Un Harry otoñal

Toda la vida pensando que había visto casi toda la filmografía de Alfred Hitchcock y descubro una y otra vez películas que apenas recuerdo o directamente que no he visto como es esta titulada The Trouble with Harry o Pero ¿quién mató a Harry? una de las películ más originales y , creo, que menos conocidas del genio del suspense.

Lo cierto es que hablamos de un thriller, de una obra de suspense, pero con tintes de comedia ligera , realizada por el director londinense en el año 1955. No sólo Hitchcock es el encargado de la dirección, sino que además produce la película por medio de su productora Alfred Hitchcock Productions, conjuntamente por  Paramount Pictures  encargada de la distribución , aunque yo la he visto como distribución de la Universas Pictures, y grabado con la fórmula de VistaVision. Contó con un presupuesto de $ 1.200.000.

El guión fue elaborado por  John Michael Hayes quien parte de la obra literaria, una novela publicada en 1950, de Jack Trevor  que lleva por título The Trouble with Harry. En el apartado técnico destaca el trabajo de Bernard Herrmann en el apartado musical, una de sus más logradas composiciones. Participa igualmente Robert Burks en la fotografía y Alma Macrorie en la edición.

La película está protagonizada por un reparto encabezado por Edmund Gwenn como el Capitán Albert Wiles, John Forsythe como el pintor Sam Marlowe , Shirley MacLaine - que debuta en el cine con esta película- como Jennifer Rogers, Mildred Natwick como Miss Ivy Gravely, Jerry Mathers como Arnie Rogers, Mildred Dunnock como la señora Wiggs, Royal Dano como Calvin Wiggs, el ayudante del sheriff. Además aparecen Parker Fennelly como el millonario, Barry Macollum como Tramp, Dwight Marfield como Dr. Greenbow y Philip Truex como Harry Worp (el cadáver) Fechas de estreno 03 de octubre 1955 Pero ¿quién mató a Harry? o su literal El problema con Harry se estrenó el 3 de octure de 1955, pero luego fue re-lanzado en 1984 una vez que los derechos de distribución que habían sido adquiridos por Universal Pictures. 

La acción en The Trouble with Harry tiene lugar durante un bello y decadente día otoñal lleno de luz y de colores amarillo, marrones y rojos en  territorio campestre de Vermont. Previo a los pasos de Arnie (Jerry Mathers), el hijo de Jennifer por el bosque, hemos visto unos dibujos que nos presentan la historia del bosque que termina justo con el cadáver y mientras tanto escuchamos la partitura enorme del maestro Herrmann. 

La historia historia como he dicho anteriormente comienza con el hijo de Jennifer (Shirley MacLaine) deambulando por un bosque y con el sonido de tres disparos, así como de la voz de un personaje importante en la película el Capitán Albert Wiles (Edmund Gwenn, el actor de Calabuch de García Berlanga, en la que sería su última interpretación). El niño momentos después descubre un cadáver en el suelo. Tras verlo sale corriendo. 

Casi de inmediato descubrimos al Capitán Albert Wiles  que acaba de disparar tres tiros y se lamenta de su mala puntería, pues uno ha dado en una lata y el otro en un cartel. Cuando se desplaza por el bosque encuentra el cadáver del desconocido, y da por hecho que él ha sido el asesino.

Ante eso y su falta total de voluntariedad busca en su chaqueta e identifica a la persona que ha muerto, cuyo nombre - como es de suponer- es Harry. Se dispone a ocultarlo y toma por los pies cuando se persona en el lugar Jennifer junto a su hijo, pero no lamenta la muerte del finado a pesar de reconocerlo y llamarlo por su nombre tal y como ha escuchado Albert escondido detrás de un tronco caído.

De inmediato el bosque se ha convertido en un hervidero de personas, pues por allí pasan como la solterona Miss Ivy Gravely (Mildred Natwick), quien no sólo no se sorprende de ver al Capitán Albert con el fallecido, sino que lo invita a tomar un té por la tarde, un despistado  Dr. Greenbow (Dwight Marfield) quien cae por culpa del cadáver, pero ni se da cuenta o de un vagabundo que aprovecha las circunstancias para quitarle los zapatos, pues más le hacen falta a él.

La historia casi de inmediato se traslada a la pequeña aldea de Highwater, Vermont, lugar en el que residen todos los personajes nombrados así como  la comerciante local, la señora Wiggs (Mildred Dunnock), que no sólo se dedica a proveer de alimentos a la gente de la localidad, sino que incluso es la marchante de un excéntrico pintor  Sam Marlowe (John Forsythe). Con su madre vive su hijo Calvin (Royal Dano), el ayudante del sheriff. A la tienda llega Miss Ivy quien compra un juego de té y comenta que va a tener su primera cita en su vida con un hombre, ayudándole en su arreglo Sam..

Más tarde, Sam sale a pasear y se encuentra el cuerpo del fallecido realizando un dibujo de los pies y más tarde de la cara. Casi de inmediato descubre a  Albert y al comentar el desgraciado incidente Sam ayuda a Albert a acarrear el cuerpo de Harry y comentan de enterrarlo por la noche, ya que Sam Marlowe (John Forsythe), el pintor atractivo e inconformista, es de mente abierta ante lo currido, y está dispuesto a ayudar a sus amigos y vecinos en todo lo que pueda. 

Al comentar Albert que Jennifer, un chica joven que vive con su hijo, que ella ha reconocido a la víctima, Sam decide saber quien era el tal harry. Al llegar a la casa descubre a la encantadora madre que le cuenta la relación extraña que tuvo con Harry, como desembocó en una boda que nunca se consumó. Ella, junto con su pequeño hijo Arnie (Jerry Mathers), huyó de su matrimonio sin amor, y ella cree que ella mató a Harry porque  lo golpeó duro con una botella de leche después de que él la localizó en Higwater, lugar al que se había presentado en esa mañana. Como la explicación satisface a Sam esa misma noche entierra al cadáver. En cualquier caso, nadie se molesta en absoluto acerca de esta muerte. 

Mientras, hasta la noche Albert va a tomar te y pastelitos de arándanos. Allí se persona el peculiar Arnia con un conejo muerto. Comenta que ese conejo lo ha matado Albert esa misma mañana.

Llega la noche y Sam y Albert proceden a enterrar el cadáver. Una vez realizado el enterramiento y ocultado el cadáver Albert cae en que el no ha podido ser el asesino desde el momento en que los tres tiros están definidos, especialmente ahora con el conejo.

Una vez abierta nuevamente la tumba, Sam verifica que , efectivamente, la víctima tiene una herida en la cabeza y no es de dispara. Tras sacar el cuerpo y debatir lo que hacer llegana  la conclusión que lo mejor es dejarlo bajo tierra, para no encausar a Jennifer.

Mientras Albert va  a su casa y allí se persona Ivy. Es ese momento Srta Gravely (Mildred Natwick) le comenta a Albert que ella ha sido la asesina ya que Harry se le abalanzó en dos ocasiones y finalmente ella le dio un golpe con  el tacón metálico de su bota (reacción motivada posiblemente por el estado de aturdimiento de Harry tras el golpe recibido a manos de Jennifer). 

Ante la nueva situación Albert y Harry vuelven al lugar y desentierran por tercera vez  al cadáver marchando ahora a casa de Jennifer que está con Sam, ambos hacen recapacitar a la anterior pareja con lo que vuelven a enterrar el cadáver una vez más. Mientras regresan de su acción, llega corriendo la señora  Wiggins y pide a Sam que vaya corriendo a casa, pues un millonario quiere comprar la totalidad de la obra de Sam. Allí el pintor vende su obra de forma original, pues no pide dinero sino regalos para todos, así como guarda un secreto para el suyo propio.

En esto que se persona  Calvin (Royal Dano), el ayudante del sheriff con los zapatos que portaba un vagabundo y que explica que procedían de un muerto que ha descrito de forma detallada, así como el lugar en el que se encontraba. Cuando Calvin ha llegado no ha encontrado nada.

Al marcharse Sam descubre un boceto de una cara realizada por el pintor y que corresponde con la descripción dada por el vagabundo.

Mientras los cuatro, Sam, Jennifer, Albert e Ivy se dirigen a la casa y en ella Sam le pide matrimonio a Jennifer, aunque detectan un problema: Jennifer está casada con Harry y el obligatorio certificar la muerte para poder casarse. Así que una vez más vuelvan a sacar a Harry de la tumba. Cuando terminan de sacarlo llega el Dr. Greenbow y ellos le piden que le haga un reconocimiento al cadáver. Queda con ellos en la casa. Ellos se has apremiado por arreglarlo y preparar una ropas dignas.

En eso que presenta Calvin y acusa a Sam de conocer el asesinato tras la obra realizada que ha sido reconocida por el vagabundo. Sam modifica el cuadro y con ella la prueba, mientras que Albert va al coche del policía y le quita los zapatos. Calvin se va indignado, y la salida de éste coincide con la llegada del doctor quien certifica que Harry murió de un fallo cardiaco. Al final deciden dejar el cadáver en el sitio para que nuevamente Arnie lo encuentre y desconcierte a Calvin. Mientras los nuevas dobles parejas están ocultas, y Sam comenta que su deseo al millonario fue pedir una cama de matrimonio, llega Arnie quien tras descubrir el cuerpo marcha a buscar a Calvin. En ese momento sale un título con el que se pone fin a la película que dice:  The Trouble with Harry is over. El caso de Harry se ha terminado. 

La película no es realmente un misterio de asesinato Harry Worp (Philip Truex) por resolver, sino una comedia romántica con suspense  en la que el cadáver sirve como Macguffin para contarnos la historia de cuatro de los habitantes de Highwater que acaban siendo parejas, una más joven y otra de  más edad. Lo grave es que tres de ellos piensan que han sido los asesinos. El Capitán Wiles (Edmund Gwenn) que está seguro de que él mató al hombre con una bala perdida de su rifle mientras  cazaba, hasta que se demuestra que realmente disparó a un conejo; la joven Jennifer Rogers (Shirley MacLaine) que es ex esposa de Harry e Ivy Gravely.

La película fue una de las pocas comedias encubierta de Hitchcock y parece ser que fue una decepción en taquilla a pesar de lo bien hilvanada que estaba la historia y los buenos diálogos y explícitos diálogos. Un ejemplo de esto es cuando el personaje de John Forsythe dice descaradamente personaje de MacLaine que le gustaría pintar un retrato desnudo de ella.

Los derechos cinematográficos volvieron a Hitchcock después de su lanzamiento inicial y tras 30 años la película pasó a la Universal que finalmente la reeditó en 1984, junto con otras cuatro , entre ellas, La ventana indiscreta y Vértigo.

La película se rodó en Craftsbury y se pretendía empezar a filmar al aire libre el 27 de septiembre de 1954. Pero para sorpresa del equipo las hojas se mantenían en los árboles. Varias escenas de la película tuvo que ser rodada en un gimnasio de la escuela secundaria que se alquiló debido persistente lluvia. En el gimnasio, una cámara de Vistavisión de 226 kg les cayó desde una gran altura y estuvo a punto de golpear a Hitchcock; igualmente por la lluvía el sonido de la misma sobre el techo del gimnasio requirió extensa post-producción que luego comentaré.

