domingo, 21 de diciembre de 2014

La desolación de Smaug


Casi un año después vuelvo a repetir la entrada. La razón está estrechamente vinculada al hecho de que mañana iré a ver la tercera parte de la trilogía sobre el Hobbit, trilogía que completa el estudio jacksoniano sobre las dos principales novelas de Tolkien y que el director neozelandés ha tenido el buen gusto de realizar centrando su trabajo en la primera década  del siglo XXI a este universo de la tierra media en el que comviven hobbit, elfos, orcos y trasgos, así como humanos y magos. Yo me siento absolutamente integrado en ese universo Tolkieniano vía Jackson y estando a la espera de la película de mañana, La batalla de los cinco reinos, he vuelto a ver - y a disgfrutar como unn enamno, nunca mejor dicho-  junto a mi familia está obra que acaba con una frase premonitoria y con la que acaba esta segunda entrega que tiene como protagonista a Bilbo Bolsón, de Bolsón cerrado, a Gandalf y a trece enanos y que es: Pero que hemos hecho. Mañana lo sabremos. Mientras tanto os dejo la entrada sobre la película que hice a finales del pasado año y que llevaba por título Una segunda aventura.
Esta entrada está expresamente colocada aquí. La razón, quería que el año se cerrara como lo empecé. La primera entrada de este blog y en este año fue una nueva aventura, y ésta, como última del año, se llamará una aventura que continua. Lo hice con el hobbit, pues lo lógico es que el seguimiento sea con El hobbit II o como se llama ahora, El hobbit: la desolación de Smaug.
Las primeras señales de vida sobre el filme llegaron el 25 de marzo de 2013, desde Nueva Zelanda y vía streaming para todo el planeta, Peter Jackson presentó en sociedad El Hobbit: La desolación de Smaug. 
El estreno de la película a nivel mundial se realizó el 13 de diciembre del 2013, unos días antes en la decadente ciudad de Los Ángeles. Nueve días después estábamos los cinco en el cine. 
Como lector de Tolkien me ha dolido que se hallan realizado tantas partes sobre el libro, más bien , librito – por el grosor, no por la calidad- , de Tolkien. Esta es la segunda de las tres partes en las que se ha dividido la novela El hobbit, del escritor británico J. R. R. Tolkien, para su adaptación al cine. 
Esta segunda parte fuimos a verla el día 22 a la sesión de las ocho, en los cines del Guadalquivir. Y todavía, y anunciada para el próximo invierno queda la tercera y última parte, que por ahora se llamara en inglés, The Hobbit: There and Back Again, más o menos, El Hobbit: Viaje de ida y Vuelta. 
Ya sabemos que la idea de realizar la adaptación para la pantalla grande viene desde 1995, cuando Peter Jackson y Fran Walsh rodaban The Frighteners. Tras el rotundo éxito de la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos (en 2001, 2002, y 2003 respectivamente), Jackson y Walsh volvieron sobre el proyecto de realizar El hobbit, pero esta vez con el director Guillermo del Toro a la cabeza.

Tras la quiebra de los estudios MGM, Del Toro se salió del proyecto, acreditado al mexicano únicamente como guionista. Peter Jackson se ocupó entonces de la dirección y puso en marcha la película en 2010, comenzando el rodaje el 21 de marzo de 2011. Del Toro y Jackson ya habían contactado previamente con algunos de los actores que habían interpretado a alguno de los personajes en la trilogía anterior. La dirección artística de este amplio proyecto recayó en Alan Lee, mientras que la producción fue del propio Peter Jackson, acompañado de Carolynne Cunningham, Philippa Boyens y el ya nombrado Fran Walsh. El diseño de producción fue de Dan Hennah para las productoras y distribuidoras formadas por Metro-Goldwyn-Mayer y New Line Cinema. La inversión, estartosférica, alcanzando la friolera de 215 millones de dólares.
Como señalamos en la entrada de enero de 2013 el guión fue elaborado por Fran Walsh, Philippa Boyens, Guillermo del Toro y Peter Jackson basándose en la obra El hobbit, de J. R. R. Tolkien. En los apartados técnicos estuvieron presentes Howard Shore en la vertiente musical, siguiendo el hilo marcado por El señor de los anillos (desde ahora ESDLA); el sonido impactante de Christopher Boyes. En el apartado fotográfico destaca Andrew Lesnie. Los efectos especiales, impresionantes en todo el filme, fueron realizados por Weta Workshop.

El elenco de actores y actrices – pocas- está encabezado por Ian McKellen como el mago Gandalf el Gris y Martin Freeman como el hobbit Bilbo Bolsón de Bolsón Cerrado – si no lo digo reviento-. 
A estos se le unen Richard Armitage como el enano Thorin Escudo de Roble, Ken Stott como el enano Balin, James Nesbitt como el enano Bofur, Graham McTavish como el enano Dwalin, William Kircher como el enano Bifur, Stephen Hunter como el enano Bombur, Dean O'Gorman como el enano Fíli, Aidan Turner como el enano Kíli, John Callen como el enano Óin, Peter Hambleton como el enano Glóin, Jed Brophy como el enano Nori, Mark Hadlow como el enano Dori, Adam Brown como el enano Ori. A estos enanos , principalmente, se le suman Orlando Bloom como el elfo Legolas, Evangeline Lilly como la elfa Tauriel, Lee Pace como Thranduil, rey de los elfos del Bosque Negro, Cate Blanchett como la elfa Galadriel, Benedict Cumberbatch como el dragón Smaug el Terrible y El Nigromante, y Mikael Persbrandt como el hombre beórnida Beorn, Sylvester McCoy como el mago Radagast el Pardo, John Bell como el hombre Bain, Luke Evans como el hombre Bardo el Arquero, Stephen Fry como el gobernador de Esgaroth, Ryan Gage como Alfrid, Manu Bennett como el trasgo Azog el Profanador y Conan Stevens como el trasgo Bolgo. 

Recordad , - yo volví a ver la película ese mismo día, entre los cuatro y las siete y media de la tarde- , que dejábamos a los enamos , con Gandalf y con Bilbo en el bosque huyendo de los orcos. Los enanos intentan escapar de los orcos y se ocultan en la casa de un extraño ser conocido como Beorn, el último cambia pieles de la Tierra Media. 
Ahora, con aspecto de un inmenso oso, protege el bosque del mal, pero también ataca al grupo nombrado anteriormente. Este expresa su desagrado con los enanos, pero decide ayudarles cuando se entera de que estos están siendo perseguidos por los orcos, los mismos que exterminaron a su raza. 
Bilbo y los enanos prosiguen su camino y se adentran en el ahora peligrosísimo Bosque Negro, pues es el camino más directo hacia Erebor. Gandalf, por su parte, abandona la compañía de Bilbo y los enanos para dirigirse a los Páramos de Rhudaur, con la intención de inspeccionar las tumbas de los Nazgûl. Antes de partir Gandalf insiste en que nadie salga del camino, pues fuerzas ocultas están ocupando lo que antes fuese el mejor bosque de la Tierra Media. 
En su travesía por el Bosque Negro los enanos comienzan a padecer los efectos del aire tóxico que allí se respira, y pierden el sentido de la orientación. Comienzan a dar vueltas y , por supuesto, se salen de la senda. Ante esto Bilbo decide subirse a un árbol para intentar conocer su ubicación actual. Cuando Bilbo desciende se percata de que los enanos han desaparecido, y tropieza con una tela de araña que le hace caer al suelo. Allí una araña gigante intenta envolverle con su tela, pero Bilbo logra zafarse clavándole su espada, la que fue entregada en la primera parte por Gandalf, a la cual bautiza como Dardo. Tras esto, el hobbit decide ponerse el anillo, para así pasar desapercibido entre la multitud de arañas. Al acercarse a ellas pudo escuchar sus voces, y como hablaban de comerse a los enanos. Bilbo, beneficiándose de la invisibilidad que le proporcionaba el anillo, comenzando a atacarlas por sorpresa, mientras estas se veían desconcertadas por no saber quien les atacaba.

De repente entraron en escena los arqueros elfos, entre ellos Legolas que derrotaron a las arañas y capturaron a los enanos, no así al invisible Hobbit. Mientras, en el Páramo de Rhudaur Gandalf y Radagast descubrieron que los Nazgûl habían escapado de sus tumbas, y se ponen en camino hacia la antigua fortaleza de Dol Guldur, donde supuestamente se escondía el enemigo. 
En la fortaleza Dol Guldur el Nigromante se va haciendo cada vez más poderoso y va reuniendo a su alrededor a los jefes orcos. La orden inicial a uno de los más brutales orcos es atrapar a los enanos. 
Por su parte, los elfos llevaron a los enanos ante el rey Thranduil, que al conocer las intenciones de estos de recuperar Erebor, les exigió una parte del tesoro a cambio de su liberación, a lo que Thorin se negó en rotundo, pues la desconfianza entre sus ancestrales aliados lo preside todo. 
Ya en las celdas, Balin se quejó de la torpeza de Thorin a la hora de negociar un acuerdo para liberarles. Durante el tiempo que los enanos estuvieron encerrados, Kili se enamora de la elfa Tauriel, que a su vez también se sintió atraída por el enano y su talla, algo más alta que el resto. Por fin, Bilbo todavía aprovechando su invisibilidad consigue las llaves de las celdas y libera a los enanos, luego les llevó hasta las bodegas y les pidió meterse dentro de unos barriles. Los enanos dudan al principio, pero al saber que no tenían alternativa, decidieron hacerle caso.

A continuación el hobbit tira de una palanca y los enanos caen por una trampilla que iba a parar al río. Bilbo se quedó unos instantes atrapado en las bodegas, pero finalmente logro deslizarse también por la trampilla. Los enanos viajan en los barriles río abajo, pero los elfos se dan cuenta de inmediato de la fuga y les encuentran enseguida, comenzando a perseguirles por la orilla del río.

En ese momento una horda de orcos asaltan el reino de Thranduil. Tras matar a los centinelas descubren a los enanos a los que atacan sin piedad. Los enanos consiguen sobrevivir al ataque, aunque Kili ha sido gravemente herido por una flecha envenenada de los orcos. Los enanos, por suerte, contarán con la inestimable ayuda de los elfos. Finalmente los enanos lograron escapar y llegaron hasta la orilla del Lago Largo.

Allí serán sorprendidos por Bardo el arquero, un humilde cazador que reside en Esgaroth, conocida comunmente como la Ciudad del Lago. Los enanos acordaron pagarle una buena suma de dinero a cambio de que éste les llevase hasta la Ciudad del Lago. Para pasar desapercibidos, Bardo tuvo la idea de que los enanos se metieran de nuevo en los barriles, y los lleno de pescado para ocultarlos. 
Ya en la Ciudad del Lago, y no sin pasar dificultades, se refugiaron en la casa de Bardo, que vive junto a sus hijas Sigrid y Tilda, y su hijo Bain. Allí, Bardo se entera de que los enanos planeaban recuperar Erebor, e intenta impedírselo ya que temía que el dragón Smaug puede ser despertado y decidiera destruir Esgaroth al igual que hizo con la ciudad del Valle. 
Los habitantes de la Ciudad del Lago presencian la discusión entre Thorin y Bardo. Mientras que el cazador intenta hacer entrar en razón al enano, éste promete al codicioso gobernador de Esgaroth y a su gente una parte del tesoro si logran recuperar su reino en la Montaña Solitaria, a lo que estos aceptan sin dudarlo. 
Al día siguiente, Bilbo y la compañía de enanos partieron hacia Erebor, dejando atrás a Fili, Bofur y Oin que se quedaron a cuidar de Kili que había sido alcanzado por una flecha durante la huida en los barriles. 
Mientras tanto, Gandalf llegó a la fortaleza de Dol Guldur y pidió a Radagast que se marchase y le dejase sólo. El mago gris se adentró en la fortaleza y es emboscado por Azog y los orcos, contra los que tuvo una feroz pelea. Cuando parecía que Gandalf había vencido a los orcos, una sombra oscura se avalanzó sobre él, era el nigromante, que tras intercambiar unas breves palabras con el mago se descubre como un renovado Sauron. Gandalf se enfrentó a Sauron en una espectacular batalla, pero finalmente el mago fue derrotado y apresado en una celda. A continuación, Azog mandó a su hijo Bolgo y a una horda de orcos a atacar la Ciudad del Lago, con el propósito de encontrar y eliminar a los enanos. 
Bilbo, Thorin y los otros llegaron a la Montaña Solitario y se dispusieron a buscar la entrada secreta. No sin muchas dificultades, Bilbo encuentra unas escaleras que permiten acceder a donde supuestamente está la entrada. Allí Thorin y los enanos esperan a que se cumpliese la profecía y que la última luz del día de Durin (el solsticio de invierno) iluminase la cerradura, pero tras una intrigante espera en la que no ocurre nada se produce la caída de la noche sobre ellos. Es entonces cuando Thorin, hundido por la decepción, se rinde y entrega el mapa y la llave a Bilbo. Los enanos comienzan a descender por las escaleras pensando que todo ha terminado y que no han podido cumplir su misión. Bilbo, negándose a rendirse, intenta descifrar la profecía: «Estad en la puerta secreta cuando llame el zorzal, y la última luz del día de Durin ilumine la cerradura». De repente las nubes empiezan a disiparse y dejan paso a la luz de la luna. Es entonces cuando Bilbo se percata de que la última luz se refería a la luz de la luna, y no a la luz del sol como pensaban los enanos. Un zorzal aparece entonces y golpea la pared rocosa con una cáscara de caracol, y la luz de la luna ilumina el hueco de la cerradura. Rápidamente Bilbo llama a los enanos y estos suben corriendo. Thorin introduce la llave en la cerradura y la puerta secreta se abre.

