Los que no olvidan

He visto esta película en varias ocasiones y la considera una gran película, un gran western. Tiene todos los ingredientes del género, pero la combinación lo hace único y diferente.

Los que no perdonan (The Unforgiven) es una película del oeste estadounidense de 1960 rodada en Durango (México). 

El film fue dirigido por John Huston , en uno de sus pocas incursiones en el western, entendido éste como género, - el oto fue 'El juez de la horca' ('The Life and Times of Judge Roy Bean', 1972) , y en este caso contó con actores en la cima de su carrera en ese momento como Burt Lancaster y Audrey Hepburn, y actrices que lo habían sido todo en la historia del cine, como la mítica Lillian Gish. El guion está basado en una novela de Alan Le May que supongo se llamaría igual.

Para la ocasión John Huston contó con el apoyo en la producción de James Hill, uno de los grandes productores de Hollywood en los años 1950 y 1960, casado con Rita Haywarth - murió en 2001 de lo mismo, Alzheimer- donde a menudo trabajó con Burt Lancaster , siendo parte del entramado Hecht-Hill-Lancaster Productions junto a Lancaster , Harold Hecht   y Rick Height . La película contó con el apoyo en la distribución de United Artists. La inversión final en la misma fue de unos 5 millones de dólares, que no llegaron a recuperarse , pues la película apenas recaudó unos 3 millones.

El guión de la misma fue de Ben Maddow que adaptará la novela de  Alan Le May. Destaca sobremanera la música del ucraniano Dimitri Tiomkin - el niño prodigio de la música rusa que acabará tras el crack del 29  engrasando las listas de artistas refigiados en Hollywood neoyorkino. comenzando a trabajar en el cine en 1931 y no parando hasta 1970, teniendo un enorme éxito y reconocimiento en la música creada para western donde llegó a obtener Oscar por ejemplo por Sólo ante el peligro (1952), además de estar nominados en más de 15 ocasiones. El listado de su intervención en el mundo del cine es , simplemente, impresionante.  Además de Tiomkin, participan en apartados técnicos la fotografía de Franz Planer y el montaje de Russell Lloyd

El reparto lo encabezan Burt Lancaster como Ben Zachary y Audrey Hepburn como Rachel Zachary. Junto a ellos aparecen  Audie Murphy como Cash Zachary, John Saxon como Johnny Portugal, Charles Bickford como Zeb Rawlins,  Lillian Gish como Mattilda Zachary,  Albert Salmi como Charlie Rawlins,  Joseph Wiseman como Abe Kelsey,  June Walker como Hagar Rawlins,  Kipp Hamilton como Georgia Rawlins, Arnold Merritt como Jude Rawlins y Doug McClure como Andy Zachary, así como  Carlos Rivas como el kioba y hermano de Rachel  Lost Bird.

Los Zachary son una familia próspera de ganaderos texanos con tres hijos varones y una hija menor adoptada desde que era casi una recién nacida. Es muy respetada en la frontera de Texas, pues son los encargados de llevar el ganado desde allí hasta Wichita, en Kansas.

El padre Will Zachary fue asesinado por los indios Kiowa , dejando a su hijo mayor Ben (Burt Lancaster) como cabeza de la familia. Tanto Ben como su madre Mattilda (Lillian Gish) son muy protectores de la hija adoptiva de Zachary, Rachel (Audrey Hepburn), mientras que sus otros hermanos, Cash (Audie Murphy) y Andy (Doug McClure) la tratan como lo harían con cualquier hermana .

Sus hijos llevan  trabajando asociados con la familia Rawlins desde hace tiempo y han conseguido, tras años difíciles, tener un buen montón de cabezas de ganado.

Al comienzo de la película vemos a Rachel, junto a su madre y sus dos hermanos, que están a la espera de que retorne Ben. En eso que Rachel sale a pasear junto a su caballo y cerca del río se encuentra con un anciano misterioso que lleva una espada  llamado Abe Kelsey (Joseph Wiseman) que le dice que ya es hora de que se conozca la verdad y se desenmascare la realidad de esta próspera familia de la frontera,

Cuando regresa a casa Rachel Zachary (Audrey Hepburn), se lo comenta a su madre que se asusta al recibir la noticia.

En esto retorna Ben con una buena cantidad de ganado, con un grupo importante de hombres y, por supuesto, con el apoyo de una importante familia , su vecino más cercano, Zeb Rawlins (Charles Bickford), el patriarca de una familia racista, cuyo tímido hijo Charlie (Albert Salmi) quiere casarse con Rachel.

Ben, consciente de que en realidad no es su hermana, ama a Rachel y es receloso a esto , pero las presiones que reciben le hacen dudar de esto y de todo.

Poco a poco los ganaderos de todas partes se reúnen para prepararse para un paseo de ganado a Wichita, Entre los nuevos vaqueros que ha venido con Ben hay un mestizo Johnny Portugal (John Saxon) contratado por Ben por su capacidad, indepedientemente de su etnia.

Sin embargo, al relatarle su madre la noticia del anciano que se hace pasar por loco, Abe Kelsey ( Joseph Wiseman ), y que se esconde entre la maleza por las inmediaciones y que ,a demás, va difundiendo por ahí que Rachel Zachary es un india de raza india, y que fue adoptada en secreto cuando era niña molesta especialmente a  Ben y a Cash, su hermano más racista,  creyendo que la historia es una mentira vengativa, tratan de matar a Kelsey. Sin embargo, no lo encuentran. Poco después , durante la domesticación de un caballo comprueba que le han robado el caballo de Rachel, sospechando de él.

Pocos días después se personan en la casa  el verdadero hermano de Rachel  , un kioba llamado Lost Bird (Carlos Rivas) junto con otros dos Kiowas  reclamándola a cambio de unos caballos y diciendo que ella es uno de los suyos y que fue raptada durante un asalto. Comenta que todo les ha sido relatado por un viejo hombre blanco. Los hermanos, con Ben  a la cabeza, no acepta la propuesta.

Poco después, los Kiowa matan a Charlie mientras regresaba a su rancho tras iniciar el cortejar a Rachel.

Cuando los Zachary se disponen a dar el pésame, una dolorida madre de Charlie acusa a Rachel de ser un "una sucia india". Ante el altercado, Ben dice que quiere aclararlo todo y conduce a una partida de ganaderos a rastrear a Kelsey y para llevarlo de vuelta al rancho de Rawlins.

Kelsey es localizado en la montaña y , a pesar de llevar el caballo de Rachel, es detenido por Portugal tras una rápida y larga persecusión por las tierras áridas. Finalmente el viejo es llevado para ser ahorcado como ladrón de caballos. Al ponerle el lazo alrededor del cuello, Kelsey le dice a los rancheros que toda esta situación se debe a que durante un ataque de represalia contra los Kiowa conducido por él y por el padre de los Zachary, Will Zachary, éste encontró un bebé y que estaba a punto de matarlo cuando Will, asqueado de tanto asesinato intervino y tomó a la bebé para sí mismo.

Kelsey afirma que su propio hijo fue capturado por los Kiowa y exigió que Will devolviese a la bebé , que no era otra que Rachel a cambio de su hijo, pero Will lo rechazó.

Ben les dice que el supo por su padre que el hijo de Kelsey fue realmente asesinado en la lucha contra los indios, pero que Kelsey se negó a creerlo, inventando la historia como justificación para la venganza contra los Zachary. Kelsey , desde entonces, fue de ciudad en ciudad, envenenando las mentes de la gente dondequiera iban los Zachary para relatar esto.

Ante la acusación Mattilda reacciona Kelsey golpeando al caballo que Kelsey por lo que termina ahorcándolo. Esto convence a Zeb de la veracidad de la historia de Kelsey, y él y todos los rancheros dan la espalda a los Zachary.

Un vez de regresa a casa, solos, con la operación de venta de ganado a Wichita desvanecida, descubren que la puerta de casa ha sido violentada y en ella han dejado una página sobre cuero del libro sagrado de los Kioba. En la misma Ben descubre como allí relatan el secuestro de una de sus chicas por parte de dos blancos.

Cuando la verdad es revelada por la matriarca, Mattilda Zachary (Lillian Gish), lo admite. Will la trajo para reemplazar a una hija recién nacida que acababan de perder.  Esto genera una enorme tensión entre Ben Zachary (Burt Lancaster), que está enamorado de Rachel, al igual que ella de él y trata de defender a la familia, y  su impulsivo y racista hermano Cash (Audie Murphy) que es incapaz de asumir el hecho de que su hermana sea una «piel-roja». Cash , que intenta matar a su hermana, es frenada tanto por Ben como por el menor de ellos Andy (Doug McClure) y , borracho se va  al rancho de Rawlins.

Los Kiowa regresa con un mayor número de efectivos exigiendo a Rachel, que trata de salvar a su familia e irse con su tribu de sangre, ya que ella , al fin y al cabo es una Kiowa. Para hacer imposible el deseo de Rachel Ben ordena a su hermano Andy matar a un indio y así romper la tregua forzando una pelea hasta el final.

Durante el asedio a la casa  Mattilda es es herida mortalmente  durante la lucha que sigue. La situción se pone casi imposible, pues se van quedando sin municiones y la táctica final de los indios es subir el ganado a lo alto de la casa y que con el peso esta se hunda.

Cash, mientras tanto, ya recuperado , pues ha pasado una noche, escucha el toroteo y , finalmente,  regresa y apoya a su familia.

Rachel, protegiendo a un herido Andy y consciente de que Ben la ama, se enfrenta a su hermano Kiowa, y le dispara matando a Lost Bird.

Tras comprobar que los tres hermanos y Rachel siguen vivos, se abrazan y Andy reconoce que lo que más le hubiese dolido es no haber podido ir a Wichita a beber cerveza y a estar con unas  chicas en Wichita que sólo tienen un nombre.

La película rodada en el año anterior  en México, concretamente en Durango, fue presentada en sociedad el 6 de abril de 1960  , no teniendo ni una  gran aceptación por la crítica ni por el público. En taquilla apenas llegó a los 3´2 millones de dólares.

La película ponía de relieve algo que le interesaba a un Huston que no obstante había querido mantenerse dentro de los cánones clásicos del western: la cuestión del racismo en el Viejo Oeste, tanto contra los nativos americanos como contra aquellas personas a las que se les atribuía sangre indígena. Un tema ciertamente inusual para la época en la que fue filmada.

El film también fue famoso por los problemas que hubo durante el rodaje. Huston a menudo citaba que ésta había sido su película menos satisfactoria.

Lo cierto es que no muy habitual la presencia de Hepburn en el mismo, auque Natalie Wood estuvo en la agenda. Fue inusual elección de Audrey Hepburn para el papel de Rachel Zachary,  en lo que fue su único western.

Los problemas se sucedieron. La  producción fue suspendida durante varios meses en 1959 después de que Audrey Hepburn se rompiese la espalda por una caída de caballo mientras ensayaba una escena. Ella fue capaz de completar su papel con un corsé de espalda, que su guardarropa tuvo que ser rediseñar para ocultar. A pesar de que finalmente se recuperó, el accidente provocó un posterior aborto espontáneo.

De acuerdo con varias biografías publicadas, Hepburn se culpó por el accidente y posteriormente repudió la película, a pesar de lo cual la completó cuando estuvo lo suficientemente bien como para volver a trabajar.

Al concluir el film, Audrey Hepburn se tomó un año de descanso para tener un hijo, y regresó a la pantalla en 1961 con Desayuno con diamantes.  Eso sí, no paró de fumar tres paquetes de cigarrillos al día.

Además, Huston estaba constantemente peleándose con Rick Height y su compañía, que financiaban la película, sobre la manera de filmarla. Height quería un film más comercial y menos polémico, mientras que Huston quería hacer una declaración sobre el racismo en Estados Unidos. Además, John Huston quería que la película fuera una respuesta a los Centauros del desierto de John Ford (1956). El resultado final fue que ninguno de los dos obtuvo lo que quería.

Irónicamente, el crítico David Thomson , en crítico alejado de los admiradores de Huston, que dijo de ella que era su mejor película.

Lo cierto es que la producción fue compleja desde el principio. El escritor original JP Miller y el director original Delbert Mann originalmente pensaron "The Unforgiven" como un cuadro arenoso, despreocupado, pero exacto de la vida post-Guerra civil de Texas, como John Ford había hecho anteriormente con Alan LeMay en "The Searchers".

Hecht / Hill / Lancaster quería asegurar su comercialidad y cambiar la dirección de la película. Querían presentar  a Kirk Douglas como el hermano de Lancaster, lo cual desecharía el equilibrio en la relación de los hermanos. Su primer esfuerzo en una reescritura no funcionó y después de cincuenta páginas en la segunda reescritura, el escritor abandonó la película y rompió su relación con los productores. Mann pronto lo siguió.

Los guionistas fueron reemplazados por Ben Maddow, John Gay y John Huston. Cuando se decidió no utilizar Douglas, los siguientes en cartera fueron  Tony Curtis, que  rechazó el papel de Cash Zachary, sintiendo que en este momento de su carrera, ya no necesitaba ser un secundario de lujo, y luego Richard Burton . que lo rechazó debido a sus creencias supersticiosas fuertes ya que un adivino había predicho que moriría a los 33 años, por lo que no hizo ningún trabajo cinematográfico en absoluto en 1959- , incluso  Robert Mitchum, aunque  Audie Muephy fue finalmente el elegido.

El director de fotografía de Huston Oswald Morris no estaba disponible para hacer la película, lo que llevó a Huston a no hablar con hablarse con él durante varios años.