Todos los detalles sobre la realización de la película están en la escritura del libro de Steven DeRosa con Hitchcock. Como en todas las películas de Alfred Hitchcock hay un cameo que en este caso se produce alrededor del minuto 21 cuando el director pasa junto a una limusina aparcada mientras que un anciano se ve en pinturas para la venta en el stand de la carretera. Yo reconozco que apenas me he dado cuenta del mismo.

La película en algún aspecto marca un  hito en la carrera de Hitchcock pues fue la primera de varias colaboraciones con el compositor Bernard Herrmann. En una entrevista para The New York Times el 18 de junio de 1971, Hitchcock afirmó que el músico era su favorito de todas sus películas.

Una canción cantada por el personaje de John Forsythe, "Flaggin , the train to Tuscaloosa", fue escrito por Raymond de Scott.

Pero… ¿quién mató a Harry’ (‘The Trouble with Harry’, Alfred Hitchcock, 1954) supone una de las rarezas dentro de la filmografía del director británico. Un film que, con el paso de los años ha ido dividiendo al público, entre aquellos que la rechazan por no parecerse a lo que Hitchcock nos tiene acostumbrados, y aquellos que la reciben con los brazos abiertos con muy buen humor. Para el director siempre fue uno de sus films preferidos, el cual filmó con poco dinero y actores que, por aquel entonces, no eran estrellas rutilantes.

La película nació del interés del propio director de hacer algo divertido alrededor de un suceso dramático, por ejemplo, la aparición de un cadáver, y que en realidad va quedando en segundo plano mientras se narran las vicisitudes de los personajes implicados, directa o indirectamente, con el mismo. El cuerpo  del fallecido es el Macguffin de la película, de hecho en este caso el cuerpo tal y como se le trata es lo de demos. Para protagonizarlo supo elegir a los actores y actrices. De entre ellos destaca el toque templado de berlanguiano Edmund Gwenn o una jovencísima y espléndida  Shirley MacLaine, en su primer papel para el cine, o el mismo  John Forsythe o una secundaria de lujo como Mildred Natwick, con la que acabará encajando el personaje del Capitán Albert.

Tras el éxito de taquilla de La ventana indiscreta y la brillante Atrapa a un ladrón, Paramount tenía serias dudas sobre el atractivo comercial de la historia y el presupuesto se fijó en un modesto $ 1,000,000 - menos de un tercio del presupuesto de Atrapa a un ladrón .

Antes de partir para Francia para filmar Atrapa a un ladrón, a principios de 1954, Hitchcock había entregado la novela de John Michael Hayes  que el agente Herman Citron había conseguido sin mencionar el nombre del director, por  $ 11.000.para comenzar una adaptación. Aunque Hayes estaba dispuesto a añadir un poco de acción extra y de suspense a la historia, Hitchcock insistió en permanecer fiel a la novela, y gran parte del diálogo de la película se reprodujo literalmente.

El guionista John Michael Hayes, habitual colaborador del director en aquellos años, tomó la obra de Jack Trevor , novela que había leído Alfred Hitchcock cuando "The Trouble with Harry" se publicó en 1949 y que desde el principio la consideró como una buena comedia de humor negro. y la adaptó sin cambios notables apenas hizo cambios considerables  ni en la trama ni en el tono tendente hacia la comedia o al humor negro. El propio director inglés le dijo a Truffaut : " En efecto. Fue un film que rodé con mucha libertad con un tema que yo mismo elegí y, cuando estuvo terminado, nadie sabía qué hacer con él, cómo explotarlo. Era demasiado especial, pero, para mí, no tenía nada de especial. Es una adaptación muy fiel de una novela inglesa de Jack Trevor Story y, para mi gusto, estaba lleno de un humor muy rico; por ejemplo, cuando el viejo Edmund Gwenn arrastra el cadáver por primera vez, la solterona le encuentra en el bosque y le dice: “¿Tiene usted problemas, capitán?” Es una de las frases más divertidas y, en mi opinión, supone como un resumen del espíritu de toda la historia.

El único cambio importante fue la reubicación de la ubicación de la historia que pasa de la campiña inglesa a los campos de Nueva Inglaterra. Hitchcock había viajado con anterioridad a través de Nueva Inglaterra en 1951, y el director vio como muy adecuados los colores otoñales de Vermont que actuarían como un buen contrapunto a los elementos más macabros de la historia. También Hayes añadió un pequeño detalle. Al final del film, un millonario da a cada personaje la oportunidad de pedir una cosa, un regalo que se les ofrecerá como un deseo realizado; y no se sabe lo que han pedido Shirley MacLaine y John Forsythe, pero sabemos que debe ser muy particular y, al final del todo, nos enteramos que se trataba de una “cama para dos”. Eso origina un pequeño suspense interrogativo que da particular interés al último rollo del film, aunque no era, sin embargo, una historia de suspense. El propio Hitchcock lo defendió como "(...) el equivalente del “crescendo” o de la coda en mis otros films";

Además ‘Pero… ¿quién mató a Harry?’ fue el primer encuentro entre Alfred Hitchcock y el compositor Bernard Herrman, que se hizo cargo de la banda sonora por sugerencia de Lynn Murray. Fue el inicio de una duradera relación y la presente es la partitura favorita de Hitchcock de las siete que Herrman compuso para él.

‘Pero… ¿quién mató a Harry?’ fue un fracaso —salvo en Francia—, tal y como relata François Truffaut en "El cine según Hitchcock", para quien este filme le resulta "sorprendente". En París se estrenó en una salita de los Campos Elíseos, donde debía probar suerte durante una o dos semanas, y la sala se llenó durante más de seis meses. Nunca he sabido con certeza si hacía reír a los parisinos o a los turistas ingleses y americanos de paso en la ciudad, pero, según creo, en el resto del mundo, no tuvo demasiado éxito.

De hecho ha sido considerada casi como una obra de transición inserta entre dos obras mayores de la filmografía de Hitchcock como son  ‘Atrapa a un ladrón’ (‘To Catch a Thief’, 1954) y ‘El hombre que sabía demasiado’ (‘The Man Who Knew Too Much’, 1955),

En el libro de François Truffaut "El cine según Hitchcock"  éste declara que: No cambié [la novela] mucho. Para mi gusto, el humor estaba  muy rica. Una de las mejores líneas es cuando el viejo Edmund Gwenn es arrastrando el cuerpo a lo largo de la primera vez y una mujer se le acerca en la colina y le dice: "Parece que tiene un problema, capitán?" Para mí eso es terriblemente divertido; ese es el espíritu de toda la historia. Siempre he estado interesado en el establecimiento de un cambio, en ir en contra de lo tradicional y de romper con los clichés. Con "Harry" tomé el melodrama de la noche y de tono negro y lo llevé  bajo el sol. (...) . Estos contrastes establecen un contrapunto; elevan el lugar común en la vida a un nivel superior.

En sus memorias, el productor Herbert Coleman le preguntó a Hitchcock por qué había elegido la historia: El director londinense respondió que : Yo siempre he querido hacer una comedia de humor negro. Esta historia es perfecta para eso. Haremos Harry [...] una película de bajo presupuesto. Sin estrellas de alto precio. 

Inicialmente se planteó la posibilidad de que Grace Kelly fuese Jennifer, pero una disputa de contrato con la MGM significaba que no estaba disponible. Hitchcock también consideró a la actriz francesa Brigitte Auber , la  Danielle Foussard en Atrapa a un ladrón , pero su acento era un motivo de preocupación. Sin embargo, la elección surgió de musical de Brodway, El pijama, protagonizada por Carol Haney. El productor Coleman quedó tan impresionado con la actuación de la protagonista que la visitó a su backstage, pero sin saber que en realidad había estado observando a la suplente de la titular: Shirley MacLaine. Coleman organizó rápidamente una prueba de pantalla para MacLaine. Su única duda era la falta de experiencia como actriz. Fue todo un acierto.

Para el papel protagonista masculino, el de Sam, Cary Grant fue considerado brevemente pero el presupuesto de la película no podía asumirlo. Hitchcock también se acercó a William Holden, pero no estaba disponible. Finalmente, el elegido fue John Forsythe. Para el papel del capitán retirado, Hitchcock contó con su viejo amigo Edmund Gwenn, entonces con 79 años de edad y con artritis aguda, que había aparecido previamente en Juego sucio, Valses de Viena y Corresponsal en el extranjero.

El resto de papeles fueron para una actriz shakesperiana Mildred Natwick y Jerry Mathers como el niño de 7 años de edad.

Hitchcock había previsto inicialmente rodar la mayor parte de la película en  23 días en los lugares ya localizados de Vermont y señalados por el productor Herbert Coleman y su jefe de producción "Doc" Erickson cerca de St. Johnsbury y Stowe. Pero para su  desgracia, una tormenta en  la zona a principios de septiembre 1.954 dejó muchísimos árboles desnudos, seguidas por las fuertes lluvias que destruyeron parte de las carreteras locales. El inicio de la filmación se retrasó mientras Coleman y Erickson buscaron nuevos lugares vírgenes. A finales de septiembre, con la ayuda de Clifford Miskelley, el jefe de la Comisión de Desarrollo de Vermont, se decidió que Craftsbury era el sitio adecuado por Coleman y Erickson, lo que permitió la producción comenzar. La mayor parte del reparto y el equipo se quedó en The Lodge at Smugglers 'Notch, cerca de Jeffersonville. Pero el tiempo fue inclemente con la producción provocando que el rodaje del interior de un gimnasio de la localidad fuese una tortura.

El director de arte de la Paramount John B. Goodman construyó apresuradamente  un conjunto de árboles de goma espuma artificiales y una replica la colina sobre la que se encontró el cuerpo de Harry. De acuerdo con John Forsythe y John Michael Hayes, cajas de hojas fueron enviados a la Paramount para que los árboles en-conjunto podrían decorarlo.

A mediados de octubre la mayoría de reparto y el equipo regresó a Hollywood. Una segunda unidad pequeña, encabezado por el productor Herbert Coleman, se quedó atrás para capturar las restantes fotografías de paisajes exteriores, usando a dobles de los actores. De vuelta en la Paramount, el rodaje avanzaba rápidamente y la fotografía principal se completó el 27 de octubre

La Post-producción de The Trouble with Harry -  se prolongó a lo largo de noviembre y diciembre de 1954 - se superpuso con el de Atrapa a un ladrón y las escenas rodadas en el gimnasio ruidoso fueron modificadas.

 Inicialmente, Hitchcock había querido utilizar stop-motion de las hojas del árbol en ciernes para los créditos de apertura, antes de decidir sólo para usar imágenes de bosque otoñal, para ello se contrató al artista neoyorquino Saul Steinberg al que se le pagó $ 3,000 para trazar la secuencia del título en el estilo faux-naïf de Paul Klee. La post-producción de la película se terminó a tiempo para la Navidad

Bernard Herrmann, con el que Hitchcock estaba muy dispuesto a trabajar. Aunque Herrmann y Hitchcock tenían temperamentos muy diferentes, Herrmann pero compartían "una gran unanimidad de las ideas". [33] Según el biógrafo Herrmann, Steven C. Smith, Herrmann La música que escribio para "The Trouble with Harry" responde en muchos aspectos, al más personal y variada de la producción de Hitchcock. Es juvenil, divertida, macabro, tierna y con una abundancia de su ingenio sarcástico.

