Demolition man

Fragmentada una de mis veces pero sin haberla visto y he descubierto que demolition Man es una gran película mucho mejor de lo que yo esperaba de ella. En el fondo es muy actual. Nos lleva a un futuro muy WoKe, donde todo es cuasi perfecto eso sí con una falta de libertad absoluta. Es curioso que la persona que busca volver al estatus quo previo al futuro es a día de hoy el embajador de Donald Trump Hollywood nada más y nada menos que Sylvester Stallone, su hombre en la ciudad californiana y en el mundo de la cultura. 

Es una de las películas del año 1993, llenas de acción y ciencia ficción estadounidense , dirigida por Marco Brambilla en su debut como director. La película es una de las más taquilleras de la década de los 90, y presenta unos increíbles efectos especiales ya que conjuga la acción con la ciencia ficción moviéndose por el terreno del héroe tradicional. 

El héroe como no puede ser de otra manera es Sylvester Stallone que tendrá que verse las caras con un peligroso asesino, interpretado por Wesley Snipes, en un mundo en el que la gente ha renunciado a sus sentimientos. Junto a ellos una jovencísima Sandra Bullock, un veterano ya fallecido como Nigel Hawrhorne y Benjamín Bratt, a los que se suma Bob Gunton, Glen Shadic o Denis Leary. 

La historia hace alusiones a muchas otras obras, incluida la novela distópica de 1932 de Aldous Huxley Un mundo feliz y El despertar del durmiente de H. G. Wells. Partiendo de esto los guionistas Daniel Waters, Robert Reneau y Peter M. Lenkov escriben un guion que sigue la historia creada por dos de ellos, Peter M. Lenkov y Robert Reneau. 

La película comienza en el año 1996 cuando un criminal llamado Simon Phoenix (Wesley Snipes) se secuestra a un autobús lleno de rehenes y se refugia en un edificio abandonado. Simon se atrinchera con rehenes en un edificio de Los Ángeles. Ante esto el sargento John Spartan, del Departamento de Policía de Los Ángeles, conocido con el nombre de "Demolition Man", por la gran cantidad de daños colaterales que suele causar al detener a los sospechosos, organiza un asalto no autorizado para capturar a su némesis, Phoenix. 

Cuando un escaneo térmico de la zona no revela ningún rastro de los rehenes, allana el edificio y se enfrenta a Phoenix, que detona explosivos para destruirlo. Consigue atrapar al criminal pero ha sido un arriesgado ataque que acaba con la destrucción del inmueble y con todos los rehenes muertos cuyos cadáveres de los rehenes se encuentran entre los escombros. Además Phoenix afirma que Spartan sabía de ellos y atacó de todos modos. Por este motivo, ambos son condenados a largas penas en la "crioprincipación criogénica de California" de la ciudad, en la que los presos son congelados criogénicamente y expuestos a técnicas de rehabilitación subliminal. 

En la misma ciudad Angelina, pero en el año 2032, ahora conocida como la ciudad de San Ángeles, una megalópolis formada a partir de la fusión de Los Ángeles, San Diego y Santa Bárbara, es una utopía aparentemente pacífica diseñada y dirigida por el Dr. Raymond Cocteau.  

Ahora el ambiente es más pacífico y más agradable, gracias a la acción de un enigmático alcalde llamado Raymond Cocteau, que ha puesto fin a toda forma de crimen y de violencia, pero igualmente ha creado una sociedad en la que no está permitido desde el sexo pasando al uso de palabras malsonantes y cualquier otra cosa que pudiera molestar a alguien. 

En este mundo, los policías son tremendamente diplomáticos y poco agresivos, para los cuales, términos como homicidio, secuestro o robo son extremadamente poco comunes, llegando al extremo de no reaccionar como tales por sí mismos ante un delito: para simplemente arrestar a un delincuente, se les debe decir exactamente qué hacer, porque la delincuencia es casi nula, por lo que a Phoenix no le cuesta mucho trabajo el provocar estragos en la pacífica sociedad.  

Mientras Phoenix es descongelado para una audiencia de libertad condicional de su estado criogénico para asistir a una vista obligatoria sobre esa posible libertad condicional , pero Phoenix reaparece en escena cuando se escapa de la prisión anula a los guardias y comienza a sembrar el pánico en la ciudad. 

Phoenix al matar a varios oficiales de policía, que nunca han tenido que lidiar con delitos violentos. Ante esto y viendo que la policía es incapaz de detenerlo,  una compañera oficial, amante de los años ochenta y que conoce la existencia del mito de John Spartan, lo saca de la crío prisión para que busque y reduzca a Phoenix.  

Ella es la teniente Lenina Huxley (Sandra Bullock) es una oficial idealista del SAPD que está fascinada con la cultura del siglo XX.  Conoce toda la carrera de Spartan del oficial veterano Zachary Lamb (Bill Cobbs), un policía veterano que fue cadete en la época donde fue congelado Spartan. Ella es la que sugiere que su mejor oportunidad para detener a Phoenix es reclutar a alguien con la experiencia y la mentalidad para anticipar sus acciones. Huxley convence a su superior, el jefe George Earle (Bob Gunton), de que conceda la libertad condicional a Spartan y lo reincorpore. 

Spartan encuentra que la vida en San Ángeles es estéril y opresiva, ya que todo tipo de comportamiento considerado inmoral o insalubre ha sido declarado ilegal. Cualquier persona que dice una grosería es inmediatamente multada, y que tener relaciones sexuales con "intercambio de fluidos" es ilegal) y comienza a tener problemas con muchas de las personas con las que interactúa, ya que lo consideran un bárbaro incivilizado. 

Anticipando que Phoenix intentará conseguir armas de fuego, Spartan hace que Huxley lo lleve a un museo y encuentra a Phoenix saqueando una exhibición de armas de fuego que hay en un Museo. Ambos tienen una espectacular pelea, pero Phoenix logra escapar tiene un breve encuentro con Cocteau (Nigel Hawthorne) a punta de pistola, pero no puede matarlo, ya que Cocteau ha alterado su programa de rehabilitación para evitar que lo haga. 

Cocteau resulta ileso gracias a la intervención de Spartan y en agradecimiento lo invita a cenar en Taco Bell (en la versión europea, le invita a cenar en Pizza Hut). 

Durante la velada con Cocteau, irrumpen afuera del restaurante proscritos conocidos como "Despojos" ("Sobras" en Hispanoamérica), que son renegados y auto-exiliados de la sociedad utópica de San Ángeles que han optado por vivir en las alcantarillas que conducen a las ruinas de la vieja Los Ángeles, y buscan derrocar a la utopía planteada por Cocteau. Basta con Spartan para someter a todos y hacerlos huir, pero éste se da cuenta de que lo único que buscaban era obtener comida, por lo que cuestiona si en verdad está haciendo lo correcto.. 

Cocteau ordena a Phoenix que mate a Edgar Friendly, el líder de los Scraps, la sociedad de resistencia que vive bajo tierra. Lo que es desconocido para todos es que la liberación de Phoenix no fue casual: Cocteau lo liberó y lo rehabilitó en técnicas de combate, hackeo de sistemas computacionales y uso de armas porque le asignó un trabajo que hacer: matar a Edgar Friendly (Denis Leary), líder de los "Despojos" quien encabeza la resistencia subterránea y que representa la más seria amenaza a sus planes de proseguir con su sociedad idílica. 

Finalmente, Cocteau tiene un encuentro con Phoenix, quien escucha su oferta y la acepta a cambio de que liberara a algunos criminales peligrosos que se encontraban congelados purgando sus condenas, la promesa de Cocteau por regresar a Spartan a la crioprisión si antes no era asesinado, mediante armas letales con municiones y el control de las ciudades costeras de California (como Malibú).

Mientras tanto, Spartan y Huxley, al revisar los videos de las cámaras de vigilancia, observan que Phoenix no asesinó a Cocteau teniendo todo el tiempo y oportunidad para hacerlo, así que deciden investigar la rehabilitación de Phoenix en la base de datos clasificada de la policía; al ver los resultados inusuales y anormales de la misma, acuerdan visitar al alcalde en su oficina del gobierno de San Ángeles para aclarar dudas. 

Allí son recibidos por su asistente Bob (Glenn Shadix), alegando disculpas por la ausencia física de Cocteau y únicamente éste habla con ellos a través de videoconferencia. Al no encontrar una respuesta satisfactoria, Spartan logra irrumpir en la oficina privada del alcalde, amenaza a éste y le advierte que llegará hasta el fondo de la verdad, antes de irse del lugar junto con Huxley. 

Posteriormente, Cocteau llama a Phoenix y le recrimina a este por no cumplir aún los objetivos que se le habían encomendado; hastiado, Phoenix lo traiciona y decide deshacerse del alcalde solicitando a uno de sus esbirros que lo asesine (Phoenix no podía hacerlo directamente por una cláusula mental en su rehabilitación), quedando con el control de facto de la zona de San Ángeles. 

Spartan y Huxley deducen que dado que en este tiempo, el dinero y la personalidad están intrínsecamente ligados con los datos biométricos de cada individuo, pero como Phoenix no contaba con registro alguno y no podría comprar comida ni bienes en esta sociedad, deciden bajar a las alcantarillas junto al policía Alfredo García (Benjamin Bratt) al inferir que el criminal podría estar ahí escondido. 

