Nosotros tras el espejo oscuro

No había reparado en ello. Pero es cierto que cuando veo cine en televisión o a través de mi ordenador lo veo en una pantalla oscura. Es un espejo o un cristal oscuro lo que me trasmite imágenes frente a la pantalla blanca del cine. Pero ¿qué es un espejo o cristal oscuro? No es sólo una pantalla, ese  “Black Mirror” pudiera ser en lo que no queremos vernos reflejados. Esa parece la idea de esta miniserie del Channel 4 británico. La idea de la que parte es que en la actualidad somos unos auténticos adictos a la tecnología, a las redes sociales. Como les digo a algunos de mis sobrinos/as tienen en la mano un apéndice, llámese blackberry, llámese Galaxy desde donde están conectados permanentemente con el mundo, sus amistades o en el que vuelcan lo que hacen en cada minuto de su vida. Es desde esas pantallas de ordenador o desde esas redes sociales desde donde opinamos sobre los demás o el lugar que ha servido de nueva plaza pública para insultar aparentemente desde el anonimato, - aunque eso no sea cierto. ¡Cuántos problemas tenemos los centros con el ciberbuylling!

Lo cierto es que desde ese “black mirror” somos voyeurs de unas vidas que muchas veces no son las nuestras, aunque a veces sí.  Ese papel que juegan las nuevas tecnologías es el punto de partida de los tres capítulos de Black Mirror .

Esta miniserie británica es un magnífico producto audiovisual, pero no va a cambiar la historia de la comunicación. Son sólo tres entregas, pero están llenas de cargas de profundidad. Se tratan de tres independientes que concluyen en sí mismas. Unas divididas en cuatro partes, la segunda y la tercera, otra- la primera- aterradora ante la angustia pública de ese mediático primer ministro. Todos los capítulos de esta miniserie son diferentes, tanto en temática como en calidad.

El Himno nacional es el gancho mediático de la serie: una princesa inglesa es secuestrada. Su captor dice que la matará si el Primer Ministro inglés no tiene relaciones sexuales con un cerdo en televisión. ¿Qué debería hacer el mandatario? Es un excelente reflejo de lo que disfruta la gente con el “linchamiento” televisado de una figura pública.

La serie Black Mirror refleja lo más oscuro de nuestro futuro inmediato.

Es España fue estrenada recientemente en español en el canal de pago TNT. Tiene tan solo tres capítulos y los tres son absolutamente distintos. La serie nos un mazazo a nuestras convicciones ante el papel de las nuevas tecnologías.  Ese mazazo rompe en los títulos de crédito un cristal negro, terriblemente similar a cualquier pantalla.  Son capítulos de 45 minutos.

La idea de Black Mirror ha salido de la mente de Charlie Booker, un reconocido comunicador británico. Aunque ha sido capaz de dar forma en cuarenta y cinco minutos de provocación tecnológica. La serie es producida por Zeppotron para Endemol. En cuanto al contenido del programa y la estructura, Brooker ha señalado, "cada episodio tiene un tono diferente, un entorno diferente, incluso una realidad diferente, pero todos son acerca de la forma en que vivimos ahora". Un comunicado de prensa de Endemol describe la serie como "un híbrido entre The Twilight Zone y Tales of the Unexpected que se nutre de nuestro malestar contemporáneo sobre nuestro mundo moderno", con las historias que tiene un sentido  "tecnoparanoico".  Espejo Negro fue lanzado en DVD el 27 de febrero de 2012. Se anunció el 12 de julio 2012 que una segunda temporada.

Charlie Brooker explica el título de la serie 'The Guardian, y señaló: "Si la tecnología es una droga - y se siente como una droga – tenemos que conocer sus efectos secundarios que oscilan entre el placer y el malestar que proporciona esa pantalla fría y brillante de un televisor, del un monitor, o de un teléfono inteligente”.

En el primer capítulo, El Himno nacional , está escrito por Charlie Brooker y dirigido por Otto Bathurst. Está interpretado por Rory Kinnear, Lindsay Duncan, Tom Goodman-Hill, Donald Sumpter, Lydia Wilson, Leech Allen y Anna Wilson-Jones. En sólo dos minutos está planteado un dilema: alguien ha secuestrado una princesa inglesa y exige que, para liberarla, el primer ministro tenga sexo en directo con un cerdo por la televisión. No se exige dinero, ni liberación de rehenes, lo que se pide es el honor de un hombre, su humillación mediante nuestra potente tecnología de telecomunicaciones al mundo entero. De ahí se desprende un nuevo paradigma moral con infinidad de matices, como en el resto de los capítulos.

El programa de apertura de la serie es un thriller de 44 minutos de ficción política en la que el Primer Ministro británico, Michael Callow, se  enfrenta a un dilema enorme e impactante cuando la ficticia Princesa Susannah, miembro muy querido de la familia real, es secuestrada. Para su regreso, el Primer Ministro debe tener relaciones sexuales con un cerdo en la televisión nacional.

Callow rotundamente se opone a la demanda y hace todo lo posible para detener al secuestrador antes de la fecha límite. Callow también exige que las noticias no llegan al público, pero el vídeo de socorro ha sido previamente publicado en YouTube y, a pesar de que sólo ha estado funcionando durante nueve minutos, ya ha sido visto y descargado por miles de usuarios británicos. Aunque los medios de comunicación del Reino Unido, inicialmente se comprometen a no divulgar la historia, pronto llega a las televisiones y agencias de noticias extranjeras, que inmediatamente comienzan a informar. Después de esto, los medios de comunicación del Reino Unido harán lo mismo.

Cuando el video fue recibido por primera vez por el gobierno británico, uno de los ayudantes del Primer Ministro empezó a dar información para su difusión. Incluso se prepara una ficción con un actor porno. Pero debido a la filtración el secuestrador descubre la treta y envía dedo el Princesa Susannah a una estación de noticias del Reino Unido como respuesta. La historia provoca que la opinión pública británica se vuelva bruscamente contra Callow. Esto lleva a Callow a ordenar una operación de rescate inmediata desde el edificio donde creen que Susannah se encuentra. El edificio se revela como un señuelo y un reportera qaue recibe la información de un colaborador del Gobierno – gracias al intercambio de imágenes posiblemente sexuales de la periodista – para ello se oculta en el cuarto de baño- es herida durante la operación. Callow va perdiendo aún más apoyo.

Después de haber sido informado del fracaso, y presionado por la opinión pública y posr alguno de sus colaboradores, Callow se ve obligado a realizar el acto indecente frente a una audiencia global en vivo. Mientras realiza esa cerdada – literalmente- la princesa es descubierta ilesa en las calles, el dedo al parecer era del secuestrador. Se sabe que fue puesta en libertad antes de la fecha límite, pero pasó desapercibida pues todo el mundo estaba distraído por la difusión televisiva. Se desprende que los hechos fueron planeados por el ganador del Premio Turner Carlton Bloom, que pretendía hacer un montaje artístico, mostrando que los acontecimientos de importancia se había deslizado por debajo de las narices de los ciudadanos y el gobierno, ya que estaban "en otra parte, observando las pantallas" y no centraría su atención en el mundo real. Bloom se suicida , aunque no se le dé difusión.

Un año después de la emisión, Callow parece mantener una buena imagen política que se ha mantenido intacta y ha obtenido una mayor aprobación pública debido a su voluntad de sacrificar su dignidad. Por su parte, la Princesa Susannah se ha recuperado del secuestro y está esperando un hijo, mientras que el público en general sabe de la organización de Bloom sobre el asunto. La puesta en libertad anticipada de la princesa se mantuvo en secreto, a fin de conservar el valor de la acción de Callow. Mientras que la reputación de Callow se ha planteado indeleble ante los ojos de la opinión pública, se da a entender que su matrimonio no ha sobrevivido a la terrible experiencia. En un lento y repetitivo desarrollo nos representa el aislamiento que produce la era digital materializándolo en los pequeños cubículos con pantallas en vez de paredes en los que viven los protagonistas.

La segunda de nombre 15 millones de méritos  está escrita por Charlie Brooker y Konnie Huq y dirigido por Euros Lyn. Su reparto incluye a Daniel Kaluuya, Jessica Brown Findlay, Paul Popplewell, Rupert Everett, Julia Davis y Thomas Ashley.

Este segundo capítulo es quizá el más apocalíptico. Sin ver el cielo ni un segundo, asistimos a una realidad que sus habitantes alimentan con el sudor de su frente. Pasan horas cada día generando energía para el sistema pedaleando en unas bicicletas. Su pedaleo les aporta méritos o una especie de moneda digital con la que se pueden comprar comida pero también infinidad de objetos absurdos para complementar sus avatares digitales o en comprar películas de porno.

