La lista negra de Callaham

Película menor de Clint "Harry" Eastwood, aunque dirigida por Buddy Van Horn, en la despedida de su personaje, con un aspecto que apuntaba ya a ser un hombre maduro, pero ochentera al máximo, en la música de Lalo Scrifin, especialmente, a la que se añade la música de Gun´s & Roses y su " Wellcome to the jungle" pero también en el tono y en la estética. 

Con un Eastwood que sentencia en este caso con una frase mítica "Las opiniones son como los culos, todo el mundo tiene uno " siempre contundente por esas calles de San Francisco que reconozco cuando las veo y que me hicieron disfrutar de lo lindo. Como señala el gran @fautianovich "la más floja de la saga", pero con Jim Carrey y, yo añado, un Liam Neeson cn coleta y pinta de culpable.

La película está dirigida por Buddy Van Horn director que asumió varios proyectos de Malpaso como La Gran Pelea o El Cadillac Rosa. La película está producida por David Valdés y respaldada por Malpaso Productions y con la distribución de la Warner Bros. Pictures. Contó con un presupuesto de $ 31 millones.

La película sigue el guion escrito por Steve Sharon siguiendo el personaje creado Julian Fink por el mismo , Durk Pearson y Sandy Shaw. La música estuvo compuesta por Lalo Schifrin , mientras que la fotografía fue de Jack N. Green y el montaje de Ron Spang y Joel Cox .

La película está protagonizada por   Clint Eastwood como el inspector Harry Callahan , Patricia Clarkson como la periodista Samantha Walker,  Liam Neeson como el director de cine de terror Peter Swan , Evan C. Kim como el inspector Al Quan , David Hunt como Harlan Rook , Michael Currie como Capitán Donnelly , Michael Goodwin como el teniente Ackerman , Jim Carrey como Johnny Squares , Anthony Charnota como el mafioso Lou Janero , Ronnie Claire Edwards como Molly Fisher , Louis Giambalvo como Gus Wheeler , Diego Chairs como Butcher Hicks , Charles Martinet como el reportero de la estación de policía , Patrick Van Horn como reportero de la autopista, Shawn Elliott como Chester Docksteder , Bill Wattenburg como Nolan Kennard , Marc Alaimo como uno delos dos guardaespaldas,  Justin Whalin como Jason y  Harry Demopoulos como médico en el hospital . 

Igualmente aparecen los miembros de la banda de hard rock Guns N 'Roses que hacen cameos sin acreditar en el funeral de Johnny Squares así como durante el rodaje de una "escena de pesadilla" en los muelles, donde el guitarrista Slash dispara un arpón a través de una ventana y Swan le riñe por su falta de profesionalidad. Señalar que The Dead Pool es la única película de Harry el sucio en la que no aparece Albert Popwell . No estuvo disponible debido a un conflicto de programación con la filmación de Who's That Girl . 

La película comienza con unas imágenes nocturnas de la ciudad de San Francisco en la que se reconocen algunos de los principales edificios como la torre triangular de Panamerican, el depósito de la colina, los distintos puestes como el de Oakland al otro lado de la Bahía y la autopista cuando estaba sobre el área del Embarcadero hoy afortunadamente desaparecida.

Tras esto vemos como alguien en una casa va rellenando una lista en la que se van sumando nombre de personajes famosos vinculados con la ciudad , entre ellos de algunos que van saliendo por televisión. Entre los que aparecen está el de inspector Harry Callahan (Clint Eastwood) que sale en las noticias al hilo de la condena de un jefe mafioso, Lou Janero ( Anthony Charnota) que acaba de ser llevado a la prisión. 

Tras su intervención ante las cámaras , muy a su pesar, Callahan se ha vuelto famoso y es un objetivo para los hombres de Janero, así como de los medios de comunicación, a los cuales el inspector desprecia profundamente. 

Poco después Callahan es asaltado por dos coches en la carretera que lo inmobilizan y el resultado es que mata a cuatro atacantes durante una emboscada. Dado lo ocurrido el Departamento de Policía de San Francisco - SFPD- dirigido por el Capitán Donnelly  (Michael Currie ) y el Teniente Ackerman (Michael Goodwin) asigna ai inspector  de origen chico Al Quan (Evan C. Kim) como su compañero; Callahan le aconseja que lleve un chaleco antibalas , ya que sus socios suelen morir. 

La pareja investiga en primer caso que hemos visto en su desarrollo. El fallecido es el cantante de rock Johnny Squares (Jim Carrey), por unasobredosis fatal de heroína cuando se ncontrada en su tráiler tras el rodaje de una película de terror dirigida por un director especialista en el género, Peter Swan (Liam Neeson) en el Puerto de San Francisco . 

La muerte de Squares, una música de éxito y un conocido drogadicto,  no fue una sobredosis típica, sino un asesinato como vemos. La llegada de la policía con Callagham a la cabeza atrae a un grupo importante de periodistas sensacionalistas a los que el inspector de la ciudad californiana odia a muerte. Entre ellos está la periodista  Samantha Walker ( Patricia Clarkson) que va a la zona con su camarografo . Harry Callaham que no soporta ver la presión que se ejerce sobre la rubia novi de Squares reacciona tirando la cámara, destrozándola. Tras esto entrevista al directr Swan que sigue sin freno el rodaje de su película.  

Poco después cuando Al Quan y Harry se encuentran en Chinatown son testigos de un asalto en el interior de un local. El salto acaba con varios muertos por parte de Harry. Entre los que mueren está Dean Madison, productor ejecutivo de Swan, durante el robo de un restaurante en Chinatown . Callahan mata a cuatro de los ladrones y Quan captura al quinto. 

Descubren una lista en el bolsillo de Madison con los nombres de Callahan y Squares. Se revela que Madison y Swan son participantes en un juego de " the dead pool ", en el que los participantes predicen las muertes de celebridades en el área de la Bahía : ya sea por accidente, violencia o causas naturales. 

Poco después la que muere es la crítica de cine Molly Fisher, también en la lista de Swan, asesinada por un intruso que dice ser Swan, lo que causa pánico entre las celebridades sobrevivientes y convierte a Swan en sospechoso. 

Después de que Callahan destruyese la cámara de  televisión del compañero de la peroodista Walker, es obligado por sus siperiores a cooperar con la reportera Samantha Walker ( Patricia Clarkson ) para evitar una demanda; si acepta tener un perfil duro de su controvertida carrera, se retirará la demanda. 

Callahan ve esto como una estratagema para aprovechar el peligro que corre por su valor de la llamada "lista negra". Sin embargo, tras una mala experiencia en el primer encuentro , y una segunda mejor en el segundo y después de una cena ambos vuelven a atentar contra el inspector. Apesar de la violencia del ataque ambos sobreviven a otro ataque de los hombres de Janero, el incidente y su propia falta de voluntad para ser objeto de cobertura de noticias hacen que la periodista Walker reconsidere los peligros a los que se enfrentan los agentes de policía frente al necesario derecho del público a saber. 

Mientras tanto, en la prisión estatal de San Quentin , Callahan usa a un asesino múltiple de inmensa proporciones conocido  Butcher Hicks (Diego Chairs  )  para amenazar a un Janero encarcelado si algo le sucede. Janero pone fin a los ataques y asigna dos hombres a Callahan como sus guardaespaldas personales que descubre en Embarcadero tras salir a correr por ese espacio. 

Poco después la periodista y el inspector reciben una llamada. Un hombre que dice llamarse Gus Wheeler (Louis Giambalvo ), asume  la responsabilidad de los asesinatos en serie ligados a la "Lista negro". Además se ha empapado de gasolina y amenaza con prenderse fuego. Wheeler no es el asesino, sino un buscador de atención desesperado por aparecer en televisión. Walker frustra su plan al negarse a filmarlo, pero Wheeler se prende fuego accidentalmente, aunque Callahan lo salva. 

Impresionados por su negativa a explotar a Wheeler, Callahan y Walker se vuelven más cercanos. Mientras tanto, el director Swan, al que hemos visto rodando algunas escenas en el área portuario de San Francisco, reconoce que el también juega a"la lista negro" como parte de su equipo. No obstante,  le cuenta a Callahan y Quan una historia sobre un guionista y una aficionado a sus películas de nombre  Harlan Rook (David Hunt ). Se trata de un fan trastornado que sufre de " esquizofrenia " que cree que el director Swan le robó sus ideas y su trabajo; Swan tiene una orden de alejamiento en su contra. 

