Shakespeare enamorado

Recuerdo haber ido al cine en el año 1998, o a inicios del 99, aunque no recuerdo bien la sala. Pudo ser los Multicines del Zoco, pero no lo puedo asegurar. Hoy los mismos no existen, para mi desgracia, y para todos aquellos que gustan ir al cine paseando y no  tener que tomar el coche. 

Recuerdo que en los programas de cine de la época recalcaban como en la época isabelina las mujeres tenían estrictamente prohibido subir al escenario, por lo que los papeles femeninos eran interpretados siempre por hombres jóvenes. El feminismo necesario y justo creciente, pero en su versión cercana al wokismo, comenzaba. La historia era así a finales del siglo XVI, juzgar lo de ese siglo con nuestros valores parece absurdo, tanto como la medida que se aplicaba. Era una época, otra época. 

Me imagino que fueron las nominaciones o las críticas favorables las que me llevaron junto a mi mujer al cine. Finalmente, la película fue ganadora en 1999 del Oscar a la mejor película, a la mejor actriz principal (Gwyneth Paltrow) y al mejor guion original (entre numerosos premios más).

Desde que la vi me pareció una películita, bien realizada, fenomenalmente interpretada, pero no dejaba de ser una emotiva comedia romántica de tintes dramáticos y un estudio sobre el amor y el proceso de creación con el teatro isabelino como telón de fondo. 

La cinta, que se convirtió también en la gran triunfadora en los Globos de Oro y los BAFTA de dicho año. Contó con Joseph Fiennes - un actor que ha ido a menos, de hecho, lo he visto hace poco interpretando a Southgate, el seleccionador btitánico- interpretando el papel principal del joven Shakespeare mientras que la Paltrow dando vida a su clandestina e inesperada musa. Una historia de sueños, pasión y pérdida en una época marcada por persecuciones, seducciones e intrigas. 

Shakespeare enamorado se estrenó el 11 de diciembre de 1998 en Estados Unidos, distribuida por Miramax Films, y el 29 de enero de 1999 en el Reino Unido, distribuida por Universal Pictures. 

En la producción aparece The Bedford Falls Company que aportó 25 millones de dólares y aparecen como productores David Parfitt, Donna Gigliotti, Harvey Weinstein, Edward Zwick y Marc Norman La película recibió elogios de la crítica, recaudó 289 millones de dólares con un presupuesto de 25 millones y fue la novena película más taquillera de 1998. 

Como ya he señalado, recibió numerosos galardones, entre ellos tres Globos de Oro (incluidos Mejor Película - Musical o Comedia y Mejor Actriz en una Película - Musical o Comedia para Paltrow), dos Premios del Sindicato de Actores (Mejor Reparto y Mejor Actriz para Paltrow) y cuatro Premios BAFTA (incluido Mejor Película). Ganó siete premios Óscar de trece nominaciones en la 71.ª edición de los Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Actriz para Paltrow, Mejor Actriz de Reparto para Dench, Mejor Guion Original, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario. 

La película narra un romance ficticio entre el dramaturgo William Shakespeare (Fiennes) y Viola de Lesseps (Paltrow) durante la escritura de Romeo y Julieta. Varios personajes están basados en figuras históricas, y muchos de ellos, diálogos y recursos argumentales aluden a las obras de Shakespeare. 

Shakespeare in love o enamorado está dirigida por John Madden y escrita por Marc Norman y Tom Stoppard y protagonizada muchos grandes actores y actrices británicos, que en las películas de época, son inigualables como son Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Geoffrey Rush, Colin Firth, Ben Affleck y Judi Dench.

Richard Greatrex fue el responsable de fotografía, siendo el montador David Gamble y cuenta con la música de Stephen Warbeck. 

La película comienza en el Londres del año 1593. El joven dramaturgo William Shakespeare (Joseph Fiennes ) sufre un bloqueo total. Por mucho que lo intenta, y a pesar de la presión que recibe de financieros y dueños de salas de teatro, no consigue inspiración para su nueva obra. Lo que Will necesita es una musa. 

En ese Londres Shakespeare era actor ocasional en la compañía teatral Lord Chamberlain's Men y dramaturgo para Philip Henslowe (Geoffrey Rush ) , propietario del teatro The Rose. 

Aquejado de bloqueo creativo con su nueva comedia, Romeo y Ethel, la hija del pirata, Shakespeare intenta seducir a Rosalina ( Sandra Reinton ), amante de Richard Burbage (Martin Clunes ), dueño del teatro rival Curtain, y convencerlo de que le compre la obra a Henslowe. 

Shakespeare recibe consejos de su amigo y rival, el dramaturgo Christopher Marlowe (Rupert Everett ) , pero se desanima al descubrir que Rosalina tiene una relación con el maestro de ceremonias Edmund Tilney (Simon Callow ). 

El desesperado Henslowe, en parte por los efectos de la peste en la ciudad, está endeudado, con el despiadado prestamista Hugh Fennyman (Tom Wilkinson), comienza las audiciones de todos modos. 

En una representación está presente Viola de Lesseps (Gwyneth Paltrow ) , la hija de un rico comerciante, atendida siempre por su ayudante o aya (Imelda Staunton ) que había visto las obras de Shakespeare en la corte y junto a la Reina Isabel I (Judi Dench ).

Para la audición de la nueva obra de Shakespeare ella, Viola , se disfraza de hombre con el nombre de Thomas Kent para la audición. Kent despierta el interés de Shakespeare con un discurso de Los dos hidalgos de Verona, pero huye cuando Shakespeare la interroga. Persigue a Kent hasta la casa de Viola y deja una nota con su nodriza, pidiéndole que comience los ensayos en el Rose. 

Shakespeare se cuela en un baile en la casa, donde los padres de Viola arreglan su compromiso con Lord Wessex (Colin Firth ), un aristócrata necesitado de dinero. 

Bailando con Viola, Shakespeare queda sin palabras. Al ser confrontado por Wessex, Shakespeare se presenta como Christopher Marlowe. Wessex expulsa a "Marlowe" y amenaza con matarlo. Shakespeare encuentra a Viola en su balcón, donde confiesan su mutua atracción antes de que su nodriza lo descubra y huya. 

Inspirado por Viola, Shakespeare transforma rápidamente la obra en lo que se convertiría en Romeo y Julieta. Comienzan los ensayos, con Thomas Kent como Romeo, el destacado actor trágico Ned Alleyn (Ben Affleck ) como Mercucio y el joven Fennyman, con gran talento para el teatro, en un pequeño papel. Después de que Shakespeare descubre la verdadera identidad de Viola, comienzan un romance secreto. 

Mientras tanto,  Viola es convocada a la corte para obtener la aprobación de su propuesta de matrimonio con Wessex. Shakespeare la acompaña, disfrazado de prima de su niñera, y persuade anónimamente a Wessex en público para que apueste 50 libras a que una obra de teatro puede capturar la verdadera naturaleza del amor, la cantidad que Shakespeare necesita para comprar una participación en la compañía teatral Chamberlain's Men. La reina Isabel I declara que juzgará el asunto. 

Burbage se entera de que Shakespeare ha seducido a Rosalina y le ha estafado el pago por la obra, y provoca una pelea en el Rose con su compañía.

Los actores del Rose repelen a Burbage y sus hombres y celebran en el pub, donde un Henslowe borracho le confiesa a Viola que Shakespeare está casado, aunque separado de su esposa. 

Poco después llega la noticia del asesinato de Marlowe. Un Shakespeare atormentado por la culpa supone que Wessex mandó matar a Marlowe, creyendo que era el amante de Viola, mientras que Viola cree que Shakespeare es la víctima. 

Shakespeare aparece en su iglesia, tranquilizando a Viola y aterrorizando a Wessex, quien cree que es un fantasma. Viola confiesa su amor por Shakespeare, pero ambos reconocen que no puede eludir su deber de casarse con Wessex. 

John Webster, un muchacho desagradable que merodea por el teatro, jugueteando con unos ratones, espía a Shakespeare y Viola mientras hacen el amor e informa a Tilney, quien clausura el Rose por infringir la prohibición de actrices. 

La identidad de Viola queda al descubierto, dejando a Shakespeare sin escenario ni actor principal, hasta que Burbage ofrece su teatro y el desconsolado Shakespeare acepta el papel de Romeo. Tras su boda, Viola se entera de que la obra se representará ese mismo día y huye al otro teatro al norte de la ciudad, el Curtain. 

Oye que el joven que interpreta a Julieta no puede actuar, pues le ha cambiado la voz, y Henslowe le pide que lo sustituya. Ella interpreta a Julieta junto al Romeo de Shakespeare ante un público extasiado. 

Justo después de que la obra haya terminado, Tilney llega para arrestar a todos por indecencia debido a la presencia de Viola, pero la Reina se revela entre los asistentes y lo detiene, fingiendo que Kent es un hombre con un "notable parecido" a una mujer. 

Incapaz de disolver un matrimonio legítimo, ordena a Viola que zarpe con Wessex hacia Virginia. La reina también le comunica a Wessex, de quien Webster revela que ha seguido a Viola al teatro, que Romeo y Julieta ha ganado la apuesta para Shakespeare, y le pide a Kent que le entregue sus 50 libras a Shakespeare con instrucciones de escribir «algo más alegre la próxima vez, para Noche de Reyes». 

Viola y Shakespeare se despiden, y él jura inmortalizarla, imaginando el comienzo de Noche de Reyes, donde aparece una mujer llamada Viola disfrazada de hombre tras un viaje a una tierra extraña. La idea como una mujer que desembarca en una playa desierta, mientras van saliendo los títulos de crédito.

La idea original de Shakespeare in Love fue sugerida al guionista Marc Norman a finales de la década de 1980 por su hijo Zachary. Norman escribió un borrador del guion que presentó al director Edward Zwick, el cual atrajo a Julia Roberts, quien aceptó interpretar a Viola. Sin embargo, a Zwick no le gustó el guion de Norman y contrató al dramaturgo Tom Stoppard para mejorarlo (el primer gran éxito de Stoppard había sido con la obra de teatro basada en Shakespeare, Rosencrantz y Guildenstern han muerto). 

La película entró en producción en 1991 en Universal, con Zwick como director, pero aunque la escenografía y el vestuario estaban en construcción, aún no se había elegido al actor para el papel de Shakespeare, ya que Roberts insistía en que solo Daniel Day-Lewis podía interpretarlo. Day-Lewis no estaba interesado, y cuando Roberts no logró convencerlo, ella se retiró de la película seis semanas antes de que comenzara el rodaje.

Zwick y el estudio intentaron realizar pruebas de química entre Roberts y varios actores desconocidos, entre ellos Hugh Grant, Ralph Fiennes, Jeremy Northam, Rupert Graves, Colin Firth y Sean Bean, pero Roberts faltó a las reuniones o les encontró defectos a todos. 

Tras una última prueba de pantalla con Paul McGann, Roberts se retiró de la producción, lo que Zwick atribuyó a la inseguridad que sentía ante la presión por tener éxito en el papel.

La producción se paralizó y Zwick no logró convencer a otros estudios para que se interesaran por el guion. La cancelación de la película le costó a Universal 6 millones de dólares. 

Finalmente, Zwick consiguió que Miramax Films se interesara por el guion, pero Miramax eligió a John Madden como director en lugar de Zwick, quien en su lugar ejerció como productora. El jefe de Miramax Films, Harvey Weinstein, también fue productor. Que el presidente de un estudio se atribuyera el crédito de productor provocó una gran polémica en la industria, lo que dio lugar a la llamada «Regla Harvey», que estipula que, para obtener el crédito del Sindicato de Productores, un productor debe haber desempeñado un papel fundamental en la realización de la película. Para justificar su crédito, Harvey afirmó que se había ausentado de sus funciones ejecutivas en Miramax para trabajar en esta película, lo que Mark Gill, veterano ejecutivo de Miramax Films, calificó de «una completa farsa».

