El político

 

*EC: En construcción

Johnny Guitar

Se verdadero nombre era Johnny Logan pero ha pasado a la historia como Johnny Guitar, posiblemente una de las película con los mejores 45 minutos de diálogo que haya visto, y lo digo después de haberla visto en multitud de ocasiones. Pero no me canso de ver esta maravilla de Nicholas Ray. Ni de la música de Victor Young, compositor nacido en Vhicago, pero curiosamente formado musicalmente hablando en polonia, y que participó en más de 350 películas, pero que aquí en la composición musical  no deja un par de  joyas, la música y la canción interpretada por Peggy Lee que siempre nos remitirá a la imagen icónica de Joan Crawford.

De la película se ha dicho de todo. Principalmente que es atípica o que es un western feminista, el único del siglo XX. Pues esta joya , para mi una de las mejores películas del cine fue obra de uno de los grandes, Nicholas Ray cuyo auténtico nombre era Raymond Nicholas Kienzle. Se trataba del primer proyecto de Nicholas Ray después de dejar los RKO Studios, donde había estado bajo contrato durante siete años. Aunque pudiera parecer de los cineastas nacidos en Europa, el nació en Wisconsin, aunque era de origen alemán. 

Compañero en momentos del arquitecto Frank Lloyd Wright. Con apenas 100 dólares en el bolsillo, Ray se une a un grupo de Teatro de Improvisación de Nueva York. Allí conocerá a Elia Kazan. De hecho, cuando Kazan dirige Lazos humanos, su primera película en Hollywood, contratará a Ray como ayudante. En 1948 con Los amantes de la noche dirige su primera película, siendo seguida en 1949 por El secreto de una mujer, en la que trabaja Gloria Grahame, con la que se casará tras el rodaje. 

Luego rodará Llamad a cualquier puerta, con Humphrey Bogart, y En un lugar solitario (1950)con Bogart y Grahame de protagonistas. A estas le siguieron otras como Nacida para el mal, Infierno en las nubes (con John Wayne), La casa en la sombra, Hombres errantes , vinculas con la RKO, pero en 1954 comienza el rodaje en Sedona, mi querida Sedona , la ciudad de Arizona de Johnny Guitar. La película fue un gran éxito de taquilla y tras este siguieron otros títulos que impresionan desde Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause, 1955), pasando por Más poderoso que la vida (Bigger Than Life, 1956) y las míticas Los dientes del diablo (The Savage Innocents, 1959), Rey de reyes (King of Kings, 1961) o 55 días en Pekín (55 Days at Peking, 1963), pero esa es ya otra historia, ya veremos si cercana. 

Volviendo a Johnny Guitar señalar que fue producida por Nicholas Ray y Herbert J. Yates para la Republic Pictures , - una compañía que originalmente se dedicada a la producción y distribución de filmes con muchas películas de serie B y bastantes western, aunque apoyo la carrera de John Ford y Orson Welles como su Macbeth - que también la distribuyó ya que el fundador Yates estaba detrás. En este caso Ray contó con un guión escrito por Philip Yordan y basado en la novela de 1953 titulada Johnny Guitar de Roy Chanslor. Con el tiempo se dijo que otro guionista, Ben Maddow , escribió el guión y la mayoría de las críticas cinematográficas no creerían que Philip Yordan fuera el verdadero autor hasta que el mismo Maddow, después de ver la película, afirmara que no escribió el guión. Parece ser que Philip Yordan reescribió el guión en la ubicación. 

La película contará la música de Victor Young, la fotografía de Harry Stradling rodada en Trucolor el sistema a color utilizado y propiedad de la división Consolidated Film Industries de la Republic Pictures . Se introdujo como reemplazo para el propio proceso Magnacolor de Consolidated .Republic utilizó Trucolor principalmente para sus westerns , hasta la década de 1940 y principios de la de 1950 como alternativa al Technicolor. Aunque hay quien afirma que esta película fue pensada para su visualización en 3D.

El montaje fue encargado a Richard L. Van Enger, mientras que el sonido fue para T.A. Carman y Howard Wilson; el vestuario fue labor de Sheila O'Brien y los efectos especiales , especialmente las explociones fueron de Howard Lydecker Theodore Lydecker. El reparto lo encabeza Joan Crawford como Vienna acompañado de Sterling Hayden como Johnny Guitar o Johnny Logan, Mercedes McCambridge como Emma Small y Scott Brady como el Kid, el bailarín (Dancin' Kid). Secundarios de lujo están presentes como Ward Bond como John McIvers, Ben Cooper como Turkie Ralston, Ernest Borgnine como Bart Lonergan y John Carradine como el viejo Tom. Junto a ellos aparecen Royal Dano como Corey, Frank Ferguson como Marshal Williams, Paul Fix como Eddie, Rhys Williams como el Sr. Andrews, Ian MacDonald como Pete y Robert Osterloh como Sam. 

La película comienza con la llegada de un jinete que en vez de portar un rifle lleva a sus espaldas una guitarra. Mientras avanza por estas tierras del Norte de Arizona ve tres cosas que parecen llamarle la atención. 

Por un lado, una explosión en un área rocosa y montañosa realizada por los trabajadores de un ferrocarril que va avanzando hacia el oeste, un grupo de cowboys que guía ganado y el asalto a una diligencia y el asesinato por parte de cuatro bandidos de uno de sus ocupantes. 

Poco después el jinete llega a un establecimiento envuelto entre nubes de polvo en una tormenta de arena. Tras desmontar de su animal entra en el local, un saloom, que está vacío de cientes y en el que hay un camarero y tres croupiers sobre las mesas de juego. El jinete pide un vaso de whisky y le dice a los barman que tiene una cita con la dueña del local, Vienna. Cuando le preguntan por su nombre , lo dice. Dice llamarse Johnny Guitar (Sterling Hayden). 

Tras tomarte el whisky espera sale de una habitación en la parte superior Vienna( Joan Crawford) y le dice con bastante altivez que tiene una cena de trabajo con un cliente. Vienna, la propietaria de un salón situado en las afueras de una ciudad del Oeste, se entrevista con un hombre de negocios local que rechaza la proposición de Vienna de transferir la titularidad del mismo a su nombre a cambio de una importante suma de dinero. 

A favor del local es que frente al mismo pasará el tren y puede ser el embrión de una futura ciudad si en ella se monta una estación. 

Mientras, abajo,  Johnny Guitar habla con los trabajadores de las mesas y sobre todo con el viejo Tom (John Carradine) que le informa de la tensión que vive en la zona entre Vienna y los grandes ganaderos locales, los hermanos Small y John McIvers que temen que con la llegada del ferrocarril el área se pueblo de agricultores que limitarán sus terrenos de pasto. 

Después baja Vienna que habla con cierto desdén a Johnny , dejando entrever que ha dejado de ser un famoso pistolero Johnny Logan , un portentoso pistolero, que ha cambiado su revólver por una guitarra. Vienna lo ha llamado pues le ha ofrecido un trabajo como músico. La relación entre ambos viene de antiguo, pero han pasado cinco años desde que Johnny y Vienna rompiesen sus amor debido a la negativa de Johnny a echar raíces. 

En este tiempo, ella ha adquirido una casa de juego en un terreno que piensa vender a la compañía de ferrocarriles cuando el trazado de la línea llegue hasta allí. 

Tras concretar el acuerdo , Vienna le dice a Tom que le de de comer a Johnny mientras ella sube al piso superior. Al rato llega una partida de hombres en la que parece encabezarla una mujer. Se trata de Emma ( Mercedes McCambridge ), hermana del hombre asesinado, que junto a John McIvers (Ward Bond) y el Marshall Williams (Frank Ferguson ) acusa del asalto a la diligencia al que posiblemente sea el antiguo amante de Vienna, pero también pretendiente de Emma que es conocido con el nombre del bailarín, Dancing Kid ( Scott Brady) y su banda, que viven de explotar una mina de plata oculta en las montañas. 

El propósito de Emma no sólo vengar a su hermano que acaba de ser asesinado, sino aniquilar Vienna y sus sueños de prosperidad con el ferrocarril, a quien envidia, y a Kid, su amante, por quien Emma siente una profunda pasión que tiene que reprimir. Emma tiene el apoyo del sheriff y de John McIvers , el otro gran ganadero al que no le gusta la llegada del ferrocarril. Emma Small no duda en culpar a Dancin' Kid y a su banda que , casualmente llega en ese momento. 

