Before Dawn

Con el título de Héroes al amanecer me encuentro con una muy buena película - o , al menos, a mi me ha gustado- australiana, del género bélico que se desarrolla durante la primera Guerra mundial que evidentemente tiene como protagonistas a los soldados australianos que participaron en este caso en el frente del Somme.

La película está basada en textos de diarios de guerra reales de soldados australianos. De cualquier manera hay un protagonista y este es el joven Jim Collins, un “tirador de primera”, que abandona la granja familiar muy a pesar de su padre y que sea lista en el Anzac para luchar en el frente occidental. 

Jim Collins (Levi Miller), un joven virtuoso que abandona la granja de ovejas del interior del país, de su familia para servir en la guerra, y que es desplegado con otros miembros de la milicia Anzac en el frente occidental. 

Before Dawn comienza con imágenes del campo de batalla (ratas merodeando, soldados navegando por trincheras embarradas) antes de mostrarnos la vida de Jim en casa y la toma de una decisión tan determinante para su vida. 

Poco después, la película nos va mostrando como los soldados avanzan por terrenos peligrosos, comparten momentos de unión, se enfrentan a la muerte y a terribles dificultades, ganan amigos y enemigos, se enfrentan entre ellos, luchan codo con codo, ríen, lloran, ...

Vamos conociendo a través de cinco o seis soldados , entre los que destacan Thomas Nickels (Travis Jeffery) con el que mantendrá una tensión  a lo largo de la película por responsabilizar a Collins de la muerte de su hermano , Big Tooth (Tim Franklyn), el Sargento Beaufort (Myles Pollard ), el solado Don ( Ed Oxenbould), Archie ( Peter Sullivan) o el cabo Beale  (Stepenns Peacocke ), el día a día de la guerra el efecto que tiene sobre los mismos. La situación es devastadora especialmente para allí que va viendo como sus compañeros iban cayendo día a día y su batallón queda cada vez en en una cifra mucho más reducida. 

Tras varios años en el frente en 1918 el grupo de soldados o lo que queda de él, participa activamente en la histórica batalla de la línea Hinderburg. 

Con el retorno del protagonista a su casa termina la película tras casi 900 días en el estancamiento de barro y sangre del Frente Occidental.. 

Se trata de una película estrenada en Prime en 2024 y que está dirigida por el aussie Jordon Prince-Wright, y que participó tanto en la dirección como en el guion y en la producción de la película por medio de la Prince- Wright Productions, aunque también aparecen Umbrella Entertainent y BlueFinch

Los protagonistas de la misma son Levy Miller, Ed Oxenbould, Stephen Peacoke, Travis Jeffery, Myles Pollard y Tim Franklin. 

Se dice que costó 900.000 dólares en movimientos de tierra cavar las trincheras, transformando las tierras de cultivo de Esperance, Australia Occidental, en entornos que pueden asemejarse plausiblemente (con un esfuerzo) al terreno de la Europa desgarrada por la guerra. 

La película de Prince-Wright, con guion de Jarrad Russell, avanza y retrocede en el tiempo mientras cuenta la historia del largo despliegue de Jim, los “compañeros” y lo que sucede en el “Día 28”, el “Día 753”, etc., en gran parte subrayado por el diario de guerra de Jim o las cartas a casa, recitadas en off. 

En The Guardian se dice de la película que "Al ver Before Dawn, resulta evidente que este drama sobre la Primera Guerra Mundial no contaba con un presupuesto lo suficientemente grande como para realizar recreaciones de campos de batalla a gran escala; en cambio, hay muchas escenas que siguen a los personajes dentro de las trincheras, con la cámara colocada bajo el nivel del suelo. El director Jordon Prince-Wright explota la espacialidad restringida de estos escenarios, a menudo manteniendo tomas cerradas y orientadas a los humanos, con escasos detalles de ubicación. " Y en la crónica del The Guardian se añade que "le da a la experiencia un ligero toque de desesperación y tal vez desvía la atención de áreas en las que necesitaba trabajo, como el guion, que no aporta nada realmente nuevo y carece de un arco convincente. Compartir momentos de unión, encontrarse con la muerte y las dificultades horribles, ofrecer reflexiones melancólicas acompañadas de una banda sonora orquestal " 

Para terminar "Los productores no han querido decir cuánto ha costado hacer la película, pero no parece que sea mucho. Los presupuestos nunca son un indicador de calidad; de hecho, los grandes presupuestos tienen todo tipo de consecuencias, a las que alude la gran cita de Orson Welles: “El enemigo del arte es la ausencia de limitaciones”. Pero el dinero y los recursos pueden ser especialmente importantes en géneros como la ciencia ficción, los dramas de época y las películas de guerra, especialmente si se basan en entornos con expectativas visuales y puntos de referencia particulares. " 

En Movie Review se destaca que "El cineasta australiano Jordon Prince-Wright se ha arriesgado mucho en su primer largometraje, que dedica a su abuelo en los créditos finales. Pero, ambición aparte, “Dawn” no se puede comparar con la mejor película australiana sobre la Primera Guerra Mundial (“Gallipoli”), y mucho menos con los clásicos “Paths of Glory”, o con cualquier versión de “Sin novedad en el frente” y “1917”, aunque su película está muy por encima de la mayoría de los esfuerzos independientes por recrear el Somme, etc., con un presupuesto minúsculo. ".

Hay que reconocer que la película tiene buenas secuencias de combate, recreaciones razonables de esa tierra de nadie - No Man’s Land- , la presencia de una tipología propia del cine bélico con arquetipos   como el sargento cumplidor pero comprensivo interpretado por Myles Pollard , las promesas sobre el inminente final  o situaciones trilladas de la guerra, con el extraño toque australiano. 

La última bandera

Es curioso ver una película que habla de la desaparición del Imperio Austrohúngaro en el otoño del año 1918, y que esa película haya sido rodada parcialmente en Viena pero sobre todo en España puesto que en sus lugares de rodaje se identifica Madrid Talavera de la reina, pantano de Cazalegas, el monasterio de Uclés sito en Tarancón y en el municipio toledano de Oropesa.

Sorprende igualmente ver a un buen número de actores británicos que hacen de oficiales germanos pero con una tropa principalmente de actores españoles, entre las que sobresalen Verónica Forqué, así como una buena parte de los secundarios. 

El estandarte o como se llamó en su estreno internacional , The Standard o  Die Standarte, es una película dramática bélica de 1977 dirigida por Ottokar Runze , que también es productor junto con Otto Boris Dworak y protagonizada por Simon Ward , Siegfried Rauch y Peter Cushing . 

Fue realizada como una coproducción entre Austria, España y Alemania Occidental. La película está basada en la novela de 1934 El estandarte de Alexander Lernet-Holenia(1897-1976) quién fue testigo de excepción en los acontecimientos narrados, convertida en película de 1935 Mi vida por María Isabel en la Alemania nazi. Se estrenó en el Festival de Cine de Cannes .

Estamos ante una película del género bélico, una coproducción hispano alemana austriaca,  dirigida por Ottokar Runze, en la que están implicadas la vienesa Neue Thalía Film, las alemanas Norddeutsche Filmprofuktion y Norddeutsche Rundfunk y la española Orfeón producciones cinematográficas,  y que cuenta con un reparto internacional en la que la Forqué aparece acompañada de Simon Ward, Siegfriend Rauch, Víctor Staal, Gerd Böckmann, José Canalejas, Lil Dagover,  Robert Hoffmann, Jon Finch como Chabinsky incluso aparece Peter Cushing como el vidente y premonitorio Barón Hackenberg. 

La película cuenta con el trabajo del decorador José Luis Galicia y con el asesor histórico Peter Scharff, el maquillador Julián Ruiz, el montaje de Tamara Karabetian y y que cuenta como como responsable del guión fue Herbert Asmodi que adapto la novela homónima original de Alexander Lernet Holenta. La música fue el amor de Hans Martin Majewski y la fotografía de Michael Epp. 

La historia nos lleva al final de la primera Guerra mundial, en octubre, cuando un alférez de nombre Menis ( Simon Ward)  del Ejército austrohúngaro llega a Belgrado tras pasar seis meses en un hospital militar para formar parte del regimiento que ha defender el territorio ocupado de Belgrado. 

Nada más llegar va a la Ópera de la capital a escuchar Las bodas de Figaro de Mozart y ante la vista del palco que tiene enfrente se enamora perdidamente de una asistente de la archiduquesa de Austria, Resa, la princesa de Hannover ( Verónica Forqué) , que se encuentra en la capital serbia. 

Cuando la conoce, surge entre ellos un romance irrefrenable, a pesar de la categoría social que los separa, pero es inevitable. Sin embargo, la guerra los separa. 

El joven en su destacamento sabe que las tropas eslavas que luchan a su lado lo que realmente desean es la desintegración del imperio de los Habsburgo, pero los jefes militares son ajenos a este hecho y ello afectará a su campaña de guerra en la que sufrirán ataques que resultarán fatídicos para ellos. 

Debido al código militar, los soldados deberán luchar y morir por preservar la bandera de los reyes, la cual acabará en manos del protagonista y contará para ello con la ayuda de sus camaradas Botenlauben ( Siegfried Raug ) o Koch Klein (Robetrt Hoffmann ) 

Ahora su objetivo es el llevar la bandera hasta el Palacio Imperial de la Casa Real de Habsburgo, lugar al que pertenece. El código militar exige que los soldados luchen y mueran por defender la bandera imperial. 

Se inicia así un proceso de lucha entre los eslavos (Ruthenos de Galitzia, Croatas,húngaros...) que integran la mayor parte de la tropa y que se sublevan impidiendo la huida de sus mandos y esos mandos de origen germánico que, por encima de todo quieren cumplir con su deber, en territorio enemigo ( Serbia) o en el que fuese territorio imperial como Hungría , que no acepta la presencia de las autoridades dominantes.