Weinstein convenció a Ben Affleck para que interpretara un pequeño papel como Ned Alleyn.A Kate Winslet se le ofreció el papel de Viola tras el éxito de Titanic, pero lo rechazó para dedicarse al cine independiente. Winona Ryder, Diane Lane y Robin Wright también fueron consideradas para el papel principal. 

El rodaje principal comenzó en marzo de 1998 y finalizó en  junio de 1998. La película fue considerablemente modificada tras las primeras proyecciones de prueba. La escena de Shakespeare y Viola en la barca se volvió a filmar para hacerla más emotiva, y se regrabaron algunos diálogos para aclarar las razones por las que Viola tuvo que casarse con Wessex. 

El final se filmó varias veces, hasta que Stoppard finalmente concibió la idea de que Viola le sugiriera a Shakespeare que su despedida podría inspirar su siguiente obra.

Entre los lugares utilizados en la producción se encontraban Hatfield House, Hertfordshire (para la escena de los fuegos artificiales), el Castillo de Broughton, Oxfordshire (que representó la mansión de los de Lesseps), la playa de Holkham en Norfolk, la capilla del Eton College, Berkshire, y el Gran Salón del Middle Temple, Londres. 

Gran parte de la acción de la película evoca la de Romeo y Julieta. Will y Viola recrean las famosas escenas del balcón y el dormitorio; al igual que Julieta, Viola cuenta con una ingeniosa nodriza y está separada de Will por el deber (aunque no por la enemistad familiar de la obra: se supone que las "dos familias" de Romeo y Julieta están inspiradas en los dos teatros rivales). Además, ambos amantes están igualmente marcados por el destino: no están destinados a estar juntos (ya que Viola proviene de una familia de comerciantes ricos y ambiciosos, y está prometida en matrimonio con Lord Wessex, mientras que Shakespeare es pobre y ya está casado). Rosalina, de quien Will está enamorado al principio de la película, lleva el mismo nombre que el interés amoroso de Romeo al comienzo de la obra. 

Hay referencias a versiones cinematográficas anteriores de Shakespeare, como la escena del balcón que imita la versión de Romeo y Julieta de Zeffirelli. Muchos otros recursos argumentales utilizados en la película son comunes en las comedias shakespearianas y otras obras de la época isabelina: el monarca que se mueve sin ser reconocido entre el pueblo ,  los disfraces de travestismo, las identidades equivocadas, el duelo de espadas, la sospecha de adulterio, la aparición aparente de un fantasma (cf. Hamlet y Macbeth) y la «obra dentro de la obra». 

Según Douglas Brode, la película retrata con destreza muchos de estos recursos como si los acontecimientos representados hubieran inspirado el propio uso que Shakespeare hizo de ellos en sus obras. 

Christopher Marlowe es presentado en la película como el maestro dramaturgo a quien los personajes consideran el más grande dramaturgo inglés de la época; esto es históricamente preciso, pero también humorístico, ya que el público de la película sabe lo que finalmente le sucederá a la reputación de Shakespeare. Marlowe le da a Shakespeare un argumento para su siguiente obra, «Romeo y Ethel, la hija del pirata». Se cita repetidamente el Doctor Fausto de Marlowe. También se hace referencia a la última obra inconclusa de Marlowe, La masacre de París, en una escena donde Marlowe (Rupert Everett) le pide a Richard Burbage (Martin Clunes) que le pague por el acto final. Burbage promete pagarle al día siguiente, por lo que Marlowe se niega a entregar las páginas y parte hacia Deptford, donde muere.

El niño John Webster (Joe Roberts), que juega con ratones, es una referencia a una figura destacada de la siguiente generación de dramaturgos, la jacobina. Sus obras (La duquesa de Malfi, El diablo blanco) son conocidas por su "sangre y violencia", a lo que el niño hace referencia humorísticamente al decir que disfruta de Tito Andrónico, y también al decir de Romeo y Julieta, cuando la reina le pide su opinión: "Me gustó cuando ella se apuñaló a sí misma".

Asimismo, el barquero del Támesis que transporta a Shakespeare a la finca de Robert de Lesseps, y trata de obtener la opinión de Shakespeare sobre su propia escritura, hace referencia a John Taylor. 

La película «no se ve limitada por preocupaciones sobre la precisión literaria o histórica» e incluye anacronismos, como una referencia a las plantaciones de tabaco de Virginia, en una época anterior a la existencia de la Colonia de Virginia.

Otra licencia histórica concierne al tema central de la lucha de Shakespeare por crear la historia de Romeo y Julieta, mientras que en la vida real simplemente adaptó una historia ya existente. Arthur Brooke tradujo al inglés el relato en verso italiano La trágica historia de Romeus y Julieta en 1562, 32 años antes de la obra de Shakespeare, Romeo y Julieta. 

Uno de los personajes principales es un conde de Wessex, un título que en la época de Shakespeare no existía desde hacía más de 500 años. El Sunday Telegraph informó que el príncipe Eduardo, tercer hijo de Isabel II, se sintió atraído por el condado de Wessex, que se convirtió en su título al casarse, después de ver la película y conocer al personaje, y eso, según The Sunday Telegraph, el Príncipe Eduardo que iba a ostentar el título de Duque de Cambridge tras su matrimonio con Sophie Rhys-Jones en 1999, un año después del estreno de la película. Sin embargo, tras ver Shakespeare enamorado, se sintió atraído por el título del personaje interpretado por Colin Firth y solicitó a su madre, la Reina Isabel II, que se le otorgara el título de Conde de Wessex, recuperándose así el título. . 

De ella los críticos han escrito con más o menos satisfacción. En Gran Bretaña Quentin Curtis en el Telegraph valora la película "En su matrimonio de farsa y sentimiento, hay una magia innegable, un espíritu cómico que puede llamarse con certeza Shakespeariano. (...) 

Ian Nathan en Empire consideró que "Esto es posmodernismo sin pretenciosidades, una obra de época sin la pomposidad (...) La inteligencia de 'Shakespeare In Love' no aliena (...). 

Time Out valoró la película como una " (...) muestra su superficialidad con buen humor y el reparto merece gran parte del reconocimiento (...) Es el inteligente guion de Tom Stoppard el que la hace tan satisfactoria" 

En la BBC, William Gallagher escribió que "Es una comedia alegre y muy inteligente (...) Todo el reparto está excelente (...)" En The Guardian Alex von Tunzelmann dejó negro sobre blanco que "La entretenida versión de John Madden del proceso creativo de Shakespeare hace suficientes alusiones ingeniosas para contentar a todos excepto a los estudiantes de Shakespeare más rigurosos" 

En Radio Times, Lorien Haynes escribió que era "Una película que es apasionada, inteligente e histéricamente divertida (...) 

En los Estados Unidos críticos como  Janet Maslin, del New York Times, incluyó la película en su lista de "Recomendaciones de la Crítica del NYT", calificándola de "puro encanto". Según Maslin, «Gwyneth Paltrow, en su primera gran interpretación protagonista, crea una heroína tan impresionante que resulta totalmente creíble como la inspiración del dramaturgo». Janet Maslin además en estas páginas del The New York Times consideró que la película "Introduce con inteligencia el lenguaje y la emotividad de Shakespeare en un romance glamuroso y embriagador." 

Roger Ebert, del Chicago Sun Times escribió: «El humor contemporáneo (como la taza de café de Shakespeare, con la inscripción "Recuerdo de Stratford-upon-Avon") hace que la película parezca una competencia entre Masterpiece Theatre y Mel Brooks. Luego, la película incorpora una dulce historia de amor, intrigas palaciegas, política entre bastidores y algunos momentos encantadores de Romeo y Julieta... ¿Es una película o una antología? Me daba igual. Me dejé llevar por el ingenio, la energía y una dulzura sorprendente». 

En otro diario de Illinois como el Chicago Reader en el que escribía Lisa Alspector consideró que "Su inteligente relación con lo que se conoce y lo que no está resuelto es en parte lo que la hace tan intrigante y romántica".

Keith Phipps de AV Club valora el film al decir que era "Una película entretenida pero bastante ligera (...) 'Shakespeare In Love' ofrece lo que promete".

Lael Loewenstein en Variety la describió como "Exquisitamente interpretada, dirigida con firmeza y ensamblada de forma impresionante." 

En la revista Rolling Stone, Peter Travers escribió que "No te puedes perder una película que habla el lenguaje del amor con tanta pasión y deleite. 

Stephen Hunter en The Washington Post aseveró que "La película se convierte en algo único y mágico: un texto sobre un texto que está lleno de vida (...) ¡Es posmoderna y divertida a la vez! 

En línea opuesta a los demás está la opinión del cineasta canadiense David Cronenberg que criticó la película diciendo que «me molestó mucho» porque era «cine deconstructivista, pero también es solo Romeo y Julieta otra vez». 

Ya en España Carlos Boyero entonces en El Mundo calificó la película como "Obra maestra; maravillosa, espléndida". 

En El País, Ángel Fernández Santos consideró que era un "Agradable pasaratos, pero menos de lo que parece" y en este mismo diario, 

Omar Khan, consideró que era una "Película delicada y conmovedora de demostrada capacidad para seducir y complacer a todos (crítica y público), su eficacia radica en su capacidad narrativa y en su historia de amor, sin intenciones historicistas" .

Para terminar y acabar con la película reconozco que sí recuerdo donde fui a ver otra película de aquel año 1998 que me impactó y que creo que sí tuvo que ganar el Oscar a la mejor película. Se trata la de Salvar al Soldado Ryan que sí que recuerdo haberla vista en el Zoco. No entiendo como Shakespeare in love obtuvo la victoria como Mejor Película o como Judi Dench se llevó el galardón interpretando a la reina Isabel I apareciendo únicamente unos ocho minutos en toda la cinta, y como compitió y venció a la gran favorita de la crítica: Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg. No hay color en favor de la de Spielberg.

Besame, tonto

Con esta afirmación, Kiss Me Stupid,  tan rotunda, acaba esta película de Billy Wilder, que aparece igualmente como productor, aunque también fue responsable del guion conjuntamente con I.A.L. Diamond basándose en la obra L'Ora Della Fantasía (La hora del deslumbramiento) de Anna Bonacci, que había inspirado Esposa por una noche (Moglie per una notte, 1952), una película italiana protagonizada por Gina Lollobrigida. La letra de la canción cómica fue escrita por Ira Gershwin, utilizando algunas de las melodías inéditas de George Gershwin. La película es del año 1964 y que estrenó la Metro Goldwyn Mayer, aunque realizada bajo The Mirisch Corporation, junto a United Artist y  Phallatx Film - aunque yo también he visto que era Lopert Pictures Corporation. 

Una película para un Dean Martín que iniciaba su decadencia al igual que Kim Novak que llevaba dos años fuera de los circuitos cinematográficos. Junto ellos Ray Walston, Felicia Farr, Barbara Farr, Cliff Osmond y Tommy Nolan protagonistas todos de esta comedia que se mueven entre lo musical y lo romántico con canciones de George and Ira Gershwin y música de André Previn en la que está presente Alexander Trauner y como productores asociados IAL Diamond y Doane Harrison . 

La película comienza con un espectáculo de Dean Martin como el lujurioso y bebedor Dino en el Casino Las Vegas concretamente en el casino Sand, a place in the sun,  y está terminando su temporada habitual, se dirige en su coche, un Dual-Ghia, a Los Ángeles para hacer una película junto al Rat Pack. Sin embargo al estar en la carretera cortada tiene que dar una vuelta y pasa por la población de climax, una población en mitad de la nada, en la que viven dos compositores que viven llegar a Dino ( Dean Martín) un corona que es su oportunidad para sacarlos del anonimato ya que ven en este cantante de Las Vegas una oportunidad única para salir de su pueblo. 