El estreno de The Trouble with Harry se celebró en Barre, Vermont, el viernes 30 de septiembre 1955 y comenzó con una cena de Estado ofrecida por el gobernador de Vermont, Joseph B. Johnson. Cliff Miskelley, que había sugerido originalmente Craftsbury como un lugar ideal para Herbert Coleman, fue el maestro de ceremonias y Hitchcock se hizo con un nuevo título: "Ciudadano Honorario y alcalde de Barre".

El lanzamiento de una película de Hitchcock fue precedido por una campaña de publicidad y luego seguido por una gira publicitaria en la que Hitchcock y troupe asistieron a estrenos y dio entrevistas a la prensa. Con la Paramount preocupada por el atractivo comercial de la película, solicitó un lanzamiento de bajo perfil sin gira de acompañamiento, con la esperanza de que el "boca a boca" diese la publicidad. Como Hitchcock ya estaba ocupado con la pre-producción del remake de El hombre que sabía demasiado, aceptó la petición del estudio.

Cuando The Trouble with Harry fue lanzado a los cines de Estados Unidos, que fue precedida por un cortometraje 3 minutos dirigida por Hitchcock titulado "Vermont the Beautiful", destinado a promover el turismo en el estado.

Aunque la película realizada decepcionante en la taquilla de Estados Unidos - fue la única de las películas de Paramount de Hitchcock que no logró generar un beneficio en su lanzamiento inicial - que resultó muy popular en Inglaterra y Francia, donde el humor negro fue más apreciado.

El actor John Forsythe declaró irónicamente que "Desenterrar un cadáver y tirar de él (...)  no se considera divertido, excepto por los británicos y algunos de los europeos. Pero en los Estados Unidos, la muerte no se considera divertido. -

La prensa fue especialmente crítica con la película y propuso que " a él que siempre había considerado hacer su aparición habitual, hiciese el papel de sí mismo como Harry -. "Pero es casi imposible de dirigir en la espalda" respondió.

Los británico premiaron a la película con dos nominaciones al BAFTA en 1956 tanto a la mejor película como a la mejor actriz extranjera (Shirley MacLaine).

La película fue re-lanzado en 1963, como un doble cartel con el 1950 remake de El hombre que sabía demasiado, y en ese momento el público de Estados Unidos fueron mucho más receptivo al humor negro en la película - en parte por el éxito del "humor negro" de Hitchcock en su popular programa de Alfred Hitchcock presenta . De hecho cuando el escritor James Allardice, quien escribió todas las introducciones y conclusiones de Hitchcock para la serie, le pidió al director una orientación sobre el tono de los monólogos, Hitchcock le dijo que tenían que responder al estilo de The Trouble with Harry.

Para terminar y siguiendo con las conversaciones entre Truffaut y Hitchcock sobre el film , el director francés le comentó que "Todo el humor del film procede de un único mecanismo, siempre el mismo, una especie de flema exagerada; se habla del cadáver como si se tratara de un paquete de cigarrillos". Hitchcock le respondió "Es el principio, y nada me divierte más que esa comicidad del “sobreentendido”".

Fanboys, con ella empezó todo

Era septiembre de 1977, y un programa de televisión de la primera cadena nos informaba de las películas que se estaban presentando en el festival de cine de San Sebastián, allá por donde siempre. El programa pudo ser Etcétera con Jana Escribano u Hora 15 con Manuel Martín Ferrán, que era una especie de Gaceta cultural anexa al telediario.

Lo cierto que ese día, era martes, o el anterior, lunes, se había presentado en su festival de cine una película. Sus imágenes me impactaron. En ella aparecían una nave espacial que era atacada y otra que llegaba a la velocidad de la luz. Los protagonistas utilizaban espadas láser. La película se llamaba nada más y nada menos, La guerra de las Galaxias.

Meses más tarde, en mayo de 1978, se estrenaba la película en España. Durante esos nueves meses que transcurrieron entre septiembre del 77 y mayo del 78, estuve esperando como un niño espera su regalo de reyes deseoso en este caso del mio: ver la película.

Como los dioses son favorables y mayo es ya muy luminoso en mi ciudad, mis padres me dejaron ir al cine. Íbamos mis hermanas pequeñas y dos hermanos amigos. Hicimos cola en las puertas del cine del barrio, el Cabrera Vistarama, sito en la Calle Julio Pellicer.

Cuando salimos de ver la película estábamos -literalmente- alucinados. Íbamos cantando por la calle, tatareando la ,música y decidimos que teníamos que buscarnos unos palos para nuestra espadas láser. Desde ese momento y hasta el día de hoy reconozco que soy uno de esos fanboys de Star Wars, aunque tenga ya mis avanzados cincuenta años.

Así que ¿cómo me iba a quedar yo sin ver una película sobre unos frikis fanboys de Star Wars que echaban en Movistar+? Había que verla, y así ha sido. 

Fanboys es una película estadounidense de comedia dirigida por Kyle Newman que fue presentada en los Estados Unidos el 6 de febrero de 2009.

Se trata de una producción de Evan Astrowsky, Dana Brunetti, Matthew Pernicaro y Kevin Spacey de la productora Trigger Street Productions.

La película contó con un presupuesto de cerca de 4 millones de dólares - $3.900.000 - y que fue distribuida por The Weinstein Company y Vivendi Entertainment. Fue un fracaso en taquilla, pues quedó muy por debajo de lo invertido, recaudación únicamente 960.828 dólares.

La película sigue los dictados de un guión firmado por Adam F. Goldberg y Ernest Cline. Mientras que la música es de Mark Mothersbaugh, la fotografía de Lucas Ettlin y el montaje de James Thomas y Seth Flaum

El reparto lo componen Sam Huntington como Eric Bottler, Chris Marquette como Linus, Dan Fogler como Harold "Hutch" Hutchinson, Jay Baruchel como Windows, Kristen Bell como Zoe, Seth Rogen en su triple papel de Almirante Seasholtz / Alien / Roach, Danny Trejo como El Jefe, Christopher McDonald como Big Chuck, David Denman como Chaz, Billy Dee Williams como Judge Reinhold, Carrie Fisher como la doctora, Ethan Suplee como Harry Knowles. Jaime King,Ray Park, Billy Dee Williams, Ethan Suplee, Jaime King, William Shatner, Kevin Smith, Jason Mewes, Will Forte, Danny McBride o William Shatner como a sí mismo.

Como vemos hay numerosos cameos relacionados con la saga Star Wars y otras películas de ciencia-ficción y de culto como Star Trek incluyendo a Carrie Fisher, Billy Dee Williams, Seth Rogen, Jason Mewes, Kevin Smith, Jaime King, Danny McBride, Ray Park, Craig Robinson, Ethan Suplee, Joe Lo Truglio, Lou Taylor Pucci, Will Forte, Danny Trejo y William Shatner.

Fanboys cuenta la historia de cuatro amigos fanáticos de Star Wars que se vuelven a juntar años después en una fiesta y que desde la graduación de la escuela secundaria iniciaron un proceso de distanciamiento.

La historia comienza el 31 de octubre de 1998, cuando Eric Bottler coincide con sus viejos amigos de la escuela secundaria Linus, Hutch, Windows y Zoe en una fiesta de Halloween. Eric va vestido con normalidad, mientras que los amigos llevan trajes del imperio. Entre ellos y Eric hay cierto tensión debido a éste parece ser que es el único que maduró desde su salida de la escuela secundaria. Bottler es ahora un vendedor de coches en el concesionario de su padre y descubre que sus amigos todavía no han cambiado desde entonces. Siguen trabajando vendiendo cómics, o están en casa viendo en un cochera de la casa materna. Eso sí todavía hay una cosa que los une: su amor por la guerra de las galaxias.

La cuadrilla comenta la anticipación de la última entrega de la franquicia de Star Wars Episodio I: La Amenaza Fantasma y , en ese momento, recuperan una vieja idea: ir a Skiwalker Ranch de George Lucas en San Francisco. Linus propone una antigua idea que Bottler con la que ya habían estado conspirando desde que eran niños, para infiltrarse en el Rancho Skywalker y robar un primer corte de la película, pero Bottler, ahora un hombre de negocios, lo descarta.

Al día siguiente, Hutch y Windows se reúnen con Eric en el trabajo y le informan que Linus se está muriendo de cáncer. Los médicos estiman que sólo tiene aproximadamente cuatro meses de vida y el Episodio I se estrenará dentro de seis. Para hacer las paces con su ex mejor amigo, Eric decide seguir adelante con su plan e infiltrarse en el Rancho Skywalker.

Los cuatro comienzan su viaje a Texas, donde tienen que cumplir con Rogue Leader, una chica con la que el más tímido del grupo, Windows, está teniendo una relación on line, para obtener información sobre cómo entrar en el Rancho. Mientras van de camino, Hutch decide tomar un desvío a Riverside, en Iowa (el futuro lugar de nacimiento del Capitán James T. Kirk) en un intento de iniciar una pelea con algunos Trekkies.

Hutch consigue su deseo después de atacar un Trekkie que recibe el nombre de almirante Seasholtz (Seth Rogen). Hutch al molestar una y otra vez, irrita a Seasholtz que dice de Han Solo que es una perra, a la que Hutch responde pegándole un puñetazo, iniciando una pelea entre Trekkies y Fanboys. Finalmente y tras la huida Hutch tira con su furgoneta la estatua del Capitán Kirk y Khan.

Cuando se encuentran en las llanuras la furgoneta se rompe. Los chicos caminan hasta que encuentran un bar de moteros. Una vez dentro le piden ayuda y un vaso de agua.

El barman chulescamente le dice que el vaso de agua cuesta $ 100. Hutch se niega a pagar, y trata de hacerse pasar por un tipo duro que acaba de salir de la cárcel. Les dice que como no les ayude les va a partir el culo a todos los presentes. El problema es que se encuentran en un bar gay.

Con el fin de pagar por la bebida que se ven obligados a convertirse en el "entretenimiento de la medianoche" y con música de los portoriqueños "Menudo", se ponen a bailar hasta que Hutch muestra su único testículo algo que horroriza al personal.

La situación cambia cuando llega un hombre llamado "El Jefe", que arregla su camioneta después de que comer guacamole mezclada con el peyote. Él da una bolsa de peyote a  Linus como regalo de despedida.

Después de llegar en Texas, Windows cumple con su cita con Rogue Leader, que para su horror es una niña de 10 años de edad. El grupo es entonces atacada por su tío, Ethan Suplee (Harry Knowles,) , un bloguero muy metido en la saga y su mundo que resulta ser tío de Rougue, quien golpea a Windows y le dice que no hable con su sobrina de nuevo.

Después de explicar su situación, Harry les interroga para demostrar que son verdaderos fanboys, y tras verificarlo entonces les da información sobre uno de sus contactos que sabe cómo entrar con éxito al Rancho Skywalker.

Dicho contacto está en la ciudad Las Vegas, pero en su camino son detenidos por huir de un vehículo de la policía y por posesión de peyote. Como tienen derecho a una llamada, Windows  llama a  Zoe quien  llega a rescatarlos de la cárcel, y - al haber viajado a mitad de camino en todo el país para conseguirlos - insiste en acompañarles en su viaje.

