Das Boot, segunda entrega

 

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Más grande que la vida

 

La casa de las dagas voladoras

Zhang Yimou, tras Hero, volvió a la carga con el wuxia. Además de las artes marciales, romance, conspiraciones, y traiciones, le añadió toques clásicos del género. Una fotografía y puesta en escena muy cuidada, y con grandes actuaciones.

El 16 de julio de 2004 se estrenaba esta nueva muestra del talento de Zhang Yimou, que rodaba un wu-xia como siempre colorido, espectacular en la formas y que además desarrolla una bella historia de amor que la convierte en una película espléndida después de la magistral "Hero".

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La trinchera infinita

 

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La defensa Luzhin

 *EC: En construcción

Copying Beethoven

Nunca me deja indiferente esta directora polaca que responde al nombre de Agnieszka Holland . Desde que descubrí su Europa, Europa, una película que reflexionaba sobre el mal y las contradicciones que existen en todos los regímenes que llegó son capaces de devorarlo todo, incluso a la juventud europea entre 1939 - 1945, en la que podía incluirse la población española de unos años antes, vi en ella el caudal de cine que contenía. Su competencia la he visto en otras peliculas, reconozco que más o menos, sigo su trayectoria - la personal es alucinante- y lo ha vuelto a demostrar en esta película de 2006 que presenta una impecable diseño visual amparada en la música de Beethoven y que trata sobre los últimos momentos del genio alemán en relación a su copista musical, Anna Holz. 

Copying Beethoven me ha parecido una maravilla. Una obra llena de sensibilidad , de amor por la música, sabiduría interpretativa, de concisión, de detalles sutiles que la hacen grandiosa, y eso en un biopic no siempre es fácil. 

La película se centra en dos personajes, muy diferentes entre sí, pero con un elementos en común: la pasión por la música. Uno se siente elegido / abandonado por Dios, posee un carácter indómito, contradictorio, sensible, fuerte, innovador, sin normas y sin freno en sus opiniones, dubitativo en su limitación sensorial, pero necesita ser reformazo en sus decisiones y para eso esta ella poderosa, inteligente, capacitada, tenaz, valiente, ambiciosa y sensible. Descubrimos que es capaz de dejar a su novio que crea con cabeza pero sin alma, para quedarse al lado del que crea con alma, pero sin control. Una película que trata del empoderamiento femenino, junto a la genialidad de un ser dotado por el don de la música. Un combate entre dos personalidades pero que necesitan estar al servicio de la música. Así es Copying Beethoven. Una gran película. 

La película no es real aunque parezca verídica en su totalidad y de hecho asume un personaje de ficción fundamental , el de Anna Holz interpretado magistralmente por la bellísima Diane Kruger, asume aspectos de ficción dramática y licencias en la biografía del genio con el fin de facilitar el relato cinematográfico. Se centra en los últimos años de la vida creativa del compositor Ludwig van Beethoven, desde la copia del libreto de la novena sinfonía del genio nacido en Bonn hasta su muerte, precisamente el punto de partida de la película. 

La película es una producción en la que está Christopher Wilkinson, junto a Sidney Kimmel, Stephen J. Rivele y Michael Taylor que lo están por medio de las productoras Metro-Goldwyn-Mayer - aquí también distribuidora- , Sidney Kimmel Entertainment y Myriad Pictures. Algunos de ellos, concretamente dos , Stephen J. Rivele y Christopher Wilkinson que fueron candidatos al Óscar al mejor guion por su trabajo en ''Nixon'' están en el guion. Junto a ellos aparecen en la parte técnica como es lógico en la música Ludwig van Beethoven, quedando para la fotografía Ashley Rowe, Alex Mackie para el montaje y en el vestuario Zoltán Horváth. 

En cuanto el elenco el peso de la obra es llevado por Ed Harris como Ludwig van Beethoven y Diane Kruger como Anna Holtz. Junto a ellos aparecen Matthew Goode como Martin Bauer, el ingeniero y novio de Anna, Phyllida Law como la Madre superiora Canisius, Joe Anderson como Karl van Beethoven, el sobrino del compositor, Ralph Riach como Wenzel Schlemmer y Bill Stewart como Rudy.  

Es 1824, y Ludwig van Beethoven (Ed Harris) está terminando su Novena Sinfonía bajo la presión de su inmediato estreno y con los problemas que le ocasiona su sordera, , soledad y traumas personales intenta que su copista habitual en Viena Wenzel Schlemmer (Ralph Riach ) termine su trabajo de copia pues quedan unos días. 

Sin embargo Wenzel Schlemmer no se encuentra bien. Está mayor y enfermo y sabe que no puede realizar su labor de coipa, así que pide en el Conservatoria de la capital imperila que le envían a su mejor copista. Para sorpresa de Wenzel Schlemmer la que llega es una mujer de nombre Anna Holtz (Diane Kruger), que se presenta como estudiante aventajada del conservatorio de música de 23 años y aspirante a compositora con pocos medios, que intenta encontrar inspiración y prosperar en la capital mundial de la música, Viena. Ve en la copia una oportunidad para mejorar su formación más aún cuando Schlemmer le dice que las copias no son para él sino para el más importante música que reside en Viena en esos momentos: Ludwig van Beethoven ( Ed Harris) . 