El alférez Menis por encima del amor opta por el deber y dejando a Resa en el tren que lo lleva a Viena, huye campo a través con  Botenlauben, uno de sus colegas , que pierde la vida en la frontera húngara y, finalmente, llega a la capital en octubre de 1918, precisamente cuando el emperador Carlos I de Austria y IV de Hungría ha renunciado a la jefatura del Estado - noviembre de 1918 y a formar parte de cualquier futuro gobierno austriaco- y nada más entregar el estandarte éste es lanzado a una chimenea ante los ojos del militar que decide darse media vuelta y salir del Palacio Imperial mientras su mundo se hunde inexorablemente.  

Se dice de ella en El Mundo que "Al ser una co-producción de varios países, el reparto lo forman actores procedentes de diferentes nacionalidades. Asimismo, Verónica Forqué (''¿Qué he hecho yo para merecer esto?'') comparte pantalla con estrellas veteranas del cine como el artista inglés Jon Finch (''Machbeth'') o la experimentada actriz alemana Lil Dagover (''El gabinete del Dr. Caligari''). La película histórica se rodó en un total de 40 días pero fue un film que se rodó a gran escala, no sólo contó con un internacional elenco sino que parte de las escenas se rodaron en diferentes rincones europeos. "

El último hombre sobre la Tierra

Un clásico. Tras haber visto a Charlton Heston, primero, a Will Smith , después, únicamente me quedaba por ver a Vicent Price en el papel de Doctor Robert Morgan. No son los Blockbuster de los setenta ni del nuevo milenio, pero creo que si recoge a la perfección lo que nos quería contar Richard Matheson en su clásico del año 1954,  I am Legend, titulada en español. Soy leyenda

En este caso la película está dirigida por Ubaldo Ragona y Sydney Salkow y estamos ante la primera versión de la obra de Matheson . Cuenta con Vincent Price y con Franca Bettoia , la que fuese esposa de Ugo Tognazzi, y Emma Danieli.

La historia está basada en la novela Soy leyenda de Richard Matheson, quien ayudó a escribir el guion bajo el seudónimo de "Logan Swanson". Los demás guionistas fueron William Leicester, Furio M. Monetti y el mismo Ubaldo Ragona. Es la primera adaptación cinematográfica de la famosa novela de Matheson.

Se trata de un producción de Robert L. Lippert cuyo diseño correspondió a Giorgio Giovannini . La película contó con la música de Paul Sawtell y Bert Shefter, la fotografía de uno de los grandes del cine mundial, Franco Delli Colli y el montaje de Gene Ruggiero y Franca Silvi. 

El elenco lo encabeza Vincent Price como Dr. Robert Morgan, Franca Bettoia como Ruth Collins, Emma Danieli como Virginia Morgan, Giacomo Rossi-Stuart como Ben Cortman, Umberto Raho como Dr. Mercer, Christi Courtland como Kathy Morgan, Antonio Corevi como Gobernador y Ettore Ribotta como Reportero.

En 1968, Robert Morgan (Vincent Price) es un superviviente que vive en un mundo post-apocalíptico. Todo es producto de una epidemia provocada por un extraño bacilo que ha asolado , primero , Europa y luego, el planeta, y convertido al resto de los hombres en vampiros.  Las calles de la ciudad donde vive están desiertas, con excepción de algunos cadáveres que yacen en el suelo. 

Lleva cerca de tres años viviendo solo, refugiándose de unos seres ( son vampiros) que solo pueden salir de noche. Su vida se ha visto reducida a una sola tarea: eliminar el al mayor número posible de esos seres sanguinarios durante el día y soportar su asedio cada noche. Para proteger su casa instala ajo y espejos en las puertas. 

Todos los días sigue la misma rutina, examinando la ciudad en busca de las criaturas, que durante el día duermen alejados de la luz del sol. 

Morgan aprovecha esto para matarlos clavándoles estacas que el mismo diseña y quemando posteriormente sus cuerpos, pero el proceso es lento. Su rutina diaria finaliza al anochecer, cuando regresa a casa y se esconde de las criaturas.

Una noche le viene el recuerdo de cómo era la vida hace poco, en el cual a través de un largo flashback se muestra la vida de Morgan antes de la plaga que arrasó con el mundo en diciembre de 1965. En aquel entonces era un científico y estaba casado con una mujer llamada Virginia (Emma Danieli), con quien tenía una hija, Kathy (Christi Courtland), de siete años de edad. 

Morgan trabajaba para el Dr. Mercer (Umberto Raho), en cuyo laboratorio estaba investigando un virus mortal que finalmente concluyen que se transmitía por aire. Tanto su hija como su esposa fueron infectadas posteriormente. 

Su compañero de laboratorio, Ben Cortman (Giacomo Rossi-Stuart), creía que el virus convertía a las personas en criaturas similares a los vampiros, lo cual explicaría que los cuerpos de los muertos estuvieran siendo quemados por las autoridades en vez de enterrados. Sin embargo, Morgan no cree en su teoría. Su carácter científico le impide pensar en eso.

Tanto su hija como su esposa murieron producto del virus; la primera fue quemada por las autoridades junto al resto de los cadáveres, mientras que la segunda fue enterrada por el propio Morgan en secreto. Esa misma noche, Virginia volvió a la vida y regresó a casa, atacando a Morgan.

Tras ese recuerdo, Morgan encuentra un perro herido, al que adopta para hacerle compañía. Sin embargo, tras analizar la sangre del perro, Morgan descubre que está infectado con el virus, y lo mata. 

Mientras entierra al animal, el científico descubre a una mujer llamada Ruth (Franca Bettoia), el primer ser humano que ve en años. Se la lleva a la casa.

En la casa, Morgan nota que Ruth es alérgica al ajo, uno de los síntomas del virus, pero la mujer le explica que simplemente tiene el estómago débil. El científico posteriormente le revela que él cree ser inmune al virus, ya que mientras trabajaba en Panamá algunos años antes, fue mordido por un murciélago infectado, lo cual a su juicio fortaleció su sistema inmunitario.

Más tarde, Morgan descubre que Ruth estaba realmente infectada, pero que gracias a una vacuna ella pudo evitar que el virus se multiplicara. La mujer le revela además que había otros sobrevivientes, también infectados, pero que se habían mantenido gracias a las vacunas. Esos sobrevivientes le tenían miedo a Morgan, ya que él se había deshecho de los cuerpos de sus seres queridos, muchos de los cuales aún estaban vivos. Ruth saca un arma, pero es incapaz de dispararle.

Morgan realiza una transfusión de su propia sangre a Ruth, traspasándole parte de sus anticuerpos y curándola. Ella le advierte que el grupo de sobrevivientes al que pertenece llegará en cualquier momento a atraparlo, pero el científico se niega a salir de la casa. 

Esa misma noche, cuando los supervivientes llegan lo persiguen hasta una iglesia, donde es herido de muerte. 

Agonizante, Morgan califica a los supervivientes de mutaciones y fenómenos, y es atravesado por una estaca de metal. Ruth llega al lugar y lo sostiene entre sus brazos mientras él muere.

Luego Ruth se separa de él se va alejando por el interior del templo y se acerca a una mujer que tiene una chica le dice que todo está ya bajo control, acabando así la película.

El último hombre sobre la Tierra fue la primera adaptación cinematográfica de la novela Soy leyenda, de Richard Matheson. El mismo Matheson participó como guionista en la película. Sin embargo, el escritor solicitó que su nombre fuese cambiado en los créditos por el seudónimo Logan Swanson, ya que no se encontraba satisfecho con los cambios que le hicieron al guion ni con la elección de Vincent Price como el protagonista de la historia. Según palabras de Matheson: " Me decepcionó El último hombre sobre la Tierra, a pesar de que más o menos siguió mi historia [...] creo que Vincent Price, a quien adoro en todas las películas que he escrito, no fue bien seleccionado para el papel. También sentí que la dirección era un poco pobre. Simplemente no me importaba".

Aunque está ambientada en Los Ángeles, la película fue rodada en Roma donde identificamos algunos edificios de la EUR , por ejemplo, contando con un buen número de interpretes y técnicos de ese país. 

Aunque en un principio no fue considerada un éxito, con el pasar de los años El último hombre sobre la Tierra fue adquiriendo una mejor reputación.

Para Jerry Renshaw del periódico The Austin Chronicle se refirió al filme como "un escalofriante estudio sobre la soledad", destacando además la actuación de Vincent Price. 

Jeff Stafford, en un artículo para Turner Classic Movies, sostuvo que "Morgan no es un superviviente heroico sino un hombre que está deprimido, agotado y en peligro de perder su propia humanidad. Price transmite esto en una interpretación sutil que está libre de su habitual teatralidad exagerada".

Un habitual de las páginas de Chicago, Jonathan Rosenbaum, por el contrario, escribió: "Algunos podrían considerar esta versión como mejor que el remake de 1971 con Charlton Heston, The Omega Man, pero eso no es un gran logro".

Steve Biodrowski de Cinefantastique destacó la fidelidad de la adaptación, pero criticó algunos aspectos como su bajo presupuesto y el doblaje de algunas escenas.

Ya en España la película considerada por Fausto Fernández como una chulada ; mientras que para Ernesto J. Pastor es una película con " Secuencias mal resueltas, cosas absurdas de guion, pero da igual, te atrapa".  Pues eso, te atrapa pues es estupenda. Un clásico del cine de terror que abre las puertas al cine de género zombie. 

Barbie

Barbie es un producto. Es una muñeca. Es un juguete. La película es un producto que nos presenta el papel que pudo jugar esta muñeca para convertirla en un icono. Pero en mi caso aburrido lo que no debe ocurrir ante una película. Me ha aburrido y mucho. Me ha parecido por momentos tediosa y por momentos, bochornosa, cuando considero que ha tenido un inicio espectacular. 

Desde luego lo que no voy a negar es el papel, el papelón, que hace Margot Robbie asume el papel protagonista en esta película. 