Eric es reacio a continuar hasta que el juez Reinhold (Billy Dee Williams) le da un mensaje de su padre para volver a casa o perder su puesto de trabajo, pero ya vuelve a sentirse cómodo con sus colegas y continúan su  viaje en su personal "Estrella de la Muerte"

Una vez en Las Vegas, Hutch y Windows encuentran a dos chicas cañón y se plantean tener relaciones sexuales con ellas, mientras que Bottler y Linus van a cumplir con el contacto de Harry.

Ellos se sorprenden al descubrir que su contacto no es otro que el Capitán Kirk (William Shatner) en persona quien les da la información que necesitan y tras eso, se va.

Al salir son atacados por Seasholtz y sus amigos Trekkie, que asistían a una Convención de Star Trek en el mismo hotel.

Mientras tanto, Hutch y Windows descubren que las chicas con las que estaban son acompañantes profesionales, vamos prostitutas, y huyen cuando su proxeneta enojado les quiere obligar a pagar, aunque descubren que el chulo está lleno de tatuajes galácticos. El grupo  escapa de sus adversarios, pero Linus se lesiona en el proceso.

Cuando es llevado  al hospital, Linus es informado por una médico (Carrie Fisher) que debe volver a casa por su delicado estado de salud.

Cuando el grupo se siente que la situación se ha vuelto inútil, Eric se niega a renunciar a su plan y logra inspirar a la banda para continuar, recordándoles que Star Wars no significa mucho sólo para Linus, sino para todos ellos.

El grupo sale del hospital y, finalmente, llega a Rancho Skywalker. Poco después de irrumpir en el rancho y maravillándose de la colección de accesorios y trajes utilizados en las películas originales, son descubiertos por los guardias de seguridad y se encuentran atrapados tras una breve persecución.

El Jefe de Seguridad les dice de detención inminente cuando recibe una llamada telefónica de George Lucas . Lucas le dice que retirará todos los cargos si demuestran que son "fanboys". Los cinco son evaluados de forma individual, que incluye preguntas diseñadas para mostrar que ellos que saben mucho de la saga, pero poco del sexo opuesto (de los cuales sólo Zoe es capaz de responder). Tras esto el Jefe de Seguridad confirma que son fanboys y George Lucas retira todos los cargos.

Pero también es consciente de la enfermedad de Linus, y Lucas le permite ver la película solo mientras sus amigos esperan fuera. Después de la película termina, Bottler se une a sus amigos alrededor de una fogata y recuperan sus viejos lazos de amistad con Linus.

El 19 de mayo de 1999, Eric, Windows y Zoe salen de su tienda de campaña con la que solían acampar y que la han colocado mientras espera en fila para la primera proyección de Episodio I.

Eric ha dejado la venta de coches y sigue su sueño y el de Linus de convertirse en un dibujante de cómics, Hutch tiene fin su propio negocio que limpieza de coches. Windows y Zoe están ahora en una relación.

Hutch llega al teatro con cervezas que mete de contrabando y que utilizan para brindar por la memoria de Linus.

Justo antes de que comience la película, Eric se pregunta y que "¿Qué pasa si la película es una mierda?" , iniciándose tras ello los títulos de crédito.

George Lucas, inicialmente no estaba involucrado en el proyecto, pero tras una proyección anticipada del primer montaje de la película,se lo pasó tan bien que dio su "sello de aprobación", e incluso ofreció a los los productores los   efectos de sonido originales Star Wars para su uso en la película.

El cineasta y fan de Star Wars Kevin Smith también vió una primera versión de la película y pidió realizar un cameo en la película.

La película estaba originalmente para ser lanzado el 17 de agosto de 2007 sin embargo, se retrasó una vez más, hasta enero de 2008, porque el director Kyle Newman recibió más fondos para rodar escenas adicionales que el presupuesto original no incluía.

En cuanto al elenco  sólo fue posible juntarlos en septiembre de 2007, por lo que la fecha de lanzamiento de la película tuvo que ser trasladada a 2008. Las re-grabaciones fueron dirigidas por Steven Brill y no por Newman.

El 14 de enero, una revista cinematográfica informó que la película estaba siendo re-editada para eliminar la trama del cáncer de la película y reemplazar gran parte por otra trama.  Is not It Cool News recogió la historia y confirmó que había dos versiones diferentes de la película (con y sin la subtrama cáncer) y que fueron seleccionados para diferentes audiencias de prueba en Burbank, California, en enero de 2008 para ver cuál funcionaba mejor.

El director Newman afirmó en una entrevista en Kingdom Movie Geeks!  que la película saldría para abril de 2008.

Al rumorearse sobre  los cambios se inició  una campaña de internet para protestar por los cambios de la trama y solicitar la  versión original cosa que dolió al otro director, Brill.

Un primer corte de la película completa (que incluía la historia de cáncer) se mostró al público por primera vez en la Star Wars Celebration Europe el 14 de julio de 2007.

El 9 de julio de 2008, Newman confirmó en una entrevista TheForce.net que la trama del cáncer se incluiría en el corte final de la película. El corte final de la película se proyectó el 24 de julio de 2008 en San Diego en la Comic-Con.

Se anunció allí que Fanboys sería puesto en cartelera el 19 de septiembre de 2008, pero poco después de la página web oficial de  Weinstein Company anunciaba que sen había trasladado al 26 de noviembre de 2008.

La fecha de lanzamiento final fue finalmente empujó al 6 de febrero de 2009, aunque de forma limitada.

La película tuvo una escasa respuesta por parte del público y por parte de la crítica. Roger Ebert calificó la película de "amable, pero desarticulada y que identifica demasiado con sus héroes. Hurgando un poco más de diversión en ellos habrían sido una gran idea."

James Berardinelli dijo de ella que era "todo un cuadro de ruta de medio pelo (...)  fácil de olvidar en un género cansado."

Ben Lyons y Ben Mankiewicz ña criticaron abiertamente en At the Movies. Mankiewicz comentó que" era una tonta película de viaje por carretera".

Lo cierto es que  "Fanboys" tiene su gracia y es muy cercana para todos aquellos que somos fanáticos de Star Wars.

El film relata a modo de road movie que va de Ohio a California, pasando por Iowa y Texas para ver un film anhelado desde el fin del universo Jedi.

La película está repleta de gags y de buenos momentos como es el pique entre las diversas facciones de friki, el los "fanboys" y los seguidores de Star Trek, los "trekkies", la aparición de William Shatner el capitán Kirk de la saga.

La película , además, tiene además ese aroma a hormonas adolescentes, algo subidas de edad y, por momentos, de tono estrictamente verbales, más que visuales propio de las comedias teennagers.

Lo único que me cuesta trabajo entender es cómo se tomaría el final el mismo George Lucas cuando Eric pregunta y si la película - refiriéndose al "Episodio I; La Amenaza Fantasma" - no es buena.

Es curioso igualmente ver a Kevin Spacey ntre los productores del film, y que parte de la financiación fuese de los poderosos Weinstein brothers

La nota dramática de la película gira entorno al reto de superar el sueño de uno de los chicos para acceder al rancho debido un cáncer terminal que padece, algo que tristemente y en este caso ha vuelto ocurrir pero en la vida real en este mes de  noviembre cuando saltó a la prensa que un joven enfermo terminal de cáncer, Daniel Fleetwood, pedía ver antes de morir la nueva entrega de la saga, la VII, el despertar de la fuerza, ahora dirigida por J.J. Abrahms, curiosamente el encargado de la última de la saga Star Trek, en la oscuridad.

En su apoyo salieron  Mark Hamill ( Luke Skywalker) y Peter Mayhew (Chewbacca) como era de esperar al fin y al cabo son dos de nuestros héroes galácticos.

Para terminar, ya que no puedo recuperar el programa de televisión que me dio la clave de una de las películas que me impactarían, al menos, os presento la crónica del crítico Jesús Fernández Santos, el afortunado enviado del Diario El País a ese festival de San Sebastián, en aquel histórico 20 de septiembre, día en el que conocí la existencia de la película.

Yo, por entonces, sólo leía el Diario local que , sistemáticamente compraba mi padre a diario, no se lo que en ese diario se dijo, pero he recuperado lo que el afortunado redactor cinematográfico dijo de la misma, que fue lo siguiente:

Hace más de cuarenta años, las revistas de los jóvenes de entonces se animaron de improviso con la presencia de ciertos nuevos héroes. Más allá de las aventuras habituales dedicadas a ellos: relatos chuscos o clásicos al alcance de los niños, estos nuevos personajes, a medias entre la realidad y el mito, vinieron a ocupar su lugar al sol, ese sol a veces mortecino de la primera adolescencia. Ellos, con su aventuras estelares, con sus luchas hasta entonces desconocidas en la desierta superficie de remotas galaxias, vinieron a llenar por unos años el planeta lunar de nuestra fantasía, de la imaginación de lo muchachos, hasta que un día otra guerra más real y cruel cortó de raíz, y para muchos años, las alas a esos héroes y la imaginación a sus lectores. Pero antes de que tal cosa sucediera aún vivieron durante breve tiempo en una serie de revistas, que suponían una renovación total en las lecturas infantiles. De tanto héroe y aventurero -nombre genérico- del periódico juvenil que les diera a conocer entre nosotros-. Flash Gordon se convirtió en protagonista principal rápidamente por encima de sheriffs y detectives nuevos. Sus aventuras más allá de los astros le dejaron para siempre una estela heroica que ningún otro sucesor sería capaz de llenar luego. Por entonces la ciencia-ficción apenas había dado sus primeros pasos en España. Aún se leía como tal a Julio Verne y como mucho a Edgard Rice Burroughs. Los grandes autores que vinieron luego traían, sin embargo, más de ciencia que de relato, más de física, computadores y asteroides que de pasiones y afán de conquista, más de cabeza que de corazón, en suma, al estilo de los antiguos héroes.Aquellos mitos, barridos por tres años de guerra civil, no sideral precisamente, volvieron a aparecer por los años cuarenta, pero como la mayoría de las ideas y las cosas de vueltas cicateramente por aquella década, pronto pudimos comprobar que los nuevos herederos un tanto toscos, y un bastante mostrencos no eran hijos de aquellos héroes nuestros. Aquellos hijos en torno a la virtud y a la bondad, referidos a pasadas grandezas imperiales, incluida la conquista de América. no nos emanaban con sus recursos de lectura dirigida y sus resabios de mensajes patrióticos.