A pesar de su condición femenina Schlemmer la envía para ayudar al compositor a terminar de preparar la partitura de su sinfonía para la primera interpretación. Cuando la ve el maestro no tiene claro que ha ido. Pero cuando le pregunta la razón este se muestra escéptico. 

Tras comprobar lo poco que ha copiado descubre una variación en la nota de inicio, pero Anna Holz responde con inteligencia no amedrentándose y demuestra sus dotes para la música. El maestro, aunque con algunas reservas, decide entonces aceptarla como copista, comenzando así una extraordinaria relación que cambiará la vida de ambos.

Mientras el compositor se marcha a comer a una taberna y le promete que le llevará la cena (trucha en escabeche) Anna Holtz se queda realizando sus labores como copista y eso que descubre que el genio vive entre ratas y mugre. 

Al cabo de las horas se presenta el música con la cena, pero ella lleva en la calle desde hace dos horas debido a las ratas. No obstante, ha realizado el trabajo con eficacia como comprueba el músico de Bonn. Anna Holtz se marcha al convento donde reside pues su tía abuela es Canisius (Phyllida Law ) la madre superiora del mismo. 

Cuando se encierra en su cuarto aparece por la ventana su novio, un joven ingeniero de familia bien Martin Bauer (Matthew Goode) que desea dos cosas por el momento: conseguir que el diseño de su puente sobre el Danubio sea aceptado por el Emperador y casarse en un futuro con ella. Al día siguiente Anna Holz vuelve. 

Tras empezar a conocer al maestro y su adoración por su sobrino, ella decide limpiar la casa de suciedad. Mientras lo hace se presenta Karl (Joe Anderson ) el sobrino de Beethoven que la confunde con una sirvienta o , incluso, con una fulana algo que ella claro que no es. 

Anna descubre que las aspiraciones que siente el tío sobre el sobrino son inútiles ya que el sobrino no sólo no le gusta tocar el piano sino que prefiere el juego y la vida militar. No obstante, también ve la pasión del músico con su obra y la que ella siente por la obra del músico. 

Por otro lado, descubrimos la admiración de una de las vecinas por el músico y el profundo malestar que siente los que viven en el piso inferior con este. Pero a Anna Holz y a Beethoven lo que le guía es la música. 

Quedan unos días para el estreno de la Novena Sinfonía y Beethoven perfila los últimos detalles de la que quiere que sea su Sinfonía culminante, tras las ocho anteriores.

El día del estreno tiene lugar. Al mismo asiste Martin Bauer y Anna, pero también la flor y nata de la sociedad vienesa, los "buitres" como le llama Beethoven. También están los amigos tabernarios del música y Schlemmer al que Beethoven busca para que le ayude a dirigir el concierto, ya que tampoco se ha presentado el sobrino del musico al haber vendido su butaca a un extranjero, un norteamericano vestido de aspecto estrafalario, según lo describe su copista principal. 

Pero éste que no puede busca entre el público a Anna y será Anna Holz la que en el interior del foso y entre la orquesta diriga con sus manos al maestro Beethoven. Anna se muestra ante Beethoven, como su amiga, protegida y salvadora. El propio Karl que está entre bambalinas llora emocionado por lo creador por su tío.

Tras la labor del concierto y el éxito absoluto se gana la admiración por ella, en lo que sería su último concierto. Dado el grado de confianza que ahora siente y después de ver la admiración que se ha ganado de Beethoven, Anna procede a mostrarle una pieza musical que compuso. 

Cuando Beethoven la ve dice que tiene algunas virtudes, pero algunos defectos. Especialmente una parte de la misma la califica de pedorreta musical. Ante ello Anna se siente insultada como compositora y dolita por la falta de tacto y de freno social que tiene el músico. 

Anna, se marcha y le dice que no está dispuesta a volver. Se refugia en el Convento de su tía abuela y las monjas en el convento. Anna se sorprende cuando Beethoven se presenta desesperado y le pide a Anna que siga bajo su tutela. Viendo su negativa le ruega a Anna, de rodillas, que regrese y trabaje como colega músical. De igual a igual. Él comienza a enseñarle s nueva creación , una Gran Fuga, con elementos que huyen del clacisismo musical para introducirse en el romanticismo, en la música domina por los sentimientos y el alma, en la composición sin reglas determinadas. 

Las semanas pasan. Un día cuando Anna va a la muestra de modelos para el nuevo Puente sobre el Danubio acompañando a su novio Martin Bauer se persona Beethoven que al ver la obra, le echa en cara al ingeniero su capacitación técnica en la que la obra puede ser funcional pero carece de lo que el reclama en las obras de alma. 

Así que tras ridiculizar la maqueta Beethoven rompe el modelo del puente de Martin que construyó dejando sorprendidos a todos. El propio Martin ante lo ocurrido le da un ultimatun a Anna: " O se aleja del músico, o de él". Ella toma partido. 

Aunque enojada, se enfrenta a Beethoven y le pregunta si alguna vez había considerado que amaba a Martin. Beethoven responde: "No lo amas". Al escuchar esto, Anna pregunta enojada si se supone que debe amar a Beethoven. Beethoven vuelve a responder: "No. Tú quieres ser yo". A partir de aquí, Anna acepta que efectivamente ella quiere ser gran compositora como Beethoven. Cree que ha hecho lo correcto y continúa trabajando con él, como música, copista , amiga, sirviente... 

Ella se convierte en su apoyo ante las dificultades y fracasos. Por eso vuelve junto a él a su lecho como vemos al inicio de la película. 