Spartan parece sentirse muy a gusto en el mundo subterráneo, más acorde a lo que existió en su época; tanto es así que decide degustar una hamburguesa hecha con carne de rata ante las náuseas de Huxley y García. 

Sin embargo, son interceptados por Friendly y su grupo de seguidores, quienes creen que vienen por parte de Cocteau y desean apresarlos. Después de que los policías y los rebeldes aclararan sus intenciones, se revela que Friendly más que un líder revolucionario es un inconforme con el orden establecido vigente y lo único que busca es retornar al libre pensamiento individualista para que cada quién pueda vivir su vida como mejor le plazca. 

En ese sentido, coincide con Spartan y éste lo convence de que está de su lado, y que viene a advertirle de Phoenix. 

Justo en ese instante, Phoenix y su banda irrumpen en las alcantarillas buscando asesinar a ambos, iniciando una frenética persecución y batalla. En este punto, Phoenix revela que los pasajeros del autobús que secuestró en 1996 ya estaban muertos antes de que Spartan llegara, así que el último fue a prisión por un crimen que nunca cometió. Spartan y Huxley frustran un intento de asesinato de Friendly por parte de Phoenix. 

Una vez salen de las alcantarillas, Spartan y Huxley descubren que el programa de rehabilitación de Phoenix fue diseñado por Cocteau para hacerlo más peligroso. 

Después de que Phoenix escapa en dirección a la crio-prisión, Spartan toma prestadas armas de los Scraps y lo persigue. Incapaz de dañar a Cocteau, Phoenix hace que un secuaz lo mate, luego descongela a los convictos más peligrosos de la crio-prisión. 

Spartan y Huxley lo persiguen hasta la crioprisión, no sin antes acabar con toda la banda que Phoenix conformó. En el camino encuentran el cuerpo incinerado de Cocteau, muerto a tiros por uno de los hombres de Phoenix e incinerado después. 

Descubren que Phoenix está descongelando a los peores delincuentes de la crioprisión. Después de inmovilizar a Huxley con un neuralizador por su seguridad, Spartan va solo y se enfrenta por última vez con Phoenix, quien parece tener ventaja por su dominio en técnicas de artes marciales. 

Pero en el último momento, Spartan estrella una cápsula congelante en el piso que está mojado para congelar a Phoenix, elude a su propia trampa y se impulsa para arrancarle la cabeza a Phoenix y terminar con él. Los daños producidos por la pelea hace que el sistema de máquinas se sobrecargue y Spartan apenas logra salir antes de que la crioprisión explote por completo el lugar.

Spartan lucha contra Phoenix, a quien mata congelándolo y luego decapitándolo. El efecto de congelación rápida sin control desencadena una explosión que destruye la crio-prisión. La policía teme que la pérdida de Cocteau y su crio-prisión acabe con la sociedad tal como la conocen. 

Spartan les insta a ellos y a los Scraps a trabajar juntos, combinando los mejores aspectos del orden con la libertad personal.Al final, se muestra a los policías de San Ángeles junto a los "Despojos", con deseos mutuos por trabajar juntos para construir una nueva sociedad y luego Spartan se va con Huxley para explorar la vida en el futuro. Huxley y Spartan se besan y luego se van juntos.

La película se estrenó en los Estados Unidos el 8 de octubre de 1993, con críticas mixtas de los críticos. Recaudó 159,1 millones de dólares en todo el mundo y fue considerada una película exitosa para Stallone. 

La película fue producida por Joel Silver, Michael Levy y Howard Kazanjian por medio de Silver Pictures y con el apoyo en la distribución de la Warner Bros. contó con un altísimo presupuesto de $45–77 millones de dólares. 

Peter Lenkov llegó a Hollywood directamente desde la universidad sin conexiones, y escribió siete guiones diferentes, con la desesperada esperanza de entrar en Hollywood. Vender el guion especulativo de Demolition Man a Warner Bros. fue su primera gran oportunidad. Lenkov se había inspirado en Lethal Weapon - cartel que se ve en el despacho de la policía-  y quería hacer algo sobre policías. También estaba influenciado por historias de celebridades que fueron congeladas criogénicamente y escucharon la canción de Sting "Demolition Man" en repetición debido a un reproductor de casetes roto en su auto.

Su propuesta inicial fue rechazada por un ejecutivo que no entendió su idea del "policía congelado". El guion terminado, donde un súper policía tiene que luchar contra el criminal más letal del mundo, en un futuro donde casi no hay crimen, generó más interés.

El escritor Daniel Waters (conocido por Heathers) dijo que su versión del guion era esencialmente una reescritura; Waters modificó el guion de manera tan extensa que cuando el guion fue a arbitraje recibió el crédito de primer guionista. En los primeros borradores, el guion era el de una película de acción normal, sin ningún intento de comedia. Waters tuvo una idea sobre una pequeña parte de Universal City, una zona comercial y de entretenimiento llamada CityWalk, y se preguntó cómo sería si un día todo Los Ángeles pudiera ser así, y la idea surgió a partir de ahí. Waters dice que su intención era divertirse, que no estaba tratando de ser político o examinar profundamente la corrección política. Citó la conclusión de la película, donde la sociedad necesitará encontrar un nuevo equilibrio y compromiso, como representación de su propia posición en el punto medio político.

El concepto de las "tres conchas" surgió cuando Waters estaba tratando de pensar en ideas para un baño futurista y llamó al escritor Larry Karaszewski para pedirle sugerencias, y resultó que estaba usando el baño cuando respondió a la llamada. Miró alrededor de su baño y dijo que tenía una bolsa de conchas marinas en el inodoro como decoración, por lo que Waters decidió usarla.  Waters escribió parte del guion en fichas mientras esperaba en la fila para comprar entradas para Johnny Carson. Dijo que era uno de los trabajos más rápidos que había escrito nunca, y que solo había trabajado en él durante dos semanas y media. 

La película inicialmente comenzaba con John Spartan siendo sacado de la congelación criogénica en el futuro de 2032, hasta que Fred Dekker hizo reescrituras no acreditadas en el guion, agregando el prólogo de Los Ángeles de 1996, para mostrar a Spartan y Phoenix en su entorno natural y hacer que las diferencias del futuro fueran más llamativas. Dekker explicó: "Si no muestras Kansas, Oz no es tan especial". Jonathan Lemkin también hizo reescrituras no acreditadas en la película.

Steven de Souza leyó el guion pero no estaba disponible para comprometerse a reescribirlo. De Souza recomendó ambientar la película en un futuro más lejano para hacer más plausible el choque cultural. 

Los productores rechazaron su sugerencia porque querían mantener la subtrama de Spartan encontrando a su hija, pero finalmente esa subtrama fue eliminada de la película. El guion había estado en desarrollo durante seis años antes de que finalmente comenzara la filmación.

El director Marco Brambilla tenía experiencia en la filmación de comerciales de televisión de gran presupuesto, y este era su primer largometraje. Brambilla estaba trabajando para hacer Richie Rich, protagonizada por Macaulay Culkin, pero no pudieron obtener el presupuesto que necesitaban. En cambio, David Fincher recomendó a Brambilla a Joel Silver como director de Demolition Man.  Steven Seagal había sido originalmente asignado como actor principal, y a Jean-Claude Van Damme se le había ofrecido el papel del villano. Por suerte para Brambilla éste conoció a Stallone unos días después de unirse al proyecto y comenzó a reescribir el guion con Daniel Waters. 

La película entró en producción aproximadamente ocho meses después de eso. El productor Joel Silver pudo conseguir un equipo altamente experimentado para la película, incluido el editor Stuart Baird y el director de fotografía Alex Thomson. 

Brambilla trajo al diseñador de vestuario Bob Ringwood al proyecto debido a su trabajo en Dune (1984), y quería a Alex Thomson debido a su trabajo en Alien 3 

Pero lo cierto es que Stallone rechazó el proyecto en un primer momento, pero luego volvió a hacerlo. Le gustó la idea de tener dos oponentes iguales en Spartan y Phoenix, y decidió arriesgarse a hacer algo que no había hecho antes. Stallone quería a Jackie Chan para el papel de Simon Phoenix. Chan lo rechazó, ya que no quería interpretar a un villano. Wesley Snipes rechazó el papel varias veces, por lo que Joel Silver y Marco Brambilla fueron al set de la película Sol naciente para intentar convencerlo en persona. 

Brambilla le explicó lo que pensaba que podría ser la película y su pasión por el guion que estaban escribiendo, y al día siguiente recibieron una llamada y Snipes aceptó hacer la película. Brambilla dijo de Snipes: "Trabaja sin ensayar demasiado e improvisa mucho. Los dos, esa combinación de energías y la forma en que interactúan, realmente le hicieron un gran favor a la película. Se respetaban completamente y eran muy profesionales, y se llevaban bien. No había ego ni competencia entre los actores".

Lori Petty fue originalmente elegida para interpretar a Huxley, pero fue despedida después de dos días de filmación debido a lo que el productor Joel Silver llamó "diferencias creativas". Petty lo atribuyó a diferencias de personalidad, ya que ella y Stallone no se llevaban bien, y dijo que "Sly y yo éramos como el agua y el aceite". Silver estaba buscando un reemplazo y Lorenzo di Bonaventura recomendó a Bullock; impresionado por su cinta de audición, Silver la contrató.

Denis Leary dijo que lo contrataron por sus diatribas cómicas, que escribió él mismo y tuvo que pasar por un largo proceso de aprobación por parte del estudio antes de que se incluyeran en el guion.