La llegada de Kid y sus chicos altera aún más a los ganaderos locales. El conductor de la caravana es presionado para culparles, pero dice una y otra vez que tenía el sol, de cara y que no pudo ver sus rostros con claridad , pues iban tapados. Vienna se enfrenta a ellos con su arma, y ellos le dice que no puede con todos pues son muchos, pero en ese momento vemos que sale en su defensa desde la cocina el misterioso y recién llegado Johnny Guitar. 

Como el Marshall no puede acusarlos son una prueba directa la tensión baja aunque los ganaderos, liderados por John McIvers e incitados por Emma Small, decididos a forzar a Vienna , a Johnny Guitar, y a Kid y sus hombres a salir de la ciudad, le dan 24 horas para ello. Tras poner su ultimátum los ganaderos se marchan llevándose el cuerpo del fallecido. "The Dancin Kid" y a sus compañeros se quedan tomándose una copa. Uno de ellos Bart Lonergan (Ernest Borgnine) fuerza a Johnny a beber un whisky, tras el primero viene un segundo, pero Johnny ya no acepta y deciden pegarse a las puertas del local. Johnny le da una paliza a Lonergan. 

Tras eso Kid, Lonergan y sus otros dos compañeros, que viven de la explotación de una desconocida mina de plata en la que no están teniendo mucha fortuna, el joven Turkie Ralston (Ben Cooper) y el reflexivo - y lector- Corey (Royal Dano) deciden marcharse. No obstante, el joven Turkey , se retrasa un poco y antes de irse le dice a Vienna que está encantado de haberla conocido y que por supuesto la protegería con su revolver, comenzando a alardear con el mismo. Johnny nos sorprende a todos disparando sobre el revolver que empeña Turkey al que reduce disparando con suma habilidad, aunque con ojos de desquiciado. 

Una vez se tranquiliza y es atendido por Vienna que resulta ahora lo reconoce como actuaba cuando era ex amante y pistolero pendenciero conocido por su nombre real es Johnny Logan.

Esa misma noche vemos que Vienna se desvela y baja encontrándose en la cocina a Johnny que le pide que recuerde su antigua relación. Entre ellos se ve que hay una relación de amor / odio latente. Es en ese momento cuando se produce uno de los diálogos más sugerentes de la historia del cine entre Vienna y Johnny Guitar: 

VIENNA: ¿Se divierte, Sr. Logan? 

JOHNNY: No podía dormir. 

VIENNA: ¿Y eso le ayuda? 

JOHNNY: La noche pasa más deprisa. ¿Por qué estás despierta? 

VIENNA: Sueños. Pesadillas. 

JOHNNY: Yo a veces también los tengo. Con esto los ahuyentarás. 

VIENNA: Ya lo he probado. No me ayudó demasiado. 

JOHNNY: ¿A cuántos hombres has olvidado? 

VIENNA: A tantos como tú mujeres. 

JOHNNY: ¡No te vayas! 

VIENNA: No me he movido. 

JOHNNY: Dime algo bonito. 

VIENNA: Claro. ¿Qué quieres que te diga? 

JOHNNY: Miénteme. Dime que me has esperado todos estos años. 

VIENNA: Te he esperado todos estos años. 

JOHNNY: Dime que habrías muerto si yo no hubiera vuelto. 

VIENNA: Habría muerto si tú no hubieras vuelto. 

JOHNNY: Dime que me quieres todavía, como yo te quiero. 

VIENNA: Te quiero todavía, como tú me quieres. 

JOHNNY: Gracias. Muchas gracias. 

Tras esto la relación se ablanda entre ambos y parece que pasan la noche juntos. Al día siguiente, ambos deciden ir al banco a sacar el dinero que tiene depositado allí Vienna. El banco está cerrado pues en esos momentos se está desarrollando el entierro del fallecido Small. 

El banco está cerrado por esa razón, el entierro, con todo al ver que la que pide entrar es Vienna le abren la puerta. En ventanilla ella pide recuperar el dinero depositado, no en oro, como le ofrecen , sino en billetes. 

Justo cuando la caja está abierta y sacado el dinero se persona los hombres de Dancin 'Kid en el pueblo, aunque el único que es visible es Turkey que pide hacer un ingreso. Pero aunque le abren con dudas en el momento en que la puerta está abierta bajan del carro Lonergan y Corney, así como el bailarín que entran en el banco con la finalidad de robarlo y financiar así su fuga a California tal y como habían acordado en el día anterior. Se manifiestan violentamente pegando a uno de los empleados y amenazando al otro, y cuando el bailarín descubre que Vienna éste se despide y la besa. 

El grupo de ladrones huye con el botín dejando el dinero a Vienna y Johnny que decide no intervenir. Al llegar al río deciden los asaltantes mantenerse unidos aunque dudan entre ir a California cruzando el desierto o ir a través de las montañas. 

Como "el bailarín" se niega hacerle caso a Lonergan , que apuesta ir cada uno por su lado y si no por el desierto, van por el camino de la montaña. Un camino muy duro pero que además se encuentra su paso limitado pues los operarios del ferrocarril que se adentra en su camino están colocando barrenos para adaptarlo a las vías. Ante la imposibilidad de seguir avanzando y dado que Turkey queda herido en una de las explosiones deciden regresar a su escondite secreto detrás de una cascada. 

Mientras tras el entierro, los asistentes se enteran del asalto y Emma Small convence a la gente de la ciudad de que Vienna es tan culpable como el bailarín y los suyos del robo. Ante eso el grueso del grupo se dirigen al saloom, mientras que otros se dirigen a la zona en la que piensa que puede estar la mina de plata del "bailarín" y los suyos, es decir, cerca del río. Esta presión de la persecución se hace notar entre los hombres de The Dancin 'Kid que avanzan sin mirar atrás. Y en su avance no perciben que Turkey se ha caído del caballo , dándose cuenta cuando llega al refugio. 

Ante las dudas sobre si buscarlo o no, el peso de Bart Lonergan se hace notar y deciden quedarse en el refugio. 

Por su parte, Vienna nada más llegar indemniza a sus hombres. Su objetivo es cerrar el local para luego cuando llegue el tren fundar la ciudad. También le paga a Johnny que dolido se marcha. 

Pero al cabo del rato se presenta Tom y no llega sólo. Se ha encontrado con un Turkey herido que pide cobijo en el local, justo en el momento en que llegan los ganaderos. 

Cuando el grueso del grupo llega Vienna se encuentra tocando el piaño la balada de Johnny Guitar con un vestido blanco. Tras irrumpir el grupo en el local , este se enfrenta a Vienna culpándola del robo . Ella desmonta su teoría. 

Pero cuando parece haber convencido a John McIvers y al Marshall Williams, aunque no a Emma, Turkie es detectado en el local y descubierto debajo de una mesa. Emma convence a los hombres para que cuelguen a Turkie . Este pide clemencia y Emma le dice que se le dará si reconoce la intervención en el robo de Vienna. Turkie que no quiere morir responsabiliza a Vienna. Tras lo cual Emma propone el ahorcamiento de ambos a lo que McIvers accede, aunque no Williams. Tom, por su parte, se niega , pero es golpeado y hiere mortalmente a Williams, tras o cual no queda ningún freno para ahorcar a ambos y quema el salón. 

Tras eso se disponen a ahorcar a Turkey y Vienna. A Turkey lo ejecutan pero cuando van a colgar a Vienna aparece en el último segundo Johnny Guitar quien salva a la chica. Vienna y Johnny huyen a caballo y se escapan encontrando refugio en una cueva pasando la noche. 

Una vez se ha alejado el peligro ambos van al escondite secreto de The Dancin 'Kid que es conocido por Vienna. 

Mientras el grupo de Anna y McInvers rastrea la zona. Nada más llegar Vienna junto a Johnny , el bailarín descubre que entre ambos hubo una relación tan poderosa que impedía que Vienna lo quisiera a él. Con todo se sorprende al saber que Johnny Guitar es realmente Johnny Logan, un pistolero de renombre. 