La película termina, con Anna saliendo de una casa en la que aparecen pequeños cuadros y caricaturas de los grandes artitas entre ellos, Beethoven, y se desplaza por el campo en soledad mientras suena lo que a ella le importa, la música. 

En principio el productor tuvo en mente a Anthony Hopkins para interpretar a Beethoven, aunque finalmente fue Ed Harris (''Las horas'') quien acabó dando vida al genio alemán. Haciendo honor a su fama de actor meticuloso, Ed Harris dedicó muchos meses a practicar piano y violín, estudiar dirección musical y leer libros sobre la vida y obra de su personaje. Todo ello para poder imaginar de dónde salía la música de Beethoven. La joven Diane Kruger (''Troya'') da la réplica al veterano actor. 

La cinta estrenada en noviembre de 2006 naufragó en taquilla consiguiendo únicamente en taquilla en los Estados Unidos y Canadá $ 6,191,746. El motivo, quizás, fue la mala distribución en Estados Unidos por parte de la MGM, de la que Harris se quejó en varias entrevistas y a la que achacó que no lograse recaudar en ese país más de la mitad de sus 8,3 millones de euros de presupuesto. 

Con respecto a los desajustes entre la historia real y la ficcionada señalar algunos detalles. El trabajo de copia del manuscrito de la partitura de la IX Sinfonía fue realizado en realidad a dos copistas, ambos varones, y no a una mujer como se muestra en la película. Ninguno de los copistas contribuyó ni alteró en forma alguna la partitura original de Beethoven. De hecho, este les amonestaba por cualquier desviación que se produjera con respecto de la partitura manuscrita original, por pequeña que fuera. El personaje de Anna Holtz por lo tanto inexistente, probablemente se basa, al menos parcialmente, en uno de ellos, Karl Holtz, un joven violinista y copista que se hizo amigo de Beethoven durante los últimos años de la vida del compositor y se dice que influyó en las decisiones sobre piezas como Große Fuge . 

Por otro lado para el año 1824 y durante la composición de la Novena Sinfonía de Beethoven el músico alemán ya estaba totalmente sordo pues la sordera total le llegó antes de 1817. La Novena Sinfonía se compuso cuando el compositor ya era completamente sordo. 

 Y después algún detalle más como que el momento en que enseña el culo en alusión a la Sonata Claro de Luna es un anacronismo, ya que su Sonata número 14, Opus 27 número 2, no fue denominada Claro de Luna hasta varios años después de la muerte del compositor. 

Por último señalar que no está claro que dirigiese la orquesta en la presentación vienesa de la Novena Sinfonía posiblemente debido a su sordera, parece que Beethoven estuvo presente en el podio del director, aunque tal vez no dirigiendo personalmente. 

Varios detalles del estreno están representados tal y como ocurrieron en la realidad, como el hecho de que le giraron hacia la audiencia para que viera el aplauso, pero ya sabemos que Anna Holz no pudo estar. Tampoco importa mucho, la ficción, y el cine es ficción puede asumir ciertas licencias que, por supuesto, se tiene que admitir. Los historias está bien que evalúen pero mejor abstenerse en cuanto al rigor histórico. Ni está ni se le espera ni es necesario. 

En cuanto reconocimientos la película fue incluída en el National Board of Review (NBR) de ese año en el Top de películas independientes del año. En los Goya fue nominada a la Mejor película europea y en el Festival de San Sebastián fue premiada como la Mejor según el Círculos de Escritores Cinematográficos. 

Y en cuanto a las críticas destacar la de Thelma Adams en US Weekly al decir de la misma que "Los críticos la consideran una película familiar de esas que a los amantes del art house también encantará. Ed Harris realiza una brillante interpretación de Beethoven, (...) interpretación magnífica, llena de personalidad y belleza." 

Ya en España M. Torreiro en las páginas de El País escribe que "Campa el exceso, los gestos incromprensibles y un acercamiento, digamos, ortodoxo a la personalidad de un genio (...) gran Ed Harris (...) estupenda Diane Kruger" 

Oti Rodríguez Marchante en las páginas del ABC comenta que es una "Interesante historia, magnífica pareja protagonista para interpretarla y una directora con mucha ínfula para retratarla (...)." 

Fausto Fernández en algunos tweets señala que "Batutas biopic arriba, Agnieszka Holland repitiendo con un Ed Harris en el límite de montar el numerito (con peluca) y sobreactuado. Aparte de eso, gracias a Dios, la peli pasa felizmente... 

Por mi parte decir que me ha gustado la película. Posiblemente la música y la pasión por la misma me ha llevado en volandas en este biopic que muestra un Beethoven arisco y maleducado , pero soberbio en su creación especialmente hasta la hora de la película en la que empieza la Sinfonía en la que el músico como afirma en la película habla con Dios. Un momento bestial. Enorme.

Miedo y asco en Las Vegas

Película bizarra, muy del gusto de Terry Gilliam, pero alejado del mío. Reconozco que el director norteamericano que estuvo en los Monty Phyton es capaz de todo. Desde luego diseña ambientes alternativos, con imágenes que combinan bien con la música y en las que ensarta historias visualmente brillantes, pero que difícil es llevar el hilo y la historia que asumen sus dos protagonistas y en la que se trufan otras historias, personajes y muchas y variadas drogas. 