Antes de comenzar la filmación , el director John Huston y la estrella Burt Lancaster intentaron que Bette Davis se uniera al proyecto, pero ella rechazó el papel de Mattilda Zachary, porque no quería interpretar a la madre de Burt Lancaster . Así que llevaron a la actriz Lillian Gish al desierto para enseñarle a disparar, lo que tendría que hacer en la película. Sin embargo, Huston se sorprendió al descubrir que Gish podía disparar con más precisión, y más rápido, que él y Lancaster, que se consideraban tiradores expertos. Lo cierto es que al principio de su carrera, Gish fue enseñado a disparar por el notorio proscrito y pistolero occidental Al J. Jennings , que se había convertido en actor después de cumplir una larga sentencia de prisión por robo de tren y estaba en el elenco de uno de ellos . En ese momento ella descubrió que le gustaba disparar y que a lo largo de los años se había convertido en un experta.

Huston , como siempre dificultó en algunas ocasiones a los productores y a los actores. Según el biógrafo de Burt Lancaster, Gary Fishgall, Lancaster y Audie Murphy participaron en un torneo de golf en la inauguración de un nuevo campo de golf cerca de Durango. John Huston introdujo en un avión  2000 bolas de ping-pong  y la desparramó  por todo el campo, haciendo imposible continuar ya que ninguno de los jugadores podía encontrar sus pelotas de golf. Lancaster, que copatrocinó el evento, estaba furioso con Huston.

John Huston se culpó por el contratiempo y odió esta película.  El biógrafo de Burt Lancaster , Gary Fishgall, cita a dos de los biógrafos de Huston que afirman que Huston no renunció porque necesitaba su sueldo de $ 300,000 para restaurar su casa de campo irlandesa y vio el rodaje de localización como una oportunidad para complacer su pasión por el arte precolombino y quedarse más tiempo en México.

Fue la primera película en la que John Huston trabajó con el subdirector Tom Shaw , quien posteriormente se convirtió en uno de sus colaboradores más confiables y frecuentes

Reconozco que me ha encantado ver en la película de nueva a Lillian Gish, aquella mujer que en 1926 firmó un contrato con la MGM, y consiguió ser una de las pocas actrices con poder sobre las cámaras y el director. Y que tras protagonizar El viento (1928) del director sueco Victor Sjöström  y aquí ya comentada, empezó a declinar su carrera con la llegada del sonoro y su convencimiento de que esta nueva técnica jamás triunfaría la alejó del cine , lo que le hizo volver al teatro.

Años después -tras la muerte de David Wark Griffith, a quien ayudó económicamente en sus últimos años de vida, cuando había sido relegado del mundo del cine- reaparecería a lo grande en el celuloide en 1946, en un western asumiendo su papel como Laura Belle McCanles en Duel in the Sun (Duelo al sol) lo que le haría merecedora de una nominación al premio Óscar como mejor actriz secundaria.

Destacó luego en Portrait of Jennie (Jennie; 1948) y La noche del cazador (1955). Cinco años más tarde, estaba aquí en unas de sus últimas interpretaciones cinematográficas, poco , poco después quedó relegada a la televisión y a algunas de sus apariciones públicas en su vejez, en la que se puede destacar su presencia, a los 87 años, al presentar el Premio Óscar a la Mejor Película del año en la 53ª Ceremonia de dichos premios, el público asistente la ovacionó.

No lo consiguió en aquel momento, pero su total dedicación le valió un Óscar honorífico en 1971, tres años después de la muerte de su hermana Dorothy. Dieciséis años después, a la edad de 93 años, Lillian protagonizó su última película, Las ballenas de agosto junto , curiosamente, a Bette Davis, la que no quiso ser la madre de los Zachary.  Murió en 1993, pocos meses antes de cumplir cien años.

En cuanto a las críticas de ella ha escrito Pablo Kurt en filmaffinity que se trata de "Un western magnífico de John Huston que, si bien no se encuentra entre los clásicos del género, sí contó con un reparto excelente de secundarios y secuencias dramáticas tan potentes como bien rodadas.

En el País Fernando Morales comentó que en ella "John Huston da otra clase de cine en este interesantísimo western. (...) original historia de relaciones interraciales."

Para uno de los editores de blog de cine, Alberto Abuín nos dice que se trata de " un extraño western que tampoco suele citarse cuando se quieren destacar las mejores obras de su director, uno de los más grandes de Hollywood y también uno de los más incomprendidos, con una carrera que abarca desde el tiempo del sistema de estudios hasta finales de los ochenta cuando el cine parece ya otra cosa. Un realizador todo terreno con una fuerte personalidad y cierto espíritu rebelde en casi todas sus cintas.

En este caso - relata Abuín- que  la productora cortó numerosas secuencias quedando algunos personajes secundarios algo incompletos en una historia que versa sobre las relaciones interraciales y que se aparta de la épica de muchos de los westerns de aquellos años y también del habitual retrato de perdedores al que nos acostumbró Huston a lo largo y ancho de su filmografía, al menos en los roles protagonistas.

El desarraigo, la identidad y la convivencia son temas a tratar en una película cuya primera media hora parece ocultar sus cartas mientras propone un dibujo de personajes de lo más extraño. Diálogos punzantes, algunos de una sutileza increíble y que se encuentran entre lo mejor que ha salido de la pluma de Ben Maddow, que adapta una novela de Alan Le May, no por coincidencia el autor del material base del film de Ford antes mencionado.

Baste citar los diálogos entre Lancaster y Hepburn, trasunto de relación incestuosa en medio de un mundo de envidias, celos, secretos de familia y enfrentamientos entre vecinos sólo por defender lo que cada uno piensa, cree y siente ser.

En pocas películas, y hay que reconocer que un western se presta a ello como ningún otro género, se ha visto con tanta intensidad a clanes familiares enfrentados por diferencias raciales. Huston no se corta un pelo y lleva su películas hasta sus últimas consecuencias.

Como en muchas de sus obras la muerte domina el tramo final del film.'Los que no perdonan' es una película que empieza de forma muy vitalista y alegre; poco a poco se va oscureciendo sin dejar de ser el gran espectáculo que proponen alguna de sus imágenes. Esos grandes espacios abiertos cobran todo su sentido en una espléndida persecución filmada a base de sorprendentes tomas cenitales que al lado del fantasmagórico pasaje a través del polvo y la niebla tras el misterioso personaje de Ben (Wiseman), choca con toda esa parte final introspectiva en la que Huston no da nada por sentado.

La verdad sale a flote y cada uno deberá enfrentarse a ello como mejor puede subrayado por ese oscurecimiento de situaciones y personajes a los que Huston trata con una dureza casi extrema. El ataque al hogar de los Zachary está mostrado con una violencia sin concesiones y con cierto suspense —esa munición que poco a poco se va acabando—.

A la vitalidad de Lancaster, actor cuya excelente forma física se proyectaba sobre sus interpretaciones, hay que sumar la delicadeza/dureza de una Hepburn muy cómoda con un personaje nada fácil y sobre el que recae el mayor cambio dramático. Aunque no lo parezca y aún tratándose de Huston, 'Los que no perdonan' simula por momentos una película en la que las mujeres dominan la trama.

La mítica Lillian Gish se adueña varias veces la función con uno de los poco personajes que conocen la verdad sobre el pasado que tan fuerte marca el futuro de los Zachary. Si algo merece la pena recordarse por encima de los demás valores del film es esa bella secuencia de Gish tocando el piano, de un lirismo arrebatador, de una belleza anómala en un mundo salvaje en el que se enfrentan la naturaleza y la identidad de cada uno. A eso sumemos su participación en el salvaje ajusticiamiento de Ben, en el que la calma de alguien que tiene la sensibilidad para interpretar a Mozart, se vuelve juez, jurado y ejecutor con un simple golpe al caballo que sostiene a Ben bajo la soga, y en cierto modo marca su propio destino también.

Una magnífica película que no debería caer en el olvido a pesar de la coincidencia en título, menos el artículo, con cierta obra maestra de Clint Eastwood, actor/director por cierto de aire hustoniano a veces. Existe, eso sí, un paralelismo entre ambas que llama la atención, esa forma de mostrar al personaje central bebiendo como preámbulo al infierno que está por venir.

Por mi parte que voy a decir, si ya todo lo ha dicho y muy bien, Abuín. Toda una joya que hay que ver con detenimiento y con pasión como todos aquellos/as que no perdonan, ... ni olvidan.

Intolerancia, un centenario de película

Como suele ser habitual desde que tengo abierto este blog, al menos, una película de las que veo debe ser , como mínimo, centenaria. Este año , al igual que el anterior, el cineasta escogido es uno de los grandes directores de la historia del cine, posiblemente, el primero en ser considerado un grande. Hablamos de David W. Griffith y de su monumental Intolerancia, una película que surge en parte como reacción a la película centenaria vista el pasado año,  2015, El nacimiento de una nación (1915). La excepcional acogida del público de su anterior película "El nacimiento de una nación" impulso a un grupo de productores a reunir a Griffith con Thomas H Ince y a Mack Sennet para que los tres fuesen los vértices artísticos de la Triangle Corporation, pero la participación real de Griffith se limitó a supervisar la obra de otros directores y a escribir bien es bajo el seudónimo de Granville Warwick.

Su siguiente proyecto tenía mucho más que ver con el deseo de presentar una buena película ante el aguijoneado prestigio de las películas que llegaban de Europa y en un intento de salvar las acusaciones de racismo recibidas por su anterior película.

Era una respuesta a a las acusaciones de racismo de que fue objeto su anterior película de Griffith, que fue criticada por la NAACP y por otros grupos por presentar estereotipos raciales y glorificar al Ku Klux Klan, Griffith comenzó a plantear una epopeya que reflejará que él no comulgaba con lo que aparecía en su película e intentó, en un film de mayor envergadura si cabía, lanzar un mensaje humanista y pacifista.

En numerosas entrevistas, Griffith dejo claro que el título y los temas de la película son tratados como una respuesta a lo que sintió que había sido una intolerante condena hacia él y su película. 

Intolerance, que presenta como Love's Struggle Throughout the Ages and A Sun-Play of the Ages (es decir, el amor a través de los tiempos) aunque aquí conocida únicamente como Intolerancia, es de estas película que no pueden dejar de mencionarse en una Historia del cine. 

Se trata de una película dirigida por David Wark Griffith en 1916 y es una de las grandes obras maestras de la época del cine mudo , así como una de las primeras películas que asumen que existe un arte cinematográfico y que diseña expresamente para este medio, y una película que pretende ser una historia de la humanidad presentada desde la épica que dura poco menos de tres horas y media.

En la versión que he visto tiene una anexo presentado por Orson Welles que nos dice que esta película nos presenta todo lo que es el vocabulario del cine. En su momento fue una de las películas más caras de la historia del cine, y sólo del cine mudo o silente - como también me gusta llamarlo-. 

El film explora el tema de la intolerancia por medio de cuatro historias localizadas en momentos diversos de la Historia. La película intercala cuatro historias paralelas, cada una separada por varios siglos: un melodrama contemporáneo sobre la delincuencia y la redención, una historia de Judea: con Cristo como protagonista, culminando en su muerte , un episodio de las guerras de religión en Francia : la masacre de San Bartolomé de 1572, y una historia de Babilonia: la caída del Imperio de Babilonia ante la Persia de Ciro en el 539 antes de Cristo. Cada historia tenía su propio matiz de color distintivo en la impresión original. Las escenas están unidos por una figura que representa la maternidad Eterna, que mueve una cuna. Como anuncia el mismo Griffith se "trata de una obra solar a través de los tiempos" y  plantea la persistencia de la intolerancia en cuatro etapas distintas todas esas acciones aparecen entrelazadas por la imagen de Lillian Gish meciendo una cuna que simboliza a la humanidad en su devenir y que se inspira está inspirada en unos versos de Walt Whitman )"endesly rocks the craddle/... Uniter of here  and hereafters") que se puede traducir con "Sin fín se mece la cuna/...uniendo el presente y el futuro)".

La película estuvo producida por el mismo D.W. Griffith por medio de su productora Triangle & Wark y será distribuida por su compañía la Triangle Distribuidor Corporation. La película tuvo un presupuesto de unos $ 385.907 de la época. 

El guión también es obra de D.W. Griffith aunque también fue escrito por varios de sus colaboradores y colaboradoras como Frank E. Woods , Hettie Grey Baker, Tod Browning , Anita Loos - esta californiana se limitó a escribir los títulos- y Mary H. O'Connor. La versión que yo he visto la versión en la que la música es de Joseph Turrin y no la de Joseph Carl Breil - la producida para video por Bret Wood, siendo la conocida como versión Kino - reconstruida en 2002 por Kino Internacional -. 

A la misma se le añade los comentarios de Orson Welles para una serie titulada The Silent Years, films de la Collection of Paul Killiam. 

La fotografía es G. W. Bitzer , mientras que el montaje es de David Wark Griffith, James Smith y Rose Smith. 

En el elenco aparece lo más granado del cine norteamericano de la época como es Lillian Gish que la mano de la mujer que mece eternamente La Cuna de la Humanidad y que está presente durante toda la película. 

