de la luz que no deja de ser un guiño al expresionismo alemán que homenajea. Hay una reciente adaptación de Eggers que tengo pendiente que ver.  

Bienvenido, Mister Chance

He grabado esta película por error. Tenía en mente Adiós, Mister Chips, una película británica en blanco y negro del año 1939 dirigida por Sam Wood, una película sobre un profesor, el Señor Chipping, que impartía clase en Brookfield con Robert Donat de protagonista que vi de niño y que me encantó. Sabía que había una versión posterior, del año 1969, un musical, dirigida por Herbert Ross y con Peter O´Toole, y creía que era esta la que emitía, pero me equivoqué. No era Adios, sino Bienvenido. No era Mister Chips, sino Mister Chance. No era Peter O´Toole, sino otro Peter, Sellers. En definitiva, error tras error he llegado a Bienvenido, Mister Chance. 

Con el título de Being There, en su versión original, Hal Ashby firmó en mil novecientos setenta y nueve (1979), Bienvenido Mister Chance, una película basada en la novela homónima cuyo autor el escritor polaco-norteamericano, Jerzy Kosinski, recibió un día un telegrama muy curioso en el que alguien que se hacía pasar por el personaje protagonista escribía: "Estoy disponible dentro fuera de mi jardín". Se añadía un número de teléfono y Kosinski lo marcó. Al otro lado de la línea contestó la voz de Peter Sellers quien pasó a protagonizar la película dirigida por Hall Ash en una de las más memorables interpretaciones de su carrera y que le supuso una nominación al oscar al mejor actor. Otra nominación pero también concretada como Óscar lo fue para el mejor actor secundario en la persona del actor Melvin Douglas. 

Al poco tiempo el mismo Jerzy Kosiński y Robert C. Jones estaban trabajando en el guion para la productora Lorimar Television que contó con un presupuesto de 7 millones de dólares y contratando en la banda sonora a Johnny Mandel, en la fotografía a Caleb Deschanel y en el montaje a Don Zimmerman. Al elenco junto a Peter Sellers, se sumaron Shirley MacLaine, Jack Warden, el veteranísimo Melvyn Douglas, Richard Dysart y Richard Basehart. Esta fue la penúltima película en la que participó el actor británico Peter Sellers antes de su muerte en 1980. 

El rodaje es relatado en The life and death of Peter Sellers, una película biográfica sobre este actor estrenada en 2004. En 2015, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. 

Nada más comenzar la película conocemos a Chance (Peter Sellers ), un hombre de mediana edad, sencillo, al que le gusta ver cualquier programa de la televisión, que vive en la casa de un anciano adinerado en Washington D. C.

Desconocemos su relación con el señor. No está a sueldo de él, y lleva allí toda la vida. La ha pasado cuidando el jardín y nunca ha salido de la propiedad. Aparte de la jardinería, su conocimiento se deriva enteramente de lo que ve en la televisión. Cuando recibe la información por parte de la criada negra de la casa, Louise (Ruth Attaway), de que su amo ha muerto ni se inmuta. 

Cuando éste recibe a los abogados, y le pregunta por el grado de relación, Chance comenta que ninguna, que es únicamente el jardinero , aunque no consta contrato alguno por parte de ellos. Así que el abogado le pregunta si va a solicitar algún tipo de reclamación, Chance le dice que no, por lo que los abogados le pide que se mude al día siguiente. 

Así que este sencillo jardinero con cerca de sesenta años, incapaz de leer, que ha vivido y trabajado durante la mayor parte de su vida en la mansión de este hombre adinerado y solitario, totalmente aislado de la realidad y que toda su relación con el mundo exterior ha sido a través del televisor que apenas se entiende y con el que siempre han dado zapeando de un canal a otro sale de la casa. 

Al salir vemos que se encuentra en un espacio degradado. Chance vaga sin rumbo, descubriendo el mundo exterior por primera vez. Tiene hambre. No sabe como conseguir comida. 

Con su aspecto, portando un bombín y elegantemente vestido se encuentra con un grupo de chiquillos. Estos se encaran con él y le preguntan por un tal Raphael, al que amenazan Le dice que si se encuentra con éste que le pincharán en el culo con las navajas con los que le han amenazado. 

Poco después, ya anocheciendo, al pasar Chance por una tienda de televisión, se ve capturado por una cámara en el escaparate. Extasiado, se aleja de la acera descuidadamente y es atropellado por un auto con chofer que es propiedad del anciano magnate de negocios Ben Rand (Melvyn Douglas). 

En el auto está la esposa, mucho más joven de Rand, Eve (Shirley MacLean). Cuando le preguntan como se encuentra, Chance responde que dolorido de una pierna. Y al preguntarle por su nombre dice llamarse "Chance, el jardinero" en respuesta a la pregunta de quién es él, y Eve entiende que se llama "Chauncey Gardiner". 

Así que Eve le propone, primero llevarlo a un hospital, pero después cambia de idea y lleva a Chance a su casa para recuperarse. Lleva ropa cara a medida de los años veinte y treinta, que su benefactor le había permitido quedarse de todo aquello que tenía en el ático de la casa. Sus modales son anticuados y corteses. 

Tras ser atendido por Allenby (Richard A. Dysart), el médico que atiende al marido de Eve. Tras eso va a conocer a Ben, el marido de Eve. Cuando Benjamin «Ben» Turnbull Rand (Douglas) se encuentra con él, toma a "Chauncey" por un hombre de negocios de clase alta y alto nivel educativo que ha pasado por momentos difíciles. Rand lo admira, encontrándolo directo, sabio y perspicaz. "Chauncey" conoce al presidente de los Estados Unidos, que es amigo de Rand. 