Se trata de una sátira de los programas de entretenimiento y nuestra sed la insaciable por la distracción encontrando  en una versión sarcástica de una realidad futura. En este mundo, todo el mundo debe generar la energía por medio de bicicletas de spinning, organizados en células, con el fin de poder crear su entorno virtual y generar divisas para ellos llamados fondos. Todo el mundo vive en estrechas celdas, está vestido con un chándal gris y tiene un "doppel", o avatar virtual que la gente pueda personalizar con la ropa, con un costo de méritos para ello. Las actividades cotidianas son constantemente interrumpidas por anuncios que no se pueden omitir o pasar por alto sin sanción económica. Las personas obesas son consideradas como ciudadanos de segunda clase, y el trabajo, para ellos se centra en la limpieza alrededor de las máquinas (donde reciben maltrato verbal) o se les humilla en los concursos.

Uno de los productores de energía es Bingham "Bing" Madsen , un ciudadano de la instalación que ha conseguido más de 15.000.000 méritos y se da el lujo de saltarse los anuncios. En el baño se oye a Abi, una mujer cuya voz encuentra bella, cantando una canción desde la instalación. Él la anima a entrar en el concurso similar a X-Factor de nombre Hot Shots, que ofrece una oportunidad para que la gente de salir del mundo similar a la esclavitud que les rodea. Abi, sin embargo, no quiere hacer esto ya que no tiene méritos suficientes y se siente que ella sería incapaz de actuar bajo la presión. Bing le convence y, sintiendo que no hay nada "real" vale la pena comprar, compra el boleto para ella, que se había levantado gastando los 15 millones de su fondo.

Cuando entra a competir, los jueces y el público disfrutan de su canto, pero afirman que no hay lugar para un  “Cantante Media "y en lugar de darle la oportunidad de convertirse en cantante, le ofrecen ser una actriz porno en Chicas Wraith, el programa de televisión pornográfico, o bien volver a las máquinas de bicicletas. Después de ser incitada por los jueces y la multitud, y drogada por una sustancia llamada "Cuppliance", Abi acepta a regañadientes y Bing se queda con el corazón roto.

 

Bing regresa a su celda sin Abi y sin ningún vitalidad. Cuando una demostración de Chicas Wraith aparece en la pantalla, él no es capaz de saltar la publicidad y se ve obligado a mirar Abi realizar un acto sexual. Trata desesperadamente de escapar de su celda, embistiendo la puerta hasta que el cristal oscuro se rompe. Esconde un trozo de cristal debajo de la cama y empieza a ganar otros 15.000.000 méritos para entrar en el concurso. No gasta nada para ahorrar. Come de las sobras que los demás ciudadanos dejan detrás y pedalea durante meses hasta que conseguir los 15 millones de otro boleto.

Elegido por étnico para entrar en Hot Shots. Mientras se acerca es obligado a tomar una dosis de Cuppliance, como Abi hizo, pero presenta la caja de cartón vacía que él preservó de la actuación de Abi, evitando tomar el medicamento. Cuando se pone en el escenario comienza a bailar, pero interrumpe su espectáculo, y con un pedazo de vidrio se amenaza con matarse en vivo en el show. Entre lágrimas y un discurso acerca de lo injusto que es el sistema y expresar su enojo por cómo los jueces le quitaron lo único que quería los jueces, en lugar de tomar en cuenta sus palabras, están impresionados por su "actuación" y le ofrecen su propio show, donde se puede despotricar sobre el sistema.

Bajo una presión similar a la que está situada en Abi antes, él acepta, y se le ve terminar uno de sus programas en su ático, poniendo su cristal en una caja de seda. Bing está mirando a una pared de vidrio del panel enorme, más allá de lo que es un bosque verde que se extiende hasta el horizonte. El público se pregunta si él está mirando a través de una ventana o en otra pantalla de ordenador generado. Parece que ha pasado a una celda mayor. ¿o no?

La tercera obra de nombre "Toda tu historia" está escrita por Jesse Armstrong y dirigida por Brian Welsh. En su reparto incluye a Toby Kebbell, Whittaker Jodie, Tom Cullen y Jimi Mistry.

Situado en una realidad alternativa donde la mayoría de la gente tiene un "chip" implantado detrás de la oreja, que registra todo lo que hacen, ven o escuchan. Esto permite que los recuerdos que van a reproducirse ya sea delante de los ojos de la persona o en una pantalla, un proceso conocido como "rehacer".

Liam Foxwell, un joven abogado, asiste a una evaluación del trabajo que él siente que no va bien. Después de salir de la reunión que reproduce su memoria de él y se detiene en una frase aparentemente sincera utilizado por su empleador.

Desde allí en taxi se desplaza a una cena organizada por algunos de los amigos de su esposa, y ve a su esposa Ffion hablando con un hombre al que no reconoce, y quien es presentado como Jonas. Algunos de los amigos de Ffion a preguntarle cómo fue la evaluación y sugerir repitiendo como un "rehacer" para que todos puedan dar su opinión sobre el mismo, pero Jonas se opone para salvar a Liam de la vergüenza.

En la cena, Jonas habla cada vez más francamente sobre su vida personal, y habla de la masturbación y que para ello usa las imágenes de sexo de sus relaciones anteriores que recupera de su aparato. Durante toda la comida, Liam comienza a sospechar de cómo entre Ffion y Jonas ha podido haber algo. Sobre todo porque ella parece estar mirando a Jonas, y es especialmente sospechoso cuando ella se ríe de broma de mal gusto de Jonas.

 

Ya en el hogar, Liam y Ffion intercambian sus impresiones  pues tiene muchas sospechas. Resulta que Ffion había tenido una relación anterior con Jonas hace muchos años que ella no le había dicho acerca de Liam. Al principio ella dice que fue en Marrakesh y duró una semana, luego de un mes, y luego admite que fue de seis meses. Estas mentiras iniciales provocan que Liam se haga aún más paranoico e insiste en reproducir imágenes de la noche y exigiendo explicaciones de por qué Ffion dijo e hizo las cosas que hizo. Ffion se encuentra cada vez más incómoda con su interrogatorio implacable y la conversación se convierte en una acusación.

Liam se disculpa y tienen relaciones sexuales, pero ambos están viendo reviviendo los grabado de más sexo apasionado anteriores a su relación. Después de terminar, Liam baja y estudiana una y otra vez las confesiones de Jonas durante la cena, mientras beber en exceso. Sigue toda la noche, ya la mañana siguiente discute con Ffion por haberse reído de la broma de Jonas. Vuelve a la cama y él borracho conduce hasta la casa de Jonas casa, donde se enfrenta a él sobre su relación con Ffion, y amenaza con quitarle a  Jonas el “grano” de su cuello si no elimina todas las imágenes que tiene almacenada en él. Jonas cumple, y Liam se va de la casa. Minutos después se estrella su coche contra un árbol y se desmaya.

Cuando él despierta, él rebobina de nuevo sus últimos recuerdos con creciente horror, y se va a casa para enfrentarse a  Fion. Ha descubiero en el material de Jonas un material de archivo de Fion en la pantalla de la pared antes de eliminarlo, Liam notó que había un archivo de la prueba de la relación entre Jonas y Ffion, de su última relación sexual dieciocho meses atrás, en la época en que Fion habían concebido a su hija Jodie. Fion admite haber engañado a Liam, diciendo que era cuando Liam se había había separado temporalmente de ella tras una pelea, pero insiste en que ella y Jonas hizo uso de un condón y que Liam es el padre del bebé. Liam se niega a creer en su palabra y exige que repetir el de volver a hacerlo para probarlo. Se trata de borrar la memoria, pero él la detiene, y ve las imágenes, mientras sollozaba y sin poder mirar a la pantalla. No está claro si el vídeo prueba o refuta las sospechas de Liam, aunque es muy dado a entender que eran correctas.

En las escenas finales, Liam se muestra deambulando por la casa, que ahora está desordenada y medio vacío. Parece que Fion y Jodie se han ido. Recuerdos felices de su esposa e hija aparecen a medida que camina a través de cada habitación, hasta que, atormentado por estas se corta el grano de su cuello con una navaja.

Este tercero capítulo podría tener lugar en un futuro no muy lejano. Nos habla de cómo se puede quedar reflejado en unas memorias digitales incorporadas a nosotros detrás de nuestra oreja, en un mecanismo de almacenamiento de nuestras vivencias que recuerda mucho a momento. Aunque la posibilidad de recordarlo todo pueda parecer deseable, tiene muchos puntos negativos, como lo demuestra esta historia. Consigue contar la historia más cotidiana, la que más implica al espectador. Transforma al ser humano en un Gran Hermano de su propia vida, deseoso de que los demás contemplen sus vivencias y ávido de presenciar las del resto sin importar las consecuencias.