Tras unos momentos de euforia, los enanos le cuentan a Bilbo la razón para la que le habían traído, que no era otra que encontrar la piedra del arca y que la misma está custodiada por un dragón. Bilbo se arma de valor y desciende por el pasadizo él sólo, hasta llegar por fin a los salones donde se encuentra el tesoro. 
El hobbit empieza a buscar la piedra, pero pronto descubriría que no estaba sólo. De entre los montones de monedas de oro surge un dragón: Smaug. Bilbo se apresura a ponerse el anillo para evitar ser visto, pero Smaug es capaz de oler al hobbit y comienza a perseguirlo a ciegas.

Finalmente Bilbo se vio obligado a quitarse el anillo y mostrarse ante Smaug. El dragón y el hobbit tienen una larga conversación en la que la astuta bestia desenmascara los planes de Bilbo y los enanos. Por su parte, los orcos asaltan Esgaroth buscando a los enanos, pero Légolas y Tauriel, que han seguido a los enanos igualmente, intervienen a tiempo para salvar la ciudad. 
Al no encontrar a los enanos, y tras perder algunos de sus orcos acompañantes, Bolgo ordenó la retirada a Dol Guldur, y la ciudad se salva, de momento. 
En Erebor el dragón intenta atrapar a Bilbo pero este logra escapar. Justo en la entrada del pasadizo, Thorin se encuentra con Bilbo y le pregunta con tono amenazante si había logrado encontrar la piedra del arca, a lo que Bilbo reconoce que no. A continuación el resto de enanos bajan por el pasadizo y se reúnen con Thorin y Bilbo, tras unas palabras acuerdan derrotar al dragón entre todos. 
Smaug los encuentra y comienza a perseguirlos, hasta que los enanos idean un plan para vencerle. Así, los enanos llevan al dragón hasta los hornos y entre todos logran echarle un enorme recipiente de oro fundido encima. Cuando parecía que Smaug había muerto, resurge de nuevo más enfurecido que nunca, y como venganza decide dirigirse a la Ciudad del Lago para aniquilarla y matar a sus habitantes. 
Thorin y el resto, sienten que han fracasado y se lamentan por lo que les está a punto de ocurrir a los habitantes de Esgaroth. 

Hasta aquí la segunda parte que te deja en vilo hasta diciembre próximo. Lo cierto es que la mayor parte del rodaje estaba terminado en julio de 2012. Pero durante mayo de 2013, se hizo un rodaje adicional para la película. Así que volvieron a grabarse algunas imágenes nuevamente en Nueva Zelanda. Este rodaje adicional se extendió durante unas 10 semanas. 
Como en la anterior entrega la banda sonora de El hobbit: la desolación de Smaug fue compuesta por Howard Shore. Para la ejecución de la misma se contó con la Orquesta Sinfónica de Nueva Zelanda.
Durante la primavera de 2013 Jackson comentó que el papel de Tauriel, estaría desempeñado por Evangeline Lilly, y que ella formaría parte de la guardia élfica como miembro de los guardaespaldas del Rey Elfo,Thranduil. Además, reveló una escena de la película en la que Gandalf el Gris y Radagast el Pardo buscan a la fortaleza del Nigromante y descubren que los Nazgûl han sido liberados de sus tumbas. Más tarde, nos enteraríamos que a ese se le había unido el elfo más famoso de la historia: Legolas, léase Orlando Bloom. 

La película , todavía en cartelera, ha tenido críticas mixtas tanto por parte de los crítticos, como por parte de mis amigos. No así en mi familia , que la ha elogiado con toda la razón del mundo. De los cinco, cuatro hemos leído la obra original de Tolkien, y todos estamos de acuerdo que llevarla a una trilogía ha sido una exageración. Pero, dicho lo dicho, habrá que reconocer que Peter Jackson ha vuelto a reescribir la historia de este profesor de origen sudafricano desde el momento que alarga las vivencias de los protagonistas del hobbit, e incluso tira de algunas descripciones incluidas en el Silmarillion, especialmente aquellas que hacen referencia a la aparición del Nigromante / Sauron, o incluso al universo elfo / Orco. Lo cierto es que la concatenación de acontecimientos y el gusto narrativo de Jackson dinamizan notablemente la película. No obstante, aquellos críticos con los que he hablado de la misma afirman estar cansados realmente del universo ESDLA de Jackson. Digamos que tienen ya una sobredosis, por lo que en este sentido – pienso- que alargar la historia para mercantilizar el proyecto va contra la imagen del creador neozelandés. 
En cuanto a los críticos profesionales, es decir, aquellos que reciben una remuneración por lo que escriben han presentados en sus críticas una heterogeneidad notable. Van desde las más elogiosas hasta las que les falta calificar esta segunda parte del Hobbit como execrable. 
De entre los primeros destaca la crítica en positivo de Nick De Semlyen publicada en la revista Empire al referirse al film en los siguientes términos: "La Tierra Media ha recuperado su encanto. Una gran mejora respecto a la entrega anterior, ésta lleva a nuestros aventureros hacia un territorio desconocido y ofrece espectáculo a toneladas. (...). En esta misma línea se encuentra Peter Bradsha del diario The Guardian que afirma que“"Es un cuento de aventuras alegre, entretenido y estimulante (...) es misterioso y extraño y, aún así, Jackson evoca con facilidad la genial calidad que distingue a 'El Hobbit' de las historias más solemnes de 'El señor de los anillos'. (...). En Variety, Justin Chang describe algo similar: "Esta aventura robusta y llena de acción se beneficia de una excitante sensación de que la historia avanza y un flujo constante de emociones que mejoran con el 3D". Incluso, en muchas veces, muy crítico – como el anterior- Todd McCarth del The Hollywood Reporter dice : "Después de exhibir una fidelidad casi cobarde hacia su fuente en la primera entrega, Jackson consigue poner el drama en marcha desde el principio con un sentido de la narración que posee un propósito y una energía palpables." Michael Phillips del Chicago Tribune va en esa línea , al afirmar que "Es más viva y mejor que su predecesora. (...) [una] imponente aventura que ofrece diversas secuencias de acción impresionantes. (...).Y en la habitual columna del The New York Times Manohla Dargis deja negro sobre blanco que estamos ante "Un cuento de incesantes aventuras, trabajo en equipo con una acción alborotada, enemigos babeantes y gimnasia élfica". Hasta aquí lo bueno. 
Presentemos lo malo. El más crítico ante el film ha sido Robbie Collin del Telegraph que comenta en su columna que "Tal vez esto realmente es lo que mucha gente espera de una versión cinematográfica de 'El Hobbit', pero vamos por lo menos a aceptar que Tolkien probablemente no habría sido uno de ellos. (...). Y no tan crítica, pero igualmente incisiva Claudia Puig del USA Today comenta que "Al igual que su predecesora, muestra demasiada caminata a través de los bosques. (...) . Algo similar a lo descrito en Rolling Stone por Peter Travers cuando deja por escrito lo siguiente: "Oh, ese dragón. Me gustaría soportar otra caminata a través de la Tierra Media sólo para pasar más tiempo con Smaug. (...). 
En España, las críticas igualmente han sido más positivas que negativas, pero realmente han dejado más huella las malas que las buenas. Entre las malas destacan las publicadas en El País , tanto por Jordi Costa como Carlos Boyero. En el primer caso, Jordi Costa nos dice "Los problemas de la primera entrega se acentúan en la segunda (...) todas [las escenas] parecen funcionar con la mecánica desesperante del tutorial de un videojuego o de la animática para una futura atracción de parque temático", y Boyero matiza algo más "Mejor que la primera. (...) Sigo la intriga, a veces me pierdo (...) pero me parece superior." En la Razón, Carmen L. Lobo nos comenta algo que ya dijeron mis amistades: "Una pena que la película dure dos horas y media bastante largas y que no pueda evitar por ello ciertos desmayos en cuanto al ritmo entre medias, y, tampoco, una molesta sensación de «dejà vu»." 
En transición entre lo negativo y lo positivo está la pluma de Jordi Batlle Caminal del Diario La Vanguardia al decir que es "Una película farragosa (...) Salvando estos escollos, vuelve a ser un megaespectáculo deslumbrante. (...) Y las puntuales escenas de acción tienen, cómo no, el nervio del mejor Jackson (...) 
Pero también ha habido críticas y, positivas. Por ejemplo, Luis Martínez en el Diario El Mundo dice "Literalmente, la invitación de Jackson es la de viajar al fondo de un universo perfecto y completo (...) ahora el cuento se trenza (...) cada vez más cerca de lo real como última manifestación del entretenimiento". En el Diario ABC E. Rodríguez Marchante comenta que estamos ante "Otro milagro de san Peter Jackson. (...) Es imposible sentirse defraudado (...) Es un prodigio de principio a fin, a pesar de algunos pesares (...). En esta línea está Yago García de Cinemanía que nos dice que "Consigue ser mejor cuanto más aspira a ser ella misma. Lástima que no siempre se atreva a intentarlo. (...) Jackson lima asperezas, asienta el tono y comienza a hacer suya la historia: ya era hora (...). 

Todavía no se han concedido grandes premios, pero en , apenas , este mes de exhibición que lleva la película , la misma ha obtenido 5 nominaciones, incluyendo Mejor actriz de acción (Evangeline Lilly) en los Critics Choice y una nominación en los Satellite Awards de 2013 a la Mejor canción original. He leído, y estoy de acuerdo, que imaginarse un mundo como el universo de la Tierra Media es fácil, puesto que las descripciones de Tolkien son tan precisas que prácticamente nos lo daba todo cuadrado. No obstante, llevar este mundo fantástico a la gran pantalla es tan complejo que , como mínimo, tendríamos que ser justos con la obra de Jackson, y valorar la complejidad de concretar ese universo. Pero es más, es ahora cuando el director de la anterior trilogía de Tolkien se libera del libro y creo un universo derivado. Por eso, volvemos a ver a Legolas y descubrimos al padre de Gimli. En el Hobbit Jackson parece liberarle del corsé literario y apuesta por lo que vimos en otras obras como King Kong. Su cameo en estas dos entregas es revelador. Pero evidentemente cada vez hay más acción, más narración visual, más imaginación, pero igualmente más drama y, en ocasiones, más violencia. La disposición narrativa de las adaptaciones de Jackson suelen ser similares, comenzando con una cierta calma y dosificación de escenas puntuales de acción para encaminar el relato hacía unos cuarenta o cincuenta minutos de éxtasis audiovisual y emocional. Al no necesitar presentación de personajes como en el anterior film, la relación entre ellos es más fluida y estable, y la incursión de nuevos personajes se produce de manera más suave y natural. Asimismo, presenciamos la increíble evolución de Bilbo, convertido prácticamente en el líder de la expedición. 
Como todas sus predecesoras, esta es una película road movie. El film está planteado de forma que aventura, divertimento y cierto aire dramático vayan de la mano, logrando Jackson su objetivo gracias a la ya habitual división de la trama. Esta segmentación, que afecta no solo a la trama en si sino también a determinados personajes, facilita que el posterior climax final posea un ritmo endiablado y que nuestro interés no se ubique solo en un objetivo.