Indudablemente se nota la mano de Greta Gerwig que dirige esta sátira, a partir de un guion que escribió con Noah Baumbach, sobre la supuesta muñeca más famosa del mundo. Basada en las muñecas de moda de Mattel, es la primera película de Barbie en acción real después de numerosas películas animadas y especiales. Indudablemente tiene buenos momentos, pero la película es un truño. Y la presencia de Ryan Gosling como Ken, algo inexplicable. El elenco de reparto incluye a America Ferrera, Michael Cera, Kate McKinnon, Issa Rae, Rhea Perlman y Will Ferrell. 

La historia nos presenta a una Barbie que en un momento dado empieza a tener una crisis existencial dado que piensa en la muerte y se descubre celulitis. Por otro lado su parte ener no deja de ser Ken harto de su papel de secundario que de pronto descubre el patriarcado. 

No voy a discutir que el patriarcado existe pero si voy a discutir la estupidez con la que se presenta. Evidentemente es una sátira pero todo está presentado desde el cinismo. 

Con un inicio que nos recuerda a Stanley Kubrick en 2001, una Odisea en el espacio, por la gestualización, por la música , por el tono inicial y por el hecho de presentarse desde los albores del tiempo, ya que desde siempre ha habido muñecas con forma de bebé con la que las niñas podían jugar a ser madres... Hasta ese salto pan planetario en el que interestelar en el que de pronto llegó Barbie, y todos los problemas del feminismo e igualdad de derechos se solucionaron al menos eso creía Barbie en Barbiland hasta ese momento. 

La protagonista es una Barbie "estereotipada" y otras muñecas residen en Barbieland, una sociedad matriarcal poblada por diferentes versiones de Barbie, Ken y un grupo de modelos descontinuados que son tratados como parias debido a sus rasgos poco convencionales. 

Mientras que los Kens pasan sus días jugando en la playa, considerándola su profesión, las Barbies tienen prestigiosos trabajos en leyes, ciencias, política, etc. 

Ken ("Beach Ken") solo es feliz cuando está con Barbie, y busca una relación más cercana con ella, pero ella lo rechaza en favor de otras actividades y amistades femeninas. 

Tras tener un extraño pensamiento sobre la muerte, además de desarrollar mal aliento, celulitis y pies planos, alterando sus rutinas y dañando el aura de perfección clásica que experimentan las Barbies. 

Barbie "rarita" , una muñeca desfigurada, le dice a Barbie que encuentre a la niña que juega con ella en el mundo real para curar sus aflicciones. 

Barbie abandona la tierra de la música y el color de Barbieland acompañada , muy a su pesar por Ken, y cuando ambos llegan al mundo real, que parece ser que es Venice en la soleada California, ella se da cuenta de que las mujeres no pueden llegar a ser lo que quieran ser por mucho que lo firme el eslogan de Mattel y descubre una sociedad en la que los hombres no son meros acompañantes de la mujeres sino al revés.

Después de llegar a Venice Beach, Barbie golpea a un hombre después de que la toquetea. El dúo es arrestado brevemente. Alarmado por la presencia de las muñecas en el mundo real, el director ejecutivo de Mattel ordena su recaptura. 

Barbie rastrea a su dueña, una adolescente llamada Sasha, que critica a Barbie por fomentar estándares de belleza poco realistas. 

Angustiada, Barbie descubre que Gloria, una empleada de Mattel y madre de Sasha, provocó inadvertidamente la crisis existencial de Barbie después de comenzar a jugar con las viejas muñecas Barbie de Sasha. 

Mattel intenta poner a Barbie en una caja de juguetes para remanufacturarla, pero ella escapa con la ayuda de una misteriosa anciana llamada Ruth. Gloria y Sasha llegan justo a tiempo para rescatar a Barbie de los ejecutivos de Mattel, y los tres viajan a Barbieland con los ejecutivos en su persecución. 

Mientras tanto, Ken aprende sobre el patriarcado y se siente respetado por primera vez. Regresa a Barbieland para persuadir a los otros Kens para que tomen el control. 

Los Kens comienzan a adoctrinar a las Barbies en roles sumisos, como novias agradables, amas de casa y sirvientas. Barbie llega e intenta convencer a las Barbies de que vuelvan a ser independientes, pero falla y se deprime. Gloria expresa su frustración con los estándares conflictivos que las mujeres se ven obligadas a seguir en el mundo real. 

El discurso de Gloria restaura la confianza de Barbie. Con la ayuda de Sasha, la Barbie "rarita", Allan y las muñecas discontinuadas, Gloria usa su conocimiento del mundo real para desprogramar a las Barbies de su adoctrinamiento. 

Luego, las Barbies manipulan a los Kens para que luchen entre ellos, lo que los distrae de consagrar la superioridad masculina en la constitución de Barbieland, lo que permite que las Barbies recuperen el poder. Habiendo experimentado ahora la opresión sistémica por sí mismas, las Barbies deciden rectificar las fallas de su sociedad anterior, enfatizando un mejor trato para los Kens y todos los marginados. Barbie y Ken hacen las paces y reconocen sus errores pasados. 

Cuando Ken se lamenta de su falta de propósito sin Barbie, ella lo anima a encontrar una identidad autónoma. Barbie, que sigue sin estar segura de su propia identidad, se encuentra con el espíritu de Ruth Handler, cofundadora de Mattel y creadora de la muñeca Barbie, quien le explica que la historia de Barbie no tiene un final fijo y que su historia en constante evolución supera sus raíces. 

Después de despedirse de las otras muñecas y de los ejecutivos de Mattel, Barbie decide volver a convertirse en humana y regresar al mundo real. Algún tiempo después, Gloria, su esposo y Sasha llevan a Barbie, que ahora se hace llamar "Barbara Handler", a su primera cita con el ginecólogo. 

La historia de esta película se remonta a septiembre de 2009, Universal Pictures anunció una película de Barbie en acción real con Laurence Mark como productor. El desarrollo comenzó en abril de 2014, cuando Sony Pictures adquirió los derechos cinematográficos. Tras varios cambios de guionista y director y la elección de Amy Schumer y, más tarde, de Anne Hathaway como Barbie, los derechos se transfirieron a Warner Bros. Pictures en octubre de 2018. Robbie fue elegida en 2019, después de que Gal Gadot rechazara el papel debido a conflictos de agenda, y Gerwig fue anunciada como directora y coguionista con Baumbach en 2020. El resto del elenco se anunció a principios de 2022. 

El rodaje se realizó principalmente en Warner Bros. Studios, Leavesden, Inglaterra, y en el Venice Beach Skatepark en Los Ángeles de marzo a julio de 2022.

Barbie se estrenó en el Shrine Auditorium de Los Ángeles en julio de 2023 y se estrenó en los Estados Unidos a mediados de ese mes. Su estreno simultáneo con Oppenheimer de Universal Pictures fue el catalizador del fenómeno "Barbenheimer", animando al público a ver ambas películas como una función doble. 

La película recaudó 1.446 millones de dólares y alcanzó varios hitos, incluida la película más taquillera de 2023, la película más taquillera jamás estrenada por Warner Bros. y la 14.ª película más taquillera de todos los tiempos.

Barbie recibió elogios generalizados de la crítica y otros galardones, incluidas ocho nominaciones al Oscar (entre ellas, Mejor Película), ganando el premio a la Mejor Canción Original por "What Was I Made For?"; la canción también ganó el Globo de Oro a la Mejor Canción Original, mientras que la película recibió el Globo de Oro inaugural al Logro Cinematográfico y de Taquilla.

En cuanto a la crítica voy a destacar unas pocas ya que he visto hasta más de 60 críticas, la mayoría positivas. Por destacar alguna , saco a la luz la de Richard Roeper del Chicago Sun-Times que dice "Cerrando con uno de los diálogos más memorables de los últimos tiempos, 'Barbie' es un soplo de aire fresco y un fenómeno de la cultura pop (...)" o la de Peter Debruge en Variety cuando destaca de ella que la película "Siembra un feminismo potencial para las generaciones futuras y al mostrar sentido del humor ante los tropiezos de la marca en el pasado, nos da permiso para cuestionar lo que Barbie representa" 

En Gran Bretaña Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian que "Ryan Gosling está fantástico (...) La divertida tesis feminista de Greta Gerwig lo hace genial con Ken pero se queda corta en sus intentos de ser sátira y espectáculo a la vez (...). 

Ya en España pongo las más cercana a mi opinión como son la de Marta Medina en El Confidencial cuando dice de ella que es "Una comedia tan prefabricada y sin alma como la muñeca (...) una película sin matices (...) Ni tiene la chispa y la acidez de una comedia subversiva ni funciona en una lectura más allá de la evidente. (...)" 

Y quiero acabar con la de Fausto Fernández en X cuando dice que " Poseedora de algunos de los (interminables) momentos de sonrojo y vergüenza ajena del cine de las últimas décadas, Barbie es La Legopelícula (también con Will Ferrell, aquí desaprovechado hasta límites que duelen) del neoneofeminismo hipster, un suma y sigue de horrores."   

Esta es más o menos la historia de todo un éxito de crítica y de público llegando a ser la película más taquillera de 2023, cosa que por supuesto no discuto porque la estadística la que es, pero desde luego ni me ha parecido divertida, puede que sí tenga algo de mordacidad y si esto es subversivo que venga Dios y lo vea. Me quedo con la animada Barbie, princesa Rapuntzel. 

El conformista

Cuando me encontraba mejor de la vista y sobre todo allá por los 90 me dio por leer literatura italiana contemporánea y dentro de ella leí algunas obras de Alberto Moravia, uno de los escritores más representativos de la literatura italiana del siglo XX. Recuerdo como me impresionó, por ejemplo, La Campesina - la Ciocciara-, pero también leí la importancia de entre sus obras, de otra que llevaba por título El conformista, escrita en 1951. 

Cuando fue emitida Canal Sur este inicio de verano pasado no dudé en grabarla, más aún porque en ella estaba implicados Bernardo Bertolucci, Jean-Louis Trintignant y Stefanía Sandrelli, entre otros. 