Fear and Loathing in Las Vegas parte de una novela homónima escrita por Hunter S. Thompson e ilustrada por Ralph Steadman. La novela apareció por primera vez en dos volúmenes en la revista Rolling Stone, en el año 1971. La intención de Thompson en Miedo y asco en Las Vegas  era el colocar presentar el activismo radical y la cultura de las drogas que dominanban en los Estados Únidos a  finales de la década de los '60 en el contexto de la cultura popular de Estados Unidos.

Personalmente a mi me ha recordado a una canción de Asfalto, La otra María,  publicado en el álbum Ahora del año 1979. En el que habla de una chica que comenzó a vivir / malvivir coincidiendo con su acercamiento a la "Beat Generation". Una generación que se caracterizaba por su rechazo a los valores tradicionales estadounidenses, la defensa de un discurso transgresor y libertario , al uso de drogas, a la libertad sexual y al estudio de la filosofía oriental cuya estética fue absorbida por la cultura de masas y por la clase media hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta por la apuesta por lo contracultural, antimaterialista, anticapitalista y antiautoritaria . Esta nueva forma de ver las cosas dejó su principal influencia y legado en la posterior contracultura o movimiento hippie. 

Aquel 1971 era un año esencial y crucial para el movimiento hippie, cuando la contracultura perdió su ímpetu, pero también la inocencia y el optimismo de sus primeros tiempos, transformándose en apático cinismo. 

A través de la historia, los personajes que aparecen en la misma que no son otros que Raoul Duke y el Doctor Gonzo, "su abogado samoano de 300 libras de peso"  se desvían del camino para degradar, abusar, ridiculizar y destruir los elementos del consumismo, superficialidad y excesos de los Estados Unidos de la época. En esa novela el escritor se convierte en una figura central del relato e incluso en un participante de los eventos de la narrativa que está presente en aquellas Las Vegas de 1971 que simbolizaban esta decadencia de la cultura pop y la mentalidad de la gente. 

Guiándose de la novela, Gilliam dirige esta película que fue un fracaso de taquilla, recaudando US$ 10,6 millones de dólares en la taquilla estadounidense, muy por debajo de su presupuesto de $18,5 millones pero que desde su estreno en DVD se convertió en una película de culto. 

La película es una producción en la que participan Patrick Cassavetti, Laila Nabulsi y Stephen Nemeth representantes de las productoras Rhino Entertainment, Company Summit Entertainment y Films Shark Productions, que contó con la distribución de la Universal Studios y la Summit Entertainment.

La película sigue el guion de Terry Gilliam, Tony Grisoni, Alex Cox , Tod Davies. Contó con la música de Ray Cooper, la fotografía de Nicola Pecorini, el montaje Lesley Walker participando como narrador el mismo Johnny Depp.

El elenco está protagonizado por Johnny Depp como Raoul Duke y Benicio del Toro como Dr. Gonzo. Junto a ellos aparecen  Tobey Maguire como el autoestopista, Ellen Barkin como la camarera racista en el North Star Cafe, Gary Busey como el policía de la autopista que quiere que le bese Duke, Christina Ricci como la pintora de Montaña de nombre Lucy que sueña con entregar a Barbra Streisand sus retratos inspirados en la imagen suya por televsión, Mark Harmon como el reportero de la revista Mint 400, Cameron Diaz como Felycia McCarthney, la rubia reportera de TV que Gonzo considera que es su novia y que se lo ha quitado el fotógrafo Lacerda.

Junto a ellos aparecen Katherine Helmond como la recepcionista del Hotel Mint,  Michael Jeter como L. Ron Bumquist, Penn Jillette como el anunciador en la feria, Craig Bierko como el fotografo Lacerda, Lyle Lovett como  Flea el hippie, Christopher Meloni como Sven, empleado del Hotel Flamingo, que se niega a entregar una habitación a uno de los fiscales antidroga. Harry Dean Stanton como el juez, Troy Evans como el jefe de policía, la voz de Debbie Reynolds como ella misma. Jenette Goldstein como Alice la camarera, Verne Troyer como el camarero pequeño de un garito en Los Ángeles, Gregory Itzin como el oficinista del Hotel Mint.

Hunter S. Thompson también tiene un breve cameo en la película, cuando Duke tiene un flashback a un club de música de San Francisco, The Matrix, donde Thompson puede ser visto sentado a una mesa; en ese momento el personaje de Depp relata su monólogo interior y dice: «Ahí estaba yo... ¡Madre de Dios, aquí estoy! ¡Mierda!». 

La película comienza con un descapotable rojo alquilado, un Chevrolet Impala descapotable, va atravesando el desierto, en algún lugar cerca de Las Vegas siendo sus ocupantes, el periodista "Doctor en Periodismo" Raoul Duke (Johnny Depp) y su abogado, el inestable y misterioso Dr. Gonzo (Benicio del Toro). El maletero del coche es un auténtico depósito de drogas. Llevan en el coche dos bolsas de marihuana, 75 pastillas de mescalina, cinco hojas de ácido, un salero lleno de cocaína, y muchas otras sustancias como tranquilizantes, anfetaminas, barbitúricos, metaanfetamina, óxido nitroso... y también una botetla de tequila, un cuartootra de ron, un pack de Budweiser, una pinta de prima éter , y dos docenas de amilos ". 

Conducen a máxima velocidad, alucinando pues Duke se siente bajo un ataque de murciélagos y tratando de evitar las noticias radiofónicas de la guerra de Vietnam. 