The Desolation of Smaug vuelve a ahondar sobre el concepto de amistad y compañerismo entre individuos de distintas razas y sexos. Sin embargo, la novela también reflexionaba sobre la codicia innata de hombres y demás seres que habitan en la Tierra Media, y de las continuas pruebas a las que son sometidos para probar su resistencia a los vicios. El valor y el coraje, palabras en desuso en nuestra sociedad moderna, son las cualidades a las que más recurren los personajes del relato para salir adelante de situaciones imposibles, darse ánimos mutuos y coger fuerzas para enfrentarse al mal que los combate. 
Estaremos a la espera del siguiente y último capítulo: The Hobbit: There and Back Again. Pero, mientras tanto, os dejo con una entrevista al director, y , por supuesto, feliz año y que nos sea a todos de cine.

Un viaje inesperado

Volvemos a ver la primera parte de esta nueva versión en forma de trilogía que nos presenta Peter Jackson , en este caso basada en su obra El Hobbit. Una obra visualmente atractiva, dinámica y que alarga notablemente la obra de Tolkien. Precisamente este blog comenzó con esta entrada que llevaba por título "Una nueva aventura" que aquí vuelvo a reproducir - en cursiva-  literalmente.

El punto de partida de esta nueva aventura es precisamente una aventura la que redactó Tolkien en su libro "El Hobbit"y la que ha recreado Peter Jackson en su nueva película "El hobbit: un viaje inesperado". Por lo tanto, el inicio del viaje de Bilbo coincide en este caso con el mío.


Conocía a Tolkien. Me parecía un escritor menor, como todos aquellos que se dedicaban a la literatura fantástica creadora de mundos nuevos. De hecho, lo primero que contemplé de él fue su mapa de la tierra media. Años más tarde, un alumno vacilón de los muchos que te encuentras me lo enseñó para preguntarme de qué país se trataba. Yo le dije de la obra de la que procedía. Lo leyeron amigos, algunos me lo recomendó. Yo, tontamente, me resistía. En esto que llegó Peter Jackson y cambió el curso de mi opinión sobre J.R.R. Tolkien. Tan grato efecto generó en mi su primera película sobre el tema, "ESDLA: La de la Comunidad del anillo", que aposté por leerla. La trilogía me enganchó. Cuando acabé con ella pasé al Hobbit, y tras ella, droga dura: El silmarillion. Esta me costó lo suyo. La cosmogonía Tolkieniana era dura de leer, pero lo hice, como también aquella colección de poemas de ese personaje vestido de amarillo perdido en el tiempo de un bosque que era Tom Bombadil.


Ante mi interés por Tolkien, leí que alguien había rodado algo sobre el escritor nacido, creo, en Sudáfrica. Y efectivamente, localicé la versión que Rankin / Bass había realizado en 1977 sobre el Hobbit. Era un producto, como todo lo que realizaba esta productora de gran éxito en los 70, destinado al mercado infantil. Como obra destinado al público infantil se dejaba ver, eso sí, en inglés y con subtítulos en castellano.


El tiempo pasó y “El Hobbit” pasó de unos a otros hasta que encontró al auténtico portador de la fantasía cinematográfica de Tolkien. Localizó a su mentor, que no era otro que Peter Jackson.

Antes de que acabara el año teníamos que verla. Y así fue el sábado 29 regresamos a la Tierra Media para ver lo que había acontecido 60 años antes de 'El Señor de los anillos'. Así que fuimos a ver El hobbit: un viaje inesperado (título original en inglés: The Hobbit: An Unexpected Journey).

Se trata de la primera de las tres partes en la que se ha dividido la novela El hobbit, para su adaptación al cine. Parece ser que la idea de realizar la adaptación para la pantalla grande viene desde 1995, cuando Peter Jackson y Fran Walsh rodaban The Frighteners. Tras el rotundo éxito de la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos (en 2001, 2002, y 2003 respectivamente), Jackson y Walsh volvieron sobre el proyecto de realizar El hobbit, pero esta vez con el director Guillermo del Toro a la cabeza, que se había ganado un puesto tras la creatividad y capacitación mostrada en, por ejemplo, El laberinto del fauno. Tras la quiebra de los estudios MGM, Del Toro se apartó del proyecto, acreditado únicamente como guionista. Peter Jackson se ocupó entonces de la dirección y puso en marcha la película en 2010, comenzando el rodaje el 21 de marzo de 2011. Del Toro y Jackson ya habían contactado previamente con algunos de los actores que habían interpretado a alguno de los personajes en la trilogía anterior.

La adaptación cinematográfica de 'El Hobbit' se dividirá en tres películas: 'El Hobbit: Un viaje inesperado', que se estrenó a nivel mundial el 14 de diciembre de 2012; la segunda será 'El Hobbit: La Desolación de Smaug',, está ya para diciembre de 2013, y la tercera, y última, 'El Hobbit: Partida y regreso' que cerrará la saga en julio de 2014, según anunció el Presidente de la distribución doméstica de Warner Bros. Pictures, y tras un acuerdo entre esta productora y la MGM.

El preestreno tuvo lugar el 28 de noviembre de 2012 en Wellington, la localidad natal de Peter Jackson y lugar de la sede de Weta.

La película dura 169 minutos. En la parte técnica de la misma cuenta, además del ya nombrado director, con el guión de Peter Jackson, Philippa Boyens, Guillermo del Toro y Fran Walsh; basado en la novela de J.R.R. Tolkien. La producción estuvo controlada por Peter Jackson, Carolynne Cunningham, Fran Walsh y Zane Weiner para las Productoras participantes que han sido la Metro-Goldwyn-Mayer, New Line Cinema y WingNut Films. La Distribución está en manos de la Warner Bros. Pictures . En otros aspectos señalar que la Música es obra de Howard Shore, que ya estuvo presente en la trilogía anterior, y que ocultó su obra a los músicos hasta el último segundo en los estudios de grabación. El Sonido fue responsabilidad de Neil Aldridge. La fotografía es de Andrew Lesnie, mientras que el montaje es de Jabez Olssen. El diseño de de producción estuvo controlado por Dan Hennah. Por último la enorme responsabilidad del vestuario recayó en Ann Maskrey, Richard Taylor y Bob Buck. Papel esencial tuvieron los efectos especiales en los que participaron tres empresas : Weta Workshop (los efectos físicos) y Weta Digital (los digitales)

La película está interpretada por Martin Freeman (Bilbo Bolsón), Ian McKellen (Gandalf), Andy Serkis (Gollum- y ¡sorpresa!director de la segunda unidad), Cate Blanchett (Galadriel), Elijah Wood (Frodo Bolsón), James Nesbitt (Bofur), Lee Pace (rey Thranduil), Christopher Lee (Saruman), Ian Holm (Bilbo anciano), Hugo Weaving (Elrond), Richard Armitage (Thorin, Escudo de Roble), Ken Stott (Balin), Graham McTavish (Dwalin), William Kircher (Bifur, y al parecer, el Troll Tom),Stephen Hunter (Bombur), Dean O’Gorman (Fili), Aidan Turner (Kili), John Callen (Óin), Peter Hambleton (Gloin y el Troll Guille), Jed Brophy (Nori), Mark Hadlow (Dori y el troll Berto), Adam Brown (Ori), Benedict Cumberbatch (El Nigromante). También participan en esta primera película Sylvester McCoy (el mago Radagast el Pardo), Barry Humphries (Gran Trasgo), Jeffrey Thomas (el enano Thrór), Michael Mizrahi (el enano Thráin), Lee Pace (Thranduil, rey de los elfos del Bosque Negro), Manu Bennett ( trasgo Azog), Bret McKenzie (Lindir), Glenn Boswell (minero enano) y Thomas Robins (enano Thráin de joven).


Desde el punto de vista técnico, la gran innovación de El hobbit: un viaje inesperado es la de ser la primera película de la historia rodada en 48 fotogramas por segundo (fps), cuyo formato recibe el nombre de 3D HFR (que hace referencia a un 3D de 48 fps, ya que el 3D estándar se emite a 24 fps). La cinta también fue rodada a la vez en el formato estándar de 24 fps. Yo reconozco que la disfruté en formato plano.

El argumento de El hobbit es bien conocido por los lectores de Tolkien. Se desarrolla sesenta años antes de los acontecimientos descritos en la trilogía de El Señor de los Anillos, aunque Jackson introduce algunos elementos que la vinculan a su trilogía anterior. Comienza la película narrando la historia de los enanos en el interior de la tierra media, también la de su codicia y laboriosidad, y como la llegada de un dragón supuso la caída de los enanos, su exilio y su pérdida de confianza ante todos los habitantes de la tierra media. Más tarde, la película nos narra el encuentro entre Gandalf y Bilbo en la Comarca, y como Gandalf marca la casa del hobbit, casa a la irán llegando una importante cuadrilla de enanos, trece, entre los que se encuentra Thorin Escudo de Roble (Richard Armitage), hijo de la familia poseedora del tesoro robado por Smaug, más el propio Gandalf y le proponen ser su salteador. A partir de allí se inicial el viaje de ese hobbit llamado Bilbo Bolsón (Martin Freeman), hasta la Montaña Solitaria en busca del tesoro robado, años atrás, por el dragón Smaug. Thorin y su grupo le llevará a reclamar el reino que años atrás perdieron los enanos a manos del temible dragón Smaug. Además, en su camino, descubrirán que un antiguo y malvado poder amenaza la Tierra Media.


La salida de este curioso hobbit de los escenarios de sus espacios apacibles de Bolsón Cerrado y Hobbiton, supone su entrada en un nuevo mundo. Su viaje les llevará a lo salvaje, a través de tierras peligrosas infestadas de trasgos, orcos y huargos mortíferos, así como de una misteriosa y siniestra criatura conocida como El Nigromante. En su camino hacia el Este, en las tierras deshabitadas e improductivas de la Montaña Solitaria, se encontrarán con tres trolls hambrientos, sufrirán el ataque de orcos, de trasgos, de la naturaleza salvaje, de gigantes de piedra, pero también, se encontrarán con la ayuda de los elfos, del mago Radagast el Pardo e incluso uno de esos quince aventureros, el hobitt saqueador Bilbo, encontrará una extraña criatura a orillas de un lago subterráneo, vieja conocida que responde al nombre de Gollum con más dentadura de lo habitual – 9 dientes- y mucho más voraz, que cambiará la vida de Bilbo para siempre, y lo convertirá en portadora de un anillo dorado al que está atado el destino de toda la Tierra Media. Tras múltiples aventuras que los alejan del Poniente los personajes tendrán que escapar de los túneles de los trasgos que lo encamina hacia su destino. Con ellos Bilbo, el hobitt, con su anillo de poder está ligado de tal manera al destino de toda la Tierra Media que Bilbo no es capaz siquiera de imaginar.

Sobre la película estrenada el día 13 de diciembre ya se han escrito multitud de críticas, unas en revistas y prensa americana, otras en diarios españoles y revistas de cine. En filmaffinity.com se recogen tanto las que aplauden abiertamente al film como la de Anthony Lane en el The New Yorker afirmando que la película "Se subtitula como 'Un viaje inesperado', aunque hace poca justicia al resultado. Si Jackson fuera más exacto, podría haberla llamado 'Todavía lejos' o 'A medio camino' (...) Nos deja más atónitos que emocionados" hasta las estrictamente positivas como la de Lou Lumenick en el New York Post cuando escribe que el film de Jackson "Ofrece suficientes delicias visuales y secuencias de acción para satisfacer a los fans y mucho más humor que las otras películas de 'Lord of the Rings' - aunque sólo ocasionalmente alcanza la grandeza de la trilogía (...). Otras críticas americana son más crueles como la de Todd McCarthy en The Hollywood Reporter: "En términos puramente cinematográficos, es un poco cansina (...) Hay elementos en esta película que son tan espectaculares como lo eran los de la trilogía de los anillos, pero también tiene mucho tedio, especialmente al comienzo.", o simplemente negativas como la de Richard Corliss en la revista Time cuando afirma que "La película carece de majestuosidad. Es grande en sus partes, pero a menudo resulta demasiado grandiosa o grandilocuente, y su duración es indefendible. Otros son más tibias sin ser crueles como la de Peter Debruge en la revista Variety "El hobbit alterna recompensa y abuso del apetito de la audiencia por la Tierra Media. (...) la principal novedad es técnica (...) una innovación que mejora el movimiento a costa de la elegancia visual." Peter Travers en la revista Rolling Stone dice que "Serkis contribuye a convertir 'El Hobbit' en todo lo que una vez soñaste -una fantasía con el poder de encantar tus sueños. Una pena que la película tarde tanto en llegar hasta ahí (...).