El conformista es una película del año 1970 que tiene como protagonista a Marcello Clerici (Jean-Louis Trintignant ), un hombre que se une a un partido fascista italiano como una manera de desaparecer en la multitud para poder integrarse.

La película es un estudio de caso sobre la psicología del conformismo y el fascismo: Marcello Clerici es un burócrata culto e intelectual, pero en gran medida deshumanizado por una intensa necesidad de ser "normal" y pertenecer al grupo sociopolítico dominante en el momento.. 

La película comienza en París , en 1938, con la salida del protagonista Marcello Clerici (Jean-Louis Trintignant) de un hotel parisino, el Palais D' Orsay, tras recibir una llamada telefónica de un desconocido para nosotros en ese momento, que poco después lo recoge en la esquina del hotel e inicia con él un largo viaje por la ciudad llevándolo fuera de la misma. 

La llamada es el punto y final de los preparativos para asesinar a un antiguo profesor universitario, Luca Quadri. Tras recibir la llamada ha dejado a una mujer en la habitación del hotel. El desconocido es el agente especial Manganiello y ella es su mujer Giulia.  

A partir de aquí comienza un largo flashback que nos va a presentar porque Marcelo es un auténtico conformista. Mediante una serie de flashbacks muestran a Marcello hablando con su amigo ciego Italo sobre sus planes de casarse, sus intentos de unirse a la policía secreta fascista y sus visitas a sus padres en Roma. 

Ante un sacerdote se confiesa , aunque él se confiesa ateo, a petición de Giulia (Stefania Sandrelli ) para que sea aceptado por sus padres y le cuenta que él, cuando era niño, se vio turbiamente enredado por el chófer de la familia, Lino Seminara, quién en 1917, tras ser humillado por sus compañeros de escuela fue rescatado por Lino, el chófer. Éste le muestra una pistola y luego ataca sexualmente a Marcello abusando de él. Como el chófer siempre se movía con un arma de fuego el chico le arrebata el arma de fuego y con ella disparó sobre la pared, pero también sobre él, y creyendo firmemente que lo había matado, huye. 

También confiesa que anduvo con prostitutas y que carece de sentido de la culpabilidad. Con todo el sacerdote lo absuelve cuando se entera de que está trabajando para la policía secreta fascista. 

En consecuencia, Marcelo Clerici, crece en la Italia fascista con un cierto complejo de culpabilidad y no sólo por haber asesinado a un hombre sino también por algunos escrúpulos de tipo moral. Tiene una formación lenguas clásicas y tiene el defecto de despreciar a los demás especialmente a los mediocres y a las mujeres. Su única obsesión es ser como los demás lo que le impulsa a refugiarse en el fascismo, y no por ambiciones políticas, sino para confundirse entre la indiferencia y el conformismo. 

Ha entrado en relaciones con una chica joven y bella, de nombre Giulia (Stefania Sandrelli) a la que desprecia como pequeña burguesa que es y, por el mismo motivo, para hundirse en la vulgaridad. 

Al mismo tiempo, Marcello , reconsidera con ella la familia de la que procede. Le cuenta que su padre está recluido en una institución psiquiátrica, una clínica para perturbadamente mentales; mientras que la madre a la que odia y que lleva una vida disipada y toxicómana pues es adicta a la morfina y tiene relaciones con otros hombres. Marcelo se pregunta abrumado que cómo puede ser un hombre normal proviniendo de tal familia. 

Vemos como se incorpora buscando la mediocridad al Partido Fascista ya en el poder. Tras integrarse en el Partido Fascista, como un respetado ciudadano, con formación en clásicas y funcionario del estado. Por ello tiene contactos con el servicio secreto fascista.

En Ventimiglia, Marcello se reúne con el oficial fascista Raoul, quien le ordena asesinar al profesor Quadri, un intelectual antifascista declarado que ahora vive exiliado en Francia., siendo el representante de los exiliados. Además, fue su antiguo profesor. 

Utilizando su luna de miel como tapadera, una vez se ha casado, lleva a Giulia a París, donde puede llevar a cabo la misión, ya que está dispuesto en combinar su luna de miel en París con un atentado contra su exiliado político italiano que había sido profesor suyo. 

Poco después de llegar a París y entra en contacto con el profesor Luca Quadri (Enzo Tarascio). Mientras visita a Quadri, Marcello se descubre que está casado con Anna (Dominique Sanda ).

La belleza de Anna y su delicadeza, es profesora de ballet clásico, le impacta. Desde ese momento se siente atraído y la persigue. 

Aunque ella y su marido son conscientes de las peligrosas simpatías fascistas de Marcello, ella responde a sus avances y establece una estrecha relación con Giulia, hacia quien también hace avances sexuales. 

Una noche salen a cenar y luego van a un baile parisino. Giulia y Anna se visten elegantemente y se divierten en el salón de baile con sus maridos. Allí Quadri pone a prueba el compromiso de Marcello con los fascistas. Lo hace mientras, Manganiello (Gastone Moschin) , miembro del servicio secreto fascista, está allí presente. Éste ha estado siguiendo a Marcello durante algún tiempo y dudando de sus intenciones. 

Marcello devuelve en secreto el arma que le han dado y le da a Manganiello la ubicación de la casa de campo de Quadri en Saboya, lugar al que la pareja planea ir al día siguiente. Aquí sale un poco de su indiferencia queriendo retroceder y rectificar en las decisiones tomadas, pues sabe que la vida de Anna está en juego. Pero se deja llevar de nuevo por los acontecimientos y enlace en este momento la película con el inicio de la misma. 

Aunque Marcello ha advertido a Anna de que no vaya al campo con su marido, ella hace el viaje en coche de todos modos. 

En una carretera alpina desierta, el coche de los Quadri, que se siente vigilado y perseguido, se para. De la montaña y desde la niebla dominante, bajan unos agentes fascistas. Todos convergen en el coche y, tras salir del mismo, apuñalan mortalmente a Quadri, mientras que Anna observa horrorizada. 

Cuando los hombres dirigen su atención hacia ella, corre hacia el coche que está detrás en busca de ayuda. Cuando Anna ve que el pasajero en el asiento trasero del coche es Marcello y se da cuenta de su traición. Comienza a gritar, antes de correr hacia el bosque para escapar de los agentes, Marcello observa cómo la persiguen por el bosque y la matan a tiros. 

Manganiello se aleja del coche para fumar un cigarrillo, disgustado por lo que ve como la cobardía de Marcello al no dispararle a Anna cuando corrió hacia su coche. Ahora seguirá siendo un hombre más, viviendo y procurando confundirse con un mundo vulgar. 

Los años han pasado. Marcello ahora tiene una hija con Giulia y aparentemente se ha establecido en una vivienda llevando una vida convencional.

El 25 de julio de 1943 es derrocado Mussolini, desposeído de todos sus cargos, siendo nombrado como su sustituto por el Rey Victor Manuel III , el general Pietro Badoglio. 

Tras el anuncio radiofónico de la caída de Mussolini, Marcelo sale a la calle. Mientras se encuentra en el Puente de los Ángeles sobre el Tíber, se encuentra con Italo, su antiguo compañero de partido. Se trata del trabajador ciego de la radio , al que conocimos al inicio de la película y que dirigía un programa el que participaban cantantes de la época. 

Tras pasear con él y desprenderle de todos los símbolos del partido fascista, se refugia en las arcos del Coliseo romano. 

Mientras está allí, ve como una pareja de hombres comienzan a tontear, descubriendo en uno de ellos al rostro de sus chófer, Lino, a quien creía muerto. Se desmoraliza al ver que ha desperdiciado su vida por un sentido de culpabilidad que no tenía fundamento, y todo ello mientras el régimen fascista que le había dado cobertura en su actuación está desapareciendo. Es en este momento cuando Marcello parece enloquecer. Denuncia públicamente a Lino como fascista, homosexual y asesino de los Quadris. 

En su loco frenesí, también denuncia a Italo como fascista y todo ello ante una multitud antifascista que pasa rápidamente, llevándose a Italo con ellos.

Marcello se sienta cerca de un pequeño fuego y mira hacia atrás al joven con el que Lino había estado hablando, que ahora desnudo en una cama acabando así la película. 

Así es, a grandes rasgos, esta película dirigida por Bernardo Bertolucci en 1970 quien adaptó la novela de Alberto Moravia con la que inició la trayectoria cinematográfica más abiertamente comprometida ideológicamente hablando. En esta y en otras posteriores, el director presente algunos apuntes sociales envueltos en una fuerte carga ideológica, como vemos en algunas imágenes de París donde una violetera con sus dos hijos cantan la internacional , o bajo la arcada del Coliseo romano cuando aparece una muchedumbre en manifestación, recordándonos la caída definitiva del fascismo en Italia, así como alguna imagen que nos va a remitir a Novecento y por supuesto nos recuerda a esa obra pictórica determinante de la Historia de Italia como es  El cuarto estado (Il Quarto Stato o Il cammino dei lavoratori), referido al proletariado, una obra realizada en el año 1901 por Giuseppe Pellizza da Volpedo. 

La película, una coproducción entre Italia, Alemania y Francia, en la que el productor es Mauricio Lodi-Fè,  siendo una producción  Mars Film Produzione, junto a Marianne productions y Marian Film (GMBH).  

En la película es protagonista es el francés Trintignant quien aprendió sus líneas en italiano fonéticamente y, como era habitual en la industria cinematográfica italiana de la época, más tarde fue doblado por otro actor, Sergio Graziani participó igualmente Gastone Moschin como Manganiello, Dominique Sanda como Anna Quadri, Enzo Tarascio como Luca Quadri; así como Fosco Giachetti, José Quaglio y Pierre Clementi. 

Las primeras opciones de Bertolucci para interpretar a Giulia y Anna fueron Florinda Bolkan y Brigitte Bardot, pero la primera estaba ocupada rodando El último valle y a la segunda no le gustó el guion. A Anouk Aimée le ofrecieron un papel. Los papeles fueron entonces para Stefania Sandrelli como Giulia y Dominique Sanda para Anna. 