Como la película nos cuenta hasta cuatro historias comentaremos que en La historia americana "Moderna" están presentes la Reina de los primeros planos de Griffith como es Mae Marsh , la joven y amada / amante esposa - the Dear One- , Robert Harron como el muchacho, trabajador de Jenkins Mill, Fred Turner como el padre del Amado, trabajador de la Jenkins Molino, Miriam Cooper como la amiga de Dear One y antigua vecina de los dos personajes anteriores, Walter Long como un "Mosquetero" o gangster de los bajos fondos, Tom Wilson como el oficial , Vera Lewis como Miss Mary T. Jenkins, Sam De Grasse como el Sr. Arthur Jenkins, jefe de Jenkins Mill, Lloyd Ingraham como el Juez, Ralph Lewis como el gobernador, AW McClure como el Padre Fathley, Max Davidson como un vecino de Dear One. 

En la historia de los hugonotes franceses y la masacre de San Bartolomé (1572) nos encontramos con Margery Wilson como Brown Eyes, Eugene Pallette como su amado hugonote Prosper Latour, Spottiswoode Aitken como el padre Brown Eyes ', Ruth Handforth como la madre de Brown Eyes, Allan Sears como el soldado mercenario, Josephine Crowell como Catalina de Medici , la reina-madre, Frank Bennett como el Rey Charles IX de Francia, Maxfield Stanley como Príncipe Henry de Francia, Joseph Henabery como el Almirante Coligny, Constance Talmadge como la Princesa Margarita de Valois , WE Lawrence como Enrique de Navarra. 

En la historia de Babilonia aparecen Alfred Paget como el Príncipe Belsasar o Belshazzar, Constance Talmadge como la chica de la montaña , Elmer Clifton como el rapsoda, Seena Owen como la amada princesa, la favorita de Belsasar, Tully Marshall como el Sumo Sacerdote de Bel-Marduk, George Siegmann como Ciro el Grande, Carl Stockdale como Rey Nabonido , padre de Belsasar, Elmo Lincoln como el grandioso guerrero que protege a Belsasar, Frank Brownlee como el hermano de la chica de la montaña, el grupo de The Ruth St. Denis dancers - especializado en danzas orientales- como Las bailarinas del palacio. 

En la cuarta historia, la  bíblica "Judea" aparece Howard Gaye como El Nazareno, Lillian Langdon como María, la Madre, Amor Bessie como la novia de Canáa, George Walsh como el novio. 

Griffith contó igualmente con todos aquellos que rondaban en Hollywood de la época que aparecen en "cameos" y pequeños papeles como Mary Alden, Frank Borzage, Tod Browning, Frank Campeau, Jewel Carmen, Constance Collier, Donald Crisp, Carol Dempster, Douglas Fairbanks (soldado borracho con el mono), Mildred Harris, Dell Henderson, Harold Lockwood, Wilfred Lucas, Francis McDonald, Owen Moore, Carmel Myers, Wallace Reid, Eve Southern, Pauline Starke, Erich von Stroheim, Natalie Talmadge, Ethel Grey Terry, Herbert Beerbohm Tree o King Vidor.

La película relata alternativamente cuatro historias de injusticia: la matanza de los hugonotes en Francia la noche de San Bartolomé de 1572, la pasión y muerte de Jesucristo, una huelga de trabajadores contemporánea y la caída de la Babilonia del rey Baltasar en el año 539 ante el ataque de Ciro II el Grande, rey del Imperio persa. 

Esta película compleja consta de cuatro historias distintas, pero paralelas, que se intercalan cada vez con mayor frecuencia a medida que la película se convierte en un clímax, lo que demuestra la persistente intolerancia de la humanidad a través de los siglos.

La película establece conexiones morales y psicológicas entre las diferentes historias. La línea de tiempo cubre aproximadamente 2.500 años.Existen numerosos ejemplos de cómo el odio y la intolerancia se han enfrentado a la caridad y al amor a lo largo del tiempo. 

La historia más antigua es la de "Babilonia" (539 aC) que representa el conflicto entre el Príncipe Belsasar ( o Baltasar)  de Babilonia y Ciro II el Grande de Persia . La caída de Babilonia es el resultado de la intolerancia derivada de un conflicto entre dos devotos de dioses rivales de Babilonia - los del dios  Bel-Marduk, dios de la guerra, e Ishtar, la diosa del amor.

Comienza presentando el enfrentamiento teológico y finalmente mostrando a la muchacha de la montaña (Constance Talmadge) tratada amablemente por Belshazzar (Alfred Paget) cuando ella es forzada por el sistema judicial para presentarse en el mercado del matrimonio, y se enamora de su príncipe.

Comienza en el año 539 a.C. cuando Babilona dominaba el mundo con su cultura, por lo que muchos pueblos ansiaban su conquista. El Gran Sacerdote de Bel-Marduk, dios supremo de Babilonia observa con preocupación cómo va perdiendo privilegios frente a la diosa Ishtar tras la proclamación por parte del príncipe Baltasar de la libertad religiosa.

Allí, frente a la gran puerta de Ingmur Bel se concentran los mercaderes, tratando el Rapsoda, agente del Gran Sacerdote de Bel de atraer a la gente hacia su religión, quedándose prendado de una joven que está allí, la Chica de la Montaña, una muchacha rebelde que no obedece a nadie, lo que lleva a su hermano a llevarla ante el primer tribunal de justicia conocido, que funcionaba según las normas proclamadas por el Código de Hammurabi, destinado a proteger al débil del poderoso.

El juez ordena que la joven sea enviada al mercado del matrimonio, en el que el dinero pagado por las chicas guapas se destinaba a las otras chicas casaderas para ayudarles a encontrar un buen marido. Allí sacan a subasta a la Chica de la Montaña, que debido a sus rudos modales no consigue que nadie puje por ella, ni aun ofreciendo un tercio de una mina de plata.

Mientras se procede a la subasta llega Baltasar, que ante los ruegos de la muchacha le entrega un sello con el que podrá ser libre para elegir casarse o no.

Tras recuperar su libertad el Rapsoda trata de conquistarla de nuevo, ante lo que la chica le dice que no desea estar con un afeminado, sino con un duro soldado.

Durante una visita efectuada por Baltasar al templo de la diosa Luna, es visto por la Chica de la Montaña, que lo considera su héroe, enfrentándose por él al Gran Sacerdote del Templo al escuchar que conspira contra él. La afrenta al Gran Sacerdote hace que este ordene que la azoten con una cadena de hierro hasta la muerte, salvándola de nuevo el príncipe que le recuerda al Gran Sacerdote que carece de poder para emitir condenas.

En Babilonia el Gran Sacerdote de Bel sale a la calle buscando notoriedad y profetizando la caída de Babilonia por el culto a Ishtar. Medos y Persas, con la ayuda de etíopes se preparan, bajo el mando de Ciro, para atacar Babilonia en confabulación con los sacerdotes de Bel

Poco después Ciro se dirige con sus numerosas tropas hacia las murallas de la ciudad defendidas con catapultas, aceite hirviendo y por arqueros, entre los que está la Chica de la Montaña, dispuesta a defender a su amado príncipe.

Ciro se presenta ante las enormes murallas de Babilonia llevando altas torres con las que logran llegar hasta lo alto de las murallas, siendo la lucha encarnizada, y aunque consiguen derribar algunas de las torres, el resultado no es muy favorable, aunque todo mejora al día siguiente, cuando sacan una máquina que lanza fuego contra las torres, consiguiendo finalmente vencer a las tropas enemigas.

En Babilonia celebran la gran victoria en una sala de más de un kilómetro de longitud dando gracias a Ishtar ante la gran indignación del Gran Sacerdote de Bel, que le pide al Rapsoda que prepare los carros junto a la gran puerta para visitar a Ciro.

Este, de regreso de los preparativos, ve a la Chica de la Montaña y trata de embaucarla, contándole todo lo que sabe.

Poco después los sacerdotes atraviesan la gran puerta, custodiada por sus propios hombres, consiguiendo la Chica de la Montaña también un carro, tras robárselo al Rapsoda mientras flirteaba con ella. Y como este le dijo la contraseña para poder salir, sigue a los sacerdotes para enterarse de sus pretensiones. Los sacerdotes acuden al campamento de Ciro seguidos por la Chica de la Montaña.

La Chica de la Montaña observa desde la lejanía la llegada de los sacerdotes al campamento de Ciro, donde conspiran y decide que debe regresar para avisar de la traición.

En Babilonia se celebra la última bacanal cuando llega la Chica de la Montaña, y los colaboradores de los sacerdotes de Bel tratan de evitar avise, aunque finalmente consigue llegar hasta Baltasar, al que le cuenta lo que ocurre, aunque ya demasiado tarde, pues las tropas de Ciro han entrado ya en la ciudad al dejarle los sacerdotes las puertas abiertas, saliendo a combatir los babilonios en penosas condiciones, encontrando Baltasar solo 12 guardias para defender las puertas de su palacio, a los que se une la Muchacha de la Montaña que combate valientemente hasta quedarse sin flechas, muriendo finalmente ella.

Por su parte el príncipe, deseoso de evitar la humillación de la captura opta por suicidarse, siendo así encontrado junto a su favorita por Ciro.  

La bíblica historia de "Judea" (c. 27 dC) relata como en Caná de Galilea, los Fariseos rezan dando gracias a Dios por ser mejores que los demás, obligando a que todos paren su trabajo mientras ellos rezan.

En esa misma Caná de Galilea Jesús y su madre acuden a una boda en la que los novios acaban sintiéndose humillados cuando se les acaba el vino, pidiéndole María a su hijo que los ayude, realizando Jesús su primer milagro al transformar el agua en vino, permitiendo así que la fiesta continúe.

Más tarde acontece la historia de la mujer adúltera en la que los fariseos que acechan a Jesús y le ponen a prueba llevando ante él a una mujer sorprendida en adulterio a la que desean aplicar la ley de Moisés, que ordena lapidarlas, ante lo que Jesús reacciona diciendo que el que esté libre de pecado tire la primera piedra, desapareciendo todos y dejando libre a la mujer.Poncio Pilatos ordena crucificar a Jesucristo, que carga con su cruz hacia el monte Calvario. Es una historia de intolerancia que llevó a la crucifixión de Jesús . Esta secuencia es la más corta y menos detallada de las cuatro. 

La historia que se desarrolla en Francia y que corresponde con un episodio de las guerras de religión , en concreto, la masacre de los hugonotes, calvinistas franceses que tuvo lugar en 1572 habla de la intolerancia religiosa que condujo a la matanza del día de San Bartolomé de los protestantes hugonotes fomentada por  miembros católicos de la realeza.

Estamos en 1572, en París durante el reinado de Carlos IX. Su madre Catalina de Médicis influye en todas las decisiones sobre el rey, no tolerando la actuación de los hugonotes (protestantes franceses), liderados por el Gran Almirante Colligny, mucho mejor partido para suceder a Carlos IX en el trono que su primo, el afeminado Duque de Anjou. Pese a ello tratan de mantener las formas permitiendo la boda entre Marguerite de Valois, hermana del rey, y Enrique de Navarra, importante dirigente hugonote.

Descubrimos igualmente a Ojos Marrones, es una joven perteneciente a una familia de hugonotes a punto de comprometerse con Prosper Latour, el hombre al que ama.

Ojos Marrones y su familia ignoran la conspiración contra ellos, viendo cómo un mercenario, que se siente atraído por ella le confiesa su amor. La actitud altiva de los hugonotes y una matanza realizada por estos en Nimes hace que Catalina ordene su exterminio.

Catalina reúne para ello a sus consejeros tratando de convencer al rey para que, en contra de su voluntad, acabe firmando la orden de acabar con los hugonotes. Prosper y Ojos Marrones piensan anunciar su compromiso el día siguiente, coincidiendo con el día San Bartolomé, aunque mientras cruza la ciudad hacia su negocio, Prosper ve inquietantes movimientos de tropas, siendo marcadas con una o dos cruces las casas de los hugonotes con tiza.

Llegado el día de San Bartolomé, las tropas salen y comienzan la matanza, ante lo que Prosper, aprovechando su salvoconducto trata de llegar hasta la casa de Ojos Marrones, donde las tropas entraron ya encabezadas por el mercenario que se encaprichó de ella y que podrá aprovechar la situación.

Ojos Marrones se verá acosada por ese hombre que acaba matándola, ante lo que Prosper, que llegó demasiado tarde para salvarla, sale desconsolado con el cuerpo de su novia, disparando los soldados también contra él.  

La historia americana "moderna" nos presenta un crimen, el de la falsa moral provocado por el puritanismo , y los conflictos entre los capitalistas despiadados y los trabajadores en huelga y qu llevan a la ruina de la clase trabajadora estadounidense y la margina. 

Esta es posiblemente la historia más auténtica de las cuatro y es una crítica a la falsa moral existente en la alta sociedad. Estamos en América. 1914.

En una ciudad del Oeste, un grupo de damas se alía para tratar de reformar la humanidad, y, necesitadas de fondos tratan de atraer para su causa a Mary T. Jenkins, hermana de un rico industrial, ya en el declive de su vida, y que viendo bailar a los jóvenes se da cuenta de que ella ha perdido ya su juventud.

En la misma ciudad vive Dear One- Querida-, la joven hija de uno de los obreros de los Jenkins, que vive feliz pese a que su padre solo gana 2,75 dólares al día. La señorita Jenkins accede a financiar a las reformistas.

Entretanto los trabajadores del molino de Jenkins celebran su tercer baile anual, donde Querida se divierte al igual que el resto de los trabajadores ante la preocupación de Jenkins, que se disgusta al ver que pese a ser ya las 10 de la noche sus trabajadores siguen bailando en vez de estar descansando para poder rendir al día siguiente. Necesitada cada vez de más dinero, la señorita Jenkins se lo pide a su hermano, quien opta por recortar en un 10% los salarios de todos sus trabajadores, lo que hace que estos se rebelen iniciando una huelga, en la que deben enfrentarse a otras personas hambrientas dispuestas a ocupar sus puestos por menos dinero, debiendo intervenir la guardia nacional.