En España los que escriben han ido en esa línea crítica, entendida como crítica negativa, como , por ejemplo, leemos en la que hace Carlos Boyero en el Diario El País al afirmar lacónicamente que "El hobbit es más de lo mismo. Sobran por fatigosas las aclaraciones. La única innovación es que se puede ver en 3D." Más amables se muestran en Fotogramas tanto Fausto Fernández como Jordi Costa , en la que afirma el primero que la película "Provoca una extraña sensación en quienes no acabamos de disfrutar de la trilogía anterior: la de, por fin, entender la vertiente lúdica, no tan grandilocuente, de la historia. Porque el mayor acierto de una película dilatada en su locura visual es hallar ese tono ligero de gran entretenimiento" ; mientras que el segundo dice: "Jackson siempre ha apostado por la retórica del exceso, pero, hasta el momento, nunca habían faltado los hallazgos de ingenio y forma. Aquí, sí, 'El Hobbit' es sólo levadura, una supuración histérica sobre el referente literario". Sin embargo, mis críticos favoritos, que son mis hijos, afirman que la película es una pasada por su tono de aventuras, de efectos especiales y sobre todo por su ritmo frenético que va siempre en crecimiento. Están en la línea de lo firmado por hijos Sergi Sánchez en el Diario La Razón: "Estamos ante un filme impecable, minucioso, pulido hasta el delirio (...) Jackson se ha obsesionado tanto en satisfacer a los fans (...) que se ha olvidado de inyectarle algo de vida al conjunto".

Señala José Luis Caviaro en su entrada titulada “El hobbit: Un viaje inesperado', agotador pero gozoso regreso a la Tierra Media” en su magnífico blog “blogdecine.com” que Jackson apuesta en esta superproducción por repetir elementos que ya habían resultado exitosos en su trilogía anterior. Y tiene razón, el alega que lo hace para minimizar riesgos tras la inverión de unos doscientos millones de dólares, y con dos partes más en camino. Yo pienso que lo hace para dar cohesión narrativa a ambas trilogía. Caviaro indica – y tiene razón- que desde el comienzo Jackson se dedica a reciclar ideas y recursos que funcionaron en la anterior trilogía. Esto se hace visible desde el prólogo de la película en la que nos muestra el declive del reino de los enanos —de nuevo el mensaje de la corrupción por el poder y la riqueza— y la pérdida de Erebor ante la llegada del dragón; al igual que nos contó Jackson al inicio del Señor de los anillos como se forjaron los mismos. Más tarde, incluye un flashback sobre un sangriento combate donde Thorin demostró su valor y se ganó el apodo de “Escudo de Roble”. También Jackson tira de espacios conocidos con localizaciones similares, cuando no idénticas como ocurre con Rivendel o con Bolson cerrado. Igualmente Caviaro señala de forma afortunada como el director neozelandés tira de efectos anteriores como cuando Gandalf aumenta de estatura al enfadarse en la casa de Bilbo mientras oscurece la habitación, o Thorin convertido en otro Aragorn, la escena en la que corta el brazo al orco es como la de Sauron perdiendo los dedos de la mano…

Sobre otras cuestiones técnicas como el uso – o abuso- del 3D me remito a lo dicho por Caviaro, pues yo la he visto en pantalla tradicional.

Sobre los actores que voy a decir de los ya conocidos de la magnífica primera trilogía. De los otros resaltar el papel del para mí Doctor Watson, es decir, Martin Freeman, quien dijo que sí enseguida cuando le ofrecieron el papel pero luego estuvo a punto de tener que rechazar la propuesta por culpa del rodaje de ‘Sherlock’ (2010-2013). Despejada la gran incógnita sobre el hobbit protagonista quedaba por saber cuántos actores de la trilogía de ‘El señor de los anillos’ volverían a aparecer en ‘El hobbit’. La respuesta es Ian McKellen, Cate Blanchett, Elijah Wood, Orlando Bloom, Hugo Weaving, Christopher Lee, Andy Serkis e Ian Holm. Aunque la labor de muchos de ellos será anecdótica, meros cameos es un gustazo volverlos a ver.

Aparte de Freeman, entre las novedades del reparto destacan Evangeline Lilly, Stephen Fry, Lee Pace, Benedict Cumberbatch —¡ah, es Sherlock! — y los intérpretes que dan vida a los trece enanos que acompañan a Bilbo en su aventura, Richard Armitage, Mark Hadlow, Jed Brophy, Adam Brown, Peter Hambleton, John Callen, Aidan Turner, Dean O’Gorman, James Nesbitt, William Kircher, Stephen Hunter, Ken Stott y Graham McTavish (Thorin, Dori, Nori, Ori, Glóin, Óin, Kíli, Fíli, Bofur, Bifur, Bombur, Balin y Dwalin, respectivamente).

La producción implicó un gran reto técnico y logístico. Para hacerla posible se utilizaron los Stone Street Studios, las instalaciones de Peter Jackson en Miramar, Nueva Zelanda, que triplicaron su tamaño desde que fueran empleadas en el rodaje de “El Señor de los Anillos”. En esta ocasión, se usaron hasta 3,2 hectáreas del complejo, que abarcaban seis escenarios de los que dos se construyeron para la película. En ese proceso, Peter Jackson contó con algunos de sus colaboradores habituales y reconocibles en la anterior trilogía, a saber el director de fotografía Andrew Lesnie, el compositor Haward Shore, el director artístico Dan Hennah, el diseñador o los artistas de la compañía Weta Joe Letteri y Peter Swords King. Hennah, por ejemplo, tuvo que trabajar con hasta 350 personas.

Se ha escrito que una de las principales dificultades del proyecto fue adaptar la incorporación del 3D al manejo de la perspectiva para personajes de distintas alturas, que varían entre 1.2 metros de altura hasta más de 2.1 metros. Parece ser que para escenas en las que comparten plano, se utilizó una cámara dotada de la tecnología punta Slave Motion Control, para la que se empleó la siguiente técnica: se construyeron dos sets para situar la acción, uno con el tamaño necesario para los actores y otro con pantalla verde para que altos y bajos aparecieran en la misma escena. Así, se grababa la misma secuencia de forma simultánea y sincronizada, para después unir digitalmente las tomas. La película fue rodada con la cámara Red Epic, fabricada a mano y que registra imágenes a una velocidad de 48 fotogramas por segundo: «es una experiencia técnica completamente distinta que muestra el desarrollo increíble que se ha dado en el mundo digital durante los últimos diez años», comentó el director de fotografía.

Entre los escenarios más destacados, el equipo de producción levantó, como ya hiciera en “El Señor de los Anillos”, la población de Hobbiton en granja Alexander, en la región de Matamata en la Isla Norte de Nueva Zelanda. Asimismo, se crearon nuevos sets como la casa del bosque de Radagast o la cueva de Gollum. Para recrear Rivendel, sin embargo, se volvió al set original y se amplió mediante efectos visuales. Otro aspecto interesante es la ingente cantidad de prótesis, maquillaje y complementos con los que se equipó a los intérpretes: «Con la excepción de Bombur, que utilizaba un protésico de cara completa, casi todos los demás usaban una pieza en T, que solo cubría la frente y la nariz y que se mezclaba con la piel», explicó en su momento Richard Taylor, diseñador de vestuario y armaduras, armas, criaturas y caracterización y jefe creativo de Weta Workshop. «Hicimos siete pelucas para cada enano, un total de 91 pelucas», comentó por otro lado el diseñador de maquillaje y cabello Peter Swords King. «Casi todas eran de cabello de yak, pero Thorin tenía una peluca de cabello humano para sugerir su condición de realeza», algo que es visible en el cómo se hizo que ha presentado estas navidades la Sexta3.

Por otro lado, llama la atención el lenguaje. En este caso hemos visto en esta primera entrega bastante subtítulos. Y es que otro de los desafíos que presentó la propuesta cinematográfica fue el lingüístico, dado que fue preciso crear una versión oral del khuzdul, la lengua de los enanos creada por Tolkien. En el apéndice de “El Señor de los Anillos”, el escritor describía la conexión entre grafías y pronunciación, pero aún así el lingüista David Salo se vio obligado a crear nuevas estructuras que apuntalaran la consistencia de esa lengua, así como nuevo vocabulario: «No se necesita conocer la lengua al detalle, pero sí hay que saber cómo se percibe, en la mente y en el habla, y hacer lo posible para que lo que inventes sea consistente con esa sensación». También escuchamos a lo largo del filme la lengua de los Orcos, así como la de trasgos y elfos. Nos encontramos en una nueva Babel como quería Tolkien.
El hobbit: un viaje inesperado batió en su primer fin de semana el récord de recaudación para un estreno en diciembre en los Estados Unidos, con 84,8 millones de dólares con lo que superó la anterior marca que estaba en posesión de Soy leyenda con 77,2 millones de dólares en 2007; de igual manera la película de Jackson a nivel internacional también fue un éxito durante su primer fin de semana recaudando cerca de 140 millones de dólares. A día de hoy se estima que la recaudación de esta película supera con creces los 550 millones de dólares. Parece que Jackson ha vuelto a dar con la clave del éxito, al menos, así nos parece a mis hijos y a mí.



Imágenes de “El hobbit: Un viaje inesperado”, película distribuida por Warner Bros. Pictures International España © 2012 Metro-Goldwyn-Mayer, New Line Cinema y WingNut Films. Todos los derechos reservados para estas empresas.

La venganza del camarógrafo




Empecé el año con un clásico, con el pionero del cine español, Segundo de Chomón. Lo continué con la más grande película realizada hasta ese momento, año 1914, y que este año cumplió su centenario realizado , Cabiria, y, ahora que encamino y me aproximo al final del 2014, analizo una de las primeras películas de animación de la historia, rusa para más señas, y que lleva por título Miest Kinomatograficheskovo operatora (1911) - The Cameraman's Revenge o La venganza del camarógrafo. 

La película de unos trece minutos de duración y, por supuesto, en blanco y negro con tendencia en algunos momentos al azul, y que, curiosamente, responde a la idea del cine dentro del cine. Los protagonistas en este caso son unos insectos (escarabajos, libélulas o saltamontes) que, a modo de fábula, sufren las aventuras y desventuras propias de los seres humanos, incluyendo traiciones, venganzas, actividades profesionales , como el camarógrafo, y castigos – prisión , finalmente-. 

El autor de esta primera obra de animación fue Władysław Starewicz ( o Vladislav Starevich) nacido en 8 de agosto de 1882 en Moscú, de padre polaco y madre lituana, y fallecido en Francia en 1965. 

Es curiosa la trayectoria personal de Władysław Starewicz. Pasó su infancia con su abuela en Kaunas, pero asistió al Gymnasium en Tartu, (Estonia). 

En 1910 Starewicz fue nombrado director del Museo de Historia Natural en Kaunas, Lituania. Allí, entre 1909 y 1910, en parte por sus vínculos con la naturaleza y el carácter divulgativo de la misma, comenzó su carrera con director realizando cuatro documentales cortos para el museo. 

Estos llevaban por título Nad Niemnem (1909) - Más allá del río Niemen , Zycie Ważek (1909) - La vida de la libélula, Zukow Walka (1909) - La Batalla del escarabajos ciervo y Piękna Lukanida (1910) – o The Beautiful Lukanida, la primera película de animación de marionetas y con trasfondo de tragedia griega. 

Sin embargo, su cambio conceptual aparece en La Batalla del escarabajos ciervo de 1909, cuando Starewicz quiso dejar constancia de la batalla de dos grandes escarabajos, pero se vio obstaculizado por el hecho de que las criaturas nocturnas morían por culpa de la iluminación del escenario. Inspirado por una visión de Les Allumettes animées (1908) de Émile Cohl, Starewicz decidió recrear la lucha a través de la animación, creando el modelo de la stop-motion, mediante insectos a los que se añadía alambres articulados. El resultado fue el nacimiento de la animación rusa. 

En 1911, Starewicz se trasladó a Moscú y comenzó a trabajar con la compañía de cine de Aleksandr Khanzhonkov. 

Allí hizo dos docenas de películas, la mayoría de ellos animaciones títeres utilizando animales muertos a los que incluía anexos de alambres para articiularlos. Ya había realizado La bella Leukanida , la primera película de títeres con una trama inspirada en la historia de Agamenon y Menelao, o la Cigarra y la Hormiga (1911) con la que Starewicz obtendrá un reconocimiento por parte del zar. 

Pero la película más conocida de este período, fue la que disfruté anoche en soledad que lleva por título Mest kinematograficheskogo operatora (La venganza del camarógrafo) película, que unas fuentes marcan en 1911 y otros en 1912, una obra acerca de la infidelidad y los celos entre sus protagonistas , en este caso, insectos. Más tarde Starewicz realizará otras películas para Khanzhonkov en la que se entremezclan los personajes humanos con la animación. Particularmente famosa fue una película ya comentada del año 1913, de 41 minutos, y titulada La noche antes de Navidad, una adaptación de la historia de Nikolai Gogol del mismo nombre. 