Los nuevos clásicos de la ciencia-ficción, nunca definitivamente populares, tampoco satisfacían a las nuevas generaciones y pronto el mundo de las galaxias comenzó a declinar por falta de interés o de imaginación entre los que se dedicaron a seguir cultivándolo. «La juventud de hoy no tiene fantasía -declara George Lucas, autor de Stars war-, todo lo que han recibido es Kojak, y, así andan los niño corriendo de aquí para allá, aspirando a matar a un policía. Todo lo que ven son filmes de desastres, inseguridad y violencia » 

 Así, pues, decidió un día devolver a los niños aquel perdido mundo de su propia infancia, volviéndolo a llenar de aventureros, princesas, villanos, tiranos y héroes que en sus naves de ciencia-ficción se enfrentaran en batallas incruentas. Los modernos medios de trucaje y sonido, así como los efectos especiales hicieron el resto, además de la inteligencia, por supuesto, y su filme se ha convertido hoy en espectáculo preferido no sólo de los niños, sino también de los mayores. George Lucas ha sabido humanizar la ciencia-ficción, puerilizar, añadirán algunos, traerla a la pantalla a través de los eternos esquemas de la novela de aventuras de los libros de caballerías, de las clásicas historias de guerra, de los relatos western. Lo ha realizado con una gran dosis de humor, lo que revela un profundo conocimiento y a la vez grandes dosis de entusiasmo, con los medios adecuados, es decir, totales, y con un reparto en el que destacan dos robots para los que cualquier jurado independiente y con imaginación debería inventar un premio especial. algo así como una recompensa a los mejores actores no humanos.

Lo subscrito todo lo escrito por Fernández Santos y como dice un atolondrado futbolista español al que todo el mundo silba cuando va a cualquier campo con Star Wars empezó todo.

Los guerreros de la noche

Pudo ser. Creo que pude ser cuando fue en septiembre una vez terminado el verano fui con mi amigos del campo, con unos 14 añitos, a ver la película que habiamos decidido entre todos, aunque con dudas más que razonables. Parece mentira que la película fue Amor Al Primer Mordisco, una presunta comedia que jugaba con la figura de Drácula dirigida por Stan Dragoti y escrita por Robert Kaufman, y protagonizada por George Hamilton, Susan Santo James, Richard Benjamin y Arte Johnson. Era septiembre de 1979 y durante los trailers de inicio en la desaparecida sala que había en las Tendillas, anunciaron una película que era la que a nosotros nos hubiese gustado ver, pero que no teníamos edad para ello. Se llamaba The Warriors, los amos de la noche en España y estaba dirigida por Walter Hill.

La película parte de una novela homónima de Sol Yurick que a su vez se inspira en un clásico del tratamiento histórico griego: Jenofonte, la Anábasis. En la historia literaria de Yurick, una pandilla de la ciudad de Nueva York tiene que regresar a su territorio natal después de que son inculpados por el asesinato del respetado líder de una pandilla. Como he señalado en la dirección estaba Walter Hill, un prestigioso director, guionista y productor - especialmente en la saga Alien- de películas y series, especialmente western, que debuta en el cine con esta obra. Para la producción contaba con Lawrence Gordon de la Lawrence Gordon Production y con la Paramount Pictures que contó con un presupuesto de unos 7 millones de dólares. 

El guión lo firmaba él mismo conjuntamente con David Shaber partiendo, por supuesto, de la obra The Warriors de Sol Yurick. En el apartado musical se encontraba Barry DeVorzon, mientras que en la fotografía capitaneaba el equipo Andrew Lazslo, mientras que el montaje era misión de Freeman A. Davies, David Holden, Susan E. Morse y Billy Weber. La distribución fue de la Paramount Pictures 

El reparto estaba interpretado por un grupo de actores casi desconocidos con Michael Beck como Swan a la cabeza, David Harris como Cochise, James Remar como Ajax, Deborah Van Valkenburgh como Mercy, Thomas Waites como Fox, Dorsey Wright como el jefe Cleon, Brian Tyler como Snow, David Patrick Kelly como Luther. A los que se suman Tom McKitterick como Cowboy, Marcelino Sánchez como Rembrandt, Terry Michos como Vermin, Roger Hill como Cyrus, Lynne Thigpen como D.J., Ginny Ortiz como la chica de la tienda, Mercedes Ruehl como la mujer policía(¿Cassandra?), John Snyder como el hombre de la gasolinera y Joel Weiss. 

En el inicio de la película una rueda de una enorme noria, la Wonder Wheel, del parque de atracciones de Connie Island se ve que girando y representando la rueda del destino. Casi de inmediato vamos conociendo las distintas bandas de la ciudad de Nueva York que son reunidas por Cyrus, el líder de los Riffs.

Se trata de una reunión de nueve miembros de las bandas de mayor peso de la ciudad, no todas, que han de ir sin armas a la reunión con Cyrus, un hombre capaz de aunar a todos y limar asperezas entre tanta diferencia. Son miembros de los bajos fondos de la ciudad de Nueva York. Son auténticos ejércitos de la noche, con más de 100.000 integrantes, que quintuplican en número a los efectivos de la policía. 

Ellos, los protagonistas que vamos conociendo poco a poco son los Warrios que inicialmente marchan en metro desde su Connie Island encabezados por el jefe de la banda Cleon, y junto a él, Swan, Ajax, Cochise, Fox, Snow, Rembrandt, Cowboy y Vermin formando un gruoo valiente e interracial identificable por su chaleco sin mangas de cuero con el nombre identificativo: the Warriors.

Cyrus, el líder de los Riffs, la banda urbana más poderosa de Nueva York, ha convocado a nueve miembros de cada una de las bandas de la ciudad, entre ellos los Warriors, a una multitudinaria reunión en un parque del centro. 

En la reunión, habla con las pandillas para iniciar una tregua entre ellas, y comenta que, contando entre todas 60.000 pandilleros frente a los 20.000 miembros del cuerpo de policía, podrían apoderarse de la ciudad; Cyrus propone que New York queda bajo el control de la bandas. En medio del júbilo por la idea, que es aceptada por prácticamente todos, alguien dispara contra el elegido o el único Cyrus y lo mata. 

El asesino es Luther, el desequilibrado líder de los Rogues. La confusión se apodera del lugar, al que además ha llegado la policía en secreto para parar la reunión.Fox, un miembro de los Warriors, lo observa todo pero, antes de que Luther pueda matarlo también, llega la policía y todas las pandillas huyen. 

Cuando el líder de los Warriors, Cleon, se acerca a ver el cuerpo de Cyrus, Luther, el asesino de Cyrus, culpa a los Warriors del asesinato; entonces los Riffs matan a Cleon y mandan buscar a los «Guerreros». 

Ahora los Warriors, son acusados injustamente del asesinato del líder de un grupo rival. El reto es volver a Coney Island, intentando no sólo no encontrarse con la policía, sino con las distintas bandas del lugar, dado que la tregua ha terminado violentamente. 

Los miembros de los Warriors van a tener que luchar por sus vidas e intentan sobrevivir en la jungla urbana y aprenden el significado de la lealtad en una noche incómoda y larga, pues queda un buen trecho para regresar a Coney Island (su territorio). Nada más salir del parque, el grupo será comandado por Swan, el «jefe de guerra» y sucesor designado por Cleon, aunque ese liderazgo se ve cuestionado por Ajax, el más violento y pendenciero de los Warriors, que finalmente acepta ver postergado su enfrentamiento con Swan por la jefatura del grupo. 

Los Riffs, siguiendo la información dada por Luther, el líder de los Rogues, ordenan apresar vivos o muertes o los supuestos asesinos y desde la radio las bandas reciben la noticia de que Los Guerreros han matado a Cyrus y dan la orden de capturarlos para llevarlos ante los Riffs, con lo cual deja de regir la tregua para ellos y se complica el regreso de los guerreros a Coney Island. 

En el camino se topan con varias pandillas que hacen difícil su regreso a Coney: primero los rapados Turnbulls AC's ('Toros locos'), de la que logran escapar por el metro hasta que un incendio le obliga a desplazarse andando ;después la más débil, los Orphans ('Huérfanos') con la que se enfrentan con un cocktel molotov, saliendo airosos y acompañados de Mercy. 

Posteriormente salen hasta llegar a una estación de tren donde pierden a Fox (que es arrojado por un policía a las vías del tren durante un forcejeo) hasta ser separados por los policías, quedando el grupo dividido en dos. Uno de esos, en la que continúa Swan, Ayax, Cowboy y Snow se enfrentan y derrotan a las Baseball Furies ('Furias del béisbol') con sus bates y sus caras pintadas. 

Seguidamente Ajax, se separa del grupo y es arrestado por unos policías tras intentar ligar con una agente camuflada y queda atado aun banco, siendo posteriormente agredido por un policía. Rembrandt, Cochise y Vermin llegan a Union Square, donde unas chicas, las Lizzies, les seducen tanto a Vermin y a Cochise. 

En su cuartel, las Lizzies intentan matarlos, lastiman con una navaja a Rembrandt pero logran escapar del lugar. Reunidos de nuevo en los andenes del metro de Union Square, se enfrentan ahora a los Punks cuyo líder va en su roller o patines en los aseos del Metro, saliendo vencedores también de este nuevo duelo. 

Finalmente, al amanecer llegan junto a Mercy - que ha iniciado una historia con Swan- a un decadente Coney Island, donde les esperan los Rogues con su desequilibrado líder, 

Luther a la cabeza. Tras inmovilizar a Luther con un cuchillo y cuando están a punto de iniciar el enfrentamiento con esa banda, aparecen los Riffs. La inocencia de los Warriors ha quedado probada y ya no los buscan a ellos, sino a los Rogues. El nuevo jefe de los Riffs reconoce la valentía de los Guerreros y promete que se «encargarán del resto». Los Warriors se alejan caminando junto al mar, quedando Swan y Mercy juntos avanzando por la playa. 

La película fue rodada en Nueva York en puntos tales como Breezy Point, Queens,Manhattan, Riverside Park,Hoyt-Schermerhorn Street Subway Station en Brooklyn, 72nd St. IRT Station, 72nd and Broadway,96th Street IRT Subway Station (en Manhattan),Central Park y, por supuesto, Coney Island, Brooklyn. 

La película está considerada de culto. Incluso Ronald Reagan , actor y Presidente de los Estados Unidos en los ochenta, fue admirador del mismo. La película fue estrenada en los Estados Unidos el 9 de febrero de 1979. 

Después de informes de vandalismo y violencia,la Paramount detuvo temporalmente su campaña de publicidad y los propietarios de salas de cine fueron liberados de su obligación de exhibir la película. A pesar de su recepción inicialmente negativa, The Warriors se ha convertido en una película de culto, y ha dado lugar a múltiples medios derivados, incluyendo videojuegos, especialmente para la Playstation2.

Luis Martínez del Diario El País afirma que "Hill confirma en este alarde su condensado y estilizado gusto por extraer de la violencia toda su fuerza lírica. Con una puesta en escena casi musical, enérgico y desangrado relato de tinte épico tan deslumbrante como cerebral" 

Por su parte, Alberti Abuín en blog de cine afirma que Hill filma con contundencia los enfrentamientos, y en su puesta en escena hay algo del John Carpenter de aquellos años, sobre todo el de ‘Asalto a la comisaría del distrito 13’ (‘Assault on Precinct 13’, 1976), de la que parece heredar tonos cromáticos en su fotografía.‘The Warriors, los amos de la noche’ es un digno entretenimiento que ha aguantado estoicamente el paso del tiempo, y siempre nos quedará la peculiar belleza de Deborah Van Valkenburgh. 