En Climax, Nevada, vive Orville J. Spooner Rray Walston) , un hombre casado muy posesivo que desconfía sistemáticamente de su mujer Zelda ( Felicia Farr) . Él y Barney Millsap (Cliff Osmond ), el dueño de la gasolinera local, componen canciones soñando con vender una algún día y llegar a la fama.

Cuando Dino, un afamado cantante adicto al sexo que va camino de Hollywood, para a repostar en la gasolinera de Barney, éste llama a Orville y ambos intentan persuadir a Dino de que se interese por alguna de sus canciones. Al no tener éxito, Barney provoca una avería en el coche deportivo "italiano" de Dino para que se vea obligado a pasar la noche en el pueblo y así ganar tiempo.

Dino acepta a regañadientes pernoctar en la casa de Orville y pregunta si hay algún lugar en el pueblo donde pueda satisfacer sus necesidades sexuales ya que la abstinencia le produce dolor de cabeza, a lo cual Barney le recomienda visitar el prostíbulo de la zona: el Belly Button.

Mientras Orville acomoda a Dino empieza a darse cuenta de que el cantante se interesa por su mujer aunque aún no la ha visto. 

Más tarde, mientras Dino se echa una siesta, Zelda llega y le cuenta que vio pasar a Dino por la avenida central y que ella era fan suya en su juventud.

Orville tiene un ataque de celos y le dice a Barney que eche a Dino, que no quiere saber nada del plan, pero Barney le hace ver que el interés de Dino por su esposa puede ayudarles a cerrar la transacción. Aun así, Orville se niega a entregar a su esposa a cambio del contrato musical por lo que Barney le propone sacar a su esposa de la casa y traer a una prostituta del Belly Button para que se haga pasar por Zelda y tenga sexo con Dino.

Esto ya le parece mejor a Orville pero al no contemplar por ningún momento la posibilidad de contarle a su esposa lo que está pasando necesita una excusa para que se vaya de casa. 

Barney le propone provocar una discusión con ella y pegarle para que así ella huya a casa de sus padres, al día siguiente simplemente tiene que decirle que lo siente y que no volverá a pasar y ya está.

Con este plan en mente Orville vuelve a su casa pero Zelda, que es de naturaleza comprensiva y amable, no entra al trapo de las provocaciones de Orville. Sin embargo, finalmente Orville consigue elevar el nivel de tensión hasta hacer llorar a Zelda y echarla de su casa. 

Ya con el camino libre Barney vuelve del Belly Button con Polly la bomba, una prostituta independiente y fuerte que en el fondo quiere ser una esposa y ama de casa dedicada a hacer feliz a su marido. Barney le promete 25 $ a cambio de que se acueste con el extraño que encontrará en la casa de Orville.

Al llegar la cena, Orville presenta a Polly a Dino como si fuera Zelda. Dino elogia el cuerpo de Polly y busca excusas para tocarlo ante la complicidad de Orville que insinúa constantemente que la hospitalidad del lugar incluye ofrecer a la esposa para el desahogo sexual del invitado. Sin embargo a Polly no le gusta Dino e intenta infructuosamente que no se propase, pero Dino no admite un no por respuesta.

Mientras tanto Zelda esta en casa de sus padres donde su madre ejerce el rol de mujer amargada y dominante que trata sin respeto a su esposo y reprende a su hija por no haber elegido un marido mejor. Finalmente, Zelda decide volver con Orville y arreglar las cosas.

Al llegar a la casa ve a Barney en el exterior observando a través de la ventana. Ella se pone a su lado y contempla como en el interior Orville y Polly bailan y tocan el piano en un ambiente sexualmente desinhibido. Ante la estupefacción y dolor de Zelda, Barney prefiere no explicarle nada y simplemente forzarla a que se vuelva a ir.

En la casa, parece que Dino ya está dispuesto a comprar alguna de las canciones que ha oído durante la velada con tal de que Orville se ausente dejándolo solo con Polly. Siendo así, Orville abandona la casa pero cuando ya casi ha cruzado la calle vuelve a experimentar sentimientos de posesión y, aunque Polly realmente no es su mujer, decide actuar como si lo fuera, regresa y echa a Dino justo cuando estaban acostándose. Tras esto Orville continúa con su fantasía y tiene sexo con Polly fingiendo que es su esposa.

Paralelamente Zelda ha ido al Belly Button a emborracharse y cuando no puede más es llevada por las camareras del local al remolque de Polly para que duerma la mona allí. Poco después llega Dino al Belly Button dispuesto a que el incidente en casa de Orville no impida que termine el día sin conseguir lo que quiere, pero todas las prostitutas que ve no le satisfacen al no ajustarse a los cánones de belleza. Decidido a no rendirse, pregunta al camarero por la mejor mujer del lugar que puede usar para sus deseos. El camarero le recomienda a Polly pero al no verla en el local piensa que es su día libre. Sin embargo, anima a Dino a que no respete su día de descanso y se presente directamente en su remolque.

Dino va al remolque y al ver a Zelda presupone que es Polly. Zelda, al escuchar a Dino contar lo sucedido en casa de Orville, empieza a intuir lo que pasaba y decide llevar a cabo el plan original: persuadir con sexo a Dino para que compre la canción.

Al día siguiente, habiéndose ido ya Dino, Zelda se despierta y recoge el dinero cobrado por prostituirse. Acto seguido, Polly regresa al Belly Button y al entrar en el remolque se encuentra con Zelda, llegando a la conclusión de que ambas han intercambiado vidas por un día: Zelda ha sido la prostituta y Polly la esposa. Tras esto, Zelda le entrega a Polly el dinero que le pagó Dino por acostarse con ella y Polly le devuelve el anillo de compromiso que Orville le había prestado.

Pasado un tiempo, Zelda se cita a Orville para firmar el divorcio en el despacho de abogados que hay justo encima de una tienda de televisores. Entonces Orville le pide que lo perdone, que no volverá a pasar. De repente empieza a oír su canción en los televisores de la tienda y se da cuenta de que es Dino en un show. Finalmente lo consiguió, les compraron la canción y la gente se acerca para pedirle autógrafos como siempre deseó.

Zelda y Orville prometen no contarse nada y finalmente Zelda le dice a Orville: “Bésame tonto", acabando así la película.

Parece ser que Billy Wilder inicialmente le ofreció el papel de Orville Spooner a Jack Lemmon (el esposo de Farr en la vida real), a quien había dirigido en Con faldas y a lo loco, El apartamento e Irma la dulce, pero compromisos previos obligaron al actor a rechazarlo. 

El director entonces contrató a Peter Sellers para el papel, pero seis semanas después de comenzar el rodaje, Sellers sufrió una serie  ataques cardíacos y fue hospitalizado en el Hospital Cedars of Lebanon. Tras su alta, el actor regresó a Inglaterra por orden médica. No dispuesto a esperar mientras Sellers completaba un período de recuperación de seis meses, Wilder optó por reemplazarlo y volver a filmar todas sus escenas. El elegido al final sería el siempre secundario pero convincente comediante Ray Walston.

El papel de Polly the Pistol fue escrito con Marilyn Monroe en mente. Pero tras su fallecimiento en agosto de 1962, el rodaje se pospuso mientras se buscaba un nuevo actor para el papel. Más tarde se informó que Jayne Mansfield asumiría el papel, pero tuvo que retirarse del proyecto debido a su embarazo con la futura actriz Mariska Hargitay. Algún tiempo después, se decidió que Kim Novak interpretaría el papel, saliendo de una ausencia de dos años de la actuación para aparecer en la película. 

Wilder se acercó a su amigo Ira Gershwin y le preguntó si le gustaría colaborar en las canciones escritas por Barney y Orville. Gershwin le sugirió que escribiera letras para música inédita de su difunto hermano George, y como resultado, tres nuevas canciones de los Gershwin: "Sophia", "I'm a Poached Egg" y "All the Livelong Day", debutaron en la película. 

La película se rodó en Twentynine Palms, California. La secuencia de apertura se filmó en el Sands Hotel de Las Vegas, utilizando una parte del espectáculo real de Dean Martin y la marquesina del hotel de su aparición allí. Algunas escenas de interiores se filmaron en el club nocturno Moulin Rouge en Los Ángeles. El coche que conducía Dean Martin era el suyo propio.

Una vez estrenada la película generó ciertas molestias. La Legión Católica de la Decencia se opuso firmemente a la película terminada. Wilder estaba dispuesto a suavizar la sugerencia de que Zelda había cometido adulterio con Dino, pero se negó a cumplir con otras demandas, y la película fue condenada, la primera película estadounidense en ser designada así desde Baby Doll en 1956. Como resultado directo de la clasificación, United Artists decidió estrenar la película bajo el estandarte de Lopert Pictures, una subsidiaria utilizada anteriormente para películas importadas.

En 2002, se mostró una copia en varias ciudades de EE. UU. que contenía la escena de seducción filmada originalmente en el tráiler de Polly (vista en una exhibición europea), en lugar del reemplazo más suave que Wilder había proporcionado con la esperanza de satisfacer a la Legión Católica de la Decencia.

Wilder rara vez mencionó la película en entrevistas posteriores, aunque la discutió brevemente para On Sunset Boulevard: The Life and Times of Billy Wilder, una biografía de Ed Sikov. "No sé por qué la película sorprendió a la gente. Es la película más burguesa que existe", declaró. "Un hombre quiere una carrera y la persona que quiere ayudarlo quiere acostarse con su esposa. Reemplaza a su esposa por otra, pero cuando está más cerca del éxito, lo rechaza y echa al tipo... El público lo aceptó mejor en The Apartment porque estaba mejor concebido, mejor escrito, mejor lubricado".

Wilder también habló de Kiss Me, Stupid en el libro de 1998 del director Cameron Crowe Conversations With Wilder, citando su admiración por Dean Martin, diciendo que "había mucho más, un 90 por ciento más, en él que simplemente el bromista. Soy fan de Dean Martin. Pensé que era el hombre más gracioso de Hollywood". El uso en la película de una versión poco favorecedora de Dean Martin ("Dino") fue un precursor de la tendencia actual de las celebridades que hacen parodias cómicas de sí mismos en el cine. 

El azar y las infidelidades se mezclan en esta desinhibida comedia de enredo, una de las más conocida de su realizador, que ganó 5 millones de dólares en taquuilla, que contó para ello con la fotografía de Joseph La Shelle, Robert Luthardt como director artístico y Edward G. Boyle como responsable de la decoración del set. En la edición El responsable fue Daniel Mandell y Robert Martín del sonido. 

La película fue todo un ataque a las buenas costumbres en las que el puritanismo dominante en aquellos actores de la sociedad norteamericana  ante la difusión de la película. 

Resultado de todo ello fue que, al igual que The Carpetbaggers del mismo año, la crítica consideró que la película era vulgar y se convirtió en uno de los blancos de las denuncias sobre el impacto negativo de las películas en la sociedad. Bosley Crowther culpó a ambas películas de dar a las películas estadounidenses la reputación de "corrompedoras deliberadas y degeneradas del gusto y la moral del público". 

A. H. Weiler, del New York Times, calificó la película de "lastimosamente poco divertida" y "obvia, pesada, escasa en risas e interpretaciones y rica en vulgaridad". Añadió: "La delicadeza, la velocidad, el arte y la imaginación de... Some Like It Hot están lamentablemente ausentes en este ejercicio mordaz. En cambio, tenemos una vulgaridad que no escandalizará a un adulto. Sin embargo, esta fábula sexual de mano dura sí requiere un enfoque ligero y sutil que rara vez es evidente".