Durante la Primera Guerra Mundial, Starewicz trabajó para varias compañías de cine pero tras la Revolución de Octubre de 1917, parte de la comunidad cinematográfica se alineó con el Ejército Blanco, Starewicz , entre ellos, y se trasladó de Moscú a Yalta, en el Mar Negro. 

Después de una breve estancia, Starewicz y su familia huyeron antes de que el Ejército Rojo pudiese capturar la península de Crimea, pasando a Italia por un tiempo antes de unirse a los emigrados rusos en París. Allí pasó el resto de su vida. Starewitch murió el 26 de febrero de 1965, mientras trabajaba en Comme chiens et chats (Como perros y gatos). 

Este director fue uno de los pocos animadores europeos en ser conocidos por su nombre en América antes de la década de 1960, en gran parte a causa de La Voix du rossignol y Fétiche Mascotte. Sus películas rusas eran conocidas por su humor negro. Mantuvo cada marioneta que hizo, por lo que las estrellas en una película repitieron como personajes secundarios en obras posteriores (las ranas de Grenouilles qui demandent roi son los más antiguos de estos). 

Desde 1991, Leona Beatrice Martin-Starewitch, la nieta de Ladislas Starevich y su marido, François Martin, se dedicaron a restaurar y distribuir películas de su abuelo. 

Desde este año 2014, la ciudad de Fontenay-sous-Bois y el Fondo documental de la familia Martin-Starewich organiza proyecciones película Ladislas Starewich en el cine municipal Kosmos. 

En cuanto a la película Miest Kinomatograficheskovo operatora (1911) - La venganza del camarógrafo - es la primera de las trece películas que realizó entre 1911 y 1914. La película de la productora de Khanzhonkov se estrenó en Rusia el 27 de octubre 1912 . 

La versión que he visto está producida por Milestone como The cameraman´s revenge and others fantastic tales , y que a pesar de ser muda contiene música de Robert Israel interpretada por Yuri Tsivian. Viene con intertítulos en inglés. 

Comienza con el anuncio de la vida tranquila que llevan el señor y la señora escarabajo, y como el señor escarabajo marcha, de vez en cuando, a la ciudad en un coche, un taxi, que lleva un escarabajo ciervo. En la ciudad el Sr. Beetle va a un night club, el “Gay dragonfly” en el que baila, evidentemente, una libélula que actúa justamente detrás del baile de una rana. 

Tres espectadores acuden al baile de la libélula (un escarabajo ciervo, un escarabajo y un saltamontes). Ellla tontea con los tres, pero finalmente se marcha con el escarabajo dejando dolido al saltamontes que, además, es un camarógrafo. 

A la salida de la nueva pareja, que se marcha junta en un taxi, el saltamontes espera y les sigue con su bicicleta hasta la habitación de ella. El trío llega al Hôtel d´amour. El saltamontes graba la llegada de la pareja de amantes tras lo cual sube a la habitación donde graba el apasionado idilio, no sin dificultades , pues al final es descubierto por el escarabajo. 


Mientras en la casa la señora beetle escribe a un amigo pintor al que vemos en su taller. Al recibir la carta en la que ella le dice que está sola, el pintor no tiene duda de ir a la casa para encontrarse con ella. 

Tras ponerse su sombrero con un pluma, toma un cuadro y se encamina para la casa de su amante. Allí ella se prepara para el encuentra al calor de lumbre de una chimenea. Nada más producirse el encuentro , entra en la casa el señor escarabajo. 

El señor Beetle encuentra al pintor y le rompe su cuadro en la cabeza, iniciando una pelea que los lleva hasta el exterior de la casa y que acaba con la marcha del saltamontes. Pero como nos dicen los intertítulos, el señor escarabajo es tan generoso que se olvida de todo y decide llevara su mujer al cine. Lo que no sabe que el maneja el proyector es el saltamontes. 

La historia que ve la pareja es , precisamente, la que rodó y tiene como protagonista la infidelidad de Mister Beetle o sea el escarabajo. 

Sin embargo, la señora Escarabajo pronto se entera de las infidelidades de su marido pues la película que ven es el material de archivo que el saltamontes celoso hizo sobre el señor Escarabajo y la libélula juntos. La reacción del público (mariposas, escarabajos,…) no se hace esperar y , menos la de ella, quien golpea repetidas veces a su marido con el paraguas. 


Tras verla la señora Escarabajo rompe su paraguas sobre el Sr. Escarabajo y el Sr. Escarabajo salta a través de la pantalla. El señor Beetle al huir sube hasta el proyector y allí se encuentra con el saltamontes, retomando la pelea y originando un incendio. En la escena final encontramos a la paeja en alegre compaña, pero … en la cárcel. 


Esa mezcla de curiosidad por el mundo animal, especialmente por los insectos, y por el cine que sentía Wladislas Starewicz se funde en este cortometraje que trata de la historia de un triángulo amoroso entre el Sr. Escarabajo, un saltamontes artista, y la señora Escarabajo. 

La historia de este engaño mutuo entre la pareja de escarabajo es similar a un corto de Biograph o Vitagraph de su tiempo. Lo interesante en la obra de Starewicz en la utilización de escarabajos embalsamados a los que se colocaban alambres para las piernas y conseguir a través de ellas la animación fotograma a fotograma, o sea en stop motion. 

La historia se articula cuando el Sr. Escarabajo queda atrapado sin saberlo por las imágenes de una cámara en su relación con una libélula por un saltamontes celoso. 

Aquí los insectos se colocan en lugares humanizados, como una casa o un club nocturno, y se les da características humanas de los celos, la ira, la lujuria y venganza. Los personajes de insectos llevan maletines, automóviles de unidad, e incluso usar zapatos sin embargo, también se contraen sus antenas y abrir y cerrar sus mandíbulas como insectos reales haría. 

Lo más destacable son los movimientos fluidos de los insectos que se mueven lentamente por la pantalla. Acción se sucede con intrincados detalles, pero la rapidez y el ritmo se pierde en el proceso. A pesar de su ritmo, la película es un excelente ejemplo de las marionetas principios de Starewicz y es muy recomendable.


jueves, 18 de diciembre de 2014

El fantasma de Corleone


En mi deseo por conocer lo que fue el mundo de la Cosa Nostra desde mediados de los setenta hasta llegar a la detención  del que fue considerado como el Fantasma de Corleone, Don Bernardo Provenzano, he llegado hasta un documental que lleva el sugerente título de Il fantasma de Corleone: la cattura de di Bernardo Provenzano que he visto en italiano y que me ha encantado. 
El fantasma de Corleone: el arresto de Bernando Provenzano es una película documental italiana del año 2006 dirigido por Marco Amenta. El documental fue producido y distribuido por Eurofilm Simonetta Amenta, en coproducción con ARTE (Francia), Cine Mediterráneo, ARD (Alemania), a pesar de la distribución con problemas.
La película fue estrenada en los cines el 30 de marzo de 2006, pocos días antes de la detención del jefe, recaudando alrededor de 30 000 euros.
La película es una investigación que reconstruye la historia del “capo di capi” corleonés Bernardo Provenzano, desde que empieza a manifestarse dentro del clan mafioso de Corneole, y ligado a la figura de Toto Riina hasta su llegada a la cúpula desde los silencios más absolutos, llegándose a pensar que Don Bernardo era realmente un fantasma.
Se trata realmente de un docudrama planteado como una road movie intensa y dolorosa marcada por la presencia de un periodista que nos guía por los recovecos de una localidad y un personaje de lo más desconocido, tan desconocido que habiendo sido declarado culpable en infinitas ocasiones, siempre en rebeldía, no había sido visto en más de cuarenta años.
Con el guión de Andrea Purgatori y Marco Amenta, y la producción de Simonetta Amenta para Eurofilm, Mediterranea Film, arte. En el apartado tecnico cuenta con la fotografía de Fabio Cianchetti, el magnifico montaje de Patrizia Cerasani y Claudio Di Mauro, el vestuario de Gabriella Fiore, la escenografía de Marcello Di Carlo y la música de Paolo Buonvino y Mario Modestini. Aparecen en el filme Pino Corrado, Donatella Finocchiaro y Marcello Mazzarella.

El reportaje contará con testimonios inquietantes, actuaciones, declaraciones de los jueces y fiscales, historiadores de la mafia, los abogados – el propio de Don Bernardo- e investigadores, marcada por escenas de asesinatos y persecución reconstruidas a ritmo de un thriller, así como imágenes sacadas de documentales. Y es que la desaparición de este capo durante un periodo de cuarenta años , siendo además cabeza visible de la Cosa Nostra, será un importante misterio en la Italia de los noventa y primeros años del siglo XXI. La historia, como veremos al final, se clarificará el 11 de abril de 2006, cuando Provenzano fue arrestado en una casa de campo cerca de Corleone.

El documental comienza con el atentado salvaje que mató a Giovanni Falcone, las declaraciones en su entierro de Rosaria Costa, de 22 años, difundidas por la RAI en todo el país, que la viuda de este último escolta, pronunció ante la multitud cambiaron para siempre la historia de Italia: “Yo, Rosaria Costa, viuda del agente Vito Schifani, en nombre de todos los que han dado su vida por el Estado pido que se haga justicia, ahora. Quiero decirles a los hombres de la mafia, porque los hay aquí dentro, que no son cristianos. Sabed que para vosotros también existe la posibilidad de perdón. Yo os perdono, pero tenéis que arrodillaros si tenéis el valor de cambiar”. Con esa declaración sumada al discurso en Agrigento, 9 de mayo de 1993, del Papa Juan Pablo II, - el Papa Wojtyla-, en contra de la estela de asesinatos, cometidos por la mafia, por el control de la extorsión, el mercado de las drogas y contra la ley así como contra el Estado italiano se rompió la omertá, el silencio mafioso que sepultaba la isla, y demostró que se podía hablar en voz alta, sin miedo.
Tras una entrevista con Roberto Scarpinato y Guido Lo Forte, fiscal adjunto de la fiscalía de Palermo, y con Giuseppe Linares, jefe de escuadrón Trapani que nos comenta las peculiaridades de la Cosa Nostra y su arraigo en la isla mediterránea vamos desarrollando la historia hasta la recreación de una imagen difusa en algo más nítida. Para dar esa imagen , primera figurada, y luego real, escuchamos las declaraciones de antiguos mafiosos arrepentidos como Nino Giuffre, colaborador de Bernardo Provenzano.
Con ellos pasaremos por la primera guerra de la mafia y la segunda guerra de la mafia que dan tanto el auge como la caída de Salvatore Riina. La masacre de Capaci, de 23 de mayo de 1992 en el que fue asesinado el magistrado antimafia Giovanni Falcone y realizada por Peter Rampulla y Giovanni Brusca, a los que se sumaron otros 12 mafiosos, instigadores de la masacre, entre ellos Salvatore Montalto, Giuseppe Farinella, Salvatore Buscemi, Giuseppe Madonia, Carlo Grecco, Peter Aglieri, Benedetto Santapaola, Mariano Agata bajo las directrices de los corleoneses que por la masacre serían declarados culpables en el proceso de 2008.
También conocemos a Roberto Scarpinato, que en 1992 el fiscal adjunto de la Fiscalía de Palermo, quien nos cuenta con "Bernardo Provenzano primero era un agricultor, (…) al que apodaban el tractor porque en los tiroteos eran tan violento como un tractor, que se ha convirtió en jefe de la Cosa Nostra. No es exagerado decir que Provenzano no es el monstruo, pero Provenzano es una parte de esta sociedad. » .

Guido Lo Forte, fiscal adjunto de la fiscalía de Palermo comenta igualmente que "Provenzano es el jefe de la mafia y también era un asesino feroz, Provenzano hizo su carrera como hombre de la mafia, según el rito, un asesino, un hombre de negocios, un estratega . »

Giuseppe Linares, jefe de escuadrón Trapani explica en el documental, del que parece que es casi protagonista, las empresas, las adquisiciones, sus sacrificios familiares y las alianzas con políticos locales, hasta llegar a la captura del fugitivo que lo estaba desde el 17 de septiembre 1963, cuando mata a tres hombres de Navarra, cuando aún formaba parte del grupo de Liggio junto a Bagatella y Riina y pasa a la clandestinidad. A partir de esta fecha, no se tiene más fotos y se convierte en un fantasma dentro de los Corleonesi.