Entretanto Corvey y Bart salen fuera. Corvey ve como el grupo se dispone en la zona mientras él lee. Pero , después, es sustituido por Bart, que en un momento dado, traiciona al grupo que penetra en el área del escondite tras ver como el caballo de Turkey entra tras la catarata. 

Tras llegar a un acuerdo con Emma y los suyor va en busca de Corney para invitarle a unirse en su traición, pero éste se niega por lo que es asesinado por Bart. Cuando este huye se enfrenta a Johnny Guitar que sabe de la traición, justo cuando el grupo de Emma los sorprende.

Emma dispara sobre Vienna que es herida en el hombro y tras la intervención de Kid recibe un disparo en la frente de Emma. Tras eso continua el baño de sangre que culmina con la muerte de Emma ha mano de los disparos de Vienna. 

Lo tristemente acontecido hace reflexionar al líder de los perseguidores, con McIvers a la cabeza que decide dejar a Johnny y Vienna salir del escondite en paz, viéndolos ir. Con la cascada en la imagen suena la canción de Peggy Sue de Johnny Guitar y acaba la película. 

La historia fue rodada entre Arizona y California. La zona principal de rodaje fue Sedona, sobre todo el área de Red Rock Canyon, Bell Rock, Boynton Canyon, Schnebly Hill, Courthouse Butte, Oak Creek Canyon, así como en los Republic Studios en Radford Avenue, en North Hollywood de Los Angeles. Fue rodada entre octubre y diciembre de 1953. De hecho destacan las escenas filmadas en el distrito de Red Rock que abarca muchas de las famosas mesetas y mesas de roca roja, y los cañones que han hecho de Sedona una ciudad turística famosa. Justo al norte de Sedona se encuentra el cañón Oak Creek, uno de los muchos cañones grandes ubicados a lo largo del borde de Mogollon. Oak Creek Canyon forma parte del llamado Bosque Nacional Coconino (National Forest Coconino) una de las pocas áreas en el bosque donde los árboles de hoja caduca son el tipo de vegetación dominante y Ponderosa. Sedona está a 4,500 pies (1,400 metros sobre el nivel del mar) que el resto del bosque, lo que resulta en temperaturas más altas durante todo el año permitiendo el rodaje entre octubre y diciembre tal y como fue. 

El filme se rodó gracias al impulso de Joan Crawford, quien había adquirido los derechos de la novela y la había vendido a la Republic Pictures poniendo un requisito: ella sería la protagonista y tendría peso en la toma de decisiones.  Joan Crawford que actuaría por segunda vez en un western,  ya que no se prodigaba en este género - el anterior la de Luz de Montana (1930)- .  

La actriz y diva insistió en que sus primeros planos solo fueran filmados en el estudio, donde la iluminación podía controlarse rígidamente y de hecho no se rodó ningún primer plano de ella mientras rodaban en Sedona. Esto contrasta con lo que sobre ella dijo George Cukor "Tiene un rostro absolutamente perfecto, como una máscara griega. Todo está en su sitio exacto...Puede usted fotografiarla desde desde cualquier ángulo, de cualquier lado, no importa en qué lugar ni bajo qué condiciones. Siempre es magnífica. Pero su verdadero talento es su forma de andar..." 

Crawford que tenía previsto trabajar con Nicholas Ray - estaban programados para hacer una película llamada Lisbon en la Paramount, pero como el guión les resultaba inaceptable- Crawford que sostuvo los derechos cinematográficos del libro, derivó para la dirección de esta película al director de Wisconsin. 

La película era parte de un paquete que incluía a Roy Chanslor, un ex periodista convertido en guionista, quien escribió el guión especialmente para Joan Crawford. En ese momento, Republic era considerado el más prestigioso de los estudios menores y el contrato de Nicholas Ray con ellos le daba mucha libertad creativa a pesar del modesto presupuesto de la película. 

Se comenta que Nicholas Ray tuvo una aventura con Joan Crawford y quiso presentarla en una de sus películas. Pero durante la filmación, Ray se enfrentó con  Crawford, llegando hasta el punto de que Philip Yordan, para tranquilizarlo y animarlo, le dijo que cuando hubiese terminado de filmar nunca volvería a trabajar con Joan Crawford

Una de las primeras cosas que hizo el director fue contratar a Philip Yordan para una reescritura completa del guión. Yordan dijo más tarde: "Colaboró ​​conmigo menos en el nivel dramático que en el arquitectónico, creando entornos como el salón, trabajando en las relaciones geométricas entre los lugares". Pero el resultado le decepcionó. 

Crawford quería a Bette Davis o Barbara Stanwyck para el papel de Emma Small, pero eran demasiado caras. Claire Trevor fue la siguiente en mente para el papel, pero no pudo aceptar porque estaba atada a  otra película y, finalmente, Ray se decantó por la McCambridge. A Crawford no le gustó la elección de la joven Mercedes McCambridge como oponente. Crawford, quería aparecer más favorecida en sus primeros planos, así que exigió que todos fueran rodados en estudio, con la iluminación adecuada, y no en exteriores con luz natural. 

Joan Crawford quería , además, que Paul Newman interpretara a The Dancing Kid y Robert Mitchum fuese considerado para el papel de Johnny Guitar, pero la RKO no lo prestó así que el elegido fue Sterling Hayden , una elección inusual para el papel principal ya que no sabía montar a caballo ni tocar la guitarra ni disparar un arma. 

La mayoría de las personas afirmaron que era fácil trabajar con Crawford, siempre profesional, generoso, paciente y amable, pero con Hayden y McCambridge la cosa cambió.  Los problemas entre las dos mujeres surgieron al principio, pero Ray no se alarmó. Las razones de la disputa parecen remontarse a una época en que Crawford había salido una vez con el esposo de McCambridge, Fletcher Markle . Según algunos de los miembros del elenco,  McCambridge molestó a Crawford al respecto, como tampoco que  Crawford y Ray , que tenían cierta relación, le molestaba la "atención especial" que Ray le estaba prestando a McCambridge. 

Para empeorar las cosas, McCambridge  coincidió con una Crawford que estaba luchando contra el alcoholismo durante este período, algo que ella admitió más tarde y que contribuyó a los problemas entre ella y Crawford. La actriz femenina secundaria declaró que Crawford era "una dama mezquina y poderosa". Por su parte, Crawford dijo de McCambridge: "Tengo cuatro hijos, no necesito una quinta".  Más tarde, Ray afirmó que Crawford, durante un ataque de ira, lanzó los vestidos de la McCambridge a la calle, cosa que reconoció la Crawford admitiendo lo ocurrido y que era cierto que  una noche, Nicholas Ray encontró a Crawford, bebida a un lado de la carretera, destruyendo todos los trajes de Mercedes McCambridge  con un cuchillo y arrojándolos a los matorrales.  El elenco y el equipo tuvieron que recoger los trajes.  Recoge en su Historia del Cine Terenci Moix que ella declaró una vez "Seguro que estaba loca cuando acepté hacer ese bodrio". ¡Qué mala opinión tenía de la película! pero cuánto se equivocaba igualmente.

La cosa fue a peor cuando McCambridge la culpó por los dos años de inactividad de los repetidos intentos de Crawford de ponerla en una lista negra. Curiosamente, Ward Bond que fue miembro de "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" y "uno de los líderes más activos en la lucha contra los comunistas en Hollywood" trabaja en la película junto a la actriz que dijo ser represaliada. ". Parece que Philip Yordan, el guionista de la película, dijo: "Le hicimos un buen truco a Ward Bond, que era, como saben, uno de los líderes de los miembros de la "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" en Hollywood. Le hicimos desempeñar el papel de líder de la milicia, un terrorista extremista. Y pensó que su personaje era un héroe, un buen tipo. ¡No se dio cuenta de ello, no lo entendió ! Aunque a Philip Yordan se le acredita como guionista en la película, su contribución al guión en realidad fue escrita por Ben Maddow, integrante de la lista negra, a quien Yordan lideró, repartiendo la cuota con el escritor.