Destaca el papel de Ferdinando Scarfiotti como director artístico, el montaje de Franco Arcalli, la composición musical de Georges Delerue fotografía de Vittorio Storaro en un brillantísimo tecnicolor. El director de la producción fue Serge Lebeau, siendo el productor ejecutivo el hermano del director Giovanni Bertolucci. 

El conformista se filmó en locaciones de Roma y París. Las locaciones romanas incluyeron el Palacio de los Congresos, el Museo del Ara Pacis, el Puente de Sant'Angelo, Santa Marinella, el Teatro de Marcelo y el Coliseo. Las locaciones parisinas incluyeron la Gare d'Orsay, el Palacio de Chaillot y Joinville-le-Pont. 

Las escenas de estudio se filmaron en Cinecittà. Bertolucci, el diseñador de producción Ferdinando Scarfiotti y el director de fotografía Vittorio Storaro hicieron un uso intensivo del arte y la decoración de la década de 1930 asociados con la era fascista: los salones de la clase media y los enormes salones de la élite gobernante. 

El distrito EUR de Roma, que fue encargado por Benito Mussolini como ciudad modelo, y su arquitectura racionalista sirven como una de las locaciones clave de la película en referencia a los grandes espacios fascistas. 

En la novela, el personaje del antifascista Luca Quadri está inspirado en la figura de Carlo Rosselli. La película fue presentada en el Festival de Cine de Berlín compitiendo por el Oso de Oro de Berlín (1970).

La película obtuvo algunos reconocimientos y premios. La Sociedad Nacional de Críticos de Cine Premios, los NSFC Award (1972) obtuvo el premio a mejor Fotografía en la persona de Vittorio Storaro y el de mejor director para Bernardo Bertolucci. 

En los Premios David di Donatello: David (1971) se premió El Conformista como Mejor Película en la persona de su productor, Maurizio Lodi-Fe. En los Premios de la Academia fue nominado al Oscar al mejor guion adaptado y en los Globos de oro fue nominada a la mejor película extranjera por Italia. 

El filme recibió elogios generalizados de la crítica y apareció en varias listas de las mejores películas de 1970. Vincent Canby, crítico de cine de The New York Times, elogió el guion de Bertolucci y su esfuerzo como director, y escribió: "Bernardo Bertolucci... ha hecho por fin una película de clase media, casi convencional, que resulta ser una de las elegantes sorpresas del actual Festival de Cine de Nueva York... También es evidente en el estilo cinematográfico de Bertolucci, que es tan rico, poético y barroco que es simplemente incapaz de significar sólo lo que dice... La película tiene un reparto perfecto, desde Trintignant en adelante, incluido Pierre Clementi, que aparece brevemente como Lino el joven malvado que intenta conquistar al joven Marcello. El conformista tiene defectos, tal vez, pero esos mismos defectos pueden convertirla en la primera película comercialmente popular de Bertolucci, al menos en Europa, donde siempre parece haber un mercado para la decadencia inteligente de la clase media alta". 

Una reseña en Variety decía de la película que "Para aquellos que aprecian sus sutilezas, pero también su poder subsuperficial y sus grandes cualidades evocativas, es una joya." Por su parte, Gene Siskel del Chicago Tribune comentó sobre ella que "mucho más un espectáculo que una historia", con sus temas narrativos "casi perdidos en medio de la espléndida recreación de la época de Bertolucci. En otras palabras, si estás buscando sugerencias de moda y mobiliario, este es el lugar"

Para Kevin Thomas del Los Angeles Times escribió que la película "coloca al joven Bernardo Bertolucci en las primeras filas de los directores italianos y entre los mejores cineastas que trabajan en cualquier lugar. En esta película deslumbrante, Bertolucci, de 30 años, logra combinar el estilo bravura de un Fellini, el agudo sentido de la época de un Visconti y el ferviente compromiso político de un Elio Petri (Investigación de un ciudadano privado) con una individualidad completa y, mejor aún, una total falta de autocomplacencia".

Por su parte, Gary Arnold, del Washington Post, escribió que la película era "una imagen extraordinariamente hermosa y fascinante", pero "lo que hay debajo de la superficie no resiste mucho análisis. Creo que esto es cierto y que equivale a un defecto terrible. El material dramático, aunque intrigante, no está desarrollado adecuadamente: parecen faltar muchas escenas explicativas o de conexión (al leer la novela original de Alberto Moravia se recuperan algunas de ellas), la psicología de los personajes más complejos es turbia y las escenas culminantes y finales son positivamente triviales". 

Jan Dawson de The Monthly Film Bulletin escribió: "En su adaptación cinematográfica de la novela de Moravia, Bertolucci ha eliminado todas las explicaciones o motivaciones analizadas, así como cualquier alusión a la vida de Marcello antes del momento en que ve por primera vez a Lino... El esfuerzo de estos cambios, en términos puramente psicológicos, es reducir la historia de Marcello a un caso clínico freudiano modelo". 

Las críticas retrospectivas han sido igualmente positivas, tanto por los méritos cinematográficos de la película como por su contenido político.

En 1994, el crítico James Berardinelli escribió una reseña y elogió el aspecto de la película: "Storaro y Bertolucci han creado una obra maestra visual en El conformista, con uno de los mejores usos de la luz y la sombra en una película. Esto no es sólo fotografía, es arte: poderoso, hermoso y efectivo. Hay una escena en el bosque, con la luz del sol filtrándose entre los árboles, que es impresionante de contemplar, y aún más impresionante debido a los brutales eventos que tienen lugar ante este fondo". 

En un artículo de 2012 en The Guardian, John Patterson definió la película como una "obra maestra expresionista", que "ofrecía un modelo para un nuevo tipo de película de Hollywood", inspirando a los nuevos cineastas de Hollywood. 

Para el crítico británico Peter Bradshaw, escribió en The Guardian que "Tiene la fascinante cualidad de un mal sueño" .

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo que era una ""Obra maestra (...) Pocas películas (...) describen de forma tan precisa la culpa de una país (Italia) y un continente (Europa) incapaz de reponerse a cada una de sus miserias, sus complicidades, sus fascismos" 

Previamente hemos comentado que influyó y mucho en la obra posterior de Bertolucci, pero lo cierto es que la película influyó igualmente en otras películas como en la trilogía de El Padrino de Francis Ford Coppola, y ha sido citada como una de las mejores películas de todos los tiempos. Su estilo ha sido comparado con películas clásicas alemanas de los años 1920 y 1930, como El triunfo de la voluntad (1935) de Leni Riefenstahl y Metrópolis (1927) de Fritz Lang.

En 2008, la película fue incluida en las 100 películas italianas que deben salvarse del Ministerio de Patrimonio Cultural de Italia, una lista de 100 películas que "han cambiado la memoria colectiva del país entre 1942 y 1978"

Según el documental de 1992 "Visiones de luz" la película es ampliamente elogiada como una obra maestra visual. Fue fotografiada por Vittorio Storaro, quien utilizó colores intensos, vestuario auténtico de la década de 1930 y una serie de ángulos de cámara inusuales y un movimiento de cámara fluido. 

El crítico de cine y autor Robin Buss escribió que la cinematografía sugiere la incapacidad de Clerici para adaptarse a la realidad "normal": la realidad de la época es "anormal". Además, el estilo cinematográfico de Bertolucci sintetiza el expresionismo y la estética cinematográfica "fascista", uno de los grandes logros de esta gran película. 

Un asunto real

En estos últimos días he visto un buen ramillete de películas danesas. La de hoy es una película del año 2012 titulada un asunto real, llevando en danés el título de En kongelig affaere que podría tradicirse como la Reina infiel. 

La película está dirigida por Nikolaj Arcel, que siguió el guion escrito por el propio Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg basado en la novela Prinsesse af blodet, de Bodil Steensen-Leth. Se trata de una coproducción danesa y sueca en la que intervienen. Meta Louise Foldager, Sisse Graum Jørgensen y Louise Vesth amparadas por las productoras DRTV, Film i Väst, Sveriges Television y Zentropa, que en este caso nos lleva a la Dinamarca de finales del siglo XVIII, hacia el año 1782 y a una historia que dura aproximadamente cinco años, pues empieza precisamente cinco años atrás,  con la llegada de la princesa Carolina Matilde de Inglaterra que va a casarse con el príncipe Cristian séptimo de Dinamarca. 

La historia, la verdadera historia, es la de un hombre normal que conquistó el corazón de una reina y empezó una revolución. La película se centra en un triángulo amoroso formado por el cada vez más desquiciado Cristian VII de Dinamarca, el idealista médico e ilustrado Johan Friedrich Struenssee y la joven aunque decidida reina Carolina Matilda de Inglaterra esposa de el rey danés. 

La película relata la apasionante vida de los valientes idealistas ilustrados que lo arriesgaban todo por la liberación del pueblo danés y él emocionante y prohibido romance que cambió a toda una nación. 

La película es una épica y dramática historia de amor basada en hechos históricos y la cinta fue nominada a mejor película de habla no inglesa en los oscar de mi 2013 con el cada vez más popular posiblemente el mejor actor en la actualidad Mads Mikkelsen y y la prometedora Alicia Vikander. 

La película se inicia con una carta escrita por la protagonista femenina La princesa Caroline Matilda (Alicia Vikander) dirigida a sus hijos el príncipe Frederic y la princesa Louise  Auguste. Antes de esto se nos informa que Europa a finales del siglo XVIII, La nobleza gobernaba de forma opresiva con el apoyo de los poderosas autoridades eclesiásticas pero se irán encontrando gracias a la ilustración con vientos de cambio. Por todo el continente, intelectuales y librepensadores como Rousseau y Voltaire exigen reformas y la libertad para el pueblo. Era la era de la Ilustración y un momento en que Dinamarca estaba dominado por esa misma nobleza y esa misma orden eclesiástico que limitaba el desarrollo del pueblo. 