También regresó la momia

En la década de los noventa se recuperaron algunos protagonistas del cine de terror más clásico. Es la razón de revivir a Drácula de Stoker visto por Coppola, al Frankenstain de Shelley interpretado por De Niro, al Hombre Lobo asumido por Nicholson. Faltaba otro clásico de la Universal: The Munny, dirigida por Karl Freund  de 1932, aquel personaje que lanzó al estrellato al Boris Karloff.

The Mummy (título en español: La Momia) también regresó. es una película de aventuras estadounidense de 1999, rodada, escrita y dirigida por Stephen Sommers. La película fue producida por  Sean Daniel y James Jacks invirtiendo en ella 80 500 000 de dólares USA ($). La distribución fue asumida por los Estudios Universal (Universal Pictures ). La película contó con el guión de Stephen Sommers, Lloyd Fonvielle y Kevin Jarre, partiendo en la idea de la película clásica interpretada por Boris Karloff. Fue un éxito en taquilla, de hecho – y no por ello lo fue- fui a verla en su semana de estreno allá por el año 1999. Los 415 933 406 de dólares USA ($) lo demuestran.

La música fue encargada a Jerry Goldsmith, mientras que la fotografía lo fue a Adrian Biddle con la colaboración del Estudios Industrial Light & Magic.

La película está interpretada por Brendan Fraser, Rachel Weisz, John Hannah y Kevin J. O'Connor, con Arnold Vosloo en el papel principal como la momia reencarnada. Así como Patricia Velásquez y Oded Fehr.

La película se inicia en el Antiguo Egipto, alrededor de 1290 a C. En ese momento, el sumo sacerdote Imhotep (Arnold Vosloo)  mantiene una relación con Anck-su-Namun (Patricia Velásquez), la concubina favorita  del Faraón Seti I(ningún otro hombre podría tocarla), como precaución la habían cubierto con pintura dorada y negra. Cuando el Faraón descubre su romance, Imhotep y Anck-su-Namun asesinan al monarca. Anck-su-Namun se suicida, apuñalándose a si misma en el estómago, teniendo Imhotep la intención de resucitarla. Después, en el entierro de Anck-su-Namun, Imhotep, rompiendo su cripta, roba su cadáver. Él y sus sacerdotes escapan a través del desierto hasta llegar a Hamunaptra, la ciudad de los muertos, donde comienzan la ceremonia de resurrección. Sin embargo, son capturados por los guardias de Seti antes de que el ritual pudiera ser completado, y el alma de Anck-su-Namun es enviada al Inframundo. Por aquel sacrilegio, los sacerdotes de Imhotep son momificados vivos, e Imhotep es condenado a aguantar la maldición de Hom Dai: le cortan la lengua y es enterrado vivo con un enjambre de escarabajos carnívoros. El ritual concede la vida eterna, forzando a Imhotep a aguantar la agonía de sus heridas para siempre. Bajo alta seguridad, es enterrado lejos en un sarcófago debajo de una estatua del dios egipcio Anubis, y guardado bajo una estricta vigilancia por los Medjai, descendientes de las guardias de palacio de Seti. Si Imhotep fuese alguna vez liberado, los poderes que lo hicieron inmortal le permitirían soltar una onda de destrucción y muerte sobre la Tierra.

Ya en la actualidad una compañía colonial, la Legión Extranjera Francesa, se enfrenta a un ejército de árabes. La compañía tras el abandono de su capitán es dirigida por Rick O'Connell (Brendan Fraser), tiene que defender Hamunaptra, siendo el único superviviente, junto con su compañero, el cobarde y traidor Beni (Kevin J. O'Connor).

En 1926, la bibliotecaria bella e inteligente británica pero nacida en El Cairo y aspirante a Egiptóloga, Evelyn Carnahan (Rachel Weisz), tras haber derribado toda la biblioteca, encuentra a su torpe hermano Jonathan(John Hannah) con una extraña caja y un mapa, el cual dice que encontró en Tebas.

En el interior aparece un papiro que habla de la ciudad de los muertos y de un tesoro. Después de que los hermanos descubrieran que el mapa conduce a Hamunaptra, Jonathan revela que en realidad se lo robó a Rick O'Connell, que se encuentra actualmente en prisión. Rick aparece en la celda muy sucio, desagradable y mal educado.

Rick, que por alguna razón va a dar a la cárcel (la única explicación que le dio al guardia en prisión fue "solo buscaba diversión") donde termina condenado a la horca. Les dice que él sabe la posición de la ciudad porque su unidad de la Legión Extranjera Francesa alcanzó la fabulosa ciudad tras ser perseguidos por árabes. Rick hace un trato con Evelyn para revelar la posición de Hamunaptra, a cambio de que Evelyn le salvara de la horca. Desde entonces se embarca con ella y su hermano Jonathan.  Rick conduce a una expedición a la ciudad perdida. Connell se mostrará como un tipo muy aguerrido, gracioso y valiente.

En un barco en el Nilo coincide con un grupo de cazadores de tesoros americanos conducidos por el célebre Egiptólogo Allen Chamberlain, y dirigidos por Beni Gabor, un antiguo y cobarde soldado de la Legión que sirvió junto a Rick y que también sabe donde se sitúa la ciudad perdida.

Poco después de llegar a Hamunaptra, ambos grupos son atacados por los Medjai, conducidos por un guerrero llamado Ardeth Bay (Oded Fehr). Bay los advierte del mal que hay enterrado en la ciudad. A pesar de la advertencia, las dos expediciones siguen excavando en zonas separadas de la ciudad.

Evelyn busca el Libro de Amon-Ra, un libro de oro supuestamente capaz de dar vida, pero encuentra por casualidad los restos de Imhotep en su sarcófago bajo la estatua de Anubis. Este sarcófago es abierto por la caja- llave que había conseguido Jonathan.

El equipo de americanos, mientras tanto, descubre un cofre que contiene el libro de los Muertos, acompañado de unas vasijas canópicas que conservaban los órganos de Anck-su-Namun; cada uno de los americanos toma un tarro como botín.

Esa noche, Evelyn roba el Libro de los Muertos de la tienda de los americanos y lee una página en voz alta, despertando a Imhotep. La pretensión de Imhotep, el  sumo sacerdote y actual  momia, cuando es despertado de su infierno es resucitar a su amada Anck-Su-Namum, matando a todos los que robaron las vasijas que contenían sus órganos para poder regenerarse por completo.

Aunque ambos grupos deciden volver a El Cairo, la momia persigue a los americanos que abrieron la caja, a la vez que se regenera poco a poco con cada persona que va matando. Conforme mata a uno él se va regenerando.

Beni sobrevive a Imhotep, al que le jura lealtad y le ayuda a encontrar a los americanos y las vasijas canópicas. Evelyn tenía la hipótesis de que si el libro de los muertos había devuelto a Imhotep a la vida, el Libro de Amun-Ra podría devolverlo al mundo de los muertos.

Imhotep captura a Evelyn, teniendo la intención de sacrificarla para resucitar a Anck-su-Namun, y vuelve a Hamunaptra, perseguido por Rick, Jonathan y por el místico Ardeth Bay, ya que al darse cuenta de que se ha de devolver a Imhotep al mundo de los muertos, decide unírseles y ayudarlos.

Evelyn es rescatada después de una intensa batalla con las momias de Imhotep, y lee del Libro de Amun-Ra. Imhotep se hace mortal, y Rick lo apuñala. Rápidamente se descompone e Imhotep abandona el mundo de los vivos, prometiendo volver y vengarse. Beni es quien saca el tesoro de Hamunaptra, que luego se quedan los protagonistas y cae por casualidad en una trampa antigua y es devorado por un enjambre de escarabajos carnívoros. Hamunaptra comienza a derrumbarse. Los héroes se escapan y pasean en la puesta de Sol sobre un par de camellos cargados con el tesoro.