Descubrimos , efectivamente, que Rook mata al presentador del programa de entrevistas Nolan Kennard, otra persona en la lista negra, usando un auto controlado por radio lleno de explosivo debajo del vehículo de la víctima en un área residencial cercano al área de Presidio y con el Puente sobre la Bahía en un punto cercano. Cuando llega Callahan encuentra una rueda de coche de juguete en la escena del crimen. 

Poco después al salir de una vivienda del área residencial ve otro coche de juguete siguiéndolo a él y a Quan. Reconociendo la amenaza, huyen por la ciudad perseguidos por el coche y el propio Rook. como su de la persecusión de Bullit se tratara.

Atrapado en un callejón, Rook envía el coche armado. Callahan puede retroceder lo suficiente para que el motor se lleve la mayor parte de la explosión. Ambos sobreviven, pero Quan se ha roto las costillas. 

Por su parte, Rook, que dice ser Swan, llama a Walker a la estación de televisión y la invita al estudio de cine de Swan para una entrevista. La policía descubre en el apartamento de Rook carteles rotos de las películas de Swan, grandes cantidades de explosivos y el nombre de Walker reemplazando al de Callahan en la lista de muertos. 

En el estudio, Callahan se enfrenta a Rook que retiene a Walker como rehén. El detective entrega su mítico revólver Magnum después de que Rook amenaza con cortarle la garganta. 

Callahan atrae a Rook a un muelle después de una persecución durante la cual Rook le dispara con su propia arma. Rook se queda sin municiones y Callahan dispara a Rook con un cañón de arpón Svend Foyn , empalándolo, como ocurría en una de las escenas de la película de Swan. Así acaba la historia del asesino en serie. Callahan se va con Walker cuando llega la policía y tras eso acaba la película sobre el Embarcadero. 

The Dead Pool se filmó en febrero y marzo de 1988 en distintos espacios de la ciudad de San Francisco.  Sobre el retorno de uno de sus míticos personajes, Eastwood cuando le preguntaron por volver a protagonizar otra película de Harry el sucio declaró "Es divertido, de vez en cuando, tener un personaje al que puedes volver. Es como volver a visitar a un viejo amigo que no has visto en mucho tiempo. Te imaginas 'Yo' Regresaré y veré cómo se siente ahora con respecto a las cosas '". 

Una de las escenas más famosas cuando Callahan es perseguido por las calles de San Francisco en su coche patrulla, un Oldsmobile, por un automóvil por control remoto - R / C -  en miniatura (ensamblado y controlado por Rook) que contiene una bomba  el director Van Horn contrató al campeón del mundo todoterreno de 1985Conductor de R / C Jay Halsey. Al principio, Van Horn no estaba seguro de si el RC10 podría seguir el ritmo del Oldsmobile, por lo que para la escena en la que ambos vehículos parten desde la cima de la colina, el director permitió que ambos coches arrancaran juntos. Como resultado, el RC10 superó al Oldsmobile, por lo que la escena tuvo que volver a filmarse con el Oldsmobile llegando al final primero. En un momento de una escena donde los autos interactúan, el RC10 salta sobre el Oldsmobile, aterriza y luego procede al final de la calle para esperar al Oldsmobile. Una escena, en la que solo se requería que Halsey condujera el RC10 a toda velocidad hasta donde se iba a detonar la bomba, requirió más de una semana para filmar. Se utilizó un triciclo motorizado con una cámara montada a nivel del suelo para filmar en primer plano el RC10 en acción.  Los efectos de sonido del motor para el motor eléctrico RC10 se agregaron en la postproducción. 

Las escenas de persecución tienen muchas similitudes con la famosa persecución de coches en la película Bullitt de Steve McQueen , que Eastwood ha dicho que era su parte favorita de la película de McQueen. La necesidad de cerrar varias calles de la ciudad continuamente concurridas significaba que las secuencias tienden a saltar de un distrito a otro, al igual que las escenas similares en la película de McQueen, lo que genera una serie de errores de continuidad que se pasan por alto fácilmente durante las escenas de ritmo rápido. , al igual que las escenas de persecución en motocicleta en la segunda película de Harry el Sucio ("Magnum Force") saltaron, pero rara vez se mencionan.

La película consiguió en taquilla $ 37,9 millones poca más de lo invertido, pero fue la más floja de la serie y la menos rentable de las cinco películas de la franquicia Dirty Harry. 

En cuanto a la banda sonora decir que la canción " Welcome to the Jungle " de Guns N 'Roses aparece como el tema principal de la película de Swan, como se usa en una escena durante la filmación donde Johnny Squares está sincronizando los labios. La banda puede verse como extras durante la escena del funeral. El tradicional tema del final de Harry el sucio (también llamado "Tema de Harry", "Tema triste" y con letra "Este lado de la eternidad") recibió una producción orquestal completa de Hollywood.

Cuando el incombustible Eastwood fue cuestionado por si el personaje de Dirty Harry regresaría a inicios de este milenio, en 2000, habló en broma sobre las posibles secuelas: "¡ Harry el sucio VI ! Harry está retirado. Está parado en un arroyo, pescando con mosca. Se cansa de usar la caña, y BA-BOOM! O Harry está retirado, y atrapa chicos malos con su andador? 

En cuanto a la crítica señalar que Roger Ebert del Chicago Sun-Times y en rogerebert.com escribió que era "tan buena como el 'Harry el sucio' original", y ofrece muchos ángulos nuevos y tiene muchas cosas que decir (...). El crítico elogió como "inteligente, rápida y hecha con verdadero ingenio ".     

Gene Siskel del Chicago Tribune la calificó como "el segundo mejor de la serie, solo superado por el original de 1971", explicando que "donde han estado las secuelas anteriores sobre todo ráfagas de armas severas, 'The Dead Pool' es un thriller con ingenio, humor y tensión. 

Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader defiende que "El resultado es un thriller episódico que tiene sus momentos, pero que acaba convirtiéndose en algo aburrido que sigue la fórmula" 

Vincent Canby de The New York Times escribió que la película "posee un par de buenos chistes, pero nada puede disimular el hecho de que es una minipelícula acompañada de una figura mítica". 

En Variety se publicó que "Desde el original en adelante, Harry siempre ha sido un personaje de fantasía, pero sus historias han sido envolventes. Aquí, permanece absurdamente separado de la realidad en una historia extremadamente coja que se tambalea de un tiroteo a otro".  Y concluye diciendo que "No es la película más brillante de las de Dirty Harry, pero es igual de invencible."  

Michael Wilmington de Los Angeles Times escribió: "Junto con 'Enforcer' de 1976, 'The Dead Pool' está entre las más débiles de toda la serie 'Dirty Harry'. Con su historia estilizada y casi sin estilo dirección, a veces se asemeja a un acto de malabarismo con mazos ". 

En las páginas del The Washington Post Desson Thomson en  considera que  "Si no eres fan de Clint, (y reconozcas, ¿quién no lo es?),  hay pocas otras razones para sentarse a ver este. Eastwood, quien ha tenido preocupaciones mucho mayores recientemente, como dirigir una película sobre el gran jazzista Charlie Parker, parece contento de marcar el tiempo. Y recoger otro cheque ". 

Tony Sloman de Radio Times dijo de ella que era "Un thriller flácido, tonto y sádico en el que algunas celebridades menores son asesinadas de forma perversa (...)"

Ya en España Miguel Ángel Palomo en  El País dijo de ella que  "Lejos de ser una gran obra, desarrolla de modo más que eficiente una intriga eficaz (...) una convincente espectáculo"  

Por  mi parte decir que esta película no aporta nada a la saga de Harry el sucio que comenzó en 1971, con razón fue la última . No obstante puedes pensar lo contrario, pues como dice Callaham: "las opiniones son como los culos: todos tenemos uno". 

 

Amundsen

 

Desconocía que la película Amundsen se presentó como la primera película climáticamente positiva del planeta. De todas maneras desde ya diré que me ha dejado frio y lo que es peor, indiferente. Sin embargo, para mi sorpresa existe una película en cine mudo sobre el viaje al polo sur de Roald Amundsen e igualmente me he enterado gracias a ella que Sean Connery interpretó a Roald Amundsen en una película coporducida entre la URSS, Italia y Gran Bretaña titulada The Red Tent (1969) junto al director y actor Nikita Mikhalkov. 