El 10 de diciembre de 1969, ese clan el de los Corleonesi entraron oficialmente en Palermo, poniendo fin a la primera guerra de la mafia con la matanza de Viale Lazio, a partir de la extorsión a empresarios, a los mercados y a cualquier tipo de negocio de una parte de la ciudad de Palermo y tomar la dirección del tráfico de drogas. Mediante una estructura militar férrea vence en la segunda guerra de la mafia (Giuseppe Calderone), en sustitución de todas las familias de Palermo que se exterminaron en parte y en parte huyen al extranjero (Salvatore Inzerillo, y por extensión la familia Inzerillo o Gaetano Badalamenti o Tommaso Buscetta) un punto de inflexión entre la vieja mafia, hecha de reglas duras de honor y la nueva sangre con la declaración de la guerra al estado típico del clan Corleone.
Salvatore Riina y Bernardo Provenzano ordenarán el asesinato de la familia de los arrepentidos ( Pino Grecco, Leonardo Vitale. Massacano todo el clan de Santa María de Jesús, incluyendo el jefe Stefano Buono). Buscetta se convirtió en el colaborador más importante de la justicia, porque revela los organigramas y los planes de la mafia a Giovanni Falcone desde 1984 y lleva a la Sala de los Juzgados Palermitanos con el Maxiproceso de 1986 a toda la Cosa Nostra. Riina sigue siendo el líder indiscutible de la cúpula de Palermo, y su fiel consejero es Bernardo Provenzano, , contando con la ayuda de Nino Giuffre, Matteo Messina Denaro, Salvatore Lo Piccolo y Andrea Manciaracina, Buonafe di Natale y Benedetto Spera.
La segunda guerra de la mafia implica 5.000 muertos, entre ellos mujeres y niños, activando casi una guerra preventiva. Salvatore Riina está en el poder hasta el 15 de enero de 1993, cuando fue detenido, en circunstancias misteriosas. Su lugar es ocupado por el jefe oculto Bernardo Provenzano.
Fue presentada en los principales festivales internacionales (Chicago, Cork, Río de Janeiro, Festival Internacional del Mediterráneo, Annecy, Premio de Italia, Courmayeur Noir in Festival, , Syracuse.) 
En 2006, también ganó el premio al "Mejor Producción" a "El AltroCinema FF" y parte de "EtruriaCinema". Fue distribuido por SKY Italia y RaiCinema y fue nominado a los Globos de Oro en 2006 y la Cinta de Plata en 2007 por "Mejor Documental italiano".

martes, 16 de diciembre de 2014

El último padrino


Podría haber sido el último Compadre, tal y como nos hubiese comentado Saviano en referencia al nombre que los camorristas dan  a sus jefes, pero maticemos, en este caso nos refererimos a Bernardo Provenzano y a la serie que sobre él hizo Mediaset con el sugerente título Il capo dei capi: L´ultimo padrino (Provenzano, 2008). 
Y es que hay historias que me impactan tanto que generan una necesidad compulsiva de saber más y más. Y eso es lo que me está pasando con la historia de la subida al poder de la Cosa Nostra por parte de los Corleonesis, de cómo Toto Riina pasó a ser Capo dei Capi. Pero uno de aquellos personajes secundarios que rodeaban a Riina se va a convertir en el protagonista real y ficticio de esta segunda parte de esta historia que trata sobre los Jefes de la Mafia Siciliana, en este caso de alguien tan desconocido, tan fantasmagórico como fue Bernardo Provenzano, l ´ultimo capo dei corleonesi. 
Hablamos en este caso de otra miniserie tan biográfica como dramática creada para la televisión en 2008, dirigida por Marco Risi, producido por Taodue Film y RTI y transmitido en Italia en el canal 5, entre el 13 y 14 de enero del año 2008. 
Más tarde fue presentada por el Canal 4 y Mediaset extra. En este caso y a diferencia de la primera son únicamente dos capítulos de noventa minutos que surgieron del guión de Stefano Bises, Leonardo Fasoli y Stefano Rulli, la música de Giancarlo Bigazzi y la fotografía de Marco Onorato. 

Tiene como principales interpretes a Michele Placido como Bernardo Provenzano, a Daniele Pecci como Roberto Sanna, a Micaela Ramazzotti como Eleonora Massa, -Fiore-, Marco Leonardi como Emanuele Africano, -Africa-, Raffaele Vannoli como Andrea Morelli, -Gigante- Ninni Bruschetta como Fabrizio Lorri, -Alfiere-, Nino Frassica como Nino Morra, -Occhiuzzo-. A estos se suman Imma Piro como Saveria Benedetta Palazzolo, Donato Placido como Don Michele Lo Pane, Biagio Pelligra como Don Pippo Cappello, Francesco Benigno como Matteo Canistra, Carmelo Galati como Giuseppe Canistra, Gaetano Amato como Ciccio Manara, Giovanni Martorana como Totò Cicero, Orio Scaduto como Mimmo Matricolo y Alfredo Li Bassi como Santino. 

La historia que parte de las imágenes de las diversas masacres realizadas por la Cosa Nostra tomado de varios programas de noticias se centra en los últimos años de actividad delictiva de un enfermo Bernardo Provenzano, el último jefe conocido de los jefes de la Cosa Nostra siciliana tras de la detención, en enero de 1993, de Totò Riina , una vez convertido en "Il capo dei capi"), y asumido el control total de la Cosa Nostra. y por los miembros del crear un grupo especial de investigación (el Gruppo Duomo) de la Policía de Estado compuesto por veinticinco de sus mejores agentes con la única misión de encontrar y detener a Bernardo Provenzano.  El grupo Duomo había sido especialmente instruidos para encontrarlo y capturarlo. Para la policía, Provenzano, conocido como Zio Binnu y U Tratturi (El Tractor), era un auténtico fantasma cuyo rostro ni siquiera conocían.


La única fotografía en la que se le identifica está fechada en 1958. A pesar de tener un dispositivo especial para dar caza a Provenzano, la policía se enfrenta a uno de sus más difíciles retos: localizar y detener a un capo ‘invisible’del que únicamente habrá noticias veraces hasta momentos antes de su detención llevada a cabo en 2006 por la policía estatal.
Ahora Bernardo Provenzano (Michele Placido), que sucedió en 1993 a Toto Riina a la cabeza de la Cosa Nostra, es el criminal más buscado de Italia. Está mayor y enfermo con un cáncer de próstata. Vaga por las montañas de Sicilia a pesar de que el capo Provenzano sufre enormes dolores físicos y se hace cargo de una organización brutal, pero eficaz. La nueva apuesta desde la detención de Riina es hacia lo sutil e impredecible pues ya no actúa con asesinatos y ataques al estado, sino aliándose con la sociedad más cercana, la de contadini y pastores que viven en las maserías, como él de forma anónima, invisible. El antiguo jefe intenta por todos los medios pacificar a todas las familias mafiosas. Pero , en paralelo, estos intentos de apaciguamiento no evitan que un equipo de la policía llamado Grupo de la catedral, coordinado por el inspector Roberto Sanna (Daniele Pecci), quien junto con un grupo de agentes, formados por una chica, (Micaela Ramazzotti como Eleonora Massa, -Fiore-), y unos cuantos agentes de calle, interpretados por Marco Leonardi como Emanuele Africano, -Africa-, Raffaele Vannoli como Andrea Morelli, -Gigante- Ninni Bruschetta como Fabrizio Lorri, -Alfiere-, investiga para intentar capturar al fugitivo. Sanna, tras la captura de varios "pizzini", descubrirá uno de los escondites de Provenzano, arrestando a un jefe principal y al descubrimiento de las necesidades de medicamentos específicos para el tratamiento contra la próstata y las formas de comunicación mediante pequeños textos escritos por una máquina de escribir.

Cómo brazo derecho, Bernardo Provenzano tiene la desgracia de la detención por parte de la policía de Nino Morra Occhiuzzo- (Nino Frassica) después del asesinato de dos hombres de negocios que estaban bajo su protección.
A continuación, Occhiuzzo rompe con la omertá pasando der ser un hombre de honor y transformarse en un traidor, y comienza a trabajar con Sanna, haciendo revelaciones sobre el plan para transformar Provenzano Cosa Nostra en una organización "invisible" e incluso a dar detalles personales de lo que para la policía es un fantasma desde 1958. Comenta el carácter religioso del Corleonés, sus enormes manos y las vías de comunicación con los suyos. Provenzano, por su parte, se comunica con su esposa Saveria Benedetta Palazzolo (Imma Piro) y con otros a través de su jefe de Pizzini e intenta y , finalmente consigue, hacer la paz entre las familias de la mafia encabezadas por Don Michele Lo Pane (Donato Placido), y Don Pippo Cappello (Biagio Pelligra), esta última que acaba de regresar de los Estados Unidos de América.
Sin embargo, Bernardo está enfermo de próstata, por lo que tras ser atendidos de forma sigilosa por médicos italianos es finalmente operado en una clínica en Marsella gracias a la ayuda de los hermanos Mateo y José Canistrà con los que consigue cruzar el país y retornar al mismo. Sanna investiga y descubre gracias a los pinchazos que el viejo padrino fue a la ciudad francesa a operarse y todo su equipo viene a arrestarlo. Sin embargo, Don Bernardo huye. Poniendo así final al primer episodio.
La llegada de Sanna y sus hombres abre el segundo y último capítulo.Provenzano ha huido del hospital con sus dos hombres. Un vez en la montaña cercana a Corleone Provenzano llegará a la conclusión que Don Michele Lo Pane (Donato Placido) está detrás de la muerte de un miembro de la familia Capello, por lo que ha violado el acuerdo, y así que reúne a todos los jefes de la mafia para hacer la paz, y establece la participación de la Cosa Nostra en la entrada en los grandes asuntos financieros a través de la creación de empresas gestionadas por la Cosa Nostra en Sicilia. Sanna tiene la posibilidad de interceptar la reunión, pero el clan será prevenido, y así surge la sospecha de que dentro de la policía hay gente de la mafia infiltrada.
Esto induce Sanna adoptar otro método de investigación, el arresto de los hermanos Canistrà, Matteo (Francesco Benigno) y Giuseppe (Carmelo Galati). Tras llegar a la conclusión de que Cosa Nostra está detrás o en el negocio - con una empresa en el norte de Italia- para la construcción de un centro comercial (Monte Cavallo), sus bienes serán confiscados.
Sanna ahora sospecha que Provenzano se esconde en Corleone y sigue en su intento de darle caza a pesar Occhiuzzo sostiene que el antiguo padrino (o tío como es llamado por sus hombres) no pueden ser capturados.
Provenzano, por su parte, se reúne con Lo Pane en Corleone, diciendo que viven una nueva etapa en Cosa Nostra, más cercana a los hombres de negocios que a la violencia extrema que caracterizó a los corleonesi en la década de los noventa, bajo en mandato de Riina.
Ahora el negocio está en la construcción del puente sobre el estrecho de Messina. Mientras esto ocurre el grupo de Sanna logra acercarse al clan familiar de Provenzano y entre los pizzini o notas manuscritas, más tarde, tras intervenir colocando cámaras disimuladas por todo Corleone dan con un coche que lleva a Sanna y a su grupo a la guarida del jefe.

Desde el día en que fue capturado, Bernardo Provenzano no habló mucho; sólo reiteró con insistencia una única petición: quería esa vieja Biblia, subrayada y llena de recortes de papelitos adhesivos post-it, porque dijo, en coloquios con los responsables de la administración penitenciaria, que se trata del "libro más bello de todos", y que "no hay que leerlo, sino interpretarlo". 

Así 18 de abril 2006 Sanna y los suyos irrumpen con sus hombres en el refugio de Montagna dei Cavalli, muy cerca de Corleone, la casa de campo en el que se oculta y detiene el padrino de la persona, poniendo así fin a su cuarenta escondite. 

En el lugar de la detención se intervinieron, además de su Biblia, más de 200 pizzini o notas manuscritas (anotaciones y pequeños papeles) que podrían aportar datos de gran interés para los investigadores. Con esto se pone fin a la serie y a los corleoneses, el clan más cruento que haya conocido la Cosa Nostra. 

El rodaje se llevó a cabo principalmente en Siderno, Gerace, Canolo y Caulonia todas ellas localidades de  Calabria.