Filmación General Motors proporcionó al equipo de producción 18 vehículos conceptuales, incluido el Ultralite. Se produjeron más de 20 réplicas de fibra de vidrio del Ultralite para representar a los vehículos de patrulla civiles y del SAPD en la película. Una vez finalizada la filmación, los Ultralites restantes fueron devueltos a Michigan como parte de la flota de vehículos conceptuales de GM.[

La ciudad de Los Ángeles permitió a los cineastas utilizar y demoler un antiguo edificio del Departamento de Agua y Energía en el centro de Los Ángeles. Esto les permitió tener más control sobre la explosión, en lugar de tener que cortar directamente al edificio desaparecido y a los escombros como se habían visto obligados a hacer con otros proyectos. "De hecho, creamos un cráter en el medio del edificio. Y tenemos la explosión y los escombros más diseñados, por así decirlo. Es divertido hacer eso, porque esos grandes fuegos artificiales siempre se ven geniales", señaló Silver.

Una vez preparados los ingredientes de la película, se empezó la filmación. Comenzó el 10 de febrero de 1993 y terminó el 30 de julio de 1993. Para hacerla se rodó en diferentes localidades en California. Solo una escena del filme fue rodada en otro estado y esa escena se filmó en Kentucky.2 ​ Cabe también destacar, que cuando Wesley Snipes, experto de artes marciales, hacía sus patadas, las hacía tan rápido que la cámara no podía captarlas bien. Por ello se pidió al actor a que las hiciese más lentas. La película sufrió repetidos retrasos y el cronograma de producción original de 72 días se extendió a 112 días. Stallone estuvo fuera durante una semana debido a una lesión. Las fuertes lluvias en Los Ángeles retrasaron el rodaje. Un plató también resultó dañado en un incendio. La producción pasó por cinco asistentes de dirección, y muchos miembros del equipo tuvieron que irse para trabajar en otros proyectos. Los expertos de Warner Bros. criticaron a Silver por contratar a un director sin experiencia previa en largometrajes. Silver rechazó esta opinión, diciendo: "Marco ha hecho un trabajo brillante. Tenemos demasiado trabajo porque es una película muy difícil de hacer, no porque Marco no tenga experiencia".

La crio-prisión se estableció en el Centro de Detención Metro en el centro de Los Ángeles. El Centro de Diseño del Pacífico se utilizó como Sunrise Court, el edificio de apartamentos de Lenina Huxley. Demolition Man fue la primera producción que se filmó en el Centro de Convenciones de Los Ángeles después de que fuera reconstruido en la década de 1990, se utilizó como el Centro Cocteau.

"San Ángeles" se filmó en el condado de Orange, California. También se utilizaron varias localizaciones en Irvine y San Diego. La comisaría de policía de la S.A.P.D. que aparece al fondo es la sede corporativa de GTE en Westlake Village, California (que más tarde se convirtió en el edificio Baxter Healthcare y se utilizó en el primer episodio de The Orville). El Pacific Design Center, en West Hollywood, se utilizó para la toma exterior del edificio de apartamentos de Lenina Huxley. La crio-prisión utilizó el exterior del Centro de Detención Metropolitano en el centro de Los Ángeles.

El rodaje también tuvo lugar en Wilshire Courtyard, 5700 y 5750 Wilshire Boulevard. Una central eléctrica en Eagle Rock, Los Ángeles, se utilizó como vivienda subterránea de Edgar Friendly y los Scraps. El salto en bungee en helicóptero al comienzo de la película fue coordinado por Charles Picerni y realizado por el especialista Ken Bates. Por razones de seguridad y debido al peligro de retroceso hacia las aspas del helicóptero, se utilizó un desacelerador en lugar de un bungee real, y Bates saltó 300 pies (91 m) desde un helicóptero Chinook. Según Picerni, fue la primera vez: "Ya lo hemos hecho desde edificios antes, pero nunca desde un helicóptero".

La película menciona que Arnold Schwarzenegger se desempeñó como presidente de los Estados Unidos, después de que se aprobara una enmienda constitucional que le permitía postularse para el cargo debido a su popularidad. Casualmente, un día antes de cumplirse diez años del estreno de la película, se programó la elección de destitución del gobernador de California de 2003. La elección vio a Schwarzenegger comenzar una carrera política como el 38.º gobernador de California desde 2003 hasta 2011. Poco después de ser elegido, se propuso una "Enmienda Arnold".

Uno de los puntos focales de la película es que Taco Bell es la única cadena de restaurantes que sobrevive después de "las guerras de franquicias". La versión europea de la película sustituye a Taco Bell por Pizza Hut, porque Taco Bell no es tan conocida fuera de los Estados Unidos y Canadá; ambas cadenas de restaurantes eran propiedad en ese momento de PepsiCo. Las líneas fueron dobladas nuevamente y los logotipos cambiados durante la posproducción. En la misma se recortó el metraje original de forma considerable. Varias escenas violentas con Simon Phoenix fueron eliminadas por ser consideradas demasiado violentas. También se cortaron varias líneas de diálogo y se redujo el metraje de la batalla en el alcantarillado y en la batalla final.

La película recibió luz verde con un presupuesto de producción de 45 millones de dólares. El coste aumentó a 77 millones de dólares después de que se ampliara el calendario de rodaje. El coste combinado de producción y marketing se estimó en casi 97 millones de dólares.

Se cortó una subtrama que involucraba a la hija de Spartan por razones de ritmo. Esto provocó cierta confusión en las proyecciones de prueba, donde el público pensó que Sandra Bullock era la hija y reaccionó negativamente a la escena en la que estaban a punto de tener relaciones sexuales. 

Originalmente, la hija de Spartan era una de las Scraps que vivían bajo tierra con la resistencia de Edgar Friendly. Se cortó de la película una escena en la que Stallone pelea con Jesse Ventura. 

La película se estrenó en los Estados Unidos en octubre de 1993, y con críticas mixtas de los críticos. Recaudó 159,1 millones de dólares en todo el mundo y fue considerada una película exitosa para Stallone, aunque fue premiada con un Razzie en 14 Edición de estos Premios a la Peor actriz secundaria (Sandra Bullock), pero fue nominada a los Premios Saturn a la Mejor película de ciencia ficción, a los Mejores efectos especiales (Michael J. McAlister, Kimberly Nelson LoCascio) y al Mejor vestuario (Bob Ringwood). 

Los críticos Gene Siskel y Roger Ebert de At The Movies reseñaron la película: Siskel encontró la película divertida pero no le gustaron las secuencias de acción, mientras que Ebert disfrutó tanto del lado satírico que esta película tenía sobre otras películas de este género y pensó que las secuencias de acción eran buenas para este tipo de película.

A uno de los antes citados - Roger Ebert- se le preguntó por qué esta película se consideró un éxito, pero El último gran héroe fue considerada una decepción, a pesar de presupuestos y recaudaciones de taquilla similares. Ebert concluyó que se debió a las expectativas, y que la película fue vista como un regreso para Stallone cuya carrera había estado decayendo, mientras que Schwarzenegger no estuvo a la altura de sus éxitos anteriores. 

Kenneth Turan de Los Angeles Times escribió que la película no les da a los fanáticos de la acción lo que desean, y en su lugar la sustituye con comentarios satíricos fuera de lugar.

Vincent Canby de The New York Times la llamó "un artefacto significativo de nuestro tiempo o, al menos, de esta semana" y añadió que era "Típicamente mezcla futurística entre acción y melodrama."

Richard Schickel de Time escribió: "Algunas sátiras sociales agudas se ven casi socavadas por explosiones excesivas y un reparto descuidado". 

Peter Travers de Rolling Stone criticó la película calificándola de "elegante y vacía, así como brutal y sin sentido. Parece haber sido ideada por un ordenador, como si no la hubieran tocado manos humanas" . 

Emanuel Levy de Variety la llamó "un pastiche ruidoso, sin alma y consciente de sí mismo que mezcla elementos de ciencia ficción, acción, aventuras y romance, para luego verter sobre ella una capa de comedia repleta de chistes internos de Hollywood". Levy dice que "funciona mejor como una aventura de cómic" que El último gran héroe, pero reserva sus elogios para los méritos técnicos de la película, elogiando "el aspecto metálico de alta tecnología creado por el diseñador de producción David L. Snyder y su consumado equipo", así como la cinematografía de Alex Thomson. Concluye que "lo que falta es una inteligencia orientadora que saque a esta película inconexa de su condición de derivada". Finalmente, Levy maltrata a la película al decir de ella que era "Un pastiche ruidoso, impersonal y autoconsciente que mezcla elementos de ciencia ficción, aventura, acción y romance y los sirve en una comedia repleta de chistes privados de Hollywood ".

Owen Gleiberman de Entertainment Weekly la encontró "una sátira de ciencia ficción intermitentemente divertida" antes de pasar al modo de destrucción total. Gleiberman dice que "si es la promesa de violencia exagerada lo que atrae a la gente a los cines, sospecho que serán las escenas más tranquilas, las que pretenden ingenio, las que los mantendrán satisfechos". 

Hal Hinson de The Washington Post escribió: "Básicamente, Demolition Man es una película policiaca futurista con un poco más de imaginación e ingenio que el ejemplo típico del género de cortar y quemar". 

TV Guide elogió la película y escribió: "La agradable sorpresa de Demolition Man es que tanto el guión como Stallone son divertidos; la película combina acción de gran presupuesto y humor irónico de la manera en que 'Last Action Hero' intentó, y fracasó, en hacer". 