Antes del inicio del rodaje, la producción de revitalización de La Momia anduvo un larguísimo y tortuoso recorrido. Esta película es una nueva versión de la de 1932 del mismo nombre con Boris Karloff en el papel principal. Al principio se pensó que fuera la parte de una serie de películas de horror de bajo presupuesto, sin embargo, más tarde se concretó que sería una película de aventura. En 1992, el productor James Jacks decidió llevar a cabo el proyecto de La Momia para la década de 1990. Universal Studios le dio luz verde al proyecto, pero sólo si el presupuesto fuese de alrededor de 10 millones de dólares. El productor recuerda que los estudios " esencialmente quisieron una película de horror de bajo presupuesto "; en respuesta, Jack reclutó al cineasta / escritor de terror Clive Barker para dirigir. La visión de Barker para la película era violenta, con una historia que giraba alrededor del jefe de un museo de arte contemporáneo que trataba de resucitar momias. Jacks dijo que Baker era " oscura, sexual y lleno de misticismo ", y que, " habría sido una gran película de bajo presupuesto ".Después de varias reuniones, Baker y la Universal perdieron interés en el proyecto. El cineasta George A. Romero fue contratado por su visión de una película de horror al estilo de la película de zombis La noche de los muertos vivientes, pero esto fue considerado demasiado tétrico por Jacks y el estudio, que querían algo más accesible.

Joe Dante era la siguiente opción, aumentando el presupuesto por su idea de incorporar a Daniel Day-Lewis en el papel de una Momia melancólica. Esta versión (co-escrita por John Sayles) sería ambientada en épocas contemporáneas, enfocando la reencarnación con los elementos de una historia de amor. Esto finalmente fue llevado a cabo con algunos detalles, como los escarabajos carnívoros, incorporados a la versión final. Sin embargo, en este punto, el estudio quiso una película con un presupuesto de 15 millones de dólares y la versión de Dante fue rechazada. Poco después, contactaron con Mick Garris para dirigir la película pero finalmente dejaría el proyecto, y ofrecieron la película a Wes Craven, pero la rechazó. Entonces, Stephen Sommers llamó a Jacks en 1997 con su visión de la Momia " como una especie de Indiana Jones o Jasón y los Argonautas con la momia como la criatura que pondría las cosas difíciles al héroe ".

El rodaje comenzó en Marrakech, Marruecos, el 4 de mayo de 1998, durando diecisiete semanas; el equipo tuvo que aguantar la deshidratación, tormentas de arena, y las serpientes mientras filmaban en el Sahara. Los efectos visuales fueron producidos por la empresa Industrial Light & Magic, que mezcló la película e  imágenes generadas por ordenador para crear a la Momia. 

El papel principal de la película es interpretado por el actor Brendan Fraser. El productor James Jacks ofreció antes el papel de Rick O’Connell a Tom Cruise, Brad Pitt, Matt Damon y Ben Affleck pero los actores o no estaban interesados o no podían estar en forma a tiempo. Jack y el director Stephen Sommers se quedaron impresionados con la taquilla que había obtenido George of the jungle en taquilla y finalmente eligieron a Brendan Fraser.  Sommers también comentó que Fraser le pareció el apropiado para el papel de Errol Flynn aventurero en el que había pensado. El actor comprendió que su personaje «no podía tomárselo demasiado en serio, si no la audiencia no podría divertirse durante el viaje con él».

El personaje de Evelyn es interpretado por Rachel Weisz. En una entrevista la actriz reconoció que no le fue difícil aprender egipcio antiguo, ya que como nadie sabía como sonaba realmente, se tomaron la libertad de crearlo.

En la película destaca el diálogo en la lengua antigua egipcia, hablada con la ayuda de un Egiptólogo profesional.

La Momia se convirtió en un éxito de taquilla. Se estrenó el 7 de mayo de 1999, recaudando 43 millones de dólares en bruto en 3,210 cines; la película continuó recaudando 416 millones de dólares por todo el mundo. La recepción de la película fue dividida, con críticas que, o bien elogian la película, o bien se quejan de los efectos especiales, la naturaleza de los personajes, el guión, y los bandidos estereotipados.

El éxito de taquilla condujo a una secuela en 2001, The Mummy Returns, así como la Momia: La Serie Animada, y la precuela el Rey Escorpión. Otra secuela, La momia: la tumba del emperador Dragón, se estrenó el 1 de agosto de 2008. Universal Studios también abrió una montaña rusa, la Venganza de la Momia, en 2004. Las secuelas y las novelas fueron escritas por Max Allan Collins.

La película es perfecta técnicamente, y nos ofrece es un sensacional espectáculo, repleto de acción, de pequeños toques de romanticismo sin edulcoración y sobre todo, un encomiable sentido del humor que impregna todo el desarrollo de la película.  Estuvo nominada al Oscar al mejor sonido y el Bafta a los mejores efectos visuales ambos en el año 1999.

Si a todo ello, le sumamos un plausible guión, una correcta definición de personajes, tanto principales como secundarios y un notable sentido del ritmo narrativo, nos encontramos ante un sugestivo, recomendable y excitante entretenimiento.

De ella se ha escrito en El País por parte de Jesús Ruiz Mantilla "Deja un regusto a cine de siempre, de evasión y palomitas". Más duro fue el  sempiterno Roger Ebert del Chicago Sun-Times afirmando que "Apenas hay algo que pueda decir en favor de la película, excepto que me sentí animado casi cada minuto de ella. (...) Hay algo de inmadurez incrustada en cada uno de nosotros, incluso en los más juiciosos. Y debemos rescatarla. (...). Como vemos al final la posición de este crítico fue positiva.

Noche de bobos

Con el sueño que tenía pararme a ver esta película incluida en la Noche de Lobos de este martes pasado en la Sexta 3 fue realmente una cosa de bobos.

La pelíocula tenía como título original Innocent Blood. En España se difundió como Sangre fresca y no mucha sangre se pudo ver en los 112 minutos de cine de consumo.

 

La película norteamericana del año 1992 nos muestra a una chica insaciable, otro de los títulos de la película. Se trata de una película de terror dirigida por John Landis y basada en un guión de Michael Wolk. Estuvo bajo la producción de Lee Rich Productions y Leslie Belzberg. La película fue distribuida por la WB. En ella participan Anne Parillaud, Robert Loggia, Anthony LaPaglia, Don Rickles, Tom Savini. Intervienen igualmente Chazz Palminteri, Angela Basset, Luis Guzman, Frank Oz, Sam Raimi, David Proval, Rocco Sisto, Tony Sirico, Tony Lip, Kim Coates, Marshall Bell, Leo Burmester, Rohn Thomas, Don Rickles, Linnea Quigley y Dario Argento

La historia comienza con Marie (Anne Parillaud), una hermosa vampiresa que está pasando una mala temporada de sexo y de hambre. Su voraz apetito y su alto grado de nerviosismo le llevan a leer la prensa cuando se da cuenta que en la ciudad existe una guerra interna entre bandas mafiosa que está provocando muertos y sangre en abundancia. Así que a río revuelto ganancia de pescadores por lo que opta por alimentarse de mafiosos italianos encontrando así la coartada perfecta para saciar su terrible hambre y no levantar sospechas, en los ajustes de cuentas que se producen entre bandas rivales.

Infiltrados entre esos “tipos malos” está Joe (Anthony LaPaglia), un policía secreto infiltrado en una corrupta familia mafiosa. Joe está presente en el asesinato de uno de los colaboradores del capo Sal Macelli (Robert Loggia) un capo sediento de poder. Tras dicho asesinato marie se cruza con Joe y piensa que es un hombre educado, pero triste. Igualmente se encuentra con el amigo de Joe, un mafioso ardoroso y brutal que se convierte en la primera víctima mafiosa de Marie.

Al día siguiente del asesinato se presenta una inspectora de policía (Angela Basset) y Joe, que va en calidad de policía infiltrado y amigo real del mafioso. Joe se sorprende por la falta de sangre en el lugar del asesinato. Esa misma noche Marie propicia un encuentro con Sal Macelli. Éste la lleva a una casa alejada de la ciudad con el fin de cenar y seducirla. Pero la cena es un fracaso. Sal acababa de comprar mejillones con salsa de ajo por lo que ella rehuye el encuentro, algo que no es aceptado por Sal, quien la fuerza. Ella, finalmente, se transforma en el ser infernal o violento que lleva dentro. Aparentemente mata a Sal, aunque ella es igualmente herida de un disparo por Sal.

Joe mientras tanto llega a la escena del crimen. Allí es reconocido por otros mafiosos como un infiltrado. Mientras investiga vuelve a sorprenderle la poca sangre existente. Siguiendo un hilo de la misma, Joe alcanza el tejado de la casa y allí descubre a una casa manchada de sangre y con una fuerza descomunal que logra huir.

Tras seguirla por la ciudad llega a su vivienda y allí se enfrentan, pero ella se desvanece. Joe embargado por su belleza la cuida y así comienzan a enamorarse.

Mientras tanto, Sal Macelli es llevado al tanatorio con el fin de que forense le haga una autopsia. Llamativamente el cuerpo de Sal va calentándose y finalmente revive transformándose en un vampiro que escapa del hospital llegando a casa de otro de los capos. Allí siente un voraz apetito y acaba atacando a éste.