Nos enteramos que Duke ha sido enviado por un editor a cubrir una estrafalaria carrera de motos, la Mint 400, en el desierto. Ante la oferta el abogado Gonzo se le ha unido y ha propuesto llevar un cargamento de sustancias alucinógenas que le van a ir acompañando en su viaje al corazón de la decadencia de los Estados Unidos, Las Vegas. 

Pasan cerca de Barston y primero  recogen  a un autoestopista (Tobey Maguire) un tipo con aspecto extraño, cabello rubio y largo . Al montarse en el coche y tras alucinar Duke pues está asustado dada las visión por el consemo de drogas marcha a velocidad y llevando el coche con dominio de la locura.  Tras un rato y viendo que en el coche hay un testigo de todo lo que llevan, tratando de llegar a Las Vegas antes de que el autoestopista pueda ir a la policía y los denuncie, Gonzo le da a Duke que masque una hoja de ácido y luego le informa que hay pocas posibilidades de que le haga efecto la droga antes de que llegue a la ciudad de Nevada. 

Sin embargo, cuando llegan Duke está en pleno "viaje" y apenas logra pasar el registro del hotel, alucinando pues ve que el empleado es una morena y que sus compañeros de bar son unos lagartos con ganas de sexo. 

Al día siguiente, Duke llega a la carrera y sale con su fotógrafo asignado, Lacerda (Craig Bierko  ). Antes de hacer el seguimiento y junto a otros periodistas que siguen el evento deportivo como el reportero de la revista Mint 400 (Mark Harmon) , Duke se pide una cerveza que en nada se llena de polvo, pero por efecto de las drogas se vuelve irracional y cree que están en medio de un campo de batalla, por lo que despide a Lacerda y regresa al hotel. 

Después de consumir más mescalina, además de inhalar éter dietílico, Duke y Gonzo llegan al casino Bazooko Circus un Casino lleno de ancianos - que representa el Circus Circus actual- pero se van poco después, la atmósfera caótica asusta a Gonzo.

De vuelta en la habitación del hotel, Duke deja a Gonzo en la misma no sin antes vivir un incidente con Lacerda al  creer que su "novia" Felycia McCarthney (Cameron Diaz), la rubia reportera de TV, le está tirando los tejos Lacerda. Así que deja a Gonzo en la habitación, mientras que él prueba suerte en un juego, el Big Six. 

Cuando Duke regresa, descubre que Gonzo, drogado con LSD, ha destrozado la habitación y está en la bañera metido pero en parte vestido, tratando de llevar el reproductor de cintas con él porque quiere escuchar mejor la canción. Le ruega a Duke que arroje la máquina al agua cuando la canción "White Rabbit "alcanza su punto máximo. Duke está de acuerdo, pero en su lugar arroja un pomelo a la cabeza de Gonzo antes de salir corriendo y encerrar a Gonzo en el baño. 

Duke intenta escribir sus recuerdos sobre la cultura hippie, y vuelve a San Francisco, donde un hippie Flea ( Lyle Lovett ) que lo encuentra le lame el LSD que se derramó en la manga de su chaqueta. 

A la mañana siguiente, Duke se despierta con una factura exorbitante del servicio de habitaciones, pero no hay señales de Gonzo (que ha regresado a Los Ángeles mientras Duke dormía) e intenta salir de la ciudad. 

Cuando se dirige a Los Ángeles lo hace pasando por las cercanías de Baker, California , y allí un policía (Gary Busey)  lo detiene por exceso de velocidad y le aconseja que duerma en una parada de descanso cercana. Antes de que se vaya le pide que le de un beso pues se siente muy solo. 

Duke, en cambio, se dirige a un teléfono público y llama a Gonzo, que le cuenta que tiene una suite a su nombre en el Flamingo Las Vegas para poder cubrir la convención del fiscal y policías que luchan contra los narcóticos.  En el Hall del hotel es testigo de cómo uno de los asistentes a la convención es rechazado por el de la recepción Sven (Christopher Meloni   ) en el hotel pues han anulado su reserva. 

Duke se registra en su suite, y al entrar se encuentra con su abogado, Gonzo,  y una joven de Montana llamada Lucy (Christina Ricci). En ese momento Gonzo le explica que la chica ha venido a Las Vegas para conocer a Barbra Streisand , y que este era su primer viaje con LSD. Duke convence a Gonzo de que deje a Lucy en otro hotel antes de que su viaje termine.

Por su parte Gonzo acompaña a Duke a la convención, y la pareja esnifan cocaína discretamente mientras el orador invitado pronuncia un discurso sobre los "adictos a la marihuana" antes de mostrar un breve reportaje. Incapaces de atender, Duke y Gonzo huyen de regreso a su habitación, solo para descubrir que Lucy ha llamado. Sus drogas se estan acabando y Gonzo habla con Lucy por teléfono rechazando un encuentro con ella fingiendo que está siendo golpeado salvajemente por unos matones  mientras Duke intenta calmarse probando algo del alijo de Gonzo. Sin embargo, el viaje se sale de control y Duke se reduce a un lío incoherente antes de desmayarse. 

Después de que pasa una cantidad de tiempo sin sentido, Duke se despierta en una ruinosa suite Después de descubrir si su grabadora ha grabado lo sucedido. Mientras escucha, tiene breves recuerdos del caos general que ha tenido lugar, incluido Gonzo amenazando a una camarera ( Ellen Barkin ) en un restaurante, él mismo convenciendo a una mujer de la limpieza angustiada de que son agentes de policía que investigan una red de narcotraficantes e intentando comprar un orangután .