Habrá que reconocer que Roald Amundsen fue el último gran explorador. Fue el primer hombre en llegar al Polo Sur y en atravesar el imposible Paso del Noroeste y fue uno de los grandes héroes de la exploración ártica. Pero tal y como descubrimos en la película también fue un hombre ambicioso en extremo y egoísta, dispuesto a todo, sacrificando a sus hombres incluso a su familia, especialemnte según la película a su hermano, con tal de satisfacer su obsesión de ser el primero. La personalidad de Amundsen era del estilo de: “Si no estás conmigo, estás contra mí”. Eso es para algunos de sus compañeros era un hombre digno de admiración y casi de adoración. Para algunas mujeres, especialmente para las casadas como muestra la película tenían un punto de magnetismo. Para otros un psicópata sin capacidad de empatía. Para unos un héroe, para otros un bufón. Lo cierto que algunos hombres le entregaron sus vidas. 

Amundsen es una película dirigida por Espen Sandberg, responsable de alguna entrega de "Piratas del Caribe", pero que también dirigió esa aventura en el Pacífico, otro sueño noruego, que fue "Kon-Tiki"y algunos episodios de la serie "Marco Polo".

La película noruega por los cuatros costados, aunque remendada por otros países , pues está en régimen de coproducción como son además de Noruega, Suecia y República Checa por medio de las productoras SF Studios, Motion Blur Films- la productora , comprometida con la Acción Climática. y que en esta película anunció que la había hecho teniendo en cuenta medidas para evitar las emisiones de GEI. Además, han compensado el doble de la cantidad de GEI asociadas con la producción- , Espen Horn- siendo este el productor oficial- , Film Kolektiv, Film I Väst, Filminvest AB . 

La película parte del guion de Ravn Lanesskog y cuenta con la música de Johan Söderqvist y la fotografía de Pål Ulvik Rokseth. La edición a dos manos estuvo liderada por Perry Eriksen y Martin Stoltz. 

En el reparto aparecen Pål Sverre Hagen como Roald, Christian Rubeck como Leon, Katherine Waterston como una de sus amantes Bess Magids, Fridtjov Såheim como Hjalmar Johansen, Mads Sjøgård Pettersen como Helmer Hanssen, Ole Christoffer Ertvåg como Hjalmar Riiser-Larsen, Jonas Strand Gravli como Leif Dietrichson, , Trond Espen Seim como Fridtjof Nansen, Ida Ursin- Holm como Kiss Bennett, Herbert Nordrum como Kristian Presterud, Glenn Andre Kaada como Oscar Wisting, Kenneth Åkerland Berg como Sverre Hassel, Ted Otis como Lincoln Ellsworth. junto a ellos aparecen Adrian Lukis, Eirik Evjen y Luca Calvani. 

La película parte de los momentos finales que se suponen van a poner fin la vida del legendario explorador noruego Roald Amundsen (1872-1928), un hombre que estuvo obsesionado con conquistar las zonas polares. 

Vemos como su aeroplano va sobrevolando la banquise ártica, pero el frío provocará que los aparatos vayan fallando sistemáticamente y finalmente se paraice en vuelo. El piloto y los dos acompañantes que van en los asientos traseros, uno de ellos, Roald Amundsen (Pål Sverre Hagen ) ven como el avión se pone a planear y cae finalmente entre el Mar y la Banquise. 

Resultado de la caída es la muerte del piloto, así como heridas graves en la pierna del acompanante del mítico noruego. El ambicioso explorador noruego Roald Amundsen cunado escucha a su compañaero que no puede mover las piernas le dice que no se preocupe que en poco tiempo dejarán de dolerle. 

Tras esto la historia pasa a Noruega y en ese momento ante la noticia de la desaparición de Roald Amundsen descubrimos que su hermano Leon (Christian Rubeck ) decide ir a la casa propiedad de Roald. Cuando entra y pasea en la oscuridad de la misma es atacado por una sombra que resulta ser la de Bess Magids (Katherine Waterston ), una chica canadiense y la nueva compñaera sentimental de Roald. 

Es un fuerte encuentro el que tienen Bess y Leon. Éste  le pregunta si su hermano le había hablado de él, pero Bess le dice que no. Es así como Leon nos acerca al pasado del explorador que quiso realizar una expedición al Ártico Polar antes de que lo hicieran los británicos. 

Leon comenta como los Amundsen eran cuatro hermanos aunque entre ellos únicamente existió relación entre Roald y Leon. Ambos nacieron en una familia de armadores y capitanes noruegos en Borge , entre las ciudades de Fredrikstad y Sarpsborg . 

Su padre un hombre que pasaba largas temporadas en el mar era Jens Amundsen. Tras uno de sus viajes les trajo a sus dos hijos menores una lámpara con forma de globo terráqueo. Fue en ese momento cuando a Roald se le ocurrió preguntar que había en los dos polos, el único mundo hasta ese momento desconocido. 

Desde ese momento para Roald el frío y los polos son una obsesión. Roald se da baños en hielo para acostumbrarse a las bajas temperaturas. Más aún todo se ilusión se alimenta igualmente de los relatos de Sir John Franklin sobre sus expediciones por tierra al Ártico. 

Tras la muerte de su padre en alta mar y de su madre, Hanna Sahlqvist, Roald - el cuarto hijo de la familia- y Leon , el que le antecedía se lanzan a programar sus aventuras polares. Lo sorprendente es que la ilusión es de los dos hermanos, pero Roald pasa a ser el hombre de acción y Leon el programador y financiador de los viajes. En principio, sus ojos están puestos en el Paso del Noroeste. 

Pero a las primeras de cambio Roald se suma a otras expediciones que le van a proporcionar grandes experiencias. Estuvo en la primera expedición que invernó en la Antártida - una expedición belga dirigida por Adrien de Gerlache- pasando el invierno frente a la isla Alexander . Allí y gracias al médico de la expedición, el estadounidense Frederick Cook, conoció cómo combatir el escorbuto cazando animales y alimentando a la tripulación con carne fresca y la importancia de la vitamina C. 

También a su experiencia se suma que en 1903, Amundsen dirigió la primera expedición que atravesó con éxito el Paso del Noroeste de Canadá entre los océanos Atlántico y Pacífico con una pequeña expedición de seis hombres en un barco pesquero de 45 toneladas , Gjøa. 

Durante esta expedición, Amundsen y la tripulación aprendido de la población aborigen local, los netsilik inuit acerca del Ártico y las habilidades de supervivencia. Aprendió a usar perros de trineo para el transporte de mercancías o como alimento y a usar pieles de animales en lugar de parkas de lana pesadas, que no podían protegerse del frío cuando estaban mojadas. 

En 1905 tras la disolución de la Unión entre Noruega y Suecia decide buscar amparo y protección en el nuevo rey del país, Haakon VII , la noticia de que atravesar el Paso del Noroeste "fue un gran logro para Noruega".  

Tras esto pone su objetivo en el Polo Norte como propone a su financiador, Fridtjof Nansen, ya que tiene problemas de financiación, al que le pide su barco, el Fram , y en la Sociedad Geográfica de Londres donde se entera de la expedición de Robert F. Scott. 

Los Amundsen van preparando la expedición. Uno, Leon, se centra en la parte financiera mientras que Roald lo hace en la selección de sus hombres. Con todo preparado parte de Oslo anunciando que va al Polo Norte, pero se dirige al sur el 3 de junio de 1910.

En la isla de Madeira , Amundsen alertó a sus hombres de que se dirigían a la Antártida y envió un telegrama a Scott: "Pídale que le informe que Fram se dirige a la Antártida - Amundsen". 

Comienza así la carrera entre Amundsen y Scott, aunque éste llevaba cuatro años preparando su expedición. Casi seis meses después, la expedición llegó al borde oriental de la plataforma de hielo de Ross (entonces conocida como "la Gran Barrera de Hielo"), en una entrada grande llamada Bahía de las Ballenas , el 14 de enero de 1911. 

Amundsen estableció su campamento base allí. , llamándolo Framheim. Allí aplica sus conocimiento por experiencias anteriores . Utilizando esquís y trineos tirados por perros para el transporte, Amundsen y sus hombres crearon depósitos de suministros . Amundsen planeaba matar a algunos de sus perros en el camino y usarlos como fuente de carne fresca. 

Un pequeño grupo, que incluía a Hjalmar Johansen , Kristian Prestrud y Jørgen Stubberud , partió el 8 de septiembre, pero tuvo que abandonar su caminata debido a las temperaturas extremas tras una ventisca. La dolorosa retirada provocó una pelea dentro del grupo, esoecialmente entre Johansen y el lider de la misma. El primero echa en cara que no se puede abandonar a un ompañero y menos en estas circunstancias.

Amundsen envió a Johansen y a los otros dos hombres a explorar la Tierra del Rey Eduardo VII. Un segundo intento, con un equipo de cinco formado por Olav Bjaaland , Helmer Hanssen , Sverre Hassel , Oscar Wisting y Amundsen, partió del campo base el 19 de octubre. 