Phillipa Bloom de la revista Empire  la comparó con una aventura de una noche "no necesariamente algo que recordarás al día siguiente, pero es una película alocada, chula y divertida de acción tonta de 1993 (…)". Bloom criticó la trama pobre pero calificó a Stallone y Snipes como "una combinación explosiva en la pantalla". 

Ya en España, Luis Martínez en El País no se muestra muy estusiasta al señalar que "Algún golpe con gracia y la aparición de Sandra Bullock ayudan a soportar los derribos"  

Demolition man es una distopía que nos muestra como entre 1996 y 2032- quedan siete años-  los Estados Unidos había experimentado un período de anarquía y violencia extrema coincidente a su vez con catástrofes naturales como el volcán del que habla Huxley que duró hasta la segunda década del siglo XXI. Esa situación casi destruyó a la humanidad. Como respuesta a esto un tecnólogo como Cocteau refundó la sociedad en  base a su proyecto de edén terrenal como el ve la conurbación de San Ángeles. 

La película describe una sociedad futurista donde la delincuencia ha sido prácticamente erradicada y sus habitantes viven conforme a su programación de nacimiento con base a características predeterminadas (inspirado en la novela Un mundo feliz de Aldous Huxley), de hecho el nombre de la protagonista Lenina Huxley, es un guiño al personaje principal de dicha obra y el apellido del autor. Los valores de la sociedad del futuro han sufrido un proceso de infantilización, ya que sus habitantes prácticamente carecen de maldad a priori, así como de libre albedrío. Por supuesto un hombre como Spartan que ha vivido a finales del siglo XX y que sabe lo que es vivir, luchar y disfrutar de la vida no puede renunciar a ello en beneficio de un ¿Mundo Feliz? 

En definitiva, una película visionario que entendía que el buenismo no iba a traer en el futuro nada bueno. El personaje de Spartan tiene mucho de Javier Milei y su ¡Viva la libertad, carajo!, pero en realidad, como ocurre en la vida real, Spartan tiene mucho más del Stallone que apuesta por ser el embajador de Trump en Hollywood. Pues entonces que Dios nos coja confesados. 

Matinée

Comedia que habla de la niñez y del cine, entre comedida y gamberilla, del mítico director Joe Dante con aire ochentero, aunque es noventera - es del año 1993- y con una gran John Goodman, acompañado de Cathy Moriarthy. Para pasar un rato entretenido y salir con un espíritu mucho más amable. 

*EC: En construcción

Tina

Tina Tuner era un torbellino, vitalidad explosiva, mujer fuerte, poderosa. Era un espectáculo en si misma. Pero detrás de esa fuerza arrebatadora que si bien le dio una oportunidad y un nombre en la música hubo un canalla. 

La historia dual, la presentable, la que nos muestra una mujer tan poderosa, junto a un músico brillante y creativamente inteligente, escondía otra impresentable, oscura, miserable, canallesca, la de Ike Turner. 

Tina e Ike Tuner serán una vez vista la película, la maravillosa Angela Bassett, bellezón como siempre y en una forma física admirable, y la de Laurence Fishburne, siempre eficaz y aquí muy joven son los protagonistas de la película What's Love Got to Do with It , aquí Tina.  

Tina es una película biográfica y musical sobre Anna Mae Bullock, la cantante natural de Brownsville, Tennessee, y que en los ochenta nos demostró una valía que ya se había manifestado en a finales de los cincuenta, en ese caso junto a su marido y descubridor, el líder de la banda y compositor Ike Turner de los Kings of Rhythm.  

Desde el inicio de la película descubrimos que Tina tiene un torrente de voz sin freno como descubrimos cuando en su infancia la pequeña Anne Mae canta en una Iglesia bautista de la que la directora del coro tiene que expulsar. Pero empecemos por el principio. El director británico fallecido en 2004, Brian Gibson, dirige esta película en la que estuvieron involucrados como productores Doug Chapin y Barry Krost para la productora Touchstone Pictures. 

La película que contó con un presupuesto de 15 millones, sigue el guion escrito por Kate Lanier basado en la obra I, Tina escrita por Kurt Loder. Gibson con larga carrera televisiva, vinculada a la BBC tanto a la ficción como al documental, se lanzó al cine con película como Breaking Glass o su más conocido proyecto, Poltergeist II: El otro lado. Sus mayores éxitos en la dirección llegaron en 1993 con Tina y El jurado (1996) basada en la novela de 1995 de George Dawes Green. Pero su enfermedad y su muerte cercenaron su carrera cuando aún no había cumplido lo 60 años. 

La película cuenta con la música de Stanley Clarke pero en la que no paran de sonar canciones de Ike & Tine y , al final, de Tina Turner. Importante en ella es la fotografía de Jamie Anderson y el montaje de Stuart H. Pappé. 

En cuanto al elenco participan Angela Bassett como Tina Turner, Rae'Ven Larrymore Kelly como la joven Anna Mae, Cora Lee Day como la abuela Georgiana, Khandi Alexander como Darlene, Laurence Fishburne como Ike Turner, Jenifer Lewis como Zelma Bullock, la madre de Tina, Phyllis Yvonne Stickney como Alline Bullock, Penny Johnson Jerald como Lorraine Taylor, Vanessa Bell Calloway como Jackie, Chi McBride como Fross, Sherman Augustus como Reggie, Terrence Riggins como Spider, Bo Kane como presentador , Terrence Evans como conductor de autobús, Rob LaBelle como Phil Spector, James Reyne como Roger Davies, Richard T. Jones como Ike Turner Jr., Shavar Ross como Michael Turner, Damon Hines como Ronnie Turner, Suli McCullough como Craig Turner y Elijah B. Saleem como Ike Turner Jr. 

Después de la escena de su salida (Rae'Ven Larrymore Kell) de la Iglesia Misionera Bautista de Woodlwan, en Tennessee, descubrimos que Anna Mae Bullock crece en Nutbush con su abuela Georgiana (Cora Lee Day ) en una familia infeliz con unos padres que la abandonan a una edad temprana. 

Tras la muerte de su abuela, Anna Mae se traslada a St. Louis y se reúne con su madre Zelma Bullock (Jenifer Lewis ) y su hermana cercana Alline (Phyllis Yvonne Stickney ). Su hermana que trabaja en un garito, el Manthattan Club, como camarera hace todo lo posible para que Anna Mae busque su oportunidad de ser cantante profesional, después de ver al carismático líder de la banda Ike Turner (Laurence Fishburne) actuar una noche. 

Poco después y con la intervención de la camarera ella se gana gana un lugar en la banda de Turner tras mostrar su baila en el escenario y abrumando a todos los presentes. 

Ike comienza a guiar su carrera como cantante con el visto bueno de su madre que quería que fuese auxiliar de enfermería, pero ella únicamente ve en él el dinero que puede aportar. Ella tras su descubrimiento por Ike Turner, un ya establecido compositor de canciones, guitarrista, y productor de discos se la lleva de gira. 

Pero con el tiempo Ike, que ya tiene un par de hijos con otra mujer, Lorraine Taylor, que intenta suicidarse inicia una relación con Tina mientras vive en su casa en East St. Louis. Allí la convierte en una estrella.  

Sin embargo, el precio es muy alto pues Ike es muy celoso y abusivo. Con todo ella comienza a grabar en 1958 bajo el nombre de Little Ann. 

Su debut como Tina Turner fue en el sencillo "A Fool in Love" en 1960 como uno de los dos miembros de la banda musical Ike & Tina Turner. El éxito siguió con una serie de éxitos notables entre la pareja como «Proud Mary» y «Nutbush City Limits», una canción que ella escribió. 

Tina e Ike se casaron en Tijuana en 1962. Pero el matrimonio se vuelve en algo doloroso para Tina , que ha de adoptar a los hijos de Ike, que son abandonados en la casa. Pero sobre todo es Ike el que intenta controlar la carrera de Tina, a la que no entrega nada de dinero, especialmente cuando ella es la que destaca en la pareja. 

Ella después del primer parte se siente débil, pero el le obliga a Tina a participar en las giras, en la que ella hace de tripas corazón y actua de forma profesional. Mientras tanto Tina pasa del fenómeno local de St. Louis a una superestrella del R&B , con Ike cada vez más celoso por la atención que a ella se le presta. 

En 1965, el productor Phil Spector asistió a un espectáculo de Ike y Tina en un club y se ofreció a producir a Tina. Tina grabó la canción "River Deep - Mountain High", que se lanzó en 1966 en el sello discográfico Spector's Philles. 

El éxito de la canción en el Reino Unido les sirvió para ser teloneros en la gira de los Rolling Stones por el Reino Unido en 1966 (más tarde, por los Estados Unidos). Ike además comienza a recurrir a las drogas por lo que su comportamiento se hace cada vez más agresivo y lo que , al principio era un chantaje emocional se transforma en una y otra vez en agresiones en el ámbito privado , incluidas violaciones, sino que también lo hace en público. 

Antes de un show en Los Angeles en 1968, Tina trató de suicidarse ingiriendo pastillas Valiums Tina busca consuelo para su caótica vida en alguna amiga como Jackie, una de las cantantes acompañantes y bailarinas (Vanessa Bell Calloway ) a la que también agredió Ike en un bar. Ella le hace descubrir el budismo . 