En una discusión sobre economía, Chance toma su ejemplo de las palabras "estimular el crecimiento" y habla sobre los cambios en las estaciones que sufren las plantas y los árboles del jardín. El presidente interpreta erróneamente esto como un consejo político optimista y cita a “Chauncey Gardiner” en un discurso público retransmito por televisión. 

Chance adquiere entonces prominencia nacional, asiste a cenas importantes, desarrolla una estrecha relación con Vladimir Skrapirov (Richard Basehart) el embajador soviético y aparece en un programa de entrevistas televisivo - que es visto por Louise que dice de Chance que no sabe ni leer, durante el cual sus consejos detallados sobre lo que debe hacer un jardinero serio se malinterpretan como su opinión sobre cuál sería su política presidencial . Aunque ahora se ha elevado a la cima de la sociedad de Washington, el Servicio Secreto y otras 16 agencias no pueden encontrar información de antecedentes sobre él. 

Durante este tiempo, el médico de Rand, el Dr. Allenby, sospecha cada vez más que Chance no es un experto e inteligente político y que el misterio de su identidad puede tener una explicación más mundana y considera decírselo a Rand, pero mantiene su silencio al darse cuenta de lo feliz que está haciéndolo en sus últimos días. 

El moribundo Rand anima a Eve a acercarse a "Chauncey". Ella ya se siente atraída por él y hace un avance sexual. Chance no tiene interés ni conocimiento sobre el sexo, pero imita una escena de besos de la película de 1968, The Thomas Crown Affair, que aparece en la televisión. Cuando la escena termina, Chauncey se detiene de repente y Eve acaba confundida. Ella le pregunta qué le gusta, es decir, sexualmente; Él responde: "Me gusta ver", es decir, la televisión. Ella se desconcierta momentáneamente, pero está dispuesta a masturbarse por su placer voyerista, por lo que no se da cuenta de que se ha vuelto a la TV y está imitando un ejercicio de yoga en un canal diferente. 

Chance está presente en la muerte de Rand y muestra su sincera tristeza por su muerte. Interrogado por el Dr. Allenby, admite que "ama mucho a Eve" y también que solo es un jardinero. Cuando se va para informar a Eve de la muerte de Ben, Allenby se dice a sí mismo: "Entiendo", pero la interpretación de eso se deja al espectador. 

Mientras el presidente pronuncia un discurso en el funeral de Rand, los portadores del féretro, todos ellos hombres muy poderosos, sostienen una conversación susurrada sobre posibles reemplazos para el presidente en el próximo mandato y acuerdan por unanimidad que Chauncey Gardiner debe ser el sucesor. Ignorando todo esto, Chance se aleja por la finca de Rand. 

Endereza un pino aplastado por una rama caída, luego camina por la superficie de un lago. Hace una pausa, hunde su paraguas profundamente en el agua bajo sus pies (confirmando al espectador que no es sólo una capa de agua en el suelo), luego continúa, mientras se escucha al presidente que cita a Rand: "La vida es un estado de mente." Mientras los créditos van apareciendo al final de la película vemos una toma descartada conocida como "toma descartada de Rafael". 

Comentar que a Sellers le disgustó que se publicara la toma descartada porque creía que le quitaba la mística de Chauncey. También creía que eso le impedía ganar el Oscar. 

Para el papel el director se planteó a Burt Lancaster, la primera elección de Ashby para el papel de Ben Rand y Laurence Olivier también fue considerado para el papel, pero lo rechazó debido a la escena de la masturbación. 

El rodaje principal tuvo lugar en Biltmore Estate, la casa privada más grande de los Estados Unidos, ubicada en Asheville, Carolina del Norte. Según MacLaine, "(Peter) creía que era Chauncey. Nunca almorzó conmigo... Fue Chauncey Gardiner durante todo el rodaje, pero creía que estaba teniendo una historia de amor conmigo". 

El final original tal como está escrito en el guion se filmó; muestra a Eve encontrando a Chance junto al lago, declaran que se han encontrado y ambos regresan juntos. Sin embargo, Ashby no estaba contento con este final, por lo que hizo sumergir una plataforma en el lago para que Sellers caminara, creando la enigmática escena final de la película. 

La nieta de Melvyn Douglas, Illeana Douglas, visitó el set y conoció a Peter Sellers, su actor favorito. Desde entonces, le ha dado crédito a la película por inspirarla a seguir una carrera en la actuación. 

Según Illeana, Sellers y Douglas se conocían desde la década de 1940, cuando se conocieron por primera vez en la campaña de Birmania (1944-1945) durante la Segunda Guerra Mundial. A menudo recordaban sus días de guerra mientras estaban en el set. 

La realización de la película se describe en La vida y muerte de Peter Sellers, una película biográfica de la vida de Sellers. 

La música incidental se utiliza con mucha moderación. La poca música original que se utiliza fue compuesta por Johnny Mandel y presenta principalmente dos temas de piano recurrentes basados en "Gnossiennes" No. 4 y No. 5 de Erik Satie. 

Las otras piezas musicales importantes utilizadas son el arreglo de jazz/funk de Eumir Deodato de la fanfarria de apertura de Also Sprach Zarathustra y "Basketball Jones" de Cheech y Chong. Estas piezas acompañan respectivamente a los créditos del título y a la primera llegada de Chance a Biltmore Estate. 

Mandel también contó con la ayuda de su primo y compañero compositor Miles Goodman con la orquestación de la película. 

La película recibió críticas positivas y le dio a Sellers un éxito después de muchas películas fallidas fuera de la serie Pink Panther. 

El crítico de cine de Chicago, Gene Siskel habitual del Chicago Tribune, consideró que la película era perfecta, calificándola de "una de esas películas raras, una obra de comedia tan eléctrica que es más probable que la veas con asombro que que te rompas a reír". 