Llevaron cuatro trineos y 52 perros. Usando una ruta a lo largo del glaciar Axel Heiberg previamente desconocido , llegaron al borde de la meseta polar el 21 de noviembre después de una escalada de cuatro días.

Tras pasar por alguna dificultad y comerse un grupo importante de animales, el equipo y 16 perros llegaron al polo el 14 de diciembre, un mes antes que el grupo de Scott que había seguido la ruta de Shackleton . Tras colocar la bandera de Noruega, dejaron una pequeña tienda y una carta en la que declaraban su logro, en caso de que no regresaran a salvo a Framheim. 

El equipo llegó a Framheim el 25 de enero de 1912, con 11 perros supervivientes. Salieron del continente y tras el anuncio de Amundsen de su éxito en la primavera de 1912, telegrafió a sus patrocinadores. Tras ser recibidos por la Real Sociedad Geográfica descubre la animadversión de algunos que consideran su expedición como la de unos salvajes, alejada de la nobleza de la expedición de Scott. 

De cualquier manera allí conoce a una de sus amantes, la mujer del multimillonario Bennett , Kiss , (Ida Ursin- Holm) una compatriota con la que inicia un romance que se mantiene en el tiempo. Vemos que desde ese momento Amundsen se endiosa y comienza a separarse de su hermano que sigue buscando financiación. También consecuencias hay con respecto a algunos de sus hombres como Johansen que se suicida al saber que no ha podido cumplir su sueño siendo posiblemente el hombre más capacitado de todos. 

En 1918, una expedición que Amundsen comenzó con un nuevo barco, el Maud , duró hasta 1925. La intención era demostrar como la teoróa de Fridtjof Nansen que postulaba que las corrientes marinas confluían en el polo norte. Para ello había que ir cruzando el hielo de oeste a este a través del Pasaje del Noreste . 

Con él en esta expedición estaban los veteranos en el sur Oscar Wisting y Helmer Hanssen. El plan era navegar a lo largo de la costa de Siberia y adentrarse en el hielo más al norte y al este que Nansen. Amundsen planeaba congelar el Maud en la capa de hielo polar y derivar hacia el Polo Norte, como había hecho Nansen con el Fram , y lo hizo frente al cabo Chelyuskin . Pero, el hielo se volvió tan espeso que el barco no pudo liberarse. 

En septiembre de 1919, la tripulación sacó el barco del hielo, pero se congeló nuevamente después de once días en algún lugar entre las islas de Nueva Siberia y la isla de Wrangel . Durante este tiempo, Amundsen sufrió una fractura en el brazo y fue atacado por osos polares.

Después de dos inviernos congelados en el hielo, sin haber logrado el objetivo de derrapar sobre el Polo Norte, pero con contacto con tribus de Siberia, Amundsen decidió ir a Nome en Alaska para reparar el barco y comprar provisiones. 

Algunos miembros de la tripulación en tierra allí, incluido Hanssen, no lograron cumplir sus objetivos. Aunque especialmente dolorosa es la pérdida de Peter Tessem y Paul Knutsen, dos tripulantes enviados en misión por Amundsen. 

Durante el tercer invierno, Maud se congeló en el estrecho de Bering occidental. Finalmente quedó libre y la expedición navegó hacia el sur, llegando a Seattle.Amundsen regresó a Noruega, necesitando poner sus finanzas en orden. Se llevó consigo a dos niñas indígenas, una de cuatro años que adoptó, Kakonita, y su compañera Camilla, como relata Leon. Sin embargo, cuando Amundsen quebró dos años más tarde, envió a las niñas al cuidado del padre de Camilla, que vivía en el este de Rusia. 

En junio de 1922, Amundsen regresó a Maud , pero viendo el volar de una gaviotas y la adaptación a los nuevos tiempos decidió cambiar de la planeada expedición naval a las aéreas, y decidió alquilar un avión. Dividió al equipo de la expedición en dos: una parte, dirigida por él, debía pasar el invierno y prepararse para un intento de volar sobre el polo en 1923. Es en este momento cuando entra en contacto con su nueva amante, Bess , una vez que Kiss lo ha abandonado a pesar de haber entregado la titularidad de sus propiedades a ella. Es desde ese momento la que relata la historia. 

El segundo equipo en Maud , bajo el mando de Wisting, debía reanudar el plan original. a la deriva sobre el Polo Norte en el hielo. El barco estuvo a la deriva en el hielo durante tres años al este de las islas de Nueva Siberia, sin llegar nunca al Polo Norte. Finalmente fue incautado por los acreedores de Amundsen como garantía de su creciente deuda. 

El intento de 1923 de sobrevolar el Polo fracasó. Amundsen y Oskar Omdal , de la Marina Real de Noruega , intentaron volar desde Wainwright, Alaska , a Spitsbergen a través del Polo Norte. Cuando su avión resultó dañado, abandonaron el viaje. Tras llegar como héroe a Noruega inicia la expedición que había abandonado . 

En 1925 su apuesta vuelve a ser por medio de hidroaviones llegando a la latitud más septentrional alcanzada por avión hasta ese momento. Regresaron triunfantes cuando todos pensaron que se habían perdido para siempre. Ante la noticia de que están vivos vemos como  Bess es la que hace el relato. Por otro lado, en la recepción somos testigos de la ruptura definitiva entre los dos hermanos. 

En 1926, Amundsen y otros 15 hombres (incluyendo Ellsworth, Riiser-Larsen, Oscar Wisting, y la tripulación aérea italiana dirigido por el ingeniero aeronáutico Umberto Nobile hicieron la primera travesía del Ártico en el dirigible Norge , diseñado por el Nobile. Se salió de Spitsbergen el 11 de mayo de 1926, sobrevoló el Polo Norte el 12 de mayo y aterrizó en Alaska al día siguiente. 

A pesar de los consejos de su círculo más próximo, Amundsen decide emprender un viaje de rescate cuando se informó de la desaparición de Nobile y su equipo en el dirigible Italia. En este operación cuando Amundsen desapareció el 18 de junio de 1928 mientras volaba en una misión de rescate en el Ártico. Vemos su cuerpo recibiendo el frío. Desparecía así el hombre que conquitó sus sueños, pero que lo hizo a costa de otros. Nace el héroe, aunque hemos descubierto un hombre frío y nada empático. 

La película se rodó en Noruega, Islandia y la República Checa. 

La película fue estrenada el 15 de febrero de 2019 en Noruega, y distribuida en Noruega por SF Studios. El 15 de enero de 2019, Variety informó que se "esperaba que Amundsen fuera el mayor lanzamiento noruego de 2019". 

Sin embargo, muchos "críticos noruegos han criticado la película" debido a su amplitud de detalles y su enfoque superficial. También ha recibido críticas por su aparente similitud con secciones de una biografía escrita por Tor Bomann-Larsen . 

Bernhard Ellefsen en Morgenbladet creía que "Lo mejor de la película sobre Roald Amundsen es que el explorador polar aparece como algo parecido al imbécil que era". 

Birger Vestmo de NRK dijo que, aunque bellamente filmados, los críticos creen que los personajes retratados en la película se transmiten como demasiado fríos y rígidos para interactuar con ellos. 

El director en una entrevista recogida por La Razón señaló que "Estudiamos más de 35 libros, cientos de cartas y trabajamos de cerca con dos museos en Oslo dedicados al trabajo de Amundsen. En la película se incluye mucha información nueva basada en la reciente investigación realizada por esos museos. Vivo cerca del Museo del Fram (el barco en el que Amundsen navegó al Polo Sur) en Oslo y después de visitarlo quedé fascinado con este hombre y con lo poco que sabía de él como persona. La historia se volvió más y más interesante mientras más leía al respecto. Quise entender cómo un hombre tan exitoso pudo terminar solo y casi amargado, en conflicto con tanta gente. Creo que en ello hay una lección para todos nosotros". 

Igualmente señaló que quiso contar la historia de Amundsen desde la perspectiva de su hermano "porque me permitía fabricar el encuentro entre él y la prometida de Amundsen, en el que estas dos personas con visiones opuestas de él podían reunirse y hablar sobre quién era. También me sirvió como herramienta para poder navegar por las distintas expediciones y atarlas en términos emocionales. La historia del hermano de Roald es interesante porque nos muestra el precio que su familia tuvo que pagar. Además, es un relato desconocido para muchos, y a través de nuevas cartas y de conversaciones con su familia hemos descubierto aspectos desconocidos sobre el propio Amundsen. 