Tras enseñarle a cantar el Nam Myoho Renge Kyo esto le ayudará a "cambiar su vida". Y aunque musicalmente los éxitos siguen como "Proud Mary" y los premios, ganando algún Grammy, la situación se hace insostenible y eso a pesar de que Tina va haciendo más fuerte y adquiriendo confianza en si mismo y tras la enésima pelea con Ike, finalmente reúne el coraje para defenderse y abandona a Ike después de llegar a un hotel en Dallas.

En 1978 se confirmó su divorcio por "diferencias irreconciliables", después de 16 años de matrimonio. Tras solicitar el divorcio vemos que ella no pide ni dinero, sino el derecho a conservar su nombre artístico después de su divorcio. 

Tras una sentencia a su favor, Tina continúa trabajando para pagar las facturas. Tina se toma un descanso después de conocer a Roger Davies , quien finalmente la ayuda a realizar sus sueños de estrellato en el rock. 

A pesar de los intentos de Ike por recuperarla aunque la amenaza con un arma en el camerino antes de una actuación, Tina finalmente prevalece y encuentra el éxito en solitario, logrando sus sueños sin Ike.

En 1984, Turner anunció que haría un «triunfal regreso a la música» La película concluye con imágenes de un concierto de la vida real de Tina en la década de 1980 cantando precisamente "What's Love Got to Do with It", canción que se posicionó en el primer puesto de la lista estadounidense Billboard Hot 100. Con una imagen de Angela Bassett actuando , informando sobre el futuro que le esperó a Ike, con detención por posesión por drogas y paso en la cárcel, y frente a ello el recorrido presente - en 1993- de la cantante, con imágenes reales de la misma, acaba la película.

Para la misma se buscó a una actriz de color para interpretar su papel. Entre ellas estuvieron en los planes Halle Berry , Robin Givens , Pam Grier , Whitney Houston , Janet Jackson y Vanessa L. Williams fueron todas consideradas para el papel de Tina Turner. 

Whitney Houston se le ofreció el papel, pero tuvo que declinarlo debido a la inminente maternidad. La elegida fue Angela Bassett que hizo una audición para el papel en octubre de 1992 y fue elegida solo un mes antes de que comenzara la producción en diciembre. 

Durante ese tiempo tuvo que aprender no solo a hablar como Turner, sino también a bailar y moverse como ella. Turner ayudó a la mayoría con las recreaciones de sus famosas rutinas de baile, mientras que en las canciones realizada playback. Estas canciones fueron grabadas antes de la película por Tina Turner. En "Proud Mary" y " It's Gonna Work Out Fine ".

Laurence Fishburne canta las partes de Ike Turner. Para las grabaciones en solitario de Tina Turner, se utilizaron los masters originales, incluido " River Deep - Mountain High ", producido por Phil Spector . 

Comentar que a Laurence Fishburne se le ofreció el papel de Ike Turner cinco veces y lo rechazó cada vez."Fue bastante unilateral", dijo Fishburne, quien rechazó el proyecto basándose en el guión que leyó por primera vez. Ike, agregó Fishburne, era "obviamente el villano de la obra, pero no hubo explicación de por qué se comportó de la forma en que se comportó, por qué ella estuvo con él durante 16 a 20 años, qué hizo que se quedara".

Los cambios ayudaron a persuadir a Fishburne para que hiciera el papel, pero él dice que la elección de Bassett como Tina "fue el factor decisivo". Ike Turner al que conoció cuando se acercó al proyecto "No fue particularmente bienvenido en este proyecto", dice Fishburne.

Ike firmó algunos autógrafos y le mostró a Fishburne su andar. "Fue un placer conocerlo", dice Fishburne. "Independientemente de sus acciones, él era una parte tan importante de la vida de Tina. La película trata sobre él tanto como sobre ella. Es lamentable que no fuera bienvenido, que ambos no estuvieran más presentes". 

El director Brian Gibson no tuvo contacto con Ike. "Nunca hablé con él", dice Gibson.consideró que no sería una buena idea ". Con todo Turner recibió $ 45,000 por la película, pero firmó un documentos en el que renunciaba al derecho a demandar a la productora de Disney, la Touchstone Pictures . Se quejó de que lo hizo sin saberlo. 

La guionista Kate Lanier omitió gran parte de la brutalidad que Tina Turner dijo que soportó en su libro. Su relación con el saxofonista del grupo Raymond Hill y el nacimiento de su hijo fue excluido de la película. Se incluyeron algunas inexactidudes.

La película tras su estreno en junio de 1993 consiguió además de una taquillas cercana a los $ 56 millones, varios Premios y reconocimientos. 

En los Oscar tuvo dos nominaciones al Oscar al Mejor actor (Laurence Fishburne), Mejor actriz (Angela Bassett) En los Globos de Oro se llevó el Premio a la Mejor actriz comedia o musical (Angela Bassett) 

Para la Asociación de Críticos de Chicago la película fue nominada a Mejor actor (Fishburne) y actriz (Bassett)llevándose esta los Premios para los críticos de Dallas y Fort Worth. La Sociedad de Casting de América radicada en California nominó en sus Artios al mejor casting al productor Reuben Cannon . 

En los Premios de coreografía americana logro un premio por su labor en la película Michael Peters Se llevó varias nominaciones en los premios Grammy a la Mejor interpretación vocal pop femenina " No quiero pelear " para Tina Turner y en la Mejor canción escrita específicamente para una película o para televisión "I Don't Wanna Fight" escrita por los compositores Steve DuBerry , Lulu Lawrie y Billy Lawrie. 

En los Premios MTV Movie Bassett fue nominada a la Mejor interpretación femenina, ganando en los Premios de imagen NAACP quedando nominado a Mejor actor en una película Laurence Fishburne y Mejor actriz de reparto en una película en la persona de Vanessa Bell Calloway y Jenifer Lewis. 

En los Premios Británicos de la Música , los Brit, fue nominada a la Mejor banda sonora / grabación de reparto.

En los Premios para artistas jóvenes [fue nominada a Mejor Actriz Juvenil en una Película dramática la pequeña Rae'Ven Larrymore Kelly.

En cuanto a las críticas Janet Maslin de The New York Times , escribió que "La interpretación brillante y voluble de Ike Turner por Laurence Fishburne, antes conocido como Larry, es lo que eleva 'What's Love Got to Do With It' más allá del ámbito de lo común y corriente ". 

Gene Siskel, del Chicago Tribune, la calificó como "Una película biográfica poderosa, alegre, cruda y enérgica que detalla las alegrías y el dolor de la vida dentro y fuera del escenario de los rockeros de blues Ike y Tina Turner." 

En cuanto a los protagonistas reales de la historia,  Ike Turner dijo que la película y el libro de Tina Turner están "llenos de mentiras". En su autobiografía, Takin 'Back My Name , dijo que Fishburne hizo "un trabajo fantástico, aunque el trabajo que hizo no soy yo". Estaba especialmente molesto por la escena de violación , que dijo que "fue lo más bajo que pudieron haber hecho". Agregó que la película dañó su reputación por lo negativamente que fue retratado. 

En el funeral de Ike Turner, en 2007 Phil Spector criticó la película y el libro de Tina como un "pedazo de basura" que "demonizaba y vilipendiaba a Ike". 

Tina Turner declaró que deseaba que la película tuviera más verdad y que no estaba orgullosa de que la película la retratara como una "víctima". En 2018, Turner le reveló a Oprah Winfrey que solo vio la película recientemente. Ella dijo: "Vi un poco, pero no lo terminé porque no fue así como las cosas. Oprah, no me di cuenta de que cambiarían tanto los detalles". Después de la Ike en diciembre de 2007, Turner emitió una breve declaración a través de su portavoz: "Tina no ha tenido ningún contacto con Ike en más de 30 años. No se harán más comentarios". La cantante se retiró de la música dos años después, en 2009. 

Ya en España Fernando Morales en El País dijo de ella que era "Atractiva". 

Por mi parte decir que es mucho más que eso. Lamentablemente los biopics son lo que son, historias verosímiles trufadas de inexactitudes como parece esta. Le he leído que lo que sí está claro es que Ike Turner era bipolar, drogadicto y violento. Esto no puede justificar la violencia con la que trato a Tina Turner. Ella, que con más de 80 años vive todavía renunció a su nacionalidad norteamericana siendo en la actualidad suiza , lugar en donde reside. 

La historia es , sin duda interesante, pero lo más es la música y la puesta en escena en la que Fishburne, Bassett y las "Ikettes" lo bordan. En este sentido quiero destacar la actuación de los protagonistas masculino, brillante, y femenina, espectacular. 

En plena forma física, y eso que se lesionó durante el rodaje. Bassett demuestra que no solo es un bello rostro sino una interprete que se mete en el interior del personaje, incluso en lo físico. Impresionante ella e impresionante banda sonora. En ese sentido la película es espectacular. De 10, aunque la verdad haya caído de otro lado. Esperemos que el documental de la HBO, Tina Turner, un huracán herido estrenado en marzo de 2021 aclare algunos cosas. 

Kalifornia

En el cine de Estados Unidos ha existido siempre una tendencia a resaltar lo bueno y lo malo del país. En este sentido me gusta ese sentido crítico que han tenido con su historia , a veces, grandiosa, a veces, tremenda. En este último sentido el cine ha recogido esa tendencia a la violencia inherente a la historia del país, sobre todo en el sentido de su expansión hacia el Oeste, visible en muchos de los grandes westerns. 