Otro crítico de Chicago Dave Kehr: Chicago Reader"Nadie parece saber qué hacer con el tono alegórico del guion de Kosinski, pero en conjunto, mantiene un buen nivel de ingenio, sofisticación y reflexión"  

Por último, el habitual columnista del Chicago Sun Times, en 2006, Roger Ebert mencionó la reacción de sus alumnos ante la escena final (que es exclusiva de la película y no aparece en el libro), afirmando que una vez sugirieron que Chance podría estar caminando sobre un muelle sumergido. Pero, escribe Ebert, "La película nos presenta una imagen, y si bien se puede discutir el significado de la imagen, no está permitido idear explicaciones para ella. Dado que Ashby no muestra un muelle, no hay muelle; una película". es exactamente lo que nos muestra, y nada más." 

Janet Maslin del The New York Times dijo de ella que era "Una sátira bella y majestuosamente interpretada, con una premisa divertida, pero frágil" 

Variety la calificó de "una película altamente inusual e inusualmente buena" que "representa el trabajo más impactante de Peter Sellers desde mediados de la década de 1960". 

Kevin Thomas de Los Angeles Times la llamó "una película gentil y exquisitamente divertida", y agregó que "Sellers no ha sido tan fantástico, ni ha tenido un material tan fantástico, en años".  Y por parte de Ron Pennington del The Hollywood Reporter "Una de las películas más encantadoras del año (...) La dirección de Hal Ashby es perfecta plasmando el original humor y la amable sátira de la obra"

Vincent Misiano revisó Being There en la revista Ares y comentó que "el humor de la película nunca flaquea y, sin embargo, su ironía delicadamente amarga nunca está lejos. Satiriza la política y los políticos, las empresas y los hombres de negocios y, finalmente, al resto de nosotros y lo que imaginemos que vemos cuando nos miramos unos a otros». 

Por último, Ian Nathan del británico Empire dijo de ella que "Invita a los espectadores a convertirse en creyentes: es una prueba de candidez universal (...) "

La película presentada en Cannes, consiguió importantes reconocimientos y nominaciones. En los öscar de 1980 fue nominado Peter Sellers al mejor actor, aunque únicamente consiguió el Óscar al mejor actor de reparto para Melvyn Douglas. 

En los Globo de Oro sí se llevó el de mejor actor - Comedia o musical para Peter Sellers y el Globos de Oro al mejor actor de reparto para Melvyn Douglas, siendo nominado a los Globos de Oro para la mejor película - Comedia o musical, el mejor director para Hal Ashby, la mejor actriz - Comedia o musical para Shirley MacLaine y al mejor guion para Jerzy Kosiński. 

En los BAFTA fue premiado al mejor guion original para Jerzy Kosinski, siendo nominados a la mejor película, al mejor actor para Peter Sellers y mejor actriz para Shirley MacLaine. 

Comentar igualmente que la película ganó el Premio del Sindicato de Guionistas (WGA) al mejor guion adaptado comedia (Jerzy Kosinski); el del Círculo de Críticos de Nueva York al Mejor actor (Peter Sellers), quedando nominado al de Mejor actor de reparto (Melvyn Douglas), Mejor guión (Jerzy Kosinski). 

La National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) la incluyó en las Mejores 10 películas del año, y premió igualmente a Mejor actor (Peter Sellers). 

La Asociación de Críticos de Los Ángeles dió como ganadora a esta película y como Mejor actor secundario (Melvyn Douglas). 

Y en los 5º Premios de la Academia Japonesa (Películas del 1981) la nominó a Mejor film de habla extranjera eso por nombrar algunos. 

Al menos me alegro en este caso de haberme equivocado y he visto lo que no esperaba ver, una comedia contenida, bien desarrollada, magníficamente interpretada y con una historia compleja sobre un hombre siempre en una sociedad que espera respuesta complejas a temas simples...o no.

Terror en Amityville

Uno de estos clásicos descubiertos en el mítico programa de Chicho Ibáñez Serrador titulado Mis terrores favoritos, junto con otras películas míticas como No molestar el sueño de un muerto y tantas otras que Chicho nos presentó en este magnífico y mítico programa que nos hizo descubrir lo maravilloso y entretenido y terrorífico que puede ser el cine de este género.

En este caso, Terror en Amityville es todo un clásico del género realizada en el año 1979 que contó con la dirección de un grande como Stuart Rosenberg director de Cool Hand Luke (1967) con un Paul Newman de relumbrón, o dos obras estrenadas en 1961, Question 7 y The Defenders y con guion escrito por Sandor Stern .

Se trata de una historia supuestamente real ocurrida en Amityville, Nueva York, en donde un asesino, Ronald DeFeo Jr., cometió el asesinato en masa de su familia en 1974. La película fue rodada en New Jersey sobre George ( James Brolin) y Kathleen Lutze (Margot Kidder) , que se hacen con la casa de sus sueños a sabiendas de que en ella años antes se había cometido un asesinado múltiple hasta convertirse en su pesadilla. Los nuevos inquilinos de esa casa cuyos anteriores un plan de habían sido asesinados mientras dormían van a descubrir cómo desde el primer momento se sienten amenazados por el mar en esta cerradura historia de fantasmas.

La trama de la película se centra en la familia Lutz, compuesta por George Lutz, Kathy Lutz y sus tres hijos. La familia decide mudarse a una hermosa casa en Amityville, que han comprado un precio muy bajo debido a un trágico suceso ocurrido allí anteriormente. Sin embargo, pronto comienza a suceder cosas extrañas y perturbadoras en la casa, lo que lleva a la familia a experimentar fenómenos paranormales ya cuestionar su cordura. 