Desde la localidad alemana de Celle la princesa británica exiliada escribe una carta dedicada a esos hijos que no la conocen, y en la misma relata su triste historia desde que en 1766 le anuncian que se casara con el príncipe danés. La princesa Carolina Matilde de Gran Bretaña en la carta a sus hijos les quiere contar la verdad. En un flashback, Carolina habla de Inglaterra, ya que estaba a punto de partir para casarse con Christian VII (Mikkel Følsgaard ) de Dinamarca. Le apasionan las artes y la educación, pero cuando llega a Dinamarca le dicen que muchos de sus libros están prohibidos por el estado. Christian padece una enfermedad mental y Carolina no es feliz en su matrimonio. Pronto queda embarazada de un hijo (Federico VI de Dinamarca), pero la pareja se distancia y el rey deja de visitar su dormitorio, pues prefiere gozar con otras mujeres, prostitutas si es necesario, te pechos grandes.

Ella, una joven romántica que de pronto se encontrará con una persona absolutamente inapropiada para el matrimonio y para la vida. Algo que descubre desde su llegada a Dinamarca para casarse con el futuro rey. 

Todo cambia con la aparición en la película del médico alemán Johann Friedrich Struensee que es reclutado por unos nobles, Carl Rantzau (Thomas W. Gabrielsson ) y Enevold Brandt ( Cyron Bjørn Melville ), que han sido apartados del poder , en parte, por sus ideas ilustradas y que consigue que entre a trabajar como médico personal del rey. Struensee es un hombre de la Ilustración, muy influenciado por los escritos de Jean-Jacques Rousseau. Mantiene este secreto al estado, pues es autor de varios escritos anónimos, y recibe con agrado el nombramiento porque su padre es un sacerdote conocido. 

El rey Christian siente desde el principio un gran afecto por Struensee y se convierte en un amigo cercano y confidente. Cuando Struensee consigue inocular al príncipe Federico contra una epidemia de viruela, se convierte en un hombre muy respetado en la corte. Christian tiene muy poca influencia en el Consejo Privado presidido por el Conde Johann Hartwig Ernst von Bernstorffen (Bent Mejding ) y en el que tiene muchísimo peso un miembro del clero, Ove Høegh-Guldberg, (David Dencik ) y las leyes del país las deciden en su mayoría estadistas integrantes del clero y la nobleza terrateniente que quieren mantener el Antiguo Régimen a toda costa y en la que en la sombra se encuentra la reina madre Juliana Maria de Brunswick-Wolfenbüttel (Trine Dyrholm ) que desea el trono para su hijo, hermanastro del rey. 

Pero Struensee le dice al rey que puede tener más poder haciendo lo que más le gusta: "actuando". El médico comienza a escribir discursos para el rey en los que defiende sus propias opiniones progresistas y se aprueban varias reformas en Dinamarca. 

Caroline y Struensee se enteran de sus intereses mutuos y sus opiniones liberales. Se enamoran y comienzan una aventura. Cuando Caroline se queda embarazada, se protegen convenciendo a Christian de que vuelva a acostarse con ella. Como resultado, se cree que la princesa Louise Auguste es la hija del rey. 

Mientras tanto, Struensee es nombrado consejero real y finalmente convence a Christian de que le asigne el derecho de aprobar cualquier ley, lo que lo convierte en el líder de facto de Dinamarca. Sus reformas incluyen la abolición de la censura, la abolición de la tortura y la reducción del poder de la aristocracia. 

La reina viuda, Juliana María de Brunswick-Wolfenbüttel, se da cuenta del romance entre Carolina y Struensee y su relación se revela. 

Christian se enoja al principio, pero perdona a su amigo y dice que deben seguir como si nada hubiera cambiado. Juliana y el destacado estadista Ove Høegh-Guldberg se oponen firmemente a las reformas de Struensee, mientras que el pueblo danés también se enoja cuando queda claro que un extranjero inmoral tiene poder sobre el país. Høegh-Guldberg incita un golpe de estado contra él. 

Christian se niega a entregar a Struensee al pueblo, pero Høegh-Guldberg miente diciendo que el médico y Carolina planean asesinarlo y tomar el control de Dinamarca. Christian permite que arresten a Carolina y la lleven a vivir al exilio, mientras que Struensee es sentenciado a muerte. 

Christian otorga el indulto, no queriendo que su amigo muera, pero Høegh-Guldberg evita que esto se sepa a tiempo y Struensee es decapitado. 

Høegh-Guldberg se convierte en el nuevo líder de facto de Dinamarca y muchas de las reformas de Struensee son revocadas. 

La película vuelve a la carta de Carolina, en la que revela que se está muriendo de una enfermedad. Diez años después, el príncipe Federico y la princesa Luisa Augusta leen la carta. 

Al final de la película y transcurrido todas las desgracias habidas y por haber en lo afectivo y en lo humano nos enteramos que el futuro rey Federico contando con el apoyo de su padre dará un golpe de Estado acabará con el gobierno de la nobleza y del clero y aplicará todas las reformas que Struenssee modernizar al país en tiempos de su padre, transportando a Dinamarca de un país estrictamente medieval a la vanguardia política de Europa. 

Con la ayuda de su padre Federico dio un golpe de estado y asumió el poder a los dieciséis años. Guldberg , Juliana María y su gabinete fueron expulsados de la corte. 

En sus cincuenta y cinco años de reinado, Federico restauró prácticamente todas las leyes de Struenssee. Federico llegó incluso más lejos que Johan al abolir la servidumbre de la gleva y liberar a los campesinos. 

La idea de hacer una película a partir de estos personajes reales surgió en Nikolaj Arcel mientras paseaba junto con su hermana por los Jardines Reales de Copenhague.

El rodaje se realizó en localizaciones naturales de Praga y la República Checa, lugares que para el director y guionista del film daban mayor autenticidad a los escenarios que los lugares en los que habían ocurrido realmente los hechos contados en la película, dado que muchos castillos de Dinamarca han sido pintados y no tienen hoy en día el aspecto que tenían en el siglo XVIII. 

La película presenta una producción muy cuidada, con una dirección artística que se preocupa por todos los detalles, para reconstruir la época en la que transcurre la acción. Vestuario, decorados, utensilios, peluquería o el maquillaje están trabajados con una gran precisión. La fotografía de Rasmus Videbæk, tanto en interiores como en exteriores, ofrece un especial cuidado en el tratamiento de la luz. El montaje está pensado para ofrecer un ritmo pausado, que deja asimilar la información e ideas que proporciona la película y permite a la vez un visionado cómodo para el espectador en gran medida por el ágil montaje de Mikkel E.G. Nielsen y Kasper Leick. 

La música que acompaña a la película está compuesta por Gabriel Yared y Cyrille Aufort. Aporta el sentido dramático que la película requiere en temas como Inoculation, Carolina's Idea o Queen' chamber. Tampoco olvida crear temas más melódicos, como el asignado a la reina Carolina o el de la ejecución, con un toque melancólico y triste, que recorre toda la partitura y que anticipa el desenlace del film. 

Un asunto real obtuvo el Oso de Plata al Mejor actor para Mikkel Følsgaard y al Mejor guion para Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg.

En los Premios de Cine Europeo tuvo nominaciones a la Mejor banda sonora y al mejor diseño de producción. 

El 10 de enero de 2013, A Royal Affair fue nominada al Óscar 2012 como mejor película de habla no inglesa junto a Amour de Austria, No de Chile, Kon-Tiki de Noruega y War Witch de Canadá todo un ramillete de grandes películas. 

También obtuvo la nominación a los Globos de Oro y a los Premios César de Francia en la categoría de Mejor película extranjera, algo que también consiguió en el tejano Festival de Dallas-Fort Worth o en el de Washington D.C.o en los Satellite Awards que premió sus vestuario, y nominó a mejor película extranjera y mejor dirección y diseño de producción.  

La valoración de la crítica ha sido unánimemente positiva. Para Elizabeth Weitzman del New York Daily News destaca de "Este suntuoso romance de Nikolaj Arcel es como otros dramas de época bien realizados, excepto por una sola excepción crucial: este es el único con Mads Mikkelsen al frente (...) " 

Claudia Puig de USA Today resalta que la película "Toma un capítulo fascinante de la historia danesa, poco conocido para el público en general, y lo presenta de manera atractiva. " 

A Steven Rea del Philadelphia Inquirer le gusta este "Drama histórico de primer orden - lleno de grandes ideas, y ayudado por las interpretaciones llenas de matices de Vikander y Mikkelsen" 

Roger Ebert el columnista habitual que fue del Chicago Sun Times o en su web rogerebert.com alaba "Un drama histórico de gran presupuesto que lleva las esperanzas de Dinamarca a la temporada de los Oscar. " 

En Time Out Keith Uhlich resalta del mismo que "Abundan la intriga y el erotismo, (...), aunque nada de eso es especialmente emocionante. Y la neblinosa fotografía panorámica otorga a la acción un aire fúnebre de respetabilidad que es como un caramelo para los votantes de los Oscar. 

En Gran Bretaña Anna Smith de Empire reflejó por escrito que se trata de "Una voluptuosa pieza de drama histórico que dejará satisfechos por igual a los fans de ese período y a los admiradores de Mikkelsen. 

Ya en España el disonante es Luis Martínez que en las páginas de El Mundo considero que era "Un drama de época con bastante más cartón que sentido. 'A royal affaire', de Nicalaj Arcel, es, a falta de una definición mejor, pereza." 

Incluso le gusta a Carlos Boyero como refleja en El País al defender este "Excelente cine de época (...) está narrada con inteligencia, complejidad y sutileza, sin recurrir al melodrama ni al maniqueísmo facilón, con fuerza visual y expresiva." En ese mismo diario, Javier Ocaña escribe que es "Un trabajo de bella factura, preciosa luz, nulo acartonamiento, desgraciada contemporaneidad y esperanzador mensaje" 

Para Oti Rodríguez Marchante el habitual crítico de ABC dice que es "Es una de esas películas bien hechas y bien dichas, con grandes interpretaciones de su trío protagonista" 

En  Cinemanía Manuel Piñón la alaba por ser toda una "Lección de historia contada con pasión y excelencia. (...)". 