En España las críticas también van en la misma dirección que las emitidas en Noruega. Miguel Ángel Palomo en FilmAffinity señala que "El retrato dista mucho de ser complaciente. Amundsen es presentado como un titán, sí, pero también como un sujeto obsesivo y orgulloso, ególatra hasta la exasperación (…) Ensambla con dificultad las gélidas aventuras del protagonista con sus avatares personales, en especial los que vive con familiares y amigos, reposos explicativos en una trama que no los necesita (…) En las expediciones del héroe se percibe el aroma de las viejas películas aventureras, sin asomo de afectación, sino con la expresividad visual que nace del arrojo (…) " 

Antonio Weinrichter en ABC dice de ella que es una "Aburrida superproducción noruega (...) todo resulta apagado e inerte (...) la película falla como ficción y no se entrega a fondo como documental: ustedes mismos. (…) " 

Nando Salvá en El Periódico destaca que "No soslaya el lado oscuro de su protagonista; en su contra (...) su decisión de cubrir tantos episodios y aspectos de la vida de Amundsen le impide profundizar en ninguno de ellos o dotarlos de intensidad dramática (…) " 

Fernando Bernal en Cinemanía dice de ella que "Se acomoda en un envoltorio casi literario que solo despierta el suficiente interés cuando incide en los rasgos psicológicos de su protagonista (…) deja como mejor recuerdo la fotografía (...)" 

En ABC Play Película biográfica sobre el histórico explorador noruego Roald Amundsen, obsesionado con alcanzar las cimas polares. Al frente del proyecto está Espen Sandberg, responsable junto a su socio Joachim Rønning de títulos como "Piratas del Caribe: La venganza de Salazar" o, especialmente, "Kon-Tiki". Tras emprender su carrera como directores por separado, Sandberg decidió reincidir en la temática de esta última cinta para narrar la historia del hombre que dirigió la expedición a la Antártida que por primera vez alcanzó el Polo Sur. Curiosamente, al igual que en el filme que narra la travesía por el océano Pacífico del aventurero Thor Heyerdahl, el papel protagonista está interpretado por Pål Sverre Hagen. Katherine Waterston ("Animales fantásticos y dónde encontrarlos") y Christian Rubeck ("Siete hermanas") completan el elenco principal." 

En un tweet de Cinezin se señala que " Amundsen, explica la historia del explorador noruego. Un film que empieza siendo una apasionante película de aventuras hasta que se estanca en un drama aburrido y frío (nunca mejor dicho). ".

A mi personalmente la película me ha interesado en lo que se refiere conocer al personaje, pero en cuanto desarrollo si eliminamos la fotografía, llegamos a la conclusión de que la narración nos deja bastante fríos, casi helados. Ya que podían haberse incluído escenas de acción , al fin y al cabo Roald apostó por ser el hombre de acción de la familia Amundsen, pero lo único que queda es el relato bastante lineal, propio de un biopic, con apenas algunas escenas de acción, cuando están a punto de caer en un serac, el accidente de avión o el ataque del oso. Tengo pendiente otra película estrenada también el pasado año, Ártico, espero que no me deje helado. 

Siete mesas de billar francés

 

En la 55ª edición del Festival de San Sebastián, 'Siete mesas de billar francés' película que presentaba Gracia Querejeta se alzó con dos premios: Mejor guion y mejor actriz (Blanca Portillo). Era un verdadero reconocimiento para la hija del PRODUCTOR, sí, en mayúscula, del cine español Elias Querejeta, como una vez me dijo en un Tweet, otro de los grandes productores del cine español, Enrique Lavigne. 

Una película interesante, bonita, que habla de la vida a varias bandas.  La directora e historiadora- es licenciada en Historia Antigua por la complu- Gracia Querejeta (''Cuando vuelvas a mi lado''), hija del también cineasta Elías Querejeta y de la diseñadora de vestuario María del Carmen Marín Maikila, ya fue niña actriz o al menos actriz adolescente en la primera película de Emilio Martínez Lázaro, las palabras de Max donde también tenía un papel que parecía mucho más mayor de lo que en realidad era. Con esta película firmó con éste su quinto largometraje para la gran pantalla (sin contar su participación en el documental de denuncia ''¡Hay motivo!'', de autoría colectiva). 

En 1992 dirige su primera película en solitario, Una estación de paso, premio especial del Jurado en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. 

A su ópera prima siguieron El último viaje de Robert Rylands y Cuando vuelvas a mi lado. En 2004 dirigió Héctor, que fue galardonada con el premio a la mejor película en el Festival de Málaga de Cine Español en mayo de 2004. Su siguiente proyecto fue este, Siete mesas de billar francés , una película con guión escrito por ella misma en colaboración con David Planell, con el que ya había trabajado en ''Héctor''. 

Tras siete mesas llegaron otras como 15 años y un día (2013), que fue Biznaga de Oro a la mejor película en el Festival de Cine Español de Málaga, Felices 140 (2015), un corto como Canasta (2018), así como Ola de crímenes (2018) e Invisibles (2020), aunque reconozco que no he visto ninguna de estos tras el estreno de esta película de 2007. 

La película que nos ha traído hasta aquí fue producida por su padre, Elías Querejeta, por medio de Elías Querejeta P.C., así como Ensueño Films, Enrique Cerezo P.C. y respaldada por Atresmedia cine. 

La película contó con la música de Pascal Gaigne y el grupo El bicho, la fotografía de Ángel Iguacel, el montaje de Nacho Ruiz Capillas, el vestuario de Maiki Marín - ¿su madre? - y el diseño de producción, Llorenç Miquel.

El reparto lo encabezan Maribel Verdú como Ángela, Blanca Portillo como Charo, Amparo Baró como Emilia la madre de Charo, Enrique Villén como el Tuerto , Ramón Barea como Jacinto, Jesús Castejón como Antonio, Víctor Valdivia como Victor, Lorena Vindel como Evelin, Raúl Arévalo como Fele, José Luis García Pérez como Fran, Natalia Mateo como Julia. 

La película comienza con la llegada a la capital de Ángela (Maribel Verdú) y su hijo Guille (Víctor Valdivia) que van en busca de su padre al enterarse de que su padre, Leo, ha caído enfermo de gravedad y está internado en el Hospital. 

Ángela, que ahora vive en Vigo, y está casada con un policía, vuelve a Madrid después de no ir a visitar a su padre en años para despedir a su padre en su lecho de muerte. Pero cuando llegan, Charo (Blanca Portillo), la amante de Leo, recibe a Ángela y a su hijo, Guille, con la mala noticia e informa de su fallecimiento además de pones a Ángela al corriente de la situación ruinosa que atraviesa el negocio de su padre: un local en el que se alinean siete mesas de billar. 

Charo comenta que Leo acabó con todo lo que había ganado gracias a un local de billares y se endeudó hasta las cejas. No hay dinero ni para pagar un entierro digno. 

Al mismo asisten sus amigos, sus pocos amigos, como son Antonio (Jesús Castejón) , Jacinto (Ramón Barea) y El Tuerto (Enrique Villén), el propietario de una tienda de calzados, un taxista y un ludópata, respectivamente, que son las únicas personas que entendían la forma de ser de Leo. 

Mientras Guille es atendida por la chica de la barra del local, una latinamericana, Evelin (Lorena Vindel ) ella se entera de la situación ruinosa de su padre. Ahora Ángela deberá decidir si renuncia a todo, pufos incluidos, o si se queda con todo, pufos incluidos. 

En principio no sabe que hacer y decide regresar a Vigo, la ciudad a la que había huido de joven. Pero al llegar descubre una nota en la que anuncia que se va, pero además se entera por parte de un amigo y compañero de trabajo de su marido (José Luis García Pérez), que él había desaparecido y que llevaba doble vida que su marido, y que además está envuelto en asuntos turbios que implican un tema de dinero e incluso el que mantiene una relación desde hace año con otra mujer con la que incluso tiene un hijo, mayor que el de ambos, Guille. Para mantener a su segunda familia, se dedicaba a la corrupción dentro de la comisaría de policía donde trabajaba. 

Visto lo visto, nada la retiene más en esa ciudad y decide volver a Madrid para reabrir el negocio junto a Charo el negocio de su padre. Charo a su vez tiene que lidiar con su pasado, estuvo en la cárcel por intento de asesinato, por una relación sentimental con el amigo de Leo, Antonio, que acabó bruscamente y con su madre Emilia (Amparo Baró), una mujer que quiere irse a vivir a una residencia y que se plantea que continuamente una pregunta vital ¿Para qué sirve un viejo?

Ángela, que llevaba años separada de su padre, es consciente de la soberbia del padre a la que se suma una historia detrás desconocida, decide entonces intentar sacarlo a flote junto a Charo. 