La película comienza con la escena del asesinato de la familia DeFeo, que anteriormente había vivido en la casa sita en el 112 de Ocean Avenue en Amityville, Nueva Yor. Ronald DeFeo Jr., el hijo mayor, asesina a sus padres ya sus cuatro hermanos mientras duermen en las primeras horas de la mañana del 13 de noviembre de 1974. 

Después de esta introducción, la película se centra en la familia Lutz, quienes se mudan a la casa un año después de los asesinatos. 

Un año después, los recién casados de clase media George y Kathy Lutz se mudan a la casa con los tres hijos de Kathy de un matrimonio anterior: Greg, Matt y Amy. A medida que pasan los días, George y Kathy comienzan a notar extraños sucesos en la casa. Hay presencias invisibles, se escuchan ruidos inquietantes, los objetos se mueven solos y los eventos paranormales se intensifican. Además, George experimenta cambios drásticos en su personalidad y se vuelve cada vez más agresivo y distante. 

A pesar de la irreligiosidad de George, Kathy, una católica romana nominal, solicita al sacerdote jesuita, el padre Delaney (Rod Steiger), que bendiga la casa. Delaney llega mientras la familia está paseando en bote por Long Island Sound. El sacerdote llamado, el Padre Delaney, visita la casa para bendecirla, pero es atacado por fuerzas sobrenaturales y sufre una experiencia aterradora. 

Al entrar a la casa, Delaney es rodeado de moscas en el piso de arriba y escucha una voz hostil que le ordena que se vaya, lo que lo hace huir. Al día siguiente, la tía de Kathy, Helena, una monja, visita la casa pero se enferma gravemente y se va abruptamente, confundiendo a Kathy. 

La vida doméstica de los Lutz comienza a entrar en crisis en las semanas siguientes: George se vuelve inusualmente volátil y abusivo, y se obsesiona con mantener la casa caliente con leña, a pesar de la insistencia de Kathy en que no hace frío. 

George se despierta periódicamente a las 3:15 a. m., la misma hora en que asesinaron a los DeFeo, mientras Kathy sufre pesadillas inquietantes. Una noche, antes de la fiesta de compromiso del hermano de Kathy, inexplicablemente desaparecen en la casa 1.500 dólares en efectivo que se pagarán al proveedor de catering. 

Mientras tanto, la niñera que cuida a Amy durante la noche está encerrada dentro del armario de un dormitorio por una fuerza invisible. Se producen más incidentes inexplicables cuando uno de los dos niños sufre una mano aplastada cuando una ventana de guillotina cae sobre él, y Amy tiene una amiga imaginaria, Jody, que parece ser de naturaleza malévola. 

Una noche, Kathy vislumbra dos ojos rojos, parecidos a los de un cerdo, fuera de la ventana del dormitorio del segundo piso de Amy, cuando ella dice estar con su amiga imaginaria. 

Delaney hace varios intentos de intervenir que parecen verse frustrados por accidentes y sucesos inusuales: Kathy frecuentemente percibe sus llamadas telefónicas a la casa como ruido estático, y en una ocasión su auto falla en el camino a la casa, casi causando una muerte. chocar. Convencido de que hay fuerzas demoníacas en acción, Delaney se siente frustrado por la falta de apoyo de sus superiores en la diócesis. 

Mientras tanto, el negocio de George comienza a verse afectado debido a su falta de asistencia, en relación con su socio comercial, Jeff. La esposa de Jeff, Carolyn, que tiene inclinaciones psíquicas, siente repulsión e intriga al mismo tiempo por las cosas que siente cuando está en la casa. 

En el sótano de la casa, Carolyn se siente atraída por una pared de ladrillos que el perro de la familia, Harry, ha arañado repetidamente y comienza a desmantelarlo con un martillo. Al descubrir el daño, George derriba el resto de la pared y descubre una pequeña habitación con paredes rojas. Carolyn, aterrorizada, grita que han encontrado "el pasaje... ¡al infierno!", su voz se asemeja a la del padre Delaney. 

Más tarde esa noche, Delaney ora apasionadamente desde su púlpito para que Dios salve a la familia, antes de que inexplicablemente pierda la vista y caiga catatónico. 

Por su parte, Kathy visita la biblioteca para investigar la historia de la propiedad, donde encuentra registros del condado que sugieren que la casa está construida sobre un cementerio de Shinnecock y que un conocido adorador satánico llamado John Ketchum alguna vez vivió en esa tierra. También descubre recortes de noticias sobre los asesinatos de DeFeo y nota el sorprendente parecido de Ronald DeFeo con George. 

Los acontecimientos paranormales culminan esa noche durante una tormenta: la sangre brota de las paredes y baja por las escaleras; Jody, que aparece como un cerdo grande de ojos rojos, es vista a través de una ventana; y George, aparentemente poseído, intenta matar a los niños con un hacha, pero recupera el juicio después de que Kathy interviene. 

Después de caer por las escaleras del sótano a un pozo de lodo negro mientras rescataban al pèrro de la familia, Harry, George y el resto de la familia se marchan, abandonando su casa y sus pertenencias. 

Un intertítulo final dice: "George y Kathleen Lutz y su familia nunca recuperaron su casa ni sus pertenencias personales. Hoy viven en otro estado"  quedando la casa queda vacía y sugiere que el mal sigue presente en ella, listo para afectar a futuros inquilinos.

En la película intervienen además Rod Steiger como Padre Delaney, Don Stroud como el Padre Bolen y el veterano Murray Hamilton como el Padre Ryan. 