Pero una vuelta de tuerca más en este sentido es el hecho de haber llevado al cine la vida de los asesinos en series reales, como Ted Bundy , el hombre que secuestró y asesinó a brutalmente a 30 mujeres en Estados Unidos durante 1974 y 1978 y que, además, se cree que fue el responsable de otras 40 desapariciones sin resolver, John Wayne Gacy , el payaso asesino recreado de manera tan horrible como magistral en la cuarta temporada de la serie American Horror Story , que llegó asesinar en ocasiones vestido como el "Payaso Pogo" a 33 personas, la asesina Aileen Wuornos - papel que asume una irreconocible Charlize Theron en Monster- o el mítico Zodiac que la policía en la que se atribuía 37 victimas. 

También ha creado asesinos que si bien son de ficción, sin que han creado huella en nuestra retira tan fuerte como en nuestra memoria por sus asesinatos brutales como es el caso del protagonista de American Psyco, el mítico Hannibal Lecter de Jonathan Demme , el brutal Henry, retrato de un asesino de John McNaughton, o los míticos Norman Bates de Psicosis creado por Sir Alfred, por no hablar del cine Slasher. 

En una combinación adecuada entre thriller asumido por uno de estos asesinos en serie ficticios y una tradicional Road Movie es esta película titulada Kalifornia que combina bien los dos géneros. La película fue dirigida por el irregular cineasta de Ohio, Dominic Sena , un hombre nacido en 1949, que debutó en el cine de gran pantalla con esta película, Kalifornia , aunque previamente su trayectoria se había centrado en la dirección de videoclips. 

La película fue una "bomba para la taquilla", así que el director no ha tenido muchos incursiones en la dirección siendo su película más conocida, aparte de esta Swordfish (2001) así como Season of the Witch, titulada En tiempo de brujas - que fue un éxito en taquilla- y mucho menos Gone in Sixty Seconds (2000). 

En este caso la película fue producida por el trío formado por Steve Golin, Aristides McGarry y Sigurjón Sighvatsson que daban la caras por parte de las productoras implicadas que eran PolyGram Filmed Entertainment, Propaganda Films, Viacom Enterprises así como Kouf y Bigelow Productions que contaban con la distribución de Gramercy Pictures y un importante presupuesto que llegaba a los $ 8.5 millones. 

La película siguió el guión de un reputado Tim Metcalfe que llevo al cine la historia ideada por Stephen Levy. El filme contó con la música de Carter Burwell, la fotografía de Bojan Bazelli y el montaje de Martin Hunter; mientras que los responsables del casting, diseño de la producción y arte fueron Carol Lewis, Michael White y Jeff Mann, respectivamente. 

El reparto está formado por las parejas integradas por Brad Pitt como Early Grayce y Juliette Lewis como Adele Corners, así como David Duchovny como Brian Kessler y Michelle Forbes como Carrie Laughlin. Junto a ellos aparecen James Michael McDougal como John Diebold, Mars Callahan como Walter Livesy, Brett Rice como un oficial de policía, Loanne Bishop como la mujer oficial que cae en Nevada, así como la pareja de ancianos integrada por Sierra Pecheur como la Sra. Musgrave y John Dullaghan como el Sr. Musgrave. Junto a ellos aparecen otros actores y actrices como Kathy Larson, David Milford, John Zarchen, David Rose, Tommy Chappelle, Judson Vaughn, Patricia Sill, Bill Crabb, Marisa Raper, Mary Ann Hagan, Jerry G. White, Sarah Sullivan, Eric Stenson, y Ron Kuhlman. 

La película comienza con una imagen en la que un coche se desplaza bajo la lluvia y en ese diluvio aparece una chica que es recogida por el señor. Al poco de subirse al coche la chica le pide fuego y mientras se lo está dando una inmensa piedra cae sobre el parabrisas por lo que el conductor pierde el control , vuelca el vehículo y , posiblemente, se mata junto a la acompañante. 

En una imagen poco nítida vemos que la persona que ha lanzado la piedra , el asesino ( Brad Pitt) que después marcha a un bar y pide una cerveza y unos chiles que le son traido por una jovencísima camarera (Juliette Lewis). 

Brian Kessler (David Duchovny ) es un estudiante graduado en periodismo que prepara un libro sobre los asesinos en serie más famosos de los Estados Unidos. De hecho ha recibido una oferta para un libro por parte de un editor. 

Él y su novia Carrie ( o Karrie) Laughlin ( Michelle Forbes ), una chica sofisticada que es fotógrafa de vanguardia, se dedican a analizar los lugares en los que los asesinos han cometido sus crímenes, aunque la esperanza de ella es que una galería exponga su obra en la que predomina el desnudo. Ante la falta de ofertas concretas para ella ambos deciden mudarse a California con la esperanza de enriquecer sus carreras conocer los lugares donde los criminales vivieron y mataron. 

Los dos planean su viaje desde Louisville, Kentucky a Los Ángeles , planeando visitar sitios de asesinatos infames en el camino que Carrie puede fotografiar para el libro de Brian. Sin fondos, y para compensar los altos costes del viaje, ponen un anuncio solicitando compañeros con los que compartir los gastos de gasolina y comida a medias. Esa es la razón por la que Brian publica un anuncio de viaje compartido en el campus de la universidad. 

Ese anuncio es leído por Early Grayce (Brad Pitt) un joven que vive en una roulotte instalada en un espacio junto con su novia Adele Corners (Juliette Lewis), un camarera de buen corazón y pica cabeza que vive subyugada por Early. 

Descubrimos que Early no paga a su casero que amenaza con echarlo de la roulotte y lanzarles a sus perros. Early sabemos que acaba de perder su trabajo algo que le echa en cara el oficial de libertad condicional cuando se entera de esto y llega al parque de caravanas donde Early vive con su chica. El oficial le entrega a Early la oferta del oficial de un trabajo como conserje en la universidad, diciendo que quiere dejar el estado, pero el oficial lo presiona con la idea de volver a prisión en el caso de que no vaya a su cita para la entrevista de trabajo. 

Cuando Early llega al campus, ve el anuncio de viaje compartido y llama a Brian, que acepta reunirse con él al día siguiente. Early envía a Adele por delante, y luego asesina a su casero metiéndole en el agujero que previamente ha perforado en el terreno antes de unirse a ella mientras esperan a Brian y Carrie. 

Carrie, aunque sólo sea por la pinta, se muestra renuente a viajar con la pareja debido a su apariencia casi de indigentes de los dos, pero Brian la pide que les de una oportunidad a ambos y que deje a un lado sus prejuicios. 

En el camino, sin el conocimiento de sus compañeros de viaje, Early asesina a un hombre en el baño de una gasolinera, con el que había tenido un incidente menor al bajarse del coche y le roba su dinero. Cuando llegan a su primer hotel de carretera, Early decide cortarle el pelo a Adele y hacerlo más corto para tratar de coincidir con el de Carrie, con la que empieza a tener una fijación y cierta pulsión sexual , aunque a ella , en principio, le desagrada su tosquedad y la miseria que lleva en los pies. Ella tiene dudas de que ellos puedan pagar algo. 

Al día siguiente se levantan y van a Tennessee a unas de las granjas en las que hubo uno de esos brutales asesinatos. A pesar de que Brian quiere entrar para entrevistar a los residentes y fotografíar el espacio el duelo se niega. Pero la ocasión es aprovechada por Early para robar el bolso. 

En otro hotel, en la noche siguiente, Early invita a Brian a ir con él a tomar unas cervezas y jugar billar, dejando a Adele y Carrie solas. Carrie aprovecha para conocer a su compañera de viaje, así que le propone recomponerle el horroroso peinado tras el corte de pelo de Early. Adele aporta mucha información: explica que su madre no aprobó su relación, porque Early acababa de salir de la cárcel. 

Adela le revela a Carrie que sufrió una brutal violación en grupo y que ve a Early como su protector, aunque a veces la "castiga", vamos, le pega.Mientras Carrie y Adele beben cerveza, Adele también admite a Carrie que Early le prohíbe fumar o beber y casi pintarse los labios. Carrie, tras haber escuchado todo eso sobre Early , especialmente el hecho de haber pasado por la cárcel le preocupa. 

Mientras tanto, en el bar local, un tipo le mete boca a Brian por preguntarle a la chica por una marca de cerveza y en esto que Early ataca al hombre que se enfrenta a Brian. 

Tras el incidente Brian y Early hablan con soltura y , sobre todo, beben cerveza sin parar. Al llegar a la habitación Carrie está molesta por lo que sabe, pero el estado de embriaguez de Brian le impide pensar bien. Al día siguiente, durante el viaje por carretera, Carrie que es la que conduce pues Brian tiene una resaca de libro, ve como Early va armada. 

Posteriormente vemos a Early enseñando a Brian a disparar con una pistola que dice haber heredado de su padre , siendo de fabricación japonesa. Carrie está alarmada por la creciente fascinación de Brian con Early, y por la indiferente respuesta de Brian a la noticia de que Early es un delincuente convicto . 

Después de hacer una parada en Texas en el lugar de uno de los asesinatos en serie , en este caso un matadero, Brian y Early discuten qudando claro que el interés de ella era asentarse en otro estado y no sacar fotografías para el libro de Brian. Al salir Carrie ve a Early y Adele teniendo relaciones sexuales en el auto, y , a pesar de fotografiar el momento y ser vista por Early, le da a Brian un ultimátum : o se deshacen de la pareja o se irá. 