Me ha gustado esta segunda serie ahora centrada en Provenzano, serie - que por cierto, he visto en taliano, copn la dificultad que para mi tiene esto-  en la que apenas se repiten actores de la anterior, pero en este caso nos muestra  atanto al mafioso como al hombre. Algo curioso que la serie, como ya hizo con su homónima centrada en Toto Riina, nos descubre que estos hombres de honor tan sanguinarios son básicamente eso, hombres. Y se cumple así algo que había comentado en su momento el juez Falcone. “Los hombres de honor no son ni diabólicos ni esquizofrénicos. No matarían a sus madres por unos gramos de heroína. Son hombres como nosotros”, y éste proseguía en los siguientes términos. “La tendencia del mundo occidental consiste en exorcizar el mal proyectándolo sobre etnias y comportamientos que se antojan diferentes a los nuestros. Por contra, si queremos combatir a la Mafia de manera eficiente no debemos transformarla en un monstruo ni pensar que sea un pulpo o un cáncer. Debemos reconocer que se nos parece". Tremendo, pero cierto.  

lunes, 15 de diciembre de 2014

Un Doctor regenerado


Anoche pusimos fin a esta nueva temporada del Doctor. El Doctor es único y no requiere presentación alguna, pero , eso sí, el Doctor se ha regenerado. No hay duda que está más vivo que nunca y pongo un ejemplo real como la vida misma. Un brillante alumno de segundo bachillerato que, una vez acabado el curso, pasó por el instituto a saludar a su querida profesora de inglés. El chico llevaba una camiseta con la TARDIS. Cuando se la vi le pregunté si era un whovians, algo ya evidente, y se puso a saltar , algo histérico, y a preguntarse por qué no le había dado clase. Me comentó que desde el 50 aniversario esperaba como agua de mayo la nueva temporada con su nuevo Doctor. Ahora el Doctor es Peter Capaldi. Ya no es jovial. Ya no es encantador ni juguetón. Ahora es viejo, arisco y aparentemente un poco malvado. 

Una vez visto los doce ya sabemos que no, pues sigue queriendo con todo su alma a la especie humana, a pesar de todo. Como digo, Peter Capaldi tras la marcha de Matt Smith como el Undécimo Doctor, es el Duodécimo Doctor, y es la duodécima encarnación del protagonista de la serie británica de ciencia ficción de la BBC Doctor Who. Capaldi hizo su primera aparición como el Doctor en el especial navideño de 2013. En este temporada ha contado con la valiosa compañía de Clara Oswald (Jenna Coleman), la última acompañante del Undécimo Doctor. Peter Cataldi se convierte se así en el actor más veterano sustituyendo al más joven en hacerlo, Matt Smith. Ahora el doctor ha cambiado de estética pues viste una chaqueta larga azul oscuro, con el interior de color rojo, pantalones azul oscuro, una camisa blanca y botas, un look ideado por Howard Burden, director de vestuario de la serie. Sin lujos, sin bufanda. El rodaje de la octava temporada comenzó en enero de 2014 y su estreno se a nivel internacional el 23 de agosto del mismo año. Madame Vastra, Jenny Flint y Strax se han manifestado en algunos capítulos, pero en esta ha tenido protagonismo por sí mismo, Danny Pink, interpretado por Samuel Anderson. 

En esta octava temporada de la nueva entrega participan en la construcción de guiones de algunos episodios un clásico como Mark Gatiss, que volvió de nuevo a la serie para escribir el guión del tercer episodio. A estos se unen, Steven Moffat o Steven Moffat. Entre los directores que han participado esta temporada se encuentran Ben Wheatley (episodios 1 y 2), Paul Murphy (episodios 3 y 6), Douglas Mackinnon (4 y 5) y Rachel Talalay (11 y 12). 

El primero de esos doce capítulos de la octava temporada de la serie británica se titula Deep Breath (Respiración honda) emitido en BBC One y estrenado simultáneamente en cines el 23 de agosto de 2014. Su autor es el show runner y productor ejecutivo de la serie, Steven Moffat, y su director es Ben Weatley. Constituyó el debut oficial como titular del doctorado para Peter Capaldi como el Duodécimo Doctor, y le acompaña Jenna Coleman su acompañante habitual, o sea, Clara Oswald. También aparecen Neve McIntosh, Catrin Stewart y Dan Starkey como los personajes recurrentes Madame Vastra, Jenny Flint y Strax. Fugazmente aparece Matt Smith haciendo un minicameo cameo como el Undécimo Doctor, y hace su primera aparición Michelle Gomez interpretando a Missy. La acción, algo parada por el tránsito entre un Doctor y otro, se desarrolla en el Londres Victoriano, la policía llama al equipo formado por Madame Vastra, Jenny Flint – extraña la relación entre ambas ¿normalizando la homosexualidad?- y Strax, cuando de repente aparece un gigantesco tiranosaurio justo delante del Parlamento. Vastra se da cuenta de que algo tiene atascado en la garganta, y poco después el dinosaurio escupe la TARDIS. De ahí aparece el Doctor, seguido por una confusa Clara. Mientras el Doctor comienza a hablar delirando se esfuerza por recordar quienes son las personas que le rodean. Clara explica a los otros que el Doctor se acaba de regenerar. Abrumado, el Doctor se desmaya, y los demás le llevan a su casa a descansar. Vastra logra hacer que el Doctor se duerma, y después se enfrenta a Clara reprochándole su actitud llena de prejuicios hacia la nueva cara del Doctor, bastante más envejecida que la del decimoprimero. Clara admite que aún se está intentando adaptar al nuevo Doctor por su total diferencia con el anterior. Mientras, el Doctor se despierta, y se dirige hacia el dinosaurio, al oír sus ruegos de ayuda por su soledad. Sin embargo, cuando llega, con sus amigos siguiéndole, el dinosaurio estalla en llamas. Furioso y en busca de respuestas, el Doctor descubre que este no es el primer caso reciente de combustión espontánea en Londres, y después de ver un extraño hombre sin rostro al otro lado del río, se zambulle en el Támesis para comenzar su investigación... 
Tras la emisión, Deep Breath recibió alabanzas muy positivas de la crítica televisiva británica, con muchos alabando el guión de Moffat, la presentación y estilización del nuevo Doctor, y las interpretaciones de Capaldi y Coleman. The Guardian calificó la interpretación de Capaldi como "intimidatoria, atrevida e intranquilizante", y alabó la dirección de Bean Wheatley Por su parte, The Mirror criticó el cameo de Matt Smith como el Undécimo Doctor. Sin embargo, calificó como el episodio de "impecable" y dijo que Capaldi "tiene todas las características de un gran Doctor". El episodio también tuvo por otra parte bastantes críticas negativas, la más notable la de Forbes, que calificó la historia como "extrañamente recesiva, poco heroica y aburrida" y calificó a ambos personajes de Capaldi y Coleman como "insípidos", y me temo que yo tuve la misma sensación. La emisión alcanzó un share del 32,5%, casi un tercio del total de todos los espectadores. 

P. Ford y S. Moffat están detrás del guión del segundo episodio fue Into the Dalek (Dentro del Dalek) y fue emitido el 30 de agosto de 2014. Este episodio fue dirigido, al igual que el primero, por Ben Wheatley. Marcó la primera aparición de Samuel Anderson como Danny Pink, un personaje recurrente en esta octava temporada. El Duodécimo Doctor salva a una soldado rebelde de una nave que está a punto de ser destruida por naves de los Daleks. Al llegar a la base de la soldado, le piden que sea el "doctor" de un paciente muy especial, un Dalek herido que encontraron a la deriva y que parece haberse "vuelto bueno". Mientras tanto, en Londres, Clara conoce a Danny Pink, un nuevo compañero, profesor de matemáticas y no de educación física de la escuela Coal Hill. Al parecer Danny es un ex-soldado veterano de la guerra en Afganistán con traumas de esa experiencia, y que ahora enseña matemáticas en el colegio. Tras quedar para tomar algo, el Doctor pasa a recogerla para que le ayude en su misión de ayudar al Dalek. La misión consistirá en que ellos dos, así como tres soldados de apoyo, incluida la soldado que salvó el Doctor al principio, serán miniaturizados e inyectados dentro del cuerpo del Dalek, para buscar la causa de la herida interna de este y salvarle si es posible, pero deberán hacer frente a los peligrosos mecanismos internos de defensa del Dalek, sus anticuerpos capaces de reducir a polvo a cualquiera en cuestión de segundos. Al final del episodio descubrimos que un Dalek nunca puede ser bueno. 
Into the Dalek recibió mayoritariamente críticas muy positivas. Simon Brew de Den of Geek escribió que el episodio reclama por derecho propio el ser "un punto brillante de la serie", y que fue "un episodio realmente bueno y entretenido".Calificaron , algunos críticos, como "uno de los episodios más divertidos desde hace uno o dos años".The Guardian Alabó al reparto de invitados, específicamente el desarrollo del personaje de Zawe Ashton en un espacio tan corto de tiempo. Alabó a Ben Wheatley por "evocar un sentido genuino de amenaza claustrofóbica", y pensó que el episodio "funciona fantásticamente bien".Terry Ramsey en The Telegraph dijo que "Puede que sea difícil de creer en un Dalek bueno, pero después del Sábado por la noche, es fácil creer que este será un buen Doctor" 

Robot of Sherwood es el tercer episodio de la octava temporada de Doctor Who. Fue emitido el 6 de septiembre de 2014, escrito por Mark Gatiss y dirigido por Paul Murphy. El episodio narra una aventura del Doctor y Clara en la Inglaterra medieval, dónde cruzan su camino con el afamado Robin Hood, personaje del que Clara está platónicamente enamorado y le pide al Doctor que lo lleve a su encuentro. Cuenta con los actores invitados Tom Riley y Ben Miller, que interpretan a Hood y el sheriff de Nottingham, respectivamente. El Doctor le ofrece a Clara la oportunidad de que sea ella la que escoja el próximo destino de la TARDIS, y ella dice que quiere conocer a Robin Hood. A pesar de que el Doctor le avisa de que Robin Hood es un personaje de ficción, la lleva a la Inglaterra de la época en la que se ambientan sus historias, y para sorpresa de ambos, la TARDIS se materializa justo en frente de Robin Hood. El Doctor no confía en él, y se muestra incrédulo cuando Robin les lleva a conocer a sus hombres, todos como cuentan las historias. Cuando al día siguiente se presentan al concurso de la flecha de oro, todo se complica cuando los hombres del Sheriff de Nottingham revelan ser robots, lo que lleva al Doctor a pensar que Robin es un robot igual que ellos. 
El escritor Mark Gatiss explicó que su intención para el episodio era «mostrar al Doctor con Robin Hood en 45 minutos». Luego expandió: «La premisa es intrínsecamente divertida, pero el resultado es frívolo.» Se grabó en el Castillo de Caerphilly el 17 de abril. 

Douglas Mackinnon dirige Listen (traducido como Escucha) es el cuarto episodio ideado por S. Thompson y S. Moffat, emitido en la BBC el 13 de septiembre de 2014. En él comenzó a detallarse el personaje de Danny Pink, interpretado por Samuel Anderson, y hace un breve cameo John Hurt como el Doctor Guerrero, mediante imagen de archivo. El Duodécimo Doctor se siente observado dentro de la TARDIS, especialmente cuando en una pizarra aparece escrito el mensaje "Listen / Escucha", sin que él recuerde haberlo escrito, a pesar de que es su letra. Mientras, Clara está teniendo su primera cita con Danny, y aunque comienza como una velada agradable, por una serie de malentendidos acaban ofendiéndose mutuamente y Clara se marcha del restaurante enojada. En su casa, le está esperando el Doctor, decidido a investigar las historias universales de gente que siente que algo o alguien les observa en ciertos momentos, a pesar de no haber aparentemente nadie, y el miedo universal a los terrores que supuestamente se ocultan debajo de la cama. Con esa idea, el Doctor hace que clara se conecte con el circuito telepático de la TARDIS, para que ella les lleve a un punto de su infancia, en algún recuerdo bloqueado por su subconsciente en el que tuvo esa sensación. Sin embargo, cuando han despegado, Danny la llama por teléfono, y ella se distrae, lo que provoca que acaben aterrizando no en la línea temporal de Clara, sino en la de Danny, al que ven en un orfanato, de pequeño, justo cuando estaba siendo aterrorizado por alguna criatura desconocida... 
En el episodio se explican las razones por las que el Doctor Guerrero escogió un granero abandonado en El día del Doctor (2013) para activar el Momento que iba a destruir a los Señores del Tiempo. El granero pertenece a la casa del Doctor en su infancia. Listen recibió alabanzas tanto de la crítica como del público, con muchos alabando el guión de Moffat, la dirección de Mackinnon y las interpretaciones de Capaldi, Coleman y Anderson. The Independant calificó el episodio como "Posiblemente el episodio más terrorífico de Steven Moffat hasta la fecha", y también alabó la interpretación de Coleman diciendo que "Clara está de vuelta a su mejor momento". Cerraron su crítica diciendo que "Listen es el episodio más fuerte de Doctor Who hecho por Moffat hasta la fecha”. 