Está basada en el libro homónimo de Jay Anson, inspirado en hechos reales y es la primera película de la saga de la casa embrujada de Amityville. Intervinieron en ella como productores Samuel Z. Arkoff, Elliot Geisinger y Ronald Saland caras visibles de la productora American International Pictures.

El productor Samuel Z. Arkoff compró los derechos de The Amityville Horror (1977) del autor Jay Anson. La película se promocionó como basado en una historia real, el libro de Anson documenta los supuestos eventos paranormales experimentados por la familia Lutz. El propio Anson escribió un guión basado en su trabajo, que estaba destinado a ser filmado como una película para televisión para CBS. Samuel Z. Arkoff, productor ejecutivo y director de American International Pictures, se puso en contacto con CBS para solicitar producir la película como largometraje  y, a cambio, ofreció a CBS los derechos para transmitirla en su cadena. 

Posteriormente, Arkoff contrató al guionista Sandor Stern para reelaborar el guion de Anson como largometraje. 

Para el rodaje de The Amityville Horror, la producción exploró varias ubicaciones en la costa este, incluidas Maine y Carolina del Sur, antes de establecerse en Toms River, Nueva Jersey. Inicialmente, los productores habían intentado filmar en la verdadera residencia de Amityville en Long Island, Nueva York, pero las autoridades locales les negaron el permiso.

En agosto de 1978, los periódicos locales de Toms River publicaron artículos solicitando propuestas de propietarios que estuvieran dispuestos a alquilar su residencia a la producción. La casa colonial holandesa que finalmente se eligió se convirtió para parecerse a la residencia 112 Ocean Avenue en Amityville. La producción alquiló la casa por 12.000 dólares y se construyó un cobertizo para botes en la propiedad por 31.000 dólares adicionales. 

El rodaje comenzó en Toms River a finales de octubre de 1978.Se rodaron exteriores adicionales en el centro recreativo Riverwood Park de Toms River, el palacio de justicia del condado de Ocean y la taberna Reynolds.Después de completar el rodaje en noviembre de 1978, la producción se trasladó a Los Ángeles, donde se rodaron los interiores en el estudio de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). El rodaje finalizó en el MGM Sound Stage 26 justo antes de las vacaciones de Navidad, el 22 de diciembre de 1978 

La película contó con un presupuesto de $4 700 000. La película fue un éxito de público llegando a recaudar la friolera de $86 432 000, a pesar de que fue muy denostada por los críticos de la época.

En su libro de no ficción Danse Macabre de 1983, el autor de terror Stephen King analizó The Amityville Horror, identificando sus numerosas metáforas sobre la ansiedad por la propiedad de vivienda y la agitación financiera, citando la recesión de 1973-1975 y la crisis energética de la década de 1970, interpretando la película como una Parábola sobre las dificultades financieras estadounidenses. Sin embargo, el mismo Stephen King que había reseñado desfavorablemente la película para Rolling Stone, en la que la consideraba una historia "simplista y transparente", afirmación de la que se retractó en Danse Macabre. 

Roger Ebert en las `´aginas del Chicago Sun Times describió la película como "lúgubre y tremendamente deprimente", y escribió que "el problema con The Amityville Horror es que, en un sentido muy real, no hay nada allí. Vemos dos horas de gente asustada y consternada". , y nos preguntamos... ¿para qué? Si es real, que les haya pasado a ellos. ¡Qué lástima, Lutzes! Si es inventado, que sea más entretenido. Si no se deciden... ¿por qué? ¿Deberíamos hacerlo?" Y en otro duiario de la ciudad, Chicago Tribune Dave Kerh señaló que "Empieza con la prometedora premisa de una casa encantada en los suburbios y degenera rápidamente en un despliegue de pretenciosos ángulos de cámara) ". 

John Simon, de National Review, describió la película como "espantosa"; mientras que Janet Maslin de The New York Times criticó la película por contener trucos repetitivos y señaló que "se han reunido tantos clichés de películas de terror bajo el techo de una sola casa encantada que el efecto es a veces asombrosamente confuso. Aparentemente hay muy Es poco a lo que el director Stuart Rosenberg no recurrirá, pero todavía no se le ocurre nada más espeluznante que el truco de hacer que un Lutz experimente un comienzo severo cuando no se da cuenta de que otros Lutz están en la misma situación. Siempre que el Sr. Rosenberg se topa con una idea tan buena como ésta, está obligado a repetirla una y otra vez". 

K. C. Summers del Washington Post consideró que la película era aburrida y escribió: "Una cosa sería si fuéramos recompensados por aguantar todo esto con una o dos emociones escalofriantes, pero la película ni siquiera da miedo... La falta de lógica es una cosa. Cuando una película de terror también es aburrida, ¿qué sentido tiene?"

Charles Champlin, de Los Angeles Times, le dio a la película una crítica favorable y escribió que "lo que hace terriblemente bien es convertir una casa colonial de tres pisos muy atractiva (que costaría 300 mil fácilmente si tuviera una historia diferente). villano de la pieza. El horror es aún más efectivo porque no surge en algún castillo lleno de telarañas y chiflados ni en un planeta no catalogado en un milenio innumerable, sino a la vuelta de la esquina y en nuestra calle ". 

La película ha recibido algunas críticas contemporáneas favorables, incluso las del historiador James F. Broderick, quien la elogió como "una película de terror eficaz que tiene éxito en gran medida porque los actores se toman en serio el material exagerado... La película es tensa, y llena de los eventos extraños e inquietantes narrados en el libro" . A esta se suma la opinión vertida en Variety al decir que ""Definitivamente es una casa que el público disfrutará visitando, especialmente si no están familiarizados con su final".