Cuando Marie y Joe coinciden en la persecución de Macelli, inesperadamente descubren lo mucho que tienen en común. Se unión va en aumento conforme Macelli se da cuenta de que ser inmortal, tras la mordedura de Marie. Es lo mejor que ha podido pasarle para convertirse en el capo mafioso de la ciudad. Sal irá eliminando a sus competidores y está a punto de conquistar el poder. Irá convocando a todos sus colaboradores para transformarlos en vampiros, cosa que consiguen. Marie y Joe tendrán que ingeniárselas para evitar que la ciudad se convierta en una ciudad de no vivos controlados por vampiros.

Llegan finalmente a un club de la mafia y allí se enfrentan acabando Marie con muchos y Joe con otros. Finalmente se enfrentan a  Sal que acaba quemado y con ello el fin de su dominio. Está amaneciendo y Marie quiere poner fin a su existencia. Sin embargo, Joe la convence y acaban juntos en un hotel de la ciudad.

La película es una revisitación del mito del vampiro, realizada por John Landis, un director que a principios de la década de los 80 vivió su mejor época profesional, dirigiendo no sólo el exitoso videoclip de Thriller del mítico Michael Jackson, sino algunas películas que hoy están consideradas como clásicos como "Blues Brothers", y sobre todo “El hombre lobo americano en Londres” de 1981, una novedosa visión de la licantropía en la época moderna.

"Sangre fresca" supuso para Landis un intento de recuperar ese éxito, trasladando el mito del hombre lobo al de la mujer vampiro, pero los resultados económicos no fueron los mismos.

En todo caso, Landis plantea en el filme una historia de mafias, suspense y amor, en la que el vampirismo es un elemento más del guión. Para ello contó con un elenco de actores conocidos en su momentos como Angela Basset, Robert Loggia o Luis Guzmán conjuntamente con otros que a día de hoy son conocidos por series como es el caso de Anthony LaPaglia o actores como Chazz Palminteri al que le quedaban todavía un par de años para saltar a la fama con su papel de gángster en "Balas sobre Broadway" (1994), de Woody Allen o “Una historia del Bronx” de Robert de Niro.

 

John Landis vuelve a demostrar que podría haber llegado muy lejos si hubiese seguido dirigiendo esas películas que mezclan terror con comedia, y en esta ocasión con cine de gángsters. De protagonista tenemos a la guapa Anne "Nikita" Parilloud, y un montón de actores habituales del cine de gángsters (Robert Loggia, Chazz Palminteri, Tony Sirico...), y cameos de grandes como Argento, Savini, Linnea Quigley o Sam Raimi.

Estamos ante un pretendida entretenida comedia, pero realmente oscura película de vampiros y mafiosos italianos. Éstos ganan la partida a la que en principio es protagonista de la película. Sin más pretensiones que entretener y divertir, con humildad y dosis de humor gamberro, pero discreto, se desarrolla esta obra menor de John Landis pero que deja en bastantes momentos sus señas de identidad de genial creador de situaciones absurdas pero magníficas.

 

Lo suyo fueron siempre las comedias, especialmente entre finales de los setenta y principios de los ochenta, pero su tanteo con el terror (sin dejar de lado el humor y ayudado por unos FX que aún hoy quitan el hipo) se saldó en 1981 con una verdadera joya del género.

No se ha vuelto a ver nada igual de terrorífico en la carrera de John Landis como "Un hombre lobo americano en Londres", exceptuando "Thriller". Pero claro, la creatividad tiene sus ciclos y llegaron accidentes como en "En los límites de la realidad" y sobre todo "La familia Stupid". El tema vampírico parecía el idóneo para su regreso al género, pero lo que pudo ser algo bueno y la entrada del mejor Landis a los noventa, se queda en un pastiche más o menos entretenido.

Soltar a la vampiresa Anne Parillaud en ese ambiente mafioso para alimentarse sin cargo de conciencia, tiene su gracia y pudo acabar siendo en parte la versión femenina de aquel hombre lobo, pero no acaba de cuajar por un forzado toque romántico que el director ofrece con cierto desdén, algo que supo tratar con chispa en aquella joya del terror o en "Cuando llega la noche" con similares relaciones amorosas, pero sin colmillos (al menos, no en el segundo caso). No goza de la gracia que sí tienen al respecto las dos citadas y por ello se hace eterna.

Hay guiños al cine de terror clásico, algo de ese humor tan característico de Landis y cameos tan significativos como los de Argento y Savini, pero es en los secundarios donde la película encuentra su apoyo, Robert Loggia, Don Rickles y Chazz Palminteri, que como siempre están fantásticos, y en un buen maquillaje, con unas lentillas psicodélicas incluidas tan terroríficas como divertidas.

 

El primer oscar milenario

Cuando uno es padre deja de hacer muchas cosas que antes eran casi una necesidad vital o jugaban un papel protagonista. Muchas pasan a un segundo plano dado lo placentero de la paternidad, y aunque salir e ir al cine también lo eran - y mucho- uno aparca sus intereses y sus aficiones para retomarlas cuando en un futuro puede (o quiere depende del caso). En mi caso, esta fue una de las primeras damnificadas por la natalidad familiar. Lo que antes era casi de comunión semanal, pasó a ser algo mucho más festivo y puntual.

Tardé en ver Gladiator, que fue algo así como la revitaización de Ridley Scott. De hecho la pude ver cuando compré este VHS allá por el año 2001 o un avanzado 2002. Se había halado mucho de ella. A Russell Crowe ya lo había premiado con otro Oscar por su papel desquiciado en “Una mente maravillosa”. La pude ver parcialmente cuando una compañera de trabajo me dejó el DVD para verlo en versión original. Así pude saber que Máximo era de Trujillo, que no de Mérida. La volví a ver hace unos años – tres para ser exactos- tras haber estado nuevamente en Roma y visitar ahora con ojos más maduros la Ciudad Eterna y el Coliseo – que uno cuando la visitó por primera vez era bastante joven y un poco atolondrado- y me volvió a gustar la película casi en todo su recorrido. Indudablemente es un espectáculo. La vimos anoche mis hijos y yo. Aprobado total por parte de aquellos que, en su momento, e involuntariamente lo había impedido.

Gladiator es una película épica del género péplum estrenada en el año 2000 y de 150 minutos de duración. Dirigida por Ridley Scott bajo la producción de David Franzoni, Branko Lustig y Douglas Wick para la Scott Free Productions, coordinados por Arthur Max como diseñador de la misma invirtiendo en ella 103 millones de dólares. La película fue distribuida por DreamWorks en el ámbito de los EE.UU. y la Universal Pictures en el resto del mundo, recaudando la astronómica cifra de 457.640.427 de dólares.

Ridley Scott se basó en el guión de David Franzoni, John Logan y William Nicholson. Un guión que sufrió hasta su concreción final bastante avatares que luego relataré.

La exitosa banda sonora fue encargada a Hans Zimmer y Lisa Gerrard. También la obra de Zimmer, al parecer, tuvo que enfrentarse a cuestiones legales por su parecido con otras composiciones.

Otros aspectos fueron menos problemáticos, pero muy bien trabajados como la fotografía que correspondió a John Mathieson y en la que lo digital tuvo su peso, y el montaje que fue obra de Pietro Scalia.

Sus papeles principales fueron interpretados por Russell Crowe como Máximo Décimo Meridio, Joaquin Phoenix como Cómodo, Connie Nielsen como Lucila, la hija de Marco Aurelio, Ralf Möller como Hagen, Oliver Reed como Próximo, Djimon Hounsou como Juba., Derek Jacobi como el senador Graco, John Shrapnel como el senador Gaio y Richard Harris como Marco Aurelio. Otros personajes participantes son Spencer Treat Clark como Lucio Vero, el hijo de Lucila y nieto de Marco Aurelio, Tommy Flanagan como Cicerón Tomas Arana como Quinto, David Schofield como el senador Falco , Sven-Ole Thorsen como Tigris de la Galia, David Hemmings como Casio, el organizador de las luchas de gladiadores en el Coliseo y Giannina Facio como esposa de Máximo y Giorgio Cantarini como su hijo.

La película empieza con una entrada que nos avisa del año y de quien detenta el poder. Estamos en el año 180 d. C. y Máximo Décimo Meridio es un leal general hispanorromano del ejército de la Antigua Roma en Germania. Lidera al ejército romano hacia una importante victoria sobre las tribus germánicas cerca de Vindobona, poniendo fin a una larga guerra en el limes del imperio romano. Gozaba del favor del emperador Marco Aurelio y del amor de su hija, Lucila. Es la versión original es originario de Trujillo, aunque en el doblaje castellano su lugar de origen es Emérita Augusta, capital de la Lusitania.