Duke intenta dejar a Gonzo en el aeropuerto de Las Vegas aunque se equivoca de camino - además de encontrar a Lucy en la carretera portando sus cuadros- y decide llevarlo campo a través conduciendo a Gonzo hasta el avión, antes de regresar al hotel por última vez para terminar su artículo. 

Luego regresa rápidamente a Los Ángeles a través del desierto que pasa por una localidad llamada Miedo y Asco fundada en 1971 que, por ahora, tiene 0 habitantes acabando así la película.   

La historia de esta creacoión comienza en 1971 cuando el periodista y autor del relato, Thompson fue enviado a hacer un fotorreportaje del campeonato de motocross Mint 400 para la revista Sports Illustrated en 1971. Al mismo tiempo, fue contratado por Rolling Stone para cubrir una convención policial sobre narcóticos en Las Vegas. 

Antes de ser avisado sobre la carrera, Thompson estaba en Los Ángeles, informando sobre el asesinato de Rubén Salazar y las protestas raciales que ocurrieron tras su muerte. Por su parte, su compañero de viaje era Acosta , una reconocida figura de la comunidad chicana y por lo tanto una  fuente para su artículo. Como resultaba bastante peligroso mantener una conversación en la convulsionada Los Ángeles, Thompson y Acosta decidieron trasladarse a Las Vegas para poder continuar tranquilos con la historia. 

Thompson escribió la mayoría de la novela en una habitación de hotel en la ciudad de Arcadia, California, en su tiempo libre mientras trabajaba en el artículo sobre Salazar para Rolling Stone (luego publicado como Strange Rumblings in Aztlan). 

Lo que iba a ser un simple fotorreportaje explotó hasta convertirse en un artículo del tamaño de una novela para Rolling Stone, en noviembre de 1971. El texto fue publicado bajo el nombre Miedo y asco en Las Vegas. 

La novela fue llamada "el mejor libro de la década de la droga (dope decade)" por el New York Times, y una "abrasadora sensación épica" por el periodista y escritor Tom Wolfe. La mayor parte del libro está basado en hechos reales, pero alterados y exagerados hasta tal punto que pueden traspasar la línea de la ficción además de ser narrados por un drogado y desconcertado Raoul Duke, aunque hubiese pasado más de un mes, él solo lo sentiría como unos cuantos días. Esa es la razón de tanta paranoia que sufre en ocasiones, sus visiones extrañas y desfiguradas de la realidad y las regresiones y flash-back que de vez en cuando, en momentos de "resaca", describe.

Los intentos para hacer esta película se remontan hasta la década de los 70. En esa década el animador y cineasta Ralph Bakshi intentó convencer a una novia de Thompson de que le dejara hacer Fear and Loathing in Las Vegas como una película animada, hecha al estilo de las ilustraciones de Ralph Steadman para el libro. Pero lo cierto es que Hunter le había cedido los derechos a una novia suya. Y Bakshi intentó durante tres días hablar con ella tratando de convencerla de que yo el podría animarla. Pero ella quería hacer una película de acción en vivo, aunque él le explico que podría ser una mala caricatura, pero con una versión animada sería genial. Pero, según Bakshi, ella sentía un tremendo desdén por los animadores. 

Hunter tampoco pudo hacerla cambiar de opinión. En enero de 1976, Texas Monthly anunció que Larry McMurtry había firmado un contrato para escribir un guión para una adaptación cinematográfica.   Martin Scorsese y Oliver Stone trataron de hacer despegar la película, pero no tuvieron éxito . Finalmente fue Rhino Films la que comenzó a trabajar en una versión cinematográfica  en 1992 cuando el jefe de producción y productor de la película, Stephen Nemeth, planteó que  Lee Tamahori la dirigiera, pero al no estar disponible el proyecto se retrasó a 1997. 

En ese momento entra Johnny Depp en la historia. Éste quería que Bruce Robinson dirigiera, pero "no estaba disponible ... así que Rhino solicitó a Thompson una extensión de los derechos cinematográficos, pero el autor y sus abogados negaron la extensión. Bajo presión, Rhino respondió dando luz verde a la película y contratando a Alex Cox para dirigir en unos pocos días. 

Según Nemeth, Cox podría "hacerlo por un precio, podría hacerlo rápidamente y podría poner en marcha esta película en cuatro meses". Cuando Cox y Davies comenzaron a escribir el guión, Depp y del Toro se comprometieron a protagonizar la película. 

Pero poco después, Rhino contrató a Terry Gilliam y Thompson le concedió una extensión, pero  con la condición de que el director hiciera la película. Rhino no quería comprometerse con Gilliam en caso de que no funcionara.

En ese momento el estudio amenazó con hacer la película con Cox y sin Depp y del Toro que iban a ser los actores principales lo que molestó a los dos actores , cuando la productora Laila Nabulsi les contó los planes de Rhino. En venganza por eso, Depp y Gilliam dejaron a Rhino fuera del set durante el rodaje. 