Para ello decide crear un equipo de jugadores de billar, el de Siete Mesas, integrado por sus amigos Jacinto (Ramón Barea) y El Tuerto (Enrique Villén) al que se suma Fele (Raúl Arévalo) sobrino de Jacinto y pintor de profesión, aficionado al billar, al que va para ver a Evelin, y capitaneado por Antonio (Jesús Castejón). Charo quedará como socio de Ángela. 

Mientras tanto las vidas de unos y de otros su cruzan a distintas bandas. Ángela tiene que resolver el final de su matrimonio con Victor (Victor Valdivia), pero igualmente saber que relación mantendrá éste con su hijo, especialmente cuando reaparezca por Madrid. 

Charo se mueve entre el recuerdo de Leo, pero su sombra es alargada, lo que le impide retomar la relación con Antonio incluso con Ángela, a la que echa en cara su alejamiento de estos años. A esto se suma su madre y su deseo de estar en una residencia. 

Por su parte entre los jugadores está presente el deseo de Fele por una Evelin casada y que anuncia que en breve llegará el marido, la falta de respeto de Jacinto hacia su sobrino, las dudas que genera el ludópata del grupo, el Tuerto - capaz de jugárselo todo, sin pensar en las consecuencias- y Antonio que se mueve entre la lealtad a suamigo en el pasado y su deseo de iniciar una relación con Charo. 

Observador de la historia es Guille, que por un lado desea tener a su padre, pero por otro tiene temor a Charo ¿mató a alguien) y es cuidada amorosamente por Evelin, quien a su vez, ha sido engañada por su marido y su hermana, a los que enviaba el dinero. La bola va de una banda a otra y entre medias, queda la vida. 

La película rodada en Madrid . Como suele ser habitual en la directora y guionista Gracia Querejeta, la familia es fuente inagotable de descubrimientos, decepciones, alegrías y de revelaciones . De eso trata Siete mesas de billar francés, su quinta película, un drama con apuntes de comedia sobre las carambolas de la vida. En otras muchas películas de Gracia Querejeta está la presencia de ese padre ausente o la idea de un padre que se proyecta sobre una hija. Incluso, las malas relaciones entre un padre y una hija. Ese padre ausente que únicamente sale en fotografías es la que va a determinar los comportamientos y el destino no solo de su hija sino de algún otro personaje. 

Javier Ocaña en Memoria de nuestro cine cuando fue como invitado señaló que "Eso es algo que ya estaba en la ópera prima de Gracia Querejeta, en una estación de paso, y es algo que volvería a salir en Cuando vuelvas a mi lado. En Héctor, en la película de esta noche y en otra posterior, en Quince años y un día, donde además, era doble, porque ahí había un padre fallecido y un abuelo, quizá, demasiado estricto". 

La directora declaró en algún caso que "He terminado escribiendo un poco para exorcizar mis propias angustias y mis propios miedos y eso muchas veces, claro conecta en tanto que persona que conecta con muchas más personas, porque son miedos muy reales muy humanos, muy de la calle, muy normales ¿no? " 

Una sala de billar es el lugar donde transcurre la acción, es como un espacio mítico presente en el cine, ya sea americano (Buscavidas de Robert Rossen ni al Color del dinero de Scorsese)ya sea española, , pues los billares forman parte de la memoria sentimental y de la nostalgia de variadas generaciones de españoles y sehan reflejado en película como La Colmena de Mario Camus, Los chicos de Marco Ferreri o de El Crack, de José Luis Garci o Calle Mayor de Juan Antonio Bardem. En este caso lo más llamativo es que está dirigida por una mujer y protagonizada fundamentalmente por mujeres, por lo que se salen del estereotipo de género. El billar aquí es una metáfora de la vida, con personajes qué viven a varias bandas dadas las mentiras, los subterfugios, las ocultaciones. 

Blanca Portillo señaló que "Es tan difícil que alguien no se sienta de alguna manera presente en esa película, en esos personajes; está llena de encanto, de magia, de sentido del humor. Y de verdad... tiene verdad por los cuatro costados". 

Redondeando la película, destaca ese reparto coral de grandes actrices con Maribel Verdú a la cabeza acompañada por un grupo de actores y de actrices tan dotados para el drama como para la comedia como la citada Blanca Portillo, Amparo Baró - fallecida en 2015- , Raúl Arévalo, Ramón Barea, Jesús Castejón. 

Siete mesas de billar francés se presentó con éxito en el festival de cine de San Sebastián donde obtuvo los premios a la mejor actriz para Blanca Portillo y al mejor guión para Gracia Querejeta y David Planell. 

Después llegarían las diez nominaciones a los Goya entre ellas, la de mejor película consiguiendo por fin dos premios: el de mejor actriz, para Maribel Verdú y el de mejor actriz de reparto, para Amparo Baró, Mejor directora para Gracia Querejeta , para la mejor actriz protagonista para Blanca Portillo , Mejor actor de reparto para Raúl Arévalo Mejor guion original en las personas de Gracia Querejeta y David Planell, Mejor fotografía como Ángel Iguacell, mejor montaje para Nacho Ruiz Capillas y mejor sonido para el trío formado por Iván Marín, José Antonio Bermúdez y Leopoldo Aledo. 

En los Premios Forqué fue nominada a la Mejor película y en las medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos obtuvo varios premios como el de Mejor película , Mejor actriz (Maribel Verdú) siendo nominada a Mejor director (Gracia Querejeta), Mejor actriz (Blanca Portillo), Mejor actor secundario (Raúl Arévalo), Mejor actor secundario (Jesús Castejón), Mejor actriz secundaria (Amparo Baró), Mejor guion original (David Planell y Gracia Querejeta) y Mejor montaje (Nacho Ruiz Capillas). 

En la 52.ª edición de los Premios Sant Jordi obtuvo Maribel Verdú el premio a la Mejor actriz en película española. 

En cuanto a las críticas Javier Ocaña en El País escribió sobre ella que la película refleja la "Vidas a tres bandas. (...) En algún momento la historia se convierte en una sucesión de singularidades. Ahora bien, pasado ese momento de ligera caída, la película levanta el vuelo (...) último plano que resulta perfecto para el relato que se ha estado contado." 

Francisco Marinero en El Mundo sostenía que era "Una película en la que se van alternando los protagonistas para desvelar secretos que no parecen tan graves (...) extraordinarias interpretaciones de Blanca Portillo y Maribel Verdú (...)" 

Oti Rodríguez Marchante en ABC consideró que la película era "Emocional y divertida. (...) Querejeta ha hecho su película más entera cuando ha dejado penetrar en ella algo que sin ello nada es bueno: el sentido del humor. (...)" Fausto Fernández escribió hace un par de años un acertado tweet como todos los suyos en el que dice que "El esquema de la novela negra de Raymond Chandler bosquejado con trazos de costumbrismo (lo que se le daba mejor a Garci que a la irregular Gracia Querejeta) y solidaridad femenina". 

Por último, Beatriz Maldivia en Espinof, aunque cuando era blog de cine, dijo de ella que "magistral trabajo interpretativo de todo su elenco y a un guión casi perfecto. ". Y añade " Con el salón de billares como excusa y la muerte del padre como constante en su cine, Gracia Querejeta nos cuenta una historia de dos mujeres que tienen que recomenzar su vida a edades avanzadas y a las que los acontecimientos les obligarán a sacar a flote, por fin, los sentimientos que llevan escondiendo durante demasiados años. (...)".

Beatriz Maldivia concluye diciendo que " Los personajes que han creado la directora y David Planell son complejos y ricos, llenos de matices y aristas, como sólo lo son los buenos tipos cinematográficos y las personas reales. Gracias a todo esto, sentimos una enorme empatía con su historia y con las situaciones en las que se ven envueltas a pesar de que a priori, podría ser algo que nos resultase muy ajeno. Y ahí está el mérito de un buen guión: el que incluso un mundo en el que nunca pensásemos que nos podríamos ver envueltos, nos haga erizar el vello. Otro de los logros del guión es la manera paulatina en la que nos va descubriendo los secretos". Una gran y precisosa película, compuesta por bellos diálogos y profundas reflexiones sobre la vida y sobre cómo procedemos y nos equivocamos por cosas como la ambición, los silencios, las mentiras. 

¿A quién ama a Gilbert Grape?

Tras ver al padre, Geoffrey Lewis, acompañante habitual de Clint Eastwood, en buena parte de sus películas de los ochenta, he visto a la hija, Juliette Lewis en esta película que habla de una singular familia que habita en la América profunda y que está dirigida curiosamente por un sueco. La misma nos dio la oportunidad de ver a un jovencísimo Leonardo di Caprio en una actuación magistral, junto a la muy joven también chica Lewis, a Johnny Depp. 