Aunque estos disparan con balas de fogueo, no sucede lo mismo con las de los guardias de Jenkins, que acaban con un buen número de obreros, entre los que se encuentra el padre de Chico, viéndose muchas familias, como la de este, o la de Querida a buscar otro empleo en la gran ciudad cercana, aunque tampoco Chico encuentra allí trabajo, robándole la cartera a un hombre borracho.

Ambos viven en la pobreza y ahora intentan establecerse en la ciudad como matrimonio. El marido, teniendo que mantener a su esposa y a un bebé, no encuentra trabajo, y como última alternativa se deja seducir por el mundo del crimen.

Querida, sigue soñando despierta pese a las dificultades, mientras en su mismo barrio vive otra emigrante, una chica que perdió a todas sus amistades y que se plantea trabajar para el Mosquetero, una banda criminal a la que ahora pertenece Chico.

Este se fija un día en Querida cuando la ve en la calle tratando de imitar el sensual caminar de una mujer a la que vio que todos los hombres admiraban, sintiéndose atraído por ello y tratando de besarla, apareciendo entonces el padre de la muchacha para defenderla. Pero no podrá seguir haciéndolo durante demasiado tiempo, pues, incapaz de adaptarse a las duras condiciones laborales, acaba muriendo.

Ante estas circunstancias una chica, Dear One,  y un chico, el amado, han de emigrar a otra ciudad. Querida comienza a salir con Chico, pasando un agradable día juntos en Coney Island, aunque al final del día, cuando él va a dejarla en su casa ella se niega a dejarle pasar, tal como le prometió a su padre y a la Virgen, ante lo que él reacciona diciéndole que no volverá a verla, aunque luego cambia de opinión y le propone matrimonio, ante lo que ella le abre la puerta para darle un beso de buenas noches.

Entre tanto las mujeres de la organización reformista, convertidas en la principal fuerza de la ciudad obligan a cerrar todos los bailes y prohíben la bebida, ignorando que en vez de vino y cerveza, la gente comienza a beber licores más fuertes que destilan en sus casas.

Chico por su parte, reformado por amor, decide dejar su vida delictiva, para lo que le devuelve su pistola al Mosquetero, que no quiere que esto suceda, por lo que discuten y Chico lo golpea, ante lo que su anterior jefe le tiende una trampa.

Un grupo de hombres lo golpea y esconden en su ropa una cartera robada, apareciendo de inmediato la policía que lo acusa del robo  justo cuando Chico decide reformarse, es detenido y encarcelado por la policía.

Mientras está en prisión, su esposa debe soportar que el hijo de ambos sea sujeto de atención por parte de la "sociedad de elevación moral". Por su parte, la Fundación Jenkins empieza a preocuparse por los niños y tras conocer el caso de Querida, ahora madre, pero con su marido encarcelado la investigan, viendo que se dispone a darle whisky, un remedio popular, contra el resfriado, por lo que, estudiado su caso obtienen una orden para quitarle el niño.

El Mosquetero aprovecha dicha circunstancia para acercarse a Querida con la promesa de conseguir recuperar a su hijo.Mientras eso sucede, unas mujeres de la asociación benéfica reformistas le quitan a la madre el bebé bajo el argumento de que no puede hacerse cargo de éste y creyendo erróneamente que ésta es alcohólica.

El Mosquetero trata de aprovecharse de Querida, colándose en su casa cuando ella entra para buscar la dirección del lugar en que está su hijo, y tratando de forzarla, sin sospechar que su celosa amante, la chica solitaria ha ido tras él, con un arma, la que Chico le devolvió a su novio.

Este, ya libre, llega hasta su casa y derriba la puerta de una patada antes de que el Mosquetero logre sus objetivos, entablándose una pelea entre ambos, tratando de violar a Dear One.  Ella lógicamente se defiende  y se resiste.

En la lucha, inesperadamente, aparece la novia del jefe de la banda y dispara desde la ventana, matando al jefe. y cuando el Mosquetero se dispone a matar a Chico, su novia le dispara desde la ventana, tras lo que lanza la pistola al interior de la habitación antes de huir. Chico encuentra el arma y la coge, siendo sorprendido con ella por la policía y juzgado por asesinato, siendo considerado culpable al haberse producido el asesinato con su pistola, ante la impericia de su novato abogado.

Chico es acusado injustamente de asesinato y condenado por ahorcamiento, ante la desesperación de Querida, que se desmaya al escuchar la sentencia dictada.

Su mujer, desesperada, pelea por salvarle pero es en vano. Un amable policía ayuda a Dear One a encontrar al verdadero asesino y juntos tratan de llegar al Gobernador a tiempo para que su esposo que ya está reformado no sea ahorcado.… Ella y el abogado deben por tanto correr a salvarle de la horca antes de que sea demasiado tarde.

Aprovechando la llegada del Gobernador a la ciudad, el vecino policía de Querida, acude a verlo para pedirle clemencia, aunque sin éxito. Querida decide entonces ir a verlo ella en persona, aunque sus ruegos son inútiles. Pero entonces su vecino observa que ha ido tras ellos la novia del asesinado. Ella es la verdadera autora del crimen y luchan contra el tiempo y las circunstancias para salvar a su marido. Chico y se dirigen a ella obligándole a confesar que es ella la autora del homicidio, aunque para entonces es ya demasiado tarde, pues el gobernador se ha marchado, saliendo tras él para tratar de alcanzarlo antes de que salga su tren, llegando nuevamente tarde, ante lo que le piden a un piloto de coches de carreras que está allí que les lleve hasta el tren.

El coche de carreras finalmente adelanta al tren y se pone en medio de la vía obligándolo a parar, pudiendo así hacer su apelación ante el gobernador, que tras comprender que Chico es inocente le concede su indulto. Con este se dirigen al penal para tratar de evitar que ejecuten a Chico, el cual está ya frente al patíbulo cuando la llegada de Querida con la orden logra evitarla, consiguiendo además recuperar a su hijo, siendo la felicidad completa.

El amor perfecto traerá la paz para siempre.  Y , en las útimas escenas, vamos descubriendo que la paz puede tener cabida en el mundo. Es capaz de paralizar enfrentamientos, de transformar los muros en un seto de flores y convertir un campo de batalla en un espacio para el paseo. Acabando con este tipo de imágenes la película. 

Las rupturas entre los distintos períodos de tiempo están marcadas por la imagen simbólica de una madre que mece una cuna, representando el paso de generaciones. 

La película salta de un momento a otro y entrelaza los segmentos sobre grandes espacios de espacio y tiempo, con más de 50 transiciones entre los segmentos con una gran cantidad de escenas grandilocuentes.  

La película es un producto del Hollywood incipiente y se rodó básicamente en Los Ángeles , en los Baldwin Hills, en los Fone Arts Studio que estaba en Sunset Blvd., en Hollywood, donde se rodó el Conjunto de Babilonia, en Silver Lake. 

David W. Griffith comenzó el rodaje de la película con la historia moderna (originalmente titulado "La madre y la Ley"), cuya planificación es anterior al éxito comercial de El nacimiento de una nación. Se trataba de un drama social con una emocionante escena de rescate en el último momento en que un hombre inocente estaba a punto de ser ahorcado. No obstante, resultaba un contraste un tanto extraño pasar de una obra tan monumental como El Nacimiento de una Nación a una película tan breve y modesta.

En todo caso, Griffith la empezó a filmar entre noviembre y diciembre de 1914. A finales de año tuvo que interrumpir el rodaje para volver a dedicarse a dar los últimos retoques a El Nacimiento de una Nación, así como supervisar su estreno y defenderse de las polémicas que habrían – en aquellos tiempos el señor Griffith estaba siempre con varios proyectos al mismo tiempo – y la retomó en agosto de 1915 para acabarla al mes siguiente. Luego amplió la historia para incluir las otras tres historias paralelas bajo el tema de la intolerancia. Estuvo más tarde rodando una recreación de la Pasión de Jesucristo, que rodó entre noviembre y diciembre de 1915. Y en el periodo que va de enero a abril de 1916 estuvo filmando la película más gigantesca hecha hasta entonces en Hollywood, una ambiciosa producción sobre la caída de Babilonia. 

Una de las características inusuales de la película es que muchos de los personajes no tienen nombre propio. Griffith deseaba que fueran emblemáticos de tipos humanos. Así, el personaje femenino central en la historia moderna se llama Dear One, la Querida. Su joven esposo se llama El muchacho, y el líder de la mafia local se llama El mosquetero de los barrios pobres. Destaca en toda la película el tono tan gris y desesperanzador. Griffith era más partidario de un tono de melodrama clásico, combinando escenas lacrimógenas con otras que servían de respiro al espectador con algún toque bondadoso o de humor. .  

Los críticos y teóricos del cine sostienen que estos nombres revelan el sentimentalismo de Griffith, que ya se insinúa en El nacimiento de una nación, con nombres como La pequeña coronela. 

A medida que las historias van llegando a su clímax, Griffith hace más rápido el montaje alternado, con secuencias cada vez más cortas, y creando una tensión hacia el desenlace de las cuatro historias. 

La idea de Intolerancia era combinar un montaje a dos niveles: por un lado dentro de las mismas historias estaba el montaje narrativo ya asimilado en la época (incluido el frenético rescate al último momento en que Griffith se había especializado), y por otro había otro tipo de montaje a nivel global que se le podía escapar más a los espectadores de la época al no tener un motivo claro a sus ojos, que era el de hacer una comparativa a lo largo de diferentes épocas de situaciones de intolerancia. Intolerancia tuvo grandes pérdidas, pues su éxito no fue el esperado. Una de las razones pudo ser el presentar una estructura bastante  compleja y una pretensión intelectual y moralizante de llevar a la reflexión que abarcaba toda la historia de la humanidad.

La base del proyecto fue el episodio contemporáneo titulado "La madre y la ley" que resulta sin duda el más veraz de los cuatro aquí se aprecia la mejor vena realista de Griffith y la que había mostrado en innumerables cortometrajes y que reaparecerá posteriormente en títulos como "Corazones del mundo" y "Lirios rotos". Esta historia de carácter urbano combina elementos implícitos en el propósito inicial de la cinta como la intolerancia, la intolerancia de las damas de caridad que pretenden separar a la madre de su hijo pero aporta además elementos completamente nuevos y una temática social muy audaz para su época . Así, el desarrollo de una huelga con la carga brutal de la policía contra los huelguistas tiene una intensidad que el cine norteamericano raras veces volvería a alcanzar. Así, también, la utilización del primer gran plano con intenciones dramáticas, potenciadas a través del rostro extremadamente conmovedor de Mae Marsh cuyo papel está lleno de primeros planos, como no se habían conseguido con ninguna otra intérprete de la época sumado a una capacidad de convicción y una intensidad dramática que es una de las bazas emocionales de la película.

La madre y la ley encuentra su punto culminante en las escenas en las que el protagonista es condenado a muerte y su posterior avance hacia el cadalso donde ha de consumarse la pena capital . Esta secuencia se expone en un montaje paralelo con la carrera en automóvil de la joven esposa portando el  indulto. Creemos hallarnos ante una muestra más del "salvamento en el último minuto " marca de la casa, pero aquí el genio de Griffith nos reserva una última sorpresa utilizando un recurso ya sabido pero empleando sus posibilidades hasta el infinito.

En efecto las cuatro acciones confluyen cada uno con su carga simbólica y se desarrollan simultáneamente sobre la pantalla Griffith combinando el ritmo de la fuga musical y la analogía buscada en literatura por autores como Joyce o como Italo Svevo. Su concepción es pues tan moderna que escapa a todo lo conseguido por el cine antes o después. Desgraciadamente no todos los episodios están en la misma altura es más algunos llegan a presentar diferencias de estilo que producen lamentables ejemplo de disonancia.

El capítulo de la matanza de la noche de San Bartolomé con algunos momentos espléndidos en la carga contra los hugonotes se parece demasiado al Film d´Art francés; en cuanto el episodio de Jesús y los fariseos recuerda al peor Cecil B DeMille sin alcanzar al impúdico encanto naïf.

La más aceptable la parte de Babilonia es la más espectacular de intolerancia y también la más reconocible para la mayor parte de los aficionados como el resto de los episodios históricos. La anécdota es endeble el clero de Baal traiciona al monarca para ayudar a las tropas de Ciro el persa ; pero antes algunas celebraciones palaciegas permiten a Griffith dar rienda suelta a sus obsesiones decorativos que arrancan como hemos dicho a menudo del cine épico italiano y más concretamente de la Cabiria de Pastrone.

Es incesante el desfile de cortesanos esclavas guerreros y componentes de un cuerpo de baile que marcan una danza oriental hoy de digna de una mala representación de Aida de indudable tono kitsch, según Moix,  lo que se salva de ella se debe gracias a la prodigiosa utilización de la cámara lanzada a conseguir efectos extraordinarios ya por medio de la grúa, ya por medio de un globo utilizado para cantar en su integridad el gigantesco escenario del Palacio de Baltasar dando lugar el plano general más impresionante conseguido. Hasta entonces nuca en el cine se había planteado un set de esas dimensiones que forjaron por si solas la leyenda del filme. Construido un descampado en las afueras de Los Ángeles y que medía 70 metros de altura por 1600 de profundidad .