Lo cierto es que Johnny Depp y Benicio del Toro no eran los inicialmente elegidos para el proyecto. En un primer momento se pensó en Jack Nicholson y Marlon Brando fueron considerados originalmente para los papeles de Duke y Gonzo, Después, Dan Aykroyd y John Belushi fueron considerados para el dúo, pero eso se vino abajo cuando Belushi murió. También John Malkovich fue considerado  para el papel de Duke incluso John Cusack . Finalmente el papel pasó a los dos protagonistas que desarrollan la película. 

Sin embargo, después de que Hunter S. Thompson se reuniera con Johnny Depp, e hicieron amistad, se convenció de que nadie más podía interpretarlo. Hay que decir que a la muerte de Thompson en 2005 las cenizas fueron esparcidas en Woody Creek, Colorado, fue Depp quien  pagó el funeral. 

Gilliam dijo en una entrevista que sus películas están dirigidas por actores, la interpretación de los dos personajes de Fear and Loathing es hiperrealista pero veraz: "Estoy interesado en personas reales en entornos extraños y retorcidos que los obligan a actuar ... reaccionar contra."

Los actores principales realizaron preparativos extraordinarios para sus respectivos papeles. Del Toro ganó peso para parecerse al Dr. Gonzo, el amigo de Thompson, en realidad, Oscar Zeta Acosta , quien desapareció en algún momento en 1974 . Lo cierto es que Thompson cambió la identidad étnica de Acosta a "samoana" para desviar las sospechas de Acosta, que tenía problemas con el Colegio de Abogados del Condado de Los Ángeles. Era el "abogado chicano" conocido por sus atracones de fiesta.  

Por su parte, Johnny Depp en la primavera de 1997 se mudó al sótano de la casa Owl Farm de Thompson y vivió allí durante cuatro meses, investigando para el papel y estudiando los hábitos y gestos de Thompson. Muchos de los trajes que Depp usa en la película son prendas de vestir genuinas de Thompson que Depp tomó prestada de éste y fue el propio escritor le afeitó la cabeza a Depp para que coincidiera con su propia calvicie. Otros accesorios, como el filtro de cigarrillos de Duke (un sistema de filtro permanente TarGard), camisas hawaianas, sombreros, una chaqueta de retazos, un medallón de plata (que le regaló Oscar Acosta) y las identificaciones, pertenecieron a Thompson. 

Durante la preproducción, Cox y la productora Laila Nabulsi tenían "diferencias creativas" y obligó a Rhino a elegir entre ella y Cox. Ella tenía un acuerdo con Thompson para producir la película y el estudio despidió a Cox y le pagó $ 60,000 en honorarios del guión. Se tomó la decisión de no usar el guión de Cox / Davies, lo que le implicaba darle a Gilliam solo diez días para escribir otro.

Gilliam  declaró en una entrevista que "Cuando estábamos escribiendo el guión, realmente tratamos de no inventar nada. De alguna manera canibalizamos el libro".

El director contó con la ayuda de Tony Grisoni y ambos escribieron el guión en la casa de Gilliam en mayo de 1997. Grisoni recuerda: "Me sentaba al teclado, hablamos y hablamos y seguía escribiendo".

Inicialmente, el estudio quería que Gilliam actualizara el libro para la década de 1990, pero  Gilliam, en la  revista Sight & Sound  señaló que si hubiera actualizado la película a la década de 1990 sería simplemente "una historia sobre dos personas que van al exceso". Mantenerlo ambientado en los años 70, utilizando el telón de fondo de la guerra de Vietnam y una pérdida percibida del sueño americano , ofrece razonamiento a las acciones de los personajes.

Cuando la película se acercó al estreno, Gilliam se enteró de que el Writers Guild of America (WGA) no permitiría que Cox y Davies fueran eliminados de los créditos a pesar de que nada de su material se utilizó en la producción de la película. La WGA revisó su decisión y dio crédito a Gilliam y Grisoni primero y a Cox y Davies en segundo lugar, Enojado por tener que compartir crédito, Gilliam quemó públicamente su tarjeta WGA en una firma de libros  en Broadway . 

Según Gilliam, no había un presupuesto firme cuando comenzó la filmación.Sintió que no era una película bien organizada y dijo: "Algunas personas no ... No voy a nombrar nombres, pero era una película extraña, como si una pierna fuera más corta que la otra. Hubo todo tipo de caos "

El rodaje en locaciones de Las Vegas comenzó el 3 de agosto de 1997 y duró 56 días. La producción tuvo problemas cuando querían rodar en un casino. Solo se les permitió filmar entre las dos y las seis de la mañana, se les dieron solo seis mesas para poner extras. 

Las tomas exteriores del Casino Bazooko se filmaron frente al hotel / casino Stardust , hoy ya desaparecido, con los interiores construidos con un estudio de sonido de Warner Bros. en Hollywood.

Para obtener el aspecto de época de Las Vegas en la década de 1970, Gilliam y Pecorini utilizaron imágenes de retroproyección del antiguo programa de televisión, Vega $ . 

Gilliam quería provocar fuertes reacciones a su película como dijo en una entrevista: "Quiero que sea vista como una de las grandes películas de todos los tiempos, y una de las películas más odiadas de todos los tiempos". 

Según el director de fotografía, este metraje realzó el tono de la película "ya de otro mundo un poco más". 