En una gasolinera un área desértica, los cuatro llegan con el coche a repostar. Carrie se baja del coche, para que Brian le diga a la pareja que se han de quedar allí, pues no quieren seguir juntos. Ella entra en la zona de tienda y vislumbra un informe de noticias acerca de Early como presunto asesino. 

En ese momento entra una nerviosa Adele que va al servicio y poco después lo hace Early que al saberse descubierto y sabedor de que Brian no quiere seguir el viaje con ellos, decide hacerse con la escopeta del chico de la gasolinera y , tras intimidar a Carrie y al chico, Early dispara a la cabeza del empleado y lo mata . Luego toma del brazo a Carrie y continúa el viaje con la pareja , pero ahora como rehenes. 

En un campamento minero abandonado, ya en el Estado de Nevada, donde en su momento dos hermanos mataron a varios excursionistas , el grupo se encuentra con dos policías, a quienes Early dispara. La policía cae y el policía queda herido. Como antes en el interior del recinto minero Brian le había preguntado cómo se siente un asesino , Early quiere que sea él quien mate al policía. Pero Brian se niega y Early, finalmente, lo mata. 

Luego van , ya en las cercanías del estado de California, a la casa de una pareja de ancianos en el desierto. Early lleva a Carrie y haciendo pasar como pareja, quedando Adele con Brian esposado en el coche. 

Early se hace con el control de la casa. Tras incomunicar la vivienda, le pregunta a la señora Musgrave ( Sierra Pecheur) dónde está su marido. Ella dice que es viuda. Poco después vemos a Early entrando en la zona alta de la casa y sospechamos que golpea al Sr. Musgrave (John Dullaghan ) con un palo de golf hasta la muerte. 

Tras esto encadena a la pareja con las esposas en el piano, pero , en un momento de distracción, Adele permite que la mujer huya. Esto provoca que Early discuta con Adele por dejar en libertad a la mujer, ella lo golpea en la cara con un cactus y después él la mata a tiros. 

Luego deja a Brian inconsciente antes de secuestrar a Carrie, llevándola al sitio de pruebas nucleares abandonado de Dreamland en la frontera de California y Nevada. Brian recupera la conciencia y la anciana le entrega las llaves de su camión. Brian sigue a Early hasta el sitio de prueba nuclear, pero al llegar tiene un accidente y queda inconsciente. 

Tras recuperarse a la mañana siguiente le ataca. Pero , ya es tarde, esa noche Early ha esposada a Carrie en la cama y la ha violado. Brian al entrar le golpea en la cara con una pala. Brian encuentra a Carrie esposada a una cama después de haber sido agredida sexualmente . Early, quien solo estaba aturdido, ataca a Brian y luchan hasta que Early es golpeado en la cabeza por Carrie con la extremidad de un maniquí delos muchos que hay en la casa. Cuando Early continúa el ataque, Brian le dispara y lo mata, mientras en el exterior llega la policía. 

Algún tiempo después, vemos a Carrie salir de la playa. Ahora los dos viven en una casa frente al mar , en Malibú . Mientras Brian escucha las cintas realizadas con su grabadora de voz durante el viaje, Carrie le dice que una galería local está interesada en su obra artística. Brian responde sugiriendo que salgan a celebrar. 

A medida que se van, Brian deja sin querer una grabación en ejecución, en el que escuchamos un mensaje de "agradecimiento" que Adele dejó de forma encubierta al final de una cinta. Así acaba la violenta película. 

El guión fue escrito bajo el nombre de California por Tim Metcalfe y Stephen Levy en 1987. Metcalfe ha comentado que su intención era "asustar a la audiencia y castigarse a mi mismo por su morbosa obsesión por los casos de asesinato."​ El guión interesó al director Dominic Sena y fue comprado en noviembre de 1990 por Propaganda Films , a petición del director Dominic Sena ya que estaba impresionado por el personaje de Early Grace. 

Entre noviembre de 1990 y marzo de 1991, Metcalfe completó dos reescrituras del guión para implementar los cambios solicitados por Sena y Propaganda Films. Los personajes de Brian y Carrie recibieron profesiones como escritor y fotógrafo, respectivamente, mientras conservaban la premisa original de compartir un viaje con un asesino en serie. Metcalfe no estuvo de acuerdo con la dirección en la que se estaba desarrollando el guión, mientras que Sena y los productores consideraron que sus reescrituras eran "poco inspiradoras". En marzo de 1991, Metcalfe fue despedido del proyecto. 

Sin el presupuesto para contratar a otro escritor, Sena, junto con sus dos productores, pasó otro año escribiendo diez borradores posteriores del guión. Sus contribuciones incluyeron la narración en off del personaje de Brian, junto con un cambio de tono de una comedia negra a un thriller más violento .

Un vez Metcalfe estaba fuera del proyecto, Sena completo el guión. Sena mantuvo que las reescrituras les ayudaron a asegurar el reparto, así como un aumento al presupuesto originalmente propuesto de $ 4.5 millones. 

Tras lo presupuestado comenzó el casting. Brad Pitt fue elegido como el violento Early Grayce, ya que había estado buscando un papel en desacuerdo con la imagen de "niño bonito" que había interpretado en Thelma & Louise (1991) y A River Runs Through It (1992). Sean Penn fue considerado para el papel de Early Grayce. 

Juliette Lewis fue elegido para el papel al mismo tiempo de completaba la producción de Martin Scorsese El cabo del miedo (1991). Curiosamente actor y actriz había tenido una relación. Esta era la segunda de las dos películas en las que Brad Pitt y Juliette Lewis co-protagonizaron juntos y jugaron una pareja criminal. La primera fue la película para televisión Demasiado joven para morir (1990). Comenzaron a salir mientras filmaban "Too Young to Die?" en 1989, cuando Lewis tenía 16 años y Pitt tenía 26. La relación terminó en 1993, poco después de que se liberara "Kalifornia". El director Dominic Sena no sabía que Lewis y Pitt eran una pareja cuando los eligió. Estaba buscando a alguien para interpretar a Adele cuando vio a Lewis en "Too Young to Die?", E inmediatamente la quiso para su película. Mientras buscaba un actor para interpretar a Early Grayce, Sena vio a Pitt en "Thelma & Louise" y decidió que fuese él. 

En el papel de Carrie, Michelle Forbes fue la elegida después de completar una audición en Los Ángeles, ya que Sena sintió que poseía la frialdad distante del personaje. 

Para el papel de Brian Kessler fue el último en ser elegido, y David Duchovny finalmente recibió el papel después de varias pruebas de pantalla con Pitt, Lewis y Forbes. Keanu Reeves fue considerado para el papel de Brian Kessler. 

El comienzo del film fue filmado entre mayo y julio de 1992 en bastantes lugares. Algunas de las primeras escenas de la película se rodaron en una antigua zona industrial al oeste del centro de Atlanta y en el vecindario de Castleberry Hill. Se rodó en Covington, en la Martin Luther King Drive, en Castleberry Hill, en Murrays Mill al igual que en una vieja zona industrial de Atlanta, todas ellas en Georgia. 

Después de lo cual la producción se trasladó hacia el oeste a través de varios lugares en California. Se rodó en muchos más lugares como en el Ludlow Cafe en la Old Route 66, en la decadente ciudad californiana de Ludlow, también en el Bahooka Family Restaurant, de Rosemead, igualmente en California. Se rodó igualmente en Chicago y en la Penn Central Freight Yardsde la ciudad de Chicago, en el Estado de Illinois. También en otros espacios de California como Darwin, Malibu, Mojave Desert, Amboy - en concreto en el Roy's Motel and Cafe- en Rosemead, y en Los Ángeles. 

El 28 de junio de 1993, mientras filmaba en una estación de servicio en una zona rural de California, la producción se detuvo temporalmente luego de un terremoto de magnitud 7.5 

Sena recordó que el rodaje era extremadamente difícil, ya que el programa de rodaje a veces permitía solo un día en ciertos lugares. Según Sena, a lo largo de la producción, Pitt y Lewis, que eran una pareja en ese momento, iban a casa y trabajaban juntos en las líneas durante las noches. El productor Steve Golin relató durante la filmación que "los cuatro [del reparto principal] han sido tan profesionales, me ha impresionado. Han trabajado horas en condiciones que no son como estrellas. Los hoteles en el El desierto no son lujosos; consiguen una habitación con poca refrigeración, ni siquiera tienen aire acondicionado. Es un escenario difícil ". 

Las ubicaciones donde se llevan a cabo los eventos vinculados con los asesinos en serie están relacionadas con los nombres de los actores en la película. Lewiston Ranch en Mont Juliet en Texas (Juliette Lewis); Forbes, Tennessee (Michelle Forbes) Mina Davidson en Dew Cove, Nevada (David Duchovny); Bradbury Textile Warehouse en Pittsburgh, Pennsylania (Brad Pitt). 

Al principio de la película, cuando Carrie (Michelle Forbes) y Brian (David Duchovny) ven por primera vez a Early Grayce (Brad Pitt) y Adele Corners (Juliette Lewis), Carrie se escucha quejándose a Brian: "Parecen un par de Okies". Brad Pitt nació en Oklahoma. Un "Okie" es alguien de Oklahoma. En la década de 1930, se convirtió en un término de desprecio que se refiere a la gran cantidad de migrantes muy pobres de Oklahoma y estados cercanos, que huyeron de la pobreza del Dust Bowl y la Gran Depresión al mudarse a California, principalmente en automóvil a lo largo de la Ruta 66 de los EE. UU. Los cuatro personajes principales conducen por la Ruta 66, ahora fuera de servicio, aunque tengo que reconocer que parte de ella por el Estado de Nevada y Arizona es la que yo hice. 