Técnicamente será el segmento de Babilonia el más conseguido. En parte por los gigantescos decorados que vemos en la película que son a tamaño real y para moverlos había que utilizar elefantes entrenados. Eso además generó algunos problemas adicionales para poder filmarlos consiguiendo que entraran en todo el encuadre. Para ello hubo que diseñar una torre sobre raíles con un ascensor, de manera que el cámara pudiera filmar todo desde las alturas mientras se iba acercando poco a poco al escenario.

Dicho travelling es uno de los más espectaculares de todo el cine mudo y aún hoy día creo que sigue impresionando no sólo por la magnitud de lo que muestra sino por la forma como fluye el movimiento.

Para conseguir los cientos de extras requeridos para las escenas de la batalla se tuvo que recurrir no solo a todos los extras disponibles en Hollywood sino a todos los hombres en paro que pudieran encontrar. Dado que era imposible coordinar a tantas personas,

Griffith se rodeó de numerosos ayudantes que tenían bajo su cargo a unos cientos de hombres, de forma que el funcionamiento del rodaje acabó asemejándose casi al de un ejército con varias jerarquías de superiores que controlan a todo el cuerpo de soldados. Uno de esos ayudantes, Monte Blue, incluso utilizaba pistolas de señalización para guiar a los hombres. Otros tuvieron que hacer lo posible para convencer a todos esos extras de llevar a cabo acciones que no parecían muy seguras durante las escenas de la batalla.

Posiblemente el uso de elementos historicistas ya que entre otras cosas Griffith y su ayudante Joseph Henabery llevaron a cabo un intenso trabajo de documentación sobre las civilizaciones mesopotámicas. Así recogieron en un gran álbum de recortes una cantidad ingente de imégenes que hacían referencia a multitud de objetos mesopotámicos (armas , carros, armaduras,...) de toda clase de libros y folletos. Asimismo , Griffith mostró interés por las recreaciones sobre Babilonia como aparecen en los cuadros de John Martin ( Belshazzar Feast, 1820), The Babylonian Marriage Market de Edwin Long ( 1875) y La Fin de la Babilone ( Georges Rochegrosse, 1891). Tras esta labor de documentación, Griffith procedió a la recosntrucción de su versión de Babilonia en las 150 hectáreas de Sunset Boulevard.

Su obra pudo ser mal entendida por quienes pedían al cine entretenimiento, intriga y emociones por encima del comentario moral. Además el público en 1916 no estaba acostumbrado a ver películas que duraran más de tres horas, ni estaban preparados para la complejidad de seguir cuatro tramas totalmente distintas a la vez y al final acababan perdiéndose, sobre todo en el clímax.  

Tras su estreno en los Estados Unidos, Griffith viajaría a Reino Unido para vigilar de cerca el estreno de la película en Europa y permanecería ahí para filmar su siguiente obra. Salvo para algunos como el reverendo Archibald H. Sayce, profesor de Asiorología de la Universidad de Oxford, que envió al propio Griffith al siguiente día tras ver la película en Londres en una carta en la que le decía: "Se trata de una obra asombrosa...Las escenas babilónicas son magníficas y fieles a los hechos. Me quedé gratamente impresionado por el extremo cuidado prestado a cada detalle. El drama es educativo en más de un sentido, y el interés que despertará por la historia de Babilonia es especialmente gratificante para los asiriológos".

A pesar de ello. en Europa tampoco triunfó, aunque fue alabado por la crítica, pero su mensaje pacifista fue rechazado en una Europa inmersa en el ecuador de la Primera Guerra Mundial y por sectores proclives al intervencionismo de la sociedad estadounidense.

Sin embargo la influencia posterior de esta obra fue enorme, ya que fue modélica para directores tales como Erich Von Stroheim y el japonés Minoru Murata, , pero sobre todo para los directores que años más tarde serán la columna vertebral de la Unión Soviética, donde al parecer fue distribuida sin el consentimiento de Griffith, recibiendo elogios por su alcance y propósito de, incluso, el mismo Lenin. La escuela del montaje de atracciones del cine soviético de Lev Kuleshov, o la del cine ojo de Dziga Vertov, y los grandes maestros como Serguéi Eisenstein, Vsévolod Pudovkin o Alexander Dovzhenko desarrollaron en ocasiones su arte en parte gracias al estudio de esta obra. En los años siguientes de su lanzamiento, Intolerancia influyó fuertemente en los movimientos europeos de cine a pesar de su falta de éxito comercial a nivel nacional. 

Griffith planteó para cada episodio un estilo estético diferente, incluso con una iluminación y tendencia cromática diferente que conjugaba las grandes masas y los decorados, que pareceían estar inspiradas por la epopeya cinematográfica de Cabiria, realizada dos años antes, en 1914, por Pastrone, aunque también intervino como vimos en su momento Segundo de Chomón y las entremezcla con escenas intimistas entre las que sobresalen las procedentes de la historia situada en la tragedia familiar de la historia del huelguista acusado injustamente de asesinato. 

La aportación de esta película a la técnica cinematográfica es indiscutible. Como señala Orson Welles en el epílogo de la película aquí aparece todos los elementos propios del lenguaje cinematográfico hasta esos momentos conocidos.

La película es un intento de profundización en el montaje paralelo y en algo que será marca de la casa del cine americano: la persecución y el rescate en el último minuto, que eranuna de las señas de identidad de Griffith, y le habían dado tan buen resultado en anteriores filmes.  Todos los recursos artísticos y técnicos que habían sido empleados por el realizador en su obra previa se encuentran en esta película profundizados y mejorados. 

El resultado es para algunos una "polifonía" con cuatro temas intercalados que van componiendo un trepidante "in crescendo" conforme avanza la película. Durante la filmación de las secuencias de batalla, muchos de los extras se metieron tan en sus personajes que causaron lesiones reales entre sí. Al final de un día de rodaje, un total de 60 heridos fueron tratados en la tienda de campaña de la producción. Según Kevin Brownlow en su documental entre tres partes American Masters: DW Griffith: Padre de Cine (1993), Griffith ordenó que todos los teatros que mostraban la imagen debían ser modelados con una decoración especial y necesitaban tener una orquesta en vivo tocando la partitura de la película. 

Todo ello con una gran puesta en escena, donde grandes masas de actores son dirigidas entre decorados gigantescos, como el de Babilonia, cuyas murallas alcanzaban los cien metros de altura. En la escena del ataque persa se movilizaron 16000 figurantes, con un coste de producción que osciló, dependiendo de las fuentes manejadas, entre uno y dos millones de dólares de la época. La secuencia de la orgía babilónica solo costó 200.000 dólares cuando fue filmada. Tales gastos supusieron una quiebra financiera  de la que Griffith nunca se recuperó totalmente, pues él corría con todos los riesgos de la producción, por lo que siguió endeudado durante el resto de su vida.

La idea inicial de Griffith respecto a Intolerancia era un espectáculo de ocho horas que se representaría en dos noches. No obstante, él mismo debió darse cuenta de la inviabilidad de esa idea y acabó dejándolo en un montaje de “solo” tres horas (que para la época era una duración monumental).

La consecuencia que tuvo este recorte es que los episodios de los hugonotes y de Jesucristo se vieron drásticamente reducidos a la mínima expresión, quedando casi en anécdotas, especialmente el de Jesucristo.

El preestreno de la película fue el 14 de agosto de 1916, utilizando un título falso (The Downfall of all Nations) y un pseudónimo para el nombre de Griffith (Dante Giulio, un guiño a los ambiciosos peplums contra los que el director quería competir), de esta manera el público acudiría a ver esa nueva película sin sospechar que era lo nuevo del director americano más importante del momento.

Después de hacer unos retoques al montaje su estreno oficial llegó el 5 de septiembre. La película se distribuyó por todo lo alto como un evento especial y no fue hasta 1918 cuando empezó a llegar a salas pequeñas como una película “normal”. Ese estreno inicialmente en “exclusiva” en ciertas salas fue en gran parte lo que hizo que rindiera tan poco en taquilla, pero de nuevo es lo que quería Griffith. En todo caso la película acabó siendo un enorme fracaso económico.

De hecho, a partir de esta película, serían los productores quienes pasarían a dominar el mundo del cine estadounidense, con la aparición de las grandes productoras de Hollywood y el star-system, una vez que la industria cinematográfica europea había sido reducida a cenizas tras la Gran Guerra. 

Intolerancia era una tarea colosal que ofrece conjuntos monumentales, trajes de época de lujo, y más de 3.000 extras. Los costos reales de producir intolerancia son desconocidas, pero las mejores estimaciones están cerca de $ 2,5 millones una suma astronómica en 1916, aunque según la web del imdb  tuvo un presupuesto de unos $ 385.907 de la época.  

Una tercera parte del costo de hacer fue invertido en la parte de Babilonia en la que además de unos escenarios de impresión inspirados en Cabiria, como son los elefantes, añade banderas gigantes, animales salvajes,...Los extras en las escenas babilónicas se pagaban supuestamente a $ 2.00 por día, por cabeza, una suma astronómicamente generosa en ese momento. También se les dio un almuerzo y se construyeron letrinas temporales para ellos. Para las escenas más colosales como el festín de Baltasar y el ataque a las murallas de Babilonia se movilizaron a 16000 figurantes. 

La película, la más cara hecho hasta ese momento, cuando se convirtió en un fracaso en la taquilla, supuso tal carga para la Triangle Distribuidor Corporation. que en 1918 tuvo que ser puesto a la venta. Griffith vivió en la ruina financiera de por vida. 

Theodore Huff , uno de los críticos de cine más importante de la primera mitad del siglo XX, creían que era la única imagen en movimiento digna de tomarse en cuenta  junto con la Quinta Sinfonía de Beethoven o las pinturas de la  Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

Para Terenci Moix en su Historia del cine publicada en Blanco y Negro en el diario ABC, "Griffith quiso emprender una historia de contenido más liberal y al mismo tiempo alcanzar unas cotas expresivas y plásticas inéditas hasta el momento. Así se trata de hablar de una suma de posibilidades del cinematógrafo pocas veces las películas podían expresan en tan alto grado como esta gigantesca epopeya cuya edición excede a los resultados sin que esto implique el menor nuevos menoscabo a su grandeza;  y es que el empeño de Griffith es de tal magnitud que considerar a Intolerancia en sus partes aislada no hace sino debilitarla. La ambición del narrador después de haber alcanzado la perfección estructural con el Nacimiento de una nación y la reproduce aparentemente desarticulada para alcanzar en un final apoteósico la síntesis de varias opciones narrativas. En su película la totalidad triunfa sobre las partes haciéndonos parecer una película redonda, una obra que no carece de lagunas cómo son la ingenuidad de los contenidos la tosquedad de la simbología y una tendencia al mal gusto expresivo".

La película fue presentada fuera de concurso en el Festival de Cannes en el año 1982 y en 1989, Intolerancia fue seleccionada para su preservación en los Estados Unidos en el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso siendo declarada "cultural, histórica o estéticamente significativa". 

En 2007, cuando se realizó la votación de 100 años AFI ... 100 Películas (10th Anniversary Edition) clasificaron Intolerancia en el número 49 de 100 películas.Se incluyen entre los "1001 películas que hay que ver antes de morir ", editado por Steven Schneider . 

La película actualmente tiene un índice de aprobación del 96% en el sitio agregado Rotten Tomatoes . El crítico de cine David Thomson ha escrito que es una  "locura autodestructiva"  entre otras cosas por su "formato de corte transversal y autointerrumpido" aunque este sea fastidioso ... La pura pretensión es un obstáculo, y uno anhela que la "Historia Moderna" sostenga la pantalla ... Destaca el episodio contemporáneo de Dear One y su Amado y el gusto estético por concluir en una cruz cortando en el intento de salvar al chico de la horca. Este episodio es lo que mejor que sabía hacer Griffith: brillante, con suspenso y orientado a la rapidez Y concluye con una sentencia "cualquier persona relacionada con la historia del cine tiene que ver Intolerancia".

Muchos de los numerosos ayudantes de dirección Griffith empleada en la fabricación de la película- Erich von Stroheim , Tod Browning , Woody Van Dyke con el tiempo tendrán su papel como directores de Hollywood en los años siguientes. 

El 9 de noviembre de 2001 tuvo lugar su inauguración el nuevo complejo Kodak Theatre de Hollywood Boulevard y Highland (en Hollywood) (la nueva sede permanente del certamen anual de los premios de la Academia y en la que tuvo lugar la 74ª Ceremonia Anual de la Academia el 24 de marzo de 2002 ).En la puerta del teatro Kodak que es la imagen de la ciudad hay que señalar que responde a una réplica de un arco y alguna de las esculturas de los elefantes sirven  como imagen icónica de la arquitectura de Hollywood.

Hay detalles a tener en cuenta de la película como la que recordaba el operador de cámara Karl Brown cuando recordó una escena en la que las chicas del harén de Babilonia ofrecieron un desnudo frontal. Ese día fue excluido del set porque era muy joven. Para estas escenas fue contratado Joseph Henabery quien debía rodar escenas adicionales de esclavas semi-desnudos cuando la oficina declaró que la película necesitaba "más sexo".