En la revista People dijo que Rod Steiger estaba sobreactuando y que la película era "ridícula". escalofriante por algún tiempo." y que "la película está constantemente bien interpretada y brinda a Rod Steiger la mejor oportunidad en mucho tiempo para una valentía sin límites". Curiosamente el actor veterano Rod Steiger fue elegido para el papel del sacerdote Francis Delaney, y en ese momento había estado experimentando una crisis profesional luego de su reciente cirugía a corazón abierto, que lo dejó deprimido e hizo que los estudios de cine dudaran en contratarlo debido a los altos costos del seguro. 

Durante una entrevista para promocionar la película, Steiger dijo: "Esta es mi última maniobra para hacerle saber a Hollywood que estoy en buena forma física".Durante el rodaje se utilizaron efectos especiales principalmente prácticos: durante el rodaje de la escena en la que el padre Delaney está rodeado de moscas, por ejemplo, el actor Rod Steiger fue rociado con agua azucarada y cerveza, lo que provocó que los insectos lo rodearan. 

La película fue nominada a un Premio Oscar a la Mejor Banda Sonora Original por el compositor Lalo Schifrin así como en los Globo de Oro. El músico argentino fue contratado para componer la partitura original de The Amityville Horror. Al comenzar la composición del tema principal, se le dio la imagen estática de la casa que se reproduce en la secuencia de créditos iniciales de la película. Recordando su inspiración, Schifrin dijo: "Como una familia con tres hijos estaba a punto de mudarse a la mansión, ignorando su pasado, se me ocurrió la idea de escribir una canción de cuna inquietante y distorsionada para las voces de tres niños". 

Por su parte, Margot Kidder, que se había hecho un lugar como la novia de Superman, también obtuvo una nominación al Premio Saturn a la Mejor Actriz. En 2005 se hizo una nueva versión, que creo haber visto, pero lo cierto que hoy mientras la veía he encontrado muchos elementos comunes con otra película que triunfó como cine de terror, la primera entrega de Poltergeist. 

La familia, bien gracias

Soy de una generación en la que Chencho no es un nombre cualquiera. Es el nombre de toda una generación, la mía, aquella que vio alucinada la primera entrega de lo que con el tiempo será una saga, la de La gran Familia.

Con La gran familia (1962), dirigida por Fernando Palacios, nos identificamos todos los chicos que nacidos en pleno "baby boom" veíamos reflejada a nuestras familias, casi siempre numerosas, en las que la unidad familiar, la nuclear y la ampliada era fundamental. También vimos, poco después ,  La familia y uno más (1965), dirigida igualmente por Fernando Palacios. Una película no tan redonda, pero con el mismo encanto. Vimos en ella como crecen las familias y al pasar la edad se complican.

Sin embargo, nunca me dio por ver La familia, bien, gracias (1979), dirigida por Pedro Masó, ni mucho menos La gran familia... 30 años después (1999), dirigida por Pedro Masó, fallecido en 2008, aunque con un Goya a su carrera en 2006.

Esta Navidad, estanos en casa de mi suegro emitieron, no sé en qué cadena, La familia, bien gracias, y , al principio, sin interés, y luego con sumo vi la tercera entrega dirigida como la cuarta por Pedro Masó en su doble papel - o triple- de productor, para Pedro Masó P. C. - Impala., director y guionista, aquí acompañado de Rafael Azcona. La película contaba con la música de Juan Carlos Calderón , el maquillaje de Julián Ruiz , la fotografía de Alejandro Ulloa rodado en panorámica y Eastmancolor, el montaje de Alfonso Santacana y la escenografía de Ramiro Gómez, junto con el vestuario de Asunción Vila.

Los protagonistas son los que fueron, aunque con algunas bajas, siendo los principales Alberto Closas como Carlos y José Luis López Vázquez como El Padrino , que aparecen acompañados de María José Alfonso (Mercedes), Jaime Blanch (Carlitos),  Francisco Benlloch (Roberto), Margot Cottens, una jovensísima Lola Forner (María), Tony Fuentes ( Críspulo), María Kosty (Sabina),  Julia Martínez (Lucía),  Cecilia Roth,  una monjil Julieta Serrano, Paco Valladares, Amelia de la Torre,  José Lifante, Valentín Paredes, Nélida Quiroga y Carlos Piñar.

La familia bien es del año 1979 y eso está en su ADN. La llegada de la democracia y con ella las nuevas costumbres y nueva concepción familiar está en contra del modelo de familia que se había consolidado con el franquismo.

Lógicamente relata las peripecias de una familia numerosa española de los protagonistas que conocimos en La gran familia (1962).

Los dieciséis hijos de Carlos (Alberto Closas) vuelven a reunirse en esta ocasión para rendir homenaje a su padre viudo con motivo de su jubilación como aparejador. 

Sin embargo, el encuentro no da lugar a que se espante el fantasma de la soledad en que vive sumido el patriarca, que sólo cuenta con la inestimable compañía del Padrino, Juan (José Luis López Vázquez). Sin embargo, y después de todo, se da cuenta de que aun puede ayudar a sus hijos y no sólo ser una carga para ellos. 

Los diversos hogares familiares le ponen frente a una realidad cruda a la que ambos personajes no han querido enfrentarse, tal vez porque nunca salieron de ese idealizado blanco y negro de quince años atrás, los niños han crecido y en muchos casos, su realidad no es la deseada por aquellos que los cuidaron. La idea de clan familiar unido siempre contra viento y marea es mas bien una quimera. 

Desde el inicio sabemos que Chencho trabaja como médico en Nueva York y no puede ir ni a la fiesta homenaje a su padre. La pequeña María, trabaja como azafata, no ha estudiado nada y por su trabajo , no para de viajar. De hecho, cuando en el piso del padre de plantifica El Padrino, tras su ruptura con su adúltera mujer, decide irse a vivir a un piso.