Como señalamos al principio la obra parte de un texto griego clásico, la Anábasis o la expedición de los diez mil, cuyo autor era Jenofonte, aunque pasada por el tamiz de la novela de Sol Yurick . Existen multitud de hilos que enlazan la obra clásica con la película. Por ejemplo, Jenofonte, el auténtico narrador de la historia, es representada aquí como la locutora de radio. Los 10.000 helenos de la obra literaria clásica han huir por Asia Menor, territorio enemigo, los mismo que aquí los ocho supervivientes han de hacer el recorrido desde el Bronx a Connie Island en la periferia de Brooklyn, cruzando territorios hostiles controlados por otras bandas. De la misma manera que Ayax, el segundo del grupo, que en la obra clásica pierde su vida por una chica, y algo similar ocurre en la película. 

Walter Hill intentó que ‘The Warriors, los amos de la noche’ tuviese gente conocida en su reparto. Para el personaje de Cowboy —que terminó haciendo Tom McKitterick en su único papel para el cine, convirtiéndose después en periodista deportivo— el director tanteó a Robert De Niro, pero al actor no le interesó lo más mínimo.También quiso que el film tuviese una voz en off — un narrador que podría haber sido Orson Welles- pero que finalmente fue Lynne Thigpen. 

No fue un rodaje fácil, durante el rodaje no se permitió a ningún actor salir del set de rodaje desde el momento en que la banda local , no permitía que nadie ajena a la banda llevara sus camisetas. Thomas G. Waites que interpreta a Fox, abandonó antes el rodaje por discrepancias y eso podría explicar su muerte cayendo a las vías mientras lucha contra un policía. El film está ambientado en un futuro distópico en la ciudad de New York, una ciudad crítica en su pervivencia y que se convierte en el espacio protagonista durante el resto de la película, pues la esencia es precisamente esa huida o retorno de estos guerreros. Ahora estos "héroes" urbanos de la función deben permanecer juntos, soportándose, unidos por la misma causa, aunque las ideas para conseguir un bien común no sean las mismas. 

Abuín señala que no hay ni una sola secuencia en la que un personaje se quede solo, siempre está acompañado por alguno de los suyos. Únicamente en el instante en el que que Swan —un Michael Beck al que Hill contrató después de verlo en ‘Madman’ (id, Dan Cohen, 1978) al lado de Sigourney Weaver, cuya interpretación era la que quería ver Hill debido a su inminente participación en ‘Alien’ (id, Ridley Scott, 1979), película que Hill produjo— se queda a solas con Mercy, la mujer que les sigue, y que le sirve al director para proponer de forma desdibujada una historia de amor. 

Pero el amor no es precisamente lo que prevalece en la película, sino la supervivencia no exenta de violencia, muy al estilo Walter Hill, con esas escenas en cámara lenta aprendidas de Sam Peckinpah visible en la secuencia en casa de los Lizzies o en los lavabos frente a los Roller Punk. Son de las pocos escenas de interior, aunque en la obra prima los exteriores , especialmente las oscuras calles nada iluminadas de la ciudad —impecablemente fotografiada por Andrew Laszlo—. Todo ello contrasta con el final liberador al lado del mar mientras amanece, como contraste a la odisea nocturna. 

Al final realmente, especialmente a sabiendas de que se trata de una obra de Walter Hill, estamos ante un western futurista por el peligroso New York de finales de los 70, que tanto miedo me daba de pequeño al ver las violentas películas que en esa ciudad se vivían. 

Estamos ante una obra inicial de un prometedor director, aunque es posible que como director fue menos de lo que parecía que podía llegar a ser, realizada con pulso y estilo. Y aunque el tiempo hace que la estética de los protagonistas, tanto masculinos como femeninos, especialmente en sus peinados haya hecho estragos o que sus diálogos sean algo planos y en gran medida hoy nada políticamente correctos - el maricón en una constante, y la referencia de la mujer como puta o incluso, el más degradante cerda- lo cierto es que la obra en conjunto resulta entretenida dada la agilidad y el vigor de Walter Hill. 

De cualquier manera y a pesar de no verla en su totalidad en su momento para mí quedó marcada la imagen de la ciudad de Nueva York como una ciudad oscura, peligrosa, una especie de Gotham por la que campaban las bandas creadas y citadas de los Pariah, Romper Stomper, los Baseball Furies, Turnbulls A.C., Punks, Riff's, hasta los Orphams. 

Este miedo ya ha sido superado en este pasado verano cuando paseaba por los barrios del segurísimos de Manhattan, incluido Harlem o la zona cercana al East River separada por la ciudad. Pero es más he disfrutado de una ciudad vecina a New York, pero en otro estado, New Jersey, como era Union City, en la que uno de sus habitantes me comentaba lo complicada que fue en esos años setenta y ochenta. Ahora, se que me equivoque, como también me equivoque de película en mes de septiembre de 1979. Tenía que haber visto The Warrior , aunque no tuviese la edad, antes que ver lo que vi, Amor al primer mordisco. ¿No creéis?

Kull, un muermazo

Ya hemos presentado en estas entradas un par de ellas que hacen referencia a un personaje de la novela pulp, aunque en mi caso yo lo conocí en los cómics. Hablamos de Conan, el bárbaro. La primera de ellas hace referencia a la película estrenada en 1982 y que volví a ver en septiembre de  2014, y la otra llegó poco después y se refiere a la versión estrenada en 2011. Si la primera contaba con Arnold Schwarzenegger en un papel que le consolidó como actor de acción, la segunda contaría con el hawaiano Jason Momoa.

En ellas comente que el personaje del bárbaro surge de la pluma de un novelista pulp Robert E. Howard.  Se trató de un escritor estadounidense de aventuras históricas y fantásticas, que fueron publicadas principalmente en la revista Weird Tales en los años 1930. Se le considera como uno de los padres del subgénero conocido como «espada y brujería» que creó también a Solomon Kane o la guerrera Red Sonya. En 1929 aparace uno de sus personajes estrella, Kull de Atlantis, transformado en el cine como el Conquistador.

En este tipo de novelas o cómics los personajes se mueven en una época prehistórica en la que la barbarie imperante es frenada por un hombre libre y sin ataduras que ha de enfrentarse a otros hombres e incluso a unos dioses todo poderosos, pero humanizados en sus debilidades. Desde la barbarie aparece un restaurador sin formación, pero con un alto sentido de la justicia natural. 

En el año 1997 Kull llegó al cine de la mano de John Nicolella. Parece inspirarse en la novela La Hora del Dragón, cuyo protagonista es Conan, pero aquí se transforma en Kull. La historia también tiene similitudes con otras dos historias de Howard, como son  "By this Axe, I Rule" y la historia de Conan "The Phoenix on the sword "El Fénix en la Espada". Realmente lo que se hizo fue reescribir l obra tomando como protagonista a Kull, que en esta película está interpretado por el televisivo y hercúleo actor Kevin Sorbo.

Parece ser que la idea original era  una tercera película de Conan tras las ochenteras Conan el Bárbaro y Conan el Destructor. Sin embargo, no pudo ser.

La dirección del proyecto la llevó John Nicolella siendo la encargada de la distribución la  Universal Studios , empresa que estuvo en el producto fina por medio de la United International Pictures junto a Korsala Productions y los De Laurentiis por medio de Raffaela Di Laurentis. La película contó con un presupuesto de unos 30 millones de dólares, pero la recaudación apenas alcanzó los $6.112.613 .

Para el guión se contó con Charles Edward Pogue y en otros apartados técnico aparecieron por allí la música de Joel Goldsmith, la fotografía de Rodney Charters y el montaje  de Dallas Puett.

El elenco de actores y actrices lo encabezan caras conocidas de la televisión como Kevin Sorbo como Kull, Tia Carrere como la bruja pelirroja Akivasha , Thomas Ian Griffith como el general Taligaro, Roy Brocksmith como Omar, Harvey Fierstein como Juba,  Karina Lombard como Zareta, Gary "Litefoot" Davis como Ascalante, Edward Tudor-Pole como Enaros, Douglas Henshall como Ducalon, Joe Shaw como Dalgar, Sven-Ole Thorsen como el rey Borna , Terry O'Neill como el capitán del barco, Pat Roach como Zulcki, John Hallam como Mandara, Peter Petruna como un esclavo.  

La historia comienza con un narrador que nos cuenta como "en el principio de los tiempos, el mundo estaba cubierto de llamas y que los demonios gobernaban sobre los hombres." Uno de esos demonios que una vez gobernaron la humanidad será Akivasha, la bruja roja reina de Acheron, hasta que fue derrocado por el dios Valka, un dios del frío norte. El reino de Valusia fue construido sobre las ruinas de Acheron y Valka dejó una sola llama de Acheron que ha de estar quemándose  en la eternidad como recordatorio de los "tiempos sin Dios".

En ese momento comienza la narración visual en la que vemos  lo que parece ser una gran batalla entre Kull y varios de los legionarios de élite del rey de Valusia. Pero en realidad todo era una prueba para entrar a formar parte de la citada legión. En el centro de la misma está Kull, un bárbaro guerrero lleno de valor, destreza y fuerza que llega para incorporase al ejército tras pasar varios años como esclavo y como pirata. Es un retorno a su tierra, Valusia.

A pesar de superar las pruebas físicas, Kull es rechazado debido a que no tiene sangre azul. Poco tiempo después un mensajero proveniente del Palacio Real notifica que el rey Borna ha perdido el juicio y que ha asesinado a todos sus hijos. La legión parte junto con Kull hacia el palacio donde encuentran al rey cubierto en sangre y a todos sus hijos muertos.

El líder de la legión, Taligaro, le pregunta al rey qué ha ocurrido, pero este, aún enloquecido lo ataca y cuando está a punto de matarlo, Kull interviene para evitarlo y tras un forcejeo, el rey acaba hiriéndolo gravemente.

El moribundo rey le concede la corona a Kull sabedor de que muchos ahora buscarán venganza contra él.

Desde el primer momento Kull se muestra generoso con los suyos especialmente con los esclavos a los que libera, aunque ello vaya en contra de las normas escritas, y admitiendo otros cultos. Estas medidas hace que Kull sea adorado por los suyos y amado por una de sus sirvientas, insertas en el harén, la hermosa adivina Zareta.

Entre los que buscarán vengarse, se encuentran Taligaro y su sobrino, ambos de sangre azul y posibles herederos del trono. Para ello contacta con Enaros (Edward Tudor-Pole). Taligaro, Enaros y el sobrino deciden tratar de devolver la vida a una malvada reina bruja para que esta acabe con Kull y ellos puedan recuperar la corona.

Kull pronto se convierte en enemigo mortal de las fuerzas del mal. Enaros consigue revivir a la perversa Akivasha, que una vez retornada a la vida, se presenta en la corte como una princesa y enamora deforma insensata a Kull. Una vez casados y siendo ella ya reina, intentará seducirle para asesinarle.

En la noche de bodas lo envenena y acusa de ello a una esclava y concubina de nombre Zareta, pero Kull sobrevive y se despierta a tiempo de impedir la ejecución de Zareta, y junto con esta y Ascalante, el primo sacerdote de la concubina parten en la búsqueda del aliento de Valka, lo único capaz de acabar con Akivasha.

Destronado, la única esperanza del reino y de la mujer que ama reside en una espada justiciera. Kull, entonces, se embarca en un peligroso viaje para buscar el arma legendaria que le permitirá recobrar su corona.