Pero por otro lado la relación con Hayden tampoco fue buena. El llegaría a decir en una entrevista: "No hay suficiente dinero en Hollywood para seducirme a hacer otra película con Joan Crawford. Y me gusta el dinero" y continuo comentando que "Estaba en guerra con esa película, durante el día, con Joan Crawford ...y de noche con mi segunda esposa". A pesar de sus reservas sobre la película, Hayden reconoció la  popularidad que le vino con la película , pero llegó a  declarar que nunca había visto a nadie comportarse tan mal con Mercedes McCambridge.

Sin embargo, a Crawford le sorprendieron los comentarios de Hayden, afirmando que tenía una carta suya que decía que le encantaría volver a trabajar con ella.

Nicholas Ray se mostró bastante incómodo durante el rodaje y luego admitió: "Muchas veces, tendría que detener el automóvil y vomitar antes de ir a trabajar por la mañana".  Ray llegó a decir que en esos momento "Joan estaba bebiendo mucho y le gustaba pelear", pero que también era "muy atractiva, con una decencia básica".

Sus desagradables recuerdos de la producción solo se vieron reforzados por las críticas en su mayoría negativas que la película recibió de los críticos estadounidenses cuando se estrenó. Según "Flesh and Fantasy" de Penny Stallings, el equipo de rodaje dio un aplauso espontáneo después de una de las poderosas escenas de Mercedes McCambridge, lo que enfureció a la estrella Joan Crawford. Según Nicholas Ray, luego comenzó a filmar las escenas de la actriz que interpretada a la señorita Smell algo más temprano en la mañana antes de que Joan Crawford llegara allí para evitar conflictos. 

Con respecto a la banda sonora la música parece inspirarse o hacerse eco de varios temas de la danza española No. 5: Andaluza de Enrique Granados , que fue escrita para piano, pero a menudo se toca en la guitarra clásica. El instrumental para la canción se utiliza en los créditos de apertura y en toda la película. La canción aparece tocada en el piano por Joan Crawford (doblada) y cantada parcialmente al final por Peggy Lee . 

La película se estrenó el 7 de mayo de 1954 en Los Ángeles, y casi veinte días más tarde - el 26 de mayo de 1954 en Nueva York y , a partir de agosto en el resto de los Estados Unidos , y lo hizo con críticas negativas. Pero a pesar de una serie de comentarios negativos iniciales, en los Estados Unidos y Canadá. Sin embargo, esto no ocurrió en Europa , ya que el público  europeo, por otro lado, libre de sesgos convencionales, vieron a Johnny Guitar como lo que era: "una imagen estilizada, poco convencional, intensa, llena de ambigüedades y subtextos que la hicieron extremadamente moderna" como señalo Scorsese.

Johnny Guitar recaudó más de $ 2,500,000 en enero de 1955 y fue el número 27 en la lista de Variety de las más taquilleras de 1954. 

Esta misma revista dijo de ella que "Demuestra que [Crawford] debe dejar las sillas de montar y los Levis a otra persona y quedarse con las luces de la ciudad como fondo. [La película] es solo una pieza de entretenimiento justa. [El guionista] se involucra tanto con los matices de los personajes y las neurosis. , todo envuelto en un diálogo, que [la imagen] nunca tiene la oportunidad de levantarse en la silla de montar ... La gente en la historia nunca alcanza mucha profundidad, este personaje debe estar en desacuerdo con el pretencioso intento de análisis al cual Guión y dirección dedica tanto tiempo ". Y añadió "Amor, odio y violencia, con poca simpatía por los personajes, se mezclan en esta película demasiado larga." 

Dura, muy dura,  también fue la crítica de  Bosley Crowther destacó la resistencia física de Crawford para las críticas en su reseña del New York Times , afirmando que "no hay más feminidad en ella que en el robusto Sr. Heflin en 'Shane'. Para la dama, como de costumbre, no tiene sexo como los leones en los escalones de la biblioteca pública y tan aguda y románticamente prohibida como un paquete de hojas de afeitar sin envolver ". Además dijo en las páginas del The New York Times  "Ni Crawford ni el director Nicholas Ray evitan que sólo sea un simple paseo (...) por los clichés del western (...) El color es un poco desagradable y los paisajes de Arizona sólo son aceptables." 

Sin embargo, la película más tarde llegó a ser considerada como una de las mejores películas de Ray,  siendo una de las favoritas del cineasta francés François Truffaut , quien la describió como "La bella y la bestia de los westerns". Y añade Truffaut   Johnny Guitare fue hecho a medida para Joan Crawford, como El ángel de la maldición de Fritz Lang para Marlene Dietrich . Joan Crawford fue una de las mujeres más bellas de Hollywood; Ella está hoy fuera de los límites de la belleza. Ella se ha vuelto irreal, como el fantasma de sí misma. El blanco ha invadido sus ojos, los músculos de su rostro. Voluntad de hierro, cara de acero (sentido apenas figurado). Ella es un fenómeno. Se vuelve viril a medida que envejece. Su juego tenso, tenso, empujado a su clímax por Nicholas Ray, es en sí mismo un espectáculo extraño y fascinante ". Y también dijo " Johnny Guitar es una especie de remake de La Bella y la Bestia en la que la bestia sería Sterling Hayden" .  A Truffaut le impresionó especialmente la extravagancia de la película: los colores llamativos, la poesía del diálogo en ciertas escenas y la teatralidad que resulta en la desaparición y muerte de los vaqueros "con la gracia de las bailarinas ".

James Dean, al pasar por el área de Salinas en su última carrera, dicen que dijo "Aquí es donde le dispararon a Johnny Guitar ".  Según algunos de sus biógrafos, nunca olvidó mencionar a Johnny Guitare entre sus películas favoritas y estaba particularmente feliz de poder filmar The Fury of Living bajo la dirección de Nicholas Ray.

Según Martin Scorsese , el público estadounidense contemporáneo "no sabía qué hacer al respecto, por lo que o bien lo ignoraron o se rieron de él". 

En   1988, Mujeres al borde de una crisis nerviosa , el director español Pedro Almodóvar rindió un homenaje a la película. Su personaje principal, Pepa Marcos ( Carmen Maura ), un artista de la voz, se desmaya mientras dobla la voz de Viena en una escena en la que Johnny (expresado anteriormente por el ex amante de Pepa, Iván) y Viena bromean sobre su pasado conflictivo. La película de Almodóvar también termina con una persecución y una mujer obsesionada que dispara al personaje principal. 

Un década después, en 1998, la columna de Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader incluía a  Johnny Guitar como una de las 100 mejores películas americanas. 

La película fue reconocida por el American Film Institute en  sus principales listas a inicios de este siglo XXI.

En 2008, la Biblioteca del Congreso seleccionó a Johnny Guitar para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos como "cultural, histórica o estéticamente importante".

También ha sido incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editadas por Steven Schneider y para Robert Ebert la incluyó en su particular lista de "Grandes películas".

En 2012, el director de cine japonés Shinji Aoyama nombró a Johnny Guitar como una de las mejores películas de todos los tiempos. Dijo: " Johnny Guitar es la única película que me gustaría rehacer algún día, aunque sé que es imposible. Probablemente sea la más cercana a la peor pesadilla que pueda tener. Estoy seguro de que mi deseo de rehacer esta película proviene de Mi torcido pensó que quiero rehacer mi propia pesadilla ". 

Para críticos actuales , hoy algunos de ellos fallecidos como Roger Ebert en su web rogerebert.com "La película tiene momentos extraordinarios (...) Es fascinante verla a ella y a Johnny usando palabras como si fueran armas de amor (…) "

Dave Kehr en otro diario de Illinois, el Chicago Reader señala que "A pesar de toda su violencia, es una película muy tierna y sensible (...) Con una inolvidable Mercedes McCambridge haciendo de némesis de Crawford"

Richard Brody en el The New Yorker comenta que  "Nicholas Ray es el director de Hollywood más emocionalmente furioso, extremo y sensible"

Para Scott Tobias de AV Club se trata de "Una película tan singular no es fácil de definir (...) Ray aportó una sensibilidad de izquierdas, feminista y revisionista que estaba 15 años adelantada a su tiempo"

Calum Marsh de Slant escribe que "Hay tantas cosas escondidas más allá de la superficie (...) Consigue humanizar el drama y la política del Macartismo al mismo tiempo que la transforma en algo casi surrealista (…) "

Para Bruce Bennett de IndieWire comenta que "En su primer tercio, 'Johnny Guitar' es una obra ingenuamente elaborada de teatro filmado (...) El espacio principal del salón es tan extrañamente moderno que podría ser obra del (...) arquitecto de producción Ken Adam."