La película se llama ¿A quién ama Gilbert Grape? , una película estadounidense del año 1993, del director sueco Lasse Hallström, en la que sería su segunda película estadounidense, al que vi en aquella película que se llamaba La pesca del salmón en Yemen, y que en el año 1994 cimentó la fama de Johnny Depp y catapultó al joven Leonardo DiCaprio, quien obtuvo nominaciones al Premio Óscar y al Globo de Oro como mejor actor secundario en su interpretación de un adolescente con discapacidad mental. 

La película está basada en la novela What's Eating Gilbert Grape?, del escritor Peter Hedges, quien adaptó el guion de su propia y homónima novela publicada en 1991 para la película. El filme plantea, como ha hecho otros directores anteriormente como en ''La última película'' de Peter Bogdanovich, la falta de esperanzas de un joven en una ciudad de la América profunda. 

La película es una producción en la que estuvieron David Matalon, Bertil Ohlsson,  Meir Teper con el respaldo de la Paramount Pictures y un presupuesto de $ 11 millones y la distribución tanto de ella como de J&M Entertainment.

La película contó con un equipo térnico principalmente sueco en el que están en la música Alan Parker junto a  Björn Isfält, la fotografía de Sven Nykvist y el montaje de Andrew Mondshein.

El elenco lo integran Johnny Depp como Gilbert Grape, Juliette Lewis como Becky, Leonardo DiCaprio como Arnie Grape, Darlene Cates como la madre Bonnie Grape,  Laura Harrington como Amy Grape, Mary Steenburgen como Betty Carver, Mary Kate Schellhardt como Ellen Grape. Junto a ellos están  John C. Reilly como Tucker Van Dyke, Crispin Glover como Bobby McBurney, Kevin Tighe como el vendedor de seguros Ken Carver y Penelope Branning es La abuela de Becky. 

La historia transcurre en el tranquilo pueblo de Endora, , un pequeño pueblo de Iowa, un lugar en el que casi nunca pasa nada. Allí es donde vive la curiosa familia Grape. 

Tras el suicidio de su padre, es Gilbert (Johnny Depp), el mayor de los hermanos, el que debe hacerse cargo de su hermano menor, que es deficiente, de sus dos hermanas y de una madre obesa, con obesidad mórbida,  que pesa más de 200 kilos agravada por la situación que vive tras el ahorcamiento del marido en el sótano siete años atrás. Gilbert Grape es el cabeza de la familia . Un carácter tímido e introvertido,  de buen corazón que adora a su hermano Arnie, aunque se siente avergonzado de su madre dado no sólo el sobrepeso, sino por haber renunciado a su funciones como madre ante la familia.  Desde entonces su madre, Bonnie ( Darlene Cates ), ha pasado la mayor parte de sus días en el sofá viendo televisión y comiendo e incapacitada de cuidar de sus hijos por su cuenta. 

Los niños de la ciudad hustán de espiar la casa de los Grape desde fuera con el objeto de ver a la madre Grape. A veces, lo hacen con el visto bueno de Gilbert, aunque esto molesta especialmente a Ellen ( Mary Kate Schellhardt )  , la hija menor de Bonnie, que les tira una fruta para que se larguen. 

La cuarta de los Grape es Amy ( Laura Harrington ), la hermana adulta de Gilbert y desde la muerte de su padre, se encarga de todas las tareas del hogar, haciendo la comida, la limpieza , mientras que Ellen Grape es la hermana adolescente de Gilbert. Se muestra caprichosa y presumida.

Gilbert actúa como si fuese el cabeza de la familia y debe asumir su monótona vida dividida entre el trabajo en un pequeño almacén, su amante que está casada y su dependiente familia en la que la atención a su hermano menor, Arnie, de 17 años es absoluta ya que tiene discapacidad intelectual.  Arnie Grape es un chico mimado por su madre, querido por una de sus hermanas, odiado por la otra y, sobre todo, apreciado por su hermano Gilbert como mejor amigo. Sufre de fuertes dolores de cabeza aunque trae de cabeza a toda la familia. Su objetivo es subir al depósito de agua de la ciudad y gusta de subir a os árboles. De hecho a Gilbert lo conocemos junto a Arnie ( Leonardo DiCaprio ),  días antes de que cumpla sus 18 años, mientras esperan que los remolques de los turistas pasen por la ciudad durante una reunión anual, la reunión del Airstreamers Club en un área recreativa cercana. 

Gilbert dispone de poco tiempo para él mismo debido a que gran parte de él lo dedica a vigilar a su hermano Arnie que tiene la costumbre de escalar la torre de agua de la ciudad, 

Gilbert Grape  trabaja como empleado de una tienda de ultramarinos, Lamson's, que vende cada vez menos ante la aparición reciente pero hegemónica de un supermercado , FoodLand, en una localidad cercana. 

Este trabajo le ha permitido mantener una aventura con una mujer casada, Betty Carver (Mary Steenburgen), muy a su pesar, pero su vida emocional y personal cambiará por completo gracias a la aparición de Becky (Juliette Lewis), una chica optimista, divertida y de espíritu libre.

Su aburrida vida  desde la llegada de Becky cambiará su rutina. Becky ( Juliette Lewis ) acaba de llegar junto a su abuela y están atrapadas en la ciudad cuando el International Harvester Travelall que tira de su remolque tiene un problema. 

Desde el primer momento Becky y Gilbert se atraen, como pueden comprobar sus dos únicos amigos el manitas local Tucker Van Dyke (John C. Reilly como  ), cuyo sueño es montar una hamburguesería en la localidad y  Bobby McBurney (Crispin Glover), que trabaja junto a su padre en la funeraria local. Sin embargo, las circunstancias que rodean a Gilbert a nivel sentimental y a nivel familiar hacen que la relación entre ambos descarrilen antes de empezar. A esto se suma el temor a que el vendedor de seguros Ken Carver (Kevin Tighe) marido de Betty, continuamente le dice que quiere hablar con él, temiendo Gilbert que saque a rekucir su relación con su esposa.

Con todo el tiempo pasa, la familia de Gilbert preparará la fiesta del 18 aniversario de Arnie, mientras que Ken le dice a Gilbert que tiene que hablar con él nuevamente. 

Tucker interviene en el sótano de la casa, el lugar en el que el padre se ahorcó. Los cimientos de la casa se resienten ahora del peso de la madre.  

Gilbert por su parte quiere pasar cada vez más tiempo con Becky. Un día está con Becky para ver la puesta de sol, pero para hacerlo Gilbert deja a Arnie solo en el baño, explicándole lo que tiene que hacer. Tras eso se va con Becky y pasa la noche junto a ella. 

Cuando regresa a casa a la mañana siguiente descubre que Arnie todavía está en el baño, tiritando en el agua fría; su culpa se ve agravada por la ira de su familia y la posterior acuafobia de Arnie. 

Un día el señor Carver le hace la oferta para su seguro de vida, pero es interrumpido por una llamada de Betty que le informa que se le ha quemado el pavo. Tras atender a su mujer, el señor Carver empieza a recriminar a la mujer y los hijos su incapacidad y lo difícil que le hacen a él la vida. Poca horas después es encontrado muerto ahogado en la diminuta piscina de plástico tras sufrir un infarto . A pesar de que está situación allana su camino con Betty su romance con ella termina cuando la viudad Carver abandona la ciudad en busca de una nueva vida. Lo último que le dice a Gilbert que está junto a Becky en el colmado es que ella renuncia a Gilbert y es "para ella sola".

Becky se vuelve cada vez más cercana tanto a Gilbert pero también a Arnie. Mientras están distraídos durante una de sus charlas, Arnie regresa al depósito de agua que siempre está tratando de escalar. Esta vez lo consigue, pero acaba siendo arrestado por la policía después de ser rescatado desde lo alto de la torre, lo que hace que su madre, que no ha salido de la casa en más de siete años, se convierta en el hazmerreír de la ciudad cuando se dirige a la estación de policía. Su mera presencia obliga a la policía a liberar a Arnie. 

Al llegar a casa, Arnie intenta huir de su baño y en su frustración, Gilbert finalmente estalla, golpeando con sus puños a Arnie varias veces. Gilbert, culpable y horrorizado de sí mismo, huye y se marcha en su camioneta. 

Arnie también sale corriendo y va con Becky, quien lo cuida por la noche y lo ayuda a superar su acuafobia hasta que sus hermanas lo recogen. 