La crítica publicada en Time calificó la película como "una broma que parece haber sacado su humor negro azulado del suelo de un club nocturno de mala muerte" y "profesionalmente astuta y vivaz [con] una especie de integridad vulgar". Concluyó: "El resultado, explicado en un diálogo que suena como una serie de frases ingeniosas, es una de las historias de vendedores ambulantes más largas jamás llevadas al cine. Como todos los chistes verdes, probablemente evocará una onda expansiva de risas tímidas y pasará rápidamente al olvido".

Variety destacó que el guion "requiere un generoso condimento de Noël Coward pero, desafortunadamente, proporciona una pizca del mismo solo de vez en cuando... Wilder, generalmente un director de considerable talento e inventiva (aunque no siempre de un gusto impecable), no ha sido capaz esta vez de elevarse por encima de un guión básicamente vulgar, así como creativamente delincuente, y en el mejor de los casos solo ha recibido ayuda lenta de dos de sus directores, Dean Martin y Kim Novak... [Él] ha dirigido con un ataque frontal en lugar de una delicadeza sugerente".

Michael Scheinfeld de TV Guide calificó la película con 3½ de cuatro estrellas, calificándola de "una película de gran calidad". "una especie de prueba de fuego cinematográfica que separa al fan casual de Billy Wilder del verdadero conocedor" y "un monumento de mal gusto satírico que... en retrospectiva, ahora se considera una de las películas más fascinantemente originales de Wilder". Añadió: "En medio del furor [original], es fácil pasar por alto los logros cómicos de la película, que son considerables. Su juego de palabras idiomático y su sátira social son clásicos de Wilder, y la secuencia inicial donde Dino actúa en un club nocturno es una de las cosas más divertidas que Wilder ha hecho nunca. Salpicado de malos chistes y referencias al Rat Pack, el ritmo cómico y la entrega de Dean Martin son impecables... El resto del reparto es igualmente magnífico, hasta en el más mínimo papel secundario... Aunque el implacable acoso de Ray Walston se vuelve un poco excesivo". 

En 2002, J. Hoberman de The Village Voice habló sobre la película cuando Film Forum en Manhattan presentó una copia restaurada. Observó: "La primera mitad es un desfile interminable de gags obscenos y frases de un solo sentido, con algunos chistes de escusado incluidos por si acaso. El tumulto constante en el pequeño bungalow de los Spooner delata los orígenes teatrales de la película y, de hecho, Climax en sí es un escenario apropiadamente desolado. Kiss Me, Stupid es probablemente la visión más dura de Wilder del paisaje estadounidense desde el frenesí orquestado de alimentación mediática de Ace in the Hole... La atmósfera rancia oculta las virtudes de la estructura clásica de la película, la puesta en escena detallada y el hábil ritmo cómico... "El adulterio mutuamente redentor de Kiss Me, Stupid se acerca más al mundo adulto de Faces de John Cassavetes que a la adolescente Seven Year Itch de Wilder, pero en última instancia es una película más conscientemente tolerante, por no decir más divertida, que cualquiera de las dos". 

Para Geoff Andrew de Time Out la película es "Cínica, astuta y atrevida, le ayudan enormemente las interpretaciones de Martin, Farr y (en particular) Novak"

Ya en España, Miguel Ángel Palomo en El País se trata de una "Una mordaz mirada al mito del sueño americano en la que el maestro Wilder ofrece una vez más una clase magistral acerca de cómo crear una comedia." 

Por mi parte, señalar que no había visto nunca esta película, posiblemente por haber sido prohibida en España por la censura, y porque no alcanzó el nivel de éxito de algunas de sus obras maestras de Wilder como Con faldas y a lo loco - Some Like It Hot- o El apartamento -The Apartment- por todo ello no ha sido muchas veces emitidas, puede que por su temática o por la controversia que levantó en su tiempo debido a su contenido provocador y su enfoque poco convencional sobre las relaciones, el deseo y la moralidad, aunque como señaló el director estamos ante una película tremendamente burguesa y capitalista. 

Con un gran y sólido Dean Martin que se autoparodia y se ríe abiertamente de si mismo y su imagen de galán y crooner italoamericano , con una Novak que interpreta a una mujer sensible, emotiva, pero vulnerable y la sentida interpretación del tercero en discordia, Ray Walston, así como la brillante aportación tanto de la bella Felicia Farr como del hombretón cara dura de Cliff Osmond. 

La película aborda temas como el matrimonio, los celos, la infidelidad y el deseo, pero lo hace desde un enfoque cínico que fue muy adelantado a su tiempo. Wilder utiliza el humor negro para cuestionar la idealización de las relaciones monógamas y los roles de género tradicionales. Sin embargo, el tono descarado, el humor corrosivo, casi ácido, el tono empleado por el irreverente director en equilibrio entre la comedia y el drama , y el contenido sugestivo fueron polémicos, especialmente en un período donde los valores conservadores seguían siendo dominantes en Hollywood.

Ruby Sparks

Paul Dano es, desde mi punto de vista, uno de los mejores actores estadounidenses. Es joven pero con una capacidad más que sobrada en bastantes películas incluso lo recuerdo como director en Incendies. Y aquí vuelve a cumplir sobradamente con esa capacidad y esa versatilidad que lo caracteriza para ponerse en la piel especialmente de personajes un tanto desequilibrados pero también llenos de sensibilidad. 

En esta película el género romántico y del año 2012 ganó interpreta a Calvin Weir Fields (Paul Dano), un joven prodigio de la literatura, autor de una aclamada primera novela que impactó en el mercado y que lo colocó a la exposición pública para bien o para mal. Pero desde entonces se encuentran aquejado de un bloqueo creativo que le impide escribir una línea y además magnificado por una deprimente vida amorosa.

Su terapeuta, el Doctor Rosenthal ( Elliot Gould) le pide que escriba sobre alguien a quien le gusta su perro, Scotty. Después de un sueño en el que conoce a una mujer, Calvin se inspira para escribir sobre ella y admite que se está enamorando de su personaje, "Ruby Sparks". 

En un intento desesperado de lograr que su chispa creativa vuelva a surgir Calvin comienza a hacerse una imagen mental de la protagonista de su nueva novela. Calvin de pronto va descubriendo pertenencias de una mujer por toda su casa, para sorpresa de su hermano Harry (Chris Messina)  y su cuñada Susie (Toni Trucks) 

Harry critica los escritos de Calvin sobre Ruby como demasiado idealizados y poco realistas, pero Calvin escribe un pasaje sobre Ruby enamorándose de él antes de quedarse dormido frente a su máquina de escribir. 

Al día siguiente, se sorprende al encontrar a Ruby (Zoe Kazan) en su cocina, una persona viva, que cree que están saliendo. Llama a Harry, quien no le cree y le aconseja que busque a alguien para confirmar que ella no es real. 

Ruby insiste en acompañarlo cuando Calvin se encuentra con Mabel, una fanática de su libro que le dio su número. Ruby, creyendo que Calvin la está engañando, los confronta y demuestra que ella no es producto de su imaginación. 

Calvin se lanza a su relación. Él le presenta a un Harry incrédulo, demostrando que su escritura la afecta directamente, y le pide a Harry que no le cuente a nadie sobre los orígenes de Ruby, declarando que nunca volverá a escribir sobre ella. 

Meses después, Calvin lleva a Ruby a regañadientes a conocer a su madre de espíritu libre, Gertrude (Annette Bening), y a su novio Mort (Antonio Banderas). Mientras la extrovertida Ruby se divierte, el introvertido Calvin se pone celoso de su tiempo con otras personas y su felicidad se desvanece con su creciente tristeza. 

Al regresar a casa, su relación se vuelve tensa y Ruby, deprimida, explica lo sola que se siente y sugiere que pasen menos tiempo juntos. 

Temeroso del abandono de Ruby, Calvin escribe que ella se siente miserable sin él y ella regresa, ahora increíblemente pegajosa. Cansado de esto, escribe que ella está constantemente feliz, pero él se vuelve malhumorado, sabiendo que su felicidad es artificial. 

Confiando en Harry, Calvin intenta devolver a Ruby a su estado original, pero sus palabras la dejan confundida. Se pelean una vez más y él intenta animarla llevándola a una fiesta organizada por su mentor, el autor Langdon Tharp. 

Dejando a Ruby sola, Calvin se encuentra con su ex novia Lila, quien lo acusa de no estar interesado en nadie fuera de él. Langdon coquetea con Ruby y la convence de unirse a él en la piscina en ropa interior, pero Calvin, furioso, lleva a Ruby a casa. 

Se pelean y Ruby le dice a Calvin que no puede controlarla. Mientras se prepara para irse, Calvin revela que ella es producto de su imaginación y que puede obligarla a hacer cualquier cosa que él escriba. 

Efectivamente el ha hecho que Ruby Sparks sea una joven vitalista, creativa, capacitada, cariñosa, con dominio de la lengua francesa, encantadora, tímida, extrovertida, expansiva, brillante, apagada,  romántica y desapegada, es decir, tal y como él la crea. Sin embargo un día esta chica que en principio sólo vive en su mente y que no deja de ser su fantasía de mujer un día aparece en su cuarto de estar y se queda en el. 

Calvin desde ese momento empieza a tener una duda vital: ¿Es real o simple y llanamente una fantasía, una broma, el inicio de un proceso de locura o un acto de magia? 

Pero la situación se hace más alucinante cuando Calvin descubre que tiene el poder de cambiar a Ruby cada vez que se sienta ante su máquina de escribir.

Su creciente discusión lleva a Calvin a obligar a Ruby a realizar actos cada vez más frenéticos y humillantes. 

Ella se derrumba y cuando Calvin intenta acercarse a ella, ella se encierra en su habitación. Angustiado y avergonzado, Calvin escribe una página final afirmando que tan pronto como Ruby sale de la casa, ya no es su creación, ya no está sujeta a su voluntad y es libre. Deja el manuscrito afuera de su puerta con una nota que le dice que lea la última página y que la ama. A la mañana siguiente, Calvin encuentra la nota y Ruby se ha ido. 

El tiempo pasa y Harry le sugiere a Calvin que escriba un nuevo libro sobre sus experiencias con Ruby. La novela La Novia es un éxito como lo vemops en lecturas públicas en las que están presentes sus padres y otros familiares.. 

Paseando a Scotty por el parque, Calvin ve a una mujer que parece ser Ruby pero no lo recuerda, leyendo su nuevo libro. Ella dice que Calvin también le resulta familiar, lo que él desvía mostrándole la foto de su autor. Ella bromea diciendo que deberían empezar de nuevo y le insta: "No me digas cómo termina", a lo que él responde: "Lo prometo". 

Jonathan Dayton y Valerie Faris dirigen su segundo largometraje tras la preciosa y aclamada película Pequeña miss Sunshine, una comedia romántica "indie" escrita y protagonizada por la nieta de Elia Kazan, Zoe Kazán, junto a Antonio Banderas, Annette Bening, Steve Coogan, Elliot Gould y Chris Messina.

La película fue escrita por Zoe Kazan, quien interpreta al personaje del mismo nombre. La nieta del mítico director tan despreciado por los progres se inspiró inicialmente en un maniquí desechado y en el mito de Pigmalión, y rápidamente escribió veinte páginas antes de dejar el guion a un lado durante seis meses. Regresó a escribir cuando tuvo claro el concepto central de comparar la idea del amor con la realidad del mismo. 

Mientras escribía, Kazan pensó entre otras en La rosa púrpura de El Cairo  queriendo presentar una versión sesgada de nuestra propia realidad. Desde el principio del desarrollo, escribió el personaje principal de Calvin teniendo en mente a su novio Paul Dano. 

Sobre los aspectos feministas de la historia, Kazan explica que quería explorar la idea de "ser mirada pero nunca vista", donde una mujer no es comprendida adecuadamente pero de una manera que no sea cruel o alienante para los hombres. 