La idea del Padrino de vender el piso y buscar cobijo en la casa de uno de sus hijos parece genial, pero la realidad le hace descubrir a padre y padrino que la generosidad destaca por su ausencia.  

Nada más llegar a casa de su hijo mayor, un arquitecto de éxito , ve que no atiende a sus hijos debidamente, dejándoles salir a altas horas de la noche y sin importarle que fumen porros o beban, y que tiene en su estudio contratado a su hermano Carlitos (Jaime Blanch) , al que trata despóticamente algo que el padre no consiente, largándose de inmediato de la casa a instalarse a casa de Carlitos, que si bien vive decentemente y trata bien a la familia, no está en condiciones de alojar a su padre.

Comienza así un periplo que lo lleva por distintas casas y a vivir experiencias inesperadas, algunas nada agradables sobre la realidad de sus hijos, sus trabajos  o su familia políticas como ocurre con su hija Mercedes que, aunque viven en una gran casa, tienen que convivir con su impertinente suegra (Margot Cottens), o Críspulo, que dirige un hotel , que no es tal sino una casa de citas, o Roberto que se dedica a los negocios de la noche y que tiene relaciones múltiples con chicas de la discoteca o del local. 

La situación  va a peor cuando sabina, la feminista de la casa, confiesa que otras de sus hermanas va a Londres a abortar, cosa que al padre le parece un imposible; o los encuentros no deseados con prostitutas que tendrán muy a su pesar Padre y Padrino. Ni tan siquiera Carlota, la hija que fue llamada a la dedicación a los demás al entregarse como monja a Dios, y que está en una residencia de ancianos, que no es tal , sino un asilo para personas de edad, dan solución a sus problemas.

Carlota llama al resto de hermanos que se personan, pero ellos no quieren que nadie los acoja lanzándose a unirse a la carrera de Maratón que iniciaron a prepararla al inicio de la película. Una carrera hacia la Libertad, la que necesitaba la España de 1979. 

En Fotogramas se comenta que es el "Punto final de la saga iniciada con "La gran familia", al que se pretendió otorgar un tono entre sórdido y amargo. En este sentido, el guión ofrecía inflexiones inéditas en sus precedentes, en un registro casi depresivo. Por desgracia, la realización no se decantó por esta prometedora línea, siguiendo las habituales convenciones. Pese a ello, cuenta con momentos realmente afortunados. "

Un habitual de Fotograma, Fausto Fernández escribió en Twiter- ahora X- lo siguiente: "Soy un acérrimo defensor de los guiones que Rafael Azcona hizo para Pedro Masó, por ejemplo de esta ácida operación de desmontar con mucha bilis lo idílico de LA GRAN FAMILIA y LA FAMILIA Y UNO MÁS, y su desmitificación con mala leche (el Opus; sexo; política...) ".

La película es ácida y corrosiva, una vitriólica revisión del "clásico" de Fernando Palacios​ con un mensaje de fondo de la película triste, tremendo y  reflexivo sobre el papel de los padres cuando envejecen. Presenta un guion mordaz con fuerte peso de Rafael Azcona con tono pesimista y desencantado acompañado del habitual naturalismo de Masó en la dirección, lo que contribuye a crear un film con pequeñas píldoras divertidas dentro de un tono general, más bien, depresivo. Un epilogo con esa carrera a la libertad es lo menos esperado más llamativo pues el final no puede ser otro. La interpretación de José Luis López Vázquez es magistral y la actuación de Closas, soberbia como siempre, así como esos homenajes a algunos de los fallecidos de entregas anteriores especialmente al gran Pepe Isbert, el inolvidable abuelo.

Lazos de sangre

- Imagen obtenida de Wikipedia- 

Hoy pondré una vela por ti. Sabes que esa vela está encendida siempre en mi corazón desde que no estas con nosotros. Hoy la ausencia se nota especialmente, pero no es necesario que sea un día como hoy para echarte en falta. Han sido muchos meses de silencio, en construcción, sin tener claro si seguir y sobre todo sin tener nada que decir, aunque apuntando todo aquello que veía para que no me olvide.

Tal día como hoy, pero hace muchos años y en otro espacio, comencé algo parecido a lo que ha sido este blog. Precisamente, por eso hoy he querido retomar lo que estuve haciendo durante tantos años y que tu fallecimiento me paralizó, para dejarlo todo en la mínima expresión. Hoy casi puede hablar de ti sin llorar, pero sin concentrarme, no quiero hacerlo pues todavía me duele.

De cualquier manera he venido a escribirlo la obligación que me impuse y así lo haré, curiosamente lo haré con una película que habla de alguna manera de la familia, en este caso, malavenida - o mal avenida, no tengo muy claro como se escribe- y de ambiciones desmedidas, nada que ver con nosotros. Me refiero a la película Lazos de sangre, Bloodline vendría a ser su título original en inglés, un thriller del año 1979, que sigue la estela del cine espectáculo de mitad de los setenta agrupando en una película a todo un elenco de estrellas del cine internacional del momento bajo la batuta de uno de los grandes directores también del momento, Terence Young, que llevaba apartado del cine desde hacía cinco años, tras haber dejado el proyecto del agente 007. 

Young parece ser que reemplazó a John Frankenheimer En este caso los que salen son Audrey Hepburn, junto con Ben Gazzara, James Mason, Omar Sharif, Irene Papas, Claudia Mori, Romy Schneider o el gran Gert Fröbe, aquí como el investigador Max Hornung. Ya había demostrado en 1971 que era capaz de manejar a un grupo de estrellas como hizo en la ya comentada por aquí, Sol Rojo. 