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian señala que es "Un western brillante, inolvidable y extraño (...) Un drama psicológico extraordinario (…)"

También desde las islas bitránicas  Tom Huddleston en Time Out dice que "Joan Crawford se sale de la pantalla en este emocionante y magistral western freudiano (…) "

Para  Kim Newman de Empire se trata de "Un western verdaderamente alocado, con localizaciones vívidas y coloridas y una intensidad casi operística de violencia física y emocional (…) "

En España Fernando Morales en  El País afirmaba que es "Uno de los mejores westerns de la historia (...) bellísima partitura musical de Victor Young y unas sobresalientes interpretaciones"

Terencia Moix en el tercer volumen de su Historia del Cine publicada por la revista Blanco y negro de ABC dice de Johnny Guitar que "es una de las cumbres del romanticismo cinematográfico , más allá de las coordenadas de western psicológico entonces de moda. Sigue siendo un filme majestuoso, poco comprendido en su momento".

Para muchos críticos, incluido Roger Ebert ,  han señalado que la película es un comentario oculto sobre la caza de brujas de McCarthy momento en que fue filmado y lo considera una parábola sobre la situación política de Estados Unidos en ese momento. Se sospechaba que Nicholas Ray simpatizaba con los comunistas, pero su productor Howard Hughes lo estaba protegiendo de las investigaciones en curso.

Es una gran película que responde un poco a esa idea que dio Eric Rohmer sobre el director "Nicholas Ray , es un poeta" o como señaló Terenci Moix refiriéndose al director , pero también y en concreto a Johnny Guitar, como una característica de la película y del director: "la capacidad de dotar a sus personajes de carga lírica que le hace sobresalir en sus relaciones con ambientes a menudo hostiles".

Para mi la película contiene los más impresionantes diálogos de un western en sus 45 primeros minutos. Como amante de los western lo consideró una inmensa obra de arte. Además rodada en esa ciudad y sus alrededores que alcancé desde Flagstaff de casualidad para descubrir un espacio en el que vi por primera y única vez en mi vida un diminuto colibrí volando. Un lugar de película.

Sed de mal

Tras una semana embarcado en un crucero, poco tiempo he tenido para ver películas o series. He ido durante el vuelo avanzado en una de ellas, la irregular Waynard Pines, pero es imposible sacar tiempo entre desembarcos, visitas y actividades de juegos, bailes, piscinas, jacuzzi, actuaciones , y por no hablar de los desayunos- en ocasiones triples, comidas, en ocasiones dobles, meriendas con cervecitas incluidas y cenas, siempre elegantes, aunque alguna informal.Vamos , un sin vivir.

Con todo, una vez de retorno, y sobreviviendo al crucero por el Báltico, vuelvo a mi rutina de ver y escribir sobre lo que veo, como es evidente, para que no me olvide. Y he vuelto a lo grande, con la última película que hizo Orson Welles para una de las grandes productoras, la Universal Pictures, con actores de peso que optaron en algunos casos por hacer un mínimo cameo, y con un producto final con el sello de un buen cine negro, de lo mejor, en blanco y negro.

La película se llamó Touch of Evil o en España, Sed de mal y fue estrenada el año 1958 . Para muchos críticos, éste es el último gran filme del período clásico del cine negro estadounidense.

La película pivota sobre Orson Welles que aquí hace de director y guionista, qudeando la producción en manos de Albert Zugsmith como representante de la Productora Universal Studios quedándose igualmente con la distribución . La Universal Pictures invirtió un presupuesto de $829,000 y que fue recuperado con una recaudación que alcanzó los $2,237,659  de dólares. 

La película parte del guión firmado por Orson Welles aunque basado en la obra de Badge of Evil (1956), escrita por Whit Masterson. Orson Welles afirmó haber leído sólo "Badge of Evil" de Whit Masterson , la novela en la que se basó la película, después de haber completado la película y declaró que basó su reescritura del guión sobre el tratamiento inicial de Paul Monash . 

La película cuenta con una banda sonora de altura con toques jazzísticos de corte latino compuesta por Henry Mancini así como con la inmensa fotografía de  Russell Metty y un montaje complejo en el que intervinieron Aaron Stell , Virgil Vogel y Walter Murch.

Los actores protagonistas que encabezan el reparto son Charlton Heston como Ramon Miguel Vargas , Janet Leigh como  Susan Vargas y Orson Welles como el Comisario de policía Hank Quinlan . Junto a estos tres , en la película participan Joseph Calleia como  Pete Menzies , Akim Tamiroff como Tío Joe Grandi , Joanna Cook Moore como  Marcia Linnekar , Marlene Dietrich como  Tanya , Ray Collins como el fiscal de distrito de Adair,  Dennis Weaver como el director nocturno del Motel Val de Vargas como Pancho , Mort Mills como Al Schwartz , Victor Millan como Manolo Sánchez,  Lalo Rios como Risto , Phil Harvey como Blaine,  Joi Lansing como Zita o "rubia",  Harry Shannon como el jefe de policía Pete Gould, Rusty Wescoatt como Casey , Wayne Taylor como miembro de una pandilla , Ken Miller como miembro de una pandilla , Raymond Rodríguez como pandillero,  Arlene McQuade como Ginnie,  Dan White como Guardia de Fronteras , y una fugaz participación de Zsa Zsa Gabor como dueña del club de striptease , su hermana Eva como una de las Streaper del local, Mercedes McCambridge como miembro de la banda,  William Tannen como Howard Frantz y Joseph Cotten como detective . 

En una ciudad fronteriza entre México y los Estados Unidos , Los Robles, vemos como alguien vigila desde la distancia y a la vez instala una bomba de relojería en un automóvil.

El coche pertenece a Rudy Linnekar (Jeffrey Green) que va acompañado de una  mujer rubia Zita (Joi Lansing). Ambos entran en el vehículo y hacen un corto  viaje a través desde  la ciudad a la frontera de Estados Unidos. 

En paralelo en un maravilloso plano secuencia conocemos a otra pareja, la formada por Miguel "Mike" Vargas ( Charlton Heston ), un funcionario o agente de la policía mexicana de narcóticos  que llega a la frontera mexicana con su reciente y  joven esposa- están recién casados-   Susie ( Janet Leigh ) que van a pasar al otro país a pie. En ese momento el coche cruza la frontera, y luego explota. 

Al darse cuenta de las implicaciones que tiene para su país el estallido de una bomba mexicana explotando en suelo americano, Vargas se interesa por la investigación, aunque la misma recae en  el Comisario de policía Hank Quinlan (Orson Welles) que se hace cargo de la investigación por parte norteamericana. Mike Vargas   y Susan Vargas  interrumpen su viaje de luna de miel después de presenciar en la frontera la explosión del auto que resulta ser conducido por un mafioso de la droga. 

Quinlan (Welles), es el jefe de la policía local, muy conocido en la zona por sus métodos expeditivos y poco ortodoxos. 

En la investigación participa además el jefe de policía Pete Gould ( Harry Shannon ) y el fiscal de distrito de Adair ( Ray Collins ) que llegan al lugar, que preceden a la llegada del capitán de la policía Hank Quinlan ( Orson Welles ) y su subordinado Pete Menzies ( Joseph Calleia ) .

Quinlan es un hombre obeso y desaliñado que vive de glorias pasadas y que visita regulamente  un burdel dirigido por Tanya ( Marlene Dietrich ), a la que apenas lo conoce. 

El principal sospechoso de Quinlan y Menzies es Sánchez, un joven mexicano casado en secreto con la hija de la víctima ( Joanna Moore ). Hank Quinlan (Orson Welles) no duda en fabricar pruebas falsas para acusar a un joven que él cree culpable de colocar la bomba. Ambos interrogan a Sánchez en su apartamento con Vargas presente. Vargas visita el baño y golpea accidentalmente una caja de zapatos que está vacía. 