Tras sufrir una serie de avatares con envenenamiento y droga incluida, así como perseguidos por el general Taligaro llegan al reino de hielo de Valka.

En el reino de Valka, Zareta consigue resolver el enigma planteado y consumir el viento frío que puede poner freno a la malvado Akivasha.

Tras conseguirlo Taligaro se presenta, toma a Zareta y Kull , con dificultades consegue retornar al reino, comenzando así una batalla contra Akivasha que acaba por transformarse en un monstruo. Tras la lucha a muerte entre Taligaro y Kull este consigue de una debilitada Zareta el aliento helador de Valka y logra hacer ingerir el aliento mediante un beso, tal y como zareta había adivinado la primera vez que le había echado las cartas. Akivasha muere reinstaurándose Kull como rey, que se casa con Zareta y rompe con su hacha las encorsetadas leyes esclavistas y machistas dominantes. 

La compañía de Dino De Laurentiis produjo la película junto a Korsala Productions y United International Pictures se encargó de la distribución internacional mientras que Universal Studios hizo lo propio en Estados Unidos. Como ya dijimos fue todo un fracaso en Estados Unidos y en el resto del mundo.

Originalmente la película iba a ser la tercera basada en el personaje de Conan el Bárbaro pero Arnold Schwarzenegger rechazó el papel. El gran beneficiario de esta decisión fue Kevin Sorbo, que en aquellos momentos interpretaba a Hércules en la serie Hercules: The Legendary Journeys, quien obtuvo el papel principal pero rechazó que su personaje se llamara Conan. Por esta razón, cambiaron el nombre del protagonista a Kull, otro personaje de Robert E. Howard. 

Kull el Conquistador fue rodada en distintos lugares de Eslovaquia como Bratislava y en los castillos de Červený Kameň, Devín y Spiš. Las escenas marítimas fueron rodadas en Croacia en emplazamientos del Parque Nacional de Kornati y la isla Murter. 

La banda sonora estuvo compuesta por el hijo de Jerry Goldsmith, Joel Goldsmith, autor sobre todo de bandas sonoras para series de televisión como Stargate SG-1 y videojuegos. La banda sonora es lo que mis hijos llamarían de tono épico con un coro de voces masculinas y temas heroicos. Pero para resultar  más chocante junto a estos coros aparecen guitarras eléctricas y batería dándole un toque de heavy metal al tema principal y algunos otros. La banda sonora obtuvo mejores críticas que la película. 

Kull el Conquistador fue un fracaso en taquilla recaudando poco más de 6 millones de dólares frente a los 30 invertidos. Recibió, además muy malas críticas.

En Rotten Tomatoes se le otorga una puntuación del 28%.11 Miguel Ángel Palomo del Diario El País dijo de ella que era "Otra aventura de espada y brujería, tan convencional como otras tantos cientos de ellas, aunque resulte un tanto más simpática al estar rodada con medios precarios." 

Pero hasta el propio guionista, Charles Edward Pogue, participó en el descrédito de la misma al declarar que estaba extremadamente disgustado con esta película ya que sentía que el guion había sido arruinado por la intervención en exceso de Kevin Sorbo quien solicitó que se redujera el nivel de violencia de la película para que fuera accesible al público que veía Hércules, la serie que protagonizaba en televisión, y que los personajes femeninos tuvieran menos importancia convirtiéndose en meros estereotipos. 

Sorprendentemente, Paradox Entertainment anunció en noviembre de 2009 que se planteaba realizar una nueva adaptación para el personaje si bien no aportaron más detalles. 

Kull es un rollo de película, lo único salvable son esos personajes femeninos tan presentables, esa idea de fomentar la igualdad de sexos, la oposición a la esclavitud y a las leyes injustas y esa curiosa mezcla musical entre lo heróico y lo heavy. Poco más en una película bastante muermo, con su hacha de plástico duro y sus efectos especiales de todo a veinte tronchos. Poquito más. 

Ocho apellidos catalanes y una mueca

El cine es un negocio. La rentabilidad está entre sus muchos objetivos, aunque estos se envuelven en ocasiones de otros aspectos que aparecen, pero no necesariamente son los que priman, como pueden ser el entretenimiento, la creatividad, la crítica social, la política, el ensayo, etc...

En relación a lo que digo, ocurre en el cine lo mismo que ocurría con una mina durante la fiebre del oro, cuando se descubre un filón hay que explotarlo hasta el final. Esto es lo ocurrido en estos últimos años con lo que pudiera ser el serial de Ocho apellidos.... La idea es la siguiente: se encuentra una fórmula que funciona, pues  se exprime hasta sacar la última gota,  o , usando la misma terminología que el principio, se apuesta por rentabilizarla cueste lo que cueste. Y , a bien, que se ha conseguido.

Cuando uno descubre que Ocho apellidos catalanes, la película dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, y que se estrenó el 20 de noviembre de 2015 en España, ya lleva recaudados cerca de 17 millones de euros y ha protagonizado el mejor estreno de 2015 en nuestro país y se ha convertido en la película española más taquillera del año, con 2.616.003 espectadores llega a la conclusión de que , efectivamente, estamos ante un negocio, sin paliativos. 

Estamos hablando de la secuela de la película Ocho apellidos vascos, que ha contado con el mismo equipo en la dirección. Por lo tanto, el proyecto lo encabeza el citado Emilio Martínez-Lázaro. Detrás del guión, los !vaya semanita! Borja Cobeaga y Diego San José, y en el apartado técnico y, sobre todo, tenemos en el elenco interpretativo a los que triunfaron sin ningún género de dudas, el pasado curso: Dani Rovira, Clara Lago, Karra Elejalde y Carmen Machi repitiendo sus papeles. Ahora se han incorporado , además, Belen Cuesta, Berto Romero, Rosa Maria Sardà y un desaparecido en la postproducción Antonio Resines. 

La película vuelve a estar producida por Telecinco Cinema, Lazonafilms y Kowalski Films,  y además de los citados vuelven a contar musicalmente con el músico Roque Baños

Los protagonistas son los señalados con anterioridad Clara Lago como Amaia Zugasti , Dani Rovira como Rafael "Rafa" Quirós, Carmen Machi como Mercedes "Merche", Karra Elejalde como Koldo Zugasti Zabala  Belén Cuesta como Judit, Berto Romero como Pau Serra, Rosa María Sardà como Roser, Alberto López como Joaquín, Alfonso Sánchez como Curro, Agustín Jiménez como Anselmo, Txabi Franquesa como Andreu.

La historia comienza unos meses después de cuando lo dejamos. Por lo pronto Koldo ha regresado a Argoitia  después de una intensa -...y sobre todo larga y silenciosa - campaña del bonito. Es recibido por Mertxe en el puerto con suma frialdad, ya que ella desconoce dónde ha estado metido su enamorado y sobre la misma superficie portuaria le comenta que Amaia, su hija, se va a casar. Lo que desconoce Koldo es que no es con Rafa (Dani Rovira),que por  ahora sigue en Sevilla.

Allí lleva la vida de crápula que tenía antes de estar con Amaia, con la que ha roto, e intenta enrollarse con más o menos éxito con las chicas que conoce. Pero, con todo, parece que su relación con Amaia la ha dejado trastornado y la impide iniciar otra.

En esto que Koldo (Karra Elejalde) se deja caer por Sevilla con su barco, ya que se niega a pisar España. Viene a comentarle a Rafa que su hija Amaia (Clara Lago),  se ha enamorado de un artista catalán (Berto Romero). Se presencia en Sevilla se debe a que trata de convencer a Rafa de que lo acompañe a Cataluña para rescatar a Amaia de los brazos del joven y de su ambiente.

Arrepentido por provocar la ruptura, Rafa, que  no lo ve nada claro, y es Koldo el que convence a su ex yerno de que deben viajar a Cataluña para rescatar a Amaia de las garras de su nuevo novio catalán.  El andaluz acompaña a Koldo hasta Cataluña en el AVE, pasando por Madrid, dónde lleva a Koldo en la espalda, ya que este se niega a que pies pisen España. Así que se dirigen a la masía gerundense del pretendiente, Pau (Berto Romero), que ha movilizado al pueblo para hacer creer a su abuela, Roser (Rosa María Sardà), que Cataluña consiguió la independencia y que su boda será la primera que albergue el nuevo país.

Nada más llegar conocemos a Pau, un artista snob que trabaja, principalmente, con contratos de la Generalitat, buena gente,  que lleva barba hipster, algo tonto, y que, finalmente, con buen rollito invita a Rafa a la boda.

Tras presentarse el conjunto en la Masia descubrimos a la impertinente Yaya del mozuelo, la Roser (Rosa María Sardà), que urde un plan para que la pareja se quede a vivir en su Masía, ya que se la pretende ceder en herencia al nieto.

Mientras tanto, la encargada de la boda en Judith, una gallega, que se hace pasar por catalana de pura cepa, y que se encuentra secretamente enamorada del atolondrado Pau.

Rafa nada más llegar se hace pasar por catalán y afirma llamarse Oriol, soltando una nueva ristra de apellidos de futbolistas catalanes como Guardiala, pero también Messi.

Desde la llegada de Rafa, el caos y la conspiración afectiva parecen dirigir la historia que se acelera con la llegada de Mertxe (Carmen Machi), , que ha sido invitada por Amaia, que se presenta esta vez con el nombre de Carme y que reprocha a Koldo no haber sabido hacer frente al compromiso, aunque éste realmente sigue enamorado de ella.

Mertxe, por otra parte, anima a Rafa a recuperar el amor de Amaia. Cuando el sevillano se entera de que Judit (Belén Cuesta), la mujer que organiza la boda, está perdidamente enamorada de Pau, ambos se unirán a Koldo y Merche para intentar frenar el enlace y conseguir que Amaia y Rafa acaben juntos para siempre.

Para ello contarán con la complicidad de Judit, así como de los amigos sevillanos de Rafa, Joaquín y Curro que, al igual que en la primera historia, se presentan en el día previo a la boda.

El desencadenante de todo el conflicto es Rafa que desde el balcón del pueblo, en la pedida de mano, hace que Roser deba reconocer que su  intención es que Amaia y Pau vivan en la Masía, no teniendo inconveniente en subir a un Castellet, montar el show en la celebración de pedida, aunque sin contar que finalmente Koldo sepa la verdad: Rafa había abandonado a Amaia.

La pelea verbal entre ambos, provoca que Amaia vuelva a romper con Rafa y que este salga de la masía, sea detenido por los Mossos d´escuadra o incluso de que intervenga la Guardia Civil en la querella familiar. El mismo Koldo hace ademán de irse, pero Mertxe le para al conocer el poema que le había escrito el marinero y que le es relatado por Rafa.

Finalmente, Koldo, Mertxe y Rafa se personan en la boda y la paralizan generando la zapatiesta oportuna, y en nuevo cambio de parejas que resultan del retorno del duo Koldo-Mertxe, Rafa- Amaia, y una nueva y deseada, mutuamente, Pau y Judith.