Kazan agradeció a Warren Beatty por alentar indirectamente a Paul Dano a desarrollar su propio material y Dano, a su vez, le sugirió que escribiera un proyecto.

Kazan con su guion llamó la atención de Albert Berger y Ron Yerxa, los productores de Little Miss Sunshine, quienes lo enviaron a la pareja de directores Jonathan Dayton y Valerie Faris, quienes lo asumieron como el primer proyecto desde Little Miss Sunshine en 2006. Faris atribuyó el retraso entre películas a su propia necesidad de estar preparados para el proyecto adecuado.

Kazan habló sobre la importancia de Los Ángeles como espacio y paisaje de la película, comparándola tanto con un personaje como con un escenario. Ella ve Los Ángeles como un lugar donde es fácil sentirse solo y aislado y eso encaja con el aislamiento de Calvin en la historia. 

El rodaje se llevó a cabo principalmente en los vecindarios de Silver Lake y Los Feliz. Otros lugares incluyen el Teatro Egipcio de Grauman y el Cementerio de Hollywood. La fiesta ofrecida por Langdon Tharp se celebra en la John Sowden House, diseñada por Lloyd Wright (hijo de Frank Lloyd Wright), situada en Los Feliz. 

Tras su estreno la película fue nominada al mejor guion en los Premios Independent Spirit

De ella han dicho críticos como Todd McCarthy del The Hollywood Reporter que se trata , y con razón, de "Una cautivadora fantasía romántica"

Stephen Holden de The New York Times escribió: "Ruby Sparks no intenta fingir ser más de lo que es: una comedia romántica elegante, bellamente escrita e interpretada que se desliza hacia la tierra en un aterrizaje suave y suavemente satisfactorio". En otro diario neoyorkino Lou Lumenick en el New York Post escribió "Como Calvin, Kazan se ha escrito a sí misma en una esquina que sólo puede llevarle a abrazar los ñoños clichés románticos de los que 'Ruby Sparks' trata de burlarse (...) 

Peter Travers de la revista Rolling Stone dijo de ella "No busques algo dulce y achuchable. La película no tiene miedo de enseñar las garras. Como el enérgico trabajo en equipo de Kazan y Dano, 'Ruby Sparks' es honesta, profunda y verdadera (...) Como señala Owen Gleiberman de Entertainment Weekly se trata de "Un drama metafórico gradualmente emocionante sobre la verdadera esencia del amo"

El crítico de cine en línea Chris Pandolfi de At A Theatre Near You lo llamó "un comentario inteligente sobre el proceso creativo, la inseguridad, el comportamiento controlador, el idealismo y la fragilidad del ego masculino. Todo está combinado de manera bastante ingeniosa en una de las películas más simpáticas que he visto... He visto todo el año: una fantasía, un estudio de personajes y una advertencia, todo en uno". 

En Gran Bretaña, Cath Clarke de Time Out dice de ella que "El guion de Kazan reflexiona sobre cómo tratamos de controlar las relaciones - convirtiéndola en una película moderna e inteligente. ¿Cuán a menudo puedes decir esto de una comedia romántica (...) 

Ya en España Javier Ocaña en El País afirma que la película está llena "De excelentes diálogos e insólito tratamiento de sus secundarios, la película, además, no se queda en el terreno del mecanismo autoral, sino que abre paso a una curiosa reflexión sobre la vida en pareja que encaja a la perfección con su temática metaficcional" 

Por último, Sergi Sánchez en La Razón destaca que "Propone una tesis conocida con una frescura no exenta de acidez. Como en otra película gemela, «(500) días juntos», la disección del sentimiento romántico se ejecuta con precisión meridiana (...)

Yo, personalmente, he visto una película con mucho encanto que trata bien a todos el que en ella aparece: la familia que arropa al escritor, el propio escritor con sus dudas existenciales, la chica llena de encanto. Mexzcla bien la parte dramática con la comedia, y dentro de ser una película de corte romántico está totalmente alejada del almibar. Pues lo que rezuma en ella es encanto y respeto. Cuenta toda el proceso: enamoramiento, disfrute y ruptura, siendo tan delicado que la reactivación de la historia es sna y se agradece. Esta bien como película romántica sin ser nada empalagosa.  

¿En qué piensan las mujeres?

Mel Gibon con esta película le hizo un traje a todos sus críticos. No hay duda de que Gibson es un actor versátil, capaz, además de ser un gran director, pero que siempre se ha visto rodeado por una polémica estéril sobre su personalidad y su ideología. 

¿Es peor Picasso como pintor por cómo trató a las mujeres que se cruzaron con su vida? ¿No es un gran director Woody Allen o Roman Polanski  independientemente de sus cuestiones personales? ¿No fue un gran actor Federico Luppi aunque, al final de sus días, fuese acusado de malos tratos? Considero que hay que separar el autor, aquí actor de su obra, especialmente cuando vivimos en una sociedad enferma - literalmente- especialmente cuando lo políticamente es un "virus" pestilente e inquisitorial que condiciona todo.  

De cualquier manera el acierto en su elección tuvo que estar en la directora de casting que seleccionó a Mel Gibson y al resto de la cuadrilla para protagonizar esta película y convertir una pequeña historia en una comedia de corte romántico. 

La responsable pues es Nancy Meyers directora, productora y guionista estadounidense nacida en Filadelfia (Pensilvania). Una mujer que siendo muy joven comenzó a interesarse por el teatro y actuar en producciones teatrales a nivel local. 

Su interés por los guiones no nació hasta después de ver la película El graduado (1967) de Mike Nichols. En 1972, después de graduarse en la Universidad Americana (Washington D. C.) en Licenciatura en Periodismo y pasar un año trabajando en la televisión pública de Filadelfia, Meyers se trasladó con su hermana Sally a Los Ángeles,  para probar suerte en Hollywood.

Consiguió el puesto de asistente de producción en el programa de la CBS llamado The Price is Right tres días después de su llegada.

Dos años más tarde, Meyers renuncia a su trabajo para centrarse en la escritura de guiones, además de tomar clases de realización cinematográfica, donde se contactó  con Martin Scorsese.

Poco después será contratada como Editor de Historia (history editor) para una película producida por Ray Stark y luego con Charles Shyer en la división de películas Motown donde ambos se hicieron amigos y, junto con Harvey Miller,  escribirían el guion de la comedia «Private Benjamin» (1980) un vehículo para la actriz Goldie Hawn que además produjo ejecutivamente la película, junto con Meyers y Shyer. Private Benjamin se convirtió en un éxito de taquilla del año 1980 recaudando cerca de 70 millones de dólares en total y fue nominada al Óscar al mejor guion original. De la película surgió una serie bajo el mismo título que se emitió entre 1981 y 1983, ganadora del Premio Globo de Oro a la televisión. ​ 

El siguiente proyecto de Meyers y Shyer fue «Irreconcilable Differences» en 1984, el cual marcó el debut como director de Shyer. Aquel año Meyers y Shyer escribieron «Protocol», otra comedia protagonizada por Goldie Hawn

Finalmente, Meyers volvería a la producción con «Baby Boom» (1987), una película sobre una ejecutiva neoyorkina que de pronto se convierte en tutora de una niña de 14 meses de edad, hija de su primo lejano. Baby Boom fue recibido favorablemente por la crítica y obtuvo un Globo de Oro a la Mejor Película de Musical o Comedia. Al igual que en Private Benjamin, la película fue continuada con una serie televisiva protagonizada por Kate Jackson.

Después vino  The Parent Trap (1998)  y , en el cambio de siglo, le tocó al turno de What Women Want (2000). Este siglo XXI ha realizado otras cuatro películas como son  The Intern (2015),  It's Complicated (2010), The Holiday (2006) y Something's Gotta Give (2003).

Para la película que me ha traído hasta aquí a mi y a Nancy Meyers, la directora contó con el apoyo de Susan Cartsonis, Bruce Davey, Gina Matthews y Matt Williams así como la misma Meyers. Estaban amparados por la productora Icon Entertainment, Wind Dancer Films y la distribución de Paramount Pictures así como un elevado presupuesto de $70 000 000.

El guion de esta historia fue escrito por Josh Goldsmith, Cathy Yuspa y Diane Drake. La película contó con una grandiosa banda sonora creada originalmente por Alan Silvestri y en la que se incluyen canciones de Frank Sinatra o Cole Porter entre otros.

La fotografía fue responsabilidad de John J. Mescall mientras que el montaje recayó en Thomas J. Nordberg, Stephen A. Rotter y Carol Littleton lo que siempre denota problemas para concretar el producto final que, para mi, fue brillante, aunque no opinaron eso muchas personas.

En cuanto al reparto seleccionadas por los encargados del casting Deborah Aquila y Howard Feuer, destacan en el mismo Mel Gibson como Nick Marshall, Helen Hunt como Darcy McGuire, Marisa Tomei como Lola y Ashley Johnson como Alexandra "Alex" Marshall: Junto a ellos aparecen Alan Alda como Dan Wanamaker, Mark Feuerstein como Morgan Farwell, Judy Greer como Erin, Sarah Paulson como Annie, Lauren Holly como Gigi: la ex esposa de Nick, Robert Briscoe Evans como Ted, el Segundo esposo de Gigi y padrastro de Alexandra. Aparecen igualmente Delta Burke como Eve, Valerie Perrine como Margo, Eric Balfour como Cameron, Ana Gasteyer como Sue Cranston, Diana-Maria Riva como Stella, Lisa Edelstein como Dina, Loretta Devine como Flo. Finalemnte en pequeños papeles Logan Lerman como el joven Nick Marshall, Alex McKenna como amigo de Alex y sin acredetar, una leyenda de la comedia, Bette Midler como Dr. JM Perkins. 

El protagonista absoluto de la historia no es otro que Nick Marshall (Mel Gibson) es un ejecutivo de Chicago, un hombre de éxito en el mundillo de la publicidad, que cree tener el mundo a sus pies, aunque en realidad es un perfecto machista y egocéntrico. La razón para ello está, según nos lo explica un flashback, en que fue criado por su madre, corista de Las Vegas y por lo tanto maleducado tanto por ella como por sus compañeras de trabajo, así como los hombres que con ella convivieron.

Eso ha convertido Nick es un experto en vender productos a hombres, en seducir a mujeres aunque la franja de venta en el universo femenino no va bien en su empresa, la firma de publicidad Sloane Curtis, una que se dedica a la promoción comercial.

A pesar de ello, el gerente Dan (Alan Alda) piensa que -a pesar de que es un buen candidato para liderar el grupo de publicidad-, y eso espera Nick, en ese día, - un día que comienza tras una noche de pasión con una chica, como le echa en cara la chica de la limpieza, que es tratado con suma amabilidad como todos los días por la conserje del edificio Flo (Loretta Devine ) y como suele hacer mientras toma un café en un bar donde trabaja una sensual Lola (Marisa Tomei) - que se promete como el mejor de todos, el de su ascenso.

Sin embargo, y tras haber estado previamente en la boda de su ex- mujer Gigi ( Lauren Holly )  con Ted (Robert Briscoe Evans) y en la que le endosa a su hija adolescente - tiene 15 años-  Alexandra (Ashley Johnson ) para que la cuide durante su viaje de bodas, su jefe Dan, contra todo pronóstico, anuncia que está contratando a Darcy McGuire (Helen Hunt) para ampliar el atractivo de la firma para las mujeres.

Tras su frustración absoluta que no oculta ante sus compañeros de Departamento vuelve a casa y reflexiona sobre la propuesta de su nueva jefa Darcy: Cómo venderían una caja con productos exclusivos para la mujer,  pensando en el segmento femenino y cómo desarrollarían las ideas publicitarias para esos productos femeninos.