Momentos más tarde, el ayudante Menzies entra en el baño y anuncia que dos palos de dinamita se encontraron en la misma caja de zapatos. 

Vargas, es consciente de que no es cierto y  acusa a Quinlan de crear evidencias falsas y comienza a sospechar que puede haber estado haciéndolo durante años, para ayudar a ganarse el prestigio que tiene al otro lado de su frontera.

Quinlan rechaza la afirmación de Vargas, diciendo que sólo está sesgado a favor de los compatrotas mexicanos. 

Estas acusaciones, junto con la presión del tío Joe Grandi ( Akim Tamiroff ), el hermano de un hombre al que Vargas ha estado investigando, se combinan con el fin de desacreditar a Vargas.  

Con la asistencia del Asistente del Fiscal de Distrito, Al Schwartz ( Mort Mills ), Vargas estudia los registros públicos de los casos anteriores de Quinlan, revelando sus hallazgos a Gould y Adair. Quinlan llega a tiempo para escuchar la discusión y amenaza enojadamente renunciar. 

Todo esto hace que Quinlan -que ha estado sobrio durante 12 años- vuelva a caer en la bebida y que empiece una lucha feroz   entre los dos hombres, en la que cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro. 

Vargas sabe que las pruebas no son reales e inicia su propia investigación, donde descubre que Quinlan y unos mafiosos fronterizos están directamente relacionados con el asesinato. 

Susie Vargas, por su parte, se traslada de su hotel mexicano a un remoto motel americano para escapar de la atención no deseada de Grandi. 

El motel, que Menzies le recomendó, no tiene otros huéspedes y sólo cuenta con un gerente de noche muy peculiar ( Dennis Weaver ), El hotel es propiedad de Grandi que, de golpe se llena de miembros de la familia de Grandi, un mafioso fronterizo,  que se apoderan del motel y aterrorizan a Susie. 

Quinlan que conspira junto a Grandi, hace el  arreglo para que Susie fuera dejada en la habitación inconsciente, tras su secuestro y hacerla àsar como que ha tomado una dosis excesiva de drogas colocando drogas alrededor de su cuerpo inconsciente. Quinlan, además, invita a la escena a Grandi,  que lo ha preparado todo y al que lo estrangula y dejando su cuerpo junto al de Susie, todavía inconsciente, en la habitación  para desacreditar al honesto oficial de narcóticos, Vargas y con el fin de que este desista de su investigación.

Vargas se preocupa cuando sus intentos de llamar a Susie en el motel están bloqueados. Vargas inicia una carrera contra el tiempo en la que acumula las pruebas suficientes para desenmascarar al sucio jefe Quinlan y así salvar a su esposa. 

Sin embargo, agotado, borracho y con el remordimiento de haber matado a Grandi, Quinlan descuidadamente se deja su bastón en la escena del crimen, lo que le implica a sí mismo. 

Cuando Susie se despierta, ve el cuerpo de Grandi, y grita pidiendo ayuda , siendo arrestada bajo sospecha de asesinato. 

Vargas confronta a Menzies sobre la historia de la evidencia "descubierta" por Quinlan. Cuando va al motel a por Susie,  no puede encontrarla, y tras ello, Vargas se entera de que el motel es propiedad de Grandi y que le han robado la pistola. Se apresura a regresar a la ciudad y entra en un bar, donde se enfrenta a los pandilleros que atacaron a su esposa. Cuando se niegan a contestar sus preguntas, Vargas los golpea violentamente, destruyendo la barra en el proceso. 

Al Schwarz (Mort Mills)  luego informa a Vargas que Susie ha sido arrestado por asesinato. En la cárcel, Vargas la encuentra apenas consciente. Menzies revela a Vargas que descubrió el bastón de Quinlan en la escena del crimen. Vargas amenaza a Menzies y le obliga a colaborar con él.

Cerca de un campo de petróleo, Menzies se encuentra con Quinlan, mientras que es seguido a pie por Vargas, que está grabando la conversación. Quinlan admite a Menzies que él colocó las evidencias inculpatorias, pero insiste que lo hizo solamente porque él sabía que eran culpables. 

Quinlan escucha un eco procedente del micrófono secreto y le echa en cara que la traición a Menzies. Quinlan exige a Vargas se muestre. Quinlan entonces dispara a Menzies con el arma de Vargas, que él había robado anterior del maletín de Vargas.

Quinlan se prepara para disparar a Vargas (diciendo que puede afirmar que Vargas estaba resistiendo a la detención), pero que, en cambio, es disparado  en el acto final por un Menzies moribundo. Quinlan se tambalea y cae hacia atrás en una inmunda pileta de aguas residuales y muere. 

Poco después llega Al Schwartz  a la escena y le dice a Vargas que la dinamita plantada era innecesaria porque Sánchez confesó el crimen. 

Más tarde, Schwartz le pregunta a Tanya, (Marlene Dietrich) una misteriosa y enigmática gitana que en el pasado tuvo una relación con Hank Quinlan, y que había presagiado el triste y fatídico final de éste. mientras se aleja, lo que tiene que decir sobre Quinlan y Tanya responde: "Él era un granhombre, ¿qué importa lo que digan los demás?" Acabando así la película. 

La película tiene lugar en una ciudad fronteriza de ficción mexicana, Los Robles, y se completó en 39 días. Orson Welles insistió en rodar en una ciudad real siendo en su elección inicial Tijuana, pero la película se rodó en la localidad de Venice, en Los Angeles, y en los Universal Studios sitos en el 100 Universal City Plaza, Universal City, de California. 

Touch of Evil significó el regreso de Welles a la producción en Estados Unidos, después de haber rodado tres filmes fuera de su país natal, Macbeth (1947)- ya visto en este blog- , Otelo (1952) y Mister Arkadin (1955).

Lo cierto es que el proyecto llegó a manos de Welles en una época en que éste no gozaba de buena fama entre los productores de Hollywood, ya que muchos lo consideraban un director difícil , engtre otras cosas, por no ser capaz de cumplir con un plan de trabajo.

Hay dos historias de cómo Welles terminó dirigiendo Touch of Evil . Charlton Heston recordó que Welles fue contratado originalmente para actuar sólo en la película, no para dirigir o escribir. Sin embargo, la Universal estaba dispuesto a asegurar a Heston parab la película pero éste exigió que el estudio confirmara al director antes de que él firmara. Después de enterarse de que Welles estaba en el reparto, Heston expresó su mayor interés en protagonizar si Welles la dirigía.

La otra historia es que Welles había trabajado recientemente con el productor Albert Zugsmith , conocido como el "Rey de la series B", en una película llamada Man in the Shadow y estaba interesado en dirigir algo para él. Zugsmith le ofreció un montón de guiones, de los cuales Welles pidió lo peor para demostrar que podía hacer una gran película con un mal guión. En ese momento, el guión se llamaba Badge of Evil , basado en una novela de Whit Masterson. Welles hizo una reescritura y la llevó a la producción. 

Lo cierto es que después de una década en Europa en la que completó sólo tres películas, Welles estaba ansioso por dirigir de nuevo a Hollywood, por lo que aceptó asumir el papel de Quinlan. 

Welles tuvo a su servicio un buen numero de actores y actrices notables que aparecen  en grandes y pequeños papeles.

Charlton Heston citó entre sus errores no haber ensayado  un acento hispano para su papel de polícía mexicano que lucha contra el narcotrafico siendo uno de los mayores errores que cometió como actor.

Janet Leigh afirmó estar absolutamente aterrorizada cuando filmó la escena donde está amenazada en su habitación de motel.

Orson Welles escribió el papel de Marlene Dietrich después de que la película ya había comenzado a rodarse, llamándola la noche antes de que él quisiera filmar sus escenas para ofrecerle el papel. Y lo cierto es que Dietrich tiene un papel fundamental , aunque aparezca en cuatro escenas cruciales incluyendo la final.

También tuvo a su mando a Zsa Zsa Gabor y a su hermana , que aparece brevemente como el empresario de un club de striptease. La dos Gabor aparecen al ser amiga del productor. Por su parte, Zsa Zsa Gabor está en pantalla durante 20 segundos como mucho.