Esta victoria, tras una brutal batalla, hace que la ya alta estima del anciano y enfermo emperador Marco Aurelio aumente. La victoria definitiva sobre los germanos coincide con la llegada al campamento de los hijos de Marco Aurelio, Cómodo y Lucila, tras dos semanas de desplazamiento. El emperador a pesar de tener un hijo varón, Cómodo, decide que a su muerte sea el general el que ostente el poder temporal hasta que el senado de Roma asuma finalmente el gobierno del imperio.

Cómodo, el maquiavélico y ambicioso hijo de Marco Aurelio, cuando éste le dice que no será él, sino Máximo, el heredero del título imperial , y ante la determinación de su padre y la incapacidad de presentar las cuatro virtudes para tener un gobernante, asesina a su progenitor en un ataque de rabia.

Cómodo intenta ganarse la lealtad de Máximo, pero el militar se percata de lo que ha sucedido. En ese momento el general es traicionado por su amigo, Quinto, que a su aparente pesar instruye a los pretorianos para que lo ejecuten a él y a su familia en Hispania.

Máximo consigue deshacerse de sus verdugos y emprende el retorno a su hogar a toda velocidad, pero no llega a tiempo de salvar a su mujer y a su hijo.

Después de enterrarlos, Máximo queda inconsciente por el cansancio y el dolor de la pérdida, momento en que cae en manos de esclavistas.  Forzado a convertirse en esclavo es trasladado a Zucchabar, en el norte de África. Allí es comprado por Próximo y obligado a luchar como gladiador en la arena. Conoce y entabla amistad con Juba - gladiador de Numidia que fue sacado de su hogar por esclavistas  que acabará siendo el mejor amigo de Máximo y que, al igual que él sueña con regresar junto a su familia - y Hagen – un gladiador germánico que en esos momentos es el mejor luchador de Próximo, Un viejo y rudo entrenador de gladiadores que compra a Máximo en el norte de África. Fue gladiador de joven y Marco Aurelio le concedió la libertad. Juba le pide que tenga fe y no desespere, que finalmente se reunirá con su familia en la otra vida.

Máximo triunfa como gladiador en la arena mientras anhela vengar la muerte de su familia y su emperador.

Mientras tanto, en Roma, Cómodo es coronado emperador y ordena que se inicien varios meses de juegos y luchas de gladiadores. Cómodo vive mientras tanto en el Palatino junto con su sobrino y, por ahora sucesor, Lucio Vero  y su hermana Lucila que recientemente enviudada todavía está enamorada de Máximo (un amor de juventud) y que rechaza las insinuaciones incestuosas de su hermano Cómodo mientras intenta proteger a su hijo, Lucio Vero. Ésta además es cercana a un grupo de senadores encabezados por el senador Graco y por el senador Gaio enemigos de la visión imperial frente al poder senatorial impuesto por Cómodo. El emperador sólo cuenta con el senador Falco como aliado para consolidar su poder.

En África, Máximo demuestra ser un feroz gladiador, diestro en el combate y líder nato. Finalmente acaba siendo llevado a luchar en el imponente Coliseo de Roma, donde los hombres de Próximo son contratados por Casio para combatir en una recreación de la batalla de Zama. Próximo además apoya a Máximo, a quien regala su mejor armadura, y lo asesora para que consiga su libertad.

Ocultando su rostro con un yelmo, Máximo lidera a sus compañeros de combate y consigue una inesperada victoria con la que se ganan a un público que suplica por sus vidas. Impresionado, Cómodo desciende a la arena para conocer a los luchadores y ordena al gladiador jefe que revele su identidad. Éste se vuelve, descubriendo su rostro, y le dice: «Me llamo Máximo Décimo Meridio, comandante de los Ejércitos del Norte, general de las Legiones Fénix, leal servidor del verdadero emperador Marco Aurelio, padre de un hijo asesinado, marido de una mujer asesinada, y alcanzaré mi venganza en esta vida o en la otra».

Más tarde, Máximo, adorado por el público, combate contra el invicto gladiador Tigris de la Galia, al que logra vencer pero respeta la vida tras un brutal y bestial combate con tigres incluidos, en contra del deseo de Cómodo. El populacho lo bautiza por ello «Máximo el compasivo», su popularidad se dispara y Cómodo ve así frustrados sus intentos de matar al antiguo general, pues su muerte le haría perder el favor del pueblo romano.

Tras este combate el antiguo criado de Máximo, Cicerón, se pone en contacto con él y le dice que su ejército todavía le es fiel. Entonces Máximo comienza a conspirar contra Cómodo junto a la hermana de éste, Lucila, que siempre ha estado enamorada de él, y el senador Graco, con la finalidad última de reunirse con su ejército y completar su venganza derrocando y matando al emperador. Sin embargo, Cómodo sospecha de la traición que está urdiendo contra él su propia hermana y la amenaza con matar a su hijo si no le revela toda la conspiración. Durante el intento de huida de Máximo, la guardia pretoriana de Cómodo ataca la escuela de gladiadores, matando a Hagen y a Próximo. Juba y los supervivientes son encarcelados, mientras que Máximo logra llegar a las murallas de la ciudad a través de túneles. Allí descubre que ha caído en una trampa: Cicerón es asesinado y él capturado.

Desesperado por acabar con Máximo y demostrar su grandeza, Cómodo prepara un combate en el Coliseo contra el popular gladiador. Antes de empezar el combate, y sabiendo de su superioridad en el cuerpo a cuerpo, el emperador apuñala en la espalda a Máximo. A pesar de estar malherido, durante el combate Máximo logra desarmar al emperador, quien pide desesperado una espada a Quinto, jefe de su guardia. Éste se niega a entregársela y ordena a sus hombres que hagan lo mismo. Cómodo saca en ese momento un estilete que tenía oculto bajo la armadura, pero Máximo, en un último esfuerzo, le sujeta el brazo, se lo clava al emperador en la garganta y acaba con su vida.

El moribundo Máximo, desangrado por la puñalada que le propinó Cómodo, tiene una visión de su familia en la otra vida. Quinto pronuncia su nombre, y en ese momento Máximo pide como último deseo que liberen a sus hombres y que el senador Graco sea restablecido, después recuerda las palabras de Marco Aurelio sobre la grandeza de Roma. Entonces se desploma en la arena y Lucila corre a su lado. En su última visión antes de morir, se reúne con su familia.

Lucila honra su memoria con unas palabras y pide que porten su cuerpo a hombros, que es sacado de la arena por Graco y sus compañeros gladiadores. Al anochecer, Juba entierra en la arena del Coliseo las dos pequeñas figuras de los manes familiares con las que Máximo rezaba a su mujer y su hijo y susurra: «Ahora somos libres. Volveremos a vernos. Pero aún no... aún no».

Gladiator se basó en una historia ficticia en la que Máximo está inspirado en varios personajes históricos como el general Marco Nonio Macrino, el luchador Narciso, el gladiador Espartaco, Cincinato y Máximo de Hispania.

Por su parte, el recorrido del guión fue largo. La Wikipedia nos cuenta que el guión original fue obra de David Franzoni, autor del primer borrador. Franzoni llegó a un acuerdo con DreamWorks para escribir y coproducir tres películas gracias a la solidez de su anterior trabajo, el guión de la película Amistad de Steven Spielberg, un filme que le dio gran reputación a DreamWorks.

Franzoni no era un erudito en el mundo de la antigüedad clásica, por lo que se inspiró en la novela de 1958 de Daniel P. Mannix, Those About to Die, y decidió basar su historia en Cómodo tras leer la Historia Augusta, que recopila biografías de emperadores romanos. En el primer borrador de Franzoni, fechado el 4 de abril de 1998, el protagonista se llamaba Narciso, un gladiador de la antigua Roma que, según las fuentes de Herodiano y Dion Casio, estranguló a Cómodo hasta matarlo.^[

Los productores Walter F. Parkes y Douglas Wick se pusieron en contacto con Ridley Scott. Le mostraron el cuadro Pollice Verso, pintado por el artista francés Jean-Léon Gérôme en 1872. Al director británico comenzó a seducirle la idea de recrear en la gran pantalla el mundo de la Antigua Roma, pero pensó que los diálogos del guión de Franzoni necesitaban retoques y le encargó a John Logan que lo modificara hasta que fuera más de su agrado. Logan rescribió gran parte del primer acto y tomó la decisión de matar a la familia de Máximo para incrementar la motivación del protagonista.