Después de un examen de conciencia ayudado por Becky, Gilbert regresa a casa. Allí gran parte de los protagonistas de la película están celebrando el 18 cumpleaños de Arnie. Gilbert es bien recibido por sus hermanas y finalmente hace las paces con Gilbert, tras subir éste a un árbol. 

Tras eso juega como siempre con él. Después entra en la casa y  se disculpa con su madre por su comportamiento y jura no avergonzarse de ella ni dejar que la lastimen más. Ella reconoce lo mucho que se ha convertido en una carga para la familia y él la perdona. Le presenta a Becky, algo que se había mostrado reacio a hacer antes. 

Después de la fiesta, la madre de los Grape, Bonnie sube las escaleras hacia su dormitorio por primera vez desde el suicidio de su esposo. 

Más tarde, Arnie intenta despertarla, pero descubre que ha muerto. Los niños, queriendo proteger la dignidad de su madre, pues habría ue sacarla con una grúa, vacían la casa familiar de posesiones y le prenden fuego con ella dentro, quemándola a cenizas y la casa abajo. 

Un año después, las cosas han cambiado. La hermana mayor Amy administra una panadería mientras la pequeña Ellen espera cambiar de escuela. Por su parte, Gilbert espera al lado de la carretera con Arnie, que ahora cumple 19 años, que vuelvan a aparecer los remolques turísticos. Como parte integrante del convoy, Becky llega con su abuela y los recoge a ambos. 

What's Eating Gilbert Grape se rodó entre noviembre de 1992 y enero de 1993 en Texas, en varias localidades como Denton , Lockhart, Georgetown, Austin y Pflugerville fueron las ubicaciones principales, así como Manor , donde se encontraba la torre de agua que aparece en la película. Alguna escena del paisaje se rodó en Illinois. La casa donde se rodó la película fue también el escenario que se usó para ‘Roadie’, dirigida por Alan Rudolph en 1980. 

La película molestó a algunos animalistas por la secuencia en la que Arnie decapita a un saltamontes, pero hay que señalar que lamisma contó con la supervisión de varios especialistas. Sin embargo, Leo finalmente acabó matando al animal provocando el enfado y la crítica de varias asociaciones animalistas. 

Señalar que Darlene Cates, que interpretó a Bonnie, la madre con obesidad mórbida, no había actuado nunca. De hecho, el director le ofreció el personaje después de verla en un programa de televisión en el que contaba que llevaba cinco años sin salir de casa. Tras leer el guión, Darlene confesó que había sufrido en su vida real los mismos problemas que su personaje. 

A pesar de contar con tan solo 19 años en el momento del rodaje, Leo –que ha reconocido que Arnie ha sido una de las cosas “más divertidas” que ha hecho nunca– se preparó pasando varios días con chavales con discapacidad intelectual. Además, trató de mimetizarse más aún y se empeñó en no ducharse durante los días de rodaje en que su personaje tampoco quería hacerlo. En declaraciones a Film Review el actor Leonardo DiCaprio reconoció que " Tuve que investigar realmente y meterme en la mente de alguien con una discapacidad como esa. Así que pasé unos días en un hogar para adolescentes con enfermedades mentales. Simplemente hablamos y observé sus gestos. La gente tiene estas expectativas de que los niños con retraso mental están realmente locos, pero no es así. Es reconfortante verlos porque todo es tan nuevo para ellos. " 

El resultado del trabajo fue tan impactante que, tras el estreno, mucha gente se quedó impactada al descubrir que el actor, en realidad, no sufría ningún tipo de discapacidad intelectual. 

Este entrañable gesto de Arnie frotándose la nariz fue idea del propio DiCaprio , de 19 años, “Es como un barrido de cerebro... Como si Arnie se estuviera masajeando el interior de su cerebro”, explicó el actor. DiCaprio tuvo que enfrentarse a una complicada decisión: elegir entre ‘¿A quién ama Gilbert Grape?’ o ‘El retorno de las brujas’, que se rodaban en las mismas fechas. Finalmente, Leo rechazó la comedia dirigida por Kenny Ortega y con Bette Midler y Sarah Jessica Parker en el reparto. 

Martin Scorsese, con quien DiCaprio ha trabajado en películas como ‘Gangs Of New York’, reconoció que la primera vez que vio al actor fue una noche en que pilló por casualidad en televisión ‘¿A quién ama Gilbert Grape?’. El flechazo fue instantáneo… 

El director, Lasse Hallström, eligió a Juliette Lewis para interpretar a Becky después de verla en la piel de Danielle en ‘El cabo del miedo’, dirigida por Martin Scorsese en 1991. La relación entre ambos actores, que interpretan a dos hermanos en la cinta, no fue del todo fluida. 

Por su parte, Johnny Depp ha reconocido en varias entrevistas que le hizo la vida imposible a su compañero Leo di Caprio: “No sé por qué, lo pasé mal rodando esa película. Torturé a DiCaprio, realmente lo hice. Estaba todo el rato hablando de videojuegos. ‘No pienso darte otra calada de mi cigarro mientras te escondes de tu madre, Leo’, le decía yo. Lo cierto es que respeto mucho a Leo. Trabajó muy duro para la película, pasó mucho tiempo investigando para el personaje”. 

Igualmente Johnny Depp declaró que se sintió fatal en las secuencias en las que tenía que ‘maltratar’ e insultar a su madre en la ficción (Darlene Cates). Tanto es así que, una vez finalizado el rodaje, se acercó y le dijo: “Quiero que sepas lo mucho que he odiado tener que decirte estas cosas”. 

La película fue estrenada y distribuida bajo el amparo de la Paramount Pictures y recaudó unos 9.100.000 millones

La película recibió críticas positivas por parte de los críticos así como una buena cantidad de premios. La crítica de cine del New York Times Janet Maslin elogió la actuación de DiCaprio, escribiendo "el verdadero giro espectacular de la película viene del Sr. DiCaprio, quien hace que los tics de Arnie sean tan sorprendentes y vívidos que al principio es difícil de ver ... La actuación tiene una intensidad aguda y desesperada de principio a fin. "

Roger Ebert de Chicago Sun-Times la describió como "... una de las películas más encantadoras del año" y dijo que DiCaprio merecía ganar el Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto por el que fue nominado,    y en su web rogerebert.com añadió que se trataba de "una historia sobre unos personajes que no son inadaptados porque ellos no se ven como tales (...) 

Todd McCarthy de Variety consideró que la película era una "visión perpleja de la vida" y comentó que "Depp se las arregla para dominar la pantalla central con una caracterización muy afable y atractiva." Añadió el columnista de Variety que era "Un trabajo modesto de discretas cualidades, pero con muchos momentos afortunados"

Desson Howe del The Washington Post señaló que la película era un esfuerzo serio pero muy predecible.  

Peter Rainer en Los Angeles Times dijode ella que era "Una canción de cuna para la generación de las familias disfuncionales" 

Film Review elogió a Leonardo DiCaprio como el hermano discapacitado mental, calificándolo de "una actuación de asombrosa inocencia y espontaneidad", aportando "una conmovedora credibilidad a una parte muy difícil". 

En FilmAffinity se destaca que es un "Sentimental melodrama que obtuvo muy buenas críticas a ambos lados del Atlántico, además de suponer la fulgurante aparición de un jovencísimo Leonardo DiCaprio, nominado al Oscar al mejor actor de reparto por una interpretación que llega a conmover". 

Carlos Boyero en El Mundo dijo de ella que era una "Preciosa película"; mientras que Fernando Morales en El País escribió sobre ella que era "Muy entretenida película basada en la interesantísima novela de Hedges (...) Con un reparto tan conocido como creíble, en el que destaca el trabajo de un joven DiCaprio" 

En dos revistas especializadas como Fotogramas y Cinemanía,  Javier Ocaña en la segunda la define como  "Notable" ; mientras que Juan Silvestre en las primera escribe que es un "  tierno y demoledor retrato familiar".

En cuanto a los premios destaca que fue nominada al Oscar al Mejor actor de reparto (Leonardo DiCaprio), lo mismo fue los Globos de Oro, en la National Board of Review, en el Círculo de Críticos de Nueva York y para la Asociación de Críticos de Chicago al Mejor actor revelación (Leonardo DiCaprio)    .

Otros reconocimientos fueron a la  Mejor Película  International Film Festival de Bulgaria  a la Mejor Película Extranjera al igual que en la Gilde deutscher Filmkunsttheater, mejor película extranjera. Fue Premio NBR al Mejor Actor Secundario para Leonardo DiCaprio. La película fue nominada para el prestigioso Gran Premio del Sindicato Belga de Críticos de Cine.