Esa noche en un intento de idear una campaña publicitaria para mujeres, empieza a probar los productos femeninos que distribuyó Darcy en la reunión con el personal de publicidad.

Mientras se los está probando es descubierto por su hija de 15 años, Alex, que llega inesperadamente a casa acompañada de su  novio Cameron (Eric Balfour) se avergüenza de su padre, primero, por verlo así vestido y luego al hacer que Alex se sienta incómoda por la sobreprotección que manifiesta tras conocer a su novio, que tiene 18 años.

Tras discutir con ella, la chica se va a la cama mientras que él sigue probando los productos. Pero experimentando acaba electrocutado en la bañera por culpa de un secador. Aunque queda inconsciente, sobrevive milagrosamente. Sin embargo, a la mañana siguiente descubre que a partir de eso, empieza a escuchar los secretos y pensamientos de las mujeres que le rodean y que ha adquirido un extraño don, el de escuchar lo que piensan las mujeres.

Primero se da cuenta con la chica de limpieza, luego con la conserje, lo mismo le ocurre con las mujeres con las que se cruza, con Lola en el bar y con la mayoría de las mujeres, especialmente en el trabajo.

En ese momento descubre que su personalidad no les gusta , salvo a sus secretarias directas Eve (Delta Burke ) y Margo (Valerie Perrine ) . El resto lo consideran un mal jefe y un mal profesional como piensan su asistente Anna (Sarah Paulson ), y su compañeras Sue Cranston (Ana Gasteyer), Dina ( Lisa Edelstein) o Stella (Diana Maria Riva), salvo un descubrimiento , la chica del archivo, Erin (Judy Greer )

Tras comentar lo que le ocurre a un compañero de trabajo y descubrir lo que pieensan las chicas de su alrededor decidir ir a hacer una visita a su antiguo terapeuta, la Dra. Perkins (Bettle Midler , a la tampoco le cae bien , aunque ella lo alienta a usar su nueva habilidad para su beneficio.

Así que  Nick comienza a escuchar telepáticamente a sus compañeras, pero especialmente a Darcy a quien le roba sus ideas para usarlas como propias con respeto a algunos proyectos de carteles y con una especialmente referencia a una campaña de marketing para Nike, que puede ser fundamental para la empresa,  pero también gradualmente se siente atraído por ella. Aunque eso no impide que pase una noche de pasión con Lola, tras descubrir cuáles eran sus intereses amatorios.

Por su parte, Alex resiente los años de negligencia de Nick, en los que como padre estuvo desaparecido, pero comienzan a unirse tras averiguar que una de las formas de ganarse la confianza de su hija es acompañándola a comprar un vestido de fiesta. Después de compralo van a comer y en ese momento  Nick descubre telepáticamente que Alex tiene la intención de acostarse con Cameron la noche del baile de graduación, Nick intenta darle algunos consejos. Él le dice que Cameron no está interesada en ella por lo que es, solo por lo que puede hacer con ella en la cama. Alex, pensando que Nick está siendo sobreprotector e intentando sabotear su fiesta de graduación, rechaza su consejo. 

Nick y Darcy pasan cada vez más tiempo juntos, incluso en alguna ocasión él la espera a que en la empresa queden ellos dos solos. También su relación profesional se torna en romántica tras pasar una velada en un bar y contarle ella su fracaso en el matrimonio anterior con un antiguo compañero de trabajo y al comentarle que se ha comprado un apartamento.

De cualquier manera él se resiste a abusar de ella en esas circunstancias. Esa misma noche descubre que Lola está esperándolo en el portal de la vivienda, sorprendida por no haber contactado con ella tras haberse acostado. Ella se pregunta el por qué y llega a su conclusión: Nick es gay. Para no desilusionar a una chica tan encantadora decide darle la razón, así que Lola desaperece de su vida de un modo cordial.

Mientras la vida en la empresa va sobre ruedas. A ojos de su jefe Dan es quién desarrolló la idea para la nueva campaña publicitaria de Nike dirigida a mujeres, aunque luego lamenta sus acciones, especialmente porque lleva a Dan a despedir a Darcy.

Con el tiempo, Nick logra reparar sus relaciones con mujeres conocidas, especialmente aquellas del trabajo que han descubierto a otro hombre mucho más sensible, mucho más empático.

Pero Nick no puede permitir que Darcy quede fuera de la empresa y lo persuade a Dan para que vuelva a contratarla, diciendo que el anuncio fue idea suya y que finalmente ella es la merecedora del reconocimiento.

Ese mismo día Nick que había escuchado en repetidas ocasiones los pensamientos de Erin, algunos con tendencias suicidas, va a buscarla. Mientras va a verla a su casa del Chinatown de Chicago mientras llueve abundantemente un rayo y una descarga eléctrica provocan que pierda su don durante la tormenta de truenos.

Efectivamente Erin,  ha estado pensando en el suicidio, pero él le ofrece un puesto por el cual la había rechazado previamente; ella acepta.

Poco después recibe una llamada de su ex mujer preguntando por cómo se encuentra Alex en el baile. Al sentirse que la ha abandonado a su suerte en un día así se persona. La busca pero no la encuentra , finalmente, se entera que esta en el baño llorando. La razón es que Cameron la ha dejado sola en el baile de graduación por negarse a tener relaciones sexuales, Nick la  consuela, consolidando su relación que queda definitivamente reparada.

Tras todo esto Nick visita a Darcy y le explica todo. Ella tras escucharlo lo despide de la empresa y cuando él se marcha lo perdona y comparten un beso mientras suena Night & Day de Cole Porter.

La película se tituló originalmente "Head Games" e iba a ser producida inicialmente por Touchstone Pictures en 1996 como un vehículo para el cómico Tim Allen.

Nancy Meyers entró en el proyecto cuando fue contratada para reescribir el guión (sin acreditar) antes de que se le pidiera que lo dirigiera. Ella señaló que "La película habla mucho sobre lo que estaba pasando en mi vida. Hay discursos y matices que fueron más o menos lo que estaba pasando conmigo. Pasé seis meses en eso ".

El elegido para la película fue Mel Gibson que hace alarde de su capacidad como actor. Baila, juega con las mujeres, seduce, bromea e incluso se depila las piernas en el baño y no le dolió tanto como él refleja en la película. Siguió burlándose de todas las mujeres en el set, diciendo: "¡Vamos, esto no duele en absoluto!"

El color del vestuario de los personajes principales refleja su estado de ánimo. Nick usa colores negros y oscuros durante la mayor parte de la película, mientras que Darcy usa colores blancos y más claros. Los colores opuestos coinciden con el hecho de que el personaje está en desacuerdo entre sí. No es hasta más tarde en la película que ambos visten de gris, lo que indica que sus personajes se unen.

Las agencias de publicidad se basan libremente en la agencia de Chicago Leo Burnett y la agencia de la ciudad de Nueva York BBDO y los representantes de Nike son verdaderos representantes de publicidad de Nike, y no actrices.

La banda sonora es una de las grandes joyas de la película. Con la composición de Alan Silvestri salpicada de temas brillantes y vibrantes como Something's Gotta Give interpretado por Sammy Davis Jr., Bitch de Meredith Brooks, The Best Is Yet To Come interpretado por Nancy Wilson, I See You Baby de Groove Armada, Mack The Knife cantada por Bobby Darin, Nobody But Me interpretado por Lou Rawls, Until We Meet Again de Joe Lervold, We Think It's Love cantando por Leah Haywood, Work Me To the Bone, Yay Boy; y los clásicos I Won't Dance y el I've Got You Under My Skin de Frank Sinatra y el Night and Dayde Cole Porter interpretado por los Temptations, entre otras.

La película fue un éxito total recaudando $374 111 707, ganando a su muchos premios. Entre ellos Mel Gibson fue nominado para el Premio Globo de Oro al Mejor Actor en Película Musical o Comedia y un Premio Blockbuster Entertainment para el Actor Favorito - Comedia / Romance . Helen Hunt ganó el último premio en la categoría de Actriz favorita: Comedia / Romance, mientras que Mark Feuerstein y Marisa Tomei recibieron una nominación en las categorías de apoyo. También le valió a Tomei un reconocimiento para el Premio Satellite a la Mejor Actriz de Reparto, mientras que Ashley Johnson fue nominada en los Young Artist Awards .

Por su música, el compositor Alan Silvestri ganó el Premio ASCAP Film and Television Music Awards por Top Box Office Films , y recibió una nominación al Premio Saturno a la " Mejor Película de Fantasía " de la Academia de Ciencia Ficción, Fantasía y Películas de Terror.

La película también ganó el Premio Bogey en Platin de los Premios Bogey , Alemania. También fue nominada a Mejor Casting por Largometraje, Comedia por la Casting Society of America. Y  Recibió el Premio Golden Screen en Alemania.

Roger Ebert en rogerebert.com dijo de ella que "Aunque la película es imperfecta, no es aburrida y a ratos es muy divertida, como en el baile solo de Nick en su apartamento (...)"

Elvis Mitchell en las páginas del The New York Times recalcó que "Comienza con una gran idea, pero el potencial de la película cae más rápido que las acciones de tecnología en el Nasdaq (...) Dirigido por Nancy Meyers, Nick no es un personaje, sino un concepto"

Todd McCarthy en las de Variety escribió que la película "Presenta una idea irresistible que suele usarse para gags torpes y escandalosos y para satisfacer los vergonzosos deseos de un 'hombre sensible'"

Owen Gleiberman del Entertainment Weekly afirmaba que la película "Tiene mucha chispa verbal (...) Gibson y Hunt transmiten una química genuina y seductora"

Desson Thomson en el The Washington Post sostuvo que "Josh Goldsmith, Cathy Yuspa y Diane Drake han creado algunas situaciones interesantes (...) Pero es extremadamente larga y quedan algunos cabos sueltos"

Por su parte, Nathan Rabin en AV Club dijo de la película que "No se aleja demasiado del reino amable de la comedia (...) Tiene la misma dispersión sin forma que el debut directoral de Meyers, 'The Parent Trap'"

Wesley Morris en la prensa del oeste, en concreto en el San Francisco Chronicle reflejó que "La idea de la película, que consiste en airear lo que piensan las mujeres, no es muy distinta a la que se ha usado para perros y bebés en las películas de 'Mira quién habla'." Y en este mismo estado, Kenneth Turan en Los Angeles Times defendió que era "Una comedia convencional, vagamente entretenida, y con una premisa que resulta ser finalmente más incómoda que simpática."

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian comentaba que era "Una película genial, razonablemente entretenida (...) Seguro que hay cosas peores que hacer un viernes por la noche."

Ya en España Pablo Kurt en FilmAffinity dijo de ella que estaba " Ideada para el gran público -su principal lastre, pues huye de la picardía y el descaro-, "What Women Want" -que bien podría titularse "What Gibson Wants"- es una agradable y previsible comedia al estilo clásico para lucimiento de su pareja protagonista (especialmente del actor australiano, que además de sonreir creyéndose irresistible también produce la película). Lo cierto es que cuenta con algunas escenas divertidas, pero en el fondo resulta una historia tan desaprovechado como el uso que Nick le da a su "poder": muchas posibilidades, casi todas malgastadas. Eso sí, fue uno de los grandes éxitos de taquilla del año 2000".

Miguel Ángel Palomo de El País mostraba su malestar escribiendo "La cosa huele a lavado de imagen del actor, que no ha ocultado que, en la vida real, es misógino a conciencia. (...) Mala." 

Francisco Marinero en El Mundo afirmó que "Mel Gibson está correcto, la banda sonora es excelente y los personajes, simpáticos."

María Casanova en Cinemanía escribió que la "Comedia con inteligencia, reflexión, sonrisas y carcajadas. (...) Gibson no sólo se ríe de sí mismo con elegancia, es que arrasa. (...)