La ganadora de un Oscar Mercedes McCambridge sólo aparece en la película porque estaba almorzando con Orson Welles durante la filmación y Welles la convenció para filmar una escena. Él la había llevado una chaqueta de cuero, se cortó el pelo y hizo que su personaje dijera la línea siniestra, "Quiero ver".

Dennis Weaver interpreta a un empleado nocturno en un motel, en una prodigiosa actuación. A Heston le gustaba Weaver y su trabajo cinematográfico.

Muchos de los actores trabajaron por salarios más bajos sólo para hacer una película con Welles. El papel de Marlene Dietrich fue una sorpresa para los productores y aumentaron su sueldo para poder anunciar su participación en la película aunque ella iba a trabajar por lo mínimo que se requería según el convenio del sindicato de actores. 

El amigo de Welles y el colega Joseph Cotten en el teatro de Mercury aparece aunque  no acreditado como el forense. 

El agente de Janet Leigh rechazó inicialmente su participación en esta película debido al bajo salario ofrecido incluso sin consultar a la actriz. Orson Welles , anticipando esto, envió una carta personal a la actriz, diciéndole cuánto esperaba que trabajaran juntos. Leigh, furiosa, se enfrentó a su agente diciéndole que ser dirigida por Welles era más importante que cualquier cheque de pago. 

Janet Leigh recordó cómo Welles pidió la entrada de los actores en el reparto: "Comenzó con los ensayos. Ensayamos dos semanas antes del rodaje, lo cual era inusual. Reescribimos la mayor parte del diálogo, todos nosotros, que también era inusual, y el Sr. Welles siempre quiso nuestra aportación. Fue un esfuerzo colectivo, y hubo una oleada de participación, de creatividad, de energía. Podías sentir el pulso creciendo mientras ensayábamos. Sentías que inventabas algo mientras avanzabas. El señor Welles quería aprovechar cada momento. No quería un solo momento. Te hizo sentir que estabas involucrado en un maravilloso evento que estaba sucediendo ante tus ojos". 

Welles realizó la producción a tiempo, un día después de lo convenido, y  entregó un corte bruto a la Universal, y estaba convencido de que su carrera en Hollywood estaba de vuelta. Sin embargo, la película fue reeditada (y en parte re-filmada) por la Universal International . El proceso de edición fue prolongado y disputado, y la versión finalmente lanzada no era la película que ni la Universal oni la que Welles habían esperado. Fue lanzado como una película B , la mitad inferior de una doble función. La película A fue The Female Animal , protagonizada por Hedy Lamarr , producida por Albert Zugsmith y dirigida por Harry Keller, a quien el estudio había contratado para dirigir el material redirigido en Touch of Evil . Las dos películas tenían incluso el mismo camarógrafo, Russell Metty . 

A la película de Welles se le dio poca publicidad a pesar de las muchas estrellas en el reparto. Aunque tuvo poco éxito comercial en Estados Unidos  fue bien recibido en Europa, particularmente por críticos del Cahiers du Cinema como el futuro cineasta François Truffaut . Sin embargo, la película fue un fracaso de la taquilla en los EE.UU.  pero fue bien recibido en Europa. 

La película comienza con un palno secuencia de tres minutos y veintidós segundo considerado ampliamente por los críticos como uno de los mayores largos en la historia del cine. 

Según un artículo publicado el 4 de septiembre de 1960 en el New York Times, Marlene Dietrich consideró que su papel de Tana o Tanya era uno de sus favoritos y afirmó que hizo su mejor actuación dramática en la última escena, en la que declara: ¿No importa lo que diga acerca de la gente? " También dijo que sus escenas fueron filmadas en una sola noche. 

La película fue rodada en un riguroso blanco y negro por el director de fotografía Russell Metty, quien usó una luz fuerte y los altos contrastes entre sombras y zonas iluminadas que ayudan a crear la densa atmósfera del filme. A esto se sumó que Orson Welles quiso rodar predominantemente por la noche a fin de defenderse de un estudio como el de la Universal que él consideraba  entrometido.

El largo plano secuencia de 3 minutos con el que inicia la película tardó 15 días en llevarse a cabo y se transformó en un plano mítico dentro de la historia del cine.

A pesar de la especulación popular, Orson Welles lleva maquillaje a lo largo de la película. Durante horas cada noche, le añadían libras y libras de maquillaje sobre él, y usaban prótesis para su rostro. Una vez dijo que se había ido tarde a una cena en su casa durante la filmación, y llegó con su maquillaje puesto. Una  actriz se le acercó cuando entró y con toda seriedad dijo: "¡Orson, te ves maravillosa!". Orson Welles se transformó además con 30kg de prótesis de cuerpo y maquillaje, junto con una nariz falsa, para interpretar a un hombre 20 años mayor que él.

Orson Welles quería que los créditos aparecieran al final de la película para no distraer al público del largo (y famoso) primer plano de seguimiento. Finalmente consiguió su deseo con la versión alternativa 1998, presentada como la del  "corte del director". Sin embargo, la versión que se estrenó teatralmente en 1958, los créditos aparecieron al principio de la película, superpuesta a la ya famosa secuencia de apertura.

Orson Welles inicialmente despreció el título de "Touch of Evil", no teniendo nada que ver con su concepción. A lo largo de los años, sin embargo, le gustó, y finalmente lo consideró el mejor título de todas sus películas.

Orson Welles declaró que su objetivo con la película era enfurecer a la audiencia con la trama, de la misma manera que Howard Hawks hizo con El sueño eterno (1946).

Debido al montaje de la misma, la historia se volvió aún más confusa una vez que el estudio recortó y la montó son seguir lo acordado por el director. Orson Welles declaró que su objetivo con la película era enfurecer a la audiencia con la trama, de la misma manera que Howard Hawks hizo con El sueño eterno (1946). La historia se volvió aún más confusa una vez que el estudio recortó la imagen.

Como ya hemos dicho, Orson Welles fue contratado originalmente sólo para actuar en la película, pero debido a un malentendido, Charlton Heston pensó que Welles iba a ser el director. Para mantener a Heston contento, el productor Albert Zugsmith le permitió a Welles dirigir. Welles hizo cambios importantes en el guión ya terminado, incluyendo cambiar el carácter de Heston de un fiscal de distrito blanco a un agente mexicano de narcóticos, cambiar el personaje de Janet Leigh de mexicana a estadounidense, y cambiar el escenario de la película de una pequeña ciudad de California a una ciudad fronteriza mexicano-americana.

Para 1993, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Lo cierto es que su estreno se dio en la Feria Mundial de Bruselas de 1958, donde los jueces (y luego los críticos) como Jean-Luc Godard y François Truffaut le otorgaron el primer premio. Se dijo que la película tuvo una gran influencia en el inicio de las  carreras de Godard y Truffaut, quienes en un año realizaron sus primeras películas, Al final de la escapada (1960) y Los 400 golpes (1959), respectivamente.

Después de terminado el rodaje, los productores vieron el material y se extrañaron del camino tomado por el director. Consideraron que la película era demasiado confusa, por lo que la reeditaron e incluso rodaron escenas adicionales (con un director diferente) a espaldas de Orson Welles, que por aquel entonces se encontraba en España tratando de cumplir su sueño de rodar una adaptación de El Quijote.

Ese primer montaje concebido por los productores fue el estrenado en el año 1958 y significó un enorme fracaso comercial y de crítica , al menos, en los Estados Unidos.

La restauración de 1998 debía estrenarse en el Festival de Cannes de 1998. Sin embargo, el día antes del estreno, la muestra fue cancelada por Beatrice Welles (la hija de Orson Welles ), que tiene una larga historia de interferir con las proyecciones de la obra de su padre a través de amenazas de litigio.

En honor  a la verdad hay que decir que una vez rodada la película en Venice, a su regreso a Los Ángeles, Welles lamentó la decisión de los productores e insistió en que, para que la obra pudiese considerarse suya, se debían seguir una serie de indicaciones para realizar un nuevo montaje del filme. Las indicaciones para ello fueron plasmadas por Welles en un extenso documento de 58 páginas que dirigió a la Universal, compañía productora de la película. Este documento (que se creía perdido y del que por fortuna Charlton Heston guardaba una copia), sirvió de base para realizar en 1997 una nueva versión restaurada de Touch of Evil, la misma que fue estrenada en cines en 1998 y en DVD en el año 2000, 15 años después de la muerte Welles.