El personaje de fotógrafo de Michelle Forbes es una referencia al controvertido fotógrafo Andrés Serrano, cuya actividad se centró en series como "Historia del sexo" y "El Klan" (desde principios de la década de 1990). 

Tras el lanzamiento de la película, DC Comics encargó una adaptación de cómic para coincidir con el lanzamiento del video de la película en 1994. La adaptación debía ser escrita por Chuck Dixon y dibujada por Duncan Fegredo. La adaptación nunca se terminó, excepto por un trabajo de coloreado realizado por Danny Vozzo. Se especula que esto se debió a la desaparición de Gramercy Pictures, quien era dueño de los derechos de la película. Una versión del cómic incompleto se ha subido a Internet desde entonces. 

La película tuvo su estreno en agosto de 1993 en el marco del Festival de Montreal donde consiguió el Premio a la mejor contribución artística . También la Federación Internacional de Críticos de Cine premio con el Premio FIPRESCI a Dominic Sena. El estreno a gran escala fue el 3 de septiembre de 1993 en los Estados Unidos y , a diferencia de lo esperado, no funcionó. Alcanzó en taquella únicamente los $ 2.4 millones. Eso sí, en los Premios Saturn octubre de 1994 nominó a Kalifornia como Mejor película de terror, a Michelle Forbes como Mejor actriz y a Tim Metcalfe como mejor guionista. 

En cuanto a las críticas decir la que película fue controvertida. Un estudioso de cine como Charles Derry ve Kalifornia como parte de una tendencia histórica de películas sobre asesinos en serie que comenzaron a principios de 1990 y que popularizó El silencio de los corderos (1991) de Jonathan Demme. Derry interpreta el título mal escrito de la película como un "ataque político a esas cualidades fascistas dentro de AmeriKa que generan tanta violencia", y también establece paralelos entre sus elementos estéticos y los de Psycho (1960). Además, Derry considera la configuración de secuencia culmante en un área de pruebas nucleares como la de Dreamland como una "imagen de Armageddon " simbólica de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, que a su vez "deben considerarse asesinatos en serie autorizados por el gobierno en una escala masiva". 

En otra publicación " Lost Highways: una historia ilustrada de las películas de Road Jack", los escritores Jack Sargeant y Stephanie Watson señalan que la película presenta imágenes duplicadas de las dos parejas. Son , según ellos, los "rituales de afirmación contrarios" entre Early y Adele, y Brian y Carrie, que demuestran su vida social y de clase. Son disparidades relacionadas. Sargeant y Watson también interpretan el personaje de Carrie como andrógeno y que "ofrece una amenaza de orden" en la dinámica de colegas entre Early, Adele y Brian. 

En cuanto a la crítica especializada señalar que Roger Ebert a través de Rogerebert.com y de sus columnas en el Chicago Sun Times afirma que "Es terrorífica y espeluznante (...) Tan bien interpretada que en gran parte de la película abandoné el desapego y observé la pantalla como si estuviera viendo la vida de gente real (…) " En general Roger Ebert alabó la película y la describió como "inquebrantable y honesta, y actuó tan bien que durante la mayor parte de la película abandoné todo desapego y lo vi como si estuviera observando la vidas de personas reales ". Ebert observó que Pitt y Lewis dan "dos de las actuaciones más desgarradoras y convincentes que he visto". 

En otro diario de Illinois , en el Chicago Tribune habla de un sentimiento similar en cuanto a la relación entre el valor artístico de la película y su representación de la violencia, y señaló: "[ Kalifornia es] otra película terriblemente violenta sobre un asesino en serie. Y aunque el guión tiene un final que no tiene mucho que decir sobre los asesinos sin remordimientos, vale la pena emprender el viaje porque nos encontramos con cuatro personajes indelebles en una escena convincente tras otra ". En este mismo diario Mark Caro consideró que la película era una "película B pretenciosa" 

Peter Travers en la revista Rolling Stone declarando que "Este juego pervertido de asesinatos y erotismo es absurdo pero nunca aburrido (...) Las inconsistencias del guion de Tim Metcalfe rompen el hechizo." De cualquier manera Peter Travers entendió que "ciertos elementos del guión eran "absurdos". 

Leonard Klady de Variety dijo que "Duchovny está sólido (...) Una producción extremadamente hermosa impregnada de una sensibilidad sombría y surrealista, 'Kalifornia' es un placer visual y auditivo" Klady comparó la película con la naturaleza dominante de La noche del cazador (1955) de Charles Laughton por esta razón. 

The New York Times describió la película como "un ejercicio de personalidades contrastantes, con la Sra. Lewis, Adele, por mucho, la más llamativa", pero agregó que la película "es realmente atractiva, con sus impresionantes paisajes desérticos bien fotografiados por Bojan Bazelli. ", y con el vestuario de Kelle Kutsugaras que dicen todo sobre ellos , y más, sobre las personas que los usan. Si la apariencia fuera todo, tal vez estarían en el camino correcto". 

Richard Harrington de The Washington Post destacó los elementos estéticos de la película, escribiendo que "está tan bien filmada por Bojan Bazelli, y tan hábilmente editada, que la superficie de su casa de arte oculta su contenido de explotación , haciendo de este un viaje a través de un mundo fresco en lugar de un uno cruel ". Y en este mismo diario Joe Brown, de The Washington Post fue desdeñoso de la película por su material violento, considerándolo un "nuevo nadir en el nihilismo nauseabundo ". 

Al otro lado del país, en la soleada "Kalifornia" el cronista cinematográfico de Los Angeles Times, Kenneth Turan observó que aunque la película es visualmente "elegante y elegante", "no hace que el caos invasivo sea más fácil de tomar", y sintió que las actuaciones de Pitt y Lewis se registraron como "educadas e incluso un poco repetitivas. " 

Por su parte, Owen Gleiberman, de Entertainment Weekly, hizo críticas similares al escribir que "desde su inicio, Kalifornia ... arroja todo el sentido dramático por la ventana" y, en última instancia, lo describió como "una tesis de una escuela de cine que salió desastrosamente mal". 

Owen McNally de Hartford Courant, aunque alabó las actuaciones de los actores y escribió: "Si te subes a este viaje enfermo y desagradable, será mejor que te retires temprano. Inseguro a cualquier velocidad, este vehículo dramático se incendia, consumido por una mezcla letalmente defectuosa de pomposidad y pretensión." 

Ya en Gran Bretaña, Steve Beard, de Empire afirmó que "Aunque la idea de la película es interesante, los personajes son demasiado superficiales, la trama demasiado pulcra para ser atractiva y su aspecto deja mucho que desear (…) " 

Ya en España,  Pablo Kurt en filmAffinity dice que este " Inquietante y atractivo thriller sobre asesinos en serie cuyo mayor acierto fue enfocar la película, más que en el morbo del argumento, en la psicología de unos personajes soportados por un reparto muy bien ajustado: la estupenda actriz Juliette Lewis, el protagonista de una de las más famosas series de televisión de los noventa (David Duchovny-X Files), el infravalorado Brad Pitt (que demuestra que es algo más que una cara bonita), además de una atractiva, perturbadora y desconocida Michelle Forbes. Muy interesante. 

Fernando Morales en El País afirma que la película está "Llena de fuerza y ritmo". Y en este mismo diario, Miguel Ángel Palomo, comenta que "Sorprendente y dura combinación de thriller y road movie (...) Sin recurrir a efectismos ni gratuidades, Sena elabora una reflexión acerca de la violencia y de su posible fascinación".

En ABC se dice que " Opera prima' de Dominic Sena ("60 segundos") que reunió en su reparto a un David Duchovny que ese mismo año saltaría a la fama gracias a su trabajo en "Expediente X", a un Brad Pitt ansioso de demostrar que como actor era mucho más que una cara bonita y a una Juliette Lewis que aún tenía fresca su nominación al Oscar por su trabajo en "El cabo del terror". Pese a este espectacular trío protagonista, en su estreno estadounidense la cinta no recuperó ni una tercera parte de los nueve millones de dólares que sus productores invirtieron en ella."

He tardado en verla , algo así como 25 años, pero lo cierto es que me la perdí de la cartelera. Pero considero que la espera ha merecido la pena. En parte por los personajes , un repulsivo - nunca más apropiado- Brad Pitt, una algo más que inocente Juliette Lewis que lo borda, un convincente David Duchovny, y una potente, en el mejor sentido del termino, la texana Michelle Forbes, que después es la que ha llevado la trayectoria más débil de los cuatro centrada más en series y menos en películas ( sólo dos reseñables : 2013: Rescate en L.A. (1996) y Los juegos del hambre: sinsajo - Parte 2 (2015).

Se puede decir que la violencia es múltiple en la película. Por supuesto, hay una violencia extrema por parte de Early hacia los demás, pero también y expresamente hacia Adele, violencia de género pura y dura. Un claro ejemplo de la situación que viven algunas mujeres que bajo la falsa idea de protección se meten bajo el ala de un cruel maltratador.

Destaca igualmente su papel de road movie con las paradas en espacios de supuestos crímenes que salpican la geografía americana, una geografía extensa, inmensa y bellísima, pero , como ya señalé al principio, salpicada en ocasiones por la violencia.