Como siempre digo, los historiadores deben abstenerse de valorar el cine como lo que son historiadores. Y en este caso, como en otros, saca punta a lo que no es importante en una ficción como siempre es el cine. En este caso, el historiador Alfred Brown señala que la película muestra a Struensee hablando danés con fluidez, cuando en realidad no lo hablaba y utilizaba constantemente el alemán, lo que contribuyó a distanciarlo de la sociedad danesa. Brown también señala que "la carta de la reina exiliada a sus hijos constituye un buen marco argumental para la película, sin embargo, si en realidad hubiera escrito una carta de ese tipo (admitiendo francamente el verdadero origen de la princesa Louise Auguste), podría haber caído fácilmente en manos equivocadas y haber hecho que la joven princesa fuera declarada bastarda".

Por mi parte, sólo puedo decir que es una gran película de época, detallista al máximo, bien recreada, con unas actuaciones estelares y creíbles por parte de los tres principales protagonistas Mads Mikkelsen, Alicia Vikander y un excelente y excéntrico, Mikkel Følsgaard, con razón fue premiado en Berlín por su enorme actuación. 

Purple Rain

Película del año mil novecientos ochenta y cuatro que es un vehículo para Prince. Desconocía que el músico de Minneápolis había sido el protagonista de una película basada posiblemente en su obra más icónica, Purple Rain, una película dramática pero también musical de rock romántico de 1984 con música y protagonismo de Prince en su debut como actor.

Se trata de una película típicamente ochentera por música y por estética. La dirige Albert Magnoli, que con el tiempo se convertir´çia en el mnaáger y además de Prince, al que vemos con su banda The Revolutions en varias secuencias de conciertos, cuenta con la participación de  Apollonia Kotero, Morris Day, Charles Huntsberry, Clarence Williams III, como el padre,  Jerome Benton, Billy Sparks, y Olga Karlatos como la madre, entre otros pues suelen representarse a sí mismos. Junto a ellos están Jill Jones, Wendy, Bobby Z, Lisa Coleman, Matt Fink, Brown Mark, siendo estos cinco últimos The Revolution. Por su parte, The Time son Jerome Benton, Jellybean Johnson, Mark Cárdenas, Gerald "Gerry" Hubbard, Jr, Paul Peterson y Jesse Johnson. 

La película cuenta , a partir de un guion de Magnoli y William Blinn, la historia de The kid, músico que toca en un club de una ciudad no nombrada, aunque posiblemente sea Minneápolis. El club se llama a First Avenue, y el músico va reproduciendo los malos hábitos de su padre, también músico y compositor que en el presente se dedica básicamente a beber y a maltratar a su mujer, hoy madre del músico protagonista. Por ahora apenas vive de lo que le da el club es pobre vida atormentado y él va reproduciendo sus problemas familiares. La única libertad naciente cuando va por ahí con su moto, cuando coordina el trabajo de su grupo y ahora que conoce a una chica recién llegado a la ciudad que responde el nombre de Apollonia. 

La chica procedente de Nueva Orleans no ha llegado a la ciudad en busca de una oportunidad como cantante y bailarina encuentran en el club así como en el apoyo de Prince y del otro músico que actúa en la misma sesión un tal Morris competidor de The Kid.

The Kid es un talento, pero problemático líder de su banda de Minneapolis, The Revolution. Para escapar de su difícil vida familiar, Kid pasa los días ensayando y las noches actuando en el club nocturno First Avenue.

Junto con The Revolution, se encuentra otra banda, la que encabeza Morris Day y su grupo The Time, y en ocasiones intercalan con Dez Dickerson y su grupo The Modernaires. 

Los tres grupos son las estrellas de este club nocturno. Morris, consciente de que la guitarrista de Revolution, Wendy, y la tecladista Lisa están frustradas porque The Kid no está dispuesto a tocar sus composiciones, presiona a Billy Sparks, el dueño del club, para que reemplace a The Revolution por un grupo de chicas que Morris ya está formando. 

Morris tiene como objetivo a la novia de The Kid, Apollonia, una aspirante a cantante recién llegada a Minneapolis, para que lidere su grupo, e intenta persuadirla de que The Kid es demasiado egocéntrico para ayudarla. 

Finalmente, ella se une al grupo de Morris, al que Morris llama Apollonia 6. Cuando Apollonia le revela su nueva asociación a The Kid, él se enfurece y la abofetea. 

Al regresar a casa, Kid encuentra la casa destrozada, sin encontrar a su madre por ningún lado. Al que sí encuentra es a su padre abusivo, que en el sótano tocando una de sus muchas composiciones. 

En el club, The Kid se enfrenta sus colegas con los conflictos internos de la banda, así como con la presión por atraer más público y su tensa vida privada vomo nos relata en "Darling Nikki". Su actuación humilla públicamente a Apollonia, que sale corriendo llorando, y enfada tanto a Morris como a Billy, empeorando su situación. 

Billy se enfrenta a The Kid, lo castiga por llevar su vida personal al escenario y le advierte que está desperdiciando su talento musical como lo hizo su padre. 

Apollonia 6 debuta con éxito y Billy advierte a Kid que su puesto en First Avenue está en riesgo. Kid le arrebata con su moto a Apollonia a un Morris borracho, lo que los lleva a discutir y pelearse; Apollonia luego lo abandona. 

Tras este desencuentro The Kid regresa a casa y se encuentra a su padre que ha intentado suicidarse con un disparo en la cabeza. Tras eso The Kid destroza el sótano para liberar su frustración, solo para encontrar una gran caja con las composiciones musicales de su padre. 

A la mañana siguiente, Kid toma una cinta de casete de una de las composiciones de Wendy y Lisa, una pista de ritmo llamada "Slow Groove", y comienza a componer. 

Esa noche en First Avenue, todo está tranquilo en el camerino de Revolution hasta que Time se detiene para burlarse de The Kid, tras su exitosa actuación que ha puesto a bailar a toda la sala. 

Una vez en el escenario, The Kid anuncia que tocará "una canción que escribieron las chicas de la banda", dedicada a su padre, que se revela como "Purple Rain". Cuando la canción termina, Kid sale corriendo del escenario y por la puerta trasera del club, con la intención de irse en su motocicleta. Sin embargo, antes de que pueda montar su motocicleta, Kid se da cuenta de que "Purple Rain" ha emocionado a la multitud. Kid regresa al club, con sus compañeros músicos saludándolo con aprobación y una Apollonia con los ojos llorosos abrazándolo. The Kid vuelve al escenario para dos bises con Revolution ("I Would Die 4 U" y "Baby I'm a Star") ante la entusiasta aprobación del público y de Morris. 

Se reproduce un montaje de todas las canciones mientras aparecen los créditos. 

Esta es la historia de The Kid (Prince) que aparece luchando por sobrevivir a una turbulenta vida familiar coma a su propia ira y a la disensiones existentes en el seno de su banda, su talento se refugia en su música, en la salida con su moto y en su relación con la cantante y bailarina Apollonia. 

Además, la tensión aumenta cuando su rival Morris intenta conquistar a su novia y obtener la exclusividad del bar o del club donde ambos cantan. 

Esa tonta película nos cuenta una historia totalmente humana sobre la supervivencia y el triunfo. Cuenta eso sí con una electrizante banda sonora protagonizada por la superestrella emergente del rock que venía a sustituir a Michael Jackson que por entonces contaba con veinticuatro años. 

Príncipe presenta al joven que vive de la música, una música con guitarras rockeras pero con ritmos electrónicos y bailes todavía heredados de la discoteca. 

Dicen de esta película que el film chisporrotea, borbotea y sacude como pocas películas en torno al rock and roll. Discrepo porque yo eso no lo he visto. Se trata de un vehículo para la gloria de un gran músico -ya desaparecido- que nos presentaba aquí a Prince y a su banda de Revolution y que nos ofrecen interpretaciones de canciones como Lets Go Crazy, I Would 4U, oh las clásicas baladas When Doves Cry, y por supuesto Purple Rain que da título a la película. 

La película fue una producción de la Warner Bros pictures que gusta de hacernos videoclip, en busca de primeros planos, actuaciones discotequeras cuando la música disco iba transformándose en otro tipo de baile. 

A destacar el baile acompasado de Morris Day junto a su banda, así como una estética dominante en toda la película tanto en los protagonistas como en las personas que están presentes en los conciertos. Al final todo es un pelín macarra pero pasable perfectamente acompasado.

Al final lo que tenemos es un largo videoclip producido por Robert Caballo, Joseph Ruffalo y Steven Fargnoli, todo perfectamente fotografiado por los Donald E. Thorín, con un diseño de producción de Ward Preston y el montaje realizado por el mismo director Albert Magnoli. La película informa que todas las canciones fueron compuestas y producidas por Prince, siendo el vestuario de Louis and Vaughan y Marie France. 

Que los músicos, sobre todo los de éxito, son unos caprichosos eso lo sabe cualquiera , pero lo que no sabía era que tras el éxito de su álbum 1999, Prince, durante la gira de apoyo a ese disco, empezó a anotar ideas , según cuentan las leyendas, en una libreta de color púrpura ; y que tras las mismas se enfrentó a su entonces manager Robert Cavallo y le dijo que no renovaría su contrato con él a menos que consiguiera protagonizar una película de estudio.  

Todos los estudios con los que se habían reunido rechazaron la premisa de una película dirigida por un músico, pero sus representantes - Cavallo, Ruffalo y Fargnoli- consiguen despertar el interés de su compañía por el proyecto, aunque será Cavallo quien produzca la película él mismo. David Geffen y Richard Pryor estaban entre los que rechazaron la película. 