Después de terminar una primera edición, Orson Welles fue a México para iniciar otro proyecto. Regresó a los Estados Unidos para encontrar su película completamente recortada por el estudio, que estaba preocupado por la viabilidad comercial de la película.

Son tres las versiones de la película se han lanzado: La versión original de 1958 (93 minutos) difería sustancialmente del corte original de Welles, tanto en la edición como en la adición de nuevas escenas dirigidas por Harry Keller. Esta versión ya no existe. Welles afirmó que se hicieron sin su conocimiento, pero la Universal afirmó que Welles ignoró las solicitudes del estudio para regresar y emprender nuevos trabajos. Fue en este punto en que entró en juego Keller y rodó parte de su material   totalmente nuevo, otros reemplazaron las escenas de Welles.

Welles proyectó el nuevo corte y escribió un memorándum de 58 páginas al jefe de producción de Universal, Edward Muhl, detallando lo que él pensaba que era necesario hacer para que la película funcionara. Sin embargo, muchas de sus sugerencias fueron desatendidas y Touch of Evil fue finalmente lanzado en una versión de 93 minutos.

Una versión de 108 minutos lanzada en 1976 que incorporó material cortado del lanzamiento de 1958. Lo cierto es que a mediados de la década de 1970, Universal descubrió que llevaba una copia de 108 minutos de Touch of Evil en sus archivos. Consciente de que había un creciente interés en el trabajo de Welles, el estudio lanzó esta versión a los cines en 1976 y más tarde la publicó en video, calificándola de "completa, sin cortes y restaurada". De hecho, esta impresión no era una restauración en absoluto, sino una versión preliminar   de Welles. Tenía algunas escenas vitales de Welles que corte universal de la versión de lanzamiento, la versión de vista previa también ofreció más material de Keller que la versión de lanzamiento.

Por último está la versión lanzada en 1998 que aplicó las notas de Welles de su memoria larga al estudio. Welles escribió este memorándum en diciembre de 1957 después de ver una versión que incorporaba las escenas de Keller, y que había sido editado sin la participación de Welles. En 1998, Walter Murch , trabajando con todo el material disponible, reeditó la película basada en el memorándum de Welles, con Rick Schmidlin quien produjo la reedición y con la ayuda de Bob O'Neil, director de restauración de películas de Universal, y Bill Varney , vicepresidente de Operaciones de Sonido de Universal, participó en la restauración.

Como el corte bruto de Welles ya no existe, no es posible un verdadero "corte del director", pero Murch fue capaz de montar una versión que incorpora la mayor parte del material existente, omitiendo algunas de las escenas de Keller (aunque algunas fueron retenidas , ya sea porque habían reemplazado las escenas de Welles que ya no existían y eran necesarias para la trama, o porque Welles había aprobado su inclusión). Además, algunas de las quejas de Welles se referían a sutiles opciones de sonido y edición, y Murch reeditó el material en consecuencia.

Los cambios notables incluyen el retiro de los créditos y de la música de Henry Mancini de la secuencia de la abertura,  y la eliminación de la escena del pasillo del hotel de Harry Keller. Rick Schmidlin produjo la edición de 1998, que tuvo un limitado pero exitoso lanzamiento teatral (de nuevo por Universal) y posteriormente se hizo disponible en DVD .

Fue originalmente programada para ser estrenada en el Festival de Cannes 1998 con Janet Leigh, Walter Murch y Rick Schmidlin asistir, la proyección se canceló 11 horas después de las amenazas de litigio de la hija de Welles, Beatrice Welles . Su demanda contra Universal, por no consultarla o obtener su consentimiento antes de la reelaboración de Touch of Evil , se resolvió fuera de la corte. . Welles más tarde dijo que sólo había pedido a Universal que le informara sobre lo que se estaba haciendo, y cuando fue ignorada le dijo al Festival de Cannes que la restauración no fue sancionada por el Welles Estate. "Lo vi más tarde y fue maravilloso", dijo. "Pensé que hicieron un trabajo asombroso y estaba muy bien hecho, era lo que él quería y tenía mucho más sentido que esa pesadilla cortada que había antes.Está bien y era suyo.Si me hubieran dicho que de desde el principio, nada de eso hubiera sucedido ".

La crítica actual en los Estados Unidos la elogia. Kenneth Turan en las páginas de Los Angeles Times ijo de ella que era "Expresionista al extremo (...) la película eleva el habitual ambiente perturbador del cine negro a un nivel al que pocas películas han apuntado"

Para Michael Wilmington del Chicago Tribune estamos ante "Un maravilloso regalo que ningún cinéfilo debería perderse"

Según Andy Seiler en USA Today a destacar "Un drama criminal oscuro y extravagante" . Por su parte, Roger Ebert en la web rogerebert.com dice que "Los destinos de todos los protagonistas están relacionados de principio a fin, y la fotografía lo ilustra atrapándolos en los mismos planos, o relacionándolos a través de los cortes (…)" E

Para Howard Thompson en el The New York Times entiende que "Gracias a Orson Welles, nadie, y nos referimos a nadie, se dormirá durante 'Touch of Evil' (...) Welles es un obvio pero brillante saco de trucos."

En el Reino Unido Angie Errigo en Empire destacaba la "Increíble fotografía e interpretada con brillantez, es sin duda una de las películas criminales más influyentes de la historia (…) ; mientras que    Peter Bradshaw en The Guardian se trata de "Un drama noir brillante (...) Orson Welles hizo una de sus interpretaciones más Shakespearianas (…) "

Geoffrey Macnab en The Independent es "[Una] obra magnífica (...) Marlene Dietrich le da una de las mejores interpretaciones de la historia del cine."

Para   Joshua Rothkopf de Time Out se trata de "Una lección maestra de tensión, estilo visual y excesos de serie B (…) "

Por útimo Keith Phipps de AV Club afirma que "La cima de todos los dramas criminales duros que invadieron los cines tras la Segunda Guerra Mundial."

La crítica en España dijo sobre ella que es una "Obra maestra de Welles de deslumbrante reparto y compleja historia sobre el poder y la corrupción. Atención a su espectacular plano secuencia de apertura, un prodigio de dominio de la técnica y puesta en escena, y sin duda uno de los mejores comienzos de la historia del cine", según Pablo Kurt en filmaffinity.

Para  Fernando Morales en las páginas del  diario El País se trata de un"Sobresaliente filme (...) la magnífica dirección de Orson Welles eleva a la categoría de clásico esta intriga policiaca (...) ejercicio de estilo inigualable"

La película , además de ser preservada por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, fue incluida entre los "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider , y en la lista de "Grandes Películas" de Roger Ebert .

La película es una joya técnica. Una obra de arte. Sólo por su plano secuencia inicial que supera los tres minutos, con música de Henry Mancini, ya merece verse. A esto se le unen los juegos tenebrosos de luces y sombras. Vamos toda una joya de buen cine.


Para terminar usaré las palabras escritas por Guillermo Cabrera Infante sobre esta película en Cine y Sardina, en concreto en su artículo Marlene cuenta el tango. El escritor cubano nos cuenta que de sus últimas actuciones: "la mejor actuación de Marlene se la regaló a Orson Welles - y casi sin cobrarle- en Sed de mal---Marlene toda de negro , era Tana, una puta envejecida que es ahora una cartomántica cerca de la frontera. "Adiviname el futuro", le pide Orson  disfrazado de hombre gordo. El es un policía corrupto y ella su vieja novia: tan vieja que ninguno de los dos recuerda su primer beso. "Npo tiene futuro , querido", dice Marlene "Lo has malgastado todo". Pero , dice el escritor cubano, ninguno de los dos tiene futuro ni fruto.

Esta es la última película de Welles en Hollywood y Marlene, al usar una peluca negra, gastó su imagen de rubia. Orson dijo de ella , más bien profetizó "Es un último gran papel". Al final de la película, con el policía Hank  Quilan abatido por su segundo un segundo antes, alguien le pregunta a Marlene  qué pensaba del muerto. "Era una clase de hombre", queriendo decir de lo que ya no hay. Palabra de un cervantino cubano, pero cervantino. Mis saludos, maestro.