La película, una coproducción internacional en la que participan entre otras las productoras Bavaria Film, NF Geria III-Produktion München y que contaba con la distribución de la Paramount Pictures, se basa en la novela homonima de Shidney Sheldon publicada dos años antes - 1977, y por la que recibió 1,25 millones de dólares y el 10 % de la taquilla, antes de ser publicada- y cuenta en la parte del guion con el trabajo de Laird Koening que transforma lo que era un bestseller del momento en una trama de intriga en la que la compleja trama familiar, se mezcla con la traición, el engaño, los negocios turbios, las acciones, los intereses, los asesinatos y hasta diversos episodios de "snuff movies"

En este caso por la película contó con grandes profesionales como es el caso de Ennio Morricone en la banda sonora o Freddie Young en la fotografía. 

De ella escribieron - y bastante mal - en el momento del estreno Roger Ebert- el que fuera columnista del Chicago Sun Times- quien dijo sobre la misma que : "Después de seis meses, una semana y dos días de suspense, ahora podemos relajarnos: se estrenó la peor película de 1979 ... Vea Bloodline de Sidney Sheldon y llore por el cine". 

En otro diario de Chicago, el Tribune, Gene Siskel la calificó de "basura", escribiendo sobre Hepburn que "tiene tanta clase que te sientas preguntándote qué está haciendo una mujer como ella en una película como esta". 

Desde Nueva York el que fuera el crítico por antonomasia Vicennt Canby desde las páginas del The New York Times afirmó que "Como demostró en sus películas de James Bond (Dr. No, From Russia With Love y Thunderball), Terence Young es un director de cierto estilo cómico, pero aunque Bloodline a menudo es ridículo, no tiene sentido del humor. Es el tipo de ficción que desaprueba con tristeza sus propios detalles sórdidos, como uno sobre una mujer a la que le clavan las rodillas en el suelo (fuera de pantalla) por no pagar sus deudas de juego". " Cruel es el calificativo que apareció en la revista Variety al decir que Bloodline carecía de "sangre"; y en otra como Newsweek, Jack Kroll afirmaba que "si yo fuera Sidney Sheldon, exigiría tener mi nombre eliminado del título (...) Las películas basura deberían ser divertidas, esta es simplemente tonta." 

- Imagen obtenida de lecinemadreams- 

Para rematar la faena Kevin Thomas en Los Angeles Times escribió que "Como un caldo de cultivo descarado, es adecuadamente espeluznante y absurda, pero desafortunadamente simplemente se hace a fuego lento. La tarea de aclarar la trama densamente poblada e increíblemente densa del éxito de ventas de Sheldon requiere tanta exposición, y tanto zigzaguear por Europa, que el adaptador Laird Koenig y el director Terence Young tienen pocas oportunidades de desarrollar personajes o trabajar en mucha acción. Es divertido, pero no es tan divertido como deberían ser las películas de este tipo. Nunca se desarrolla nada. Después de alinear a los personajes, Sheldon cambia tenazmente las escenas, los sospechosos y las pistas falsas hasta que acumula suficientes páginas para llamarlo una lectura considerable". Como ven no dejaron títere con cabeza.  

No obstante, y ya en el presente en España en las páginas de El País escribió Fernando Morales que era un "Irregular drama de incontrolables pasiones amorosas. Lástima que su espléndido reparto se muestre de lo más desaprovechado. Típica adaptación del best seller de turno resuelta con escasa entidad";  aunque mucho más de acuerdo estoy con Fausto Fernández que en su tweet, - un siempre imprescindible faustianovich- y con el que siempre estoy de acuerdo dijo de ella que elogía con un "cojonudo" la realización de Young para este "suspense y farmacéuticas suizas con repartazo " señalando además que era un " adictivo drama familiar, farmacéutico y criminal " .  

Reconocer que la película por momentos es espesa y poco clara. Sigue los dictados de una "road movie" incidencial - se rodó en aquellos lugares que cito al igual que en la por entonces República Federal Alemana-  pues nos lleva desde Chamonix, donde empieza con la muerte de un empresario tras una caída mientras hace montañismo del dueño del grupo farmaceútico Sam Roffe - dueño de la Roffe & Sons Pharmaceuticals-   a Londres , lugar donde se suma a la historia otro integrante de la familia el político Sir Alec Nichols (James Mason) mal casado con Vivian  (Michelle Phillips), una jugadora empedernida que lo ha llevado a la ruina y endeudaddo hasta las cejas, pasando por Zürich con protagonismo aquí del Director general de la empresa , Rhys Willians (Ben Gazzara) hasta Nueva York, donde conocemos a la paleontóloga y heredera del imperio Elizabeth Roffe ( Audrey Hepburn), a una carrera de coches donde conocemos las tribulaciones de otros de los familiares , los Martin , Charles ( Maurice Ronet) y su esposa Hélène ( Romy Schneider) o Roma ( con los Palazzi) o Cerdeña, destino final de la historia, en ese sentido nos deja agotados. 

Igualmente hay que decir que deja algunos personajes a su suerte y tramas sin cerrar como ocurre con la historia de Ivo Palazzi (Omar Shariff) , su mujer Simonetta ( Irene Papas) con sus tres hijas o los hijos - tres - de su amante Donatella (Claudia Mori). Pero estos presuntos toques   de humor en esta historia no funcionan del todo bien. 

A destacar a Audrey Hepburn , que hizo el papel protagonista que parecía en principio para otra bella, Jacqueline Bisset,  en uno de los últimos films de su carrera en la que se ve fumando en exceso o los siempre eficientes Ben Gazzara y James Mason, los dos principales sospechosos. Aunque fulleros hay muchos. La película se deja ver, así que ustedes deciden.  

- Imagen obtenida de Rotten Tomatoes-