El papel de los supervisores y asesores fue importante. La construcción de la horca de la prisión que se ven en la parte final de la historia moderna fue supervisada por Martín Aguerre , ex director en la Penitenciaría de San Quintin ; las escenas del matrimonio en la parte de la vida de Cristo de la película fueron filmadas siguiendo la tradición judía, bajo supervisión del rabino Myers, cuya hija Carmel Myers ,salía como esclava en el harem de Babilonia. El sacerdote de la cárcel era un verdadero sacerdote. La escenografía y la dirección artística de las escenas babilónicas se inspiraron en gran parte en las obras del pintor decimonónico Lawrence Alma-Tadema.

Para la historia de Babilonia Griffith se documentó a fondo sobre la época hasta el punto de contratar a una serie de personas cuya única finalidad durante un tiempo fue leerse todo el material publicado que hubiera sobre esa época. Estas ansias de realismo que legitimaban la película pueden verse también en algunos rótulos, que aparte de narrar la acción dan a conocer datos históricos sobre la época. 

Para el historiador de cine Kevin Brownlow  destaca la valentía de Griffith a la hora de mostranos por un lado la huelga. Posiblemente Jenkins y su fundación son el modelo de John D. Rockefeller y su propia fundación. La masacre de trabajadores al principio de la película es realizada después de la masacre de Ludlow (Colorado), cuando la Guardia Nacional reprimió una huelga minera con tanta dureza que mataron a varios trabajadores y a algunas de sus mujeres e incluso niños. de 1914, en la cual Rockefeller estuvo implicado. Aunque en el film este hecho solo era el punto de partida y Griffith no menciona directamente los nombres de los implicados, para el público de la época resultaba bastante obvia la similitud.

Igualmente un episodio desagradable envuelve al actor que hizo de Jesucristo, Howard Gaye , un actor inglés que más tarde estuvo involucrado en un escándalo sexual con una niña de 14 años de edad, y fue deportado de vuelta a Inglaterra. Debido al escándalo, su nombre apartado.

Después de rodar , el Departamento de Bomberos de Los Ángeles citó el conjunto babilónico como un espacio que pudiera sufrir el peligro de un incendio y ordenó que fuera derribado. DW Griffith descubrió que se había quedado sin dinero y por lo tanto era incapaz de financiar su demolición. El conjunto se mantuvo abandonado, aunque de todos modos Griffin lo aprovechó para rodar alguna secuencia de sus filmes posteriores entre ellos corazones rotos ,  y, finalmente,  se desmoronó cuatro años después hasta que finalmente fue derribado en 1919. Para entonces se había descompuesto lo suficiente como para ser desmantelado a un costo suficientemente bajo.

No sabemos del todo lo que Griffith quizo hacer. El director rodó material para 76 horas de película. El primer montaje duraba 8 horas, posteriormente, la redujo a 3 horas y 40 minutos. La versión qu yo he visto dura tres horas y quince minutos. ¿Qué habría querido contarnos Griffith si hubiese montado todo lo grabado? Algo, muy, muy grande.

La mejor de las centenarias

No podía acabar el año sin hablar de la mejor película de hace un siglo. Si ya en el año 2014 la elegida como mejor película fue una obra gloriosa del cine italiano, Cabiria, en este caso no podía ser otra que aquella que lleva por título El nacimiento de una nación , que es todo un monumento al cien en su sentido narrativo, y especialmente en la técnica de montaje y que fue dirigida por uno de los grandes, de los más grandes, posiblemente el primer gran director de la historia del cine dada su trascendencia, no sólo en el cine mudo, sino en el cine que respondía al nombre de D.W. Griffith.

Como Cabiria hubo un antes y un después, sobre todo en los avances técnicos de la todavía  joven cinematografía. Sin obviar, el carácter polémico del film dado su temática abiertamente racista, pero partiendo del hecho histórico de que estamos hablando de una película de hace 100, repito 100 años, y la concepción ética sobre el tema ha ido, afortunadamente, cambiando. Ya nadie, salvo, algún imbécil puede defender esa absurda idea de la supremacía de la raza blanca o defiende el  "heroísmo" de los miembros del Ku Klux Klan. Pero de eso ya hablaremos.

El nacimiento de una nación (originalmente llamada The Clansman) es una película muda estrenada en  1915 dirigida por DW Griffith y que fue protagonizada por la diva del momento, Lillian Gish.

El guión es una adaptación de la novela The Clansman, escrita por Thomas Dixon Jr. Griffith co-escribió el guión (con Frank E.Woods), y co-produjo la película (con Harry Aitken) a través de su productora productora D.W. Griffith Corp. & Epoch . Se diseñó una banda sonora para la misma cuyo encargado fue Joseph Carl Breil y el director, D.W. Griffith . La fotografía fue trabajo de G.W. Bitzer, mientras que el montaje también fue labor del omnipresente David Wark Griffith.

El elenco de actores y actrices lo encabeza la diva Lillian Gish como Elsie Stoneman, Mae Marsh como la Flora Cameron, Henry B. Walthall como el coronel Ben Cameron, Miriam Cooper como Margaret Cameron , Mary Alden como Lydia Marrón , Ralph Lewis como Austin Stoneman , George Siegmann como Silas Lynch , Walter Long como Gus , Robert Harron como Tod Stoneman , Wallace Reid como Jeff the blacksmith, Joseph Henabery como Abraham Lincoln, Elmer Clifton como Phil Stoneman , Josephine Crowell como la señora Cameron , Spottiswoode Aitken como el Dr. Cameron , George Beranger como Wade Cameron , Maxfield Stanley como Duke Cameron , Jennie Lee como Mammy , Donald Crisp como el general Ulysses S. Grant , Howard Gaye como el general Robert E. Lee.

Sin acreditar aparecen varios actores que después tuvieron se propio recorrido como Mont Blue, Bobby Burns, como el líder del Klan, David Butler como soldado de la Unión / soldado confederado , Peggy Cartwright como niña, William De Vaull como Jake , John Ford como miembro del Klan , Gibson Gowland, Sam De Grasse como senador Charles Sumner, Olga Grey como Laura Keene, Russell Hicks, Elmo Lincoln como theblacksmith, Eugene Pallette como soldado de la Unión, Vester Pegg, Alma Rubens, Charles Stevens como Voluntario , Madame Sul-Te-Wan como mujer negra, Raoul Walsh como John Wilkes Booth, Jules White, Violet Wilkey como la joven Flora, Tom Wilson como el trabajador de de Stoneman, Mary Wynn. A destacar la presencia de dos grandes y futuros directores como John Ford y Raoul Walsh , así como otros actores que con el tiempo brillaron con luz propia como el caso del primer Tarzán, Elmo Lincoln.

Se película se presentó en sociedad el 08 de febrero de 1915 y, originalmente, estaba dividida en dos partes, separadas por un intermedio. Fue la primera película de 12 carretes en América.

La película narra la relación de dos familias en el Guerra Civil Americana y en la futura reconstrucción de Carolina del Sur - los Stonemans del norte y favorables a la Unión y los Cameron partidarios de la Confederación del Sur en el transcurso de varios años. El asesinato del presidente Abraham Lincoln por John Wilkes Booth pone fin a una parte y su consecuencias inicia la siguiente: Reconstrucción.

El film retrata las venturas y desventuras de dos familias amigas y que representan el norte y el sur de los Estados Unidos durante la Guerra de Secesión. Tiene , como ya he comentado, dos partes. La primera centrada en la Guerra Civil de Estados Unidos , y la segunda en la difícil reconstrucción.

La película sigue la vida de dos familias  Stonemans del Norte, abolicionistas y parientes del congresista Austin Stoneman, basada en la reconstrucción del congresista Thaddeus Stevens, sus dos hijos y su hija Elsie , frente a los Cameron del Sur, una familia, que incluye a los padres, presentados como auténticos señores del sur con dos hijas , Margaret y Flora, y sus tres hijos, destacando entre ellos a Ben.

Los hermanos Stoneman visitan los Cameron en su Carolina del Sur representado aquí como el Viejo Sur. Phil, el hijo mayor de los Stoneman , se enamora de Margaret Cameron, mientras que el joven Ben Cameron idolatra a una foto de la ausente Elsie Stoneman.

Cuando comienza la Guerra Civil, estos jóvenes se alistan en sus respectivos ejércitos. La milicia negra de los unionistas,  que actúa bajo un líder blanco, saquea la casa de los Cameron. Las mujeres Cameron son rescatados por soldados confederados  que luchan contra esta milicia.

Mientras tanto, el Stoneman más joven y dos de los hermanos Cameron mueren en la guerra. Por su parte, Ben Cameron es herido después de intervenir en la carga heroica que tuvo lugar en el cerco de Petersburg; como resultado, se gana el apodo de "el Pequeño coronel."

Ben es llevado a un hospital del Norte en Washington, DC, donde por fin se encuentra con el Elsie Stoneman a la que reconoce por la imagen que ha estado venerando desde que su amigo Cameron se la dio; ella trabaja allí como enfermera.

Mientras se recupera, Cameron  le comenta que será ahorcado por ser guerrillero confederado. Elsie habla con la madre de Cameron, que había viajado a Washington para atender a su hijo, y van a ver a Abraham Lincoln. El dolor de una madre que ya ha perdido a dos de sus hijos convence al presidente a emitir un indulto para Ben Cameron.

Cuando Lincoln es asesinado en el Teatro Ford, la  política  conciliadora de posguerra acaba con él. A raíz de la muerte del presidente, y con un vacío de poder , Austin Stoneman y sus compañeros congresistas radicales están decididos a llevar a cabo su deseo de castigar al Sur, y a tomar duras medidas que Griffith describe como haber sido típico de la era de la reconstrucción .

La segunda mitad de la película viene a ser Reconstrucción. Ahora   Stoneman y su protegido Silas Lynch, un mulato que exhibe características psicopáticas, viajan a Carolina del Sur para observar la concreción de las políticas de reconstrucción de primera mano.

La familia Cameron ha perdido todos sus bienes por orden de las nuevas autoridades militares llegadas del norte. Ahora los soldados de la ocupación, negros, son vistos desfilando por las calles y empujando los residentes blancos que aparecen  en las aceras.

A nivel afectivo, la llegada de Elsie anima notablemente a Ben, que empieza a salir con la chica Stoneman, mientras que el supervivientes de la familia norteña sale con la joven Flora Cameron,

Se van a desarrollar las elecciones y durante las mismas, en las que empieza a inscribirse personas de la comunidad de color, Silas Lynch es elegido vicegobernador. Dichas elecciones aparecen distorsionadas por el voto masivo y corrupto de la población negra que mete varios votos en las urnas. Además los blancos se ven siendo impedidos de votar, mientras que los negros se ven rellenando las urnas.

Los recién elegidos, miembros en su mayoría negros de la legislatura de Carolina del Sur, se muestran en sus escritorios que muestran un comportamiento inapropiado, como uno de los miembros que saca su zapato y poniendo sus pies sobre su escritorio, y otros bebiendo licor o comiendo pollo frito.

La legislatura aprueba leyes que requieren  a los civiles blancos saludar a los soldados negros y permitiendo matrimonios mestizos.

Mientras tanto, inspirada en la observación de los niños blancos simulando ser fantasmas para asustar a los niños negros, Ben Cameron se  plantea la formación del Ku Klux Klan. El Ku Klux Klan se presenta como una "milicia" destinada tan sólo a "imponer justicia" en favor de los blancos del sur.

Como resultado, Elsie, por lealtad a su padre, rompe su relación con Ben. Más tarde, Flora Cameron que ha salido al bosque a buscar agua , a pesar de las indicaciones de su hermano, y es seguido por Gus, un liberto y soldado que ahora es capitán. Gus persigue a Flora y le dice que quiere casarse. La chica asustada, huye hacia el bosque, perseguido por Gus. En la montaña se acerca a una roca del acantilado y parece decir a Gus que si se acerca se tirará por el precipicio, Cuando lo hace, ella muere.

Mientras esto ocurre Ben va como loco buscándola por el bosque. Ben llega tarde al acantilado, baja y la abraza; él la sostiene mientras ella muere, y lleva a su cuerpo de vuelta a la casa de Cameron.

En respuesta, el Klan que ya ha empezado sus acciones persigue a Gus, que es encontrado culpable y linchado colocando su cadáver a la puerta de la casa del Vicegobernador Lynch.

Lynch entonces ordena una ofensiva contra el Klan. El Dr. Cameron, el padre de Ben, es arrestado por la posesión de un traje del Klan perteneciente a  Ben, que ahora se considera un delito punible con la muerte. Sus sirvientes negros fieles lo rescatan con la ayuda de Phil Stoneman.

Juntos huyen, junto con Margaret Cameron. Cuando su carro se descompone poco antes de pasar el vado de un río continúan su camino a través del bosque hasta llegar a una pequeña cabaña que es el hogar de dos ex soldados  de la Unión que están de acuerdo para ocultarlos. Aparece el siguiente intertítulo, "Los antiguos enemigos del Norte y del Sur se unen de nuevo en defensa de su ario derecho de nacimiento."

Por su parte, el congresista Stoneman se opone a la represión del Vicegobernador Lynch. Elsie, que sabe de la detención del Dr. Cameron, va a buscar a Lynch para abogar por su liberación.

Lynch, que desea libidinosamente a Elsie, le pide en matrimonio , se lo exige , lo que hace que ella se desmayara.

En eso que vuelve Stoneman. Ante esto Lynch coloca el cuerpo de Elsie en otra habitación. Al principio, Stoneman se muestra feliz cuando Lynch le dice que quiere casarse con una mujer blanca, pero se enoja luego cuando Lynch le dice que es la hija de Stoneman.