Dos semanas antes de iniciar la filmación, los actores se quejaron del guión. Por ello, se llamó a William Nicholson a los estudios Shepperton para que otorgara al protagonista un carácter más sensible modificando la relación con su amigo Juba y desarrolló la conexión emocional del protagonista con el más allá, pues dijo que «no quería ver solo una película sobre un hombre que quería matar a alguien».Se pidió a David Franzoni que revisara las aportaciones de Logan y Nicholson, y en este proceso impuso su papel de productor: Nicholson empezó a volver al guión original de Franzoni y a leer ciertas escenas. Franzoni ayudó a reelaborar creativamente el libreto y en su rol de productor defendió su primer borrador y lo acertado de su visión original. Franzoni acabaría ganando el Óscar de la Academia a mejor película junto con Douglas Wick y Branko Lustig.

El guión fue reescrito más veces según las sugerencias y peticiones de Russell Crowe, que cuestionó todos los aspectos del libreto y se marchó del set de rodaje al no obtener respuestas. Según un ejecutivo de DreamWorks, «[Crowe] intentó rescribir todo el guión sobre la marcha. ¿Conoce la frase del tráiler, ‘alcanzaré mi venganza en esta vida o en la otra’? Pues al principio se negó rotundamente a pronunciarla». Nicholson, el tercer y último guionista, afirmó que Crowe le dijo: «Tus frases son basura, pero yo soy el mejor actor del mundo y puedo hacer que incluso la basura suene bien». Tremendo Máximo ¿no?.^[

Durante la preparación de la película Scott empleó varios meses desarrollando los storyboard de la trama.

Todo el atrezzo, decorados e indumentaria de la película fueron elaborados por el equipo de la película porque hubiera sido muy caro comprarlos y por la escasez de los mismos. La empresa Armordillo Ltd. de Rod Vass creó 100 armaduras y 550 trajes de poliuretano, para cuya construcción desarrolló esta compañía el exclusivo sistema de poliuretano proyectado que se empleaba por vez primera en esta producción y que permitió crear 27.500 piezas de armadura en sólo tres meses.^[

Los miembros del equipo pasaron seis semanas buscando localizaciones dentro de lo que fueron territorios del Imperio Romano, entre ellos Italia, Francia, el norte de África e Inglaterra. La película se rodó en tres escenarios principales entre enero y mayo de 1999. La batalla inicial en el bosque de Germania se filmó durante tres semanas en el bosque Bourne, cerca de Farnham, en el condado inglés de Surrey. Cuando Ridley Scott tuvo noticia de que la Forestry Commission, el organismo encargado de gestionar los bosques británicos, tenía planes para talar el bosque, los convenció para que permitieran filmar la escena allí y quemar el bosque en el proceso. Scott y el director de fotografía John Mathieson utilizaron varias cámaras que filmaban a distintas velocidades de fotogramas, de manera similar a la técnica utilizada en las secuencias de batallas de la película Saving Private Ryan (1998).

El equipo después se trasladó a Uarzazate, Marruecos, donde durante tres semanas filmaron al pie de la cordillera del Atlas las escenas de los esclavos, el viaje por el desierto y la escuela de gladiadores de Próximo. El anfiteatro en el que Máximo libra sus primeros combates fue levantado con materiales y técnicas locales que sirvieron para crear 30.000 ladrillos de adobe.

Finalmente, las escenas de la antigua Roma se rodaron durante 19 semanas en Fort Ricasoli, Malta, donde se construyó una réplica de un tercio del Coliseo de Roma, de casi 16 metros de altura y hecha en su mayoría de yeso y contrachapado. Esta réplica tardó varios meses en levantarse y costó alrededor de un millón de dólares. Los otros dos tercios de altura del enorme anfiteatro se añadieron digitalmente con la ayuda de pantallas azules, sustituyendo al tradicional cartón piedra para darle una asombrosa credibilidad visual, según palabras de Eduardo Mendicutti. En el otro extremo del complejo se almacenaban una rica variedad de atrezo de calles, columnatas, puertas, estatuas y plazas para completar el resto de decorados necesarios para la filmación. Las necesidades de este complejo eran cubiertas por un campamento de tiendas de campaña en que se hallaban los camerinos, almacenes, armeros y otros servicios.

La película se basa muy libremente en hechos históricos. Ridley Scott pretendía retratar la Roma Antigua con más precisión que en ninguna película anterior y para ello contrató a varios historiadores y asesores. A pesar de ello, el filme dejó de lado de forma totalmente deliberada algunos acontecimientos históricos en favor de su trama, algunos para mantener la continuidad, otros por razones prácticas o de seguridad. Debido a que las anteriores películas de Hollywood sobre Roma habían influido en la percepción que la gente tenía de esta cultura de la antigüedad, algunos hechos históricos verídicos eran, en opinión de Scott, «demasiado increíbles» para ser incluidos. Al menos uno de los asesores históricos del filme renunció a su labor en vista de los cambios que se iban a hacer y otro pidió no ser mencionado en los créditos (en los comentarios del director éste dice que el experto preguntaba constantemente: «¿Dónde está la prueba de que ciertas cosas fueron exactamente como ellos dicen?»). El historiador Allen Ward, de la universidad de Connecticut, cree que la exactitud histórica no habría restado interés o emoción a Gladiator y afirmó: «los creadores necesitan tomarse algunas licencias poéticas, pero ello no debería ser un bufet libre para despreciar de manera tan clara los hechos en la ficción histórica».

El auténtico emperador Marco Aurelio murió de peste en Vindobona y no asesinado por su hijo Cómodo. El personaje de Máximo es ficticio, aunque algunos de sus caracteres y hechos se asemejan a los de personajes reales como Narciso (el auténtico asesino de Cómodo), Espartaco (que lideró una famosa revuelta de esclavos), Cincinato (un granjero que acabó siendo dictador, salvó a Roma de la invasión y luego renunció a un cargo de duraba seis meses cuando sólo llevaba quince días en él) y Marco Nonio Macrino (un leal general, cónsul en el 154 d. C. y amigo de Marco Aurelio).

Cómodo llegó a combatir como gladiador en el Coliseo, un espectáculo que le encantaba, pero acabó sus días estrangulado en la bañera por el luchador Narciso, no en la arena de combate. Además, gobernó durante bastantes años, no el corto período de tiempo que se muestra en la película.

El nombre Máximo Décimo Meridio no es correcto de acuerdo a las convenciones de nombres romanos. Lo correcto sería usar Décimo Meridio Máximo, pues Máximo es el cognomen y Décimo el praenomen.^[

En la trama de Gladiator influyeron dos películas de Hollywood de los años 1960 del género péplum: La caída del Imperio Romano y Espartaco. La de Anthony Mann primera toma algunos puntos clave de su argumento, como la historia de Livio, quien, al igual que Máximo en Gladiator, se pretende que sea sucesor de Marco Aurelio. Livio está enamorado de Lucila y quiere casarse con ella, mientras que en Gladiator Máximo ya está felizmente casado aunque tiempo atrás estuvo enamorado de la hija del emperador. En ambos filmes Marco Aurelio es asesinado: en La caída el imperio romano es un grupo de conspiradores ajenos a Cómodo el que lo envenena, en Gladiator es el propio Cómodo quien lo asfixia. En la película de los años 1960 Cómodo trata de atraer a Livio hacia su visión del imperio en contraste con la de su padre, en la película de Ridley Scott, cuando Cómodo fracasa en su intento de ganarse a Máximo, ordena la ejecución de su familia y falla en asesinar al general. En ambas películas los respectivos protagonistas, Livio y Máximo, matan a Cómodo en combate individual, el primero para salvar a Lucila y el segundo para vengar la muerte de su familia, pero los dos también lo hacen pensando en el bien y la grandeza de Roma.

Scott reconoció que Espartaco de Stanley Kubrick y Ben-Hur influyeron en su película: «Estas películas eran parte de mi juventud. Pero en los albores del nuevo milenio pensé que era el momento ideal de revisitar el que pudo ser el momento más importante de los dos últimos milenios (si no de toda la Historia), la cúspide y el principio del fin del mayor poder militar y político que el mundo había conocido».

Espartaco presentó el tema de los gladiadores, además de al senador Graco (nombre de un par de tribunos revolucionarios del siglo II a. C.), que en ambos filmes es un veterano hombre de estado que intenta salvaguardar los antiguos derechos del senado romano en contra de un ambiciosa autócrata —Marco Licinio Craso en Espartaco y Cómodo en Gladiator—. En ambos filmes hay una secuencia idéntica en la que un gladiador (Máximo aquí, el Draba interpretado por Woody Strode en Espartaco) arroja su arma a las gradas después de un combate y antes de una línea de diálogo: «Roma es la turba», dicha en la película de Scott por Graco y por Julio César en Espartaco.