En ABC se dice que "La directora Nancy Meyers ("Tú a Londres y yo a California") construyó un papel a la medida de Mel Gibson que el actor aprovechó para su lucimiento personal. Además, le ayudó a suavizar la imagen de machista que tenía asociada. Una estrategia que funcionó perfectamente en taquilla, donde recaudó cerca de 150 millones de euros solo en Estados Unidos. Este éxito también se debió a la presencia de Helen Hunt, lanzada a la fama gracias a la serie "Loco por ti" y que se convirtió en una de las actrices más solicitadas del Hollywood del nuevo milenio. "  

Una nueva versión de la película se estreno a principios de 2019 protagonizada por Taraji P. Henson y Aldis Hodge. Es posible que la veamos, pero creo que me quedaré, y espero que nunca más en un confinamiento, por lo visto con el original.

De cualquier manera por mi parte decir que si bien no soy muy amigo de las comedias está me ha gustado. Vuelve de alguna manera a la idea de la comedia clásica sobre la lucha de géneros que fue tan recurrente en el cine de los años 30 y 40. Esta guerra de roles que muestra , por un lado, lo simples que muchas veces somos los hombres frente al carácter más complejo que pueden presentar las mujeres aquí se concreta sobre todo manifestando que es lo que la mujeres no quieren de los hombres y, segundo, mostrando la dificultad que en ocasiones tenemos los hombres a la hora de empatizar y , si en algún caso, lo hacemos se manifiesta que hay mucho de pulsión primaria por nuestra parte. Es decir, los hombres pensamos en lo único, básicamente. 

La película juega con un breve flashback inicial que está a modo de justificación de una personalidad, pero que aporta entre poco y nada. Sin embargo, está bien reflejado como el personaje de Gibon va construyendo una personalidad y su relación. El resto de personajes, Helen Hunt, brillante como siempre, y una esplendorosa Marisa Tomei, un  casting de altura que da empaque a la pelicula. Además para el 2000 no creo que fuesen especialmente conocidas como actrices Sarah Paulson, Loretta Devine , centrada especialmente en series televisivas, o Judy Greer, dando opción a otras comediantes de años anteriores como Bette Miller o dando la opción a convertir la película en una obra coral. 

Reconozco que me ha gustado y me ha hecho disfrutar. No es para desternillarse si para apreciarla en compañía para reirte de como somos. Entretenida y totalmente recomendable. 

Al filo de la noticia

Un periodista dando las noticias con camisa azul y chorreando, sin parar de sudar. Esa imagen imborrable fue la que me quedó cuando vi Al filo de la noticia o "Broadcast news", no muchas más. No recordaba que en ella participaba Jack Nicholson ni William Hurt. El resto eran auténticos desconocidos a los que no era capaz de dar nombres y apellidos. Del director , tampoco. Pude ver la película en un lejano 1989 y , seguro que la alquilé en "byss byss" que era mi videoclub de referencia en plena época de videoclubes.

La película en aquel momento me aburrió, pero, claro, si uno tiene otros intereses en ese momento las comedias románticas inspiran, inspiran poco. Hoy la he visto y me ha gustado. Con un estilo muy diferente a lo que habitualmente veo los martes por la tarde, pero , de vez en cuando en más que necesario salir del cine sesudo, distinto y alternativo, para ver una obra que respira, y mucho, del cine clásico con actuaciones muy brillantes por parte de los protagonistas, y por todos los demás.

El responsable de la película es James Lawrence Brooks , un hombre nacido al otro lado de la bahía que mira a Nueva York, en concreto cerca de mi querida Union City,  en North Bergen, la ciudad de Nueva Jersey, colindante con la "Gran Manzana" en 1940. En principio es un hombre tanto de la televisión como del cine. Una de la hecho multimillonario, el otro le ha dado prestigio. Es un director de cine y televisión, guionista y productor estadounidense, conocido por su trabajo en Los Simpson. 

Comenzó desde abajo trabajando en televisión, junto al productor de documentales David L. Wolper, como aprendiz en el noticiero de la CBS, algo que refleja a la perfección en la película que he visto relacionada en el mundo del periodismo televisivo. 

En 1969 lo vemos junto a otro productor, Allan Burns, encargándose  entre 1970 y 1977, de un programa que emitió Televisión Española  en su primer canal que se titulaba The Mary Tyler Moore Show, un programa que ganó numerosos premios. 

Tras éste "Show" plantea otra serie centrada en el mundo del periodismo y que vimos en las tardes de los sábados como fue Lou Grant, que me influyó de tal manera tanto a una de mis hermanas como a mi para plantearnos hacer Periodismo con un inolvidable Edward Asner en el papel de Grant y que nos hablaba del periodismo escrito. Tras esto vino la serie Taxi, que también vi, pero no con tanto interés. Estaba producida por Brooks tras dejar MTM Productions en 1978 y creando otra compañía junto a David Davis , Stan Daniels y Ed Weinberger . Tras esto apostó por series que no he visto que no dejaban de ser comedias del tipo "sitcons".  

A finales de los setenta comienza a combinar el cine como productor con la televisión. En 1979 es el productor y guionista de Tres no hacen pareja (Starting Over, 1979) una película dirigida por Alan J. Pakula con Burt Lancaster y Candice Bergen y trabajó ocasionalmente como actor en un titulado Real Life (1979) una comedia de la que también es coautor del guión, una parodia del programa de televisión del año 1973, An American Family, y presenta a un documentalista llamado Albert Brooks que intenta vivir y filmar una familia disfuncional.

En 1983 dirigió un éxito que fue premiado por la Academia de Hollywood  llevándose varios premios con una película que dirigió, produjo y escribió, La fuerza del cariño (Terms of Endearment) y que se llevó un buen ramillete de premios , los principales ( película, director y guión).

En 1987 vuelve al cine con la dirección de otro filme, Al filo de la noticia (Broadcast News), que es la que nos ha traído hasta aquí, dedicándose después a producir comedias como Big (Penny Marshall, 1988), Say Anything (Un gran amor) y La Guerra de los Rose (The war of the Roses, 1989), y Jerry Maguire (1996), las dos últimas de Cameron Crowe.

En 1997 vuelve a la dirección con la comedia romántica que vi en el cine de  Mejor... imposible, realizando en  2004 la película Spanglish y en 2010 - ¿Cómo sabes si...?  o How do you Know?, siguiendo luego con otras producciones o coproducciones, como The Edge of Seventeen de 2016, demás de The Simpsons.

En la película de 1987 James L. Brooks asume la dirección, la producción y el guión . La productora que ejecuta y distribuye fue la 20th Century Fox a la que se suma Gracie Films en este comedia dramática con altas dosis y carga de profundidad irónica de periodismo televisivo. La película contó con un presupuesto que oscila, según fuentes de  $ 15 millones a 20 millones.

Del apartado técnico destaca la música de Bill Conti y la fotografía de Michael Ballhaus . La película fue editada por Richard Marks , el vestuario de Molly Maginnis, con Charles Rosen encargada del diseño de producción y Ellen Chenoweth del casting.  

En cuanto al elenco seleccionado por Chenoweth lo encabezan  William Hurt como Tom Grunick. Albert Brooks como Aaron Altman y Holly Hunter como Jane Craig. Junto a ellos en papeles secundarios aparecen Robert Prosky como Ernie Merriman, Lois Chiles como Jennifer Mack, Joan Cusack como Blair Litton,  Peter Hackes como Paul Moore,  Christian Clemenson como Bobby,  Jack Nicholson como Bill Rorich,  Robert Katims como Martin Klein, Ed Wheeler como George Wein., Stephen Mendillo como Gerald Grunick , Leo Burmester como el Sr. Craig , Marita Geraghty como la entrevistada mujer que fue violada,  Glen Roven como uno de los periodistas, Marc Shaiman como otro periodista,  John Cusack como un mensajero enojado y Gennie James como la joven Jane.Marc Shaiman y Glen Roven , hacen un cameo como músicos que han de componer una melodía.

La película comienza con la presentación de los dos periodistas en su juventud. Un joven Tom que vive en Kansas City y que va con su padre un sábado repartiendo la prensa y que le informa a su padre que los resultados de las notas han sido malos, pero que no se preocupe que mejorará dedicándole más tiempo y esfuerzo a los estudios. Más tarde, vemos que este ya adolescente Tom , ahora en Boston, es el portavoz de sus compañeros en la fiesta de despedida y que también , cuando su pelea con sus compañeros matones  en el patio , y que les dice que en un futuro será reconocido periodista  y que ganará más dinero que ellos, básicamente por eso, por ser reconocido.

También conocemos a una joven y temperamental chica de nombre Jane (Gennie James  ) muy concienzuda con su trabajo que siempre le tiene que decir a los demás lo que tienen que hacer, aunque los quiera, como hace con su padre.

El tiempo pasa y encontramos que Jane es en el presente periodista de una televisión nacional que trabaja en un noticiario que tiene su sede en Washington. Ella, Jane Craig ( Holly Hunter ) es una talentosa y neurótica periodista que ejerce de productora en una cadena nacional que vive apasionadamente su profesión y cuya vida gira en torno a su trabajo lo que le impide tener relaciones afectivas, pues parece casada con su trabajo.

Compañero de profesión y amigo es Aaron Altman ( Albert Brooks ), de hecho su mejor amigo y colaborador frecuente de Jane, un hombre que escribe bien y que es un periodista talentoso, pero que anhela estar no tras la cámara en la redacción, sino delante de ella y que, en el fondo, está enamorado en secreto de Jane.

Jane , como enamorada de su profesión que es, le gusta defender la honestidad en la presentación de las  noticias y destacar en las noticias lo relevante y dejando a un lado lo superfluo. Así lo defiende en una conferencia que no tiene mucho éxito , aunque al final de las misma un periodista se le acerca y le felicita por lo que ha presentado.

Se trata de un adulto Tom Grunick ( William Hurt ), que ha ido escalando en su profesión y que acaba de ser contratado como presentador de noticias local  habiendo pasado previamente desde el presentador de deportes hasta alcanzar ese puesto. En parte de su progresión está por el hecho de ser simpático y telegénico, pero carece de experiencia en noticias así como presenta otro tipo de carencias. Sabe que lo contrataron solo por su belleza y encanto.

Desde el primer momento se siente atraído por la capacidad de Jane, aunque también se siente intimidado por sus habilidades e intensidad. Jane, la realizadora, vive obsesionada por controlar a todos los que están a su alrededor, incluido Tom, un atractivo locutor recién llegado y algo pretencioso, que representa para Jane todo lo que ella y su amigo Aaron han odiado siempre.

Los tres trabajan en la oficina de una red nacional de televisión de Washington, DC . Los vínculos profesionales y afectivos con Aaron son muy fuertes como comprobamos en el reportaje que realizan tanto sobre el regreso de un mercenario norteamericano en Angola como el que realizan en Nicaragua sobre la contra y que , sin duda, tiene un enorme éxito en el telediario que presenta  Bill Rorich (Jack Nicholson) que felicita a Jane por el mismo , pero  no a Aaron, pues se la tiene jurada  por una broma que soltó por su pelo.

Lo cierto es que , como reconoce a su compañera  Jennifer Mack (Lois Chiles),  a Jane le atrae Tom, pero le molesta su falta de cualificación , pero no tiene reparos en ayudarle , especialmente , cuando en una noticia de alcance, el ataque de un avión libio sobre una base norteamericana al no estar presente el presentador estrella Bill Rorich, tiene que ser suplido por Tom para el informativo especial.