Prince pasó meses escribiendo los puntos básicos de la trama de la película. Impresionado con su trabajo en Fame, Cavallo encargó a William Blinn que escribiera el guion. El guion original de Blinn, titulado Dreams, era mucho más oscuro. Se le ofreció al director James Foley para dirigir la película, pero no estaba interesado y en su lugar se la pasó a su editor Albert Magnoli, a quien no le gustó el guion de Blinn por carecer de "verdad", pero luego fue contratado para dirigir y editar después de entregarle una nueva propuesta. 

Prince tenía la intención de elegir a Vanity, líder del grupo de chicas Vanity 6, pero ella dejó el grupo antes de que comenzara el rodaje. Su papel se le ofreció inicialmente a Jennifer Beals (que lo rechazó porque quería concentrarse en la universidad) antes de pasar a manos de Apollonia Kotero, que entonces era prácticamente desconocida. Prince había visto su aparición en el episodio de febrero de 1983 de Tales of the Gold Monkey. 

Excluyendo a Prince y sus padres en pantalla, casi todos los personajes de la película llevan el nombre del actor que los interpreta. Kotero fue la última en audicionar y llamó la atención de Magnoli. Kotero no tenía experiencia en canto y Lisa Coleman la dobló en su voz en "Take Me With U".

Después del cambio de personaje de Vanity a Apollonia, el guion fue revisado drásticamente y se cortaron muchas escenas oscuras. Algunas de estas escenas incluyen a Prince y Apollonia teniendo sexo en un granero o Prince yendo al ensayo de Apollonia 6 y peleando físicamente con los miembros de The Time; y una escena en la que aparecía la madre de Prince hablando con él sobre su inestable relación con su padre. Además, muchas escenas como la escena del "Lago Minnetonka", el primer encuentro de Apollonia con Morris y la escena de la estación de ferrocarril se cortaron debido a las limitaciones de tiempo. Prince exigió a los otros músicos de la película que tomaran clases de actuación antes de filmar. Supuestamente expulsaron a Morris Day de las clases por "hacer payasadas".  

El rodaje se realizó casi en su totalidad en Minneapolis (Minnesota). La película presenta muchos lugares de interés locales, incluido el Crystal Court del IDS Center y el club nocturno First Avenue, al que se le pagaron $ 100,000 por ser utilizado durante el rodaje; estuvo cerrado durante 25 días, aunque el rodaje final duró 42 días Algunas de las escenas de First Avenue se filmaron en The Wiltern en Los Ángeles.Según Alan Leeds, varios días de rodaje se modificaron debido a que Day se negó a presentarse al set debido a una rivalidad con Prince. 

El Huntington Hotel, donde se alojó Apollonia, está ubicado en Main Street en el centro de Los Ángeles. En la película, se supone que está al otro lado de la calle de First Avenue. Eso sí, la carretera por la que va en moto se encuentra al norte de Henderson Station, Minnesota, a lo largo del río Minnesota fue el escenario de las escenas del paseo en motocicleta. 

La película recaudó $ 70,3 millones en todo el mundo, frente a su presupuesto de $ 7,2 millones.La película fue apoyada con su álbum de banda sonora del mismo nombre, que incluía dos sencillos que encabezaron las listas de éxitos de Estados Unidos, "When Doves Cry" y "Let's Go Crazy", así como el éxito número dos "Purple Rain".

Durante la producción, Magnoli le pidió a Prince que escribiera una canción más que tocara los temas de la película. Al día siguiente, Prince ya tenía la canción, "When Doves Cry", completamente producida. 

A pesar de que Warner Bros. consideró la película "escandalosa" en ese momento, fue aceptada para su distribución después de un debate interno. El publicista de la industria musical Howard Bloom había abogado por el estreno de la película y dijo que "matar Purple Rain sería un pecado contra el arte". 

La película ganó un premio de la Academia a la mejor banda sonora original. En los Globos de Oro fue nominada a Mejor canción original "When Doves Cry". Tuvo igualmente una nominación a la mejor mñúsica en los Saturn Awards y en los imagen al mejor actor. Pero en su contra, tuvo 2 nominaciones a los Premios Razzie a la Peor nueva estrella (Kotero) y canción original. La película, que apenas había costado 7,2 millones de dólares, se estrenó el 27 de julio de 1984 y fue un éxito de taquilla: más de 60 millones recaudados solo en los Estados Unidos. La posterior gira norteamericana, que empezó en Detroit en noviembre de 1984 y concluyó en Miami en marzo de 1985, fue vista por más de un millón de personas. Empezaron a lloverle los premios: ganó tres Grammys por el disco y un premio Óscar a la Mejor banda sonora, así como el premio a la mejor banda sonora en los Brit Awards, y las nominaciones: mejor canción en los Globos de Oro para When Doves Cry.  

Las publicaciones y los críticos se han dividido y enfrentado abiertamente, pues algunos han considerado a Purple Rain como una de las mejores películas musicales y otrois lo ven como un despropósito. Prince dijo después del estreno de la película que tuvo una pesadilla en la que Roger Ebert y Gene Siskel odiaban la película y la destrozaban en su programa de televisión; de hecho, a ambos críticos les encantó Purple Rain y la pusieron en sus listas de las 10 mejores películas de 1984. Roger Ebert la llamaría "una de las mejores películas de rock de todos los tiempos". 

En esta línea están entre otros Duane Byrge del The Hollywood Reporter que dijo de ella que "Hasta los que no son fans de Prince quedarán cautivados por su energía y enamorados por la sencillez y la emotividad de su historia". 

En Variety, Cynthia Kirk consideró que la película "Captura con bastante precisión la esencia de la escena musical actual y de la figura de Prince" . Igualmente en este sentido se posicionó Owen Gleiberman de Entertainment Weekly consideró que la película era "Cursi pero fascinante (...) Es una de esas pocas películas comerciales que funciona igual de bien que una canción de rock". 

Para Todd Gilchrist de Rolling Stone se trata de una "Obra maestra (...) Llena el hueco que hay entre el hombre y la leyenda" ; y finalmente Manuel Kalmanovitz G. en la Revista Semana consideró que "La gracia de la película está en las canciones de Prince, intensamente interpretadas por el autor y su banda, que transmiten una variedad de estados anímicos que van del frenesí de la fiesta hasta la oscuridad del desamor."  

Ben Philpott de Drowned in Sound señaló que "Prince consideró conveniente esconderse a plena vista detrás del celuloide y el glamour". 

Por su parte, Elwin Cotman de Bright Wall/Dark Room también escribió que la película allanó el camino para películas posteriores de Spike Lee, como una representación revolucionaria de hombres negros defectuosos y complicados. 

Pero en el lado opuesto se encuentran las opiniones de Gary Arnold en el The Washington Post o la del crítico de Illinois Dave Kehr en Chicago Reader. El primero dijo de ella que "Celebra el narcisismo del mundo del espectáculo y lo embadurna de imágenes con tufillo a perfume barato. Parece inspirada por los clichés del arte publicitario"; mientras que el segundo consifdera que "Habría funcionado mejor como especial de televisión; como está, no es más que otro síntoma de la adicción del cine norteamericano a construir mitos de forma facilona".

Lo que sí tenemos es un medio para glorificar a un músico que en 1984 estaba en la cima del superestrellato, que dominaba como pocos el escenario , que parecía el sucesor de James Brown y la alternativa al rey del pop, Michael Jackson, y que dominaba todos los géneros musicales en la que podía conjugar el funk, el rock, la balada, el pop y la música tecnológica con la que experimentaba. Buscaba mostrar su cara más ambigua, aunque aquí rompe una lanza hacia su masculinidad aunque fuese bastante tóxica. Como digo la película es un vehículo con el que cumplía un capricho. A destacar el contrapunto cómico en la película de un Morris Day bastante gamberro y que se maneja con su grupo, The Time,  como un gran dominador de coreografías mientras tocan Jugle love o The Birds. 

En 2019, la película fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". No obstante, llegaron los polemistas "woke". 

En los últimos años, algunos han criticado la película por misógina, especialmente la escena en la que Morris Day arroja a una mujer a un contenedor de basura. David Alm en Forbes escribió que los personajes femeninos son tratados "literalmente como basura". Tom Leatham de Far Out escribió que la película "(explora) el erotismo y la sexualidad con un completo desprecio por el respeto a las mujeres (y) una misoginia impactante" con "poca redención", llegando tan lejos como para pedir que la película sea eliminada del Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos. 

Purple Rain es una historia sobre misóginos y sobre la misoginia en sí misma; el odio a las mujeres sustenta el motivo de la película en el que los hombres negros tratan a las mujeres blancas como basura, a veces literalmente. Hay un resentimiento racial profundamente arraigado en todas las palizas, bromas, manipulación psicológica e insultos. 

A diferencia de la mayoría de las películas de Hollywood, donde actores que van desde Leonardo DiCaprio hasta Woody Allen retratan la misoginia como algo heroico, Purple Rain se atreve a convertirla en un signo de debilidad y desintegración, arraigado en el trauma... Magnoli presenta el trato que The Kid da a las mujeres como una negación de su lado femenino. Una psicología tan profunda para un personaje masculino negro era poco común en esa época. Habrá que reconocer que la película hoy sería inconcebible dada la violencia que muestra el protagonista hacia las mujeres y en el evidente racismo y desprecio de los negros de la película hacia las chicas blancas. 

Pero la película es de 1984 y los códigos, afortunadamente, estaban más abiertos. La inquisición no había retornado, no como ahora.

PD: Señalar que el protagonista absoluto de esta historia, Prince Rogers Nelson,  falleció en la primavera de 2016 por una sobredosis de fentanilo a la edad de 57 años. El músico que había vendido en vida más de 150 millones de discos en todo el mundo, y que con Purple Rain (1984), disco y película, había conseguido el estrellato y reconocimiento mundial para Prince, nos dejaba por una de las grandes epidemias estadounidenses del siglo XXI, el fentanilo. DEP