Los espías encubiertos del Klan descubren la difícil situación de Elsie cuando se rompe una ventana y clama por ayuda, y los miembros del Klan van en su ayuda. Elsie cae inconsciente de nuevo, y revive mientras  es amordazada y es atada.

Por su parte, el Klan, reúne a  todos los suyos encabezados por Ben llevándolos  por toda la ciudad para intentar recuperar el control de la misma.

Cuando las noticias sobre Elsie llegan a Ben, él y los demás van a su rescate. Elsie se quita la mordaza y grita ayuda. Lynch es capturado. Victoriosos, los miembros del Klan lo celebran en las calles.

Mientras tanto, la milicia de Lynch rodea y ataca la choza donde los Cameron se esconden. El Klan, con Ben a la cabeza, llega justo a tiempo.

En las próximas elecciones, los negros encuentran una línea de caballeros montados y armados pertenecientes al Klan a las afueras de sus casas, y se sienten intimidados no yendo a votar.

La película concluye con una doble boda como Margaret Cameron que se casa con Phil Stoneman y con Elsie Stoneman que se casa con Ben Cameron.

Las masas se muestran oprimidos por una figura guerrero gigante que se desvanece poco a poco. La escena cambia a otro grupo la búsqueda de la paz bajo la imagen de Jesucristo, acabando con un deseo de paz la película.

El nacimiento de una nación se comenzó a filmar en 1914 y fue pionero en este tipo de técnicas de cámara como el uso de tiros largos panorámicas, los efectos de iris, naturalezas tiros, fotografía nocturna, diversas tomas de cámara, y presentar por etapas y de forma cuidadosa las  secuencias de batalla con cientos de extras. También contiene muchas nuevas técnicas artísticas, como el teñido de color con fines dramáticos, dramatizando la historia junto a la ficción, y con su propia partitura musical escrita para una orquesta.

La película fue un éxito comercial, rompiendo tanto taquilla y los registros en la duración de la película con sus tres horas y diez minutos. Eso sí, resulto muy controvertida debido a su retrato de los hombres negros (algunos interpretados por blancos actores en cara pintada de negro) como pocos inteligentes y agresivo sexualmente con las mujeres blancas, y por el valor dado al Ku Klux Klan cuya fundación se presenta como una fuerza heroica. Hubo protestas generalizadas de los afroamericanos contra El nacimiento de una nación,  en ciudades como Boston, mientras que miles de bostonianos blancos acudieron a ver la película. La NAACP encabezó una infructuosa campaña para prohibir la película.  La indignación de Griffith en los esfuerzos para censurar o prohibir la película lo motivó para producir otra importante película al año siguiente: Intolerancia. La película también coincidió con  uno de los acontecimientos que inspiraron la formación de la "segunda época" Ku Klux Klan en Stone Mountain, Georgia,  ya que se realización coincide en el tiempo con el juicio y linchamiento de Leo Frank en 1913 por el asesinato de María Phagan en Atlanta, y fue utilizado como una herramienta de reclutamiento para el KKK.

Bajo la presidencia de Woodrow Wilson fue la primera película americana que se proyectó en la Casa Blanca, aunque en 1914 la película italiana Cabiria había sido vista  en el césped de la Casa Blanca.

Las técnicas innovadoras de Griffith y su  poder para contar historias han hecho de esta película , El nacimiento de una nación,  uno de los hitos de la historia del cine. En 1992, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos considera que la película "cultural, histórica o estéticamente significativa" y seleccionada para la preservación en el Registro Nacional de Cine. En 1998, fue votado como uno de los "Films Top 100 de América" ​​(# 44) por el American Film Institute.

La obra parte de la novela de Dixon. Griffith, cuyo padre sirvió como coronel en el ejército confederado, acordó pagar Thomas Dixon $ 10.000 por los derechos de su obra The Clansman, pero al carecer de loquidez, Griffith le ofreció a Dixon el 25 por ciento de la taquilla. Dixon aceptó de mala gana, pero debido al éxito sin precedentes de la película se hizo rico con varios millones de dólares.

El presupuesto de Griffith originario era de unos US $ 40.000 , pero se elevó a más de $ 100.000 . Los ingenieros de  West Point le prestaron asesoramiento técnico sobre las Guerra Civil para las escenas de la batalla. Ellos proporcionaron a Griffith la artillería utilizada en la película.

Algunas escenas de la película fueron filmadas en los porches y jardines de la Plantación Homewood en Natchez, Mississippi.

La película se estrenó el 8 de febrero de 1915, en el Auditorio de Clune en el centro de Los Ángeles. En su estreno la película se tituló The Clansman, pero el título fue cambiado posteriormente a El nacimiento de una nación para reflejar la creencia de Griffith que Estados Unidos surgió de la guerra civil americana y la reconstrucción como una nación unificada.

La película, afortunadamente,  es de dominio público. Aunque El nacimiento de una nación es comúnmente considerado como un punto de referencia por sus innovaciones dramáticas y visuales, el uso de la música fue sin duda no menos revolucionario. Aunque todavía era cine mudo, era una práctica común distribuir hojas  musicales, junto con cada impresión de una película.  Para El nacimiento de una nación, el compositor Joseph Carl Breil compuso una partitura musical de tres horas de duración que combina los tres tipos de música en uso en el momento: las adaptaciones de obras existentes de compositores clásicos, nuevos arreglos de melodías conocidas, y música compuesta inicial. A pesar de que había sido compuesta especialmente para la película, la puntuación de Breil no fue utilizado para la premier de Los Ángeles de la película en el Auditorio de Clune, usándose una composición de Carli Elinor  en su lugar, y esta puntuación se utiliza exclusivamente en proyecciones de la Costa Oeste.

La puntuación de Breil no se utilizó hasta que la película se estrenó en Nueva York en el Liberty Theater, y fue la puntuación utilizado en todas las proyecciones salvo aquellos en la costa oeste.  Fuera de composiciones originales, Breil adaptado la música clásica para su uso en la película, incluyendo pasajes de El cazador furtivo de Carl Maria von Weber, Leichte Kavallerie por Franz von Suppé, Sinfonía No. 6 por Ludwig van Beethoven y la Cabalgata de las valquirias de Richard Wagner , este último utilizado como hilo conductor durante el viaje del KKK. Breil también organizó varias canciones tradicionales y populares que habrían sido reconocibles para el público en el momento, incluyendo muchas melodías del Sur; entre estas canciones fueron "Maryland, My Maryland", "Dixie", "Old Folks at Home", "El Star-Spangled Banner", "America the Beautiful", "El Himno de Batalla de la República", "Auld Lang Syne" y "¿De dónde sacaste ese sombrero?". En sus composiciones originales para la película, Breil escribió numerosos leitmotivs para acompañar la aparición de caracteres específicos. El tema de amor principal que se creó para el romance entre Elsie Stoneman y Ben Cameron fue publicado como "The Perfect Canción" y es considerado como el primer tema comercializado de una película.

Como ya señalamos anteriormente, la Asociación Nacional para el Avance de la Gente de Color The National Association for the Advancement of Colored People (NAACP), (NAACP), fundada en 1909, protestó en el estreno de la película en numerosas ciudades. Según el historiador David Copeland, durante el estreno de la película en la ciudad de Nueva York, "su temática se había envuelto la película en la acusación de racismo, protestas, por lo que pidió la censura. En  Los Ángeles la rama local de la NAACP solicitó al Film Board de la ciudad prohibir la película. La NAACP también llevó a cabo una campaña de educación pública, con la publicación de artículos que protestaban por la película y las errores. Incluso hubo disturbios en Boston, Filadelfia y otras ciudades importantes.

El carácter difamatorio de la película hacia la comunidad de color fue un catalizador para las pandillas de blancos a atacar a los negros. En Lafayette, Indiana, después de ver la película, un hombre blanco mató a un adolescente negro. El alcalde de Cedar Rapids, Iowa, prohibió la película en 1915 después de reunirse con una delegación de ciudadanos negros, fue el primero de los doce alcaldes que prohibieron o censuraron la película por temor a que su proyección promovería un prejuicio racial.

En las ciudades de Chicago, Denver, Kansas City, Minneapolis, Pittsburgh y San Luis  hubo también problemas.

Thomas Dixon, Jr., autor de The Clansman, era un antiguo compañero de clase de Woodrow Wilson en la Universidad Johns Hopkins. Dixon organizó una proyección en la Casa Blanca para el entonces presidente Wilson, miembros de su gabinete, y sus familias. Wilson se dice que dijo sobre la película: "Es como escribir la historia con un rayo. Y lo único que lamento es que sea todo tan terriblemente cierto", aunque algunos historiadores lo ponen en duda, aunque la frase atribuida a Wilson favoreció, posiblemente, la difusión de la película.

Griffith, indignado por la recepción crítica negativa de la película, escribió cartas a los periódicos, y publicó un folleto en el que acusó a sus críticos de censurar opiniones impopulares. Se dice que su siguiente película, Intolerancia (1916), es una respuesta a los que había censurado su película.

No obstante, hay que reconocer que en general la recepción de la película por parte del público fue positivo. En más de tres horas de duración (incluidos los intermedios), los cinéfilos estadounidenses nunca habían visto nada igual - panoramas espectaculares del campo de batalla, el melodrama casi de ópera y escenas de persecuciones emocionantes. Las audiencias blancas respondieron con lágrimas, jadeos, aplausos, silbidos y vítores estridentes.

Poco después de la Primera Guerra Mundial, en 1918, Emmett J. Scott ayudó a producir otra película, en este caso dirigida por  John W. Noble y que lleva por título El nacimiento de una raza, como continuación a la película de Griffith. Contaba con una familia alemana-estadounidense dividido por la guerra, con hijos que luchan en cada lado, y la lealtad a los Estados Unidos para ayudar a la victoria.

Señalar que , a partir de 1919, se procedió a la censura de algunas secuencias por parte del director / productor Oscar Micheaux para satisfacer a la comunidad afroamericana que veía en el filme una mala imagen de los esclavos libertos tras la Guerra de Secesión, tachando a éstos de haraganes, borrachos, ansiosos tan sólo de robar propiedades de sus antiguos amos y de violar mujeres blancas, al punto que en el desenlace se aprecia unas mujeres sureñas, secuestradas por un liberto armado, salvadas de una violación in extremis gracias a los hombres del Ku Klux Klan.

Políticos e intelectuales se pronunciaron contra el filme, al mostrar un mensaje racista que aparecía como extremista y feroz inclusive en una época cuando la segregación racial era aún practicada en los Estados Unidos. La polémica se vio aumentada por cuanto en los créditos iniciales aparecía en pantalla una frase del propio presidente Woodrow Wilson alabando al Ku Klux Klan como "protector del sur", lo cual implicaba un mensaje de adhesión racista del propio Presidente de los EE.UU. Tras la polémica causada por el filme, el propio Wilson se vio obligado a declarar ante la prensa que él personalmente reprobaba la "lamentable producción". A diferencia de la posición antes mantenida en el Viejo Sur, el presidente Abraham Lincoln no es mostrado como enemigo de los sureños sino como "el Gran Corazón" amistoso hacia los blancos sureños al terminar la guerra.

En paralelo, el filme dio amplia publicidad al Ku Klux Klan en los estados del Sur, después de haber sido el "KKK" un grupo marginal en la década de 1870 y estar casi olvidado por décadas, al punto que el resucitado "KKK" utilizó fotografías del filme en su reclutamiento de nuevos afiliados.

Al margen de todo eso Birth of a nation se considera un hito de la historia del cine porque David Wark Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Crea un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad: los planos son alternados y no siempre fijos, la cámara se puede desplazar, los planos y tomas pueden ser totales o parciales, etc. rompiendo definitivamente con el antiguo esquema cinematográfico donde una película podía ser la simple filmación de una función teatral común.

La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos "generales" que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos "cortos" donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo de Griffith.

También destacan las diversas formas de tomas que hace el director desplazando la cámara, resaltando una vista panorámica o un elemento muy específico de la escena, y grabando a los actores en diversos ángulos parciales para resaltar gestos o emociones (abandonando el viejo "dogma" de grabar individuos sólo de cuerpo completo)

Es famosa la detallada escena que hace D.W Griffith del asesinato de Lincoln, estudiada en numerosos manuales de cine de los cuales el más famoso es el análisis del director Karel Reisz (La mujer del teniente francés, 1981). Como curiosidad el actor que encarna al asesino de Lincoln es Raoul Walsh (1887-1980) uno de los grandes directores de cine de toda la historia.

La recaudación en taquilla de la película  no se conoce con exactitud, y fue objeto de largo a la exageración. ya que propios registros de Griffith suman las ganancias mundiales de Epoch que alcanzarían los  $ 5.2 millones a partir de 1919.

En las ciudades más grandes, Epoch negoció con los propietarios de salas individuales para un porcentaje de la taquilla; otra parte el productor vendió todos los derechos en un estado en particular a un solo distribuidor (una disposición conocida como "derechos de los estados" de distribución). Para el historiador de cine Richard Schickel "Nacimiento sin duda generó más de $ 60 millones en negocios de taquilla en su primera carrera". En 1940 Time magazine estimó que la ganancia  acumulada de la película de alquiler bruto (ingresos de la distribuidora) en aproximadamente $ 15 millones. La película fue la más taquillera hasta que fue superado por Lo que el viento se llevó.