La recreación de la entrada de Cómodo en Roma recuerda la imaginería del documental propagandístico nazi de Leni Riefenstahl, El triunfo de la voluntad (1934), aunque Scott puntualizó que la iconografía de los congresos nazis estaba por supuesto inspirada en la del imperio romano. Scott muestra también un plano aéreo de la Roma antigua, seguido rápidamente de un plano de las multitudes viendo a Cómodo pasar en carro ante ellos. Lo primero que aparece en el documental alemán es el águila nazi, en Gladiator también aparece la estatua de un águila en lo alto de un arco de triunfo. En un momento de la película propagandística alemana una niña le entrega flores a Hitler, mientras que Cómodo también es recibido por varias niñas que le lanzan flores. De cualquier manera el cine es fuente de cine directa o indirectamente. ¿No es el cine una fuente de inspiración en una serie como American Horror Story : Asylum? ¿No hemos visto escenas que recuerdan al cartero siempre llama dos veces o a la Naranja mecánica?

La célebre banda sonora de Gladiator, nominada al Óscar, fue compuesta por Hans Zimmer y Lisa Gerrard y dirigida por Gavin Greenaway. Zimmer en principio tuvo intención de recurrir a la vocalista israelí Ofra Haza, con la que había trabajado en El príncipe de Egipto, pero la intérprete falleció en febrero de 2000 antes de que pudiera empezar a grabar, al igual que Oliver Reed que falleció durante el rodaje

En su lugar su eligió a la australiana Gerrard. La música de muchas de las escenas de batalla se han comparado por su similitud con Mars: The Bringer of War de Gustav Holst, y en 2006 la Holst Foundation demandó a Zimmer por un supuesto plagio. Otra clara evocación musical se puede escuchar en la escena de la entrada triunfal de Cómodo en Roma, realzada por una composición musical que claramente recuerda a dos secciones de El anillo del nibelungo de Richard Wagner, El oro del Rin y El caso de los dioses. El grito de guerra de los germanos que combaten al principio del filme fue tomado de la película Zulú, de 1964, una de las películas favoritas de Ridley Scott.

El 27 de febrero de 2001, casi un año después de la puesta en venta de la banda sonora de la película, Decca Records produjo Gladiator: More Music From the Motion Picture, y en 2005 la misma discográfica estrenó Gladiator: Special Anniversary Edition, con dos CD que recopilaban las dos anteriores ediciones. En 2003 Luciano Pavarotti hizo pública una grabación de sí mismo interpretando una canción de la película y dijo que lamentaba haber rechazado en su día una oferta que le hicieron para cantarla para el filme.

Gladiator recibió críticas positivas. La CNN afirmó que la batalla de Germania era una «de sus batallas de cine favoritas»,mientras que la revista Entertainment Weekly colocó a Máximo en el sexto lugar de su lista de héroes de acción favoritos por la «poderosa y conmovedora interpretación de Crowe» e incluyó la película de Scott entre lo mejor de la década. En 2004 el canal británico Channel 4 realizó una encuesta que colocó a Gladiator en el sexto lugar de las mejores películas de la historia del cine. Paul Ashbourne, famoso crítico de cine, le otorgó al filme «tres pulgares arriba» y dijo que era su película favorita de toda la historia pues tenía una sólida trama argumental que nos transporta a los tiempos de la antigua Roma.

También tuvo sus detractores. El prestigioso crítico Roger Ebert en particular criticó duramente el aspecto del filme por ser «turbio, confuso e indistinto». También se burló del guión porque en su opinión «utiliza la depresión como sustituto de la personalidad, además de creer que si los personajes están amargados y lo suficientemente malhumorados, no nos daremos cuenta de lo aburridos que son».

En España iban del elogio absoluto por parte de Javier Rioyo en  Cinemanía tras su afirmación  "Emocionante retorno a un género perdido (...) La aventura está servida, los que la vamos a disfrutar la saludamos" ,  o Francisco Marinero en el Diario El Mundo "Buen espectáculo que rescató un género dado por obsoleto. (...) Muy larga, rica en incidentes y personajes" , o la tibia crítica de Miguel Ángel Palomo: Diario El País en base a afirmar que era "Un espectáculo que une calidad y comercialidad" hasta la crítica abierta en la afirmación de Ángel Fdez. Santos en el diario El País "Un espectáculo sólido, pero hueco. El alarde de imágenes encubre un insalvable vacío de fondo" o el de Pablo Kurt en filmaffinitty cuando afirma que estamos ante una “historia … maniquea y exagerada” , basada en un guión plano , a pesar de ser un espectáculo digno de ver, oir en su  potente banda sonora y disfrutar. Eduardo Mendicutti afirmó  que Scott consiguió hacer compatibles sus ambiciones intelectuales y su virtuosismo técnico y todo aquello dio como resultado un producto serio en su contendido moral y emocionante en lo narrativo.

Pablo Kurt lo que si realza fue la buena campaña de promoción que tuvo. «El general que se convirtió en esclavo, el esclavo que se convirtió en gladiador, el gladiador que desafió a un imperio» o  «Mi nombre es Máximo Décimo Meridio, comandante de las tropas del norte, general de las legiones Félix, leal servidor del verdadero emperador, Marco Aurelio. Padre de un hijo asesinado, marido de una mujer asesinada, y alcanzaré mi venganza, en esta vida o en la otra». (En versión original: «My name is Maximus Decimus Meridius, Commander of the Armies of the North, General of the Felix Legions, loyal servant to the true Emperor, Marcus Aurelius. Father to a murdered son, husband to a murdered wife. And I will have my vengeance, in this life or the next»).

En el prólogo a la película en VHS Eduardo Mendicutti afirma que el diseño de producción, el trabajo del director y la labor de los intérpretes consiguieron hacer un híbrido de clasicismo y posmodernidad.

Estrenada el 5 de mayo de 2000, Gladiator fue un éxito tanto por la crítica como del público y contribuyó al breve resurgir del cine épico histórico. La película recibió numerosos premios y nominaciones, incluidos cinco Óscar en la 73º edición de la Academia estadounidense entre los que se destaca el de mejor película y mejor actor para Crowe, así como al vestuario, sonido y efectos visuales.

Obtuvo igualmente dos globos de oro a la Mejor película drama y a la mejor banda sonora, además de otras cinco nominaciones.  Los cuatro Bafta a la mejor película, fotografía, montaje y diseño de producción con una friolera de 14 nominaciones y dos premios de la National Board of Review al mejor diseño de producción y al actor secundario.

Otros premios fueron los American Cinema Editors a la mejor edición (Best Edited Feature Film) de un film dramático, el premio de Asociación de Directores de Arte (Art directors Guild) y del Círculo de críticos de cine de Londres  premió a Russell Crowe en el 2000 como actor del año.

Gladiator se estrenó en 2938 salas de cine de Estados Unidos y recaudó 34,83 millones de dólares en su primer fin de semana. En dos semanas su recaudación en la taquilla norteamericana sobrepasó los 103 millones de dólares. Fue una de las películas más taquilleras del año 2000 y recaudó en todo el mundo más de 457 millones de dólares.

El enorme éxito de la película propició el resurgimiento del interés por la antigua Roma, lo que el periódico The New York Times apodó como «efecto Gladiator».

Los escritores y editores lo llamaron «efecto Gladiator». Al esnob que llevamos dentro le gusta pensar que siempre son libros los que luego generan películas, pero en este caso, son las películas (caso de Gladiator) las que han creado el interés en la antigüedad.

Aumentó las ventas de los libros como Cicero: The Life and Times of Rome's Greatest Politician y la traducción de Gregory Hays de Meditaciones, de Marco Aurelio, aumentaron enormemente tras el estreno de la película.

El filme de Scott también recuperó el género péplum, el cine épico histórico, en que el que encuadran películas posteriores como Troya, El rey Arturo, Alejandro Magno, 300, El reino del Cielo (Kingdom of Heaven)  del mismo Scott o Robin Hood (estas dos últimas dirigidas por el propio Ridley Scott y en este caso con Russell Crowe).  

El personaje Máximo fue colocado en el puesto 12º en la lista de los 50 mejores héroes y villanos elaborada por la revista británica Total Film en el lugar 35º entre los 100 mejores personajes del cine escogidos por la revista Empire^.

La película, la más premiada en ese año del milenio,  fue estrenada en DVD el 20 de noviembre de 2000.La versión que he visto es correspondiente a la colección La Historia más grande jamás contada en formato VHS que publicó el diario “El mundo” en  el año 2001 y que  aparece con el prólogo de Eduardo Mendicutti.