La banda sonora contiene las canciones con fragmentos de sonido de la película antes de cada canción. La mayoría de la música es de la época, con unas pocas excepciones; una de ellas es la interpretación de Dead Kennedys de la canción "Viva Las Vegas" (que se escucha en el final de los créditos de cierre); las otras canciones que no son de la época son "Tammy", de Debbie Reynolds, y "Magic Moments", de Perry Como. "Somebody to Love", de Jefferson Airplane, se oye durante un flashback, pero no está presente en la banda sonora. La canción de los Rolling Stones "Jumpin' Jack Flash" se escucha en el final de la película cuando Thompson conduce  y pasa por Miedo y Asco a la salida de Las Vegas. 

Gilliam no podía pagar $300.000 (la mitad del presupuesto de la banda sonora) por los derechos de "Sympathy for the Devil", de los Rolling Stones, que desempeña un papel prominente en el libro. 

En cuanto a la crítica Miedo y asco en Las Vegas se movió entre la admiración y el desagrado de los críticos; 

En The New York Times , Stephen Holden escribió: "Incluso las realizaciones cinematográficas más precisas de las imágenes del Sr. Thompson no comienzan a igualar la ferocidad surrealista del lenguaje del autor".  Y añade que es "Lo más cercano a un viaje de ácido logrado por una película comercial y la última muestra de la valentía visual de Gilliam".

Stephen Hunter, en  el Washington Post , escribió: "No cuenta ninguna historia. Pequeños episodios sin importancia particular van y vienen ... Pero la película es demasiado grotesca para ser introducida emocionalmente". En este mismo diario Michael O'Sullivan  considera que "Lo que eleva la historia de ser una mera crónica de drogas es lo mismo que elevó el libro al ámbito de la literatura. Es la sensación de que Gilliam, como Thompson, siempre está totalmente al mando del medio, mientras se abandona por completo a fuerzas impredecibles. más allá de su control ".

Roger Ebert el crítico del Chicago Sun Times encontró la película vergonzosa,  escribiendo se trata de "una película horrible, sin forma, trayectoria o propósito, una película de un solo chiste, si es que tiene un chiste. Los dos personajes deambulan sin sentido por los extraños escenarios de Las Vegas (algunos reales, otros alucinados, todos intercambiables) mientras se vuelven locos. El humor depende de la actitud. Más allá de cierto punto, no tienes una actitud, simplemente habitas un estado" 

Por su parte Gene Siskel habitaul en las críticas de la web de RogerEbert.com señaló que la película capturó con éxito los temas del libro en la película, y agregó "De qué trata la película y de qué trata el libro es usar Las Vegas como una metáfora de ... o una ubicación por - lo peor de América, los extremos de América, la obsesión por el dinero, la vulgaridad visual de América ". 

Andrew Johnston ,  en Time Out consideró que  "El miedo es realmente una prueba de Rorschach de una película: algunas personas verán un lío espantoso, inaccesible por la tambaleante cámara de mano y la narración casi incomprensible de Depp. Otros verán una comedia despreocupada ,...Todo depende de tu estado de ánimo, expectativas y estado de ánimo (para que conste, estaba totalmente sobrio y básicamente lo disfruté) " 

Duane Byrge en The Hollywood Reporter dice de ella que es "Una serie poco inspirada de escenas de borracheras (...) El delirio y el genio de Thompson, incluyendo ataques de locura inducida por las drogas y alucinaciones, se visualiza en los términos más banales" 

Dentro de la visión que sobre la película hubo en los Estados Unidos concluyo con la opoinión de Mike Clark, del USA Today , que encontró la película como "simplemente imposible de ver". 

En Gran Bretaña The Guardian , Gaby Wood señaló que "Sin embargo, después de un tiempo, los altibajos no son lo suficientemente frecuentes ni siquiera para la audiencia, y hay un elemento de tedio que generalmente se encuentra en las experiencias drogadictas de otra persona". 

En la revista Empire consideró que era la 469ª mejor película en su lista de las "500 mejores películas de todos los tiempos" y en la misma Jack Hamilton señala quye "Visualmente increíble y bendecida por grandes intepretaciones de Depp y Del Toro, está destinada a ser un clásico de culto, pero la trama y el simbolismo son menos impresionantes (...) ". 

Un ejemplo de esa dualidad a la hora de verla lo tenemos en la crítica española cuando por un lado Carlos Boyero en El Mundo defendió que era "Una imbecilidad", mientras que Javier Ocaña en Cinemanía escribe que "Masacrada por la crítica es, sin embargo, un maravilloso delirio que sólo a tipos como Gilliam se le pueden ocurrir"

La película fue nominada a una variedad de premios que la elogiaron o la condenaban. Terry Gilliam fue nominado a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1998 , mientras que Johnny Depp ganó el premio al Mejor Actor Extranjero del Gremio Ruso de Críticos de Cine en 1998. 

Sin embargo, Depp y Del Toro también fueron nominados por los Stinkers Bad Movie Awards a la peor pareja en pantalla, y durante los mismos premios, la interpretación de Del Toro del Dr. Gonzo también fue nominada como peor actor de reparto.

La dualidad también la apreció yo. Como historia no tiene sentido ninguno es una suma de sketches afectados por las drogas que aportar no aporta nada, pero por otro lado, hay que descubrirse ante la creación libre y alucinógena realizada por Terry Gilliam y por las actuaciones de los dos protagonistas, Johnny Depp y Benicio del Toro. Una obra absurda coherente con el estilo narrativo nda convencional de Gilliam. Tan buena como mala pudiera dar miedo de no enterderla y asco por el peso de la droga, que se lo pregunten a La otra María. Hay que verla para juzgarla.