La historia termina nueve meses más tarde. En una furgoneta procedente de Burgos , donde han ido a comprar morcillas, se desplazan  Koldo, Mertxe, Rafa y Amaia con la particularidad de que esta última embarazadísima comienza a dilatar y ponerse de parte unos metros antes de entrar en Euskadi.. La situación provoca el enojo de Koldo y mientras que su hija da a luz, el busca el mojón separartorio entre Castilla y León con Euskadi, moviéndolo con el fin de que su nieto nazca en Euskadi. ¡Como debe ser! Acabando así la película.

Comentar que, en principio, el elenco contaba con la presencia del Presidente de la Academia, Antonio Resines, y que iba a aparecer en la película junto con la guapa presentadora Carolina Ferre, pero cuya única escena, finalmente,  fue eliminada durante el proceso de montaje. En dicha escena ambos son un matrimonio con un hijo que porta una barretina. Al salir de casa se encuentran con dos personajes disfrazados de catalanes (Koldo y Rafa), quienes les preguntan por la calle Ferrusola. Tras ese cruce de miradas, el matrimonio se contempla con "asombro-desprecio" y les ignoran. En palabras del director, Emilio Martínez-Lázaro, la escena fue eliminada debido a que "rompía el ritmo y no tenía sentido", aunque quien sabe si no ha sido por no añadir más leña al fuego al caso de los Pujol....Ferrusola.

La película fue estrenada el 20 de noviembre en más de 800 pantallas, algo extraño por lo extenso en la historia reciente del cine español.

Fue rodada en algunos de los escenarios que aparecieron en la primera película: Sevilla, Getaria,Zumaia,Donostia, Zarautz y Leitza, pero aquí se suma además de las ciudades catalanas de Barcelona y Girona, y para nuestro descubrimiento una nueva localidad, Monells, ahora transformado en la Soronelles de Pau - situado realmente en el Ampurdán (Gerona)- una  pequeña población medieval de 182 habitantes y situado cerca del río Rissec, con su magnífica Plaza Mayor porticada, su unidad de medida «La Mitgera» que fue concedida por el rey Jaime I de Aragón en el año 1234 para que se usara como patrón de medida de los cereales para el obispado de Gerona, auqí transformada como unidad de pago: els morenetas.

Lo cierto es que Ocho apellidos catalanes viene a retomar la historia de la primera entrega, pero ahora se le añaden otros muchos  tintes cinematográficos, algunos ya existente con los apellidos vascos, como pudiera ser esa mezcla entre Bienvenidos al Norte, Los padres de ella o La boda de mi mejor amigo. Sin embargo, también hay guiños a otras películas como pudieran ser ese recreación de la realidad paralela, como ya ocurriera en  Good bye, Lenin! o ese sabor a la comedia coral de trasformar lo castellano - ahora catalán en andaluz visible en Bienvenidos Mr. Marshall- ahora en una Cataluña independiente con sus esteladas.

Sin embargo, esas referencias cinematográficas a grandes comedias quedan en mucho menos, especialmente en lo referente a la crítica hacia lo catalán. Mientras que Cobeaga y San José no tuvieron problema alguna para trinchar y desnudar a la superficialidad y barroquismo de mis paisanos andaluces, o a la sociedad vasca nacionalista y , hasta la radical más borroka, de mis antepasados cercanos, cosa que hicieron con la eficacia de un bisturí , la crítica a la sociedad catalana ha quedado más bien en una pequeña mueca y en un proyecto pseudoirónico que no engrandece a los nacidos en los Païses Catalans, sino más bien en todo lo contrario. 

Los tópicos están ( podríamos hablar de la butifarra frente al jamón serrano, los nada espléndidos en su generosidad, la barretina, los castelllets, los mossos - y eso sí, muy mal parados al ser presentados como violentos- , la clase política independentista de última generación,...), pero han quedado tan diluidos que al final Pau nos resulta simplemente un pedante insoportable. Con esta lectura nada mordaz ni crítica hacia lo catalán, como afortunadamente sí fue en la anterior hacia lo andaluz y lo vasco- lo que se ha conseguido es un poco como señala uno de mis hijos "Los vascos me siguen cayendo bien, pero tras la película, los catalanes no me han gustado".

Al final, lo mejor de esta película es lo mismo que en la primera: Koldo, un magistral y recuperado Karra Elejalde. tanto Amaia, guapa como siempre, como Rafa, atolondrado, como siempre son segundones en comparación con un Elejalde que parece inspirarse en su propia figura paterna.

La producción de la película se comenzó con una posible fecha de estreno en marzo de 2016, unos dos años después de la primera parte. Pero, en El País se dice - aunque Telecinco lo desmiente-, que Paolo Vasile, el responsable de Mediaset, aceleró el proyecto. Tenía que estar en las salas en noviembre de 2015, a tiempo de entrar en la cuenta de resultados del emporio Telecinco. El guión de Borja Cobeaga (No controles, Pagafantas, Amigos…) y Diego San José (Aupa, Josu, Pagafantas). parece escrito con más prisas, sin estar del todo rematado, sufriendo rápidas reescrituras y lo que Cobeaga denomina “el cuñadísimo”: todo el mundo opinando. De hecho Telecinco negó que Paolo Vasile adelantara el estreno de Ocho apellidos catalanes y que el 20 de noviembre era la fecha elegida desde el inicio del proyecto, aunque dos productores de cine, una empleada de la cadena y dos miembros del equipo de la película parecen desdecir a los de la cadena amiga. De cualquier manera esto es lo de menos. Lo de más es que es posible que esta historia de amor entre Rafa y Amaia -de amplio espectro nacionalista - no da mucho más de sí.

Uno de los aspectos que, posiblemente, más pesan en esta película es la actualidad, especialmente cuando los catalanes plantearon su propia República de Catalunya, desde el parlamento catalán, así que lo que en la película es una astracanada, los parlamentarios de Junts por sí, la CUP o algún que otro satélite de Catalunya si que es pot han transformado la astracanada cinematográfica en una astracanada real. Como apunta el crítico Salvador Llopart en La Vanguardia, “la mayor virtud de Ocho apellidos vascos fue su mera existencia. La mayor desgracia de Ocho apellidos catalanes es, de igual manera, su existencia”.

He leído en El País que los creadores abren una puerta a otra nacionalidad para una tercera parte, pero yo creo que esta segunda ya chirría un pelín, así que pudiera ser más lúcido hacer como ha planteado uno de los guionistas, San José, con la idea de hacer un spin off de Koldo: “Me imagino a Koldo con su barco entrando en Nueva York. Rodea la estatua de la Libertad y piensa ‘Anda, aquí también conocen al lehendakari’. Pasa por debajo del puente de Brooklyn y, henchido de gozo, exclama: ‘Vaya mierda, el de Portugalete sí que es un puente”.

Si los primeros apellidos fueron casi unánimemente positivos, esta última obra de Martínez Lázaro no lo ha sido tanto. Por ejemplo, especialmente duro se muestra Carlos Boyero en el Diario El País al decir que "Me parece aún más intrascendente que la primera. (...) la fórmula funciona peor (...) si en la anterior me aburrí moderadamente en la continuación de la saga mi tedio es notable."

Luis Martínez del diario El Mundo destaca la idea que esta película está "Más elaborada, con menos mordiente (...) se cuelan algunos chistes al límite (los que escuecen) al lado de otros más cerca de la urgencia. (...) lo que no consigue la película es sobrepasar nunca el umbral de lo coyuntural". En este mismo diario, Carlos Reviriego nos dice que  "Es un mero simulacro realizado con prisas, sin sentido crítico, sin ambición, bajo la consigna del todo vale (...) su guion es insufrible, su dirección inexistente (...) Elejalde y Machi defienden los fragmentos más cómicos (a pesar de) del desastre"

Para Olga Pereda del diario catalán El Periódico "El guión no solo carece de la frescura de la primera parte sino también de la transgresión política (...) una comedia donde el único personaje que brilla y hace reír es Karra Elejalde (...) En otro diario de esta comunidad,   Lluís Bonet Mojica, del Diario La Vanguardia, se informa que   "Esta nueva incursión en el cine español más chusco parece recuperar la vetusta hilaridad de aquellas viejas comedias habitadas por Tony Leblanc o los Ozores. (...)

Para  E. Rodríguez Marchante del Diario ABC "Hay al menos media docena de momentos cumbre, y aunque se atranca la trama en esa trinchera de las películas de bodas, encuentra lo esencial para bromear con ello, y está llena de guiños al respecto. (...)

Carmen L. Lobo del Diario La Razón afirma que "Hay un puñado de gags estimables (...) un arranque saleroso (...) Pero hemos perdido por el camino desde las tierras vascas buena parte del factor sorpresa, de la frescura, la agilidad y el choteo que cuajaron mejor en la anterior película."

Jordi Batlle Caminal en Fotogramas "Muchas cosas se han perdido en esta secuela. La agilidad y el sentido del ritmo brillan por su ausencia en este macroenredo atropellado. Gran parte del salero de Rovira se ha esfumado (...) En Cinemania, Carlos Marañón "Sus responsables han tomado el camino fácil (...) '8 apellidos catalanes' se estanca en su estrategia (...) Implosiona, incluso. (...) esta calçotada para todos es el camino para no contentar a nadie. (...)

Tras su segunda semana, y con una recaudación total de más de 16 millones de euros y un acumulado de más de 2,5 de espectadores, ya es la película española más taquillera de 2015. La recaudación de su primer fin de semana fue de 7,6 millones de euros, es el mejor estreno del año superando a "Cincuenta sombras de Grey" (7,3 millones), aunque díficilmente pueda alcanzar lo recaudado en "Ocho apellidos vascos"  que fue de 56,2 millones de euros con 9,5 millones de espectadores.

Lo cierto es que Ocho apellidos debe ser estudiado como un gran fenómeno sociológico y psicológico por su peculiar sentido del humor, centrado en la parodia, por el intento de desmitificar nacionalista o la intriga cómica.

Para Carlos Boyero la oferta, alentada por una campaña publicitaria exhaustiva, respondía a lo que esperaba la entusiasmada demanda aunque afirma el columnista del diario el País "me hiciera reír sin demasiado estrépito en un par de ocasiones, que me pareciera una comedia vacua, mediocre e inmediatamente olvidable, que lo único que me pareciera excelente e hilarante en ella fuera la memorable interpretación de ese actor versátil y poderoso llamado Karra Elejalde". Para el articulista lo más destacable es el actor. Y continua con la idea de que "Desmitificar los nacionalismos y saber reírse de los tópicos y de convicciones propias o ajenas, tan populares como tragicómicas, es un ejercicio terapéutico. Lo que ya no tengo claro es si voy a ser testigo de la continuación de esos amores problemáticos y castizos en Ocho apellidos gallegos u Ocho apellidos castellanos. Creo que el filón ya se ha agotado. Que los protagonistas sean felices y coman perdices. Y que el gran público siga gozando con su saga favorita. Ojalá pudiera sentir idéntico alborozo. Veremos si a partir del día 18 no la hunde mucho cuando 'Star Wars VII'.

Yo, por mi parte, reconozco que , efectivamente, lo más interesante de la película es la labor de Elejalde, sin que el resto se le aproxime o le llegue a la altura del betún, y que en esta segunda parte tengo que decir adiós a la frescura y, en muchos momentos, únicamente le doy la bienvenida a la mueca.