El sitio web Rotten Tomatoes, que recoge opiniones de diversas fuentes, indica que la película tiene un 100% de aprobación calificación. Daniel Andreas en filmaffinity considera que es "la obra maestra de Giffith sólo puede describirse recurriendo a los superlativos. Es, en gran medida, el origen del lenguaje cinematográfico: apenas veinte años después de la invención del cine, Griffith utiliza con una sabiduría de experto el primer plano, el montaje paralelo, el flashback y la profundidad de campo; y, por si fuera poco, sienta las bases de la narrativa y la tensión dramática del cine clásico de Hollywood. (...) Lamentablemente, la película es también de un racismo sangrante. No sólo se hace apología del Ku Klux Klan a lo largo de todo su último tercio, sino que los negros (¡interpretados por actores blancos con las caras pintadas!) son retratados de forma absolutamente atroz, en un discurso que habría firmado encantado, un par de décadas después, el mismísimo Hitler (se menciona expresamente el carácter “ario” de la raza blanca). Pero, si se puede hacer abstracción de ello, la película se convierte en un espectáculo visual y narrativo realmente conmovedor. 

El crítico de cine  Roger Ebert comentó, (...) "El nacimiento de una nación. No es una mala película, ya que aboga por el mal de igual Riefenstahl triunfo de la voluntad, que es una gran película que aboga por el mal. Para entender cómo lo hace es aprender mucho sobre la película, e incluso algo sobre el mal. " Dolido por las críticas de que la segunda parte de su obra maestra era racista en su glorificación del Ku Klux Klan y sus imágenes brutales de los negros, Griffith trató de hacer las paces en Intolerancia (1916), que criticó los prejuicios.  Y continuó diciendo "Ciertamente, El nacimiento de una nación (1915) presenta un desafío para las audiencias modernas. Desacostumbrado a las películas mudas y desinteresado en la historia del cine, les resulta pintoresco y no a su gusto. Aquellos evolucionado lo suficiente como para entender lo que están mirando a encontrar las primeras escenas y en tiempos de guerra brillante, pero encogerse durante las escenas de la posguerra y la reconstrucción, que son racistas en el camino-ham mano de un espectáculo juglar viejo o un panfleto cómico vil. "

La actriz Mary Pickford dijo de ella que " El nacimiento de una nación era la primera imagen que la gente realmente hechas toman la industria del cine en serio "

Según el historiador de cine Kevin Brownlow, la película era "asombrosa en su tiempo" e inició "tantos avances en la técnica de realización de películas que se ha quedado obsoleto en unos pocos años."

Como ya comenté el pasado año con Cabiria , Griffith tomo como referencia esos modelos italianos de colosales proporciones, cientos de extras e incluso en su temática histórica. Utilizó recursos que ya existían y que él no había inventado: travelling, primer plano, montaje espacial de planos, montaje temporal de secuencias paralelas, plano general...Pero Griffith utiliza la cámara en atención a la necesidades funcionales de la historia o de la escena: primer plano para subrayar una reacción o un detalle; plano general para situar la secuencia; movimientos de cámara para narrar desplazamientos físicos; montaje alternado para relacionar escenas simultáneas en varias ubicaciones; y así sucesivamente. Pero a la vez utiliza esos recursos para transmitir emociones y sentimientos que una escena filmada conforme a patrones exclusivamente técnicos jamás hubiese expresado. El primer plano de un moribundo, insertado con milagroso "timing", adquiere un sentido trágico añadido; el plano general del campo de batalla es hermoso por su breve intención pictórica, y no sólo sirve para orientar al espectador; los montajes de escenas alternas están cortados con tal dinamismo y perfección que el simple suspense se transforma en hermoso misterio.

A esto se añade una idea esencial: es el primer artista que es, a la vez, en autor. Para ello gusta de coreografiar  escenas de masas  visibles en la batalla o en  el incendio de Atlanta o la carga final del KKK o los sentimientos desbordados en esos fantásticos primeros planos que reflejen la pasión, el odio, el amor. Esta considerada la primera película dotada de un lenguaje cinematográfico claro, impactante, complejo y que sentaría las bases de la cinematografía moderna incluso años antes de que otras películas se atrevieran a positivar el derrame de secuencias, elipses, cortinas e imágenes sobrepuestas y que tanto engancharían al público de varias generaciones hasta la posteridad gracias al avance de los recursos técnicos. Más allá de las interpretaciones sobre su mensaje racista por parte de los secesionistas, o  patriótico de los del norte, David W. Griffith permite la libre interpretación de lo que va a venir posteriormente después del asesinato de Lincoln; desestabilización de un país en donde solo imperarán la anarquía y la guerra de guerrillas.

Para Javier Memba en el Diario El mundo esta película, según publicó el día del centenario sobre la película lo siguiente: El cine empezó con una oda racista al Ku Kux Klan. Y continua  (...)  Griffith en 'El nacimiento de una nación' (1915), de cuyo estreno se cumplirá un siglo el próximo tres de marzo dará una utilización dramática del primer plano; en fin, la sistematización de todos los recursos narrativos que el cine había desarrollado hasta entonces, fueron sintetizados por Griffith en dicho film. Ahora bien, una vez sentada su genialidad y su carácter de pórtico, no sólo del cine estadounidense, sino del lenguaje cinematográfico en general, hay que señalar la apología de una organización terrorista tan cruel como el Ku Klux Klan que inspira 'El nacimiento de una nación'. 

Basada en una novela del reverendo Thomas Dixon -'The Clansman'-, en sus secuencias, la demagogia y la genialidad corren parejas. (...)  Aunque el montaje y la organización de la cinta sentarán las bases de lo que aún ahora sigue siendo la narrativa fílmica, el encendido odio a los norteamericanos más débiles, que inspira una película tan maniquea como magistral -esos jinetes del famoso "rescate en el último minuto" son los asesinos del Klan-, provocó decenas de linchamientos y castraciones de afroamericanos por parte de los espectadores del cineasta. 

La cinefilia tienda a contemporizar respecto al racismo de su autor, pero esa exaltación del odio racista de Griffith fue la primera muestra del potencial propagandístico del cine. Naturalmente también hubo protestas ante semejante llamada a la barbarie en nombre de la supuesta civilización. 

La cinta resultó ser un éxito de taquilla. Cien años después, cuando hemos visto a Lars Von Trier retomar ese espíritu de Griffith en 'Manderlay' (2005), sabemos que las obras deben juzgarse al margen de la ideología de sus autores. Si Hitler o Stalin hubieran hecho una buena película no se vería afectada por la actividad criminal que estos dictadores llevaron a cabo. Siempre y cuando sus secuencias no estuvieran contaminadas por el espíritu que les llevó a sus respectivas matanzas. De hecho, los lectores más libres de prejuicios, leen Viaje al fin e la noche (1932), la gran novela de Louis-Ferdinand Céline, sin tener en cuenta que este autor francés fue uno de que quienes apoyaron la invasión alemana de su país. Pero Viaje al fin de la noche, en modo alguno, es una apología del nazismo. Ahora bien, ¿qué hacer cuando el argumento de la obra es la exaltación de una banda criminal como es el caso de Griffith? La respuesta, una vez más, está en el viento. 

Igualmente debo reflejar aquí lo que aprendí hace años en el transcurso de un  fantástico curso del entonces INTEF titulado  El cine como recurso didáctico. En su  Módulo 2b - Lenguaje cinematográfico: Montaje se nos presenta un estudio pormenorizado de "El nacimiento de una nación (Birth of the Nation, 1915) Sobre el tema del montaje os pido que leáis lo que aquí aparece. Todo un  acierto.

Griffith, nacido en el seno de una familia sureña (su padre había sido coronel del ejército confederado) defendía una ideología supremacista blanca. La película, dirigida en 1915, está basada en el melodrama El hombre del Klan de Thomas F. Dixon, y narra los destinos cruzados de dos familias, los Stoneman, del norte y los Cameron, del sur, durante la Guerra de Secesión americana. 

A lo largo de toda la película, Griffith muestra lo que consideraba la amenaza de la raza negra y trata con benevolencia el nacimiento del Ku Klux Klan. Esta incidencia derivará en las protestas surgidas durante su estreno por parte de asociaciones abolicionistas y pro derechos civiles. 

Pero, más allá de su ideología, hay que reconocer a Griffith el mérito de lograr que el cine abandonara la estética teatral. Así vemos cómo Griffith maneja la ficción según sus propios criterios artísticos; la cámara toma parte en los acontecimientos, la acción es fragmentada y el montaje se convierte en la base de la narración. 

En la película de la que estamos hablando existen algunas secuencias magistrales y toda la película está salpicada de aciertos: El recurso al plano detalle permite destacar elementos de la acción con gran carga dramática. Así ocurre con el plano de la flor que el encandilado Stoneman le entrega a su amada; o la foto que Cameron ve de su amor platónico; el plano corto del gato de la familia Cameron, que se abalanza sobre un cachorro de perro, que subrayado con el intertítulo "Hostilidad", anticipa la crueldad del conflicto civil que se narrará más adelante. Algunos de estos detalles son recortados visualmente con cachés (catchs), recurso que Griffith utilizó con profusión. 

 La utilización de los planos generales. Nunca el cine había ofrecido espacios tan amplios, mostrando la inmensidad de los campos de batalla, con el colosal despliegue de extras y efectos especiales (cañonazos y bombardeos) con que contó el film. Pero además este tipo de plano es utilizado de forma expresiva, como en la escena en que Lincoln tiene que tomar decisiones drásticas de guerra. Estas secuencias concluyen siempre con el presidente meditabundo y preocupado, encerrado en la soledad del plano general. 

Montajes paralelos. Muy frecuentes a lo largo de la película. Por lo general, concluyen con su popular salvamento en el último instante, como en la secuencia de salvamento de Flora Cameron, perseguida por Gus el renegado. O en la secuencia final, con el salvamento de las familias acorraladas por el ejército negro insurgente, llevado a cabo por las tropas del Ku Kux Klan. 

En estos montajes, Griffith ya desarrolla el progresivo acortamiento de los planos de las diferentes acciones a medida que estas se acercan a su confluencia final, circunstancia que las dota de una progresión rítmica constante a medida que se acercan al clímax de acción. Con el montaje paralelo Griffith crea contrastes dramáticos entre las acciones. En la secuencia previa a la partida de las tropas sureñas al frente, en las que se montan en paralelo tres acciones: el baile de despedida, la celebración en la calle con fuegos artificiales, y la inquietud en los hogares donde mayores y niños esperan la inaplazable partida de las tropas. Con ello surge un contraste dramático muy emotivo, al combinarse la alegría de las celebraciones con la tristeza de la partida. 

La profundidad de campo. Utilizando objetivos de distancia focal corta con un ángulo de visión amplio y que magnifican las distancias y el espacio, de modo que en un solo plano se muestran varios planos visuales en profundidad, con más información que además puede ampliarse rápidamente en la misma toma con travellings, panorámicas... Por ejemplo: la secuencia en la que la mujer con sus hijos, en primer término, ve partir a las tropas y con un pequeño movimiento de cámara se muestra el campo de batalla en el que desfilan cientos de soldados en un plano lejano. 

Dos secuencias magistrales con todos los descubrimientos narrativos de Griffith son el Asesinato de Lincoln y la persecución de Gus.

En la primera se ofrece un meticuloso tratamiento de la fragmentación espacial. El teatro en plano general de referencia, donde van a ocurrir los acontecimientos: el plano general corto del palco, donde disparan a Lincoln, el plano medio de los protagonistas en las butacas, el plano general corto del escenario. La inclusión de estos planos habría sido de muy difícil comprensión para el espectador de entonces de no haberse incluido una y otra vez el plano general de referencia, que permite integrar los detalles de la acción. Curiosamente, el único plano que no se puede ubicar en el espacio global es el del asesino, que de esta forma adquiere la dimensión de personaje oculto. En cuanto al tratamiento del tiempo, también se observa ya la creación de una temporalidad abstracta. Por un lado, las tres horas que aproximadamente dura la acción narrada (que se puede medir por la duración de la obra representada en el teatro, Nuestro primo americano, de la que se muestra el comienzo del primer y tercer acto) se reducen a los cinco minutos que aproximadamente dura la secuencia. Esta compresión temporal no impide, por otro lado, el alargamiento de otros fragmentos aislados, como puede ser el momento del disparo, que se dilata unos segundos con la inclusión de un plano del escenario (lo que genera cierto suspense).

En la secuencia de la persecución de Gus, el renegado se aprecia la eficacia del montaje paralelo. Por un lado, permite contrastar en su inicio la soledad y fragilidad de Flora Cameron con la ternura de la ardilla que está en el árbol, creando una metáfora evidente. A la vez se incluyen los planos de Gus, que merodea alrededor, significando una amenaza para la joven. Instantes después se introduce otra línea de acción, la del hermano de la chica que, preocupado por su ausencia, sale a buscarla. Poco a poco, las acciones de los tres personajes van a confluir, cuando el hermano consiga llegar a tiempo de ver como las amenazas de Gus hacen precipitarse al vacío a su hermana. Finalmente consigue recuperar el cuerpo moribundo de su hermana. Hasta este punto se ha producido un montaje alternado con la persecución de los tres personajes, en un frenesí de planos que muestran las referencias visuales del paso de cada uno de ellos por los mismos sitios, permitiendo al espectador calcular el tiempo que les separa. 

Griffith desarrolla con acierto estas técnicas novedosas y complejas en un tiempo en que la narración fílmica se encuentra en un estado primitivo. Aún las mejora en su siguiente película, Intolerancia, y con ello establece unos recursos que el cine ya no abandona. 

Mejor que esta explicación hay poco más que decir. Lo único que me resta para acabar es eso, desearos un Feliz año a todos, y que sea de cine.