Todo el equipo de noticias. que está en casa del productor de la cadena  Ernie Merriman (Robert Prosky ) cuando asiste además el propietario de la cadena , Paul Moore ( Peter Hackes )  sale en su ayuda. Allí nos encontramos como de la casa de Ernie salen para cubrir el informativo  Jane , junto a Jennifer , pero también con la encantadora Blair Litton ( Joan Cusack ),  Bobby ( Christian Clemenson) , Martin Klein (Robert Katims)  George Wein (Ed Wheeler ) Gerald Grunick (Stephen Mendillo )  , el Sr. Craig ( Leo Burmester).  Todos hacen posible el éxito del reportaje, incluso Aaron, que ha sido excluido de la cobertura, aunque es el más preparado por dominar el tema de Libia.

Tras el éxito de este especial informativo y un reportaje en el que Tom entrevista a una mujer violada en Virginia (Marita Geraghty)  en el que el periodista parece conmovido con la entrevistada, la carrera de Tom se dispara, aunque también sabemos por boca del Presidente de la  misma Paul Moore que empieza a tener problemas con los gastos de funcionamiento. Jane además se quita del medio a su competidora en los afectavo al enviar a Jennifer a Anchorage, Alaska, para cubrir el juicio de un asesino en serie.

De cualquier Jane cada día se siente más atraída por un Tom que parece haber mejorado con sus compañeros y compañeras. Jane, la realizadora, de cualquier manera vive obsesionada por controlar a todos los que están a su alrededor, incluido Tom, pero es que Ton es  algo pretencioso, y sigue  representando todo aquello que Jane y su amigo Aaron han odiado siempre.

Por su parte,  Aaron  también está consternado por la falta de experiencia y conocimiento de Tom, pero acepta su consejo cuando finalmente tiene la oportunidad de presentar un noticiario de fin de semana aprovechando que Tom y Jane han quedado para ir a una cena de corresponsales.

Desafortunadamente, le falta el aplomo y la compostura de Tom , así como un pavoroso ataque de pánico que le hace sudar de manera casi enfermiza en ese debut  termina en un fracaso sonoro.

Esto no será visto ni por Jane ni por Tom, pero tras no asistir a la cena , Jane se siente en la obligación moral de saber cómo le ha ido a Aaron, éste le reconoce dos cosas: ha sido un fracaso en toda regla y , segundo,  le reconoce a Jane que está enamorado de ella, mientras trata de disuadirla de tener una relación romántica con Tom.

Poco después el Presidente de la cadena anuncia en la empresa que han de iniciar un proceso de transformación lo que supone despedir a gran parte de la plantilla. Para estar allí en este duro momento está el presentador estrella de la cadena, Bill, pero Paul Moore va informando de uno a uno quiénes van a ser despedidos y quién no.

Entre los que son despedidos son afectados entre otros la joven Blair, que adora a Jane, o el veterano productor, Ernnie . Además son muchos colegas los que pierden sus trabajos.

Por su parte, visto lo visto, Aaron presenta su renuncia , aunque ante de irse le pregunto a Tom cuántas cámaras uso para la entrevista de la chica en Virginia y Tom le dice que envío una. Tras esto le informa a Jane que planea aceptar un trabajo al otro lado del país, en Portland, Oregón. Por otro lado, le pregunto a Tom que le ha ocurrido y éste no entiende que lo han promocionado pues le han dado la corresponsalia de Londres. Tom , a la salida le dice a Jane que se vayan juntos esta semana a unos islas. La chica , que está por Tom, más aún después de haberlo presentado a su padre, le dice que sí.

Mientras Aaron, sin embargo, antes de irse, le cuenta brevemente a Jane el detalle de la cámara en la entrevista que Tom había realizado con una víctima de violación en la que Tom parecía estar llorando de emoción.

Aaron le dice que tenga cuidado con Tom , pues no es auténtico no de fiar. y luego se va. Jane mira el video y se da cuenta de que Tom programó sus lágrimas una vez terminada la noticia y que fue incluida como parte de la noticia editada.

Al día siguiente, al encontrarse con Tom en el aeropuerto para una escapada romántica a unas islas, se enfrenta a él airadamente, diciendo que sus acciones fueron una violación de la ética periodística y que no puede involucrarse personalmente con él en buena conciencia.

Ahora es ella la que ha dejado a los dos hombres de su vida perdiendo en la empresa todos sus vínculos personales o afectivos y, al menos hasta que los tres se reúnan varios años después. Luci

Efectivamente , años más tarde se produce un encuentro entre Tom , ahora un periodista admirado y de enorme éxito, que está con una chica , que da una conferencia en la que está presente  Aaron que asiste con su hijo pequeño. Al termino de la conferencia tiene lugar un encuentro entre los dos periodistas y el que está en Portland le comenta que Jane está en el exterior.

Efectivamente, Jane recibe a los dos y les dice que ahora que se vida profesional está perfectamente definida se va a casar con un chico, mientras Tom la mira siendo consciente de lo que dejó, y Aaron atiende a su principal objeto de atención: su hijo. Acabando así la película.

Mientras van saliendo los títulos de crédito va sonando la banda sonora que fue responsabilidad de Bill Conti . Algunos de los compositores que aparecen tanto en la película como mientras se le escucha en la banda sonora son los ganadores del premio Emmy Glen Roven y Marc Shaiman que hacen un pequeño cameo como músicos que han compuesto un tema para el programa de noticias de la película.

La película se rodó entre febrero y octubre de 1997. Y se rodó en la costa este. En concreto se rodó en Capitol Hill, en Washington, en el distrito de Columbia, en el Jefferson Memorial en Washington que fue la localidad en la que hubo un mayor tiempo de rodaje. También se rodó en Old Town en Alexandria en el Virginia. También en el Baltimore-Washington International Airport de Maryland, en el JW Marriott Hotel de Washington.

El personaje de Jane Craig se basó en la periodista y productora de noticias Susan Zirinsky que fue productora asociada y asesora técnica de la película.

La protagonista femenina fue escrita originalmente para Debra Winger , que ya había trabajado anteriormente con James L. Brooks en Terms of Endearment . Sin embargo, Winger quedó embarazada y fue reemplazada por Holly Hunter . Brooks también consideró para el papel a Sigourney Weaver , Judy Davis , Elizabeth McGovern , Christine Lahti y Elizabeth Perkins .

Albert Brooks reveló que cuando leyó el guión por primera vez, y en concreto en la escena en la que Aaron hace una transmisión de fin de semana simplemente señaló que "Algo malo le sucede a Aaron en el aire". Albert estaba mirando CNN, cuando un reportero que nunca había visto antes (y no ha visto desde entonces) comenzó a sudar mucho. Albert llamó por teléfono al escritor y director James L. Brooks a las tres de la mañana, y le dijo  que Aaron tenía que comenzar a sudar abundantemente.

Jack Nicholson no recibió remuneración alguna por su papel, a petición propia. Quiso trabajar en este pequeño papel sin publicitar su participación. De hecho sólo aparece en los créditos finales. 

Peter Hackes , quien interpreta al presidente de la División de Noticias, Paul Moore, fue , en su momento, corresponsal de NBC News en Washington, DC hasta que se retiró un año antes de que se rodara la película.

La película fue multipremiada. Fue presentada en Berlín en su Festival y consiguió el Oso de Plata a la Mejor actriz (Holly Hunter) y el Oso dorado para James L. Brooks.

Obtuvo 7 Nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película y actor (Hurt), también el de Mejor actriz Holly Hunter, Mejor actor de reparto para Albert Brooks, Mejor guión original (James L. Brooks), Mejor fotografía (Michael Ballhaus), Mejor Edición (Richard Marks).

En los Globos de Oro obtuvo 5 nominaciones, incluyendo Mejor película - Comedia o Musical, Mejor director , Mejor Actor (William Hurt), Mejor actriz (Holly Hunter) y Mejor guion (James L. Brooks).

El Círculo de Críticos de Nueva York concedió 5 premios incluido el de Mejor película de 6 nominaciones, pero también el de Mejor director , Mejor actor (Jack Nicholson), Mejor actriz ( Holly Hunter) , y Mejor guión, siendo nominado William Hurt.

La Asociación de Críticos de Los Angeles concedió el premio a la Mejor actriz (Hunter), aunque hubo dos nominaciones más.

Los Premios de la Sociedad de Críticos de Cine de Boston premiaron como Mejor actor a Albert Brooks y como mejor actriz a Holly Hunter, aunque también concedieron el de Mejor guion a James L. Brooks.

Los Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles nominaron como Mejor director a James L. Brooks y premió a Holly Hunter como Mejor actriz.

Fue nominada igualmente por dos prestigiosos sindicatos: el Sindicato de Directores (DGA) y el Sindicato de Guionistas (WGA) lógicamente en sus campos, respectivos.

En los American Comedy Awards fue considerada para la nominación a la comedia americana con la actriz más divertida en una película (rol principal) ganando el Premio al actor masculino más divertido como actor de apoyo en una Película o programa de TV en la persona de Albert Brooks.

En los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine las nominaciones fueron al Mejor actor (Albert Brooks), Mejor actriz (Holly Hunter)

El estreno de la película tuvo lugar en abril de 1988 y tuvo una recaudación de 67 000 000 dólares superando con creces, de hecho triplicando,  lo invertido. 

En cuanto a los críticos de cine Roger Ebert del Chicago Sun-Times elogio la película por su "conocimiento del proceso de recopilación de noticias de televisión como cualquier película que se haya hecho, pero también tiene ideas sobre el asunto más personal de cómo las personas utilizan los trabajos de alta presión como una forma de evitar el tiempo a solas con ellos mismos ".

En el The New York Times , Vincent Canby escribió: "Como Aaron, que habla con rapidez, Albert Brooks está muy cerca de robar Broadcast News . El Sr. Brooks ... es más o menos la conciencia de Broadcast News " .

Jonathan Rosenbaum , en su reseña del Chicago Reader , elogió el desempeño de Holly Hunter como "una especie de revelación: su personaje corto, luchador, socialmente combativa, agresivo-compulsivo puede ser el retrato más intrincadamente en capas de una mujer de carrera que la contemporánea Hollywood nos ha regalado ".

Hal Hinson del The Washington Post , escribió: "[James] Brooks es excelente al llevarnos dentro del mundo de la televisión, pero no es muy bueno analizándolo. Tiene un enfoque fácil y sencillo para tratar los problemas "Todavía hay demasiada de la mentalidad de la comedia en el trabajo".

En su columna de Time , Richard Corliss elogió la actuación de William Hurt: "Hurt también está limpio, nunca está parado fuera de su personaje, siempre permitiendo que Tom encuentre el humor en su demasiado rápido éxito, localizando una sombra detrás de sus ojos cuando A Tom se le hace una pregunta difícil, y para Tom, pobre sensación de ser, todas las preguntas son difíciles ". La revista también clasificó a Broadcast News como una de las mejores películas del año.

Peter Travers de People Magazine antes de pasar por Rolling Stone dijo de ella : "La mejor película del año ha llegado. (...) ingeniosamente divertida."

Ya en España Miguel Ángel Palomo en El País señala que es "Excelente (...) los personajes exhiben sus miserias y ambiciones arribistas, fingen y sienten, hablan y callan, se aman y se odian ante la sorprendida mirada del espectador, que cuando cree estar disfrutando de hilarantes situaciones cómicas descubre cómo casi casi sin querer se le congela la sonrisa. Magnífica"

En 2018, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos seleccionó la película para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos como "cultural, histórica o estéticamente significativa". Y está , además, incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editadas por Steven Schneider .

Como película no deja de ser una comedia romántica que , si bien no tiene un final feliz, si intenta ser coherente en la honestidad con el resto de la historia.

Destacar que el trabajo de los tres principales protagonistas es , simplemente, fantástico y , por último, presentar mi solidaridad con el personaje de Aaron, Albert Brooks, y su sudor. ¡Cuántas veces me ha sentido abochornado por los hilos de sudor que me caían por la cara! Como ya tengo una edad me da igual, pero me solidarizo con esta recuperada película , al menos, en mi recuerdo.