Time Heist (traducido como Atraco temporal) es el quinto episodio emitido el 20 de septiembre de 2014. Clara está a punto de tener una cita con Danny, y el Doctor intenta convencerla de que le acompañe de viaje con él en la TARDIS a cualquier parte. De improviso, el teléfono de la TARDIS comienza a sonar, y el Doctor lo descuelga... El siguiente recuerdo que tienen el Doctor y Clara es que están en medio de un gran banco espacial junto con dos personas más, Psi, un hacker con el cerebro mejorado cibernéticamente, y Saibra, una mutante humanoide con la capacidad de cambiar de forma. Los cuatro están sujetando gusanos de memoria que borran los recuerdos de las últimas horas al tocarlos, y tienen una grabación en la que ellos mismos afirman que han borrado sus recuerdos intencionadamente. Otra grabación de otro ser misterioso conocido como el Arquitecto les informa de que su misión es llegar hasta la cámara acorazada y hacerse con algo de gran valor de su interior, algo del valor suficiente como para que los cuatro se embarcaran en la misión y aceptaran borrar sus propios recuerdos, por lo que deciden realizar el trabajo. Pero la seguridad del banco es aparentemente impenetrable, y el Escrutador, una criatura con la capacidad de detectar la culpa y alimentarse de las mentes de sus víctimas, les acecha. 

G. Roberts y S. Moffat son los responsables de The Caretaker (en español, El Conserje) – como guionistas- el director es Paul Murphy -, el sexto episodio emitido por la BBC el 27 de septiembre de 2014. Fue el episodio en el que se reveló a Danny Pink el secreto del Doctor y de sus viajes en el tiempo en la TARDIS. Clara trata de compaginar como puede su doble vida, por un lado sus viajes con el Doctor , ahora con el alias de John Smith, por el otro su relación con Danny y su trabajo de profesora. En la última aventura, el Doctor decide que Clara no vaya con él, y ella decide aprovechar para pasar más tiempo con Danny. Sin embargo, entra en shock cuando el Doctor se presenta en el instituto como el nuevo conserje, y no le tranquiliza el hecho de que el Doctor no le desmiente que la seguridad de los niños no está en peligro. Danny por su parte, comienza poco a poco a sospechar del Doctor al intuir que Clara le conoce y que le está ocultando algo. Mientras, oculto en un almacén cercano a la escuela, una extraña máquina mata a un policía con una sola ráfaga de disparos... 
El episodio recibió críticas positivas. Richard Beech de The Mirror calificó el episodio de "divertido, ligero, y entretenido de principio a fin", y alabó la rutina cómica de Capaldi. 

Peter Harness y Paul Wilmshurst son los responsables de Kill the Moon (traducido como Matar a la Luna el séptimo episodio . Ahora el Duodécimo Doctor decide llevarse a Clara y su estudiante Courtney de viaje en la TARDIS. Aterrizan en el año 2049 en un módulo que se dirige hacia la Luna. La expedición va hacia allí para investigar el destino de una misión anterior diez años atrás, de la que la última transmisión que llegó a la Tierra fueron gritos desgarradores. Nada más llegar, al Doctor le sorprende que la gravedad en la Luna es más elevada de lo que sería normal, y comienzan a ser atacados por una horda de arañas gigantes... El Doctor usa un yo-yo para comprobar la gravedad de la Luna. 
El rodaje se hizo en Lanzarote, cerca del Volcán del Cuervo, en el Parque Nacional de Timanfaya. La crítica recibió positivamente el episodio, sobre todo en lo relativo al guion, la dirección y la interpretación de Jenna Coleman. Escribiendo para The Daily Telegraph, Ben Lawrence señaló que "Kill the Moon fue un ejemplo excelente de Doctor Who llegando a distintas generaciones, algo que no siempre se ha hecho en las últimas semanas". Dan Martin para The Guardian señaló que "el estallido de Clara fue la siguiente etapa en lo que a mí más me gusta de esta serie. Más que nunca antes, están mostrando la realidad de salir corriendo a luchar contra alienígenas con un detective espacial que viaja en el tiempo. Y, ¿sabes qué? Esta vida no es todo vino y rosas". Martin señaló que Coleman está estupenda toda la temporada. 

Paul Wilmshurst es el director de Mummy on the Orient Express (traducido como Una momia en el Orient Express) es el octavo episodio ideado por el guionista Jamie Matheson . Después de lo que sucedió en su anterior aventura (Kill the Moon) Clara parece haber decidido dejar de viajar con el Duodécimo Doctor, pero ambos se embarcan en un último viaje de despedida, un viaje de placer en una versión espacial del Orient Express, decorada como el original de los años veinte. Sin embargo, todo comienza a complicarse cuando los pasajeros empiezan a morir misteriosamente. Todas las víctimas afirman ver a una monstruosa momia que nadie más puede ver, y todos mueren exactamente 66 segundos después de verla por primera vez. 
El episodio recibió críticas muy positivas. El columnista de The Guardian Dan Martin diciendo "Al final, un auténtico nuevo monstruo aterrador que nos haga escondernos tras el sofá", algo que pensó que le estaba faltando a la temporada actual hasta ahora. Lo llamó "un triunfo del diseño de producción realizado con imaginación", y alabó el debut como guionista en el programa de Jamie Matheson por mezclar "monstruos geniales" y "extrañas dinámicas de Tardis". 

Jamie Mathieson es el guionista de Flatline (traducido como Línea plana) es el título del noveno episodio de la octava temporada que dirige Douglas Mackinnon . El Duodécimo Doctor está trayendo a Clara de vuelta a casa de una aventura. Cuando aterrizan, el Doctor se da cuenta de que algo está extrayendo energía de la TARDIS y está provocando que sus dimensiones se alteren, haciendo que el exterior de la TARDIS se encoja. Clara sale en busca de información mientras el Doctor se queda dentro investigando la fuente. Cuando Clara descubre que han estado desapareciendo personas en la zona en los últimos tiempos, vuelve a decírselo al Doctor, pero la cabina ha encogido a tamaño de juguete, y el Doctor se ha quedado atrapado dentro, pues la puerta también se ha encogido y no puede salir, aunque le entrega a Clara un audífono para comunicarse, el papel psíquico y el destornillador sónico, y ella comienza a investigar haciendo como si fuera el Doctor. Pronto descubrirá que hay unas extrañas criaturas procedentes de un universo paralelo bidimensional que están capturando personas para diseccionarlas, convirtiéndolas en pinturas planas para estudiarlas y poseerlas para así intentar tomar forma tridimensional y conquistar nuestro universo, mientras un grupo de operarios de limpieza que se encargaba de tapar los grafittis que confundieron con las víctimas se ven envueltos junto a Clara en una carrera por su vida. El Doctor, atrapado en la TARDIS también está en peligro, ya que las criaturas están absorbiendo la energía de la TARDIS para tomar forma tridimensional, y están acabando con el soporte vital de la nave, dejando al Doctor aislado y agotándose el aire. Morgan Jeffery de Digital Spy hizo una crítica mixta del episodio, llamándolo "una carrera a trompicones". Neela Debnath de The Independent alabó las interpretaciones de Capaldi y Coleman, y pensó que este era el episodio más firme de los dos de Mathieson.

In the Forest of the Night (traducido como En el bosque de la noche) sigue el guión de Frank Cottrell Boyce, siendo la directora Sheree Folkson y es el título del décimo episodio de la octava temporada moderna Mientras Clara, Danny y un grupo de estudiantes pasaban la noche en un museo como actividad extraescolar, durante la noche ha brotado todo un bosque que ha cubierto no solo todo Londres, sino también todo el planeta. El Duodécimo Doctor se entera de ello cuando una niña que corre perdida por el bosque se topa con la TARDIS. Se trata de una niña que al parecer tiene alguna clase de enfermedad mental por la que se está medicando, y que pertenece a la clase de Clara y Danny. Pero el Doctor no tarda en sospechar que la niña tiene algo especial que no tiene ningún origen patológico. Mientras, Clara y Danny junto a los niños intentan abrirse camino por el bosque, y operarios intentan abrir camino quemando los árboles, para descubrir que son ignífugos, el Doctor intenta resolver el misterio del origen del bosque. Ben Lawrence de The Telegraph le dio cuatro estrellas sobre cinco y lo calificó de "potente". La historia contiene muchos elementos inspirados por el cuento clásico de Caperucita Roja. 

Con guión de Steven Moffat y dirigido por Rachel Talalay se presenta el undécimo episodio que lleva por título Dark Water (traducido como Agua oscura). Es la primera parte de una historia en dos episodios. En él se descubre la verdadera identidad del personaje de Missy, interpretada por Michelle Gomez, después de varios cameos a lo largo de la temporada. Clara Oswald está hablando por teléfono con Danny, quien está andando por la calle para ir a verla, y Clara declara su amor, pero tras un silencio, una voz de mujer le comunica que Danny ha sido atropellado y que ella encontró el teléfono que salió despedido. Danny ha muerto, y Clara tiene la idea de extorsionar al Doctor para que viole las reglas del tiempo y cambie el pasado para salvar a Danny. Pero el Doctor ha anticipado esta traición, y antes de que se produzca le ofrece a Clara una alternativa, hacer que la TARDIS viaje literalmente al otro mundo, o donde quiera que se encuentre Danny, para ir a por él y traerlo de vuelta al mundo de los vivos sea como sea, mientras Danny, en el otro mundo, intenta asimilar a duras penas que acaba de morir. 
El rodaje comenzó poco después, el 16 de junio. Las localizaciones incluyen Cardiff, Pontypool y la St. Paul's Cathedral. El episodio tuvo una respuesta muy positiva de la crítica. Michael Hogan del Daily Telegraph le dio 5 estrellas sobre 5, y lo llamó "un viaje apropiadamente tétrico que hace temblar los huesos". Alabó el origen de los miedos cotidianos como el miedo a la muerte, y alabó las interpretaciones de Capaldi, Coleman, Anderson y Gomez.
Neela Debnath de The Independent dijo que el episodio fue "triste, divertido, aterrador y romántico" y "es todo lo que puedes pedirle a un final de Doctor Who al día siguiente de Halloween".

Death in Heaven (traducido como Muerte en el cielo) es el título del duodécimo y último episodio de la octava temporada. Con guión de Steven Moffat y dirigido por Rachel Talalay.
Los Cybermen tienen un plan que han ido tejiendo en colaboración con Missy a lo largo de siglos incontables. Están equipados con "cyber-pólen", con el que crean nubes cuya lluvia infecta todos los cadáveres humanos de la Tierra a lo largo de los siglos, instalándoles las mentes de los recién fallecidos que se encontraban en la Netherspera, entre ellos Danny, y convirtiéndoles a todos en un ejército inagotable de Cybermen al servicio de Missy que destruirá el mundo. UNIT aparece entonces para encargarse del asunto, y Kate Stewart comunica al Duodécimo Doctor que en una situación de emergencia global como ese, el protocolo indica que el Doctor será nombrado presidente de toda la Tierra para enfrentarse a la contingencia. 
El episodio recibió mayoritariamente críticas positivas. Dan Martin, para The Guardian alabó la interpretación de Michelle Gomez, señalando que "tiene una combinación perfecta de locura y malevolencia que es tan del Amo".

El 6 de septiembre de este año Mon Suárez escribía en el ABC que Steven Moffat ha regenerado al Doctor por segunda vez. En esta ocasión ha querido darle un poco de continuidad a su etapa anterior; recordemos que cuando él entró como Showrunner de la serie, el cambio fue tan radical que la etapa de Russell T. Davies prácticamente desapareció de un plumazo. 
Refiriéndose al primer episodio decía Suárez que todo va más despacio; las referencias a Matt Smith (el anterior Doctor) son constantes y los secundarios de la anterior etapa vuelven para darle cierta continuidad al nuevo Doctor, incluidos el trío victoriano formado por la reptil, su mujer y el sontaran . 
Sin embargo una vez vista esta temporada podemos decir que el pasado es recurrente, pero sólo en parte. Evidentemente hubo una intención de transformación al Doctor, pero – y tiene razón Mon Suárez- que Moffat no se ha atrevido a hacerlo todo de golpe , eso sí, la entrada de un Peter Capaldi da alas a este nuevo Doctor y que nos ha llegado finalmente a quererle un poco, pero los cambios siempre son complicados y , tras doce, episodios estamos adaptados a ellos.